Kocham muzykę i kocham Boscha. A oto Bosch muzyka polifoniczna nie aprobował, uznał to za wymysł diabła i zesłał wszystkich muzyków do piekła. Jednak sam też się tam wysłał. Musiał potajemnie lubić muzykę, zwłaszcza gdy był pijany. Jak to rozumieć? Z jego obrazów. Ale najpierw najważniejsze. Pijany mistrz nadal będzie się pojawiał w naszej historii.
Jeroena Antonisona van Akena to się właściwie nazywa Hieronim Bosch (1450-1516). Nawet jego prawdziwe imię pozostaje dziś dla wielu tajemnicą. Co możemy powiedzieć o jego obrazach? Prawdziwe nazwy obrazów nie zachowały się do dziś. A co z symbolami, które widzimy na dziełach mistrza?
Z biegiem czasu wiele z nich albo zmieniło swoje znaczenie, albo zaginęło. Dla większości ludzi Bosch stał się fajnym artystą, który przedstawiał wszelkiego rodzaju psychodeliczne śmieci. A tak po prostu wcale nie jest. Hieronim Bosch był bardzo wykształcona osoba swojej epoki. Jego obrazy są tekstem najgłębszym pod względem poziomu.
Właśnie tekst, bo Bosch przede wszystkim należy do kultura książki prowadzony przez Biblię. W przeciwieństwie do wielu jemu współczesnych, artysta był osobą piśmienną, dobrze zorientowaną w Piśmie Świętym. główne zadanie jego kreatywność - przekazać treść masom. To naturalne, aby pokazać ludziom całe znaczenie głównej księgi chrześcijaństwa.
Prawie wszystkie jego obrazy to tryptyki. To wielopoziomowy tekst, który musimy odbierać etapami, jak powieść. Dopiero wtedy może nam objawić się jego znaczenie. Świętujmy Boscha!
W tym miejscu pozwolę sobie na małą dygresję. Jeśli chcesz zapoznać się z obrazami mistrza, udaj się do muzeum w jego rodzinnym Hertogenbosch w Holandii. Chociaż są kopie prac, można ich dotknąć. Otwarte i zamknięte. Prado ci na to nie pozwoli. I nie ma tłumów turystów, wszystko można zobaczyć w szczegółach.
Zacznijmy od jego tryptyku „Wóz z sianem”. Skrzydła są zamknięte i widzimy obraz o nazwie „Podróżnik”. I to jest pierwsza nieścisłość wprowadzona przez czas. Bosch nie interesował się zwykłymi podróżnikami. Tutaj mówimy o czymś innym. Widzimy wyraźne odniesienia do biblijnej przypowieści „Dobry Samarytanin”.
Jako jedyny zatrzymał się, by pomóc mężczyźnie, który został okradziony i pobity przez rabusiów. Ale tutaj widzimy inny punkt. Decyzja nie została jeszcze podjęta. Osoba zatrzymała się, ale jest zdezorientowana, nie wie jeszcze, co należy zrobić: pomóc lub iść dalej.
Nawiasem mówiąc, postać podróżnika na zdjęciu jest portretem samego Boscha. Artysta był stałą postacią na własnych płótnach. Obraz nie daje żadnych odpowiedzi, wybór należy do ciebie i otwierasz drzwi.
Lewa strona to historia Adama i Ewy w raju. I znowu wybór, którego konsekwencją jest wypędzenie pierwszych ludzi z Edenu.
Historia toczy się dalej. W centralnej części widzimy wóz z sianem. To chyba jedna z najciekawszych alegorii ludzkiego życia. Widzimy, jak wszyscy starają się dostać na ten wózek. Jest odbiciem ludzkiego szczęścia, ideałem, ostatecznym marzeniem. W imię swojego celu ludzie zabijają się nawzajem, walczą, są gotowi znaleźć się pod kołami, zostać zmiażdżeni. Wszyscy patrzą tylko na górę wozu, ale nikt nie widzi, że do wozu zamiast koni zaprzężone są diabły. Wrzucają ją do piekła.
Bosch szydzi z królów i biskupów, zwykli ludzie nad fałszywymi prorokami i złodziejami. Wszyscy są ślepi. Wszyscy dają się nabrać na prostą sztuczkę. Żaden z nich nie może spojrzeć wyżej, aby zobaczyć Zbawiciela ponad całym tym światem. Ich wyborem jest wybór tego, co bliższe i bardziej zrozumiałe, a nie dostrzeganie istoty. Do końca nie wierz w koszmar.
