ახალი საგანმანათლებლო ტექნოლოგიები მუსიკალური საქმიანობისთვის. ჯანმრთელობის დაზოგვის ტექნოლოგიები მუსიკალურ განათლებაში

განათლების ფედერალური სააგენტო

უმაღლესი პროფესიული განათლების სახელმწიფო საგანმანათლებლო დაწესებულება

სანქტ-პეტერბურგის სახელმწიფო ეკონომიკისა და საფინანსო უნივერსიტეტი

ზოგადი ეკონომიკური ფაკულტეტი

რეზიუმე თემაზე:

საინფორმაციო ტექნოლოგია მუსიკაში

სანქტ-პეტერბურგი 2009 წ

შესავალი

1. ახალი ტექნოლოგიები და მუსიკა

2. ხმის ჩაწერა

3. მუსიკაში საინფორმაციო ტექნოლოგიების განვითარების პერსპექტივები

ბიბლიოგრაფია

შესავალი

პოსტინდუსტრიული პერიოდის ერთ-ერთ მთავარ მახასიათებლად უნდა ჩაითვალოს ელექტრონული ტექნოლოგიების სწრაფი განვითარება, რამაც ხელი შეუწყო კომპიუტერების გამოყენებით ინფორმაციის შენახვისა და დამუშავების ავტომატიზაციას.

საკმარისად მძლავრი კომპიუტერებისა და ახალი კომპიუტერული ტექნოლოგიების გაჩენამ უდიდესი გავლენა იქონია თანამედროვეობის ფორმირებაზე მუსიკალური კულტურა. თანამედროვე კომპიუტერების შესაძლებლობები ყოველდღიურად იზრდება სამეცნიერო და ტექნიკური სფეროს მიღწევებისა და პროგრამირების სფეროში განვითარებული მოვლენების პარალელურად.

მოწიფული კონსტრუქციული ურთიერთობის დრო დადგა, საერთო შენობის აშენების დრო, სადაც ორივე მხარე იგრძნობს ურთიერთგამდიდრების პროექტების მზარდ საჭიროებას. გასული საუკუნის ბოლო ათწლეულების განმავლობაში ადამიანის ინტელექტუალური საქმიანობის ასე განსხვავებული და ოდესღაც ერთი შეხედვით შორეული სფეროები არა მხოლოდ ურთიერთპატივისცემით იყო გამსჭვალული, არამედ უკვე უსაფრთხოდ შეიძლება ვიწინასწარმეტყველოთ მათი თანამშრომლობის ბრწყინვალე ნაყოფიერი განვითარება.

მუსიკალური კომპიუტერის მიერ მოწოდებული ფუნდამენტურად ახალი შესაძლებლობების აშკარაობა მუსიკოსის პროფესიული აზროვნების განვითარებაში მუსიკალური შემოქმედების ყველა სფეროში აუცილებლად გამოიწვევს მუსიკისა და კომპიუტერული ტექნოლოგიების მზარდ დანერგვას, რაც მნიშვნელოვნად შეავსებს და ცვლის კიდეც. კომპოზიტორის, მუსიკოსის, შემსრულებლისა და მასწავლებლის შემოქმედების ბუნება.

მრავალრიცხოვანმა ექსპერიმენტებმა ელექტრონულ (და არა მხოლოდ) მანქანებთან, რომლებსაც შეუძლიათ ხმის ამოღება, გამოიწვია გაჩენა სხვადასხვა გზებიმუსიკის წერა და, შესაბამისად, სხვადასხვა სტილისა და მიმართულების გაჩენა. ახალი ჟღერადობა, უჩვეულო და ყურისთვის მიუჩვეველი, მუსიკაში ინოვაციად იქცა. ბევრი ცნობილი თანამედროვე კომპოზიტორი, მაგალითად, K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, მიუხედავად ტექნოლოგიასთან მუშაობის სირთულისა, ქმნიდა ნაწარმოებებს ახალი ელექტრონული ინსტრუმენტების გამოყენებით ან მხოლოდ მათზე.

თავად ელექტრონული გამოთვლითი ტექნოლოგიის განვითარება უკვე არის ადრეული ეტაპებიმიიყვანა იგი მუსიკაში „შეჭრამდე“. უკვე 50-იან წლებში, პირველივე კომპიუტერების გამოყენებით, მეცნიერებმა სცადეს მუსიკის სინთეზირება: მელოდიის შედგენა ან ხელოვნური ტემბრებით აწყობა. ასე გაჩნდა ალგორითმული მუსიკა, რომლის პრინციპი ჯერ კიდევ 1206 წელს შემოგვთავაზა გვიდო მარზანომ, მოგვიანებით კი გამოიყენა ვ. მოცარტი ავტომატიზირებს მინუეტების კომპოზიციას - წერს მუსიკას ვარდნის მიხედვით შემთხვევითი რიცხვები. ალგორითმული კომპოზიციები შექმნეს კ.შენონმა, რ.ზარიპოვმა, ჯ.ქსენაკისმა და სხვებმა. 1980-იან წლებში კომპოზიტორებს საშუალება ჰქონდათ ესარგებლათ კომპიუტერებით აღჭურვილი სპეციალური პროგრამები, რომელსაც შეეძლო მუსიკის დამახსოვრება, დაკვრა და რედაქტირება, ასევე საშუალებას გაძლევთ შექმნათ ახალი ტემბრები, დაბეჭდოთ თქვენი საკუთარი შემოქმედების ქულები. საკონცერტო პრაქტიკაში კომპიუტერის გამოყენება შესაძლებელი გახდა.

ასე რომ, დღეს კომპიუტერი არის მრავალ-ტემბრული ინსტრუმენტი და ნებისმიერი ხმის ჩამწერი სტუდიის განუყოფელი ნაწილი. ეჭვგარეშეა, რომ ძალიან ბევრი ადამიანისთვის სიტყვა "სტუდია" ასოცირდება "მასობრივი კულტურის" ან "მესამე ფენის" კონცეფციასთან, ანუ პოპ კულტურისა და თანამედროვე შოუბიზნესის გამოვლინებებთან. შესაძლოა, ეს არის ერთ-ერთი მთავარი ფაქტორი, რომელიც იზიდავს აპლიკანტებს ხმის ინჟინერიის ან სხვა ფაკულტეტებზე შესვლისას, ამა თუ იმ გზით, რომელიც დაკავშირებულია მუსიკასთან და კომპიუტერულ ტექნოლოგიებთან. ჩნდება კითხვა: რა როლს ასრულებს კომპიუტერების დანერგვა მომავალი მუსიკის მასწავლებლების განათლებაში?

სავსებით შესაძლებელია, რომ კომპიუტერული მუსიკის გარკვეული ტემბრულ-რიტმული კოდი ზოგიერთი დაავადების განკურნებაში დაეხმარება. კომპიუტერული ტექნოლოგიების ხელმისაწვდომობა და პროგრამული უზრუნველყოფის მოხერხებულობა შექმნის უპრეცედენტო პირობებს მუსიკალური შემოქმედებისთვის (მუსიკალური „ხელსაქმის“), რომელიც ნაწილობრივ შედარებულია სამოყვარულო მუსიკის ამჟამინდელი ზვავის მსგავსი გავრცელებით პოპ და როკ სტილში. ასევე ნაცნობი გახდება გამოთქმები: „ჩემი მუსიკა“, „ჩემი სახლის სტუდია“, „ჩემი დისკები“, „ჩემი ვიდეო კლიპები“, „ჩემი მუსიკალური საიტი“ (ყოველგან „ჩემი“ - „ჩემ მიერ შექმნილი“ გაგებით). მასობრივი ცნებები. ყველას შეეძლება სცადოს თავი კომპოზიტორად, არანჟირებად, ხმის ინჟინრად, ახალი ტემბრების კომპოზიტორად, ხმის ეფექტებით.

1. ახალი ტექნოლოგიები და მუსიკა

ახალი ტექნოლოგიების გავლენა მუსიკაზე უძველესი დროიდან ჩანს. მუსიკა განვითარდა მისი შესრულების საშუალებების, ანუ მუსიკალური ინსტრუმენტების განვითარებასთან ერთად. შეუძლებელია წარმოიდგინო, მაგალითად, მოცარტის ორმოცდამეათე სიმფონია დაკვრა, ვთქვათ, ტოტზე გამოსულ ტოტზე. და სწორედ აქედან მოდის მუსიკა. ერთგვარი ტროგლოდიტი იქ მეზოზოურ ეპოქაში იჯდა და ტოტს უსაქმურებისგან აშორებდა. კიდევ ერთი ტროგლოდიტი გაიარა, გაიგო ხმები, დაიჭირა მათში გარკვეული ჰარმონია და გადაწყვიტა, რომ ისიც ეცადა. მესამემ, ყველაზე ჭკვიანმა ტროგლოდიტმა, გამოიცნო, რომ სჯობდა არა ტოტი, არამედ რაიმე სახის ბოჭკო, მაგალითად, ცხენის თმები, მოეჭიმა მისთვის ხისგან და იგივე თმა გადაიწია მასზე. ეს არის დაახლოებით პირველი სიმებიანი მუსიკალური ინსტრუმენტის დაბადების ამბავი. მე აღვნიშნავ, რომ მესამე ტროგლოდიტს რომ არ სცოდნოდა ხის დამუშავების ტექნოლოგია, მაშინ არაფერი გამოვიდოდა.

მომავალში, ძირითადად ხის დამუშავებისა და მეტალურგიული ტექნოლოგიების განვითარებით, ხალხმა შეამჩნია ხმის დამოკიდებულება ხის ტიპზე, საიდანაც მზადდება ჩარჩო. ასევე, მყიფე ცხენის თმამ ადგილი დაუთმო ლითონის სიმს. და სადღაც ჩვენს წელთაღრიცხვამდე ორი ათასი წლის განმავლობაში ჩნდება ისეთი ინსტრუმენტები, როგორიცაა ლირა ან არფა.

კაცობრიობის ისტორიის მთელი პერიოდის განმავლობაში, ლირის გამოგონებიდან დღემდე, შეიქმნა უამრავი მუსიკალური ინსტრუმენტი. მაგრამ ბოლო ას ორმოცდაათი წლის განმავლობაში ახალმა ტექნოლოგიებმა ყველაზე დიდი გავლენა მოახდინა სამ ჯგუფზე - კლავიშები, დასარტყამი და სიმები (ძირითადად გიტარა).

როდესაც ელექტროენერგია აღმოაჩინეს, ადამიანებმა დაიწყეს მისი გამოყენების მცდელობა მათი საქმიანობის თითქმის ყველა სფეროში. გამონაკლისი არც კლასიკური ფორტეპიანო იყო. ადამიანები ცდილობდნენ სიმებიანი ვიბრაციები გაეხადათ დაუცველი, ანუ სურდათ, რომ ხმის ხმა დროთა განმავლობაში არ შემცირებულიყო, როგორც ჩასაბერი ინსტრუმენტები. შედეგად გამოიგონეს შემდეგი დიზაინი: გასაღების ქვეშ დამყარდა კონტაქტი, რომელიც ჩართავდა ელექტრომაგნიტს. ამავდროულად, როგორც ჩვეულებრივ ფორტეპიანოში, ჩაქუჩი სიმს ურტყამდა, მან დაიწყო ვიბრაცია და როდესაც მიაღწია მაგნიტს, ის გამორთული იყო სიმის სხვა კონტაქტზე დაჭერით. როდესაც სიმები, ელასტიური ძალების მოქმედებით, უკან გადაიხრება, კონტაქტი გაიხსნა და მაგნიტმა კვლავ დაიწყო მუშაობა და სტრიქონის თავისკენ მიზიდვა. იმის გამო, რომ სიმები პერიოდულად ეხებოდა ელექტრომაგნიტზე კონტაქტს, ამ ინსტრუმენტს ჰქონდა ძალიან მკვეთრი ხმა და ამიტომ ფართოდ არ გამოიყენებოდა.

კიდევ ერთი კლავიატურის ინსტრუმენტი - ორღანი - სხვა პრობლემას განიცდიდა: მისი მაღალი ღირებულება და ზომა. ყოველივე ამის შემდეგ, თითოეულ სიხშირეს იქ საკუთარი მილი სჭირდებოდა, ამიტომ კლასიკურმა ორგანოებმა მთელი დარბაზი დაიკავეს. დიახ, და მისთვის ბეწვები მუდმივად უნდა ამოტუმბოს. ელექტრული გენერატორის გამოგონებით, გაჩნდა კითხვა მის გამოყენებასთან დაკავშირებით მუსიკალურ ინსტრუმენტებში - ბოლოს და ბოლოს, თუ მას სხვადასხვა კუთხური სიჩქარით ატრიალებთ, მაშინ როდესაც მას დინამიკთან აკავშირებთ, შეგიძლიათ მოისმინოთ სხვადასხვა სიხშირის ხმები. პირველი ინსტრუმენტი ამ პრინციპით გამოიგონეს ჩიკაგოში გასული საუკუნის ოთხმოციანი წლების ბოლოს. მას ტელჰარმონიუმი დაარქვეს. ვინაიდან თითოეული სიხშირისთვის ცალკე გენერატორი იყო, ის მთელ სარდაფს იკავებდა. ამ სარდაფში მუსიკოსი, ჩვეულებრივ, გამოცდილი ორღანისტი იჯდა და უკრავდა. ამავე დროს გამოიგონეს ტელეფონი და პირველი დინამიკები.

ასე რომ, მუსიკის მოსასმენად ჩიკაგოელებმა დარეკეს გარკვეული ნომერი და დაუკავშირდნენ ტელჰარმონიუმს. მისი მოცულობისა და დამზადებისა და რეგულირების სირთულის გამო, ტელჰარმონიუმს არ მიუღია საკმარისად ფართო განაწილება. თუმცა, მოგვიანებით, ტელჰარმონიუმის საფუძველზე, გასული საუკუნის 30-იან წლებში, ამერიკელმა ინჟინერმა ჰამონდმა შექმნა ინსტრუმენტი, რომელიც ძალიან ჰგავდა ორღანის ხმას. მათ ჰამონდის ორგანოს უწოდეს. ის ძალიან პოპულარული გახდა დაბალი ფასისა და კარგი ხმის გამო. ასევე, ჰემონდის ორღანის გამოყენება დაიწყო არა მხოლოდ კლასიკურ მუსიკაში, არამედ როკ მუსიკაშიც, რომელიც იმ დროისთვის სულ უფრო და უფრო მატულობდა.

თანამედროვე კლავიატურის ინსტრუმენტები - სინთეზატორები - წარმოიშვა, პრინციპში, ჰამონდის ორგანისგან. ელექტრონიკის განვითარებით ადამიანები ცდილობდნენ როგორმე გაეუმჯობესებინათ მისი ხმა. თანდათანობით, მექანიკური ოსცილატორები შეიცვალა ჯერ მულტივიბრატორებით, შემდეგ კი ინტეგრირებული სქემებით.

ასევე ერთად შემდგომი განვითარებამიკროელექტრონიკა, შესაძლებელი გახდა თითქმის ნებისმიერი ტემბრის მიღება. თანამედროვე პოპულარულ მუსიკაში სინთეზატორი დღეს მეფე და ღმერთია. გამოყენების სიმარტივის გამო, ახლა მას იყენებს ყველა, ვისაც შეუძლია ფორტეპიანოზე ცოტათი დაკვრაც კი. საკმარისია სამი კლასი ჩვეულებრივი მუსიკალური სკოლარომ მეტ-ნაკლებად ტოლერანტულად ეთამაშა.

AT ბოლო ათწლეულისსინთეზატორს ძლიერი მოკავშირე ჰყავდა - კომპიუტერი. თანამედროვე კომპიუტერები, როგორც მოგეხსენებათ, საშუალებას გაძლევთ გააკეთოთ ის, რაც თქვენს გულს სურს. კომპიუტერისთვის ხმის ბარათების გამოგონებით, შესაძლებელი გახდა ჩიპების ჩასმა ინსტრუმენტების ბანკით ნებისმიერი თანამედროვე სინთეზატორიდან. სპეციალური თანმიმდევრობის პროგრამების დახმარებით თქვენ შეგიძლიათ შეიყვანოთ ნებისმიერი მელოდია თქვენს კომპიუტერში და დაუკრათ იგი. სინთეზატორს ჰგავს. ცოტა ხნის წინ გამოჩნდა ეგრეთ წოდებული პროგრამული სემპლერები. სემპლერი არის მოწყობილობა, რომელიც საშუალებას გაძლევთ ჩაწეროთ ხმის ნიმუში (ინგლისურ ნიმუშში, საიდანაც მოდის სახელი), მიუთითოთ რომელ ნოტს შეესაბამება და სინთეზატორთან შეერთებით დაუკრათ ეს ტემბრი. ტექნიკის სემპლერები ძვირი და ძნელად დასამუშავებელი იყო, ამიტომ პროგრამული სემპლერის დაწერამ მუსიკოსებს შორის სენსაცია გამოიწვია. ახლა, ზოგადად, მხოლოდ კომპიუტერით გაძლება შეიძლებოდა, ცოტა მუსიკალური წიგნიერების ცოდნა და ვერაფერზე დაკვრა. სინთეზატორისა და კომპიუტერის ფასი-ხმის თანაფარდობა მათ შეუცვლელ ინსტრუმენტებად აქცევდა როკ და პოპ მუსიკოსებისთვის.

2. ხმის ჩაწერა

უძველესი დროიდან ადამიანები ცდილობდნენ როგორმე შეენარჩუნებინათ მუსიკალური ნაწარმოებები.

ბოლოს და ბოლოს, კომპოზიტორისთვის ყოველ ჯერზე მისი ზოგიერთი კომპოზიციის დაკვრა იგივეა, რაც ხელოვანისთვის ყოველ ჯერზე ხელახლა დახატოს თავისი სურათი. ამიტომ, მუსიკოსები რატომღაც ფიქრობდნენ საკუთარი ნამუშევრების გახანგრძლივებაზე. ტექნიკურად ყველაზე მარტივი და, შესაბამისად, უძველესი მეთოდი მუსიკალური ნოტაციაა.

არ საჭიროებს რაიმე ტექნიკურ მოწყობილობას, გარდა კალამი მელნით და პერგამენტის ნაჭერი, შემდეგ კი ქაღალდი. მუსიკალური აღნიშვნა შედგება ფურცელზე მუსიკალური ბგერების ჩვეულებრივი აღნიშვნით. გამოცდილი მუსიკოსი, როდესაც ხედავს ამ ნიშნებს, მაშინვე უკრავს თავის მელოდიას და მას შეუძლია მისი რეპროდუცირება თითქმის ისევე, როგორც ორიგინალი.

მუსიკალური ნოტაციის გამოგონებამ, რა თქმა უნდა, დიდად შეუწყო ხელი მუსიკის, როგორც ხელოვნების განვითარებას, მაგრამ თავიდან ის ბუნებრივად განსხვავებული იყო სხვადასხვა ქვეყანაში. ცივილიზებული ხალხის დედამიწაზე გავრცელების პროცესში მუსიკალური მწერლობა გარკვეულ სტანდარტამდე მივიდა. თუმცა, ნაწერი, რომელსაც ახლა ვიყენებთ, შესაფერისია მუსიკის ჩასაწერად, რომლის ფესვები მთლიანად კლასიკურ ევროპულ მუსიკაშია. მათთვის რთულია, მაგალითად, ჩინური, ინდური ან აფრიკული მუსიკის ჩაწერა.

მუსიკის, როგორც ხელოვნების ჩამოყალიბების პროცესში გაჩნდა საჭიროება ხმის ჩაწერის უფრო სრულყოფილი მეთოდისა, ვიდრე ნოტები. ბოლოს და ბოლოს, ყველამ, ვისაც მუსიკა უყვარდა, არ იცოდა რაღაცის დაკვრა. რა თქმა უნდა, მდიდარ ადამიანებს შეეძლოთ შეენარჩუნებინათ სასამართლო მუსიკოსი, ან თეატრში წასულიყვნენ ზოგიერთის კონცერტებზე. ცნობილი მუსიკოსი. და რაც შეეხება ღარიბებს, რომლებსაც არ შეუძლიათ არც ერთი და არც მეორე? სწორედ მათ გამოიგონეს პირველი მოწყობილობები, რამაც შესაძლებელი გახადა მუსიკის დაკვრა არაფრის დაკვრის გარეშე. ეს იყო ჰურდი-გურდიები. ფაქტობრივად, ლულის ორღანზე დასაკრავად არ არის საჭირო მუსიკალური ცოდნა და უნარები, უბრალოდ დაატრიალეთ სახელური.

ხმის ჩაწერის მექანიკური მეთოდი გამოიყენება ბოლო რამდენიმე საუკუნის განმავლობაში. მათ შეეძლოთ, მაგალითად, ჩაეწერათ ნაწარმოები ორგანოსთვის. ქაღალდის რულონზე გარკვეულ ადგილებზე ამზადებდნენ ნაპრალებს, შემდეგ ამ რულონს ატრიალებდნენ ორღანის მილებსა და ბუხარებს შორის. სადაც ჭრილები იყო, ჰაერი გადიოდა მილებში და ისმოდა ხმა. თუმცა ხმის ჩაწერის ამ მეთოდს არაერთი მინუსი ჰქონდა, კერძოდ, ასეთი რულონის დამზადების სირთულე, მისი მოძრაობის უთანასწორობა იწვევდა არათანაბარ ხმას. ეს მეთოდი ფართოდ არ გამოიყენება.

მეცხრამეტე საუკუნის ბოლოს ამერიკელმა თომას ედისონმა გამოიგონა ფონოგრაფი. ეს გამოგონება ითვლება გარდამტეხ მომენტად ხმის ჩაწერის ისტორიაში. გამოიყენეს ბგერების ჩაწერის ახალი მეთოდი - ტალღა, ანუ იმის გამო, რომ ხმა მექანიკური ტალღაა, იწვევს მემბრანის ვიბრაციას, რომელიც ჩაიწერება ნებისმიერ გარემოზე. დაკვრის დროს, მატარებლისგან დაფიქსირებული ვიბრაციები გადაეცემა მემბრანას, რომელიც რხევავს და რხევავს ჰაერს, რომელშიც ტალღები წარმოიქმნება.

ტალღის ხმის ჩაწერის გამოგონებამ შესაძლებელი გახადა ნებისმიერი ინსტრუმენტის ჩაწერა, მაგრამ რა არის ინსტრუმენტი, ზოგადად, ახლა ნებისმიერი ხმის ჩაწერა შეიძლებოდა. თუმცა, ფონოგრაფის გამოგონებიდან დიდი დრო გავიდა მაღალი ხარისხის ფლეერებისა და მაგნიტოფონების გამოგონებამდე. თავდაპირველად, ფონოგრაფმა ვერ იპოვა აღიარება ხმის საშინელი ხარისხის გამო. მაგრამ ხმის ჩაწერის ამ მეთოდის შემდგომმა გაუმჯობესებამ და მაღალი ხარისხის ელექტრო ფლეერებისა და მაგნიტოფონების გამოგონებამ წერტილოვანი ი. ისინი გასული საუკუნის ორმოციან და ორმოცდაათიან წლებში გამოჩნდნენ.

