História tancov 20. storočia. Historické a každodenné tance

Dva tanečné svety v jednej schéme: najmódnejšie tance salónov a diskoték a najodvážnejšie choreografické fenomény za posledných 100 rokov

20. storočia
Matchish

Matchish v podaní Vernona a Irene Castle. 1915

Toto je fragment nepomenovaného nemého filmu, v ktorom slávni americkí herci a tanečníci Vernon a Irene Castle tancujú v súlade. Hudba prekrytá vo videu je zhoda s názvom „Dengoso“ od brazílskeho skladateľa Ernesta Nazaretha, nahraná v USA približne v rovnakom čase, keď sa natáčal film.

Matchish (port. maxixe) sa narodil v brazílskej provincii koncom 60. rokov 19. storočia. Partneri sa hýbali rýchlym kĺzavým krokom, každú chvíľu krúžili a objímali – a partner si k sebe tlačil chrbát partnera. V tej pokojnej ére sa tanec, založený na afro-latinských rytmoch, zdal ohnivý, „zmyselný“. Na prelome 19. – 20. storočia sa matchish stal populárnym v Rio de Janeiro a v predvečer prvej svetovej vojny už pieseň v rytme matchish hrala všetkými mechanickými klavírmi v amerických salónoch a európskych kaviarňach. Móda sa dostala aj do Ruska - Vladimir Mayakovsky napísal:

A tak
dnes
od rána
V duši
zasiahnuť zhodné pery.
Chodil som trhajúc
roztiahnuté ruky,
a všade na strechách tancovali trúby,
a každé koleno hodilo 44!

Predchodcovia moderného tanca

Loie Fuller predvádza hadí tanec. 1902

Je zvykom začať históriu moderného tanca americkým moderným tancom. Predchádzala tomu ale tvorba štyroch nezávislých tanečníkov, z ktorých každý vošiel do histórie ako predzvesť (predchodca) moderny. ich hlavný cieľ bolo dokázať, že choreografia môže byť vážnou formou umenia a tanec nie je len šou. Najznámejšia z nich Isadora Duncan verila, že tanec by sa mal rozvíjať prirodzene, v súlade s individualitou interpreta – stačí počúvať svoje telo a jeho impulzy. Stal sa známym ako voľný tanec. Jej staršia kolegyňa Loi Fuller, ktorá prišla na desiatky spôsobov, ako urobiť zo svetla a farieb dôležitú súčasť choreografie, mala vážny vplyv na vývoj nielen tanečnej, ale aj javiskovej grafiky. Ruth St. Denis otvorila v Spojených štátoch Denishawn, prvú školu, ktorá systematicky vyučuje odlišné typy pohybov, od baletu po jogu. Takmer všetci budúci majstri moderného tanca sú absolventmi Denishawn. Okrem toho boli jej študenti ochotne braní do komparzistov v hollywoodskych filmoch a niektorí, ako napríklad Louise Brooks, sa stali hviezdami nemých filmov. Štvrtou predzvesťou je Maud Allan, ktorej Salome bola šokom pre vtedajšiu verejnosť. Vo všeobecnosti sa o jej štýle vie dosť, vtedajšia tlač venovala oveľa väčšiu pozornosť tým, ktoré s ňou súvisia. škandalózne príbehy- napríklad, keď zažalovala anglického politika, ktorý ju obvinil z homosexuality a spojenia s nemeckými špiónmi.

10-te roky 20. storočia
Tango

Rudolph Valentino a Beatriz Dominguez tancujú tango vo filme Rex Ingram The Four Horsemen of the Apocalypse. 1921

Film je nemý a hudba, ktorá tu hrá, je tango „La Cumparsita“, ktoré v roku 1916 napísal uruguajský skladateľ Gerardo Rodriguez.

Tango sa zrodilo v robotníckych oblastiach Buenos Aires; jedným z jeho zdrojov bola habanera, kubánsky ľudový tanec. Tango si rýchlo podmanilo celý svet. Nie poslednú rolu v tom zohralo spojenie vášne a násilia, čo sa naplno prejavilo v „krutom“ tangu, či apačskom tangu, kde sa macho partner zohol a zhodil svoju dámu, akoby ju chcel zabiť. Pred prvou svetovou vojnou sa tango skrotilo a zušľachťovalo v meštiackych salónoch, no zachovalo si svoju erotickosť, obraz sotva zdržanlivej túžby, „plameň v ľade“.

Tangománia zaujala Európu natoľko, že pápež vydal špeciálnu bulu zakazujúcu tango. Sláva tanga však rástla, a to v nemalej miere vďaka nemej kinematografii, v ktorej zažiaril krásny tanguero Rudolf Valentino.

Expresionistický tanec

"Pomník mŕtvych" v réžii Mary Wigman. 1929

Paralelne s Amerikou sa tanec rozvíjal aj v Európe, ale podľa iného scenára. Smer, ktorý vznikol vo Švajčiarsku a Nemecku začiatkom 20. storočia, sa nazýva expresionistický tanec (Ausdruckstanz) alebo nemecká moderna. Tanečníci a choreografi spolu s ďalšími filozofmi a umelcami hľadali spôsoby, ako prostredníctvom pohybu a interakcie s priestorom vyjadriť nové vnímanie sveta a nových významov. Skladateľ Emile Jacques-Dal-Croze prišiel s rytmom: na hodinách solfeggia zistil, že jeho študenti sa látku lepšie učia, ak sa pohybujú spolu s hudbou, a začal rozvíjať systém, ktorý koreluje rytmus a pohyb. Rudolf Laban analyzoval pohyb tela v priestore a vynašiel spôsob, ako zaznamenať tanec na papier, ktorý sa používa dodnes (hovorí sa tomu labanotácia). Jeho žiaci Mary Wigman (tvorkyňa tanečných rituálov ako „Dance Song“ na slová Nietzscheho) a Kurt Joss rozvinuli expresionistický tanec, odkazujúci na ťažký povojnový každodenný život, témy smrti, násilia, zúfalstva.

20. roky 20. storočia
Foxtrot

Klip Foxtrot spracovaný historikom tanca Walterom Nelsonom z archívnych záberov z 20. a 30. rokov 20. storočia

Existuje niekoľko verzií pôvodu foxtrotu. Podľa jedného z nich ho vymyslel vaudeville režisér Charles Fox – a tanec je po ňom pomenovaný. Podľa inej verzie sa líščí klus (anglicky fox trot - „líščí krok“) vzťahuje na skupinu takzvaných zvieracích tancov, ktoré sa objavili v Amerike pred prvou svetovou vojnou. Ide o vtipné párové tance, ktoré tancujú-wa-li na ragtime (hudba Afroameričanov z južných štátov a Stredozápadu), napodobňujúce pohyby zvierat a vtákov (boli tam napr. tance „Turkey Step“ , „Zajačie objatie“, „Medveď Grizzly“ atď.).

Základom foxtrotu je jednoduchý krok vpred, vzad alebo do strán. Dva „dlhé“ alebo „pomalé“ kroky sú nahradené dvoma krátkymi a rýchlymi. Preto sa foxtrot niekedy považuje za kombináciu pomalého jednokroku (jednokroku) s rýchlym dvojkrokom (dvojkroku).

V 20. rokoch sa foxtrot stal populárnym po celom svete, presťahoval sa do Európy a Ruska – napríklad básnik Andrei Bely začiatkom 20. rokov študoval foxtrot na tanečných kurzoch v Berlíne.

Moderný tanec

Ária na G String od Augusta Wilhelmyho v choreografii Doris Humphrey. 1934

Vychádzajúc z diel predchodcov, tvorcovia moderny hľadali tanečný jazyk, v ktorom by sa dalo hovoriť nielen o pocitoch a javoch prírody, ale aj o vážnych problémoch, ktoré znepokojujú autora a jeho súčasníkov - o láske, vojne , nespravodlivosť, impotencia.

Zakladateľmi moderného tanca sú štyria choreografi, takzvaná skvelá štvorka. Traja z nich boli absolventmi školy Ruth St. Denis „Denishown“, no koncom 20. rokov už pracovali samostatne. A veľmi úspešný. Najznámejšia z nich je Martha Graham. Vytvorila si vlastnú techniku, ktorá je založená na zmene stláčania a relaxácie („kontrakcia – uvoľnenie“), uvoľnenie tela tanečníka, otvorila najúspešnejší súbor moderného tanca v 20. storočí a stala sa autorkou viac ako sto inscenácií. Druhá, Doris Humphrey, vyvinula techniku ​​zotavenia z pádu založenú na princípoch gravitácie a prirodzenej gravitácie tela. Humphrey spolupracoval s tretím členom Veľkej štvorky, Charlesom Wademanom. Hanya Holm je študentkou Mary Wigman a jedinou Nemkou v tejto spoločnosti; skončila v Amerike v roku 1931, keď jej Wigman ponúkol, aby viedla jej školu v New Yorku.

30. roky 20. storočia
lindy hop

Whiteyho Lindy Hoppers tancuje Lindy Hop v hre Johna Kleina Take the Hit. 1939

Lindy hop je najťažšia forma swingu a swing (z anglického swing - "swing") - spoločný názov tance na severoamerický jazz, ktorý sa objavil v dôsledku vzniku veľkých jazzových orchestrov: ich hra bola zvučnejšia ako hra malých jazzových kapiel a doslova "swing-wa-la" tanečníkov. Bol to taký orchester, ktorý hral napríklad v Savoy Ballroom, tanečnom srdci Harlemu.

Lindy Hop je prvý spoločenský tanec, ktorý obsahuje akrobatické prvky. Podobne ako iné ragtimeové a jazzové tance si ho rýchlo všimli producenti z Broadwaya a Hollywoodu. Vytvorili sa tímy hudobníkov a tanečníkov (jedným z najznámejších je Whitey's Lindy Hoppers), ktorí vystupovali na pódiu a účinkovali vo filmoch. Lindy Hop, narodený v Harleme, sa teda vydal cestovať po svete.

Neoklasický balet

"Serenáda" v podaní New York City Ballet. Choreografia George Balanchine, hudba Pyotr Čajkovskij

Klasický balet dosiahol svoj vrchol v inscenácii Spiacej krásavice Mariusa Petipu v roku 1890: už nebolo možné vytvoriť niečo väčšie a luxusnejšie. Michail Fokine udal nový smer klasickému baletu, obrátil sa k malej forme a zrušil dej (ako v "Chopiniana" v roku 1907). Ďalší krok urobil Fedor Lopukhov so svojou bezzápletkovou tanečnou symfóniou „Veľkosť vesmíru“. Tohto predstavenia sa zúčastnil mladý George Balanchivadze. O niekoľko rokov neskôr skončil na Západe, na radu Diaghileva sa stal Balanchinom a potom sa v roku 1933 presťahoval do Ameriky, kde vytvoril smer, ktorý sa nakoniec stal známym ako neoklasický balet. Ak však čítate európskych výskumníkov, volajú ďalšieho emigranta zo sovietskeho Ruska Serge Lifara, otca neoklasického baletu. Obaja pracovali so slovníkom klasického baletu, zjednodušovali kostýmy a kulisy, inklinovali k malým formám a absencii zápletky, takže azda nie je až také dôležité, ktorý z nich bol prvý, najmä keď ich kariéra v r. Západ sa rozvíjal súčasne. Ďalšia vec je dôležitá: neoklasický balet je jedným z najsilnejších trendov 20. storočia. V tomto štýle boli niekedy inscenovaní Maurice Béjart a Roland Petit, ale William Forsyth a Wayne McGregor zohrali pri jeho propagácii v 21. storočí skutočne vážnu úlohu.

40. roky 20. storočia
Samba

Carmen Miranda hrá pieseň „Kai Kai“ vo filme Irvinga Cummingsa That Night in Rio. 1941
Brazílske rytmy si podmanili svet viac ako raz: na začiatku 20. storočia to bola zhoda a na začiatku 40. rokov to bola samba.

Hudobno-tanečná kultúra bývalých otrokov zo západnej Afriky v Brazílii bola pomerne skoro integrovaná do dominantnej katolíckej kultúry. V praxi to znamenalo, že západoafrické božstvá nahradili kresťanskí svätci a náboženské procesie sa zmenili na pestrý multikultúrny karneval. Samba sa zrodila z tradičného rituálu, v ktorom ľudia (väčšinou ženy) upadli do tranzu, akoby boli posadnutí duchmi. Tanec sa prvýkrát objavil v karnevalových sprievodoch v roku 1917 a rýchlo sa stal neodmysliteľnou súčasťou slávností v Riu. Súťažilo sa v tomto tanci na špeciálnych sambadrómoch veľkosti dobrého štadióna. Celosvetovú popularitu si tanec získal vďaka speváčke, herečke a tanečnici Carmen Mirandovej (1909-1955), ktorú nazývali „brazílska bomba“. Narodila sa v Portugalsku, predčasne sa presťahovala do Brazílie a od roku 1939 žila v Spojených štátoch, vystupovala na Broadwayi a hrala v Hollywoode. Filmy s jej účasťou, ako napríklad „Tá noc v Riu“ (1941), „Víkend v Havane“ (1941) a „Celý gang sa zhromaždil“ (1943), sa počas vojny stali odbytiskom pre ľudí.

Samba sa tancuje v synkopickom 4/4 rytme s krokmi vpred a vzad a švihovými, švihovými pohybmi.

Merce Cunningham

"Camera Beach Birds" v podaní Merce Cunningham Dance Company. Choreografia Merce Cunningham, hudba John Cage, video úprava Elliot Kaplan. 1993

Merce Cunningham je často označovaný za modernistu alebo postmodernistu, no skôr pred jedným unikal a druhý inšpiroval a sám zostal samostatnou postavou v histórii amerického tanca.

Cunningham začal tancovať so súborom Marthy Grahamovej, no po šiestich rokoch práce nenávidel Grahamovu techniku ​​aj jej poňatie pohybu – a už v 40. rokoch ju opustil a vytvoril si vlastnú spoločnosť, kde pôsobil jeho partner, skladateľ John Cage. V Cageovi Cunningham predložil princíp náhodnosti alebo aleatoriky: napríklad v Cageovi kocky určovali poradie období v r. kúsok hudby, a v Canning-gem - poradie tanečných scén a ktorý z účinkujúcich bude tancovať ktorú časť. Tento princíp plne zodpovedal Cunninghamovej myšlienke o potrebe zničiť zaužívané vzorce, opustiť prirodzené a naučené pohyby. Na sklonku života sa Cunningham začal zaujímať o výpočtovú techniku ​​- choreografiu začal vytvárať nie v sále, ale v programoch Life Forms a DanceForms, a potom ponúkol svojim umelcom, aby ich stelesnili na pódiu.

Cunningham veril, že na javisku by mali všetky druhy umenia koexistovať za rovnakých podmienok a nemali by byť podriadené jednej veci - tancu. Pracoval s avantgardnými umelcami: Cage napísal hudbu, Warhol často vymýšľal kostýmy a Robert Rauschenberg vytvoril výpravu. Zároveň každý pracoval, nevediac, čo robí ten druhý. Všetci spolu sa prvýkrát stretli už za prítomnosti verejnosti. Aj umelci sa často dozvedeli, aké pohyby a v akom poradí majú predviesť, až pár minút pred premiérou a hudba znela najskôr až na pódiu.