A koszmar jest bardzo blisko. Życie jest krótkie i wszyscy tam idą. Wóz z sianem jedzie non stop do stacji "Piekło". Na prawym skrzydle znajduje się miejsce docelowe. Dlatego, kiedy ponownie zamykamy tryptyk, to w naszej głowie jest już odpowiedź na pytanie: „Co powinien zrobić Samarytanin: przejść obok czy pomóc?”. Drogą do zbawienia jest bezinteresowna pomoc bliźniemu.
Fakt, że Bosch doskonale znał Pismo Święte, potwierdza jego niezwykłe przedstawienie przedmiotów i zwierząt wspomnianych w Biblii. Weźmy na przykład jego obraz „Św. Jana Ewangelisty na wyspie Patmos. Jaka niezrozumiała postać znajduje się w prawym dolnym rogu? Jaka jest jego symbolika?
Staje się to jasne, jeśli spojrzysz na źródło. Otwieramy, czytamy:
„Z wyglądu szarańcza przypominała konie przygotowane do walki; a na jej głowach są jakby korony, które wyglądają jak ze złota, podczas gdy jej twarze są jak twarze ludzkie; a jej włosy były jak włosy kobiet, a jej zęby były jak zęby lwów. Była opancerzona jak żelazna zbroja, a hałas jej skrzydeł był jak stukot rydwanów, gdy wiele koni biegnie na wojnę; miała ogony jak skorpiony, aw jej ogonach były żądła ... ”
Oto twoje wyjaśnienie. To jest szarańcza. Hieronim Bosch nie traktował tekstu biblijnego jako metafory. Dla niego była to ostateczna prawda. Doszło nawet do zabawnych faktów związanych z niedokładnością tłumaczenia pismo na łacinę. W dwóch częściach tryptyku „Ogród rozkoszy ziemskich” pośrodku widzimy fontannę. Faktem jest, że św. Hieronim, tworząc tłumaczenie łacińskie Biblii, zastąpił słowo „źródło” słowem „fontanna”. Bosch nie wiedział, jak to drugie wygląda, więc uruchomił wyobraźnię. Ale ten obraz mistrza zdecydowanie wymaga bardziej szczegółowego opowiedzenia.
Znowu przed nami zamknięte skrzydła. To jest scena stworzenia ziemi. W lewym górnym rogu sam Bóg ze wzrokiem utkwionym w księdze. W obszarze - płaska ziemia właśnie przez niego stworzony. Świat jest księgą napisaną ręką Boga. Dwa powyższe napisy tłumaczą się następująco: „Powiedział i stało się”, „Rozkazał – i się ukazał”. Przed nami wyraźne odniesienie do ewangelii Jana i idea, że wszystko zaczęło się od słowa. Otwieramy drzwi...
Widzimy, jak zwierzęta rodzą się i nazywają Adam w Raju, w centrum - obraz alegoryczny radości życia, a po prawej wynik. Wynik jest rozczarowujący.
Na pierwszym planie mamy muzyków. Mówiłem już, że polifoniczny Muzyka Boscha uważa się za twór szatana. Więc umieścił mnie w piekle cała orkiestra. Jedna uwaga została napisana dokładnie w punkcie piątym. Reszta z nich gra. Dopiero teraz ich gra nie jest już przyjemnością, a torturą.
Powyżej sam artysta. Oto jest Duża twarz patrząc prosto na nas.
Dlaczego on się tak zachowuje? Za pijaństwo! Nogi postaci przypominają wysuszone pnie drzew. Pnie spoczywają na statkach - symbol chwiejnego, pijanego chodu. Wewnątrz jego ciała jest na ogół tawerna, w której biesiadują diabły. Ucztują, by potem urodzić się w jego głowie, zatańczyć w kółko i dostać się na płótno. Bezwzględny wobec ludzi Bosch traktował siebie z całą surowością. Ale on, jako twórca, zarządza całą tą imprezą na samym końcu.
Jego płótna zostały zniszczone, zapomnieli o nim przez kilka stuleci, ale w XX wieku znów okazał się swoim własnym, tak jasnym, tak żywotnym. Po tym, jak Nietzsche ogłosił, że Bóg umarł, został z nami tylko Bosch.