სწორედ ამ პირობებში წარმოიშვა როკ მუსიკა - პირველი ჭეშმარიტად მასობრივი მუსიკა. იგი მასიური გახდა სწორედ მარტივი, მაღალი ხარისხის და იაფი ხმის ჩამწერი მოწყობილობების გამოგონების წყალობით. არ აურიოთ როკ მუსიკა და პოპი. პოპები, ასევე ახალი ტექნოლოგიების პროდუქტი, ცალკე თავი მივუძღვენი. როკ მუსიკა უპირველეს ყოვლისა ხელოვნებაა. ამ ჟანრში ხარისხიანი ნაწარმოების შესაქმნელად საჭიროა არანაკლებ უნარი და ნიჭი, ისევე როგორც ხელოვნების სხვა ფორმა.

როკ მუსიკის განვითარება ყველაზე მჭიდროდ უკავშირდება ინსტრუმენტებსა და ხმის ჩაწერაში ახალი ტექნოლოგიების დანერგვას. ერთი მთავარი მაგალითიმე უკვე მოვიყვანე - ეს არის სოლო გიტარის გაუმჯობესება Fender Stratocaster-ის ან Gibson-ის დონეზე. ლეს პოლ. კიდევ ერთი შთამბეჭდავი მაგალითია სტერეო ფლეერებისა და სტერეო მაგნიტოფონების გამოგონება. მონოფონიური მოთამაშეები არ აძლევდნენ საშუალებას მიაღწიონ ხმის ასეთ ხარისხს, თუნდაც როკ ჯგუფმა შექმნას რაღაც მართლაც გრანდიოზული, მას არ შეეძლო მიეწოდებინა, ბევრი დაიკარგა.

სტერეო პლეერის გამოგონებისთანავე, გამოჩნდა როკის ასეთი შედევრები, ალბომი Ხოჭოები„სგტ. Pepper's Lonely Hearts Club Band“, როკ ოპერა Jesus Christ Superstar არის პირველი და ჯერჯერობით ერთადერთი წარმატებული პროექტი, რომელიც აერთიანებს როკს კლასიკას. ასევე იმ დროს (სამოციანი წლების ბოლოს) გამოჩნდა ეგრეთ წოდებული „გაჯეტები“ ელექტრო გიტარებისთვის, რამაც მათი ჟღერადობა იმ დროისთვის მართლაც ფანტასტიკური გახადა და გარკვეულწილად შეუწყო ხელი ახალი სტილის გაჩენას, როგორიცაა მძიმე მეტალი. პრინციპში, მძიმე მეტალი იგივე როკია, მხოლოდ ძალიან ხმამაღალი და სწრაფი.

ზოგჯერ როკს უსამართლოდ უწოდებენ სამოცდაათიანი სამოცდაათიანი თაობის მუსიკას, ბოროტი ენები ამბობენ, რომ ის უკვე მკვდარია. რეალურად ასე არ არის. როკის მართლაც დიდებულ ნაწარმოებებთან ერთად, დაახლოებით იგივე მოხდება, რაც მოცარტის ორმოცდამეათე სიმფონიაში, ბეთჰოვენის მთვარის სონატასთან ან გედების ტბა» ჩაიკოვსკი - ისინი არასოდეს დაივიწყებენ. იმის გამო, რომ როკის აყვავების ხანა დიდხანს არ გაგრძელებულა, ახალი ტექნოლოგიები კვლავ ნაწილობრივ დამნაშავეა. დაახლოებით სამოცდაათიანი წლების შუა ხანებში დაიწყო მუსიკალური ინსტრუმენტების ახალი თაობა: მიკროპროცესორი - ძირითადად ეს იყო ყველა სახის სხვადასხვა სინთეზატორი და ცოტა მოგვიანებით, კომპიუტერები. ახალგაზრდების შემდეგი თაობა შეიცვალა და, მოგეხსენებათ, ახალგაზრდობა არის ყველაფრის მამოძრავებელი და უარყოფს ყოველივე ძველს. როკი გახდა მამების მუსიკა და, შესაბამისად, არამოდური. თუმცა, ახალმა თაობამ ახალი არაფერი შესთავაზა, მაგრამ ჯიუტად ამტკიცებდა, რომ „როკ-ენ-როლი მკვდარია, მაგრამ მე ჯერ არ ვარ“ (B.B. Grebenshchikov). სინთეზატორებისა და კომპიუტერების გამოყენების სიმარტივე მათ ხელმისაწვდომს გახადა ყველა სულელისთვის და ახლა, ალბათ, თუ დაახლოებით ორმოცდაათი წლის შემდეგ გადავხედავთ დღევანდელ მუსიკას, მაშინ შესაძლოა აღმოჩნდეს შედევრები, რომლებიც ახლა მჭიდროდ არის ჩაკეტილი პოპით.

3. მუსიკაში საინფორმაციო ტექნოლოგიების განვითარების პერსპექტივები

მიუხედავად ამისა, ჩვენ შევეცდებით „განჭვრიტოთ“ ის მიმართულებები, რომლებიც, როგორც ჩანს, ყველაზე პერსპექტიულია მუსიკალური კომპიუტერის სამომავლო აპლიკაციის თვალსაზრისით. ჩვენთვის ყველაზე რეალურია ვივარაუდოთ, რომ დისტანციური მუსიკალური განათლების ტექნოლოგია ფართოდ იქნება გამოყენებული. ასე რომ, პირველ რიგში, მუსიკის ისტორია და თეორია, მაგრამ, ნაწილობრივ, პრაქტიკული რჩევა, ხელმისაწვდომი გახდება რეპუტაციის ნებისმიერ დისტანციურ პულტზე საგანმანათლებო ინსტიტუტები გეოგრაფიული წერტილი. აქედან გამომდინარე, შეგვიძლია ვიმედოვნოთ, რომ მეცნიერულად სანდო და პრაქტიკული მუსიკალური ცოდნა ბევრს ექნება მეტიმუსიკით, ამ ლამაზი და ძლიერი ხელოვნებით გატაცებული ხალხი. კომპიუტერი დღეს უკვე მზადაა შესთავაზოს ბევრი რამ, რაც საბოლოოდ შესაძლებელს გახდის ისტორიულად და სოციალურად მომწიფებული სლოგანის „მუსიკა ყველასთვის!“ რეალიზებას.

ადვილად და საინტერესოდ, ყველა ადამიანი დაეუფლება მუსიკალურ წიგნიერებას, თითქოს მშობლიურ ენას სწავლობს, თითქოს დედისგან იღებს საყვარელი სიმღერების ჰანგებს, ხოლო მუსიკალური კომპიუტერი გახდება სანდო სახელმძღვანელო ყველა ცნობისმოყვარე მოგზაურისთვის ხმების სამყაროში. სამედიცინო და პედაგოგიურ მეთოდებზე დაფუძნებული მუსიკალური მომზადების პროგრამებით აღჭურვილი კომპიუტერის წყალობით, ყრუ-მუნჯები, მაგალითად, მოისმენენ მუსიკას და, ბოლოს და ბოლოს, ილაპარაკებენ კიდეც (დღეს უკვე არსებობს მეთოდოლოგიური განვითარება ამ მიმართულებით).

სამედიცინო და პედაგოგიურ მეთოდებზე დაფუძნებული მუსიკალური მომზადების პროგრამებით აღჭურვილი კომპიუტერის წყალობით, ყრუ-მუნჯები, მაგალითად, მოისმენენ მუსიკას და, ბოლოს და ბოლოს, ილაპარაკებენ კიდეც (დღეს უკვე არსებობს მეთოდოლოგიური განვითარება ამ მიმართულებით). სავსებით შესაძლებელია, რომ კომპიუტერული მუსიკის გარკვეული ტემბრულ-რიტმული კოდი ზოგიერთი დაავადების განკურნებაში დაეხმარება.

კომპიუტერული ტექნოლოგიების ხელმისაწვდომობა და პროგრამული უზრუნველყოფის მოხერხებულობა შექმნის უპრეცედენტო პირობებს მუსიკალური შემოქმედებისთვის (მუსიკალური „ხელსაქმის“), რომელიც ნაწილობრივ შედარებულია სამოყვარულო მუსიკის ამჟამინდელი ზვავის მსგავსი გავრცელებით პოპ და როკ სტილში. გამოთქმები: "ჩემი მუსიკა", "ჩემი სახლის სტუდია", "ჩემი დისკები", "ჩემი ვიდეო კლიპები", "ჩემი მუსიკალური საიტი" (ყოველგან "ჩემი" ნიშნავს "ჩემ მიერ შექმნილ") ასევე გახდება ნაცნობი მასობრივი ცნებები. ყველას შეეძლება სცადოს თავი კომპოზიტორად, არანჟირებად, ხმის ინჟინრად, ახალი ტემბრების კომპოზიტორად, ხმის ეფექტებით.

ასეთი მასობრივი ენთუზიაზმის ფონზე მრავალჯერ გაიზრდება მუსიკალური განათლების პრესტიჟი და ხარისხი, რომლის შინაარსი, კომპიუტერის წყალობით, მნიშვნელოვნად შეიცვლება, გახდება უფრო მაღალტექნოლოგიური და ინტენსიური, მოქნილად მორგებული ნებისმიერი კონკრეტული ამოცანისთვის. . მუსიკის თითოეული მასწავლებელი სპეციალურ ლიცეუმში ან ზოგად სკოლაში (არა უშავს) თავისუფლად ფლობს მუსიკასა და კომპიუტერულ ტექნოლოგიებს. რა თქმა უნდა, მას შეეძლება წარმართოს თავისი თემა საინტერესო და ამაღელვებელი გზით, მისთვის რთული არ იქნება სიმღერის ან ცეკვის შედგენა, სრული ჟღერადობის მოწყობა, ნათელი სკოლის კონცერტის ჩამოყალიბება, მისი ჩაწერა ციფრულ დისკზე. მაღალი ხარისხით და შემდეგ მისცეს თავის მოსწავლეებს ისეთი ჩანაწერი, როგორც ბავშვობისა და ახალგაზრდობის მშვენიერი დროის მოგონება.

შესაძლოა, მუსიკალურ-კომპიუტერულმა ტექნოლოგიებმა კიდევ უფრო შეაფერხოს შრომატევადი მუსიკალური პროფესიები, რის გამოც მშობლების იძულებით, არც თუ ისე მონდომებულ ბიჭებსა და გოგოებს ზედიზედ 10-15 წელი ართმევენ ხოლმე ბავშვობის ბედნიერებას. . მომენტალური პირდაპირი მუსიკის შექმნის სიხარულს მათ კიდევ უფრო გენიალურად შექმნილი სინთეზატორები და მუსიკალური კომპიუტერები მოუტანენ. და მხოლოდ ჭეშმარიტად ნიჭიერი, ენთუზიასტი და მომთმენი მუსიკოსები გახდებიან ვირტუოზები (მევიოლინე, პიანისტი, კლარნეტისტი, საყვირი).

ბიბლიოგრაფია

1. ინფორმატიკა და კომპიუტერული ინტელექტი / ა.ვ. ტიმოფეევი. - მ.პედაგოგია, 1991 წ.

2. საინფორმაციო ტექნოლოგიები. იუ.ა. შაფრინი. - M. Lab. ძირითადი ცოდნა, 1998 წ.

3. ინფორმატიკა: სახელმძღვანელო. ტექნიკური სტუდენტებისთვის. უნივერსიტეტების მიმართულებები და სპეციალობები / ვ.ა. ოსტრეიკოვსკი. - რედ. მე-2, სრ. - მ.: უმაღლესი. სკოლა, 2004 წ.

4. ინფორმატიკის უწყვეტი კურსი / ს.ა. ბეშენკოვი. - M. BINOM. ლაბორატორია. ცოდნა, 2008 წ.

5. ს.კასტალსკი. როკის ენციკლოპედია / M. Peer, 1997 წ.

„...მუსიკამ უნდა გასწავლოს თავისუფლად და პირდაპირ გამოხატო შენი გრძნობა ბგერებში და თანაუგრძნო ყველა ხმას და ყველა მოწოდებას, რომელიც მხოლოდ მსოფლიოში ჟღერს... ხელოვნება უნდა მიუდგეს თითოეულ ასაკს მისი გაგებისა და უნარის შესაბამისი ფორმით. , რადგან ყველა უნდა მიეჩვიოს თავისუფლად ლაპარაკს, მოძრაობას, მოსმენას, ხილვას, მოქმედებას, ბავშვი თავის ცხოვრებაში იქნება უხერხულობის გარეშე, ადვილი იქნება ამ უნარების გამოყენება შემოქმედებითი ნების შესასრულებლად, მან იცის როგორ გასცეს. ამ ნების შედეგი.. ხელოვნების მეშვეობით უნდა აღიზარდოს ბავშვების შემოქმედებითი ნება, მათი მოქმედების ნება; სადაც მოსმენა, ყურება ან შესრულება ხელოვნების ნიმუშისხვების მიერ შექმნილმა ბავშვებმა, თითქოსდა, ხელახლა უნდა შექმნან ისინი, შინაგანად განიცადონ ეს ძლიერი სურვილიდა ძლიერი განცდა, რაც ამ ნამუშევარმა შექმნა... ესთეტიკური განათლების ეს მიმართულება სულაც არ ჰგავს ძველ სკოლაში ხელოვნების სწავლებას, სადაც ბავშვებს ასწავლიდნენ მხოლოდ მოსმენას, ყურებას და შესრულებას, რაც იყო დაგეგმილი, დაეთანხმონ იმას, რაც ადრე გაკეთდა. მათ შეაჩვიონ საკუთარი გემოვნება ძველ, პირობით ნიმუშებს...“. თეორიული ცოდნა და მეთოდები, რომლებიც ახასიათებს მუსიკალურ განათლებაში ახალ ტექნოლოგიებს, მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირების მაგალითის გამოყენებით, საშუალებას აძლევს მუსიკალურ დირექტორს მიაღწიოს მთავარ მიზანს - ჩამოაყალიბოს სტუდენტის წარმოდგენა მუსიკოს-კომპოზიტორის საქმიანობის შესახებ. , შემსრულებელი, მსმენელი - როგორც ადამიანის შემოქმედების მაღალი გამოვლინება, როგორც დიდი ნაწარმოები სულები, როგორც ადამიანისა და სამყაროს გარდაქმნის უმაღლესი მოთხოვნილება.

ჩამოტვირთვა:

გადახედვა:

მურმანსკის რეგიონალური ინსტიტუტი საგანმანათლებლო და კულტურის თანამშრომლების პროფესიული განვითარებისათვის

ახალი ტექნოლოგიები მუსიკალურ განათლებაში

(მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება)

Შესრულებული:

მუსიკალური ხელმძღვანელი

MBDOU" საბავშვო ბაღი No1 კომბინირებული ტიპის „იაკორეკი“, მურმანსკის ოლქის ქალაქი გაჯიევო.

ივანოვა იუ.პ.

შემოწმებულია:

გოლოვინა ბ.გ.

მურმანსკი 2012 წ

შესავალი

ნაწილი I. თეორიული. ფსიქოლოგიურ-პედაგოგიური ასპექტი.

1.1. ტერმინი „ტექნოლოგია“ პედაგოგიკაში.

1.2. მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება.

ნაწილი II. პრაქტიკული. ბავშვებთან მუშაობის ფორმები და მეთოდები.

2.2. "აირჩიე მუსიკა"

2.4. "მე ვწერ მუსიკას."

2.5. "ბავშვი და მუსიკა".

დასკვნა

ბიბლიოგრაფია

შესავალი

პედაგოგიკის ერთ-ერთი ახალი კონცეფციაა ტექნოლოგიის კონცეფცია, რომელიც ხშირად გვხვდება პედაგოგიური ლიტერატურა(სამეცნიერო, ჟურნალისტური, საგანმანათლებლო). სხვადასხვა ავტორის მიერ ამ კონცეფციაში ჩადებული შინაარსის არაერთგვაროვნება ვარაუდობს, რომ მას ჯერ არ მიუღწევია ფორმირების ხარისხის ლეგიტიმური გამოყენების აუცილებლობაზე.

მუსიკალური კულტურის ფორმირების პროცესის შესწავლის მიდგომის სიახლე ძირითადად მიღებული მონაცემების ინტერპრეტაციაში მდგომარეობს. წინა პლანზე გამოდის არა ინდივიდუალური ინდიკატორები ინდივიდუალური მეთოდების მიხედვით (და ისინი აძლევენ გარკვეულ წარმოდგენას მუსიკალური კულტურის განვითარების მდგომარეობისა და დონის შესახებ), არამედ ამა თუ იმ კონკრეტული შედეგის გაგება, როგორც გარკვეული გამოხატვის ფორმა. ბავშვის სულიერი განვითარების ასპექტები, როგორც სულიერი განვითარების ფორმა, ემოციური პასუხი ხელოვნების მაღალ სულიერ ფასეულობებზე. მონაცემთა ასეთი ინტერპრეტაციის იდეა ხდება „გასაღები“ ყველა მეთოდისთვის, სადაც სულიერი აუცილებლად არის და უნდა „წაიკითხოს“ აღმზრდელ-მკვლევარმა (და მუსიკალური დირექტორი, რომელიც შეისწავლის მუსიკალური კულტურის განვითარების პროცესს. ბავშვები, თითქოს „ავტომატურად“ იძენს ამ სტატუსს) ყველა ცალკეულ კომპონენტში მუსიკალური კულტურის ფორმირება. აქედან გამომდინარე, კვლევა მოიცავს სპეციალურ ტექნიკას, რომელიც შექმნილია იმისთვის, რომ ფიგურალურად გამოხატოს ბავშვის შეფასება მისი ურთიერთობის შესახებ მუსიკის სულიერ არსთან.

ამ სტატიის მიზანია ახსნას ცნებების, თეორიული ცოდნისა და მეთოდების სპექტრი, რომლებიც ახასიათებს მუსიკალურ განათლებაში ახალ ტექნოლოგიებს მაგალითის გამოყენებით.მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება.

მიზანთან დაკავშირებით შეიძლება განვასხვავოთ შემდეგი ამოცანები:

1. განვიხილოთ ფსიქოლოგიური და პედაგოგიური ასპექტი, რომელიც დაკავშირებულია პედაგოგიკაში ახალი ტექნოლოგიების გამოყენებასთან.
2. გამოიკვლიეთ მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება.
3. პრაქტიკულ ნაწილში ასახეთ ბავშვებთან მუშაობის ფორმები და მეთოდები.
4. გააკეთეთ დასკვნები მიზნის შესაბამისად.

კვლევის მეთოდებია მეთოდოლოგიური ლიტერატურისა და ინტერნეტ რესურსების შესწავლა.

ნაწილი I. თეორიული.

ფსიქოლოგიურ-პედაგოგიური ასპექტი.

1. ტერმინი „ტექნოლოგია“ პედაგოგიკაში.

განვითარება პედაგოგიური მეცნიერებაგვიჩვენებს, რომ ტერმინის ტექნოლოგია და კვლევის მიმართულება პედაგოგიკაში შემთხვევითი არ არის. რატომ ხდება, რომ ტერმინი „ტექნოლოგიის“ „შემთხვევითი“ გადასვლა ინფორმაციული ტექნოლოგიების სფეროდან პედაგოგიკაზე ფაქტობრივად შემთხვევითი არ არის და სერიოზული საფუძველი აქვს. ტექნოლოგიის განმარტება შეიძლება ჩამოყალიბდეს შემდეგნაირად: ტექნოლოგია უნდა გვესმოდეს, როგორც მეთოდებისა და პროცესების ერთობლიობა და თანმიმდევრობა ნედლეულის კონვერტაციისთვის, რაც შესაძლებელს ხდის პროდუქტების მიღებას განსაზღვრული პარამეტრებით. თუ ტერმინ „ტექნოლოგიის“ ამ მნიშვნელობას გადავიტანთ პედაგოგიკაზე, მაშინ სწავლის ტექნოლოგია იგულისხმება სწავლის გარკვეულ გზაზე, რომლის დროსაც სასწავლო ფუნქციის განხორციელებაზე ძირითად დატვირთვას ახორციელებს სასწავლო ინსტრუმენტი, რომელსაც აკონტროლებს. პირი. ტექნოლოგიით მუსიკალური დირექტორი ასრულებს როგორც სასწავლო ინსტრუმენტის მართვის ფუნქციას, ასევე აქტივობების სტიმულირებისა და კოორდინაციის ფუნქციებს. იმის გათვალისწინებით, რომ ტექნოლოგია გულისხმობს დიაგნოსტიკური მიზნის წინასწარ განსაზღვრას, პირველ რიგში საჭიროა განიხილოს შესაძლებელია თუ არა დიაგნოსტიკური მიზნის დასახვა მუსიკალურ განათლებაში. ეს შეიძლება იყოს გარკვეული თანხა მუსიკალური მასალა. ამრიგად, მუსიკალური დირექტორის მთავარი მიზანია ჩამოაყალიბოს სულიერი და მორალური განათლების საფუძვლები მუსიკალური კულტურის გაცნობის გზით ახალი ტექნოლოგიების გამოყენებით, როგორც პიროვნების ჰარმონიული განვითარების ყველაზე მნიშვნელოვანი კომპონენტი. თქვენ ასევე შეგიძლიათ მონიშნოთ შემდეგი ამოცანები:

1. ჩაუნერგოს სიყვარული და პატივისცემა მუსიკის, როგორც ხელოვნების საგნის მიმართ;
2. ასწავლოს მუსიკის აღქმა, როგორც თითოეული ადამიანის ცხოვრების მნიშვნელოვანი ნაწილი;
3. წვლილი შეიტანოს ემოციური პასუხისმგებლობის ფორმირებაში, სიყვარულის გარშემო სამყაროს მიმართ;
4. ჩაუნერგოს მხატვრული გემოვნების საფუძვლები;
5. ასწავლოს მუსიკისა და ხელოვნების სხვა ფორმებს შორის ურთიერთობის დანახვა;
6. მუსიკალური წიგნიერების საფუძვლების სწავლება;
7. მუსიკასთან კომუნიკაციის მოთხოვნილების შექმნა;
8. მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის სიმულაცია.

1. მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება.

მთავარი მეთოდოლოგიური პოზიცია, რომელიც უზრუნველყოფს მუსიკაში განათლების განვითარების იდეების განხორციელებას (ზოგადად, ხელოვნების გაკვეთილებზე) უნდა იყოს მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება, როდესაც მოსწავლეებს აყენებენ შემოქმედ-კომპოზიტორის, შემოქმედ-მხატვრის პოზიციაზე. თითქოს ხელახლა ქმნიან ხელოვნების ნიმუშებს საკუთარი თავისთვის და სხვა ადამიანებისთვის. მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება, ფაქტობრივად, არის მუსიკის დაბადების გზის გავლა, მისი ხელახალი შექმნა, თითქოს, „შიგნიდან“ და ხელახალი შექმნის მომენტის ცხოვრება. ეს განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია, როდესაც ბავშვები ეუფლებიან კომპოზიციებს, რომლებიც ყოველთვის მხოლოდ „მოსმენისთვის“ იყო განკუთვნილი; ეს ასევე მნიშვნელოვანია ხალხური მუსიკის - ფოლკლორის ფენის დაუფლებისთვის, როდესაც სკოლამდელი ასაკის ბავშვები ჩაძირულნი არიან მუსიკის დაბადებისა და ბუნებრივი არსებობის ელემენტში, ისინი თავად ქმნიან და ამბობენ მუსიკალურ ენაზე ანდაზებს, გამონათქვამებს, გამოცანებს, ეპოსებს; ეს მნიშვნელოვანია როგორც ნებისმიერი სიმღერის დაუფლების (სწავლის) დროს, ასევე ინსტრუმენტული მუსიკის შექმნისას. ხელოვნების ეს უნივერსალური და გავრცელებული მეთოდი მოითხოვს: დამოუკიდებლობას ცოდნის შეძენასა და მითვისებაში (რომელიც არ გაუცხოებულია ბავშვისგან კომპოზიტორის გზაზე), კრეატიულობა (როდესაც ბავშვი მუსიკალურ გამოცდილებასა და წარმოსახვაზე დაყრდნობით, ფანტაზიას, ინტუიციას ადარებს. ადარებს, გარდაქმნის, არჩევს, ქმნის და ა.შ.), განუვითარებს ინდივიდუალური სმენისა და შემოქმედებითი ინტერპრეტაციის უნარს.