Cunninghamská skupina mala najskôr jedno vystúpenie za rok. To samozrejme neprinieslo dostatok peňazí. Potom prišli na pomoc priatelia a podobne zmýšľajúci ľudia - napríklad Rauschenberg mohol rýchlo zorganizovať výstavu, predať všetky obrazy a dať peniaze na rozvoj súboru.

50. roky 20. storočia
Rock'n'roll

Rock'n'roll od Freda F. Searsa "Don't Knock the Rock." 1956

Po vojne sa objavila celá plejáda hudobníkov, ktorí hrali niečo ako zrýchlené blues. Ale prvé nahrávky sa ešte nenazývali rock and roll, ale boli považované za variant rhythm and blues, ktorý bol v konzervatívnej Amerike silne spojený s hudbou Afroameričanov. Podľa všeobecného presvedčenia slovo „rock and roll“ v tomto zmysle prvýkrát použil rozhlasový moderátor Alan Fried, aby uviedol do éteru piesne od Chucka Berryho, Little Richarda, Elvisa Presleyho a Jerryho Lee Lewisa, a to aj pre biele publikum ( ironicky, v afroamerickom slangu sa „rokenrol“ nazýval sex).

Tancovalo sa na novú hudbu, využívali všetky pohyby swingových tancov, ale energickejšie a s viac improvizácia. Hollywoodske filmy Rock Around the Clock, Don't Knock the Rock a The Girl Can't Help It (všetky boli vydané v roku 1956) nakoniec zmenili povojnovú generáciu na generáciu rock'n'rollu. Jazdným rytmom neodolali ani v Európe, ani v ZSSR: dokonca aj súbor Igora Mojsejeva tancoval rokenrol – však v podobe paródie na „buržoázne móresy“ a pod ironickým názvom „Späť k opici“.

Maurice Bejart a belgickí choreografi

Svätenie jari v réžii Mauricea Béjarta. 1959

Maurice Bejart je najdôležitejšou postavou pre balet aj moderný tanec. Pôsobil vo Francúzsku, Belgicku a Švajčiarsku a napriek blízkosti ZSSR spolupracoval s Mayou Plisetskou, Jekaterinou Maksimovou a Vladimirom Vasilievom. Od roku 1959 žil 30 rokov v Belgicku, keď Bejart zúfalo čakal na uznanie a pomoc od francúzskych úradov, prijal pozvanie riaditeľa Theatre de la Monnaie, aby vytvoril baletný súbor v Bruseli. Jeho prvou premiérou na novom mieste bolo Svätenie jari, dnes už legendárne.

Dá sa povedať, že vďaka Mauriceovi Bejartovi vznikol v Belgicku moderný tanec: v roku 1970 vytvoril v Bruseli interdisciplinárnu školu choreografie Mudra, kde vyučovali klasický balet, hudbu, spev, bojové umenia a herectvo. Jej absolventka Anne Teresa de Kers-Maker sa stala jednou z najsilnejších súčasných belgických choreografiek a v roku 1995 otvorila ďalšiu kultovú školu P.A.R.T.S. (Výskumné a školiace ateliéry múzických umení). V P.A.R.T.S. školia aj „syntetických“ umelcov, pričom do zostavy „Múdra“ pridávajú repertoár choreografov 20. storočia – od Williama Forsythea po Pinu Bauschovú.

Dnes je Belgicko jedným z centier moderného tanca, ktorého súbory a školy snívajú o tom, že sa dostanú medzi umelcov z celého sveta. Zároveň neexistuje belgická škola tanca ako taká – každý choreograf má svoj vlastný štýl. Napríklad Anne Teresa de Kersmaeker študuje prepojenie hudby a choreografie, ako aj geometrické vzory tanca; Wim Vandekeybus prináša tanec do filmu a vedie cestu vo svete filmového tanca; Sidi Larbi Cherkaoui vo svojich dielach spája východnú a západnú kultúru.

60. roky 20. storočia
Twist

T píšťalka na "Let's Twist Again" v podaní Chubby Checker

Twist začal tancovať na samom konci 50-tych rokov, no po tom, čo 19-ročný Afroameričan Chubby Checker (vlastným menom Ernest Evans) v roku 1960 predviedol pieseň „The Twist“ s American Bandstand, Amerika sa doslova zbláznila (tento fenomén - okamžitá a krátkodobá popularita tanca - dostala dokonca názov tanečné šialenstvo) a za tým celý svet. O tri roky neskôr Checker upevnil svoj úspech singlom „Let's Twist Again“.

Twist zavŕšil dlhú evolúciu klubových tancov, ktoré postupne prešli od tanca v úzkom kontakte s partnerom k tancu individuálnemu. Aj v rokenrole sa pár držal za ruky (aj keď sa len dotýkali končekmi prstov) a v zákrute už partner v zásade nie je potrebný. A čo je najdôležitejšie, tanec bol nezvyčajne jednoduchý na vykonávanie: s opornou nohou musíte urobiť pohyb, ako keby ste podošvou rozdrvili ohorok; kým sa druhá noha hojdá. Do pohybu sú zahrnuté boky a ruky fungujú tak, ako keby si po sprche šúchali chrbát uterákom. Okrem iného tieto pohyby nepotrebujú veľa miesta: twist môžete tancovať vo vlastnej spálni alebo v stiesnenom nočnom klube.

postmoderný tanec

"Vodný motor" od Trisha Brown. 1978

Na rozdiel od mnohých iných fenoménov v umení má postmoderný tanec dátum narodenia. Je 6. júl 1962, v deň, keď sa Judson Memorial Baptist Church konal „ tanečný koncert()“, v ktorej žiaci kompozičnej triedy Roberta Dunna ukázali svoje diela vytvorené za dva roky vyučovania. Nazvali sa postmodernistami, čím sa vzdali nenávideného moderného tanca, ktorý podľa nich nahradil staré pravidlá novými, namiesto toho, aby ich úplne opustil. Slávne „No Manifesto“, ktoré napísala jedna z najvýznamnejších predstaviteľiek tohto trendu Yvonne Rainer, hovorí o oslobodení: nepotrebujete tancovať pre publikum, nepotrebujete sa učiť a vedieť tancovať. vyjadrite svoje city, nepotrebujete sa hrať na princezné ani na hrdinov, netancujte, aby ste rozprávali príbehy. Ži so sebou, tu a teraz. Tancujte v parku, reagujte tancom na dianie okolo, experimentujte.

70. roky 20. storočia
Ruch

Klip „The Hustle“ od Van McCoya. 70. roky 20. storočia

Hudobné tanečný štýl disco (z anglického disc - „vinyl record“) sa formovalo koncom 60. a začiatkom 70. rokov, keď namiesto jazzových a rockových kapiel hrajúcich živú hudbu začali kluby hrať vinyl -ki. Nočný klub v Paríži na Rue Yuchette, kde bola zhromaždená celá knižnica diskov, sa začal nazývať „Disco“. Disco štýl absorboval mnoho rôznych vplyvov: jazz, rhythm and blues, soul, gospel, latino, takže si v ňom každý našiel to svoje. Generácii samotárov, „atomizovaných indivíduí“, sa nemohlo páčiť, že disco sa dá tancovať aj bez fyzického kontaktu a že tanečník má úplnú slobodu konania. Hudobníci, ktorí vytvorili štýl, sú Donna Summer, Gloria Gaynor, Van McCoy, The Bee Gees.

Z diskotékového hitu Van McCoya „The Hustle“ vznikol rovnomenný tanec (ktorý sa však väčšinou tancuje v pároch). Hustle má zakomponované latinskoamerické rytmy a jeho rytmická štruktúra je podobná dvojkrokovým alebo lindy-hopovým tancom, v ktorých sa na každý takt robia dva kroky. Základnú štruktúru krokov dopĺňajú improvizované pohyby, čo robí každý tanečný pár jedinečným, na rozdiel od iných.

Pina Bausch

Café Müller v réžii Piny Bausch. 80. roky 20. storočia

Pina Bausch je pravdepodobne najznámejšou choreografkou 20. storočia. Bola žiačkou Kurta Jossa a neskôr sólistkou jeho Folkwang Ballet. Tam začala samostatne vymýšľať choreografie pre seba (podľa nej sa nechystala stať sa choreografkou, ale chcela viac tancovať) a v roku 1969 sa stala umelecký riaditeľ divadlo. V roku 1973 bola pozvaná, aby viedla baletný súbor Opera vo Wuppertale a čoskoro sa súbor rozdelil do samostatného tanečného súboru - Wuppertalského tanečného divadla. Tanečné divadlo je žáner vynájdený Kurtom Jossom, ktorý na javisku mieša balet, operu a drámu. V predstaveniach Piny Bausch môže umelec tancovať a za minútu zobrať akordeón a spievať. Alebo fajčiť a začať rozprávať o svojom detstve. Pina často žiadala svojich umelcov, aby sa nad niečím zamysleli a ukázali svoj príbeh na ďalšej skúške. Z takýchto útržkov by sa dalo vyskladať celé predstavenie.

Tanečné divadlo Piny Bauschovej sa preslávilo baletom Svätenie jari, ktorý inscenovala na samom začiatku existencie súboru (choreografi k nemu chodia väčšinou až na vrchole kariéry). V jej verzii je skúmaný stret medzi človekom a spoločnosťou: v scéne obetovania nie je Vyvolená, na rozdiel od klasickej verzie, pripravená dať život za úrodnosť zeme, ale bojuje do posledných síl. za jej právo mať hlas. Divákov, samozrejme, neubránilo dojmu jedno zo scénografických riešení: herci Divadla tanca tancujú doslova zamazaní v zemi.

V roku 2011 vydal Wim Wenders film Pina, vďaka ktorému sa stala doteraz najznámejšou choreografkou moderného tanca.

80. roky 20. storočia
Hip-hop

Afrika Bambaataa & The Soul Sonic Force s „Planet Rock“. 1982

V sedemdesiatych rokoch začali DJi nielen prehrávať platne na gramofónoch, ale pomocou gramofónov vytvárať hudbu (napríklad opakovaním niektorých hudobných fragmentov z diskov). V rádiu boli DJs; znela nová, elektronická hudba. V New Yorku, v Južnom Bronxe, vznikol prvý hip-hopový štýl – breakdance, break. Tento atletický tanec kombinoval rýchlu prácu nôh s akrobatickými otočkami na hlave, chrbte a rukách. K nim sa pripojili prerušované robotické pohyby zmrazovania (z anglického freeze – „freeze-freeze“) a uzamykania, ako aj plynulejšie popínavé pohyby – ako keby cez rôzne časti tela prechádzal elektrický prúd. Po béčkach (Crazy Legs, Prince Ken Swift, Orko) sa objavili béčka (jedna z prvých bola rodáčka z Japonska Masami).

V 80. rokoch spolu s populárnym rapom prišla na tanečné parkety aj takzvaná stará škola hip-hopu – inkluzívnejšia, s väčším dôrazom na prácu nôh ako na akrobaciu; objavia sa nové pasy: robocop, roger rabbit, running man.

Nové francúzske tanečné a netanečné

Zvestovanie od Angelina Preljocaja. 1996

Vo Francúzsku sa moderný tanec objavil veľmi neskoro: vplyv klasického baletu bol príliš silný. Do 70. rokov 20. storočia sa neklasický tanec cvičil takmer tajne, v telocvičniach, po hlavnej práci. V roku 1968 otriasli Európou štrajky študentov, ktoré ich prinútili prehodnotiť niektoré hodnoty v umení a moderný tanec mohol zrazu vstúpiť na skutočnú scénu. A v 80. – 90. rokoch sa vo Francúzsku začala takzvaná decentralizácia tanca: po celej krajine vznikli profesionálne tanečné centrá na čele s mladými choreografmi: Dominique Bague, Angelin Preljocaj, Magy Marin, Joseph Naj a ďalší. Úlohou tejto kultúrnej politiky bolo odstrániť delenie na provinčné a metropolitné umenie, ktoré sa považuje za odbornejšie.

Okrem toho v 80. a 90. rokoch vyrástol z nového francúzskeho tanca ďalší smer, ktorý je často nazývaný francúzskou obdobou americkej postmoderny - takzvaný non-dance (alebo nedanse). Takmer všetci jeho predstavitelia (predovšetkým Jerome Bel, Boris Sharmats, Xavier Le Roy) sú žiakmi alebo žiakmi žiakov tvorcov nového francúzskeho tanca, ktorí majú výborný choreografický základ, ale tanec pre nich už nie je hlavným prostriedkom umelecký prejav: stále viac sa vzďaľujú od choreografie, vo svojich predstaveniach a vystúpeniach využívajú činoherné herectvo a improvizáciu, spev a stand-up, videoprojekcie a počítačovú grafiku.

90. roky 20. storočia
Lambada a macarena

"Lambada" v podaní Kaomy. 1989

1989, keď sa Berlínsky múr zrútil a začal praskať Sovietsky zväz, sa ukázal byť podfarbený zvukmi lambady v podaní kapely Kaoma. Tento latinskoamerický tanec je priamym potomkom matchish: rovnako rýchle tempo, len akoby nie erotickejšie pohyby. Podobne ako „brazílske tango“ aj lambada pochádza z Ria. A jej melódia, podobne ako melódia zápasu, sa rýchlo rozohrala až do bodky.

Podobný príbeh sa stal v polovici 90-tych rokov s macarénou. Najprv španielske popové duo Los del Río zaspievalo pieseň o dievčati menom Macarena (Magdalena). Zapísané v hudobný rytmus clave, typická pre šialenú afro-kubánsku hudbu, si pieseň okamžite získala popularitu. A nielen pieseň: video obsahovalo jednoduchý tanec so sériou pohybov, ktoré sú ideálne pre všetkých na spoločné vystúpenie na stiesnenej diskotéke.

Gaga

"Deca Dance" v réžii Ohada Naharina. rok 2000

The Batsheva Dance Company v Tel Avive založili Martha Graham a barónka Batsheva de Rothschild už v roku 1964, no skutočným centrom moderného tanca sa stali až v 90. rokoch, keď jej šéfoval Ohad Naharin. Naharin je pravdepodobne najvplyvnejší súčasný choreograf, s ktorým balet aj moderní tanečníci snívajú o spolupráci a jeho tvorbu uvádzajú všetky najväčšie divadlá sveta.

Ohad Naharin vytvoril svoj vlastný choreografický jazyk s názvom Gaga. Eider podľa samotného choreografa nie je štýl choreografie, ale spôsob pohybu. Gaga cvičí v sále bez zrkadiel (hoci zrkadlá sú vo svete tanca zvyčajne nevyhnutné ako prvok sebaovládania), cudzincom nie je dovolené cvičiť a učiteľka tancuje a spája sa so svojimi žiakmi. Existujú kurzy "Gaga / Dancers" (Gaga / Dancers), kde sa angažujú profesionáli a "Gaga / People" (Gaga / People), kde môžete prísť s akýmkoľvek tanečným tréningom. Úlohou gaga je cítiť svoje telo, cítiť každú molekulu svojho tela, byť vo svojom tele aj mimo neho, bez straty sebairónie. Toto je dnes jeden z najpopulárnejších technických nickov.

Koniec 19. - začiatok 20. storočia sa nesie v znamení rozmanitosti kultúrnych a umeleckých fenoménov, štýlov a trendov. Afroamerická kultúra má obrovský vplyv na svetové umenie, predovšetkým vďaka hudbe a novým hudobným žánrom a trendom, akými sú jazz, blues, ragtime. Na základe nová hudba a africké pohyby, vznikajú nové tance a tanečné štýly – „Shimmy“, „Black Bottom“, „Charleston“, „Tu-step“, „kaykuok“ a iné.