Na pośladkach grzesznika z „Muzycznego piekła” Hieronima Boscha (tryptyk „Ogród rozkoszy ziemskich”) widać nuty dziwnej melodii. Amerykański student zdołał rozszyfrować tę muzykę i wykonać ją.
Amelia Hamrick, studentka Chrześcijańskiego Uniwersytetu w Oklahomie:
„Postanowiłem przepisać tę melodię zgodnie z zasadami współczesnej notacji muzycznej, zakładając, że tonacją głosu dolnego jest C-dur, jak to było w zwyczaju w średniowiecznych chorałach”.
Amelia pisze, że razem ze swoim przyjacielem Łukaszem studiowali obraz Boscha, jak „Nagle, ku naszemu wielkiemu zaskoczeniu, znaleźliśmy piekielną muzykę na dnie jednego z torturowanych grzeszników, który bez przesady ma już ponad 600 lat”(obraz pochodzi z lat 1490-1510). Nagranie utworu zajęło jej około pół godziny. Po tym, jak post na Tumblr zebrał 50 000 polubień, Amelia ujawniła, że jej transkrypcja zawiera błędy i pracuje z Wydziałem Muzycznym Uniwersytetu Oklahomy nad nową, dokładniejszą interpretacją muzyki z pośladków.
„Ogród rozkoszy ziemskich” – najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, który wziął swoją nazwę od tematu części środkowej, poświęcony jest grzechowi rozpusty – Luksusowi. oryginalne imię ta praca Boscha nie jest znana na pewno. Naukowcy nazwali tryptyk „Ogrodem rozkoszy ziemskich”. Ogólnie rzecz biorąc, żadna z dostępnych dziś interpretacji obrazu nie jest uznawana za jedyną prawdziwą. Większość teorii na temat znaczenia obrazu rozwinęła się w XX wieku. Prawe skrzydło nazwano „Muzycznym piekłem” ze względu na wizerunki najczęściej używanych tu instrumentów w dziwny sposób: jeden grzesznik zostaje ukrzyżowany na harfie, poniżej lutnia staje się narzędziem tortur dla drugiego, „muzykiem” leżącym twarzą w dół, na którego pośladkach odciśnięte są nuty melodii. Wykonywany jest przez chór potępionych dusz na czele z regentem - potworem o rybiej twarzy. Wikipedii
Amelia Hamrick szybko zyskała zwolenników. William Esenzo aka Wellmanicuredman, niezależny artysta i kompozytor, skomponował choral i skomponował tekst piekielnej piosenki, która zawiera na przykład następującą linijkę: „Nasze osły śpiewają, gdy płoniemy w czyśćcu”.
Pełna wersja wierszy Williama:
Piosenka tyłka z piekła rodem
To jest piosenka tyłka z piekła rodem
Śpiewamy z osłów paląc się w czyśćcu
Piosenka tyłka z piekła rodem
Piosenka tyłka z piekła rodem
brytyjski Codzienna poczta nie mogło przejść obok tak intrygującego wydarzenia, publikacja podaje, że jest to pierwszy transkrypcja melodii od 600 lat. To nie jest prawda. W 2003 roku skład De jordiska fröjdernas paradis, stworzony na podstawie notatek z pośladków, wykonał szwedzki zespół Vox vulgaris. Kompozycja ukazała się na płycie CD zespołu .