ძნელია განასხვავო "ხალხური" და "კომპოზიტორული" მუსიკა? გამოდის, რომ ბავშვები თითქმის უეჭველად გრძნობენ ამ განსხვავებას უკვე ... ოთხი წლის ასაკიდან!

ასეთი კითხვების მიზანი ნათელია: სანამ რაიმეს გააკეთებ, ბავშვმა უნდა გაიგოს თავისი საქმიანობის მნიშვნელობა. ამიტომ აუცილებელია შემოქმედებითი პროცესის მოდელირება ისე, რომ ბავშვმა ჩაიხედოს საკუთარ თავში, დაინახოს საკუთარი თავი სხვა ადამიანის პოზიციიდან, ე.ი. მეცნიერულად საუბრისას ის შეისწავლის თავის ღირებულების ორიენტაციას ამ სამყაროში: რა არის მისთვის მნიშვნელოვანი, რა შეიძლება გახდეს მნიშვნელოვანი ყველა ადამიანისთვის. და ეს მნიშვნელოვანი რამ, რომელსაც ხელოვნებაში უწოდებენ "მხატვრულ იდეას", მაშინ განსაზღვრავს ყველა მუსიკალური საშუალების არჩევანს. მხოლოდ შემოქმედის გზის გავლის შემდეგ ბავშვს შეუძლია გაიგოს რას ნიშნავს მელოდიის შექმნა, მუსიკა, მოსმენა. შესაძლოა, ასეთი გამოცდილების შემდეგ ბავშვებმა შეწყვიტონ იმის თქმა, რომ გუნდში მღერიან, „ხმის გასავითარებლად, რადგან ერთად საინტერესოა“; გინდა იყო არტისტი, რომ "სცენაზე გამოვიდეს, ტაშს დამიკრავენ"; ინსტრუმენტზე კარგად დაკვრა ნიშნავს "ყველა ნოტის სწორად დაკვრას და მასწავლებლის მითითებების შესრულებას" და მრავალი სხვა. ნათელია, რომ ეს უნივერსალური მეთოდი სრულიად ორგანულად გამოიყენება მუსიკის გაკვეთილებზე. შესაძლებელია თუ არა მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირების მეთოდის გამოყენება რიტმის, მხატვრული მოძრაობის, მუსიკალური თეატრის და ზოგადად თავისუფალ გაკვეთილებზე? მუსიკალური საქმიანობა? როგორ შეიძლება ამის გაკეთება?

მხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის მოდელირების მეთოდთან დაკავშირებით მიზანშეწონილია დაისვას საკითხი ბავშვთა მუსიკალური შემოქმედებისადმი დამოკიდებულების გადახედვის შესახებ. ტრადიციულად, მუსიკალურ განათლებაში კრეატიულობა განიხილებოდა, როგორც ცალკე ხედიძირითადად იმპროვიზაციასთან დაკავშირებული აქტივობები. ამასთან, ეს "კრეატიულობა" პრაქტიკაში შემცირდა ბავშვების მიერ ტრადიციული "ზოგადი მუსიკალური" რიტმული და მელოდიური ფორმულების, ინტონაციის სქემების ასიმილაციამდე, როდესაც აზროვნება, ბავშვების მიერ მუსიკის შინაგანი მოსმენა მიდის წინასწარ განსაზღვრულ გზაზე. შემოქმედებისადმი ასეთი მიდგომა უკანონოა, რადგან ხელოვნების გაცნობის ნებისმიერი ფორმა, როგორც საქმიანობა, როგორც ასეთი, და არა მოდელის მიხედვით მუშაობა, უნდა იყოს ზუსტად შემოქმედებითი ამ კონცეფციის ნამდვილი გაგებით.

კრეატიულობის კრიტერიუმი სულაც არ არის რაღაც სრული (მაგალითად, სიმღერის ბოლო ფრაზა, რომელიც არის „დასრულებული“, მაგრამ არ მოითხოვს სხვა რამეს, გარდა „მელოდიური შტამპების“ ძიებაში მათ გამოცდილებაში), არამედ ეს მზადყოფნა შემოქმედებისთვის. როდესაც მოსწავლეს სურს და მზადაა გაიაზროს თავისი საქმიანობის მნიშვნელობა, როდესაც მას უჩნდება იმის განცდა, რომ საჭიროა შეადაროს, დააკავშიროს, აირჩიოს და იპოვოს ის, რაც უკეთ გამოხატავს მის მოსმენას და ხედვას კონკრეტული ფენომენის, მოვლენის, ფაქტის შესახებ, საკუთარი მხატვრული დამოკიდებულება მთლიანად. შედეგი ზოგჯერ შეიძლება გამოიხატოს მხოლოდ ერთი ინტონაციით, ერთი პოეტური ფრაზით, მოძრაობით, სტრიქონით ან თავიდან საერთოდ არ გამოჩნდეს. კრეატიულობისთვის მზადყოფნის მნიშვნელობა არის ის, რომ მუსიკა შეიძლება ჟღერდეს ბავშვის შიგნით, რომ მას შეუძლია ჰქონდეს მკაფიო წარმოდგენა იმის შესახებ, თუ როგორი მუსიკა უნდა იყოს, მაგრამ მისი მუსიკალური აზრები შეიძლება ჯერ არ იყოს მატერიალიზებული მკაფიო ფორმით, კონკრეტულ მელოდიაში. . ეს არის შინაგანი სამუშაო - ექსპრესიული საშუალებებით გონებრივი ექსპერიმენტების პროცესი, რომელიც ბევრად უფრო მნიშვნელოვანია, ვიდრე დასრულებული შედეგი, განსაკუთრებით ადრეული ეტაპებიმუსიკაში შესვლა.

ბუნებისა და პირობების გაუგებრობა ბავშვთა შემოქმედებითობა, მუსიკალური დირექტორის შეუცვლელმა სურვილმა აუცილებლად მიიღოს შედეგი, შეიძლება გამოიწვიოს ბავშვის ფსიქიკაზე ტრავმა და შემოქმედებითი პროცესის ბუნებრიობისა და თავისუფლების დარღვევა. აქედან ორი მნიშვნელოვანი შედეგია.

ჯერ ერთი, მთავარია არა იმდენად ბავშვების განვითარება (განათლება „სუფთა სახით“!), რამდენად დავაკვირდეთ მათ განვითარებას მუსიკასთან და გარე სამყაროსთან კონტაქტში. და მეორეც, ბავშვის მუსიკალურ განვითარებაზე ფოკუსირება მოითხოვს პედაგოგიური აზროვნების მრავალი კლიშესა და სტერეოტიპის უარყოფას. უპირველეს ყოვლისა, უნდა გესმოდეთ, რომ ხელოვნებაში შესვლის პროცესი არ შეიძლება იძულებითი, რაც იმას ნიშნავს, რომ არ არის საჭირო ბავშვის მუსიკაში „გაყვანა“. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, მუსიკალურ განვითარებასთან დაკავშირებით, სწრაფი შედეგის გაყალბებით არ უნდა ჩაერთოთ თავის მოტყუებაში. საჭიროა პროცესის ბუნებრიობა, როდესაც მუსიკალური დირექტორი ბავშვთან ერთად მიდის მუსიკისკენ მიმავალ გზაზე, ბავშვის ბუნებისა და ხელოვნების ბუნების შესაბამისად. ამისათვის თქვენ უნდა იყოთ დარწმუნებული: მიზნის სწორ არჩევანში - მოსწავლის პიროვნების განვითარება, მისი ნიჭი, ინდივიდუალობა; მუსიკაში, რომელიც არჩეულია ბავშვებისთვის და რომელსაც გულწრფელად გრძნობს თავად მუსიკალური დირექტორი; მეთოდებსა და ტექნიკებში, რამაც შეიძლება დააინტერესოს ბავშვები მუსიკით; და, რა თქმა უნდა, რომ ყველა ბავშვი ხელოვანია და აუცილებლად ნიჭიერი. ბავშვის შესაძლებლობების დანახვის უნარი, რომელიც მან თავადაც არ იცის და ამაში მისი დარწმუნება ყველაზე მაღალია, რაც მხოლოდ მუსიკალურ განათლებასა და ზოგადად განათლებაში შეიძლება იყოს.

რა თქმა უნდა, ეს არის განზოგადებული კრიტერიუმები. ისინი გამოიკვეთება უშუალოდ კვლევის მეთოდებში უფრო კონკრეტული, „ტექნოლოგიური“ კრიტერიუმებით, სადაც ზოგადის გამოვლენის დონე კონკრეტულში შესაძლებელს გახდის ვიმსჯელოთ მუსიკალური წიგნიერების ამა თუ იმ პარამეტრის (კომპონენტის, ელემენტის) ფორმირებაზე. და მთლიანად მუსიკალური კულტურა.

ნაწილი II. პრაქტიკული.

ბავშვებთან მუშაობის ფორმები და მეთოდები.

2.1. „მუსიკალური ცხოვრების ასოციაციები“.

პირველ მეთოდს პირობითად შეიძლება ვუწოდოთ „მუსიკალური ცხოვრების ასოციაციები“. ის ავლენს მოსწავლეთა მუსიკის აღქმის დონეს: შესაძლებელს ხდის ვიმსჯელოთ მუსიკალურ-ცხოვრების ასოციაციების მიმართულებაზე, მათი შესაბამისობის ხარისხზე მუსიკალურ-ცხოვრების შინაარსთან, ავლენს ემოციურ რეაგირებას მოსმენილ მუსიკაზე და აღქმისადმი მიდგომაზე. მუსიკალურ ნიმუშებზე. ამ მიზნით შერჩეული მუსიკა უნდა შეიცავდეს რამდენიმე სურათს, რომელთა კონტრასტის ხარისხი შეიძლება განსხვავებული იყოს, მაგრამ კონტრასტი რელიეფურად „წაკითხული“ უნდა იყოს. ამასთან, ერთი პირობაა დაცული: მუსიკა ბავშვებისთვის უცნობი უნდა იყოს. შეგიძლიათ გირჩიოთ, მაგალითად: "ჰუმორესკი" პ.ი. ჩაიკოვსკი (მოსამზადებელი ჯგუფი, ოქტომბერი).

მუსიკის ჟღერადობას წინ უძღვის კონფიდენციალური საუბარი მუსიკალურ დირექტორსა და ბავშვებს შორის აღქმის დარეგულირების მიზნით. ეს არის საუბარი იმაზე, რომ მუსიკა თან ახლავს ადამიანის მთელ ცხოვრებას, მას შეუძლია გაიხსენოს ადრე მომხდარი მოვლენები, აღძრას გრძნობები, რომლებიც უკვე განვიცადეთ, დაეხმაროს ადამიანს ცხოვრებისეულ სიტუაციაში - სიმშვიდე, მხარდაჭერა, მხიარულება. შემდეგი, შემოთავაზებულია მუსიკის მოსმენა და პასუხის გაცემა შემდეგ კითხვებზე:

1. რა მოგონებები გაგიღვიძა ამ მუსიკამ, რა მოვლენებთან შეიძლება ასოცირდეს ის თქვენს ცხოვრებაში?

2. სად შეიძლება ჟღერდეს ეს მუსიკა და როგორ იმოქმედოს ადამიანებზე?

3. რამ მოგცა მუსიკაში ასეთი დასკვნების გაკეთების საშუალება (იგულისხმება, რაზე მოგვითხრობს მუსიკა და როგორ მოგვითხრობს, რა არის მისი გამომხატველი საშუალებები თითოეულ ცალკეულ ნაწარმოებში)?

კვლევისთვის ნაყოფიერია ბავშვების შეთავაზება სხვადასხვა ასაკისიგივე მუსიკა: ეს დამატებით საშუალებას გაძლევთ განსაზღვროთ, რას ეძებს თითოეული ასაკი მუსიკაში, რას ეყრდნობა მის ასოციაციებში. სასწავლო პროცესის ფორმულირებიდან გამომდინარე, მესამე კითხვას შეიძლება ჰქონდეს განსხვავებული სირთულის ხარისხი, პროფესიული შინაარსი: რამდენ სურათს, რა ჟანრს მივაწერთ, რა ფორმით არის დაწერილი მუსიკა, როგორ ხდება ვიზუალური და ექსპრესიული საშუალებების ერთიანობა. და ა.შ. მუსიკის მოსმენის შემდეგ თითოეულ ბავშვს ეწყობა ინდივიდუალური საუბარი, პასუხების გაცემის შემთხვევაში ბავშვებს მუსიკალური ფრაგმენტები ახსენდებათ. პასუხები საუკეთესოდ ჩაიწერება წერილობით („ისტორიისთვის“: საინტერესოა ბავშვების პასუხების შედარება რამდენიმე წელიწადში, რათა მივაკვლიოთ მუსიკალური განვითარების დინამიკას). შედეგები მუშავდება შემდეგი პარამეტრების მიხედვით: სიზუსტე მუსიკალური მახასიათებელი, გაშლა და, მხატვრული ასოციაციები, პასუხების ემოციური მოფერება. განსაკუთრებული ყურადღება ეთმობა ბავშვების აზროვნების მიმართულებას: ზოგადიდან კონკრეტულამდე: მუსიკის ფიგურალური შინაარსიდან ექსპრესიულ საშუალებებამდე, ენის ელემენტები, ჟანრი, სტილი და ა.შ. თუ ბავშვების პასუხები აჩვენებს, რომ მათ ესმით ნაწარმოების ფორმა. როგორც შინაარსით განსაზღვრული მეორადი ფენომენი, მაშინ შეიძლება ითქვას განვითარებაზე ჰოლისტიკური აღქმამუსიკალური გამოსახულება.

2.2. "აირჩიე მუსიკა"

მეორე ტექნიკა "აირჩიე მუსიკა"ეძღვნება შინაარსით დაკავშირებული მუსიკის განმარტებას: რამდენად გონივრულად შეუძლიათ ბავშვებს, 3-4 ფრაგმენტის შედარებისას, იპოვონ თანხმოვანი შინაარსით. შემოთავაზებული მუსიკა გარეგნულად მსგავსი უნდა იყოს: ტექსტურის მსგავსება, ხმის დინამიკა, მუსიკალური მეტყველების ელემენტები, შემსრულებელთა კომპოზიცია, ინსტრუმენტაცია და ა.შ. ტექნიკის სირთულე იმაში მდგომარეობს, რომ ნამუშევრები არ ეწინააღმდეგება ერთმანეთს. მაგალითად, შეგიძლიათ შემოგთავაზოთ ასეთი ნამუშევრები:

ვარიანტი 1: "მარტი" დ.დ. შოსტაკოვიჩი და დ.როსინის „მარში“ (შუა ჯგუფი, იანვარი);

ვარიანტი 2: ა. ლიადოვის "წვიმა" და დ.ბ. კაბალევსკის "სევდიანი წვიმა" (შუა ჯგუფი, მარტი).

მოსმენის შემდეგ მოსწავლეებმა უნდა დაადგინონ, რომელი ნაწარმოებებია დაკავშირებული მუსიკის „სულისკვეთებაში“ და თქვან, რა საფუძვლით დაადგინეს მათ საერთოობა.

ტექნიკა საშუალებას იძლევა გამოავლინოს განსაკუთრებული "მუსიკის გრძნობა". მასში მთავარია: რას აფასებენ ბავშვები: მათ საკუთარი ემოციებიმუსიკით, ან უბრალოდ ექსპრესიული საშუალებებით გამოწვეული, ცხოვრებისეული შინაარსისგან მოწყვეტილი. მხოლოდ საშუალებებზე დამოკიდებულება მიუთითებს აღქმის დაბალ დონეზე; მხოლოდ მათ ემოციებზე დაყრდნობა - საშუალო დონე. უმაღლეს დონეზე უნდა ჩაითვალოს ემოციებსა და ჟღერადობას შორის ურთიერთობის დამყარება, როდესაც ბავშვს შეუძლია საკმარისად დეტალურად თქვას, რატომ აქვს მას ეს კონკრეტული ემოციები და არა სხვა.

2.3. "აღმოაჩინე შენი თავი მუსიკის საშუალებით."

მესამე მეთოდი, „გახსენი შენი თავი მუსიკის საშუალებით“, მიზნად ისახავს შეაღწიოს მუსიკის მიერ ბავშვების პირადი ურთიერთობისა და აღქმის სიღრმეში. გარკვეულწილად, ეს საშუალებას იძლევა გამოავლინოს ძალიან მნიშვნელოვანი რამ: რამდენად „აღმოაჩენენ საკუთარ თავს“ ბავშვები მუსიკის საშუალებით, რამდენად აცნობიერებენ თავიანთ გრძნობებს და გამოცდილებას, გრძნობენ თუ არა მათ ჩართულობას მუსიკის შინაარსში, მის სურათებში. , ივენთი.

ამისთვის გთავაზობთ ერთ ნამუშევარს, მაგალითად, ფრაგმენტი ე.გრიგის „ელფების ცეკვიდან“, „დრაჟე ზღაპრის ცეკვა“ პ.ი. ჩაიკოვსკი და ე.გრიგის და სხვათა „მთის მეფის გამოქვაბულში“ და მასთან დაკავშირებული სამი ამოცანა ( უფროსი ჯგუფიაპრილი). პირველ დავალებაში ბავშვები აყენებენ „მუსიკის თანამოსაუბრის“ პოზიციას. ის მათ რაღაცაზე „ეუბნება“ და შემდეგ მათ უნდა უამბონ თავიანთ გრძნობებზე, იმაზე, რაც მათში „დიალოგის“ დროს დაიბადა. მე-2 დავალება გულისხმობს ბავშვის მუსიკალური შინაარსის გამოვლენას პლასტმასში, მოძრაობაში (ეს შეიძლება იყოს პლასტიკური მინიატურული პანტომიმის იმპროვიზაცია ან, უკიდურეს შემთხვევაში, თქვენ უბრალოდ შეგიძლიათ „ისუნთქოთ“ ხელებით). მე-3 დავალება დაკავშირებულია ნახატში „საკუთარი თავის“ განსახიერებასთან. განსაკუთრებით ხაზგასმით აღვნიშნოთ: მოსწავლე არ ხატავს მუსიკას, რომელიც ისმის, არამედ საკუთარ თავს, როგორ გრძნობდა თავს ამ მუსიკის გაჟღერების დროს. ეს პირობა ეხება მეთოდოლოგიის სამივე ამოცანას, ვინაიდან მასში ჩვენ გვაინტერესებს არა თავად მუსიკა, არამედ ბავშვი, მისი სულიერი სამყარო საკუთარი თავის შეფასებით, ე.ი. თვითშეფასება, მუსიკა აქ მოქმედებს, როგორც მისი წყარო, მნიშვნელოვანი შემთხვევა.

2.4. "მე ვწერ მუსიკას."

მეოთხე ტექნიკა "მე ვწერ მუსიკას"- ტარდება თითოეულ ბავშვთან ინდივიდუალურად და ეხმარება გამოავლინოს ფიგურული წარმოდგენების, ფანტაზიის, წარმოსახვის, აზროვნების, მხატვრული ამოცანების ფარგლებში, ფიგურული სმენის, ხედვის და ა.შ. ტექნიკის ჩატარების პროცედურა შემოქმედებით პროცესს წააგავს. მოცემულია თავდაპირველი შემოქმედებითი დავალება, რომელიც ემსახურება ბავშვს, როგორც პირველ იმპულსს, მოაწყოს დამოუკიდებელი მხატვრული საქმიანობა. შეგიძლიათ შემოგთავაზოთ რამდენიმე სიტუაცია, საიდანაც მოსწავლეები ირჩევენ მათ, ვინც ყველაზე მეტად მოსწონთ. ეს შეიძლება იყოს, მაგალითად, სიტუაციები: „გაზაფხულის ხმები“, „ზაფხულის დღე“, „დიდი ქალაქის ხმები“, „ზამთრის გზა“, ზღაპრული მოვლენები და ა.შ. სიტუაციის არჩევის შემდეგ, ბავშვები, მუსიკალური დირექტორი (მისი მონაწილეობა, თუ ეს შესაძლებელია, მაქსიმალურად შეზღუდული უნდა იყოს) ასახავს მომავალი ხელოვნების ნაწარმოების ფიგურული შინაარსის განვითარების ლოგიკასა და ორიგინალურობას. მაგალითად, როგორ იღვიძებს ცხოვრება გაზაფხულზე: თოვლი დნება, მზე იწვის, წვეთები, ყინულები ეცემა, ნაკადულები დრტვინავს - როგორ უნდა მოისმინოთ და გამოხატოთ ეს ყველაფერი და თქვენი დამოკიდებულება ამის მიმართ?... ან: „ზამთრის გზა“: ჩუმად, პირქუში, ცვივა იშვიათი ფიფქები, „მარტო შავდება გამჭვირვალე ტყე“... თქვენი იდეის განსახიერება შეგიძლიათ ფორტეპიანოზე, სხვა ინსტრუმენტებზე (საბავშვო და ხალხური), ხმით, პლასტიკურობით. პირველი ლანდშაფტის ესკიზი ხდება "ფონი", რომლის წინააღმდეგაც თანდათან გამოჩენილი პერსონაჟები (როგორც წესი, ბავშვები ირჩევენ ზღაპრის გმირებს და ცხოველებს) ასრულებენ გამოგონილ მოქმედებებს, მუსიკალური დირექტორი ტრადიციულად აკონტროლებს პერსონაჟებს, მათ ურთიერთობებს, როგორ გამოჩნდებიან. რა ჩვევები და ა.შ. .დ. შემოქმედებითი საქმიანობის მაქსიმალურად დამოუკიდებლად ორგანიზებით, ის აკვირდება მხატვრული იდეის განსახიერების პროცესს: როგორ ეძებენ ბავშვები გამოხატვის საშუალებებს, ირჩევენ ხელსაწყოებს, რთავენ ხმას, პლასტიურობას - ყველა ამ მოქმედების მიღმა, ბავშვის აზროვნება ადვილად "გაშიფრულია", როდესაც მხატვრული გამოსახულების შექმნა, რომლის შინაარსზეც საუბრობს.თავად (ან ფრთხილი წამყვანი კითხვების დახმარებით).

ბავშვების კრეატიულობის ანალიზი ძალიან რთულია, რადგან, როგორც წესი, ინკარნაციის „ტექნიკური უნარი“ დაბალი დონისაა და თავად ბავშვების კრეატიულობა ხშირად რჩება მხოლოდ იდეისა და მისთვის ესკიზების დონეზე. . ამასთან, შეფასების პარამეტრებად შეიძლება განვასხვავოთ შემდეგი პარამეტრები:

განზრახვის გაცნობიერების ხარისხი. აქ ვლინდება იდეის დამოუკიდებლობა, მისი ლოგიკურობა, მასში დროისა და სივრცის განცდა (რასაც შემოქმედების შინაარსობრივი მხარის მიხედვით ვიმსჯელებთ);

გამომგონებლობა, ორიგინალურობა, ინდივიდუალობა განსახიერების საშუალებების არჩევისას. Აქ მნიშვნელოვანი როლითამაშობს არასტანდარტულ, არატრადიციულ, მაგრამ სასურველია, რომ არგუმენტირებული იყოს;

რამდენად იზიდავს ბავშვს უკვე მიღებული მუსიკალური გამოცდილება. მაგალითად, ავალებს თუ არა გმირებს მისთვის ცნობილი სიმღერების შესრულებას, ეყრდნობა თუ არა ცოდნას და იდეებს მუსიკის ფენომენებისა და ფაქტების შესახებ.