Všetky tieto tance spája ľahkosť, ľahkosť a dalo by sa povedať až šialenstvo. Na základe týchto tancov následne vznikajú nové tanečné smery a poddruhy. Napríklad vznik niektorých druhov profesionálnych spoločenských tancov – foxtrot, jive a quickstep, úzko súvisí s tancami cakewalk, dvojkrok, shimmy ( Shimmy) a Čierne dno (čierne dno). Tanečný štýl začiatku 20. storočia nachádzame v balete „Zlatý vek“ D. Šostakoviča, v operete „La Bayadere“ I. Kalmana a v iných predstaveniach.

Postupne naberá jazzový tanec divadelné podoby, čo vedie k vzniku nového štýlu – broadwayského jazzu. Pojem Broadway jazz pochádza z názvu divadla nachádzajúceho sa na rovnomennej ulici v New Yorku. Broadwayský jazz nájdeme predovšetkým v muzikáloch, ale možno ho vidieť aj v kine, v rôznych predstaveniach a činoherných predstaveniach.

Choreograf a režisér Bob Foss má veľký vplyv na rozvoj broadwayského jazzu. Jeho filmy "Cabaret", "Sweet Charity", "All That Jazz" a ďalšie, ako aj tance pre ne, sú dodnes veľmi úspešné. Dej filmového muzikálu „Sweet Charity“ bol vytvorený na základe filmu „Nights of Cabiria“ od F. Felliniho. Bob Foss odhaľuje charaktery ľudí z vysoká spoločnosť, ktoré nie sú charakteristické duchovný svet- je im blízky svet vecí a hmotný majetok. Táto myšlienka je sprostredkovaná veľmi presnými tanečnými pohybmi, ktoré odhaľujú osobnosti postáv.

Začiatkom 20. storočia sa formoval aj secesný štýl a voľný tanec. Prvou tanečnicou, ktorá sa postavila prísnym formám klasického baletu, bola Američanka Isadora Duncan. Jej tance sa vyznačovali voľnosťou, ľahkosťou a mali prvky starogréckych pozícií a gest. Gordon Craig, anglický režisér, o nej napísal: „Čo v nej bolo okrem tohto, nikto nikdy nedokáže určiť. Bola predchodkyňou. Čokoľvek robila, všetko sa dialo s veľkou ľahkosťou – alebo sa to aspoň zdalo. To jej dodalo zdanie sily. Vypustila tanec do nášho sveta v pevnom presvedčení, že sa jej darí skvele a pravdivo.

voľný tanec vyvinula aj vďaka americkej tanečnici Ruth St. Denis a jej manželovi, hercovi a choreografovi Tedovi Shawnovi. Ruth Saint Denis sa predviedla v exotických kostýmoch s luxusnými dekoráciami, vďaka ktorým boli jej koncerty veľkolepejšie. Medzi jej vystúpenia patril balet „Radha“ na hudbu L. Delibesa (1906), v ktorom boli použité motívy indického chrámového tanca. O tanci hovorila takto: "Vnímam tanec ako spôsob komunikácie medzi dušou a dušou, prostredníctvom vyjadrenia všetkého, čo je veľmi hlboké, veľmi jemné na slová." V roku 1915 zorganizovala Ruth St. Denis spolu so svojím manželom Tedom Shawnom skupinu Denishawn a tanečnú školu v Los Angeles. Mnohé z popredných osobností moderného tanca študovali na tejto škole, vrátane Marthy Graham, Doris Humphrey a Charlesa Weidmana.

Charakteristickým znakom tanca a moderného štýlu je odmietanie priamych, klasických línií a foriem v prospech prirodzenejších, „prirodzenejších“, ako aj záujem o všetko nové. Tento štýl bol obľúbený nielen v tanci, ale aj v maliarstve, sochárstve, architektúre, dokonca aj v móde a interiérovom dizajne. Znaky secesie nájdeme v dielach G. Klimta, A. Muchu, L. Baksta, A. Benoisa, M. Vrubela a i. Secesní umelci čerpali inšpiráciu z umenia Japonska, starovekého Egypta a iných starovekých civilizácií .

20. storočie je obdobím rozkvetu ruského baletu. Diaghilevov balet „Ruské ročné obdobia“ vyvolal rozruch v Paríži a po celom svete. Nebol to len balet, bolo to jedinečné spojenie choreografie, hudby, kulisy a šikovnosti tanečníkov. Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vatslav Nižinskij, Serge Lifar a ďalší zažiarili v ruských sezónach. Choreografi Michail Fokine, Leonid Myasin a ďalší prekvitali v súbore ruských sezón. Vznikli inovatívne kostýmy a kulisy Benoisoví umelci, Bakst, Serov, Picasso a hudbu k baletom napísali Igor Stravinskij, Eric Satie, Sergej Prokofiev, Claude Debussy a ďalší.

"Ruské ročné obdobia" Picasso. Kostým pre balet "Cocked Hat"

Coco Chanel spolupracovala aj so súborom Diaghilev - vytvorila kostýmy pre balet Blue Express. Boli to klasické teplákové súpravy, pruhované svetre a golfky, tenisové tuniky. Prirodzene, „ruské ročné obdobia“ boli zosobnením všetkého nového, módneho a progresívneho, a preto sa francúzska verejnosť zbláznila nadšením a šokom.

Balet "Blue Express" Portrét Diaghileva (umelec V. Serov)

Spolupracoval s Diaghilevom a vynikajúcim choreografom 20. storočia Georgeom Balanchinom. Pre ruské sezóny inscenoval balety „Apollo Musagete“ na hudbu Igora Stravinského a „ Márnotratný syn na hudbu Sergeja Prokofieva. Oba balety boli úspešné, no čoskoro George Balanchine opustil „ruské sezóny“ a odišiel najskôr do Londýna a Kodane, neskôr do USA. Spolu s L. Kersteinom, známym umelcom, Balanchine vytvára americkú baletnú školu a potom profesionálny tím, ktorý dnes každý pozná ako New York City Ballet . Tu inscenoval svoje slávne balety – „Serenáda“ na hudbu Čajkovského, „Koncert baroko“ na hudbu koncertu pre dvoje Bachove husle, „Symfónia v C“ na hudbu. Bizetove symfónie, „Brilantné Allegro“ k hudbe. 3. koncert pre klavír od Čajkovského „Caracol“ na hudbu. Mozart, „epizódy“ hudby. Webern a ďalší Balanchine výrazne prispel k rozvoju klasických tanečných tradícií v Amerike. Jeho balety sú kombináciou klasickej choreografie s novou estetikou póz, tanečných vzorov a hudobných akcentov. Balanchine vytvoril nový tanečný štýl, „neoklasický“, ktorý sa zblížil s mnohými choreografmi – Jerome Robbins, Alexej Ratmansky, Benjamin Millepied a ďalší.

Balanchine a jeho skupina. Autor fotografie: Duane Michels

Vývoj ruského (sovietskeho) baletu v 20. storočí výrazne ovplyvnil choreograf a režisér Rostislav Zacharov. Zacharovove balety sú kompletné dramatické diela, kompetentne vybudované z hľadiska réžie. Osobitnú pozornosť si zaslúži balet „Fontána Bakhchisarai“ na hudbu Asafieva v podaní dvoch legendárnych balerín - Galiny Ulanovej a Mayy Plisetskej. Balet dáva do kontrastu imperiálnosť a vášeň Zaremy (Plisetskaja) s nežnosťou a duchovnou rafinovanosťou Márie (Ulanovej). Povaha týchto dvoch protikladov sa prejavuje nielen prostredníctvom herectva, ale aj pohybmi a pózami koncipovanými choreografom, ako aj vzrušujúcou hudbou Asafieva.

Balet "Bachčisarajská fontána"

Galina Ulanova a Maya Plisetskaya

Veľký choreograf Jurij Grigorovič zanechal obrovskú stopu v histórii ruského baletu. Jeho balety „Rómeo a Júlia“, „Spartacus“, „Legenda o láske“ a ďalšie tvoria zlatú zbierku predstavení Veľkého divadla. Grigorovičove balety sa vyznačujú statočnosťou, rozsahom, hrdinstvom, čo sa odráža v choreografii, kulisách a hudbe. Grigorovič spolupracoval s divadelný umelec Simon Virsaladze, ktorý navrhol všetky jeho balety. Grigorovič sa viac venuje hudbe. V jeho baletoch sa prenáša nielen obsah deja, ale aj obsah hudby. Úzko spolupracoval so skladateľmi S. Prokofievom, A. Melikhovom, A. Chačaturjanom, D. Šostokovičom a i. V. Vanslov si všíma úžasnú jednotu hudby, choreografie a umeleckého stvárnenia Grigorovičových baletov: Grigorovič dosiahol nezvyčajne organickú syntézu umenia. Ťažko vymenovať iné javiskové kreácie, kde by hudba, choreografia, výtvarné umenie, baletný majster a interpretačné schopnosti boli v takom úžasnom spojení, akoby všetko vychádzalo z jedného zdroja a lialo od jedného tvorcu akoby jedným dychom. Jedným z trendov je aj prehlbovanie syntézy umení – plastického, javiskového, akéhokoľvek iného umeleckej kultúry XX storočia“.

V Grigorovičových baletoch zažiarili Ekaterina Maksimova a Vladimir Vasiliev, Maris Liepa, Natalya Bessmertnova a ďalší, ktorí vytvorili nové obrazy a nové postavy v balete. V. Vanslov o tom píše: „V predstaveniach Grigoroviča nový typ tanečník-herec, ktorý dokáže zhmotniť hlboký dramatický a psychologický obsah v komplexnom tanečnom parte. Nie je to technická virtuozita mimo obrazu a nie obraz mimo výrazovosti tanca, ale organické spojenie hereckej kreativity s rozvinutým a bohatým tancom, ktoré charakterizuje štýl interpretácie v Grigorovičových baletoch.

balet "Spartacus"

Náčrt scenérie pre balet "Ivan Hrozný"

Balety moderného ruského choreografa Borisa Eifmana sa vyznačujú rozsahom a hĺbkou choreografie. Jeho balety, vytvorené na základe diel Tolstého, Dostojevského, Čechova a iných, sú skutočnými umeleckými dielami. Balety sú presiaknuté hlbokou filozofiou a Eifman je nazývaný „filozofickým choreografom“. Choreografické pózy vynájdené Eifmanom sa dajú porovnať s maľbami a sochami veľkých umelcov a plasticita má svoj vlastný jedinečný štýl, ktorý spája klasický tanečný základ s modernými trendmi. Technické schopnosti tanečníkov udivujú a potešia znalcov baletného umenia. „Učiteľ Eifman (a jeho zásluha nie je o nič menšia ako zásluha choreografa) vychoval nový typ univerzálneho tanečníka, ktorý dokáže všetko. Eifmanovi tanečníci sa vznášajú vo vzduchu, akoby bez gravitácie. Vo vlastníctve svojho tela nepoznajú žiadne hranice. Zvládnu tie najťažšie akrobatické kúsky a tie najnepredstaviteľnejšie kroky. Tanec zahŕňa nielen ruky a nohy, ale celé telo. Eifmanove balerínky sú bez kostíc a éterické: v duetách sa ovíjajú okolo partnera ako popínavé rastliny; skvele tancujú charleston, ako skutoční kabaretní tanečníci; stoja na špičatých topánkach a so sklopenými očami sa vznášajú po javisku, akoby nikdy netancovali nič okrem Labutieho jazera, “píše Bella Yezerskaya.

Balet "Červená Giselle". Choreograf B. Eifman, na snímke Vera Arbuzová (Foto: Nina Alovert)

Balet "Anna Karenina"

Eifman venuje osobitnú pozornosť baletnému zboru, ako píše Bella Ezerskaya: „Eifman vytvoril baletný zbor, ktorý je vzácny z hľadiska synchrónnosti, expresivity a prepracovanosti každého pohybu. Doplnky v jeho vystúpeniach nadobúdajú buď grotesknú ostrosť, ako napríklad v scéne demonštrácie revolučného plebsu v Červenej Giselle, alebo plastickú expresívnosť ako v Mozartovom Requiem, alebo klasickú úplnosť ako v Čajkovskom. Nápadná je záverečná scéna baletu Anna Karenina, v ktorej umelci pomocou choreografií presne vykreslili pohyb vlaku, ako aj vycibrený a vycibrený vkus choreografie, kostýmov a kulís, ktoré sú Eifmanovým baletom vlastné.

Čo sa týka západného baletu, tam o osude baletného umenia rozhodovali vynikajúci choreografi: Jose Limon, John Cranko, Roland Petit, Maurice Bejart, Jiří Kilian, John Neumeier a ďalší. srdcia divákov prostredníctvom ich produkcie a vytvárania vlastného jedinečného a zapamätateľného tanečného štýlu, vytvoreného na klasickom základe s prídavkom súčasná choreografia.

Osobitnú pozornosť by som chcel venovať dielu Jiřího Kiliána. V jeho choreografii je ľahkosť, presnosť póz a kresby a neskutočná muzikálnosť. Ako napísal Rudolf Nurejev: „Je tu Jiří Kilian, ktorý, povedal by som, má najviac „zlaté“ uši. Premieňa metafory na pohyby: Kilian počuje hudbu a vidí pohyby.“ Jeho diela sú často plné humoru, šibalstva a obratnosti pohybov. Vidno to na jeho inscenáciách „Šesť tancov“, „Symfónia v D“, „Narodeniny“ atď. Pre choreografa je to veľká výhoda, pretože humor je pre človeka a umenie potrebný a potrebný. V kreativite a detskom balete "Dieťa a mágia" je miesto a vážne dramatické dielo„Príbeh vojaka“ na komplexnú hudbu Stravinského..

Balet "Dieťa a mágia"

"Šesť tancov"

Na tanečné umenie mali veľký vplyv koncepty postmoderny, ktoré vznikli v druhej polovici 20. storočia. Hlavnou a jedinou hodnotou postmoderného umenia je neobmedzená sloboda sebavyjadrenia umelca, sloboda myslenia a kreativity. To všetko bolo charakteristické aj pre tanečné umenie, ktoré absorbovalo základné princípy postmoderny. Bez obmedzení a jasných hraníc dalo postmoderné umenie vzniknúť mnohým štýlom a novým trendom v umení. V tancoch sú to súčasnosť, kontaktná improvizácia, hip-hopový tanec, pop dance, fly law atď.

Súčasný tanec sa spája s takými menami ako Robert Dunn, Anna Halprin, Simon Forti, David Gordon, Trisha Brown, Steve Paxton, Deborah Hay, Lucinda Childs a Meredith Monk a ďalší. Divadlo Judson Church Theatre spojilo skupinu experimentálnych tanečníkov, ktorí vystupovali v New Yorku v Judson Memorial Church v Greenwich Village, umelecké galérie múzeí od roku 1962.

Nové tanečné experimenty boli založené na princípoch improvizácie a modernej choreografie; mali na nich veľký vplyv skladateľ John Cage a choreograf Merce Cunningham. John Cage mal rád zen budhizmus a obhajoval princíp náhody v tvorivom procese.

Merce Cunningham obhajoval rovnaký princíp a veril, že pri komponovaní skladieb to umožňuje zbaviť sa zápletky a stereotypných rozhodnutí (aj keď podľa nášho názoru je absencia zápletky v choreografii opomenutím). Ale v modernom tanci je často dôležitý proces vytvárania tancov, nie výsledok. .