 |
„Hieronymus Bosch (1450-1516) był dotąd znany tylko jako malarz, a Vox Vulgaris po raz pierwszy uważa go za kompozytora. Pięćset lat po śmierci autora „Raj ziemskich uciech” wystawiany jest po raz pierwszy, utwór muzyczny, oparty na fragmencie muzycznym, który ten niezwykły średniowieczny artysta umieszczony na męskim tyłku przedstawionym na tryptyku o tej samej nazwie. Mimo muzyki na płycie - średniowieczny, a instrumenty są autentyczne, szansa na to, że przynajmniej przybliżenie tego, jak muzyka mogła objawiać się w średniowieczu, jest tutaj znikoma. Nie szukamy żadnych prawd historycznych, a niektórych z nich nie da się znaleźć, nawet jeśli w ogóle istnieją. Zamiast tego, próbując znaleźć miejsce na ciernistej wyimaginowanej skali między zakutym w kajdany „autentycznym” a napiętym „rockowym”, dążymy do znalezienia trzeciej drogi, aby stworzyć muzykę, która jest zarówno całkowicie nowoczesna, jak i całkowicie średniowieczna. Uważamy, że jest to jedyny sposób na granie na żywo muzyka średniowieczna w naszych czasach, nawet jeśli widzimy tylko kilka zachowanych fragmentów muzycznych i instrumentów, co uważamy za niewyczerpane źródło twórczość muzyczna. Oczywiście, byliśmy pod wpływem całej muzyki i wszystkich wrażeń, których doświadczamy każdego dnia, niektóre z nich słychać w naszej muzyce. Nasza interpretacja odzwierciedla również wiedzę o średniowiecznym życiu, sztuce i religii. Dla wielu obraz średniowiecznego świata zamieszkują pieczone w całości świnie, szlachetni rycerze i cnotliwe lub niezbyt cnotliwe dziewczęta; nasz wybór jest zakorzeniony na peryferiach średniowiecznego społeczeństwa – wśród heretyków, pozbawionych kapłaństwa mnichów, biczowników i przywódców nieudanych powstań chłopskich. |
„Ogród rozkoszy ziemskich” – najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, który wziął swoją nazwę od tematu części środkowej, poświęcony jest grzechowi rozpusty – Luksusowi.
Hieronim Bosch (ok. 1460 -1516) Ogród rozkoszy ziemskich (tryptyk) Około 1500 r., Muzeum Prado, Madryt, Hiszpania. (wysoka rozdzielczość)
Oryginalny tytuł tej pracy Boscha nie jest na pewno znany. Naukowcy nazwali tryptyk „Ogrodem rozkoszy ziemskich”. Ogólnie rzecz biorąc, żadna z dostępnych dziś interpretacji obrazu nie jest uznawana za jedyną prawdziwą. Większość teorii na temat znaczenia obrazu rozwinęła się w XX wieku.
Hieronima Boscha. Ogród rozkoszy ziemskich. Prawica. Muzyczne piekło (fragment)
Jednak za ogromną liczbą opracowań poświęconych „Ogrodowi rozkoszy ziemskich” zaskakujące jest to, że tajemniczy fragment zapis nutowy, odciśnięty na pośladkach jednego z grzeszników, zwrócił na siebie uwagę całkiem niedawno, a nie profesjonalistów.
Hieronima Boscha. Ogród rozkoszy ziemskich. Prawica. Tajemniczy fragment zapisu muzycznego
Amerykańska studentka Amelia Hamrick w 2010 roku zainteresowała się przedstawionym fragmentem melodii, „na kolanie” przetłumaczyła go „zgodnie z zasadami współczesnej notacji muzycznej, zakładając, że tonacją głosu dolnego jest C-dur, jak to było w zwyczaju w średniowiecznych chorały”.
Adekwatność dokonanej adaptacji budzi wątpliwości wśród specjalistów. Istnieje inna wersja tego fragmentu muzycznego, wykonana w 2003 roku Szwedzka grupa Wulgaryzmy.
Ale jak sami piszą:
- „… szansa, że nasza wersja osiągnie przynajmniej przybliżenie tego, jak mogła brzmieć w średniowieczu, jest znikoma. Nie szukamy żadnych prawd historycznych, a niektórych z nich nie da się znaleźć, nawet jeśli w ogóle istnieją.
Hieronima Boscha. Ogród rozkoszy ziemskich. Prawica. Instrumenty muzyczne
I wreszcie trzecia wersja „piosenki z piekła rodem”, wykonana przez przyjaciela Amelii Hamrick, Williama Esenzo, w „chóralnym” opracowaniu:
Ale w końcu treść przekaz muzyczny Hieronim Bosch w „Ogrodzie rozkoszy ziemskich” jest nadal nieujawniony.
Piekło - Hieronim Bosch (część tryptyku „Ogród rozkoszy ziemskich”). 1500-1510. Drewno, olej. 389x220 cm
Piekło to prawe skrzydło najsłynniejszego tryptyku artysty zatytułowanego Ogród rozkoszy ziemskich. Pod tą liryczną nazwą kryje się daleki od słodkiego i sielankowego obraz. W rzeczywistości tryptyk jest wykonany w stylu Boscha - straszne wizje, groteskowe postacie, straszne obrazy są tu prawie wszędzie.