ძირითადი ყურადღება ბავშვთა შემოქმედების ანალიზში უნდა იყოს მიმართული იმის შესწავლაზე, თუ როგორ გეგმავს ბავშვი თავის საქმიანობას, დაწყებული შემოქმედების მოტივით და დამთავრებული იდეის რეალური განსახიერებით. აქ მთავარი კრიტერიუმია, როგორც უკვე აღვნიშნეთ, მუსიკალური და შემოქმედებითი საქმიანობის ატრიბუტების ჰარმონიის ხარისხი: ჰარმონია „მესმის-ვფიქრობ-ვგრძნობ-მოქმედებს“ შორის.

ასე რომ, მუსიკალური კულტურის თითოეული შერჩეული კომპონენტი შეესაბამება გარკვეულ მეთოდებს. ზოგიერთი მათგანი (კითხვები, კითხვები, დაკვირვება) ტრადიციული ხასიათისაა, ზოგიც შექმნილია სპეციალურად მუსიკალური კულტურის შესწავლის პროგრამისთვის, არის საავტორო (მაგრამ ისინი ასევე ახლოსაა ტრადიციულ მოტივებთან).

2.5. "ბავშვი და მუსიკა".

მეხუთე ტექნიკა "ბავშვი და მუსიკა". მუსიკალური დირექტორი ბავშვებს ეკითხება: „წარმოიდგინეთ, რომ მუსიკა ცოცხალი არსებაა. შეეცადეთ დახატოთ ეს არსება, ეს პიროვნება ისე, როგორც თქვენ გრძნობთ მას, გაიგეთ, როცა უსმენთ ან ასრულებთ. და არ დაგავიწყდეთ საკუთარი თავის გამოსახვა თქვენს ნახატზე." ამ ტექნიკას შორის განსხვავება ისაა, რომ ბავშვები არ ხატავენ კონკრეტულ მუსიკას (შთაბეჭდილებებს ნაწარმოებიდან) - მათი ნახატი საერთოდ არ არის დაკავშირებული ცოცხალ ხმასთან. მეთოდოლოგიის მიზანი: გაარკვიოს, რამდენად იდენტიფიცირებულია ბავშვი მუსიკასთან, როგორც მსოფლიოში უზარმაზარ და მნიშვნელოვან ფენომენთან. ზოგადად მუსიკას ხატავს. ნახატიდან ჩანს, თავს პატარად გრძნობს მის წინაშე, თუ გრძნობს თავს მის ნაწილად, აიგივებს თავს მასთან; რამდენად ჰოლისტურად აღიქვამს ის „მუსიკის იმიჯს“ (მაგალითად, გამოხატავს მას რაიმე ერთიანში - ფერში, იმპულსში, მოძრაობაში და ა.შ.), ან ზედმეტად დეტალურად წარმოაჩენს მას. ამ პროცედურისთვის არაუმეტეს 15 წუთია გამოყოფილი, რის შემდეგაც თითოეულ ბავშვთან ინდივიდუალური საუბრისას შესაძლებელია გარკვევა, რატომ წარმოაჩინა მან საკუთარი თავი და მუსიკა ასე. შენიშნა, რომ ემოციური სიმდიდრით და ბავშვებში „მუსიკის იმიჯის“ გამოხატვის მცდელობით, ვლინდება მის მიმართ ჭეშმარიტი (ზოგჯერ არაცნობიერი) დამოკიდებულება. ეს მეთოდი ხდება ”პროგრამის საბოლოო აკორდი სკოლამდელი ასაკის ბავშვების მუსიკალური კულტურის დიაგნოსტიკისთვის.

დასკვნა

„... მუსიკამ უნდა გასწავლოს თავისუფლად და პირდაპირ გამოხატო შენი გრძნობა ბგერებში და თანაუგრძნობდე ყველა ხმას და ყველა მოწოდებას, რომელიც მხოლოდ მსოფლიოში ჟღერს... ხელოვნება უნდა მიუდგეს თითოეულ ასაკს მისი გაგებისა და უნარის შესაბამისი ფორმით. ყველასთვის ეს უნდა გახდეს მისი საკუთარი საკუთრება, მისი ენა... თავისუფლად რომ მიეჩვიოს ლაპარაკს, მოძრაობას, მოსმენას, ხედვას, მოქმედებას, ბავშვი თავის ცხოვრებაში იქნება უხერხულობის გარეშე, ადვილი იქნება ამ უნარების გამოყენება. შეასრულოს თავისი შემოქმედებითი ნება, მან იცოდეს ამ ნების შედეგის მიცემის გზა... ხელოვნებით უნდა აღიზარდოს ბავშვების შემოქმედებითი ნება, მათი მოქმედების ნება; სადაც სხვების მიერ შესრულებული ხელოვნების ნიმუშების მოსმენის, ყურების ან შესრულებისას ბავშვებმა, თითქოსდა, კვლავ უნდა შექმნან ისინი, შინაგანად განიცადონ ის ძლიერი ნება და ის ძლიერი გრძნობა, რომელიც ამ ნაწარმოებმა შექმნა... ესთეტიკური განათლების ეს მიმართულება არ არის ეს ყველაფერი ძველ სკოლაში ხელოვნების სწავლებას ჰგავს, სადაც ბავშვებს ასწავლიდნენ მხოლოდ მოსმენას, ყურებას და განზრახვის შესრულებას, დაეთანხმონ იმას, რაც გაკეთდა მათ წინაშე, შეეჩვიონ თავიანთი გემოვნება ძველ, ჩვეულებრივ მოდელებს...“.

მუსიკალური განათლების ახალი ტექნოლოგიების დამახასიათებელი თეორიული ცოდნა და მეთოდები მაგალითზემხატვრული და შემოქმედებითი პროცესის სიმულაციები საშუალებას აძლევს მუსიკალურ დირექტორს მიაღწიოს მთავარ მიზანს - ჩამოაყალიბოს მოსწავლის წარმოდგენა მუსიკოსის - კომპოზიტორის, შემსრულებლის, მსმენელის საქმიანობის შესახებ - როგორც ადამიანის შემოქმედების მაღალი გამოვლინება, როგორც დიდი ნაწარმოები. სული, როგორც ადამიანისა და სამყაროს გარდაქმნის უმაღლესი მოთხოვნილება.

ბიბლიოგრაფია

1. ბურენინა A.I. საინტერესო აქტივობების სამყარო. საკითხი 1: ბგერების, გამოსახულების და განწყობების სამყარო. SPb., 1999 წ
2. ზიმინა ა.ნ. ბავშვების მუსიკალური განათლებისა და განვითარების საფუძვლები უფრო ახალგაზრდა ასაკი. მ., 2000 წ
3. კაბალევსკი დ.ბ. მშვენიერი აღვიძებს კარგს. მ.: განმანათლებლობა, 1973 წ
4. ლინჩენკო ნ.მ., კირილოვა ო.ა. სერიოზული მუსიკა ბავშვებისთვის: სახელმძღვანელო სკოლამდელი საგანმანათლებლო დაწესებულებების მასწავლებლებისა და მუსიკალური დირექტორებისთვის. მურმანსკი, 2000 წ
5. მინაევა ვ.მ. ემოციების განვითარება სკოლამდელ ბავშვებში. კლასები. თამაშები: სახელმძღვანელო სკოლამდელი დაწესებულებების პრაქტიკოსებისთვის. მ., არქტი. 2001 წ
6. ნოვიკოვა გ.პ. სკოლამდელი ასაკის ბავშვების მუსიკალური განათლება. მ., 2000 წ
7. Radynova O.P., Gruzdova I.V., Komissarova L.N. სემინარი სკოლამდელი აღზრდის მუსიკალური აღზრდის მეთოდის შესახებ. მ., 1999 წ
8. Radynova O.P., Katenene A.I., Palandishvili M.L. სკოლამდელი ასაკის ბავშვების მუსიკალური განათლება. მ., 2000 წ

მეთოდოლოგიური შემუშავება "მუსიკისა და კომპიუტერული ტექნოლოგიების გამოყენება მუსიკალური დირექტორის საქმიანობაში"

თანამედროვე საგანმანათლებლო დაწესებულებას სჭირდება მასწავლებელი, რომელიც ფლობს თანამედროვე კომპიუტერული ხმის „ტილოს“ ყველა შესაძლებლობას. მუსიკალურ რეჟისორს, რომელმაც იცის ინფორმაციული ტექნოლოგიები ისევე, როგორც ფორტეპიანოს კლავიატურა, შეუძლია ბავშვების მოხიბვლა სხვადასხვა ფორმით მუშაობისას. მუსიკალური რეპერტუარიარა მხოლოდ მათი ვოკალური შესაძლებლობების, აკადემიური ცოდნის, არამედ კომპიუტერული ტექნოლოგიების გამო. ცხადია, ტექნიკურმა პრინციპმა არ უნდა დათრგუნოს მხატვარ-შემოქმედის არც მასწავლებელი და არც მოსწავლე მუსიკის ნატიფი ყურით და უმართავი ფანტაზიით.
ყველა მასწავლებელი, რომელიც თავის პრაქტიკაში იყენებს მზა მულტიმედია ინსტრუმენტებს, არ არის კმაყოფილი მათი ხარისხით, კონსტრუქციით, მენეჯმენტით, შინაარსის დონით და ა.შ. სასწავლო პროცესიარის შემოსული მაღალი ხარისხიინდივიდუალური, მოითხოვს დიფერენცირებული მიდგომადამოკიდებულია ცვლადების დიდ რაოდენობაზე.
ამიტომ სკოლამდელი აღზრდის მასწავლებელს, მუსიკალურ დირექტორს, რომელიც საკმაოდ თავისუფლად და შემოქმედებითად აზროვნებს, უნდა შეეძლოს დამოუკიდებლად მოამზადოს მულტიმედიური მასალა გაკვეთილებისთვის, არდადეგებისთვის და ა.შ.
ტრადიციულ მუსიკალურ ინსტრუმენტებთან ერთად, რომლებზეც მუსიკალური განათლებაა ორიენტირებული, ფართო შესაძლებლობების მქონე მუსიკალურ-კომპიუტერული ტექნოლოგიები (MCT) სულ უფრო ფართოვდება. მუსიკალური კომპიუტერი შეუცვლელი ხდება კომპოზიტორის, არანჟირების, მუსიკალური დიზაინერის, მუსიკალური რედაქტორის საქმიანობაში და სულ უფრო ხშირად გამოიყენება სწავლებაში. ეს ტექნოლოგიები ხსნის ახალ შესაძლებლობებს შემოქმედებითი ექსპერიმენტებისთვის, აფართოებს მუსიკალურ ჰორიზონტს, სტუდენტების მხატვრულ თეზაურუსს და ეს განსაკუთრებით აქტუალურს ხდის მათ დაუფლებას.
თანამედროვე მუსიკალურ განათლებაზე ორიენტირებული ახალი საინფორმაციო ტექნოლოგიები ქმნის პირობებს მუსიკალური მოღვაწის მომზადებისთვის, რომელიც, გარდა ტრადიციული მუსიკალური დისციპლინებისა, ფლობს მუსიკალურ კომპიუტერს, როგორც ახალ მუსიკალურ ინსტრუმენტს.
ისტ-ის გამოყენებისა და განვითარების ყველაზე მნიშვნელოვანი სფეროებია:
MCT პროფესიულ მუსიკალურ განათლებაში (როგორც შემოქმედებითი შესაძლებლობების გაფართოების საშუალება);
ICT ზოგად განათლებაში (როგორც განათლების ერთ-ერთი საშუალება);
ICT, როგორც შშმ პირთა რეაბილიტაციის საშუალება;
ICT, როგორც დისციპლინის განყოფილება "კომპიუტერული მეცნიერება", "ინფორმაციული ტექნოლოგია";
MCT, როგორც ტექნიკური სპეციალისტების განათლების ახალი მიმართულება, რომელიც დაკავშირებულია, კერძოდ, მუსიკალური შემოქმედების ელემენტების მოდელირებასთან, ხმის ტემბრულ პროგრამირებასთან, რაც იწვევს ახალი შემოქმედებითი ტექნიკური სპეციალობების გაჩენას.

MCT-ის გამოყენება სკოლამდელი აღზრდის ორგანიზაციის მუსიკალურ განათლებაში წყვეტს შემდეგ ამოცანებს:
1. საგრძნობლად გააძლიერონ მუსიკალური ყურისა და აზროვნების განვითარება, რაც განპირობებულია მათი ინტენსიური სწავლის შესაძლებლობებით, რომელიც დაფუძნებულია აქტივობის ლოგიკურ-აღქმადი ფორმების ინტეგრაციაზე. მუსიკალური ენის ელემენტების გაგება ხდება შეგრძნებებისა და ვიზუალური წარმოდგენების დახმარებით, რაც ავსებს ვერბალური კომუნიკაციის შესაძლებლობებს. კომპიუტერში გადადის მასწავლებლის მუშაობის არაკრეატიული ფორმები, რაც შესაძლებელს ხდის დემონსტრირებას
2. გამოხატვის შესაძლებლობებიჰარმონია (პირველ რიგში კონსტრუქციული ლოგიკა), დაკვირვება მუსიკალური მორფოლოგიისა და სინტაქსის ნიმუშებზე, ამარტივებს ორიენტაციის უნარების შეძენას ინტონაციურ-სემანტიკურ სიბრტყეში, შინაარსობრივ-ფიგურული გეგმის მოსმენასა და გაგებას, ხელს უწყობს სასწავლო მასალის დაახლოებას მხატვრულ პრაქტიკასთან და საბოლოოდ, ამდიდრებს მოსწავლეთა ტემბრულ სმენას, მათ წარმოდგენებს ფერად-მრავალგანზომილებიანი ხმის ხარისხის შესახებ;
3. მუსიკალური სავარჯიშო პროგრამები შეიძლება ფართოდ იქნას გამოყენებული იმ შემთხვევებში, როდესაც საჭიროა უნარების ინტენსიური აღდგენა ვარჯიშის ხანგრძლივი შესვენების შემდეგ ან როცა საჭიროა სპეციალური მუსიკალური უნარების სწრაფად და მყარად ჩამოყალიბება.

მულტიმედიური პროგრამების გამოყენება საგანმანათლებლო პროცესში

მულტიმედიური პროგრამის შექმნისას საჭიროა ნათლად წარმოიდგინოთ ვისთვის და რისთვის იქმნება. საინფორმაციო სლაიდების შინაარსი შეიძლება შედგენილი იყოს საგნის სასწავლო გეგმის ნებისმიერ თემაზე, ან იყოს განმავითარებელი ხასიათის საკლასო და/ან კლასგარეშე აქტივობებისთვის.
მულტიმედიური პროგრამა არის დინამიკის კომბინაცია გადაცემული ინფორმაციის გონივრული რაოდენობით. ეს არის კომპიუტერული ტექნოლოგიების სინთეზი, რომელიც აერთიანებს ხმას, ვიდეოკლიპებს, ინფორმაციას, უძრავ და მოძრავ სურათებს. ვიდეოფილმებისგან განსხვავებით, მათ გადასაცემად გაცილებით მცირე ინფორმაცია სჭირდებათ.
მულტიმედიური პროგრამების, სატელეკომუნიკაციო პროექტების შექმნა გულისხმობს სცენარის, კონცეფციის, რეჟისურის, მონტაჟის, მონტაჟის, ხმის დიზაინის შემუშავებას (საჭიროების შემთხვევაში).
მულტიმედიური პროგრამის შესაქმნელად, უპირველეს ყოვლისა, მუშავდება სკრიპტი და დგინდება მასალის წარდგენის თანმიმდევრობა ტექსტის გამოყენების პროცენტული, ვიზუალური და ხმოვანი დიაპაზონის გათვალისწინებით. აშკარაა, რომ არ არის პრაქტიკული მულტიმედიური პროგრამის შექმნა, რომელიც მოიცავს მხოლოდ ტექსტურ ინფორმაციას. ასეთი მასალის მომზადება შესაძლებელია Microsoft Word პროგრამის ფარგლებში. ინფორმაციის ძიებისას შეგიძლიათ გამოიყენოთ საგანმანათლებლო საიტების კოლექციების ბმულები, სურათების შერჩევის მქონე საიტები.
მულტიმედიური პროგრამისთვის მასალის შერჩევისას უნდა გახსოვდეთ, რომ ჩვენ ვსაუბრობთისეთი ინფორმაციის შექმნის შესახებ, რომელიც მიედინება და გაიზრდება დინამიკაში, როგორც მოსწავლე პროგრესირებს შემოთავაზებულ მასალაში. ეს განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია, როდესაც ინდივიდუალური ვარჯიში, როცა მომხმარებელს შეუძლია შეჩერება, ჩამოწერეთ მისთვის მთავარი, დაუბრუნდით ცნებების გარკვევას და გადადით (ასეთი ვარიანტებია მოწოდებული).
უნდა გვახსოვდეს, რომ წარმოდგენილი მასალა არის დაგროვილი მასალის ტევადი პრეზენტაცია, სადაც ტექსტური პრეზენტაცია ხშირად იცვლება სიმბოლოებით, ცხრილებით, დიაგრამებით, ნახატებით, ფოტოებით, რეპროდუქციებით.
არჩეული ვიდეო და ხმა თქვენი პროგრამისთვის.
ეს ყველაფერი მომხმარებელს უქმნის მასალის აღქმის ყველაზე კომფორტულ პირობებს. მულტიმედიური ელემენტები ქმნიან დამატებით ფსიქოლოგიურ სტრუქტურებს, რაც ხელს უწყობს მასალის აღქმასა და დამახსოვრებას.
უპირატესობები მუსიკის გაკვეთილები Power Point-ში მულტიმედიური პრეზენტაციების გამოყენებით:
- ანიმაციისა და სიურპრიზის მომენტების გამოყენება ქმნის შემეცნებითი პროცესისაინტერესო და ექსპრესიული;
- ბავშვები იღებენ მოწონებას არა მხოლოდ მასწავლებლისგან, არამედ კომპიუტერიდან ნახატ-პრიზების სახით, ხმის დიზაინის თანხლებით;
- ტრადიციული საშუალებების ჰარმონიულმა კომბინაციამ Power Point პროგრამაში პრეზენტაციების გამოყენებასთან ერთად შეიძლება მნიშვნელოვნად გაზარდოს ბავშვების სწავლის მოტივაცია.

მულტიმედიური ტექნოლოგიების გამოყენებით კლასების დიზაინი სრულიად ახალი მიმართულებაა მასწავლებლის საქმიანობაში და სწორედ აქ შეგიძლიათ გამოიყენოთ მთელი დაგროვილი გამოცდილება, ცოდნა და უნარები და შემოქმედებითი მიდგომა. გაკვეთილები ტარდება სკოლებში გამოყენებით ელექტრონული გამოცემებისაგანმანათლებლო მიმართულება, ბავშვებს დიდხანს ემახსოვრებათ. ამასთან, რა თქმა უნდა, ჯერ კიდევ განათლების საკითხშია მუსიკალური გემოვნებაუმთავრეს როლს რჩება მასწავლებლის როლი, რომელსაც ვერცერთი კომპიუტერი ვერ შეცვლის.
ყოველივე ზემოთქმულის შეჯამებით შეგვიძლია დავასკვნათ, რომ მულტიმედიური გაკვეთილების სცენარების შექმნა და გამოყენება სკოლებში საინფორმაციო და საკომუნიკაციო ტექნოლოგიების გამოყენების ერთ-ერთი პერსპექტიული სფეროა. თუმცა, არ უნდა დაგვავიწყდეს მულტიმედიური ინფორმაციის წარმოდგენის სამეცნიერო ბუნება, მიზანშეწონილობა, ლოგიკა.

საგანმანათლებლო ინტერაქტიული თამაშები ტრიგერით

რა არის გამომწვევი? ტრიგერი არის ანიმაციური ინსტრუმენტი, რომელიც საშუალებას გაძლევთ დააყენოთ მოქმედება არჩეულ ელემენტზე, ანიმაცია იწყება დაწკაპუნებით.
საგანმანათლებლო საპრეზენტაციო თამაშებში ტრიგერების გამოყენება მათ ინტერაქტიულს ხდის.
განვიხილოთ ანიმაციის დროის ჩაწერის ალგორითმი ტრიგერის გამოყენებით.
1. შევარჩევთ საჭირო ნახატებს და დავფიქრდებით კითხვებზე, ასეთის არსებობის შემთხვევაში. სჯობს პრეზენტაციაში განთავსებამდე სურათების სახელები გადარქმევა მოხერხებულებად. ანიმაციის და ტრიგერების ობიექტი შეიძლება იყოს როგორც სურათები, ასევე ტექსტური ობიექტები, რომლებთანაც, გეგმის მიხედვით, მოქმედება განხორციელდება.
2. სლაიდზე მოათავსეთ ობიექტები, რომლებზეც გამოყენებული იქნება ანიმაცია და ტრიგერი. იფიქრეთ ანიმაციის გამოყენების შინაარსზე, მაგალითად:
შერჩევა: როტაცია ან ზომის შეცვლა;
მოგზაურობის ბილიკები: მოგზაურობის მიმართულება ან მორგებული ბილიკის დახაზვა. (ნახ.1)
Მნიშვნელოვანი:არ მიიღოთ ანიმაცია შესასვლელი

3. მიამაგრეთ ანიმაციის ეფექტი ობიექტზე ისე, რომ ის სლაიდზე დაწკაპუნებაზე დაიწყოს. ჩვენ გვინდა, რომ ობიექტი გაქრეს, მაგალითად, არასწორ პასუხებზე დაწკაპუნებისას და სწორ პასუხზე დაწკაპუნებისას ის გაიზრდება ხმოვანი სიგნალით. ამისათვის აირჩიეთ ობიექტი ან „დააწკაპუნეთ“ ისარს ეფექტის გვერდით ამოცანების პანელში (წრიული ოთხკუთხედი), რათა გახსნათ ჩამოსაშლელი მენიუ და შეარჩიოთ Time ბრძანება (ნახ. 2).

ღია ფანჯარაში გააქტიურეთ Switches ღილაკი, ის პასუხისმგებელია ტრიგერის მუშაობაზე. აირჩიეთ - დაწკაპუნებით ეფექტის დაწყება. ყურადღება!აირჩიეთ სიიდან მარჯვნივ საჭიროელემენტი ჩვენს მიერ შექმნილი ანიმაციური ეფექტების შემოთავაზებული ვარიანტებიდან. (ნახ.3).
ამ მოქმედების შემდეგ ანიმაციის პარამეტრების ამოცანების ზონაში ობიექტის ზემოთ დავინახავთ სიტყვას „ტრიგერი“ (ნახ. 4). ტრიგერი შექმნილია.