Judson tiež spolupracoval s divadlom koncepčný umelec Robert Morris: "V nedeľu večer sme sa stretli s malou skupinou tanečníkov, maliarov, hudobníkov a básnikov a na workshope sme experimentovali so zvukom, svetlom, jazykom a pohybom. Toto bolo moje prvé zapojenie sa do výskumu súvisiaceho s tancom. Keď som presťahovala do New Yorku v roku 1961, tieto štúdie som mala stále v čerstvej pamäti, a tak ma oslovilo Judsonovo otvorené stretnutie – hoci si presne nepamätám, ako som sa s nimi spojil“ (R. Morris).

Robert Morris, Lucinda Childs, Steve Paxton, Yvonne Reiner, Deborah High, Tony Holder, Sally Gross, Robert Rauschenberg, Judith Dunn a Josef Schlichter.

Ďalej vznikali podobné skupiny, ktoré dodržiavali podobné princípy, ako Grand Union, Živé divadlo, Otvorené divadlo atď. Tieto združenia tiež obhajovali myšlienky náhody a často bol proces tvorby tancov dôležitejší ako výsledok. Jedným z členov skupiny bol Steve Paxton, tvorca štýlu kontaktnej improvizácie, ktorej myšlienka spočíva v spontánnom kontakte ľudských tiel.

Steve Paxton

Čo sa týka hip-hopového tanca, pochádza z afroamerických znevýhodnených štvrtí New Yorku na konci 60. rokov. Spočiatku sa hip-hopová kultúra a tanec zameriavali na večierky a relax (poškriabaná hudba od jamajských DJov a recitatív), neskôr bola hip-hopová kultúra presiaknutá agresívne vyzývavými textami sociálneho rapu, odrážajúcimi tvrdú realitu ( gangsta rap 90. roky) a postupne prenikli do más, idúc do šoubiznisu. Hip-hopový tanec sa delí na starú školu (stará škola hip-hopu) a nový štýl (nová škola). Stará škola je popping, locking, breakdance a nová škola je viac komerčný hip-hop s množstvom pridaných choreografických štýlov - jazz dance, súčasný tanec, varietný tanec Hip-hop sa vyznačuje voľnosťou, rytmom, pohybmi smerujúcimi k zemi, ale aj uvoľnením kolien a kývaním tela, takzvaným „kachom.“ Hip-hopový tanec je v našej dobe veľmi populárny a možno vidieť všade - v rôznych reláciách, hudobných videách, predstaveniach atď. Na základe zložitých trikov a akrobacie je dosť ťažké vykonať. Teraz sú najlepšími hip-hopovými tanečníkmi tanečné duo Les Twins a menovať možno aj francúzskeho tanečníka Dedsona a amerického speváka Chrisa Browna.

old school hip hop

Tanečná kultúra 20. – začiatku 21. storočia je mimoriadne bohatá a rôznorodá. Pod vplyvom nových hudobných trendov a nových trendov v umení sa tanec a choreografia obohatili o nové štýly a trendy. V priebehu storočia sa zmenilo vnímanie, videnie a prístup k tancu a choreografii. Naďalej žije, rozvíja a klasický tanec, obohacuje súčasné hnutia, pri zachovaní klasického štýlu a základov, ktoré položili stáročia histórie. A to je správne, pretože je možné a potrebné držať krok s dobou a nezabúdať na svoju minulosť.

Záver:

Umenie choreografie je mnohostranné a jedinečné. Choreografia nám prostredníctvom tajomnej a záhadnej reči ľudského tela sprostredkúva obsah a určitý význam, ktorý vložil tanečník či choreograf. Ako povedala Martha Graham: „Tanec je tajný jazyk duše“ a „telo hovorí to, čo slová nedokážu“.

Počas štúdia sme sledovali, ako sa tanec v priebehu storočí menil, aké vlastnosti nadobudol a akú úlohu zohral v živote ľudí. Každé obdobie histórie zanechalo v tanečnom umení svoju jedinečnú a nenapodobiteľnú stopu. Tanec vždy spájal ľudí, slúžil ľuďom ako spôsob vzájomnej komunikácie, ako aj prostriedok sebavyjadrenia a obnovy energie. Choreografka Alla Rubina o tom hovorí: „Tanec je sebavyjadrenie. To znamená, že človek tancom vyjadruje seba, svoje myšlienky, svoj život a chápanie života. To je poznanie krásy, sebapoznanie, ktoré sa vyskytuje tak u tancujúcich, ako aj u tých, ktorí sa pozerajú... Keď tancujete, hromadíte energiu, obnovujete sa. Akýkoľvek pohyb je obnovou energetického poľa. Toto je čisto medicínska funkcia...“

Tanečné predstavenie je nemožné alebo veľmi ochudobnené bez scénografie, kostýmov a hudby. Tanec a neskôr aj balet bol počas histórie úzko spätý s hudbou a výtvarným umením. J.J.Nover definoval dôležité zložky baletného predstavenia: „Javisko je takpovediac plátno, na ktoré choreograf zachytáva svoje myšlienky; správnym výberom hudby, kulís a kostýmov dodáva obrazu farbu, pretože choreograf je ten istý maliar. O vzťahu hudby a tanca píše aj V. Vanslov: „Vznik tanca by nebol možný, keby hudba neprišla na pomoc plastickosti. Zvyšuje výraznosť tanečnej plasticity a dáva mu emocionálny a rytmický základ. To všetko svedčí o tom, že choreografia je syntetická forma umenia, ktorá spája viacero umeleckých foriem.

Tanečné umenie neustále obohacuje a posúva vpred, absorbuje všetky hlavné nálady spoločnosti, ako aj reflektuje významné historické udalosti, spoločensko-kultúrne a politický život. Bolo pre mňa zaujímavé sledovať vývoj tanca, dešifrovať jeho význam a zmysel v priebehu histórie.

Zoznam použitej literatúry:

1. Tuano Arbo „O tanci a hudbe“

2. V. Vanslov "O hudbe a balete"

3. Y. Bakhrushin "História ruského baletu"

4. Vera Krasovskaya "História západného baletu"

5. S. Khudekov "História tanca"

6. Tanec "Modern" http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1

7. V. Vanslov "Grigorovičove balety a problémy choreografie" http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/

8. Hip-hop http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm

9. Lucian "Pojednanie o tanci"

10. Encyklopédia baletu http://www.krugosvet.ru/

Za historické a každodenné tance sa považujú tie tance minulých storočí, ktoré sa rozšírili ďaleko za hranice svojej doby a miesta pôvodu. Sú pomenované historické ako tance minulosti, ako aj tance, ktoré vošli do dejín.

Vznik tancov je spojený s pracovnými procesmi, hrami, starodávnymi rituálmi a náboženskými sviatkami. Každá lokalita mala svoje vlastné charakteristiky. Domáce tance, ktoré sa stali historickými, sú prepracovaním ľudového tanečného materiálu a odrážajú charakteristiky konkrétnej doby alebo prostredia. Charakteristické črty kultúry sa prejavujú v stavbe a štýle tanca, v jeho hudbe, oblečení tanečníkov, ich spôsoboch atď.

Hlavné polohy nôh v historických a každodenných tancoch sú I-I a III-I, stredné - II-I a IV-I.

V XVI storočí. Talianski a francúzski taneční majstri pri tvorbe tanečných techník dbali najmä na štýl vystupovania a spôsoby tanečníkov. Od interpreta sa vyžadoval dôležitý postoj, pomalé, odmerané našľapovanie, primalé a prepracované vzájomné pozdravy – úklony a úklony. Dodržiavanie všetkých týchto pravidiel sa nielen v tanci, ale aj v bežnom živote považovalo za znak šľachtického pôvodu a vysokého spoločenského postavenia. Živé a spontánne pohyby ľudových tancov sa považovali za zlé spôsoby.

Kroje zodpovedali aj obradom zaužívaným v spolku. Muži nosili košieľky, plášte (ktoré sa nesmeli vyzliekať) a klobúky, ktoré si počas tanca vyzliekali, upravovali a opäť nasadzovali. Dámy nosili šaty s veľmi dlhými vlečkami (až 5 metrov), s mnohými záhybmi a prepracovanými pokrývkami hlavy. Všeobecný štýl kroj bol bujný a ťažký, viazal sa a neumožňoval voľnosť pohybu.

V minulých storočiach boli jednou z hlavných foriem zábavy pre šľachtu plesy a maškarády vo forme bálov. Prirodzene, tieto tance boli skôr módnou prehliadkou, prejavom bohatstva a noblesy, než tancom. Ale slávnostný charakter týchto tancov, túžba po pestrosti aj v pohybe stĺpov po sále, vnášajú do tanca rôzne skoky, skoky a kĺzavé kroky. Prebúdzal sa masový záujem „nudiacej sa“ šľachty o tanec ako formu rekreácie a zábavy. Tanec ako esteticky rozvinutá forma voľného času je dnes životnou nevyhnutnosťou vyšších vrstiev spoločnosti. Česť a chvála tým francúzskym kráľom, ktorí nám vlastným príkladom a mocou, vypočítavosťou a bohatstvom dokázali odovzdať najlepšie estetické a etické tradície „galantského veku“.

História pozná skvelé plesy a maškarády za vlády Karola IX., Henricha III. a IV., Ľudovíta XIII. a XIV. Oddelenie ľudových a dvorných tancov začalo už koncom 15. storočia najskôr v Taliansku, potom vo Francúzsku. Objavujú sa prvé pojednania o tancoch, pokúšajú sa opísať kroky a skoky. V XV-XVI storočia. módne bassedance, branle, sprievody s poklonami a pozdravmi.

V XVII-XVIII storočia. v tancoch aristokratov (menuet, quick menuet, gavotte) sa vytráca prirodzenosť pohybov (v tom čase sa objavili zákony nastavenia rúk a nôh, regulácia pohybov tela - všetko, čo bolo súčasťou klasického baletu). Na plesoch XVII storočia. predstavy o kráse línií sa zredukovali na princípy baletu - pôvabnosť na loptách sa považovala za prevrátenie nôh, ruky museli byť zaoblené: zdvihnuté alebo spustené, v lakťoch museli byť rovnako zaoblené, ruka sa zbierala , palec bol umiestnený pod dlaňou oproti prostredníku.

Na začiatku XIX storočia. obľubu si získavajú nové živé, ľahké a uvoľnenejšie tance (polonéza, valčík, ekossa, štvorka, kotillon, polka, mazurka), ktoré sa stávajú celoeurópskymi spoločenskými tancami.

Mnoho tancov, ktoré sa objavili v dvadsiatom storočí. (Krakowyak, dvojkrok, tango, valčík-Boston, foxtrot, charleston, blues, rokenrol, rumba, samba, twist, salsa, mambo atď.) sú populárne aj dnes.

Tu je výber historických tancov rôznych národov. Pre vaše pohodlie sú tance zoradené v abecednom poradí. Aleman

Spoločenský tanec – valčík pre troch v podaní pána a dvoch dám. Hudobná veľkosť 3/4 bola populárna v 19. storočí. na rodinných plesoch. Pohyby pozostávajú z ľahkých kĺzavých krokov. Zvláštny význam má vzor tancujúcich rúk, ktoré sa elegantne a hladko menia.

Allemande

Allemande - (z franc. allemande, písmená - nem.), starý (od 16. storočia) francúzsky dvorný tanec nemeckého pôvodu, plynulé, mierne tempo, patrí k bassedanom. Hudobná veľkosť 4/4. Bolo to v tomto tanci v XVIII storočí. ruky tanečníkov z ich obvyklej polohy pozdĺž tela sa prvýkrát zdvihli. Táto sloboda rúk bola charakteristickou črtou allemande. Pripravila hlavné polohy gavoty, v ktorých sa ruky stávajú ešte tanečnejšími. Lopta

Ball - (z latin ballare - do tanca a francúzskeho bal), veľký tanečný večer. V Európe sa tradícia svetských plesov sformovala v 14. storočí a plesy sa čoskoro stali neoddeliteľnou súčasťou dvorných slávností. V XV-XVII storočia. spôsoby, pravidlá správania a všetka tanečná etiketa podliehali prísnej regulácii. Na slávnosti sa zúčastnili špeciálni obradní majstri plesu, ktorí určovali, kto má ples otvárať, kto a s kým má tancovať, pozorujúc správanie a pohyb tanečníkov. Odchýlky od pravidiel boli trestuhodné.

V predpetrínskej Rusi sa takzvané „salónne tance“, ako v r západná Európa nemal. Vo vežiach sa predvádzali ženské okrúhle tance a medzi ľuďmi prekvital tanec. Vo všeobecnosti bol postoj k „tancu a radovánkam“ opatrný. Zlom nastal za Petra I., ktorý sa snažil zaviesť maximálne množstvoľudí dosiahnuť európskej civilizácie, si prial „nie len požičať, adoptovať, ale vytvoriť svoj vlastný, originálny, spájajúci originál so západným“. Vďaka premenám Petra bol zrušený zákaz tancovania v rámci svetskej komunikácie. Do tanca sa zapojil sám Peter, jeho manželka Jekaterina a dcéra Alžbeta a podľa súčasníkov tancovali veľmi pôvabne.

V roku 1718 bol vydaný dekrét o zavedení zhromaždení, čiže stretnutí-plesov. Hlavnou zábavou na zhromaždeniach bol tanec, do ktorého sa zapojili aj starší. Kavalieri mohli pozvať do tanca ktorúkoľvek z prítomných dám, nepripúšťalo sa to odmietnuť.

Podľa nových pravidiel petrovských snemov si každý majiteľ šľachtického domu mal z času na čas urobiť priestor na tanec, hry a zábavu. Neschopnosť tancovať sa stáva hanebnou, a preto si bojari píšu učiteľov tancov a „svetských zdvorilostí“, ktorých povinnosti boli veľmi rozsiahle. Tanečný majster musel vyučovať tance (menuet, polonézu, country tanec, pavane, courant, anglaise) a zároveň učiť dobrý tón.

Do konca XVII - začiatku XVIII storočia. konečne sa formuje taká forma zábavy, akou sú plesy. Tanec pozná každý ako veľmi príjemnú, nepostrádateľnú zábavu. Ples sa stáva jednou z najdôležitejších súčastí spoločenského života. Je to miesto stretnutia a komunikácie. Koniec koncov, domáce návštevy ukladajú veľa obmedzení na správanie a okrem toho je určite potrebný nejaký obchod. A na plesoch sa môžete stretnúť akurát tak a bude to „slušné“.

Zo všetkých možných zábaviek sa ukazuje ako najobľúbenejší ples. Prechádzka aristokrata napokon neposkytuje príležitosť na komunikáciu, pretože sa spravidla koná v koči; lov je tiež nepohodlný, pretože. spojené s jazdou na koni. Divadlo je výborný vynález, je tam možné všetko – predvádzať záchody, viesť rozhovory v hlbokých boxoch, flirtovať, flirtovať, ale, žiaľ, toto všetko treba robiť popri hlavnom zamestnaní – rozjímaní nad predstavením. A iba lopta umožňuje aspoň trochu ukázať svoju šikovnosť a milosť, ako aj slobodne „ísť do sveta“.