W wizji artysty piekło jawi się jako potworne, surrealistyczne miejsce. Prawe skrzydło tryptyku jest często określane przez krytyków jako „ muzyczne piekło» ze względu na wiele różnych instrumenty muzyczne. Nie należy jednak mieć nadziei, że są one wykorzystywane zgodnie z ich przeznaczeniem. W rzeczywistości nie są nawet grane przez diabły, jak można by podejrzewać. Bosch zdecydował się na zastosowanie sposobów ich wykorzystania, które są zupełnie dalekie od bezpośredniego przeznaczenia instrumentów muzycznych. W większości przypadków działają one jako narzędzia tortur.
Na przykład harfa artysty pełni rolę krzyża do ukrzyżowania lub stojaka - spłaszcza się na niej nieszczęsnego grzesznika. Niewinna lutnia stała się przedmiotem tortur dla innego biedaka, który leży twarzą do ziemi. Ciekawostką jest, że na jego pośladkach wypisane są notatki, według których śpiewa zupełnie niewyobrażalny chór – przeklęty, prowadzony przez dyrygenta o rybiej „twarzy”.
Pierwszy plan obrazu jest w stanie zszokować nawet zahartowanych „horrorami” nowoczesny mężczyzna. Królik ciągnie mężczyznę z otwartym brzuchem, który jest przywiązany do słupa. W tym samym czasie strumień krwi dosłownie bije z biedaka. Drapieżny królik wygląda bardzo spokojnie, a to naprawdę monstrualny kontrast w porównaniu z tym, co robi i co jego działanie powinno oznaczać w przyszłości.
Nienormalność tego miejsca podkreśla niewiarygodna wielkość jagód i owoców porozrzucanych tu i ówdzie po drzwiach. Kiedy na to patrzysz, nie jest jasne, kto tu kogo zjada - ludzie to jagody czy ludzie to jagody? Świat stanął na głowie i stał się piekłem.
Zamarznięty staw z polnią, gdzie grzesznik pędzi na wielkim koniu, ludzie lecą w świat jak bezmózgie muszki, człowiek zamek od drzwi- wszystkie te obrazy są alegoryczne i oczywiście były zrozumiałe dla współczesnych artysty. Niektóre z tego, co zobaczył, są całkiem możliwe do zinterpretowania i zinterpretowania w naszych czasach, ale już z punktu widzenia osoby nowoczesności, a nie późnego średniowiecza.
Co ciekawe, badacz pracy Boscha był w stanie rozszyfrować notatki wyryte na piątym punkcie grzesznika. Okazuje się, że artysta nagrał całkiem spójną melodię, którą można grać i słuchać. Ale to jedyny normalny, prawdziwy element w urojonym świecie jego piekła.
W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajemnicza historia którą chcesz otworzyć.
Muzyka na pośladkach
Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.
Fragment tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejsze dzieło Holenderski artysta nie ustąpiły od czasu jego powstania. Na prawym skrzydle tryptyku zwanego „Muzycznym piekłem” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma notatki odciśnięte na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetransponowała XVI-wieczny zapis na współczesny zwrot i nagrała „500-letnią piekielną pieśń”.
Naga Mona Lisa
Słynna „Gioconda” istnieje w dwóch wersjach: wersja naga nazywa się „Monna Vanna”, namalował ją mało znany artysta Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w kobiecą sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
w 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „ Stary rybak". Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób pomyślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (prawe ramię Starca jest zduplikowane), jak i Diabeł (lewe ramię Starca jest zduplikowane).
Czy był wieloryb?
Hendrika van Antonissena „Scena na brzegu”.
Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynnym morzu. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale badali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.
Artysta uznał jednak, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, Śniadanie na trawie, 1863.
Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta, „Śniadanie na trawie”, Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.
Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.
Kiedy Leonardo da Vinci napisał „ Ostatnia Wieczerza", dał specjalne znaczenie dwie postacie: Chrystus i Judasz. Bardzo długo szukał dla nich opiekunek. W końcu udało mu się znaleźć wśród młodych śpiewaków wzór obrazu Chrystusa. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był młodym mężczyzną, który postarzał się przez intensywne picie. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w kościelnym chórze, Leonardo napisał od niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandta”, Straż nocna", 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta, „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”, wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postaci zdawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Nocną Strażą i pod taką nazwą weszła do skarbnicy światowej sztuki.