პრეზენტაციის ჩვენებისას, ისრის კურსორი ობიექტზე ტრიგერით იქცევა პალმის კურსორად.
4. გაიმეორეთ ყველა მოქმედება დარჩენილი ობიექტებით.
5. თქვენ შეგიძლიათ შეამოწმოთ საკუთარი თავი ანიმაციის პარამეტრებში: თითოეულ ობიექტს იგივე სახელი აქვს ანიმაცია, ტრიგერი და მუსიკალური ფაილი (ასეთის არსებობის შემთხვევაში).
6. ახლა მოდით დავაყენოთ ობიექტები ხმის გარეგნობისთვის. ყურადღება! ხმის ფაილი უნდა იყოს პატარა! ჩასვით ხმა (აპლოდისმენტები და ა.შ.) მენიუს მეშვეობით Insert - Sound - აირჩიეთ სასურველი ფაილი (ფაილიდან, კლიპების ორგანიზატორიდან, საკუთარი ჩანაწერიდან) და დაუკარით ხმა დაჭერით (სურ. 5).

გადაიტანეთ ხმა სასურველ ობიექტზე. მიკროფონის ხატს ვაყენებთ უხილავ რეჟიმზე (ნახ. 2) (Effects parameters - Sounds parameters - ხატის დამალვა შოუს დროს, დააყენეთ V).
7. ხმის დარეგულირება: ჩამოსაშლელი მენიუს გასახსნელად აირჩიეთ "ხმა" ობიექტი ან "დააწკაპუნეთ" ისარს ხმის გვერდით ანიმაციის ზონაში (წრეში მოხაზული ოთხკუთხედი) და აირჩიეთ Time ბრძანება (ნახ. 2).
8. ყურადღება! (ნახ.6)

დასაწყისი - წინას შემდეგ.
დაწკაპუნებაზე ეფექტის დაწყება - იპოვნეთ ობიექტი, რომლითაც მუსიკა გაჟღერდება.
9. დაამატეთ ღილაკი შემდეგ სლაიდზე გადასასვლელად. მენიუში ვირჩევთ Insert - Shapes - Control ღილაკებს (სურ. 7). ჩვენ ვხატავთ ქვემოთ (კურსორი გახდა +) არჩეულ ფიგურას. იხსნება მოქმედების პარამეტრების ფანჯარა.

10. შეასრულეთ მოქმედების პარამეტრები (ნახ. 8): მაუსის დაწკაპუნებით - მიჰყევით ჰიპერბმულს - გახსნილ ფანჯარაში აირჩიეთ გადასასვლელი სლაიდი - OK.
11. პრეზენტაციის ჩვენებისას, Control ღილაკზე ისრის კურსორი იქცევა პალმის კურსორად, ისევე როგორც ობიექტზე ტრიგერით.
ტრიგერების გამოყენება ყოველთვის არ არის მოსახერხებელი, მაგალითად, WordArt ობიექტებზე. მათში მხოლოდ ასოების ზედაპირია აქტიური და კურსორით მასში მოხვედრა რთულია. ასეთ შემთხვევებში გამოიყენება გამჭვირვალე ტრიგერების მეთოდი, როდესაც ტრიგერი ენიჭება არა თავად ობიექტს, არამედ ამ ობიექტზე დადგმულ გამჭვირვალე ფიგურას.
1. მენიუს ჩასმა - Shapes - აირჩიეთ, მაგალითად, მართკუთხედი და დახაზეთ WordArt ობიექტზე. აირჩიეთ, დააწკაპუნეთ მარჯვენა ღილაკით და აირჩიეთ "Shape Format" ხაზი: შევსება - ფერი თეთრი, გამჭვირვალობა 100%; ხაზის ფერი - ხაზების გარეშე.
2. WordArt ობიექტს ვაყენებთ ანიმაციას, მასში კი - ობიექტს ტრიგერს. მართკუთხედის ზედაპირი აქტიურია, რაც იმას ნიშნავს, რომ უფრო ადვილია მასზე კურსორის დარტყმა.
ზოგიერთი თამაშისთვის მოსახერხებელია მოძრავი ტრიგერების გამოყენება, მაგალითად, „სროლა“ მოძრავ სამიზნეზე, „Bubble Pop“ და ა.შ.
- ობიექტები ავტომატურად იწყებენ მოძრაობას სლაიდების შეცვლისას: ანიმაციური მოძრაობის ბილიკები - პირველი ობიექტის დაწყება დაწკაპუნებით, შემდგომი - წინაზე.
- დაამატეთ ანიმაცია ობიექტებს. ობიექტის მოძრაობის სიჩქარე Animation-ში დაყენებულია (ნახ.3) ჩანართში Time.
- სლაიდზე გაუთვალისწინებელი გადასვლების თავიდან ასაცილებლად, როდესაც თამაშის დროს შემთხვევით დააწკაპუნებთ წარსულში, მოხსენით მონიშვნა „დაწკაპუნებით“ სლაიდის ცვლილებაზე და დააყენეთ საკონტროლო ღილაკი ან ობიექტი ჰიპერბმულით მომდევნო სლაიდზე.

ჰიპერბმული არის მონიშნული ობიექტი (ტექსტი ან სურათი), რომელიც დაკავშირებულია ამ დოკუმენტის სხვა დოკუმენტთან ან მდებარეობასთან და პასუხობს მაუსის დაწკაპუნებას.
პირველ რიგში, ჩვენ ვქმნით სლაიდების საჭირო რაოდენობას: ჩვენ გირჩევთ გამოიყენოთ თემები ან განლაგება "მხოლოდ სათაური" ან "ცარიელი სლაიდი".
ინტერაქტიული თამაშის ერთი დონის შესაქმნელად, ჩვენ გვჭირდება სამი სლაიდი (ერთი - დავალებით; მეორე - არასწორი პასუხის მნიშვნელობით და დავალებით სლაიდზე დაბრუნება; მესამე - სწორი პასუხის მნიშვნელობით და შემდეგ საფეხურზე გადასვლა) (სურ. 9).

დავალების მქონე სლაიდზე ვათავსებთ ობიექტებს, რომლებსაც ჰიპერბმულით დავუკავშირებთ სხვა სლაიდს (განათავსეთ დოკუმენტში)
აირჩიეთ ობიექტი, გადადით ჩანართზე „ჩასმა“, აირჩიეთ ბრძანება „ჰიპერლინკი“ (სურ. 10).

გამოსულ ფანჯარაში (სურ. 11) ველში „ბმული“ აირჩიეთ „დოკუმენტში განთავსება“. "დოკუმენტში ადგილის არჩევა" ველში დააწკაპუნეთ "სლაიდის სათაურზე", იპოვეთ სლაიდი, რომელიც გსურთ გამოიყენოთ ჰიპერბმულის სამიზნედ (მისი ნახვა შეგიძლიათ "სლაიდის ნახვა" ფანჯარაში). დააჭირეთ "OK".

თუ საჭიროა ჰიპერბმულის წაშლა, იმავე ფანჯარაში (სურ. 11) არის ღილაკი „ჰიპერბმულის წაშლა“, დააწკაპუნეთ „OK“.
ჩვენ ვუკავშირდებით სლაიდზე თითოეულ ობიექტს დავალებასთან ჰიპერბმულით სლაიდთან, რომელიც აუცილებელია მნიშვნელობით.
იმისათვის, რომ დაბრუნდეთ სლაიდზე დავალებასთან ერთად ან გადახვიდეთ თამაშის შემდეგ დონეზე, შეგიძლიათ შექმნათ ტექსტური ჰიპერბმული, როგორც ნახ. 9-ში, ან შეგიძლიათ გამოიყენოთ Control ღილაკები. აირჩიეთ მენიუ Insert - Shapes - Control ღილაკები (სურ. 12).

ჩვენ ვხატავთ ქვემოთ (კურსორი გახდა +) არჩეულ ფიგურას. იხსნება მოქმედების პარამეტრების ფანჯარა. ვასრულებთ მოქმედების პარამეტრებს (სურ. 13): მაუსის დაწკაპუნებით - გადადით ჰიპერბმულზე - აირჩიეთ სლაიდი, რომელზედაც უნდა გადახვიდეთ გახსნილ ფანჯარაში (გირჩევთ SLIDE) - იხსნება ფანჯარა, სადაც შეგიძლიათ იხილოთ სლაიდი. ვაპირებთ - კარგი.

ჩვენ შეგვიძლია გადავიტანოთ საკონტროლო ღილაკი სლაიდზე ნებისმიერ ადგილას, შევამციროთ ან გავზარდოთ მისი ზომა, გამოვიყენოთ Drawing Tools ფერის შესაცვლელად, შევავსოთ, დავწეროთ ტექსტი და ა.შ.
ჩვენ ვქმნით თამაშის დონეზე საჭირო რაოდენობას ანალოგიურად და შეგვიძლია თამაშის დაწყება. გარდა ამისა, შეგიძლიათ დაურთოთ ხმის ფაილები.

აუდიოს ჩაწერა და ამოჭრა

თქვენ შეგიძლიათ ჩაწეროთ და დაარედაქტიროთ აუდიო ფაილი პროფესიონალურ სტუდიაში სპეციალური პროგრამებით, ან შეგიძლიათ გამოიყენოთ იმპროვიზირებული ხელსაწყოები - Windows ოპერაციული სისტემის სტანდარტული პროგრამები და კომუნალური საშუალებები. ამას გარდა, გვჭირდება მზა ფაილები სხვადასხვა რეზოლუციით, ხმის ჩაწერის მიკროფონი და გარკვეული უნარები.

ხმის ჩაწერა

თქვენ შეგიძლიათ ჩაწეროთ პატარა ხმის ფაილი Sound Recorder პროგრამის გამოყენებით, რომელიც არის Windows სისტემის პროგრამა, რომელიც შექმნილია ხმის ჩანაწერების ჩაწერისთვის, მიქსისთვის, დაკვრისთვის და რედაქტირებისთვის. გარდა ამისა, ხმის ჩამწერი პროგრამა საშუალებას გაძლევთ დააკავშიროთ ხმები სხვა დოკუმენტთან ან ჩასვათ მასში. ხმის წყარო - მიკროფონი, CD-ROM დისკი ან გარე მოწყობილობა.
გახსენით პროგრამა: Start Menu - ყველა პროგრამა - აქსესუარები - გასართობი - ხმის ჩამწერი. აუდიოს ჩასაწერად აირჩიეთ ახალი ბრძანება File მენიუდან. ჩაწერის დასაწყებად დააჭირეთ ღილაკს ჩაწერა. ჩაწერის შესაჩერებლად დააჭირეთ ღილაკს Stop. ჩვენ ვიღებთ ფაილს WAV გარჩევადობით, ხმის ხანგრძლივობა არაუმეტეს 60 წამია.

რამდენიმე ხმის ფაილის ერთში დასამაგრებლად ან ერთი ფაილის მეორეში ჩასართავად აირჩიეთ ფაილი - გახსნა. იპოვეთ ფაილი, რომლის რედაქტირებაც გსურთ, გადაიტანეთ სლაიდერი იმ ადგილას, სადაც გსურთ სხვა ფაილის ჩასმა. რედაქტირების მენიუში აირჩიეთ ფაილის ჩასმა და ორჯერ დააწკაპუნეთ ფაილზე, რომლის გახსნაც გსურთ. ხმის ხანგრძლივობა ამ გზით შეიძლება გაიზარდოს.
ფაილის დაკვრა შესაძლებელია საპირისპირო თანმიმდევრობით, ამისთვის შევდივართ Effects მენიუში - Invert და ვაჭერთ Play ღილაკს, Effects მენიუში ვცვლით ფაილს - Add echo ბრძანებას.
შეგიძლიათ მუსიკალური ფაილის გადაწერა კარაოკე ფლეერის გამოყენებით. KAR ან midi ფაილი რეგულირდება სასურველ ტემპზე და კლავიშზე, შემდეგ ჩართეთ მთელი ფაილის ან მისი ფრაგმენტის დაკვრა პლეერზე და ამავდროულად ჩაწერეთ ხმის ჩამწერის პროგრამაში. ჩვენ ვიღებთ გამოსავალს და ვინახავთ ფაილს WAV რეზოლუციით.

Windows Movie Maker

ფაილების (ხმისა და ვიდეოს) ჩაწერისა და რედაქტირების კიდევ ერთი ვარიანტი Windows პროგრამებიფილმის მწარმოებელი.

მიკროფონით ჩაწერილი აუდიო ინახება როგორც Windows Media ფორმატის აუდიო ფაილი .wma გაფართოებით. ნაგულისხმევად, აუდიო მემორანდუმის ფაილი ინახება "კომენტარის" საქაღალდეში, რომელიც მდებარეობს თქვენს მყარ დისკზე "ჩემი ვიდეოების" საქაღალდეში. პროგრამა საშუალებას გაძლევთ დაამატოთ ხმოვანი ეფექტები: ხმის მოცულობა თანდათან იზრდება დაკვრის საბოლოო დონეზე ან თანდათან მცირდება, სანამ ხმა მთლიანად არ გაქრება.
ხმის რედაქტირებისთვის გახსენით ფაილი ვიდეოს ჩაწერის საშუალებით - ხმის ან მუსიკის იმპორტი, ცენტრალურ ველში გამოჩნდება ჩანაწერი, რომელსაც ვამოძრავებთ ქვემოთ მოცემულ ვადებში.
ფანჯარაში მარჯვნივ ჩართეთ Play, მოსმენისას გამოიყენეთ ღილაკი Split clip into parts (ნახ. 3). არასაჭირო ფრაგმენტები კლავიატურაზე აშორებს დელს, ამოიღებს დარჩენილ ფრაგმენტებს და მთავრდება პოტპურით, რომელსაც შემდეგ ვინახავთ კომპიუტერზე Windows Media Audio File ფორმატში.

იგივე ხდება ვიდეო ფაილზე, მხოლოდ იმპორტის ვიდეოს საშუალებით.

mp3 ფაილის ონლაინ მორთვა

თქვენი ყურადღება ექცევა ინტერნეტში მუსიკის ონლაინ ჭრას. (http://mp3cut.foxcom.su/) . წარსულში ჩვენ ვეძებდით აუდიო ფაილების რედაქტირების დახვეწილ პროგრამებს. საიტის mp3cut.ru უფასო სერვისით ჭრა უფრო ადვილი, სწრაფი და მოსახერხებელი გახდა (ნახ. 4).

ნაბიჯი 1. დააწკაპუნეთ ღილაკზე "ჩამოტვირთვა mp3", აირჩიეთ საჭირო ფაილი თქვენი კომპიუტერიდან და დაელოდეთ მის ჩატვირთვას. მას შემდეგ რაც ფაილი რედაქტირებადი იქნება, ტრეკი გახდება ვარდისფერი და დაკვრის ღილაკი წითლად გახდება.
ნაბიჯი 2. ახლა თქვენ შეგიძლიათ ამოჭრათ mp3 ფაილი. მორბენალი-მაკრატელი ავლენს კომპოზიციის სასურველ სეგმენტს.
ნაბიჯი 3. დააწკაპუნეთ ღილაკზე "Crop", ჩამოტვირთვა მყისიერად დაიწყება.

მუსიკის ჭრის ონლაინ პროგრამის მახასიათებლები

მუსიკის საჭრელი მხარს უჭერს აუდიო ფორმატების უმეტესობას: mp3, wav, wma, flac, ogg, aac, ac3, ra, gsm, al, ul, voc, vox, რაც საშუალებას გაძლევთ გამოიყენოთ ონლაინ სერვისიროგორც აუდიო ფაილების გადამყვანი mp3-ზე: wav to mp3, wma to mp3, ogg to mp3, flac to mp3 და ა.შ.
არჩეული სეგმენტის დასაწყისში და ბოლოს ხმის გამაძლიერებელი / შესუსტების ფუნქციის არსებობა. ამ პარამეტრის წყალობით, თქვენ თავად შეგიძლიათ შექმნათ ზარის მელოდია, რომელიც არ შეგაშინებთ მოულოდნელად დაწყებით ან მოულოდნელად დასასრულით.
გააორმაგეთ ჭრის მოცულობა. ფუნქცია საშუალებას გაძლევთ გაზარდოთ ჭრის მოცულობა, რაც ხშირად საჭიროა, განსაკუთრებით ზარის მელოდიის შექმნისას.
ჭრის ხანგრძლივობას არ აქვს შეზღუდვა. და სეგმენტი არჩეულია ზუსტად მილიწამებში. კლავიატურის გამოყენებით (მარცხენა / მარჯვენა ისრები), შეგიძლიათ ზუსტად დააყენოთ მუსიკალური სეგმენტის დასაწყისი და დასასრული.
ერთი აუდიო ფაილის მრავალჯერადი ამოჭრის შესაძლებლობა დამატებითი ჩამოტვირთვის გარეშე. იმათ. შესაძლებელია ერთი სიმღერიდან, მელოდიის, მუსიკალური კომპოზიციიდან რამდენიმე ზარის მელოდიის შექმნა.
ფაილის ზომა თითქმის შეუზღუდავია

ბიბლიოგრაფია:
1. ალტშულერი, გ.ს. კრეატიულობა, როგორც ზუსტი მეცნიერება: საგამომგონებლო პრობლემის გადაჭრის თეორია / გ.ს. ალტშულერი. - მ., 2008. - 84გვ.
2. გორბუნოვა ი.ბ. მუსიკისა და კომპიუტერული ტექნოლოგიების ფენომენი, როგორც ახალი საგანმანათლებლო შემოქმედებითი გარემო // Izvestiya RGPU im. ა.ი. ჰერცენი. 2004. No4 (9). გვ 123–138.
3. გრაფიკული რედაქტორი Paint. PowerPoint პრეზენტაციის რედაქტორი (+ CD) / ქვეშ. რედ. ჟიტკოვა ო.ა. და კუდრიავცევა ე.კ. - მ.: ინტელექტ-ცენტრი. 2003 - 80 გვ.
4. ერმოლაევა-ტომინა, ლ.ბ. ბავშვთა შემოქმედებითი შესაძლებლობების განვითარების პრობლემა / ლ.ბ. ერმოლაევა-ტომინა // ფსიქოლოგიის კითხვები. - 2009. - No5. - გვ.166-175.
5. კრასილნიკოვი ი.მ. ელექტრონული მუსიკალური შემოქმედება სამხატვრო განათლების სისტემაში / ი.მ. კრასილნიკოვი. - დუბნა, 2009. - 496გვ.
6. პლოტნიკოვი კ.იუ. მუსიკალურ-კომპიუტერული ტექნოლოგიების გამოყენებით ინფორმატიკის სწავლების მეთოდური სისტემა: მონოგრაფია. SPb., 2013. 268 გვ.
7. ტარასოვა კ.ვ. მუსიკალურობა და მისი შემადგენელი მუსიკალური შესაძლებლობები // მუსიკალური ხელმძღვანელი. - 2009. - No5.
8. ტეპლოვი ბ.მ. „ფსიქოლოგია მუსიკალური უნარი“- მ., 1978 წ.
9. ულიანიჩი, ვ.ს. ნოტები კომპიუტერული მუსიკაზე / V.S. ულიანიჩი // მუსიკალური ცხოვრება. - 2008. No15.
10. პრეზენტაციების შექმნა Power Point-ში - [ელექტრონული რესურსი]

როგორც ჩანს, არც ისე ბევრი წელია გასული იმ დროიდან, როდესაც პირველი კომპიუტერები, რომლებიც იკავებდნენ მთელ ოთახებს და ამავდროულად აბსოლუტურად არ იყო განკუთვნილი მუსიკის დასაწერად, გადაიქცნენ პატარა პერსონალურ კომპიუტერებად, რომლებიც აერთიანებდნენ მუშაობის შესაძლებლობებს არა მხოლოდ გამოთვლებით. , არამედ გრაფიკით, ვიდეოთი, ხმით და სხვა. საქმიანობის ყველა სფეროში ზრდის კონტექსტში, აბსოლუტურად ლოგიკური ჩანს კომპიუტერის სასწავლო პროცესში შეყვანა, არა მხოლოდ როგორც ასეთი, არამედ როგორც სწავლის დამხმარე საშუალება.

მოკლედ გადავიდეთ უსულო მანქანების ხელოვნებასთან შერწყმის პირველი მცდელობების ისტორიაში.

დიდი ხნის წინ, პითაგორას დროიდან და შესაძლოა უფრო ადრეც, მათემატიკოსებმა ყურადღება მიაქციეს მუსიკის ორგანიზაციის ფორმალურ მხარეს - დროისა და სიხშირის მასშტაბებს. თუმცა, მექანიზმები, რომლებიც უკრავს მუსიკას პროგრამის მიხედვით, გაჩნდა კალკულატორის მექანიზმებზე ადრე, ამიტომ ჩვენ გავბედავდით, მუსიკოსებს პირველივე პროგრამისტები დავარქვათ. თუმცა, უძველესი კულტურების წერილობით მემკვიდრეობაში, შესაძლოა, მუსიკალური ნოტაციაროგორც დროებითი პროცესის აღწერა, რომელიც ყველაზე ახლოს არის პროგრამების ტექსტებთან. არსებობს ბლოკები, პირობები, მარყუჟები და ეტიკეტები ორივე ფორმით, მაგრამ ყველა პროგრამისტმა და მუსიკოსმა არ იცის ეს პარალელები. მაგრამ თუ მათ გახსოვთ, აღარ გაგიკვირდებათ, რომ პირველი კომპიუტერების შექმნით, ინჟინრებმა აიძულეს ისინი მელოდიების დაკვრა. მართალია, მუსიკოსები ვერ მიაწერდნენ მანქანურ მუსიკას რეალურ მუსიკას, ალბათ იმიტომ, რომ მასში არაფერი იყო გარდა "მკვდარი" ბგერების ან გეგმის. და თავად მანქანის ხმა, რომელიც პირველ ნაბიჯებზე იყო უბრალო მეანდრი, უკიდურესად შორს იყო აკუსტიკური ინსტრუმენტების ხმისგან. თუმცა, მრავალრიცხოვანმა ექსპერიმენტებმა ელექტრონულ მანქანებთან, რომლებსაც შეუძლიათ ხმის გამომუშავება, განაპირობა მუსიკის წერის სხვადასხვა ხერხების გაჩენა და, შესაბამისად, სხვადასხვა სტილისა და მიმართულების გაჩენა. ახალი ჟღერადობა, უჩვეულო და ყურისთვის მიუჩვეველი, მუსიკაში ინოვაციად იქცა. ბევრი ცნობილი თანამედროვე კომპოზიტორი, მაგალითად, K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, მიუხედავად ტექნოლოგიასთან მუშაობის სირთულისა, ქმნიდა ნაწარმოებებს ახალი ელექტრონული ინსტრუმენტების გამოყენებით ან მხოლოდ მათზე.

მუსიკალური კომპიუტერული ტექნოლოგიების განვითარების შემდეგი ეტაპი იყო ხმის სინთეზის მეთოდების კვლევა და განვითარება.

ინჟინრები მიმართეს აკუსტიკური ინსტრუმენტების სპექტრის ანალიზს და ელექტრონული ტემბრების სინთეზის ალგორითმებს. თავდაპირველად ხმის ვიბრაციების გამოთვლას ასრულებდა ცენტრალური პროცესორი, მაგრამ, როგორც წესი, არა რეალურ დროში. ამიტომ პირველ კომპიუტერებზე მუსიკალური ნაწარმოების შექმნა ძალიან დამღლელი პროცესი იყო. საჭირო იყო ნოტების დაშიფვრა და ტემბრების მინიჭება, შემდეგ პროგრამის გაშვება ხმის ტალღის გამოსათვლელად და შედეგის მოსასმენად რამდენიმე საათის ლოდინი. თუ მუსიკოსმა, უფრო სწორად, პროგრამისტმა-ოპერატორმა, რაიმე ცვლილება შეიტანა პარტიტურ პროგრამაში, მას კვლავ მოუწია მოსმენამდე რამდენიმე საათის ლოდინი. ნათელია, რომ ასეთი მუსიკალური პრაქტიკა არ შეიძლება იყოს მასობრივი, მაგრამ მუსიკის ფენომენის მკვლევარებს სურდათ უფრო შორს წასულიყვნენ ვიდრე უბრალოდ აპარატის ელექტრონული მუსიკალური ყუთის გამოყენება. ამრიგად, წარმოიშვა კომპიუტერების მუსიკალური გამოყენების კიდევ ერთი - სრულიად ბუნებრივი - მიმართულება: თავად მუსიკალური ტექსტის თაობა, გენერაცია.