Petrove reformy urobili život spoločnosti harmonickejším; už nebolo potrebné skrývať túžbu baviť sa. Koniec koncov, ples nie je len tanec, ale aj hry - najskôr šach, potom ruská spoločnosť veľmi rád kartové hry. Toto je druh klubu, kde môžete chatovať s priateľmi; je to aj sobášny úrad, kde sa rozhodovalo o osude najvýznamnejších dynastií Ruska. Komunikácia bola nemenej dôležitou súčasťou plesu ako tanec. Na plesoch sa nadväzovali známosti, rozhodovali sa otázky služby a kariéry, formovala sa verejná mienka.

Barokový tanec (XVIII. storočie) preberá úlohu, ktorú neskôr prevzal šport: udržiavať kultúru tela na rovnakej úrovni ako kultúru ducha. Z baroka sme zdedili balet – komplexné umenie, regulované krásou plastických línií, ktoré si vyžadovalo špeciálnu dlhodobú prípravu. AT koniec XVIII- začiatok 19. storočia tanečná kultúra sa stáva najdôležitejšou zložkou svetského života, a lopty - nepostrádateľný atribút ušľachtilého života. Tanec bol povinným predmetom v rôznych vzdelávacích inštitúciách.

V tom čase, v osvietenej Európe, sa tancovalo všade a toľko, že sa dá predpokladať, že sa tam vôbec nepodnikalo, iba sa tancovalo vo všetky hodiny dňa a noci. Plesy sa líšili oficiálne-súdne, verejné, rodinné. Kvôli plesu ušili tie najmódnejšie outfity, pozvali najznámejších hudobníkov a zorganizovali honosné večere, kvôli ktorým prestavali celý denný režim.

Pre vtedajšieho svetského človeka a ešte viac pre dámu bolo nemysliteľné netancovať. "Schopnosť tancovať a choreografický talent boli cennou kvalitou a úspechom nielen na parkete, ale niekedy aj na poli služobnej kariéry." Ples bol skvelou zábavou, no vyžadoval si veľkú fyzickú a emocionálnu silu. Na plese sa vyžadovalo vyzerať bezchybne, ovládať každý pohyb a slovo a zároveň pôsobiť prirodzene, priateľsky a veselo. Veda o spoločenskej komunikácii si vyžadovala mnoho rokov štúdia. Plesová kultúra preto vstúpila do života človeka už v detstve v podobe tanečných hodín a návštev na detských plesoch.

Obrovská úloha na plese bola zverená manažérovi, bola to česť a zodpovednosť: na ňom záležalo, či bude mať ples úspech. Manažér sa snažil ukázať maximálnu fantáziu a virtuozitu, aby spestrili tanečné figúry a priniesli radosť hosťom. Mal „oživiť spoločnosť osobnou veselosťou a rozpoložením ducha“. (1895) K jeho povinnostiam patrilo zostavovanie dvojíc, rozdeľovanie priestoru tanečnej sály a udržiavanie poriadku v sále.

Ples otvorila polonéza, v slávnostnej funkcii prvého tanca nahradila stredoveký menuet. Nezaobišli sa bez mazurky, ktorá sa stala medzinárodným spoločenským tancom. Waltz sa stal nepostrádateľným atribútom a kráľom plesov! Koľko rozkošnej slobody v plynulom pohybe! Valčík sa stal spôsobom oslobodenia sa od konvencií, ktoré boli stále základom spoločenského života. Zároveň sa objavil aj ďalší tanec, ktorého úspech zatienil obľúbenosť mnohých ďalších - polka. Ples ukončila tanečná hra kotilión, akési záverečné vystúpenie všetkých zúčastnených. Tancovali vtedy štvorkolku a iné rôzne druhy country tancov.

Plesy a tanečné večery XIX storočia. sa odrážajú v mnohých klasických dielach ruskej literatúry, najmä v „Eugene Onegin“ od A. S. Puškina a „Vojna a mier“ od L. N. Tolstého.

Tanečný večer nie sú len lietanie v tanci dámy a páni, ale aj nízke šaty, vejáre, fraky, detské rukavičky, šatky, masky, úsmevy a nežný pohľad, poklona a bozk na ruku... tanečný priestor bol určený nielen na tanec, ale aj na módnu prehliadku. Plesové šaty neboli použité viackrát alebo dvakrát a mali vyzerať „podľa najnovšej módy“.

Na konci XIX storočia. so zmenami vo verejnom živote sa plesová kultúra postupne vytráca, dvorné plesy sa konajú čoraz menej. Posledné plesy a tanečné stretnutia sa konali v roku 1914.

V prvých rokoch Sovietska moc spoločenský tanec bol vyhlásený za filištínsky a v rozpore s novou kultúrnou politikou. Bola tu tradícia sovietskych masových sviatkov so živými pyramídami a športovými prehliadkami. Miesto tanečných večerov v oblasti voľného času sa veľmi uskromnilo. Boli vytvorené „sovietske“ každodenné tance a tance populárne vo svete boli zakázané ako „buržoázne“. Zložitý vzorec mnohých tancov sa zjednodušil a stal sa jednoduchým prešľapom na mieste, ktorý si nevyžaduje špeciálny tréning.

Avšak v európske krajiny v vysoká spoločnosť zachovala sa tradícia konania plesov. V Sovietskom zväze sa samotná myšlienka takýchto plesov zdala nemožná, ale aj tu sa prejavila kultúrna pamäť: absolventské tanečné večery sa vždy nazývali „absolventské plesy“.

Dnes opäť ožíva kultúra svetských plesov; tanečné večery, salóny a plesy sú čoraz populárnejšie. Tak ako doteraz sa stretávajú, zoznamujú a komunikujú (môžete za nimi prísť aj sami). Tance, ktoré zažiarili v minulých storočiach a historicky sa predvádzali na plesoch, sú opäť zaujímavé a módne, a to najmä svojou dostupnosťou, „nenáročnosťou“, eleganciou a krásou. spoločenské tance

Spoločenský tanec (salón, domácnosť) je tanec, ktorý slúži na hromadnú zábavu a predvádza ho pár alebo väčší počet účastníkov na tanečných večeroch (plesoch). Vznikol v 14. storočí. v Taliansku v časoch rozkvetu tejto krajiny sa tam vyvinuli aj pravidlá vtedajšieho spoločenského tanca, systém nahrávania tanca. Plesy vo Florencii XV - XVI storočia. - príklad veľkoleposti, farebnosti, vynaliezavosti. Potom, v XVI - XVII storočí. Francúzsko sa stáva zákonodarcom spoločenských tancov, tanečná technika sa stáva komplikovanejšou. Vytvorené v 60. rokoch. 17 storočie Parížska akadémia tanca dlhé roky regulovala štýl a spôsob predvádzania „plesovej choreografie“. V 17. storočí spoločenský tanec sa rozšíril po celej Európe.

V tom čase prevládali „nízke“ tance alebo bassedance (pavan, courant, allemande) – s úklonmi, klaňaniami, salvami, často v podobe sprievodov so sviečkami a fakľami, sprevádzané spevom samotných tanečníkov. Postupne na plesy prenikli ľudové tance a podľa toho sa prispôsobili tvrdosti a etikete dvora a aristokracie.

V barokovom Francúzsku bolo módou predvádzať na plesoch scénické tance, t.j. najnovšie správy o operách a baletoch. (Viete si predstaviť priemernú úroveň choreografickej prípravy vtedajšej spoločnosti?) V 18. - 19. stor. Francúzsko udávalo trendy v celej Európe. Ruská šľachta tej doby prijala módu Paríža. V plnej miere to platí o tanci, ktorý v tom čase facilitovali choreografi, tanečníci, učitelia, tútori, ktorí boli v tom čase pozvaní z Francúzska.

Módne tance 18. storočia (menuet, gavota) sú postavené na plynulých a jemných pohyboch rúk a tela, malých ladných krokoch. Na konci XVIII - začiatku XIX storočia. slávny menuet stráca na obľube a je skôr prostriedkom výchovy k slušnému správaniu, rozvíjaniu držania tela, ladnosti a plynulosti pohybu. Primácke tance minulých storočí nahrádzajú štylizované ľudové tance z Anglicka, Nemecka, Rakúska a ďalších slovanských krajín. Celoeurópskymi spoločenskými tancami sa stávajú masová ekossaise, štvorka, polonéza, valčík, polka, mazurka. Sú živšie, uvoľnenejšie a ľahšie, rýchlejšie. Rozvoj voľných, skokových a rotačných pohybov uľahčila zmena módy a ľahké kostýmy.

V druhej polovici XVIII storočia. spoločenský tanec je v ruskom živote pevne zavedený av 19. storočí. Rusko sa stáva jedným z najväčších choreografických centier v Európe. Mnohé spoločenské tance vytvorené v zahraničí našli druhý domov v Rusku.

Už od petrovského obdobia bol tanec povinným predmetom vo všetkých štátnych a súkromných vysokých a stredných školách, vojenských školách a zahraničných internátoch. V Rusku boli všetky najnovšie a staré spoločenské tance nielen známe, ale dokázali ich aj vznešene predviesť. Bolo to spôsobené tým, že učiteľmi spoločenského tanca boli najčastejšie najväčší majstri ruskej baletnej scény, slávni choreografi a umelci (A. Glushkovsky, A. Novitskaya, L. Stukolkin a mnohí ďalší.)

V snahe vniesť do programu večera spestrenie a novosť, taneční majstri vymysleli zmiešané formy, kombinujúc pohyby najbežnejších tancov. Tak sa objavila polka-mazurka, valčík-mazurka atď.Na plesoch vyššej spoločnosti sa „kultivovaním“ predvádzali niektoré národné tance – krakowiak, čardáš, tarantella.

Po zániku plesov ako masovej zábavy v 19. storočí ich funkciu čiastočne nahradili reštaurácie, ktoré spájali kuchyňu, tanečný parket a divadlo.

Na konci XIX storočia. Európsky tanec je obohatený o afroamerickú a latinskoamerickú kultúru. Amerika - Nový svet, stelesňujúca myšlienku slobody, tancuje rokenrol, jazz, step, modernu, tango, salsu, rumbu atď. Vplyv afrického a latinskoamerického tanca pokrýva celé 20. storočie. Rozvíja sa varietný tanec.

V posledných desaťročiach, s rozvojom tanca na Západe a konaním mnohých šampionátov, sa spoločenské tance presunuli z aristokratického života do súťažného športu. A hoci historicky pojem „spoločenské tance“ spája mnohé tance rôznych období, v posledných desaťročiach, keď sa hovorí o spoločenskom tanci, zvyčajne znamenajú iba 10 súťažných tancov, zoskupených do dvoch programov – západoeurópskeho a latinskoamerického (respektíve: pomalý valčík , tango, viedenský valčík, pomalý foxtrot, rýchly foxtrot a samba, cha-cha-cha, rumba, paso doble, jive). Ako každá iná súťažná forma, aj športový tanec je veľmi náročná úloha, ktorá si vyžaduje veľké nasadenie. Sú to seriózne fyzické aktivity a individuálne lekcie, veľkolepé a komplexné naučené schémy, kostýmy a špeciálne topánky, ktoré sú brilantné v každom zmysle, prísni rozhodcovia a dosiahnuté body na postup do ďalšej triedy.

Spoločenský tanec je druh tanečnej gramotnosti a kaligrafie. V súčasnosti absorbovali obrovské množstvo rôznych druhov choreografií, od ľudových až po moderný tanec.

Dnes sú tance minulých storočí, historicky predvádzané na svetských plesoch, opäť zaujímavé a módne. Kultúra plesov je opäť žiadaná a slovné spojenie „spoločenský tanec“ naberá svoj pôvodný význam. Bassedance

Takzvané „nízke“ dvorné tance, v ktorých neboli žiadne skoky a nohy sa takmer nedvíhali nad podlahu: pavane, zvonkohry, allemande. Vo „vysokých“ tancoch sa tanečníci krútili (volta) a skákali (galliard).

Bassedance sa často označujú ako „chodiace“ tance; vymysleli akoby malú choreografickú kompozíciu, v ktorej sa tanečníci ukázali zhromaždenej spoločnosti a predviedli svoje bohatstvo, nádheru outfitov a noblesu spôsobov. Kolóna dvoranov plynulo prechádzala tanečnou sálou a krčila sa v hlbokých úklonoch.

Najrozšírenejším medzi bassedanciami bola spoločenská branle: masový tanec často spojený s hernými momentmi.

branle

Branle - (z franc. branler - pohyb, švih), starý francúzsky tanec, pôvodne ľudový, okrúhly tanec, sa objavil v renesancii. V rôznych provinciách sa vyvinuli charakteristické typy ľudových branle s názvom podľa miesta narodenia alebo charakteristického znaku (branle práčovne, bretónske branle a pod.) Branly boli jednoduché, dvojité, veselé, napodobňujúce.

Neskôr táto sedliacka forma preniká do siení feudálnych zámkov a objavuje sa tanečná sála, dvorné branle. Vyznačoval sa veľkým počtom úklonov, mal väčšiu plynulosť, zaoblené pohyby, obrad, kým v ľudovom tanci bolo viac klopaní. Svieže dvorné oblečenie dodávalo tancu strnulosť.

Slovo „branble“ charakterizuje nielen druh tanca, ale aj jeden z jeho pohybov – kývanie tela. Jednoduché branle je zdrojom mnohých neskorších salónnych tancov. Napriek tanečnej chudobe pohybov branle (4 malé kroky, posledný s nohou), kombinácia kostýmov, hudby, vznešených spôsobov urobila branle mimoriadne zaujímavým. V provincii Poitou menuet postupne vznikal z branles. Valčík - Boston

Waltz - Boston (pomenovaný podľa mesta Boston, USA) - populárny v 30. rokoch. 20. storočie Americký párový tanec, predchodca neskoršieho pomalého valčíka. Bostonská valčíková hudba sa vyznačuje lyrickým zvukom, jasným rytmom a dôrazom na prvú štvrtinu múz. veľkosť 3/4.

Vynikajúci príklad bostonského valčíka je v balete R. M. Gliere Červený mak.

Valčík - gavota

Spoločenský tanec, ktorý vznikol v 20. storočí, kedy sa kombinované skladby tešili veľkému úspechu. Pozostáva z dvoch častí: gavota a valčík. Luk je odkaz. Múzy. veľkosť prvej časti je 4/4, druhá - 3/4. Účinkuje na tanečných zábavách a plesoch.

valčík mazurka

Spoločenský tanec 19. storočia, podobne ako polka-mazurka, vytvorený podľa vtedy módneho princípu spájania pohybov rôzneho charakteru v jednom tanci; istá pieseň na 32 taktov. Múzy. veľkosť 3/4. Skladá sa z dvoch častí: mazurka a valčík. Účinkuje na tanečných zábavách a plesoch. Maďarský spoločenský tanec

Spoločenský tanec založený na štylizovaných maďarských ľudových tanečných pohyboch dostupný pre masové predstavenie. Čistota pohybu, zdržanlivosť a zároveň temperament, množstvo zvláštnych prechodov, zmena tempa, údery päty a všeobecná hravosť tanca ho robia príjemným a milovaným mnohými.

sa stal populárnym v Sovietsky čas, sa na tanečných zábavách predvádza dodnes.

Gavotte

Gavotte - (z francúzskeho gavotte), starý francúzsky tanec, pôvodne ľudový, okrúhly tanec, bipartitnej veľkosti, je známy už od 16. storočia. Múzy. veľkosť 4/4.