I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w sieni obraz zdążył już pokryć się warstwą sadzy, która zniekształciła jego kolor. po oczyszczeniu oryginalny obraz ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji to nie więcej niż 14 godzin.
wywrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 roku wystawiono obraz Henri Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisi do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z tym, jak obraz powinien się zawiesić, musisz zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Teraz najbardziej wiarygodną wersją jest to, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w małej bójce z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest interesujący, ponieważ oddaje rzeczywistość w zniekształconej postaci: artysta jest przedstawiony z zabandażowanym prawym uchem, ponieważ podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości lewe ucho zostało uszkodzone.
obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Rano w Las sosnowy", 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Shishkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, bał się, że dotykanie niedźwiedzi nie zakończy się tak, jak chciał. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.
Savitsky narysował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwo rosyjskie, a Tretiakow kazał zmyć swoje nazwisko z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od pomysłu do wykonania wszystko mówi o manierze malowania, metoda kreatywna charakterystyczne dla Shishkina.
Niewinna historia „Gotyk”
Grant Wood, amerykański gotyk", 1930.
Twórczość Granta Wooda uważana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii. malarstwo amerykańskie. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
W rzeczywistości artysta nie zamierzał przedstawiać żadnych okropności: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił portretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają unieśmiertelnieni w postaci postaci, które tak bardzo obrażały mieszkańców Iowa.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego siostra Ana Maria była jego muzą. Relacje między bratem a siostrą pogorszyły się, gdy napisał na jednym z obrazów: „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego.
W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnej pochwały. Książka rozwścieczyła Salwador. Potem przez następne dziesięć lat ze złością wspominał ją przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postaci w oknie. Istnieje wersja, że w ten sposób Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.
Danae o dwóch twarzach
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta zostało ujawnionych dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanie pokazało, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która weszła romans u Zeusa wyglądała jak twarz Saskii, żony malarza, który zmarł w 1642 roku. W ostatecznej wersji obraz zaczął przypominać twarz Gertier Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artystki bardzo ważny był kolor, komfort pomieszczenia: wszystko miało sugerować myśli o relaksie. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojącej żółtej tonacji.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta wziął naparstnicę, lekarstwo na epilepsję, która powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: wszystkie otaczającą rzeczywistość barwiony na zielono-żółty.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
Powszechnie uważa się, że Mona Lisa jest perfekcyjna, a jej uśmiech piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła dużo zębów. Badając powiększone fotografie arcydzieła, Borkowski znalazł także blizny wokół jej ust. „Ona uśmiecha się tak często właśnie przez to, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Jej wyraz twarzy jest typowy dla osób, które straciły przednie zęby”.
Major o kontroli twarzy
Pavel Fedotov, Swatanie majora, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major najwyraźniej nie zna zasad szlacheckiej etykiety: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda, jej kupieccy rodzice zwolnieni wieczorem suknia balowa, mimo że jest dzień (wszystkie lampy w pokoju są zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzała sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego Wolność jest naga
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.
Według historyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalował twarz kobiety ze słynnej paryskiej rewolucjonistki - praczki Anny-Charlotte, która poszła na barykady po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy i zabiła dziewięciu strażników. Artysta przedstawił ją z nagą klatką piersiową. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, podobnie jak plebejusz, nie nosi gorsetu.
niekwadratowy kwadrat
Kazimierz Malewicz, Plac Czarnych Suprematystów, 1915.
W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych jego boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy obramowującej obraz. ORAZ ciemny kolor jest wynikiem mieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.
Specjaliści Galerii Trietiakowskiej znalazł autorską inskrypcję sławny obraz Malewicz. Napis brzmi: „Bitwa Murzynów w Ciemna jaskinia". To zdanie odnosi się do tytułu figlarnego obrazu. dziennikarz francuski, pisarz i artysta Alphonse Allais „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini późno w nocy”, który był całkowicie czarnym prostokątem.
Melodramat austriackiej Mona Lisy
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele i sławny artysta. Zraniony mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić portret Adele dla Klimta i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zacznie się z niej odwracać.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka mogła zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył artystce hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona za 4 lata, kochankowie już dawno ochłodzili się. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.
Bardzo sławny obraz Gauguin ma jedną cechę: jest „czytany” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności alegoria duchowości i życie fizyczne człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewym dolnym rogu).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął pudełko arszeniku i udał się w góry, by umrzeć. Nie przeliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka doczołgał się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.