უკვე 50-იან წლებში, პირველივე კომპიუტერების გამოყენებით, მეცნიერებმა სცადეს მუსიკის სინთეზირება: მელოდიის შედგენა ან ხელოვნური ტემბრებით აწყობა. ასე გაჩნდა ალგორითმული მუსიკა, რომლის პრინციპი ჯერ კიდევ 1206 წელს შემოგვთავაზა გვიდო მარზანომ, მოგვიანებით კი ვ.მოცარტმა გამოიყენა მინუეტების კომპოზიციის ავტომატიზაციისთვის - მუსიკის წერა შემთხვევითი რიცხვების დაკარგვის მიხედვით.

ალგორითმული კომპოზიციები შექმნეს P. Boulez-მა, J. Xenakis-მა, K. Shannon-მა და სხვებმა, ცნობილი "ილიაკ სუიტის" (1957) ავტორი, პირველ რიგში, კომპიუტერი იყო, თანაავტორები კი კომპოზიტორი ლეიარენ ჰილერი. და პროგრამისტი ლეონარდ აიზექსონი. სამი ნაწილი ახლოს არის მკაცრ მუსიკასთან, მეოთხეში კი გამოყენებულია მათემატიკური ფორმულები, რომლებსაც საერთო არაფერი აქვთ მუსიკალურ სტილებთან. P. Boulez და J. Xenakis შექმნეს სპეციალური პროგრამები თავიანთი ნამუშევრებისთვის, თითოეული კონკრეტული კომპოზიციისთვის. ჯ. ქსენაკისის პირველი ნამუშევარი, რომელიც ასახავს მუსიკალური კომპოზიციის სტოქასტური (ან ალგორითმული) მეთოდის დემონსტრირებას, იყო "მეტასტაზები" (1954) - ნამუშევარი, რომელშიც ჯ. ფილიპსის პავილიონის ფორმა მსოფლიო გამოფენაზე 1958 წელს.

მუსიკალური კომპიუტერული ტექნოლოგიების განვითარების ისტორია დიდწილად დაკავშირებულია რუს მეცნიერებთან და მკვლევარებთან. ლ.ტერმინმა, ე. მურზინმა, ა. ვოლოდინმა შექმნეს ხმის სინთეზის უნიკალური საშუალებები არა "შემდეგ", არამედ "წინ" დასავლელი კოლეგების წინაშე. ა.ტანგიანი მუშაობდა აღიარებისა და ავტონოტაციის პრობლემებზე. რ. ზარიპოვმა, რომელმაც „შეადგინა“ მუსიკალური ნაწარმოებები ურალის მანქანაზე, თავისი კვლევა მიუძღვნა მუსიკალური ტექსტების ანალიზს და გენერირებას, ალგორითმული კომპოზიციების შექმნას. ასეთი ალგორითმების საფუძველი იყო სხვადასხვა ელემენტების დეტალური პროცესი მუსიკალური ტექსტურა(ფორმა, რიტმი, სიმაღლე და ა.შ.). ზარიპოვმა გამოიტანა მთელი რიგი მათემატიკური წესები ასეთი მელოდიების შედგენისთვის. „ურალის ჰანგები“, როგორც მან უწოდა ამ მელოდიებს, მონოფონიური იყო და იყო ან ვალსი ან მარში.

უფრო მეტიც, ეს მხოლოდ იმ მკვლევარების სახელებია, რომელთა ნამუშევარი აღიარებულია რუსეთის ფარგლებს გარეთ. თუმცა, იყო ბევრი სხვა, ადგილობრივი განვითარება. არა ერთადერთი, არამედ ერთ-ერთი გამორჩეული არის პირველი შიდა ხმის ბარათი და MIDI ინტერფეისი Agat-7 PC-სთვის (Apple II-ის ანალოგი) საკუთარი მუსიკალური პროგრამული უზრუნველყოფით. ეს ყველაფერი 80-იანი წლების შუა ხანებში იყო. XX საუკუნე, როდესაც IBM-XT ჯერ კიდევ შორს იყო ყველა ტექნიკური უნივერსიტეტისგან და საშუალო მომხმარებელს წარმოდგენა არ ჰქონდა Sound Blaster-ის სავაჭრო ნიშნების შესახებ (Creative Labs, http://www.creat.com) და ვოიტრა (ვოიტრა ტექნოლოგიები, http://www.voyetra.com).

როგორც სხვა სფეროებში (მაგალითად, გრაფიკასა და ანიმაციაში), მუსიკალურ კომპიუტერულ ტექნოლოგიაში ორი ფუნდამენტურად განსხვავებული მიდგომა შემუშავდა. პირველი დაკავშირებულია ხმის, ნაწილის, ნაწარმოების პარამეტრული მოდელის კონტროლთან, მეორე - რეალური ობიექტის ანალოგის მუშაობასთან. ორივე მიდგომას აქვს როგორც დადებითი, ასევე უარყოფითი მხარეები და მუდმივად ვითარდება. სანამ ზოგიერთი ინჟინერი ცდილობდა მიაღწიოს მაქსიმალურ დამაჯერებლობას აკუსტიკური ტემბრების სინთეზში, სხვები ავითარებდნენ მეთოდებს რეალურ ხმაზე მუშაობისთვის. თუ პირველმა გადაჭრა სინთეზის პარამეტრების ოპტიმიზაციისა და შესრულების კონტროლის პრობლემები, მაშინ ეს უკანასკნელი მუშაობდა მონაცემთა შეკუმშვასა და დეკომპრესიაზე, ანუ ხმის ტალღების პრობლემებზე. მაგრამ ობიექტების პარამეტრული მოდელები ყოველთვის უფრო მიმზიდველია ინჟინრისთვის, ისინი ბევრად უფრო შესაფერისია ოპერაციისა და ტრანსფორმაციისთვის. მთელი საკითხია, რამდენად ზუსტად აღწერს მოდელები რეალურ ობიექტს, თუ მიზანია დამაჯერებლობის მიღწევა. აღქმის ფსიქოლოგიის სფეროში ჩატარებული კვლევებიდან ცნობილია, რომ სანდოობის ზღურბლები და გამოსახულების აღდგენის მექანიზმები განსაკუთრებულ როლს თამაშობს ნიმუშის ამოცნობის პროცესში. არაპროფესიონალი ვეღარ განასხვავებს ფორტეპიანოს სინთეზირებულ ტემბრს რეალურისგან, ზუსტად იმიტომ, რომ მას არ აქვს სანდოობის მაღალი ბარიერი. და სავსებით შესაძლებელია, რომ მუსიკალური კომპიუტერული ტექნოლოგიების მომავალი პარამეტრულ მოდელირებაშია.

უამრავი პროგრამა/გარემო, რომელიც დღეს არსებობს, დაფუძნებულია სამ ძირითად მეთოდზე: სტოქასტური, ზოგიერთი ფიქსირებული ალგორითმი და ხელოვნური ინტელექტის მქონე სისტემები.

სტოქასტური მეთოდი ეფუძნება ბგერების ან მუსიკალური პასაჟების თვითნებური სერიების წარმოქმნას და შეიძლება წარმოდგენილი იყოს როგორც კომპიუტერით, ასევე მის გარეშე, როგორც, მაგალითად, შტოკჰაუზენის ნაშრომში.

თავად ალგორითმული მეთოდი არის გარკვეული ალგორითმების ერთობლიობა, რომელიც ახორციელებს კომპოზიტორის განზრახვას. ალგორითმი შეიძლება წარმოდგენილი იყოს როგორც კომპოზიციური ტექნიკა ან როგორც ხმის გამომუშავების მოდელი. ასევე შესაძლებელია ამ ორი ფუნქციის გაერთიანება. ხმის პროგრამირების უნიკალური სისტემაა CSound პროგრამა, რომელიც ელექტროაკუსტიკური მუსიკოსების მთავარი ინსტრუმენტია. პროგრამა იყენებს თითქმის ნებისმიერი ტიპის სინთეზს, მათ შორის FM, AM, სუბტრაქტიული და დანამატი, ფიზიკური მოდელირება, რესინთეზი, გრანულარული, ისევე როგორც ნებისმიერი სხვა ციფრული მეთოდი. მრავალი სხვა სისტემა შეიქმნა CSound-ის საფუძველზე (AC Toolbox, CYBIL, Silence და ა.შ.). მუსიკოსისთვის ასეთ გარემოში კომპოზიციების შექმნა გარკვეულწილად რთულია, რადგან ის პროგრამირების უნარ-ჩვევებს და ცოდნას მოითხოვს (თუმცა დეველოპერები სხვას ამტკიცებენ). კომპოზიტორი წერს ბრძანებებს ორ ტექსტურ ფაილზე, რომელთაგან ერთი პასუხისმგებელია თავად ტემბრის/ინსტრუმენტის აღწერაზე, მეორე უნდა შეიცავდეს რეალურ ქულას. პროგრამაში არის უთვალავი ოპერატორი, ის სამშენებლო ბლოკები, რომლებიც ქმნიან ჩვენს მიერ დაპროგრამებულ ხმის სივრცეს.

არანაკლებ პოპულარული გარემო ვირტუალური ინსტრუმენტების დაპროგრამებისა და ინტერაქტიული შესრულების ალგორითმების შესაქმნელად არის MAX / MSP პროგრამა, რომელიც შემუშავებულია პარიზის ელექტრონული მუსიკის ინსტიტუტის (IRCAM) მიერ. ის დანერგილია როგორც პროგრამული აპლიკაცია ობიექტზე ორიენტირებული მომხმარებლის ინტერფეისით. ასეთი გარემოს შესაძლებლობები მოიცავს, უპირველეს ყოვლისა, ინტერაქტიული მუსიკის შექმნას (სპექტაკლის დროს წინასწარ დაწერილი პროგრამული მოდული ურთიერთქმედებს მუსიკასთან, რომელიც უკრავს MIDI ინტერფეისის საშუალებით). ასეთ გარემოში მუშაობა სასიამოვნოა, რადგან მოქმედების სრულ თავისუფლებას ანიჭებს როგორც კომპოზიტორს, ასევე შემსრულებელს. ეს პროგრამა ფართოდ გამოიყენება ლაივ კონცერტების დროს - სხვადასხვა კონცერტზე ერთი და იმავე ნაწარმოების ხმა განსხვავებული იქნება, მხოლოდ კომპიუტერისა და შემსრულებლის ურთიერთქმედების ალგორითმი რჩება უცვლელი. პროგრამას ბევრი იყენებს მთავარი კომპოზიტორებიროგორიცაა რიჩარდ ბულანჯერი და დორ ფეილერი.

და ბოლოს, შესაძლებელია გამოვიყენოთ სისტემები, რომლებიც იყენებენ ხელოვნურ ინტელექტს. ესეც წესებზე დაფუძნებული სისტემებია, მაგრამ მათი მთავარი მახასიათებელია სწავლის უნარი. მიზანია შექმნათ კომპოზიციები, რომლებსაც აქვთ გრძნობა, დახვეწილობა და ინტელექტუალური მიმზიდველობა. შედეგად შექმნილი ალგორითმი შეიძლება იყოს ავტონომიური, მაგრამ ხელოვნურად შექმნილი მუსიკალური სისტემა, ან კომპოზიტორის შემოქმედების ანალიზზე დაფუძნებული. ამა თუ იმ კომპოზიციის გაანალიზებისას გამოდის კომპოზიციური წესების გარკვეული ნაკრები, თემატური განვითარების ინსტრუქციები, ტემბრი, ტექსტურა. და აქ ჩნდება პარადოქსული შემთხვევა, ერთი მხრივ, გვაქვს მანქანა, რომელსაც შეუძლია აწარმოოს პროდუქტი, რომელიც მეტ-ნაკლებად მიახლოებულია ადამიანის სტანდარტთან, მაგრამ, მეორე მხრივ, კომპოზიტორის ტექნიკის შტამპს ატარებს. იგივე შეიძლება ითქვას კომპოზიტორებზე, რომლებმაც შექმნეს საკუთარი ალგორითმული პროგრამები. ასეთ კომპოზიციებში მკაფიოდ არის გამიჯნული კომპოზიტორის ფუნქციები და პროგრამის რეალური „კომპოზიციური პროცესი“.

დღეს მანქანას ჯერ არ ძალუძს ადამიანის ინტელექტის გადალახვა და მისი პროდუქტი ხელოვნებად გადაქცევა. ამა თუ იმ სისტემას არ შეუძლია დამოუკიდებლად წარმოქმნას აზრები, გრძნობები. სრულყოფილების ნებისმიერი ხარისხით, ის არასოდეს გახდება არა მხოლოდ "ბრწყინვალე", არამედ "ნიჭიერი" კომპოზიტორი. იდეალური მანქანაც კი ვერ შეძლებს შეიძინოს ის მიუწვდომელი რამ, რომელიც ყოველთვის განასხვავებს ცოცხალ და უსულო ბუნებას (თუმცა სრულყოფილების იდეალურ ხარისხამდე მიყვანილი). თუმცა, ეს კარგი დამხმარე გახდა ოსტატის, კომპოზიტორის ხელში, გადაარჩინა იგი ტექნოლოგიურ გამოთვლებსა და კონსტრუქციებზე დიდი დროის დაკარგვისგან, რაც უფრო და უფრო რთულდება, როგორც მუსიკის გამომხატველი საშუალებების სფერო ფართოვდება.

ამრიგად, დღეს მუსიკოსებისთვის კომპიუტერი ხსნის ფართო შესაძლებლობებს შემოქმედებითი ძიებისთვის. ისეთ სპეციფიკურ საქმიანობაში, როგორიცაა მუსიკის ხელოვნება, კომპიუტერი არა მხოლოდ შესანიშნავი ასისტენტია, არამედ, ზოგიერთ შემთხვევაში, მრჩეველი და მასწავლებელი. შესაძლებელია მუსიკალური კომპიუტერის მხოლოდ ზოგიერთი შესაძლებლობების ჩამოთვლა: პარტიტურების ჩაწერა, რედაქტირება და ბეჭდვა; ქულების ჩაწერა, რედაქტირება და შემდგომი შესრულება კომპიუტერული ხმის ბარათების ან MIDI ინტერფეისით დაკავშირებული გარე სინთეზატორების გამოყენებით; ბგერების, განსხვავებული ხასიათის ხმების დიგიტალიზაცია და მათი შემდგომი დამუშავება და ტრანსფორმაცია სეკვენსერი პროგრამების გამოყენებით; დასრულებული მელოდიის ჰარმონიზაცია და არანჟირება შერჩეული მუსიკალური სტილის გამოყენებით და მათი რედაქტირების შესაძლებლობა საკუთარი (სტილების) გამოგონებამდე; მელოდიების შედგენა შემთხვევითი პრინციპით მუსიკალური ბგერების თანმიმდევრული შერჩევით; ელექტრონული ინსტრუმენტების ხმის კონტროლი სპექტაკლის დაწყებამდე გარკვეული პარამეტრების შეყვანით; აკუსტიკური ინსტრუმენტების ნაწილების და ხმის აკომპანიმენტის ციფრულ ფორმატში ჩაწერა მათი შემდგომი შენახვით და დამუშავებით ხმის რედაქტორ პროგრამებში; ახალი ბგერების პროგრამული სინთეზი მათემატიკური ალგორითმების გამოყენებით; აუდიო დისკების ჩაწერა.

კომპიუტერის მთელი ეს მრავალფეროვანი შესაძლებლობები შესაძლებელს ხდის მის გამოყენებას როგორც მუსიკალური განათლების სფეროში, ასევე კომპოზიტორების, ხმის ინჟინრებისა და არანჟირების პროფესიონალური შემოქმედების სფეროში.

მე გადავწყვიტე გამომექვეყნებინა ანდრეი სმირნოვის მიერ კონსერვატორიის ტერემინის ცენტრში წაკითხული ლექციების კურსის აბსტრაქტი ზოგადი თემით „მუსიკა და ტექნოლოგია“. მეოცე საუკუნე განიხილება როგორც ხელოვნების ისტორიის, ასევე ტექნიკური პროგრესის თვალსაზრისით. ყველა კლასი დაყოფილია ერთი და იგივე პრინციპით - ესთეტიკური ცნებები და ფიზიკური და ტექნიკური ძირითადი ინფორმაცია. გარდა ამისა, რა თქმა უნდა, მუსიკალური მაგალითები და ელექტრონული ინსტრუმენტების დამუშავების პრაქტიკა და მასთან დაკავშირებული პროგრამული უზრუნველყოფა. პროგრამა ძალიან ვრცელია და განკუთვნილია ერთწლიანი ყოველკვირეული გაკვეთილებისთვის. მე წარმოვადგინე მხოლოდ ძირითადი პუნქტები ძალიან ლაკონური, თითქმის თეზისის სახით, რადგან თითოეული თემა შეიცავს უზარმაზარ მასალას, რომლის სისტემატიზაციაც არ შემიძლია. იმედი მაქვს, რომ მისი მნიშვნელოვანი ნაწილი მალე გამოჩნდება Theremin Center სერვერზე. ამასობაში მე ვთავაზობ გაეცნო იმას, რაც მე ყველაზე მეტად მახსოვს.

ფსიქოაკუსტიკა

მე მაშინვე გავაკეთებ დათქმას - ამ თემას არაფერი აქვს საერთო ულტრა / ინფრაბგერით ექსპერიმენტებთან, ქვეცნობიერზე ზეწოლასთან და სხვა ექსტრემალურ ექსპერიმენტებთან - ეს მხოლოდ სმენის აპარატის ფიზიკურ სტრუქტურას და ადამიანთან მისი ურთიერთქმედების პრინციპებს ეხება. უმაღლესი ნერვული სისტემა. მე არ გავაკეთებ ყველაზე დეტალურადყურადღება მიაქციეთ ყურის სამივე მონაკვეთის სტრუქტურას, თუმცა ეს ძალიან საინტერესოა. განსაკუთრებით პროცესები კოხლეაში - გამოდის, რომ მის შიგნით მდებარე გარსის ზედაპირზე ხმა დგას ტალღის სახით, რის გამოც ჩნდება სმენის ინერცია. დაიმახსოვრეთ – თუ მუსიკას ხმამაღლა უსმენთ, როგორც ჩანს, დროთა განმავლობაში ხმა იკლებს. თუ ხმამაღალ მუსიკას გამორთავთ, შეაჩერებთ და შემდეგ ისევ ჩართავთ, ის პირველ წამებში უფრო მეტად მოხვდება თქვენს ყურებში, ვიდრე გამორთვამდე. გამოდის, რომ გარე ყურის არხი არის რეზონატორი, რომელიც მორგებულია კონკრეტულ სიხშირეზე - სადღაც 2,5-3,5 kHz რეგიონში. ამიტომ, საშუალო სიხშირეზე არის ხმები, რომლებიც ქავილს - შედის რეზონანსში. კიდევ ერთი რეზონანსული სიხშირე არის 10 kHz. ყურის მგრძნობელობას აქვს სიხშირე, რა თქმა უნდა, ლოგარითმული მახასიათებელი. ხმამაღალიც. მათ აიღეს მახასიათებლები და შეარჩიეს 1000 18 წლის ბიჭიდან სამი საუკეთესო ჭორებით. ამიტომ, იმისათვის, რომ ხმის კონტროლი გამაძლიერებელში გლუვი იყოს, თქვენ უნდა შეცვალოთ იგი ექსპონენციალურად. ეს არ ვიცოდი! მარტივი სინუსური ტალღის გენერატორით, როგორიც არის SoundForge-ში, შეგიძლიათ შეამოწმოთ თქვენი სმენა. ამოცანა ასეთია: დაადგინოთ სიგნალის რამდენ პერიოდს შეუძლია სმენა ამოიცნოს სიმაღლე? თეორეტიკოსები ამბობენ, რომ სადღაც 5-7 პერიოდში. მაგრამ გამოდის, რომ ზოგიერთისთვის 3 პერიოდი საკმარისია. მე 5 პერიოდიდან "გამოვიცანი მელოდია". სხვათა შორის, ყველა კვლევამ დაადასტურა - ფიზიოლოგიური თვალსაზრისით, ყველა ადამიანს აქვს სმენის აპარატის თანაბარი შესაძლებლობები. რომელ მათგანს აქვს მუსიკის საუკეთესო ყური, წყდება ტვინის ანალიტიკური შესაძლებლობების დონეზე.

სივრცითი ხმა

ხმის წყაროების ლოკალიზაცია ადამიანის სმენის ძალიან საინტერესო თვისებაა, რომელიც ადამიანს სივრცეში ორიენტაციის თვალსაზრისით ბევრად მეტს აძლევს, ვიდრე, ვთქვათ, მხედველობას. ამაში უზარმაზარ როლს თამაშობს ყურის სტრუქტურა - მიუხედავად იმისა, რომ ის განსხვავებულია ყველა ადამიანისთვის, სწორედ ის უზრუნველყოფს საკმაოდ მაღალ სიზუსტეს წყაროების ადგილმდებარეობის განსაზღვრაში. ჰორიზონტალურ სიბრტყეში ჩვენ ყველაზე კარგად შეგვიძლია წყაროს გამოსწორება - შეცდომა მხოლოდ 2 გრადუსია წინ, 7-8 უკანა. ხოლო გვერდებზე არის ეგრეთ წოდებული გაურკვევლობის კონუსი (სფერული სექტორი მყარი კუთხით 30 გრადუსი), რომელშიც შეცდომა იზრდება 10-12 გრადუსამდე. ვერტიკალურ სიბრტყეში, შეცდომა საშუალოდ უფრო მაღალია - 15-17 გრადუსი. რა თქმა უნდა, ეს მახასიათებლები მიუთითებს იმაზე, რომ სმენა მუშაობს სხვა გრძნობებთან მჭიდრო ურთიერთქმედებაში და ასევე ექვემდებარება სტერეოტიპებს (მაგალითად, ცრუ კავშირი ბგერის სიმაღლესა და მისი წყაროს მდებარეობას შორის). ასევე საინტერესოა ლოკალიზაციის დამოკიდებულება ხმის სიხშირეზე. თავის წრფივი ზომების (საშუალოდ 20-ზე 25 სმ) და ხმის სიჩქარის (340 მ/წმ) ცოდნით, შეგვიძლია გამოვთვალოთ, რომ 2,5 კჰც სიხშირეზე ხმა ერთ ყურს მიაღწევს მეორეზე გვიან. . ხოლო 1.2 კჰც სიხშირით, შეფერხება იქნება ნახევარი პერიოდი. შესაბამისად, 1,2 კჰც-ზე ნაკლები სიხშირის ყველა ბგერა ლოკალიზდება ფაზის ცვლის შედეგად ნახევარ ციკლში. 1.2-დან 2.5 kHz-მდე სიხშირეებზე ფაზური ცვლა არ მუშაობს, რადგან ტვინს არ ესმის - წინ არიან ამ პერიოდის ფაზაზე, თუ წინა. მაგრამ მეორეს მხრივ, მათთვის (როგორც სხვა მაღალი სიხშირეებისთვის), სიხშირის ლოკალიზაცია მოქმედებს - მათთვის თავი არის დაბრკოლება (ე.წ. აკუსტიკური ჩრდილი), ანუ ხდება დიფრაქციული ფენომენი, რის შედეგადაც ჩვენ გვესმის როგორც პირდაპირი, ასევე არეკლილი ტალღა და მათი ინტენსივობის შედარებისას ვადგენთ წყაროს მდებარეობას. ხოლო დაბალი სიხშირეები, რომელთა ტალღის სიგრძე ყურებს შორის მანძილს მეტია (ანუ 150 ჰც-ზე ნაკლები), საერთოდ არ არის ლოკალიზებული (აქედან გამომდინარე, დაბალი სიხშირის ემიტერი, ე.წ. საბვუფერი, მხოლოდ ერთია და არის. მდებარეობს სადმე). ცნობილი Dolby Surround სისტემა აგებულია ამ შაბლონების გათვალისწინებით - ორი რადიატორი წინ, მაღალი სიხშირის უკანა, პლუს საბვუფერი. ზოგიერთ კინოთეატრში გამოიყენება შედარებით ახალი I-Max სისტემა, რომლის დროსაც ყურებიდან გარკვეულ ფიქსირებულ მანძილზე მაყურებელს თავზე ედება რგოლი მასზე დამაგრებული დინამიკებით, რაც არ აძლევს მას ხმის შეცვლის შესაძლებლობას. პანორამა თავის მობრუნებით, სანამ ფილმი ნაჩვენებია ულტრაფართო (თითქმის ნახევარწრიულ) ეკრანზე. Theremin Center-ს აქვს მაკი ოქტოფონიური ხმის ბარათით და 8-არხიანი DAT, მაგრამ დინამიკები ჯერ არ არის აწყობილი, ამიტომ ოქტო- და კვადრაფონიური მაგალითები უნდა მოუსმინოთ ნორმალურ პირობებში.