V XVIII storočí. dostáva znovuzrodenie, ale do plesových sál neprichádza z vidieckych prázdnin, ale z javiska, ktoré zariadil skúsený, profesionálna ruka. Spolu s menuetom sa stal obľúbeným roztomilým a štýlovým tancom. Pozostávala z ľahkých, malých krôčikov na polprstičkách a veľmi rafinovaných klonov. To všetko sa spájalo s pôvabnými, no domýšľavými pózami a jemnými pohybmi rúk. Hlavný krok gavoty – „maďarský krok“ – spočíva v pohybe nohy dvakrát do vzduchovej polohy IV, dopredu alebo dozadu. Noha sa pohybuje, jemne a hladko sa neohýba, čo si vyžaduje špeciálny tréning.

Vďaka spojeniu výbornej hudby s originálnym tanečným obsahom je gavota právom považovaná za historický tanec. Maľba, poézia, sochárstvo, snažiace sa sprostredkovať ducha galantného 18. storočia, sa často obracali k obrazu tohto konkrétneho tanca.

V súčasnosti sa predvádza na plesoch v rámci kombinovaného tanca valčík-gavota. Cval

Cval - (z francúzskeho galor), spoločenský tanec v rýchlom tempe s trhavými pohybmi, ako aj hudba k takémuto tancu. Múzy. veľkosť 2/4. Cval sa objavil v Uhorsku v 18. storočí, rozšírený sa stal v 30. a 40. rokoch. 19. storočie Cval často slúži ako neoddeliteľná súčasť, často aj záver tanca. Začali a skončili poslednou figúrkou štvorky. Používa sa v operách, operetách a baletoch. Postava je veľmi dynamická, pohyby sú ľahké a kĺzavé, sú mimoriadne jednoduché a rýchlo sa učí, čo vysvetľuje jeho výrazný úspech.

galliard

Staroveký taliansky tanec renesancie, rýchly, veselý, hudba. veľkosť 3/4. Spočiatku sa tancovalo v miernom tempe a zvyčajne sa predvádzalo po pavane. Galliard je jasný, živý tanec s technicky zložitými skokmi. V ňom sa viac ako v iných dvorných tancoch zachovali ľudové pohyby. Ľahkosť a živosť, s akou bol tanec predvedený, nevylučovala istú kultivovanosť, ktorú bolo treba zachovať aj pri rýchlych obratoch. Galliardovci mohli pohyby podľa vlastného uváženia striedať, meniť a komplikovať, akoby medzi sebou súťažili v obratnosti.

Galliard obsahuje mnoho pohybov, ktoré prešli do nových tanečných foriem. Ako variácia obľúbeného galliardu je známy románsky alebo Five Pas tanec.

Quadrille

Quadrille - (z franc. quadrille - štyri), ľudový omšový a spoločenský tanec 19. storočia, mobilný, muzikál. veľkosť 2/4, odkazuje na country tance. Za rodisko tohto tanca sa považuje Anglicko, z ktorého sa zrodil začiatkom 18. storočia. dostali do Francúzska. Square dance vďačí za svoje rozšírenie a popularitu Parížu. Francúzi si tanec zmenili podľa seba, pričom nezabudli pridať slovo „francúzsky“. V 70. rokoch. 19. storočie sa stáva módnou anglickou štvorkou Lancier.

V tradičnej štvorhre sa zúčastnilo 4 alebo 8 párov, ktoré tvorili štvoruholník – carre. Ak bolo párov viac, boli usporiadané do niekoľkých štvorcov. (V stredoveku bola štvorkolka malý oddiel jazdcov zúčastňujúcich sa na turnaji, ktorý sa nachádzal na štyroch stranách miesta vyhradeného pre súboj). Pravdepodobne vojenský pôvod štvorky vysvetľuje jej popularitu medzi dôstojníkmi na začiatku 19. storočia. Neskôr sa zoradili dve línie a každá línia párov postupne tancovala každú štvoricu.

V štvorke bolo 6 figúrok, zahŕňali prenasledovanie, polprsty, cvaly, prechody. Postavy štvorky si vyžadovali živý, ladný a elegantný výkon. Manažér plesu mohol podľa vlastného uváženia vytvárať rôzne tanečné formácie. Tanečná technika štvorky bola dovedená k dokonalosti a pohyby boli dokonale ukončené.

Stará francúzska štvorka bola stredobodom pozornosti a základom každého plesu. Za jeden večer sa to dalo odohrať aj viackrát. Kvalita vystúpenia bola pre tanečníkov vážnou skúškou, všetky oči divákov sledovali štvorkolku! Kvadrilka mala aj výchovnú hodnotu: učila slušnému správaniu, schopnosti hudobne, zreteľne a prirodzene sa pohybovať.

V priebehu dvesto rokov prešiel tanec mnohými zmenami: postavy sa zjednodušili, objavili sa bežné každodenné kroky. Štvorkolka sa vyvinula v relaxačný tanec, ktorý je nevyhnutný medzi rýchlymi valčíkmi, cvalmi a polkami.

Medzi ľuďmi sa square dance desaťročia upravoval, zdokonaľoval a vytváral nanovo. Získala originálne pohyby, kresby, spôsob vystupovania, pričom zo salónneho tanca prevzala len niektoré črty konštrukcií a názvu. Ruský ľud vytvoril štvorkolku rôznorodú v dizajne a zaviedol do nej veľa postáv ruských kruhových tancov a tancov. Quadrille sa vyznačuje štvorcovými, lineárnymi, kruhovými. Účinkuje na tanečných zábavách a plesoch.

Country tanec

Counterdance je súhrnný názov, spájal rovnaký typ tancov - quadrille, anglaise, ecosseuse, grossvater, lancer - postavené pozdĺž námestia alebo pozdĺž línie, kde proti sebe stál párny počet párov.

Prvýkrát sa objavili v Anglicku v 17. storočí. a odtiaľ si požičiavali všetci európskych národov. „Country dance“ – v angličtine „country dance“ – znamená „vidiecky, vidiecky tanec“. Ako mnohé iné tance má ako primárny zdroj ľudové tance. Country tanečné pohyby boli postavené na pas chasse, balance, pas de basque a postupne sa skomplikovali. Počet ich figúrok dosiahol niekoľko stoviek.

Úspech country tancov sa vysvetľuje tým, že ich mohol hrať každý súčasne (keby bol párny počet párov), kým staré tance (pavane, menuet) predvádzal obmedzený počet párov. Country tance svojím druhom a tanečným obsahom boli zaujímavejšie a živšie ako mnohé obradové tance. Z toho vyplýva veľký úspech vidieckych tancov, ktoré sa takmer dve storočia pravidelne predvádzali na plesoch všetkých krajín a všetkých tried.

Kotilión

Cotillion - (z franc. cotillion), spoločenský tanec francúzskeho pôvodu, známy od 18. storočia, si získal obľubu v 19. storočí. Komplikácia jeho kompozície a vzhľad obrovského množstva postáv patria do rovnakej doby. Ani jedna lopta v XIX storočí. neprešiel bez kotilónu.

Kotilión sa najskôr predviedol na záver plesu ako rozlúčkové vystúpenie všetkých účastníkov v ich obľúbených tancoch a potom sa stal centrom tanečného večera. Cotillion veľmi pripomína hromadnú tanečnú hru, ktorú vedie jeden pár, ktorý pridelil poradie skladieb.

Tanec zahŕňal valčík, mazurka, polka pohyby. Niekedy sa kotilión vykonával medzi postavami štvorky.

Hostitelia plesov priniesli do módy kotillon s doplnkami (rôzne predmety). Rozmanitosť týchto predmetov a fantázia plesového manažéra vytvorila mnoho nových figúrok, či skôr zábavy a hier s vecami, spojených s tancami. Niektoré zdroje uvádzajú viac ako 200 kotiliónových figúrok, napríklad „stoličky“, „kvety“, „karty“, „pyramída“, „tajomné ruky“, „hra na motýle“, „vzájomná láskavosť“ atď.

„Cotillion je kráľ tancov, neoceniteľný inšpirátor, bez ktorého nie je ples plesom, bez ktorého tanečníci márne hľadajú, po čo prišli: pestrosť, veselosť, absencia akejkoľvek techniky, dobrý vtip, nečakané efekty . Ide o tanečnú hru, v ktorej fungujú nielen nohy, ale aj dôvtip je obzvlášť vycibrený “(Petrova M. Yu.“ Najnovší petrohradský autoinštruktážny manuál pre všetky verejné tance “St. Petersburg, 1883).

Krakowiak

Poľský ľudový, potom spoločenský tanec, pomenovaný podľa mesta Krakov. Múzy. veľkosť 2/4, živý, hrdý tanec. Pohyby tanca sú jednoduché, ale energické, čo naznačuje jeho ľudový pôvod. Spočiatku to tancovali iba muži: „rytier“ a jeho „panoš“. Potom začali tancovať v tandeme s dámou: ona - hladko a elegantne, on - s ostrými krokmi. V Krakowiaku sú hlavné pohyby podobné pohybom mazurky - s tromi striedavými poklepaním celého chodidla na podlahu; okrem toho by mal byť prvý a tretí prílev silnejší ako druhý.

Najznámejšiu tanečnú skladbu súčasnosti postavil učiteľ N.L. Gavlikovského a spája charakteristické prvky poľského tanca s valčíkom. V súlade s hudobnou veľkosťou sa valčíková časť (druhá) nehrá v 3/4, ako v obvyklom valčíku, ale v 2/4.

Účinkuje na tanečných zábavách a plesoch.

Courant

Courante - (z franc. courante - beh, plynúci), francúzsky spoločenský dvorný tanec, hudba. veľkosť 3/4, patrí medzi bassedance. Počas 16. a začiatku 17. storočia bola couranta spolu s pavane najobľúbenejším salónnym tancom. Bol to „pomalý, dôležitý tanec, ušľachtilejší ako ktorýkoľvek iný tanec“. Vyznačoval sa zložitými, zložitými postavami.

Zvonkohra má zvláštny charakter spočívajúci vo „večnom prúdení vpred“, čo znamená už samotné slovo „zvonka“. Na konci XVII storočia. vytlačili ho iné, menej slávnostné a pohyblivejšie tance.

Mazurka

Je úplne Francúz

Vedel hovoriť a písať;

Ľahko tancoval mazurku

A v pohode sa uklonil;

čo chceš viac? Svet rozhodol

Že je šikovný a veľmi milý.

A.S. Puškin

Mazurka - (z poľského mazurek - názov obyvateľov Mazoviecka) - rýchly a zápalný spoločenský tanec.

Pôvod mazurky je v poľskom ľudovom tanci mazur, ktorý sa objavil v 16. storočí, pozoruhodný svojou krásou a rozmanitosťou pohybov. V Európe sa mazurka preslávila začiatkom 19. storočia. (taneční majstri dali ľudovému tancu salónny charakter) a je najrozšírenejší v Rusku. Nikde (okrem Poľska) sa mazurka netancovala s takou brilantnosťou a zručnosťou ako v Rusku. Jeho štúdium si vyžadovalo oveľa viac času, trpezlivosti a zručnosti ako štúdium iných tancov.

Ruská mazurka. Z francúzskej litografie z 19. storočia.

Všetko v mazurke podporuje imidž brilantného kavaleristu: špeciálne správanie a pružný krok a galantnosť zdvorilého gentlemana. Práve od neho záviselo úspešné prevedenie tanca. Vyberá si kúsky a mení tempo. Mazurka je tanec temperamentných jazdcov a ich nežných dám. Prvkami mužskej partie boli silné údery podpätkom (popudzovanie koňa), prudké mávnutie rukou nad hlavou (ťahanie za opraty), „chromý krok“ (pripomienka zranení), kým dámy mali ľahký beh. polprsty a všeobecná demonštrácia slabosti a krehkosti. Dáma by mala vedieť bez problémov lietať po sále, mala by vedieť uchopiť pohyby a prechody, ktoré ponúka pán. Počas tanca si muži pred dámou kľakli na jedno koleno, akoby jej chceli pomôcť zosadnúť z koňa. Kavalieri sa predvádzali pred svojimi dámami, očarili ich a podmanili si ich.

Mimochodom, popisujúci výkon mazurky, autori umelecké práce spomínajú sa ostrohy - časť výbavy pre jazdca. Nebolo zvykom objavovať sa na plese v čižmách s ostrohami (pretože by mohli poškodiť outfit dámy). Ale na ostrohoch je niečo poetické a v obraze statočných vojenských, cinkajúcich ostrohy, bolo veľa romantiky.

Postavy tanca boli rozmanité a početné a vďaka voľnej improvizácii pohybov bol tanec jasný a vzrušujúci. Mazurka bola vždy v centre každej oslavy, čakali na ňu, pripravovali sa na ňu.

Po tom, čo mazurka dostala trvalú „registráciu“ v spoločenských sálach, vymýšľali taneční majstri stále nové a nové figúry a dokonca aj druhy mazurky. Objavila sa valčík-mazurka a štvorkolka-mazurka, kombinovaná s polkou, používanou v kotilóne. V pas de trois tvorí mazurka celú časť tanca. Jedna z postáv mazurky – „Zazdravnaya“ – sa predvádzala s pohárom šampanského v ruke. Prvú časť plesu zvyčajne ukončila mazurka.

Ťažko povedať, či by dnes bola mazurka taká známa, keby pri vývoji jej hudobnej podoby nemal osobitnú úlohu, ktorú zohral poľský skladateľ Frederic Chopin. Napísal vyše 50 krásnych mazuriek. To, čo urobil Chopin pre mazurku, je porovnateľné len s úlohou Johanna Straussa vo valčíku.

Menuet

Menuet - (z francúzskeho menu - malý) - starý francúzsky ľudový tanec. Múzy. veľkosť 3/4. Objavil sa v 17. storočí. z ľudového branle, ktorý pozostával z malých krokov (pas menu). Branlove pohyby sú štylizované, prikrášlené; merané malé kroky sú kombinované s hladkými drepmi a primárnymi úklonmi. Vládnuť Ľudovít XIV a XV možno nazvať skutočnou érou menuetu. V Rusku sa predvádzala na zhromaždeniach Petra I. a na šľachtických plesoch za Kataríny II.

Ani jeden tanec 16. – 17. storočia. sa netešil takej obľube ako slávny menuet, ktorý je všeobecne uznávaným príkladom salónneho tanečného umenia.

„Menuet je tanec kráľov a kráľ tancov,“ takto to nazvali historici tanečného umenia. Verilo sa: "kto dobre tancuje menuet, ten dobre robí všetko."

V XVIII - začiatok XIX storočia. mnohí učitelia tanca verili, že ak chcete narovnať svoje držanie tela a rozvíjať elegantné spôsoby, musíte to urobiť dlho naučte žiakov presne podľa menuetu a neponáhľajte sa učiť sa nové tance, kým menuet neprebehne bezchybne. Jeden z najväčších ruských choreografov a učiteľov, A.P. Glushkovsky, povedal, že menuet „vás naučí šikovne sa ukláňať, chodiť rovno, ladne natiahnuť ruku a študent dostane dokonalé vyrovnanie celého tela“.

Hlavným znakom predstavenia menuetu je slávnostnosť, galantnosť a vážnosť. Krok menuetu - pas grave - je veľmi plynulý, každý pohyb bez prerušenia nadväzuje na predchádzajúci. To nie je ľahké dosiahnuť. Nesmieme však zabúdať, že v tých časoch bolo zvykom dlho študovať tanečné zručnosti; jeden úklon menuetu sa učili mesiac, prešli roky, kým sa rozhodli predviesť tanec na dvornom plese. Ruky tanečníkov boli mäkké, plastické a kreslili pózy menuetu.