112 przysłów na jednym obrazku
Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559
Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkaną przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Na malowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są używane do dziś, jak np. „płynąć pod prąd”, „walić głową w ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą”.
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Podmiotowość sztuki
Paul Gauguin, bretońska wioska pod śniegiem, 1894
Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków, a ponadto pod nazwą „Wodospad Niagara”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami po tym, jak zobaczył na nim wodospad.
ukryty obraz
Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901
W 2008 roku podczerwień pokazała, że pod „Niebieskim pokojem” ukryto jeszcze jeden obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Jak tylko Picasso to zrobił nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał okazji kupować nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna ta historyczka sztuki Patricia Favero.
Niedostępne Marokanki
Zinaida Serebryakova, Naga, 1928
Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kusząca oferta- iść do twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewic. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie można było znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt przed i po tym nie był w stanie uchwycić zamkniętego Orientalne kobiety nagi.
Spontaniczny wgląd
Valentin Serov, „Portret Mikołaja II w kurtce”, 1900
Serow przez długi czas nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Mikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, wyciągając przed siebie ręce ... A potem artysta olśnił - oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.
Znowu dwójka
© Fiodor Reszetnikow
Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część artystycznej trylogii.
Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Wyraźnie zamożna rodzina ferie, radosna studentka-doskonała uczennica.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych peryferii, wzrost rok szkolny, przygnębiony ogłuszacz, ponownie chwytając dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Chatka, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który oblał roczny egzamin, jest zmuszony siedzieć w czterech ścianach i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obrazek "Znowu dwójka".
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844
W 1842 r. pani Szymon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się potężna ulewa. Siedzący naprzeciw niej starszy pan wstał, otworzył okno, wystawił głowę i patrzył tak przez jakieś dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk i była w stanie rozpoznać w nim sam epizod w pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511
Dwóch amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł pozostawił kilka anatomicznych ilustracji w jednym ze swoich najbardziej znanych dzieł znane prace. Uważają, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie pasuje do lokalizacji tętnicy kręgowej.
Ostatnia wieczerza Van Gogha
Vincent van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że Nocny taras kawiarni Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej wieczerzy Leonarda da Vinci. Na środku zdjęcia kelner z długie włosy iw białej tunice, przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca również uwagę na krzyż, znajdujący się bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.
Obraz pamięci Dalego
Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistyczne obrazy, które następnie artysta przeniósł na płótno. Tak więc, zdaniem samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narodziły się na widok sera topionego.
O czym krzyczy Munch
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch mówił o pojawieniu się swojego pomysłu jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: "Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym- czarny fiord i miasto - kontynuowali moi przyjaciele, a ja stałem drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, według której pomysł „Krzyku” zrodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatau – tak potężnych, że zmieniły one temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfita ilość pyłu i popiołu rozprzestrzeniła się po całym obiekcie Globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby zbliżała się apokalipsa – jeden z nich stał się dla artysty źródłem inspiracji.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, 1837-1857.
Dziesiątki opiekunów pozowało dla Aleksandra Iwanowa główny obraz. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz ściśle komunikował się z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych, udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Rafał Santi”, szkoła ateńska", 1511.
Tworząc słynny fresk„Szkoła ateńska” Rafael uwiecznił na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michał Anioł Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Zwierciadło Arnolfinich
Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434
W lustrze za Arnolfinimi możesz zobaczyć odbicie jeszcze dwóch osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawieraniu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy umieszczony wbrew tradycji łaciński napis nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck tu był”. Tak zwykle zawierano kontrakty.
Jak wada przerodziła się w talent
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że artysta cierpiał na zeza: na obrazach jego oczy patrzą w różne strony, czego mistrz nie zauważa na portretach innych osób. Choroba doprowadziła do tego, że artysta mógł lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby z normalnym wzrokiem. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością widzenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z dwuwymiarowym obrazem, właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.
Przed nadejściem Narodzin Wenus obraz nagiego kobiece ciało w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki tak uważają pogańska bogini miłość symbolizuje na fresku obraz chrześcijański: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła obrzęd chrztu.
Lutnik czy lutnik?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnik, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutniarz”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie pozował Caravaggio jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na nutach przed muzykiem nagrano basową partię widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelt „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta z trudem mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Ponadto lutnia, podobnie jak skrzypce na samym skraju obrazu, w epoce Caravaggia była uważana za instrument męski.