ანალოგური სინთეზი და სპექტრი

ანალოგური სინთეზატორების ისტორია თარიღდება ელექტრო მოწყობილობების გამოჩენით. თავიდან არსებობდა მექანიკური ინსტრუმენტები, კერძოდ, პიანოლა, რომელიც დიდი პოპულარობით სარგებლობდა ფუტურისტებთან (მექანიკური ფორტეპიანო, სეკვენსერის პროტოტიპი - მონაცემები ჩაწერილი იყო ფართო დარტყმულ ფირზე, რომელიც ასევე გვაჩვენეს) . ფუტურისტების დაუვიწყარი ნამუშევრები - რუსოლოს "სერენატა" და "საგუნდო", ისევე როგორც მისი "ინტონარუმორის" დიდი ნაკრები - ხმაურის მემბრანული ინსტრუმენტები ცალკე - ელექტრო-აკუსტიკური მუსიკის კლასიკაა. პირველი ოფიციალურად აღიარებული ელექტრონული ინსტრუმენტი, ლევ ტერმინის ტერემინი, გამორჩეულია, ერთადერთი, რომელიც აერთიანებს ელექტრონულ ხმას და ცოცხალი თამაში. ერთმანეთის მიყოლებით გამოჩნდა უცნაური ინსტრუმენტები კიდევ უფრო უცნაური სახელებით. მაგალითად, mel lotron (კლავიშიანი ინსტრუმენტი, რომლის თითოეული კლავიატურა შეესაბამებოდა მარყუჟიან ფილმს რაიმე ლამაზი ხმის ჩანაწერით - გუნდი ან ვიოლინოს ტუტი). გადაცემათა კოლოფით ძრავის არსებობამ შესაძლებელი გახადა ფირის ამძრავის სიჩქარის შეცვლა, რამაც მიაღწია ნიმუშის პრინციპის მსგავს ეფექტს (სხვათა შორის, ჩვენმა ხალხმა მსგავსი ტექნოლოგია შესთავაზა მაგნიტოფონის შეძენამდეც კი 1935 წელს - ფილმზე. როგორც ყოველთვის, ეს იყო იგნორირებული და ამიტომ პატენტი მიიღეს ამერიკელებმა). მეტყველების სინთეზატორების, ვოდერისა და ვოკოდერის მიმართ ინტერესი ერთსა და იმავე დროს თარიღდება.პირველი ვოკოდერის მოდელი, რომელიც ბოუდმა ააწყო 1935 წელს, შედგებოდა კლავიატურისგან, რომლითაც ხმოვნები ამოიღებებოდა მარცხენა ხელით (დაბალი სიხშირის სპექტრი) და თანხმოვნების ჩურჩულით. (მაღალი სიხშირე) მარჯვენა ხელით. გახმოვანებული თანხმოვნების არტიკულაციისთვის ტიპი v, w, hიყო პედალი, რომელიც აკონტროლებდა ტონისა და ხმაურის გენერატორის „მიქსერს“. ხმოვანი თანხმოვნები ტიპი p, k, tგამოხატული იყო პაუზებით, რომლებიც აკონტროლებდნენ საჩვენებელ თითზე ბეჭდით. გამოდის, რომ ადამიანის მეტყველება (არა ხმა!) ძალიან ადვილად ექვემდებარება სინთეზს. მაქს მეთიუზმა თავისი MUSIC II (1957) პროგრამის გამოყენებით ჩაწერა სიმღერა სინთეზირებული ვოკალით, რომელიც შემდეგ MGM-მა იყიდა რომელიმე ფილმისთვის, სადაც მას რობოტი მღეროდა. ასევე, კომპიუტერული სინთეზის სრულიად ელემენტარული, სახელმძღვანელო მაგალითია ჩიტების გალობის ხმა. ტრუტონიუმი არის პირველი პოლიფონიური ინსტრუმენტი, რომელიც გამოიგონეს აშშ-ში 1928 წელს. კლავიატურის გარდა ტრუტონიუმს კისერიც ჰქონდა, რამაც შესაძლებელი გახადა გლისანდოს დამზადება დიდ დიაპაზონში. ასევე იყო ბევრი ტემბრი, რომელიც ტრანზისტორის მოსვლასთან ერთად 1937 წელს, შემდგომი მოდელები (ეს უკანასკნელი 70-იანი წლებით თარიღდება) უკვე შეიქმნა ანალოგური სინთეზის გამოყენებით. სხვათა შორის, რობერტ მუგი საერთოდ არ იყო ანალოგური სინთეზატორის გამომგონებელი, როგორც ზოგიერთი შეცდომით თვლის - ის იყო დონალდ ბაკლა. Moog უბრალოდ პირველი იყო, ვინც მათ კომერციალიზაცია მოახდინა და შესთავაზა როკ/პოპ ინსტრუმენტებად.

ანალოგური სინთეზი, როგორც მოგეხსენებათ, იყოფა ორ დიდ ზონად. ანალოგური სინთეზის პირველი ტიპი არის დანამატი, ანუ შედგება უმარტივესი სინუსოიდების, ან სპექტრულ დიაპაზონში ჰარმონიის თანმიმდევრული სუპერპოზიციისგან, ერთმანეთის თავზე. ძალიან რთული, დამღლელი მეთოდი, რომელიც დიდი მოთმინების გარდა დიდ დროსა და რესურსსაც მოითხოვს. ჟან-კლოდ რისეს ნამუშევარი "Suite for a little boy" (სათაურის პირველ სიტყვას ვერ დავდებ, მაგრამ პატარა ბიჭი ნაგასაკზე ჩამოგდებული ატომური ბომბის სახელია) დაბალის გამო დაახლოებით ერთი წლის განმავლობაში იწერებოდა. კომპიუტერული გამოთვლების სიჩქარე, რომელიც გამოიყენებოდა დანამატის სინთეზით ხმის მოდელირებისთვის. ძალიან სახალისო სამ ცალი ნაჭერი, ცოტათი მოგაგონებთ Hafler Trio-ს რიტმული ჩანართებით a la Kraftwerk. სწორედ სპექტრებთან არის დაკავშირებული აკუსტიკური ფენომენების უმეტესობა, კერძოდ, ის ფაქტი, რომ როდესაც ემატება ორი სინუსოიდი სიხშირით, რომლებსაც აქვთ უმცირესი ჯერადი, წარმოიქმნება არარსებული ხმები, რომლებიც ისმის სივრცის წერტილებში, რომლებიც ერთმანეთისგან განცალკევებულნი არიან. მის შესაბამისი მნიშვნელობით. ასევე საინტერესოა ტონის უსასრულო ზრდის ეფექტი გლის სანდოს პერიოდული გამეორებით (მაგალითად, იყო ჯეიმს ტენის სრულიად არაადამიანური ნაწარმოები, პირველის გამოყენებით. კომპიუტერული პროგრამახმის სინთეზისთვის, რომელიც შექმნა მაქს მეთიუსმა 50-იანი წლების ბოლოს). სხვათა შორის, გამიკვირდა, როცა გავიგე, რომ პირველი სინთეზატორი არსებითად ორგანოა - ის იყენებს დანამატის სინთეზს სხვადასხვა ტემბრის ხმის წარმოქმნისთვის. სინთეზის მეორე მეთოდი არის სუბტრაქტიული. როგორც სახელი გულისხმობს, ის არსებითად ეწინააღმდეგება დანამატს და მდგომარეობს იმაში, რომ ყველაფერი ზედმეტი უბრალოდ ამოჭრილია (გაფილტრული) ფართოზოლოვანი თეთრი ხმაურისგან, რათა სასურველი სპექტრი დაუყოვნებლივ მიიღოთ. სხვათა შორის, მნიშვნელოვანი შენიშვნა - გამოდის, რომ ხმის ტემბრი საერთოდ არ არის განსაზღვრული ტალღის ფორმით, როგორც ადრე მეჩვენებოდა, არამედ სპექტრის ფორმით. მაშასადამე, სუბტრაქციულმა სინთეზმა მაშინვე მოიპოვა ლიდერობა ანალოგური სინთეზატორების პირველ მოდელებში და ინარჩუნებდა მას მანამ, სანამ ჯონ ჩოუნინგმა გამოიგონა სიხშირის მოდულაციის სინთეზი (FM სინთეზი), რომელიც დაფუძნებულია ხმოვანი სიგნალის სიხშირის შეცვლაზე ორი ან მეტი სიგნალის გენერატორის ერთდროული ხმის შედეგად. სხვადასხვა სიხშირეები განლაგებულია გარკვეული გზით.

ციფრული სინთეზი

ციფრული სინთეზის ეპოქის დასაწყისი ტრადიციულად 80-იანი წლების დასაწყისად ითვლება. Რის შესახებ იყო? სამი მიზეზი, რის გამოც ანალოგური ტექნოლოგია არასასიამოვნო იყო: პირველი, ხმამაღალი და არაკონსტრუქციული (Moog სინთეზატორი იყო კაბინეტის ზომის და ჰქონდა რამდენიმე ოსცილატორი და ფილტრი. თუ საჭირო იყო მიღებული ხმის შემდგომი დამუშავება, საჭირო იყო სხვა ყიდვა. ძვირადღირებული მოდული). მეორე არის დისკომფორტი მართვაში. თითოეული ხმა გამოსახული იყო, როგორც სოკეტებს შორის კავშირის უზარმაზარი სისტემა, რომლის აწყობას დიდი დრო და ნერვები დასჭირდა. და მესამე არის ელექტრული აღჭურვილობის არასტაბილურობა, ძირითადად ტემპერატურა. ამის გამო, ხმები გადაიქცა რაღაც ძალიან შორს ორიგინალისგან. დეველოპერების მიერ შემოთავაზებული გამოსავალი - მთელი სისტემის გათბობა 50-80 გრადუსამდე, რამაც გამოიწვია ნაწილების სწრაფი ცვეთა, მაგრამ ექსპლუატაციაში იქნა მიღებული, როგორც ერთადერთი შესაძლო. პირველი ციფრული სინთეზატორი შეიქმნა ორმა ამერიკელი ტექნიკოსები(პროგრამისტი და ინჟინერი - სახელები არ მახსოვს) და კომპოზიტორი ჯონ ეპლტონი. მას სინკლავიერი ერქვა და მიმოქცევაში 1981 წელს შევიდა. ჯონ ეპლტონი, სხვათა შორის, საკმაოდ იდუმალი ადამიანია. არავის მიუღია ის, როგორც სერიოზული ელექტრო-აკუსტიკური კომპოზიტორი, რადგან. მისი მუსიკა ყოველთვის ატონალური, ხმაურიანი და ამაღელვებელი, მელოდიური კომპოზიციის ზღვარზე იყო. მაგრამ ამან ხელი არ შეუშალა მას ყოფილიყო ბურჟის ყველაზე გავლენიანი ელექტრო-აკუსტიკური მუსიკის კონკურსის ჟიურის წევრი (როგორც ციფრული სინთეზის სისტემების დანერგვის პიონერი). მსგავსი შემთხვევა გვაქვს, რა თქმა უნდა - ედუარდ არტემიევი. მოკლე დროში Synclavier-ს შეეძინა კონკურენტი - Fairlight. ორივე ინსტრუმენტი არსებითად ციფრული სემპლერი იყო (Synclavier 100%, Fairlight 50%). ისევე, როგორც მუგის სახელი იყიდეს მისგან (მუგმა ვერ გამოაქვეყნა თავისი განვითარება მის ქვეშ), ჰოლივუდმა იყიდა Synclavier და მისი მწარმოებელი კომპანია (ამერიკულ ფილმების ყველა საუნდტრეკი ორკესტრით ტიტრებში რეალურად იყო შექმნილი Synclavier-ზე. ). მათი მცირე ზომისა და მოსახერხებელი მუშაობის გამო, მათ დიდი წარმატება მიაღწიეს და დღემდე აგრძელებენ წარმოებას (რა თქმა უნდა, უკვე უფრო რელიქვიას ჰგავს). კომპიუტერის სინთეზში, Macintosh-ს ყოველთვის ლიდერობდა, რომელიც სპეციალურად იყო შექმნილი ხმისა და გრაფიკასთან მუშაობისთვის, PC-სგან განსხვავებით. მოგვიანებით მისი გაფართოება დაპატენტდა - STEP სისტემა, რომელიც 1993 წელს პროექტის გაკოტრების მიუხედავად, კვლავ გამოიყენება IRCAM და CCRMA კომპიუტერულ ცენტრებში. Atari 1040 მცირე კონკურენციას სთავაზობდა Mac-ებს ფასში, მაგრამ ამ სისტემის პროგრამული უზრუნველყოფის ბაზარი თითქმის ნულის ტოლი იყო. იგივე იყო Amiga-ზე, თუმცა Amiga ჯერ კიდევ დამუშავების პროცესშია და არიან ამ კომპიუტერის თაყვანისმცემლები. სინკლავიერ მუსიკაში პირველი გამოცდილების ილუსტრაციად, ჩვენ მოვუსმინეთ Appleton-ის რამდენიმე სიმღერას (მე ძალიან მომეწონა "Brush Cany on", თუმცა გულწრფელად სენტიმენტალურმა განწყობამ გაართულა ხმის ტემბრზე ფოკუსირება). და რამდენიმე რამ - ცოცხალი ინსტრუმენტების დუეტები და მათი სინკლავის ასლები. ყველა ცდილობდა ყურით დაედგინა, რამდენი ინსტრუმენტი უკრავდა ერთდროულად.

ალგორითმული მუსიკა

ალგორითმული მუსიკის შესახებ საუბრის დაწყებისას, უნდა აღინიშნოს, რომ ეს იდეა ისეთივე ძველია, როგორც მსოფლიო - უკვე 1206 წელს, გვიდო მარზანომ შესთავაზა შეეწინააღმდეგა თითოეულ ხმოვანს გარკვეული სიმაღლე და ამით შექმნა მუსიკა. მოცარტს ჰქონდა იდეა გამოეყენებინა კამათელი მინუეტების წერის ავტომატიზირება: ძვლების თითოეული კომბინაცია შეესაბამებოდა რიცხვს ტიპიური მინუეტის ზომების სიაში, რომელიც კომპოზიტორმა დაითვალა დაახლოებით 10 ათასი! მინუეტი 50 ბარი სიგრძით - 50 კამათელი. მოგვიანებით შემოგვთავაზეს იგივე გაეკეთებინათ ვალსებით. ალგორითმულ მუსიკასთან გამკლავების პირველი სერიოზული მცდელობები, რა თქმა უნდა, თარიღდება კომპიუტერების გაჩენის დროიდან, რომელთა ძალაც საკმარისი იყო უმარტივესი ალგორითმების დასამუშავებლად. ილინოისის უნივერსიტეტში ასეთი კომპიუტერი გამოჩნდა 1953 წელს, მას ჰქონდა წარმოუდგენლად დიდი მეხსიერება და - 1 კილობაიტი (მეხსიერების კაბინეტები მთელ ოთახს იკავებდა). ამავდროულად, უნდა გვესმოდეს, რომ კომპიუტერი არ აწარმოებდა მუსიკის მსგავსს - ეს იყო მხოლოდ რიცხვების სვეტები, რომლებიც კომპოზიტორს უნდა გადაექცია პარტიტურად და მხოლოდ ამის შემდეგ გადასცა მუსიკოსს. რა თქმა უნდა, ამ მიდგომას უპირველეს ყოვლისა აინტერესებდათ კომპოზიტორები, რომლებიც იყენებდნენ სერიულ ტექნიკას, ამიტომ სერიული და ალგორითმული მუსიკა გარკვეული დროის განმავლობაში ხელჩართული იყო. სერიები შეიძლება ჩამოყალიბდეს სიმაღლეებიდან, ტემბრებიდან, ხანგრძლივობით და ა.შ. რა შეიძლება იყოს უფრო ადვილი, ვიდრე პროგრამის დაწერა, რომელიც აწარმოებს განუმეორებელ ნოტებს (გამეორება აკრძალულია სერიებში, ასევე ინტერვალური თანხმოვნები - მესამედი, მეხუთე). ალგორითმული მუსიკის ფუძემდებლად რამდენიმე კომპოზიტორი ითვლება, რომელთაგან ყველაზე ცნობილი, რა თქმა უნდა, პიერ ბულესი და იანის ქსენაკისია. ბევრმა მათგანმა დაწერა საკუთარი პროგრამები, მაგრამ მხოლოდ კონკრეტული კომპოზიციისთვის და გამოიყენა ისინი, ისევე როგორც ინსტრუმენტები. გამორჩეულია მხოლოდ ქსენაკისი, რომლის SMP (სტოქასტური მუსიკის პროგრამა) გამოიყენეს სხვა მუსიკოსებმა. მოსკოვში გამართულ კონცერტზე, მათი თქმით, ქსენაკისმა მისალმების ნიშნად ააფრიალა თალმუდი ფორმულებით, რომელსაც არასოდეს შორდებოდა, იმის შიშით, რომ ვინმე დაეპატრონებოდა მას და შექმნიდა რაღაც უფრო მნიშვნელოვანს, ვიდრე საკუთარ თავს... ალგორითმულ მუსიკაში, როგორც საწყისი წერტილი, ხშირად გამოიყენება გარკვეული მნიშვნელობის რყევა გარკვეულ დიაპაზონში შემთხვევითი კანონის მიხედვით. ახლა, როდესაც სერიული ტექნოლოგია აღარ არის მოდაში, ალგორითმები გამოიყენება, მაგალითად, მარცვლოვანი სინთეზისთვის. ანუ, მიკროსკოპული ხანგრძლივობის იგივე ბგერები, რომლებიც მიჰყვებიან ერთმანეთს მაღალი სიხშირით (ე.წ. გრანულები), შეუძლიათ შექმნან ახალი ტემბრი. გრანულების რაოდენობა წამში 100-დან 2500-მდეა. მაგალითად, შეგვიძლია შემოგთავაზოთ ბარი ტრუაქსის კომპოზიციები "Wave Edge" და "River Run", რომელთა კონცეფცია არის მდინარის ფსკერზე ქვიშის მარცვლის თვალით შეხედვა მიმდებარე სამყაროს. ისინი ჩაწერილია 1986 წელს და სტრუქტურით ახლოსაა მესამე ტალღის ინდუსტრიულ მუსიკასთან - Cranioclast, Illusion Of Safety და ა.შ. ინგლისური და ჩინური მეტყველების გარდაქმნის ალგორითმი. ანუ პროგრამა წარმოქმნიდა ხმას, რომელსაც აკონტროლებდა ხმის ინტონაცია და მეტყველების არტიკულაცია.

ტერემინის ცენტრში არის საინტერესო ფილმი ალგორითმული მუსიკის თემაზე, უფრო სწორედ მისი ევოლუციის იმ ნაწილზე, რომელსაც ფრაქტალის სინთეზი ჰქვია. ჩვენს ქვეყანაში რატომღაც ჩვეულებრივია გვჯეროდეს, რომ ვიზუალი რეალისტურია, მიუზიკლი კი აბსტრაქტული, ამიტომ მუსიკაში ფრაქტალური ალგორითმები, რომლებიც ბოლო დრომდე ბევრს ძალიან უყვარდა, თავად ბგერაში აშკარად არ ჩანს. აბა, ღმერთმა დალოცოს იგი კომპიუტერული გრაფიკაასევე გასართობი სანახაობა. ფრაქტალის გეომეტრიის გამომგონებლები არიან ბენუა მანდელბროტი (არ უნდა აგვერიოს ამავე სახელწოდების გერმანულ ჯგუფთან Ars Moriendi-ის გარემოდან!) და ლორენცი, რომელმაც შემოგვთავაზა ორი. სხვადასხვა გზებიფრაქტალების ბუნების ასახსნელად. ყოველი შემთხვევისთვის აგიხსნით, რომ ფრაქტალი („ფრაქციიდან“ - ნაწილი) არის რეკურსიული სტრუქტურა, რომლის თითოეული ნაწილი შეიცავს ინფორმაციას. ზოგადი ფორმა. მანდელბროტმა შესთავაზა განიხილოს ნებისმიერი ბუნებრივი წარმონაქმნი (ღრუბლები, მთები, მცენარეები), რომელთა აღწერა შეუძლებელია გეომეტრიის კლასიკურ თეორიაში ფრაქტალური გეომეტრიის ფარგლებში. ინტერვიუში ყვავილოვანი კომბოსტოს თავი აიღო, მისგან ნაჭერი გატეხა და თქვა, რომ კომბოსტოს თავს ჰგავს, ე-ს შემცირებულ ფორმას. შემდეგ იგივე გააკეთა ფრაგმენტით და ა.შ. მთის ზედაპირი, როგორც არ უნდა გავადიდოთ, ყოველთვის ექნება მსგავსი არათანაბარი ზედაპირი მწვერვალებითა და ხეობებით. ამის კლასიკური მაგალითია დიდი ბრიტანეთის სანაპირო ზოლის სიგრძის გაზომვის მცდელობა. გაზომვისთვის გამოყენებული სტანდარტის სიგრძის შემცირებით, გამოდის, რომ სიგრძე მუდმივად იზრდება, ქმნის არაკონვერგენტულ სერიას! ლორენცმა, ცნობილმა მათემატიკოსმა, შესთავაზა ჩვეულებრივი გულსაკიდი განიხილოს, როგორც ფრაქტალის ფიზიკური მოდელი, მაგრამ არა ჩვეულებრივ გრავიტაციულ ველში, არამედ სამი მაგნიტის ველში, რომლებიც თანაბრად არის დაშორებული მისი მიმაგრების წერტილიდან. აღმოჩნდა, რომ ერთი შეხედვით, ქანქარის შემთხვევითი შენელება ერთ-ერთ მაგნიტთან ფაქტობრივად დამოკიდებულია ქანქარის საწყის პოზიციაზე. როდესაც კომპიუტერის დახმარებით შესაძლებელი გახდა ამ დამოკიდებულების ექსპერიმენტულად აღმოჩენა, აღმოჩნდა, რომ მაგნიტების შესაბამისი სამი ფერით დახატული ველი (ორგანზომილებიანი ფუნქცია) განსაცვიფრებელი სილამაზის ფრაქტალია! რატომ დაივიწყეს ფრაქტალის სინთეზი ახლახან, არ მესმის. როგორც ჩანს, როგორც ყველაფერს, მას ხელახლა აღმოჩენა სჭირდება მომავლის კომპოზიტორებმა!