Svieže oblečenie povinné pomalé pohyby. „Tanečníkov bolo málo, lebo menuet bol sofistikovaný tanec; každú minútu si tu a tam buď sadnite, alebo sa ukloňte a potom opatrne; to nestačí, postarajte sa o svoj chvost, aby nebol odrezaný, a dávajte pozor, aby ste sami nespadli do chvosta niekoho iného a nenechajte sa zmiasť. ("Ruský posol", 1878)

Menuet sa po sále netancoval, jeho vzor sa menil v hladkých zaoblených líniách v podobe písmen S a Z, číslic 2 a 8.

Všetci vynikajúci skladatelia používali menuet ako plodný námet pre svoju tvorbu. Vynikajúci choreografi vytvorili nové menuet pas. Boli „Kráľov menuet“, „Kráľovný menuet“, „Dvorský menuet“. V 18. storočí sa so zrýchľovaním tempa objavil rýchly menuet.

Menuet napísali takmer všetci skladatelia inštrumentálnej hudby, najmä menuet dostal umelecké spracovanie od Haydna, Mozarta, Beethovena. Z ruských skladateľov napísali vynikajúce menuety Glinka a Rubinstein. Prisluhovač

Mignon - (z franc. mignonne - príjemný), párový spoločenský tanec konca 19. storočia, určitá skladba pre 16 taktov, hudba. veľkosť 3/4. Je postavená na charakteristických pohyboch valčíka, charakterovo blízkych figurálnemu valčíku. Uvedený do používania slávnym učiteľom tanca N.G. Gavlikovský. Zahŕňa pohyby: balans, dráha a valčík minion (krok kĺzaním a valčíkový obrat). Vykonávané jemným a pokojným spôsobom. pavana

Pavane - (z lat. ravo - páv), spoločenský tanec majestátneho a slávnostného charakteru, patrí k bassedanom, pomalé tempo, hudba. 2/4 veľkosti, jeden z najstarších u nás známych historických tancov. Spolu so zvonkohrou bol v 16. storočí distribuovaný v Európe. V Španielsku sa objavil ako sprievod, skončil vo Francúzsku, kde sa zmenil a skomplikoval, keďže zostal výlučne dvorný. Tanec mal ukázať spoločnosti majestátnosť tanečníkov, ladnosť spôsobov a pohybov, bohatstvo krojov. Pohyby pavany sú pohybom vychvaľujúcej sa pavy. Pri hudbe pavanes sa konali rôzne slávnostné sprievody.

Pavane tancoval súčasne jeden alebo dva páry. Prísny poriadok v striedaní párov závisel od pôvodu a sociálneho postavenia tanečníkov (najskôr kráľ a kráľovná, potom ďalšie šľachtické osoby). Pavana sa tešila veľkej obľube až do polovice 17. storočia, kedy ustúpila menuetu.

padegras

Padegras – (z francúzskeho pas de grase), párový spoločenský tanec s pokojnými, ladnými pohybmi, hudbou. veľkosť 4/4. Podobne ako patrois bol zložený v Rusku na konci 19. storočia. Ruskí choreografi E. M. Ivanov a A. P. Byčkov. A „cudzie“ mená sa vysvetľujú tým, že v 19. storočí bola francúzska terminológia v tanečnej kultúre rovnako tradičná a všeobecne akceptovaná ako latinčina v medicíne a taliančina v hudbe.

Pre tanec sú charakteristické malé kroky, drepy a pevné držanie tela. Padegras je obľúbený na tanečných zábavách a plesoch. Padequatre

Padekatre - (z francúzskeho pas de quatre), pomerne elegantný spoločenský tanec, ktorý bol jedným z najbežnejších na konci XIX - začiatkom XX storočia. Vylepšený a aktualizovaný ho dal do užívania sólista petrohradského baletu a známy tanečný pedagóg N. L. Gavlikovský. Padekatre pozostáva z kĺzavých krokov a valčíkovej otočky. Charakteristickým rysom padekatre je prevedenie valčíka v 4/4 takte (t.j. rýchlejšie). Tanec má 4 takty. Prvý a druhý takt pozostávajú zo štyroch krokov, ktoré dali tancu názov. Tanec je veľmi krátky, ale mimoriadne elegantný a krásny. Pa-marshmallow

Patrí do skupiny klasických spoločenských tancov, zložených z tanečných krokov, ľahkých, kĺzavých pohybov a póz. Účinkuje na tanečných zábavách a plesoch. padepatiner

Padepatiner - (z franc. patineur - tanec korčuliarov), párový spoločenský tanec ustálenej skladby, stredne rýchle tempo, hudba. veľkosť 2/4. Ľahké, posuvné kroky a tanečné pózy napodobňujú pohyby korčuliarov. padespany

Padespan - (z franc. pas d`Espagne), párový spoločenský tanec ustálenej skladby, stredne rýchle tempo, hudba. veľkosť 3/4. Už niekoľko desaťročí, vytvorený v roku 1898 umelcom Veľkého divadla, ruským choreografom A. A. Tsarmanom, bol padespan jedným z najobľúbenejších ruských tancov. Postavené na jednoduchých prvkoch španielskeho tanca.

Účinkuje na tanečných zábavách a plesoch. pas de trois

Pas de Trois - (z francúzskeho pas de trios - tanec pre troch), v klasickom balete - tanec troch účinkujúcich, ako aj spoločenský tanec určitého zloženia na 24 taktov. Pozostáva z troch častí, odlišných charakterom a tempom: menuet, mazurka a valčík. Múzy. veľkosť 3/4.

Podobne ako padegras bol zložený v Rusku koncom 19. storočia. Ruskí choreografi E. M. Ivanov a A. P. Byčkov. Tanec mal zaslúžený úspech spolu s inými tancami, ktoré vychovávali k dobrým mravom, ladnosti, ladnosti a muzikálnosti.

polonéza

"Polonaise" ("polonaise") vo francúzštine znamená "poľský". Ide o poľský slávnostný tanečný sprievod, ktorý vznikol z ľudových masových tancov – obchôdzok. Múzy. veľkosť 3/4. Preslávil sa v 16. storočí. ako slávnostný dvorný tanec. V tých dávnych dobách sa skôr „reprezentovalo“, ako tancovalo. Dvorné dámy, keď boli predstavené kráľovi, vytvorili sprievod, ktorý bol sprevádzaný majestátnou hudbou; takýto sprievod sa stal tradíciou a začal otvárať všetky štátne obrady a samotný sprievod prerástol do tanca. V Rusku sa tomu hovorilo „konverzácia v chôdzi“, pretože počas tanca mohli umelci pokračovať v rozhovore. Na rozdiel od väčšiny salónnych tancov 1. poschodie. 18. storočie Polonéza sa nevzdala svojej pozície ani v ďalších epochách a pevne zaujala miesto prvého, „cisárskeho“ tanca na všetkých plesoch.

Týmto tancom majiteľ domu otváral každý ples. Kavalier prvého páru (s najuznávanejšou dámou) bol vodcom a vyznačoval sa mimoriadne rafinovanými pohybmi. Prvá dvojica nastavila pohyb, ktorý opakovala celá kolóna. Počnúc palácom, tanec pokračoval v „tisíci rozmarných zákrutách“ cez všetky byty, v záhrade alebo vo vzdialených obývačkách, kde sa pohyby uvoľnili. Polonéza „vôbec nebola bezvýznamnou prechádzkou, celá spoločnosť si užívala svoje rozjímanie, keď sa videla taká krásna, vznešená, veľkolepá, zdvorilá. Tanec bol neustálou ukážkou lesku, slávy, zmyslu.“ (F. Zoznam)

Polonéza vznikla (typická výnimka!) s cieľom upútať pozornosť na muža, zdôrazniť jeho elegantný vzhľad a hrdé držanie tela. Aj názov tanca v origináli – Polski – je mužského rodu. V tom čase boli veľkolepé látky, šperky a pestré farby bežné medzi mužmi aj medzi ženami. Na odstránenie pokrývky hlavy počas polonézy, jej presunutie z jednej ruky do druhej, dotyk rukoväte šable atď.

Začiatok polonézy sa niesol v znamení ritornella. Tanečný krok je mäkký, ladný a nemenný (napriek svojráznosti a zložitosti celej skladby), s hlbokým, plynulým podrepom v tretej štvrtine každého taktu. Spojené ruky pána a dámy vysoko nestúpli. Telo tanečníkov je mierne natočené k partnerovi, tváre partnerov sú tiež otočené k sebe a táto poloha je zachovaná počas celého tanca. Telo by malo zostať prísne napnuté, držanie tela hrdé, kroky striedajú plynulé drepy a úklony. Všetko je vykonávané so zmyslom pre veľkú vnútornú dôstojnosť a takt. V tanci nie sú žiadne rýchle ani zložité pohyby, no zároveň žiadny tanec nevyžaduje takú prísnu koncentráciu ako polonéza. Tu jasne vidieť najmenšiu nemotornosť, najmenšiu neistotu v nohách, najmenší nesúlad. Prechádzajú s noblesou, gráciou a jednoduchosťou, keď sa na vás pozerajú zo všetkých strán! ..

Po slávnostnom otvorení večera pánom domu mal každý z hostí právo zaujať miesto u svojej dámy a stať sa tak šéfom sprievodu. Dámy, striedajúce pánov toľkokrát, koľkokrát prvý z nich pozval nových pánov, nasledovali v rovnakom poradí, páni sa striedali a stalo sa, že ten, kto bol na začiatku tanca vpredu, mohol byť posledný. Kavalier, ktorý sa stal šéfom kolóny, sa snažil prekonať svojho predchodcu nevídanými figúrami, ku ktorým sa prinútil.

Úlohou polonézy bolo hostí nielen zoznámiť, ale aj navodiť určitú atmosféru: „Poľština“ pomohla naladiť tanečný večer, čo si vyžadovalo veľké choreografické schopnosti.

Slávnostný tanec šľachtických bálov sa zvečnil aj v hudbe; brilantné polonézy od Chopina, Glinku, Oginského! Polonéza sa nachádza v Čajkovského opere „Eugene Onegin“, „Ivan Susanin“ od Glinky. Na rozdiel od iných tancov, ktorých melódie sa spievajú, bola polonéza vždy inštrumentálnym žánrom.

Polka

Starý český tanec, nie poľský, ako napovedá názov. Múzy. veľkosť 2/4. Slovo „polka“ pochádza zo slova „pulka“, čo v češtine znamená „polovica“. V skutočnosti hlavný pohyb tohto veselého tanca pozostáva z dvoch polovičných krokov spojených predponou.

Spoločenská polka sa zrodila z českého ľudového tanca a zachovala si svoje črty v mnohých smeroch. Ani jedna dovolenka v Českej republike sa nezaobíde bez šmrncovnej a veselej polky. V prvej polovici XIX storočia. Polku do Francúzska priniesol český choreograf Josef Neruda.

40-te roky XIX storočia. boli časom rýchleho nadšenia pre Poľska v celej Európe, vrátane Ruska. Jej úspech zatienil dokonca aj valčík. "Všetko - od oblečenia po riad - sa začalo nazývať polka." Veselosť, hravosť, ľahkosť, netypická pre vtedajšie tance, prispela k víťaznému sprievodu polky svetom. Polka spája objatie valčíka s neuveriteľnou energiou a vitalitou. Bezstarostnosť a ľahkosť sú jej prirodzenosťou. Nový tanec dovolené tancovať spontánne a len pre potešenie. Následne sa objavili niektoré odrody tohto tanca, ale pôvodná polka prežila všetkých svojich dedičov.

Ako všetky spoločenské tance vytvorené na ľudovom základe, aj polka sa dobre adaptovala na nové podmienky vystupovania v tanečnej sále. Celé jej čaro je nezmenené - vo veselom rytme, v rýchlych a ľahkých poskakovacích pohyboch a obratoch tanečných párov. Polka využíva rôzne figúrky, ktoré si tanečníci môžu ľubovoľne obmieňať.

Hudbu tohto tanca ocenili mnohí skladatelia. Polkové témy znejú v operách, symfóniách a komorných dielach. Johann Strauss-son, nepochybný „kráľ valčíkov“, sa stal aj „kráľom Poliakov“ (163 skladieb). Čajkovskij má krásne polky, Rachmaninova „talianska polka“ je jedinečná.

Polka pevne vstúpila do tanečného umenia mnohých národov. Menil sa, nadobudol národnú príchuť, no vždy si zachoval kombináciu pohyblivosti a sily mužského tanca s koketnou gráciou ženského tanca. Srbi, Slováci, Maďari, Poliaci majú ľudový tanec polku. Väčšina baltských tancov je založená na polke. Aj to zohralo veľkú rolu pri šírení plesovej polky po svete. Existujú nemecké, fínske, švédske a dokonca aj brazílske polky.

Polka je stále populárna, tancuje sa na súťažiach, plesoch, tanečných večeroch.

Spoločenský tanec sa musí vykonávať vo dvojiciach. Takéto tance sa dnes bežne označujú ako štandardizované športové tance predvádzané na tanečných súťažiach a slávnostných podujatiach. Dnes vo svete tanca existujú dve hlavné klasifikácie, ktoré celkovo pozostávajú z desiatich tanečných štýlov: európske a latinskoamerické programy. Prečítajte si viac o tanci nižšie.

História spoločenských tancov

Pôvod pojmu „spoločenský tanec“ pochádza z latinského slova „ballare“, čo znamená „tancovať“. V minulosti boli takéto tance svetské a boli určené len pre najvyššie osoby a ľudové tance zostali pre chudobnejšie vrstvy obyvateľstva. Odvtedy takéto triedne delenie v tancoch už samozrejme neexistuje a mnohé spoločenské tance sú vlastne ušľachtilé ľudové tance. Najmä kultúra afrických a latinskoamerických národov mala veľký vplyv na moderný spoločenský tanec.

To, ako nazvať spoločenský tanec, závisí aj od obdobia. Na plesoch sa v rôznych časoch prezentovali rôzne tance, ako polonéza, mazurka, menuet, polka, štvorka a iné, ktoré sa dnes považujú za historické.

V 20. rokoch 20. storočia bola vo Veľkej Británii založená Rada pre spoločenské tance. Vďaka jeho aktivitám potom spoločenský tanec nadobudol formát súťaže a začal sa deliť na dve skupiny – na športové tance a takzvané spoločenské tance. Na programe bol: valčík, tango, ako aj pomalé a rýchle druhy foxtrotu.

V období 30. - 50. rokov pribúdalo tancov: do programu sa dostali také párové latinskoamerické tance ako rumba, samba, cha-cha-cha, paso doble a jive. V 60-tych rokoch však spoločenský tanec prestal byť bežnou zábavou, keďže si vyžadoval isté technický tréning, a nahradil ho nový tanec s názvom twist, ktorý nebolo potrebné tancovať v páre.

Tance európskeho programu

Program európskych tancov, čiže Štandard, obsahuje: pomalý valčík, tango, foxtrot, quickstep a viedenský valčík.

Pomalý valčík

V 17. storočí bol valčík ľudovým tancom v rakúskych a bavorských obciach a až začiatkom 19. storočia sa prezentoval na plesoch v Anglicku. Potom to bolo považované za vulgárne, keďže to bol prvý spoločenský tanec, pri ktorom si tanečník mohol držať svoju partnerku tak blízko. Odvtedy si valčík vzal veľa rôzne formy, no každú z nich spája jedinečná elegancia a romantická nálada.

Charakteristickým znakom valčíka je hudobný takt v troch štvrtinách a pomalé tempo (do tridsať úderov za minútu). Jeho základné figúry zvládnete aj sami doma.

Tango je spoločenský tanec, ktorý vznikol v Argentíne na konci 19. storočia. Tango bolo najskôr súčasťou programu latinskoamerických tancov, no potom sa prenieslo do štandardného európskeho programu.

Možno, že keď aspoň raz uvidí tango, potom bude každý schopný tento tanec rozpoznať - tento asertívny, vášnivý spôsob nemožno zamieňať s ničím. Charakteristickým rysom tanga je plynulý krok na celom chodidle, ktorý ho odlišuje od klasického „točenia“ od päty po špičku.

Pomalý Foxtrot

Foxtrot je relatívne jednoduchý spoločenský tanec, ktorý poskytuje začiatočníkom skvelý základ, na ktorom možno stavať. Foxtrot je možné tancovať v pomalom, strednom a rýchlom tempe, čo umožňuje aj začiatočníkom ladný pohyb na parkete bez špeciálnych zručností. Tanec sa dá celkom ľahko naučiť od nuly.

Hlavnou črtou foxtrotu je striedanie rýchlych a pomalých rytmov, nevyhnutná je však plynulosť a ľahkosť krokov, ktoré majú vzbudzovať dojem, že sa tanečníci trepotajú nad sálou.

Quickstep

Quickstep sa objavil v 20. rokoch minulého storočia ako kombinácia foxtrotu a Charlestonu. Vtedajšie hudobné skupiny hrali hudbu, ktorá bola príliš rýchla na foxtrotové pohyby, preto boli upravené v quickstepu. Odvtedy, ako sa vyvíjal, sa tento spoločenský tanec stal ešte dynamickejším, čo tanečníkom umožňuje predviesť svoju techniku ​​a atletiku.

Quickstep kombinuje mnoho rôznych prvkov, ako je podvozok, progresívne zákruty a kroky, aby sme vymenovali aspoň niektoré.

Viedenský valčík je jedným z najstarších spoločenských tancov, ktorý sa predvádza v rýchlom tempe, ktoré charakterizuje prvé valčíky. Zlatý vek viedenského valčíka v Európe nastal začiatkom 19. storočia, keď ešte žil a tvoril slávny hudobný skladateľ Johann Strauss. Popularita tohto valčíka stúpala a klesala, ale nikdy nevyšiel z módy.

Veľkosť viedenského valčíka je rovnaká ako veľkosť pomalého valčíka, sú tri štvrtiny a počet úderov za sekundu je dvakrát väčší - šesťdesiat.

Tanec latinskoamerického programu

Program latinskoamerických tancov zvyčajne reprezentujú tieto športové spoločenské tance: cha-cha-cha, samba, rumba, jive a paso doble.

Samba

Tento spoločenský tanec je považovaný za národný tanec Brazílie. Svet začal objavovať sambu od roku 1905, no tento spoločenský tanec sa stal v USA senzáciou až v 40. rokoch vďaka speváčke a filmovej hviezde Carmen Mirandovej. Samba má mnoho druhov, napríklad samba tancovaná na brazílskych karnevaloch a spoločenský tanec s rovnakým názvom nie sú rovnaké.

Samba kombinuje mnoho pohybov, ktoré odlišujú ostatné latinskoamerické spoločenské tance: sú to kruhové pohyby bokov a „pružné“ nohy a merané rotácie. Učiť sa však nie je veľmi populárne: rýchle tempo výkonu a nutnosť fyzickej prípravy často pripravujú začínajúcich tanečníkov o nadšenie.

Názov tohto tanca je odkazom na zvuky, ktoré tanečníci vydávajú nohami, keď tancujú v rytme maracas. Tanec sa vyvinul z rumby a tanca mambo. Mambo bolo v USA rozšírené, no na jeho rýchlu hudbu sa tancovalo veľmi ťažko, a tak kubánsky skladateľ Enrique Jorin hudbu spomalil – a tanec cha-cha-cha bol na svete.

Charakteristickým rysom cha-cha-cha je takzvaný trojitý krok na dva počty. Táto vlastnosť urobila z cha-cha-cha samostatný tanec, čím sa odlišovala od mamba, hoci ostatné pohyby sú tomuto štýlu dosť podobné. Cha-cha-cha sa vyznačuje aj minimálnymi pohybmi po sále, v podstate sa tento spoločenský tanec predvádza takmer na jednom mieste.

Rumba má pomerne bohatú históriu – objavila sa ako hudobný žáner aj ako tanečný štýl s koreňmi v Afrike. Rumba je veľmi rytmický a komplexný tanec, ktorý splodil mnoho ďalších tanečných štýlov, vrátane salsy.

Predtým bol tento latinskoamerický tanec považovaný za príliš vulgárny kvôli svojim pohybom bez zábran. Stále sa tomu hovorí tanec lásky. Nálada tanca sa môže počas jeho vykonávania meniť – od odmeranej až po agresívnu. Výkonový štýl pripomína štýl mambo a cha-cha-cha. Hlavnými mierami rumby sú QQS alebo SQQ (z anglického S - "pomaly" - "pomaly" a Q - "rýchlo" - "rýchlo").

„Paso doble“ je španielsky výraz pre „dva kroky“, čo definuje jeho pochodový charakter. Je to mohutný a rytmický tanec, ktorý sa vyznačuje rovným chrbtom, pohľadom spod obočia a dramatickými postojmi. Medzi mnohými ďalšími latinskoamerickými tancami je paso doble pozoruhodné tým, že v jeho pôvode nenájdete africké korene.

Tento španielsky ľudový tanec bol inšpirovaný býčími zápasmi, pričom muž vždy stvárňoval krotiteľa matadora a žena hrala rolu jeho plášťa alebo býka. Pri predvádzaní paso doble na tanečných súťažiach však partnerka nikdy nezobrazuje býka – iba plášť. Pre svoju štylizáciu a veľké množstvo pravidiel sa tento spoločenský tanec mimo tanečných súťaží prakticky nerobí.

Jive

Jive vznikol v afroamerických kluboch začiatkom 40-tych rokov. Samotné slovo „jive“ znamená „zavádzajúce bľabotanie“ – populárny slangový výraz medzi Afroameričanmi tej doby. Americká armáda priniesla tanec do Anglicka počas druhej svetovej vojny. Tam bol jive prispôsobený britskej pop music a nadobudol podobu, akú má dnes.

Charakteristickým znakom jive je rýchle tempo tanca, vďaka ktorému sú pohyby pružné. Ďalšou vlastnosťou jive sú rovné nohy. Tento športový spoločenský tanec môžete tancovať na šesťtaktí aj na osemtakty.

Počas 30. a 40. rokov 19. storočia videlo hnutie romantizmu baletnú scénu, ktorá sa hemžila prírodnými duchmi, vílami a sylfami. Kult baleríny nahradil kult tanečnice, ktorého posledným a najväčším predstaviteľom bol francúzsky tanečník talianskeho pôvodu Gaetin Vestris (1729–1808). Techniky ženského tanca sa výrazne zlepšili. Ešte viac sa skrátila dĺžka sukne a zaviedli sa aj baletné topánky, ktoré umožnili tancovať na špičkách. Choreografi naďalej zápasili o výraznejšie pohyby a zdôrazňovanie individuálnych kvalít svojich tanečníkov.

Balet "La Sylphide" (1836) dokonale demonštroval hlavnú tému romantického baletu - boj medzi skutočný svet a duchovný svet. Táto téma bola rozšírená v Giselle (1841) a Ondine (1843). V tom čase udávali trendy Paríž a Londýn a práve v Londýne sa v roku 1845 konala premiéra „Pas de quatre“ – badetovej inscenácie, na ktorú francúzsky choreograf Jules Perrot pozval štyri najväčšie baleríny tej doby. účinkujú v 4 dejstvách: Marie Taglioni (1804 – 1884), Carlotta Grisi (1819 – 99), Fanny Cerrito (1817 – 1909) a Lucille Grand (1819 – 1907).

Potom romantický balet rýchlo upadol, aspoň v týchto mestách. V Kodani však prekvital aj na začiatku 60. rokov 19. storočia zásluhou choreografa Augusta Bournonvilla, ktorého repertoár prevzal v druhej polovici 20. storočia Kráľovský dánsky balet. Rusku sa v tom čase vďaka choreografovi francúzskeho pôvodu Mariusovi Petipovi (1819-1910) a jeho ruskému asistentovi Levovi Ivanovovi (1834-1901) podarilo vytvoriť vlastnú svetoznámu baletnú kultúru. Spočiatku boli ruské divadelné tradície úzko späté s Parížom, ale postupne si vytvorili vlastnú baletnú kultúru. Najkrajšia hodina klasického baletu v cárskom Rusku bola dosiahnutá v petrohradských inscenáciách ako Spiaca krásavica (1890), Luskáčik (1892) a Labutie jazero (1895), ku ktorým hudbu zložil aj Piotr Iľjič Čajkovskij. ako "Raymond" (1898) Alexander Glazunov (1865-1936). Kým v Petrohrade a Moskve balet prekvital, v Paríži ubudol. Baleríny sa začali objavovať aj v mužských úlohách, napríklad v Coppélii (1870).
V 19. storočí tiež zaznamenalo bezprecedentný nárast cestovania a medzikultúrnych vplyvov. To prinieslo na západnú scénu mnoho „exotických“ tanečných štýlov. Na výstavy v Paríži prišli súbory z Indie a Japonska, ktoré vzbudili veľký záujem o ľudové a etnické tance. Baleríny romantického baletu precestovali všetky európske mestá: od Milána a Londýna až po Moskvu. Rakúska tanečnica Fanny Elssler podnikla začiatkom 40. rokov 19. storočia dvojročné turné po Amerike. Do všetkých miest cestovali aj skvelí choreografi. Tanečný jazyk sa stal skutočným spôsobom medzinárodnej komunikácie, pretože nezávisel ani od krajiny, ani od jazyka, ktorým sa v nej hovorí.

Tanec v USA v 19. storočí

V priebehu 19. storočia si v Európe získali obrovskú obľubu aj iné tanečné zábavy, ktoré boli „ľahšie“ ako klasický balet. V Paríži bol ženský kankán na vrchole módy. Jeho šialená energia, arogancia a flirtovanie na hranici faulu sa pre verejnosť stalo skutočným odhalením. Po roku 1844 sa tento tanec stal súčasťou hudobných sál, revuí a operiet. Tento žáner rozvinul operetný skladateľ Jacques Offenbach (1819–80) a živo ho stvárnil maliar Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901).

V Londýne v tom čase prekvitali balety Alhambra a Imperial Ballet, ktoré boli hlavne inscenované klasické balety na rôzne témy. Najširšiu paletu tancov však poskytla Amerika, v ktorej sa po vojne na pozadí vlasteneckej vlny po vojne za nezávislosť začali masovo objavovať rôzne tance na tému slobody, ale aj tance z éry r. bola obnovená kolonizácia Ameriky.
Samostatne je potrebné poznamenať, že je potrebné poznamenať, že miništrantské predstavenia, extravaganzy, burlesky a vaudeville, ktoré sa stali populárnymi v Amerike v 19-20 storočiach, by sa mali poznamenať. Predstavovali fúziu širokej škály tanečných a divadelných vplyvov, čerpaných najmä z černošskej kultúry. Bieli ľudia začali tancovať „čierne tance“, pričom si maľovali tváre na čierno a muži tmavej pleti si bielili tváre a tancovali biele tance. AT divadelné predstavenia sa začali objavovať najrôznejšie druhy tanca od baletov dovezených z Európy až po úplne autentické ženské tance miestnych Indiánov, ktorí boli na pokraji striptízu. Americkí tanečníci sa začali tešiť dobrej povesti v Amerike aj v Európe. Prvou bola baletka Augusta Maywood (1825–1876). americký tanečník ktorý začal účinkovať v Parížskej opere.

V 19. storočí došlo aj k obrovskému nárastu počtu verejných tanečných sál a iných inštitúcií súvisiacich s tancom v rýchlo rastúcich mestách na západe Spojených štátov. Indiánske vidiecke tance, veľmi rýchle dvojkrokové, predvádzané do pochodov a začali tu ožívať cakewalk. Európa po prvýkrát našla v Novom svete niečo nové, z čoho by mohla čerpať pre svoju tanečnú scénu. Aj v tom čase sa tempo tancov výrazne zrýchlilo, čo možno odrážalo zrýchľujúce sa životné tempo a veľké spoločenské zmeny storočia.

Tance začiatku 20. storočia

V prvých rokoch 20. storočia, pred vypuknutím prvej svetovej vojny, existovali dva zjavné trendy vo vývoji tancov. Akoby si nejako uvedomili blížiacu sa katastrofu, bohaté spoločnosti Európy a Ameriky sa oddávali zábave, jednou z hlavných bola napr. rýchly tanec ako valčíky a cvaly. Zároveň sa uskutočnili pokusy oživiť také stredoveké tance ako menuet, gavotte a pavane, hoci to dopadlo dosť zle. Takmer nikdy tu však nebolo také horúčkovité hľadanie nových foriem, taká radikálna zmena významov, ktoré sa predtým považovali za samozrejmosť, taká fascinácia medzi mládežou všetkých krajín v jednotlivých pojmoch a ďalšie. dynamickým spôsobomživota. Všetky umenia boli hlboko ovplyvnené rýchlym hromadením objavov vo fyzikálnych a spoločenských vedách, ako aj rastúcim povedomím o sociálnych problémoch.

Celkovo to bolo neuveriteľne rušné obdobie pre rozvoj tanca: nikdy predtým nevzniklo toľko nových nápadov a toľko ľudí priťahoval tanec. Balet bol kompletne zrekonštruovaný pod vedením ruského impresária Sergeja Diaghileva (1872-1929). Balet inšpiroval niektorých z najvýznamnejších skladateľov a umelcov tej doby a stal sa hlavnou základňou pre väčšinu diel v tanečnom umení. Priaznivci ďalšieho hnutia „reformy moderného tanca“ založeného na tancoch americkej baleríny Isadory Duncanovej sa začali snažiť opustiť konvencie, ktoré sa počas romantického baletu stali povinnými.

Tento nový trend sa obzvlášť energicky rozvinul v Nemecku, kde sa jeho expresionistické formy nazývali Ausdruckstanz („expresionistický tanec“). Spoločenské tance boli výrazne upravené s čerstvými vplyvmi z juhoamerických, kreolských a afrických kultúr. Po silnom vzostupe popularity afroamerického jazzu, celého ducha a štýlu spoločenský tanec sa radikálne zmenili a v nasledujúcich desaťročiach sa stali oveľa slobodnejšími, pokojnejšími a „intímnejšími“.

Obnovil sa aj záujem o ľudové tance, ktoré boli sebavyjadrením Obyčajní ľudia v minulých storočiach. Čiastočne k tomu prispeli špeciálne folklórne tanečné spolky, ako aj rôzne mládežnícke hnutia, ktoré videli, že tieto tance môžu pomôcť pri formovaní nového sociálneho cítenia. Divadelné tance všetkých druhov, ktoré vznikli zo štylizovaných storočných tancov východu, dosiahli novú úroveň popularity.