კონცეპტუალისტები

თითოეული ეს კომპოზიტორი თავისთავად უნიკალურია, არა მხოლოდ როგორც შემოქმედებითი ადამიანი, არამედ როგორც მუსიკის კვლევის საკუთარი მიმართულების გამომგონებელი, იმდენად მტკიცედ არის დაკავშირებული მის ცხოვრებისეულ გამოცდილებასთან და მსოფლმხედველობასთან, რომ სრულიად უაზრო ჩანს მისი ბიოგრაფიის მიღმა განხილვა. კონკრეტული ადამიანის.

ალვინ ლუსერი - ამერიკელი კომპოზიტორითან ფრანგული გვარი, ელექტრო-აკუსტიკური მუსიკის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული ნოვატორი, რომელიც მჭიდროდ თანამშრომლობდა მარტინ ტეტროსთან და ავანგარდულ ჯაზის სფეროში ჩართულ სხვა კომპოზიტორებთან. მისი ბევრი ნამუშევარი ხელახლა გამოიცა დისკზე Les Ambiances Magnetiques და Lovely Music-ის მიერ. ყველაზე საინტერესო მისი კონცეფციითა და განხორციელებით, რა თქმა უნდა, არის ნივთი, სახელწოდებით "მე ვზივარ ოთახში", რომელიც შედგება ერთი ფრაზის რამდენიმე ხელახალი ჩაწერისგან. ერთ ოთახში დამონტაჟდა მიკროფონი, ხოლო მაგნიტოფონი - ჯერ ლუსიემ ჩაწერა თავისი ხმა, შემდეგ ჩაწერა ჩანაწერი და ასე შემდეგ, დაახლოებით 40-ჯერ. ფრაზა დაახლოებით ასეთი იყო: "მე ვზივარ ოთახში, რომელიც განსხვავებულად იმყოფებით, სადაც ახლა ხართ და ჩავწერ ჩემი მეტყველების ხმები. შემდეგ ვუკრავ მათ და ისევ ჩავიწერ და ამას გავაკეთებ მანამ, სანამ თავად ოთახის რეზონანსული სიხშირეები მთლიანად არ გაანადგურებს ჩემი ხმის ხმას. მე ამას არ ვაკეთებ კარგად ცნობილი ფიზიკური ფაქტის საილუსტრაციოდ, მე უბრალოდ იქ ვარ იმისთვის, რომ მოვუსმინო ამ ძალიან რეზონანსულ სიხშირეებს." და მართლაც, ხმა დამახინჯდა და გარდაიქმნება მანამ, სანამ არ გახდა როგორც რბილად ვიბრაციული, დახშული, მაგრამ მკვეთრი. ხმის რიტმით გამოხატული გუგუნი, ბოლოს და ბოლოს თითქმის არკანული მოწყობილობის მსგავსი!

ჯონ კაზინსიკომპოზიტორი ახალი ზელანდიიდან. ზოგადად, უნდა აღინიშნოს, რომ მსოფლიოს ეს ნაწილი, ყველაზე ნაკლებად დაუფლებული ცივილიზაციის მიერ, მიუხედავად ამისა, ძალიან მდიდარია ნიჭიერი ელექტრო-აკუსტიკური კომპოზიტორებით, რომელთა შესახებ ძალიან ცოტა რამ არის ცნობილი რუსეთში და თუნდაც ევროპაში. ავსტრალია და ახალი ზელანდია ურთიერთობას ისე აშენებენ, როგორც რუსეთი და უკრაინა, ანუ ყველაფერში ეჯიბრებიან! ჯონ კაზინსი არ არის პროგრამისტი, არ არის ინჟინერი და დიდი ხნის განმავლობაში ასწავლიდა მუსიკას ველინგტონის უნივერსიტეტის რეგულარულ კონსერვატორიაში. მაგრამ ბოლო 15 წლის განმავლობაში მან სრულიად მიატოვა ტრადიციული მეთოდები და ურჩევნია მოსწავლეებს არ ასწავლოს კომპოზიცია, არამედ შეეცადოს თითოეულ მათგანში მუსიკის ინდივიდუალური აღქმის გარჩევა, დაფიქსირება, შენარჩუნება და განვითარება. პირველი ორი წლის სტუდენტები (რომლებიც პირდაპირ ამთავრებენ საშუალო სკოლიდან და არა კოლეჯიდან) დამოუკიდებელნი არიან, ამ დროს ირკვევა, თუ ვინ რა ღირს და როგორ უნდა მოექცნენ მას მომავალში. კუინსის პირადი გამოცდილება მუსიკაში ძალიან თავისებურია - ის მოდის არა თეორიიდან, უნარებიდან და ტენდენციებიდან, არამედ ბუნებასთან კომუნიკაციის საკუთარი გრძნობებიდან. მაგალითად, ის მოდის ოკეანის დაუსახლებელ სანაპიროზე და ცხოვრობს იქ ორი თვის განმავლობაში, არასდროს არ შორდება მაგნიტოფონს. საკუთარი ჩრდილის შემდეგ სიარულიც კი შეიძლება გამოიწვიოს უჩვეულო შეგრძნებები - მაგალითად, ქვის ინდივიდუალიზაცია, რომელიც ჩრდილის გზაზე ხვდება, ანუ მისი მოთავსება არაბუნებრივ ვერტიკალურ მდგომარეობაში. ზოგადად, ბუნების ქალწულობის პრინციპი, რომელიც ყოველი ახალი ღვარცოფით/ნაკადით ცვლის ლანდშაფტს აღიარების მიღმა, გვაახლოებს ჩვენი კუთვნილების/მიზნის რეალიზაციასთან. იოანემ ქვები გადაათრია იმ ადგილიდან, სადაც ოკეანემ გადაიტანა მეორეში და მოისმინა - როგორ სამყარომის შეჭრაზე რეაგირება მოახდინა. რა თქმა უნდა, ასეთი ექსპერიმენტები მოითხოვს თქვენს სრულ კონცენტრაციას შინაგანი სამყარო. კუზინების ექსპერიმენტების კულმინაცია იყო ე.წ. ეოლიური არფები, ანუ სტრუქტურები ფიქსირებული სიმით და რეზონატორით. ოკეანის სანაპიროზე დადგმული ეოლიური არფა ქარის გავლენით იწყებს ჟღერადობას - საოცარი სიმღერის ხმა. ბიძაშვილებმა ააშენეს დაახლოებით 50 ასეთი არფა, რომლებშიც სიმაღლე (სიმების დაძაბულობა) წონებით იყო რეგულირებული. და ყველაზე დიდ არფაში, გარდა მრავალხმიანი (15 მეტრის სიმაღლეზე), თავი ჩამოიხრჩო ტვირთად! ჭეშმარიტად მისტიკური სურათი - წმინდა ცა, ნათელი მზე, მიტოვებული სანაპირო, ეოლიური არფების ანსამბლი და შეკრული კაცი, რომელიც ქარში ქანაობს ქარის გაუთავებელ სიმღერას!

პოლ დოლდენი- ცხოვრობდა კანადაში, მაგრამ არ ჰქონდა მოქალაქეობა, კომპოზიტორი ერთ დროს იყო ბურჟის საერთაშორისო კონკურსების ფავორიტი. კერძოდ, მისმა კომპოზიციამ "Under The Walls Of Jericho" 1990 წელს პირველი ადგილი დაიკავა. როგორც ჩანს, ყველაზე ხმამაღალია ელექტროაკუსტიკაში, მაგრამ მაინც რთულია მასთან დაკავშირება, რადგან ხმის მანიპულაციის ერთადერთი სახეობა არის ჩასაბერი ინსტრუმენტების ხმის ტრანსპონირება, რომელთაგან დაახლოებით 300-ია - შეგროვებული მთელი მსოფლიოდან, ისინი ჟღერს ერთდროულად 330-ზე. არხები (დანარჩენი 30 ენიჭება პერკუსიას) ტემპერამენტით 48 ნაბიჯი ოქტავაზე. თითქმის აკუსტიკური მუსიკა, მაგრამ წარმოუდგენლად ძლიერი ზემოქმედებით. იძულება, დაძაბულობა, ტანჯვა ყოველ წამს!

რუსეთის როლი ელექტრონული მუსიკის ისტორიაში

1995 წელს გადაიღეს ფილმი პირველი რუსი ხალხის შესახებ, რომლებიც ცდილობდნენ ელექტრონულ ხმაზე, შეგროვებული საარქივო ჩანაწერებიდან. ერთი მათგანის, არსენი ავრამოვის შესახებ უკვე წავიკითხე. მაგრამ ყველაზე მეტად გამაოცა იმან, რომ თურმე ნიმუშების სამშობლოც რუსეთია! ირკვევა, რომ ვიღაც იანკოვსკიმ 30-იანი წლების დასაწყისში (მაგნიტური ჩანაწერის მოსვლამდეც კი 35 წელს) წარმატებით გამოიყენა ბგერის გრაფიკული წარმოდგენა (კერძოდ, საორკესტრო მუსიკა) ჰარმონიაში დაშლისთვის, ფურიეს ტრანსფორმაციის გამოყენებით, შემდეგ კი სინთეზირებდა მას. ნებისმიერი ხმის სიხშირე. და ავრამოვმა პირადად მიმართა ლუნაჩარსკის წინადადებით გაანადგუროს ან გადააკეთოს ყველა კლავიატურის ინსტრუმენტი თანაბარი ტემპერამენტის გამოყენებით, რადგან, მისი აზრით, მათ ამახინჯეს მუსიკის აღქმის სათანადო იდეა. მაგალითად, შოპენი სულ სხვაგვარად უნდა შესრულებულიყო და არა ისე, როგორც მისი ნოტები ვარაუდობდნენ – თავის დროზე ეს უბრალოდ ტექნიკურად შეუძლებელი იყო. რა თქმა უნდა, მას უარი უთხრეს, მაგრამ მან უარი არ თქვა თავის ექსპერიმენტებზე. იდეები და ხელსაწყოები ხელში ავიღე და შვეიცარიაში საერთაშორისო კონკურსზე წავედი მუსიკალური ფესტივალი სად დაიკავა პირველი ადგილი! მუსიკალური იდეების სწრაფი განვითარება საბჭოთა რუსეთში მოხდა კონსტრუქტივიზმისადმი ენთუზიაზმის ტალღაზე და გარკვეული მხარდაჭერაც კი ჰქონდა სახელმწიფოს მხრიდან. კერძოდ, შეიქმნა HYMN (სახელმწიფო მუსიკალური მეცნიერების ინსტიტუტი), რომელთანაც დაკავშირებულია ელექტრონული ხმის მრავალი რუსი მკვლევარის სახელი. მეოცე საუკუნის შუა წლებში მრავალი განვითარება გამოჩნდა, მაგრამ აშკარა ისტორიული მიზეზების გამო მათ არ მიეცათ ნაბიჯი, ამიტომ მათი უმეტესობა ქაღალდზე დარჩა. აღიარებასთან ყველაზე ახლოს იყო ვოლოდინის ekvodins (ორხმიანი ანალოგური სინთეზატორი, რომელიც გამოჩნდა 30-იანი წლების ბოლოს). ვოლოდინი არ იყო მუსიკოსი და თავისი ინსტრუმენტების შექმნისას იყენებდა ნაცნობების რჩევებს. ზოგადად, ის სულ სხვა მიზანს მისდევდა, ვიდრე მუსიკის შექმნა, ეს იყო ანალიზი სინთეზის გზით. ანუ ფსიქოაკუსტიკის კეთებისას მას სჭირდებოდა ექსპერიმენტებისთვის საწყის მასალა – სხვადასხვა ბგერები, რომლებზეც შეიძლებოდა ადამიანის აღქმის თავისებურებების შესწავლა. ვოლოდინი მუშაობდა საფოსტო ყუთში (მგონი ერქვა TsNIIARTI - ავტომატიზაცია თავდაცვის ინდუსტრიისთვის). გამოდის, რომ ყველა გამოგონება ელექტრონულ მუსიკაში, რომლის პროცენტული მაჩვენებელი ძალიან მაღალია სხვა ქვეყნებთან შედარებით, რუსეთში გამოჩნდა, როგორც სამხედრო კვლევის გვერდითი პროდუქტი. და, შედეგად, - ვერცერთი გამოგონება ვერ მოითმინა მისი დანიშნულებისამებრ გამოყენებას - შემქმნელებს უბრალოდ არ ჰქონდათ საკმარისი ჯანმრთელობა, რომ იგი ამ ეტაპზე მიეყვანათ (ერთადერთი გამონაკლისი იყო ANS - ბევრმა კომპოზიტორმა შეისწავლა და ჩაწერა ნაწარმოებები. სკრიაბინის მუზეუმში ელექტრონული მუსიკის სტუდია შეიქმნა - გვპირდებიან, რომ იქ წაგვიყვანენ). ასე რომ - ჩვენი ტანჯვა თქვენთან ერთად ჟურნალთან ერთად, თურმე, არ არის მხოლოდ უიღბლობა ან უსამართლობა, არამედ ძველი კარგი ტრადიციის გამოძახილი. ვოლოდინი გარდაიცვალა ლაბორატორიაში 1982 წელს. მისი მე-9 Aquodyne თითქმის შევიდა წარმოებაში - ეს თითქმის წარმატებული იყო! ლეგენდარული ANS სინთეზატორი, რომელიც 50-იანი წლების ბოლოს ააშენა ევგენი მურზინმა და დაარქვა სკრიაბინის ინიციალები, ისევე როგორც ელექტრონული მუსიკის სტუდია სკრიაბინის მუზეუმში, ყოველთვის იპყრობდა სხვადასხვა თაობის კომპოზიტორების დიდ ყურადღებას. ერთ ეგზემპლარად არსებული ეს უნიკალური მოწყობილობა სპეციალურად შეიკრიბა იტალიაში საერთაშორისო გამოფენისთვის (ამისთვის გამოიყო საჭირო თანხა) და ხელისუფლების ტრიუმფის შემდეგ მათ უბრალოდ დაივიწყეს. 1982 წელს ჩამწერმა კომპანიამ Melodiya, როგორც სტუდიის უმსხვილესმა თანადამფუძნებელმა, პრეტენზია გამოუცხადა ANS-ს და რამდენიმე წლის განმავლობაში ნესტიან სარდაფში მოათავსა, რის შედეგადაც იგი სავალალო მდგომარეობაში ჩავარდა. ამჟამად იგი ნაწილობრივ აღდგენილია (ზოგიერთი ტემბრი შეუქცევადად დაიკარგა) და მდებარეობს მოსკოვის სახელმწიფო უნივერსიტეტის ჟურნალისტიკის ფაკულტეტზე. ANS-ში დისკები გამოიყენებოდა ტემბრებად (ძალიან ჰგავს CD-ს) კონცენტრული ტრეკებით სავსე რისკებით (დაახლოებით 140 წრე, ერთი დისკი ორ ოქტავაზე, ანუ ტემპერამენტით 1/12 ტონა!!) ქულები შედგენილი იყო შუშა დაფარული შავი მასტიკით, თვითნებურად სიხშირე-დროის კოორდინატულ სისტემაში. რობერტ მუგი, რომელიც ეწვია ტერმინის ცენტრს, ძალიან შთაგონებული იყო ANS-ით და დიდხანს უყურებდა მას. ANS-ში ცდილობდა იმ დროის ყველა ცნობილი ავანგარდისტი არტისტი - შნიტკე, დენისოვი, გუბაიდულინა... მოვუსმინეთ შნიტკეს სპექტაკლს "Flow" - ძალიან საინტერესო, ღრმა გარემო ხმაურიანი მუსიკა, რომელიც რაღაცნაირად Maeror Tri-ს მახსენებდა. სხვათა შორის, ANS-სთვის ერთი ნივთის ჩაწერის შემდეგ, ბევრმა თქვა უარი ელექტრონიკაზე. შნიტკემ, კერძოდ, ეს მოტივირებული იყო იმით, რომ აკუსტიკური ინსტრუმენტებში ინტერვალი არის გზა, ხოლო ელექტრონულ ინსტრუმენტებში - მანძილი. თუმცა, შნიტკემ შემდგომში, როგორც ცნობილია, დაწერა ბევრი ელექტრონული მუსიკა ფილმებისთვის, მაგრამ არასოდეს მიუღია სერიოზულად.

მუსიკის ტექნოლოგია

რა თქმა უნდა, შეიძლება დიდხანს ვიკამათოთ, რომ ხმის სინთეზის თეორიის გადაჭარბებული ენთუზიაზმით იკარგება ზღვარი ხელოვნებასა და მეცნიერებას შორის. მეცნიერული მიდგომის მოწინააღმდეგეები თავიანთ პოზიციას ხსნიან კრეატიული მიდგომის იმიტაციაზე უპრეცედენტო და, შესაბამისად, თავდაპირველად გაუგებარი მეცნიერული მეთოდების დახმარებით. რა თქმა უნდა, მხოლოდ რამდენიმე ახერხებს თავიანთი საქმიანობის კლასიფიკაციას ხელოვნებად, ყველა დანარჩენი ლაბორანტია. ეს პოზიცია დიდწილად ასახავს ჩემს სულში ორ არსებას შორის დაპირისპირების პრობლემას: ჩემთვის, როგორც მსმენელისთვის, ყველაზე მნიშვნელოვანი არის შემოქმედებითი იმპულსი, რომელსაც შეუძლია განავითაროს ესთეტიკური აღქმა და განიცადოს მღელვარება, გრძნობები, ექსტაზი და ა.შ. მაგრამ, როგორც მუსიკალურმა ჟურნალისტმა, მე უნდა ვიცოდე ელექტრონული ტექნოლოგიების ისტორია, კონცეფცია და თეორია, რომელიც გამოიყენება მუსიკაზე, რათა თავიდან ავიცილო მაინც მოყვარულობა და სამარცხვინო შეცდომები პუბლიკაციებში. და პირველ და მეორე შემთხვევაში, თქვენ უნდა წახვიდეთ შემოწირულობებზე. მსმენელისთვის მუსიკალური სამზარეულო - არ აქვს მნიშვნელობა რისგან შედგება, მუსიკალური ნოტაციიდან და დამღლელი რეპეტიციებიდან, თუ ფიზიკური ფორმულები, სინუსოიდები და მავთულის წნული - ეს არის ზეციდან დედამიწაზე დაღმართი, შედევრის შექმნის საიდუმლოს დემისტიფიკაცია. ამავდროულად, ყველა ჟურნალისტს არ შეუძლია აიძულოს თავი ერთი და იგივე ფრაზის მოსმენა 45 წუთის განმავლობაში ან 12 წუთის განმავლობაში მონოტონური ზუზუნის მოსმენა.

მეცნიერებისა და ხელოვნების დაახლოება მხოლოდ ზედაპირული შეხედვით ჩანს მედიდურობის ხვრელად. სწორედ მეცნიერ-ფიზიკოსის ბრწყინვალე ინტუიციამ მისცა საშუალება ჟან-კლოდ რისეს მიეღო შესანიშნავი და რთული ტემბრი, რომელსაც მან „ელექტრონული ცირუსის ღრუბლები“ ​​უწოდა. უბრალო კომპოზიტორი რომ ყოფილიყო, მას წლები დასჭირდებოდა ბრმა ძიება და ცარიელი გათვლები. მიუხედავად იმისა, რომ შეიძლება გაოცებული დავრჩეთ 50-იან წლებში წარმოუდგენელი ძალისხმევით შექმნილმა ნამუშევრებმა, სამუშაო პირობებს მაინც ვუშვებთ. მაგრამ ყოველწლიურად იზრდება ხარისხის მოთხოვნები. ვგულისხმობ არა მარტო ხმის ხარისხს, არამედ ყველაფრის ხარისხსაც. უღიმღამო მუსიკოსისთვის სულ უფრო და უფრო რთული ხდება რაიმეს ღირსეული კეთება „მინიმუმ სახსრებით“. რაც უფრო მაღალია ტექნოლოგიის განვითარების დონე, მით უფრო ადვილი ხდება მედიდურობის გარჩევა. და რაც უფრო მეტად ხდება ეს - ალბათ ამ პარადოქსის გამოსავალი ჯერ კიდევ არ არის გადაწყვეტილი.

Სხვა შემობრუნებული მხარეტექნოლოგიის გართულება არის ელექტრონული მუსიკის აბსტრაქციის ხარისხის მატება, რაც ართულებს და განშტოებს აღქმის პროცესებს. ვისაც უპირველეს ყოვლისა აინტერესებს, რას ფიქრობდა მუსიკოსი მუშაობის დროს, რა ხელმძღვანელობდა მას, რა შთააგონებდა, უნდა აღინიშნოს, რომ კომპოზიტორი და მსმენელი ყოველთვის არ შეიძლება ჩაითვალოს ერთიანი საკომუნიკაციო ქსელის ორ თანაბარ და თავსებად რგოლებად. თუ მათი ურთიერთქმედების აქტს გავაანალიზებთ ფორმალური ფსიქოლოგიის თვალსაზრისით (ანუ უბრალოდ არ უნდა დაგვავიწყდეს, რომ ესენი არიან პირველ რიგში ადამიანები და შემდეგ ყველაფერი), მაშინ გამოდის, რომ სირთულე, რაზეც ჩვენ ვსაუბრობთ არის პირველ რიგში მათ შორის შეუსაბამობის გამო პირადი გამოცდილება. ანუ, თუ მუსიკოსის გამოცდილება შთანთქავს თქვენი პირადი გამოცდილების გარკვეულ ნაწილს, მაშინ მას ენდობით. თუ პირიქითაა, მაშინ იქნებ ჯობია არ იცოდე მისი მოტივები. ყოველივე ამის შემდეგ, გარდა ადამიანური ფაქტორისა, ინ შემოქმედებითი პროცესიმნიშვნელოვანია არაცნობიერის, რაღაც უმაღლესი ძალის როლი (რომელიც, ჩემი აზრით, ასევე შესასწავლია, მაგრამ ბევრად უფრო რთული). შესაძლოა, ეს ძალიან პრიმიტიული ახსნაა, მაგრამ პირადად ჩემ მიერ არაერთხელ გადამოწმდა და რამდენიმე დასკვნის გაკეთების საფუძველს იძლევა აღქმის მექანიზმებზე და რეაქციის პროგნოზირებადობაზე. პირველ რიგში, მუსიკაში მისტიფიკაცია ძალიან მნიშვნელოვანია. არაფერია ისე, როგორც მსმენელის ინტერესის გაღვივება, ვიდრე საიდუმლოების სქელი ფარდა. და ეს სავსებით ბუნებრივია - აქ ყველაფერი მუსიკოსების წარმატებას უწყობს ხელს: ბუნებრივი ცნობისმოყვარეობა და უჩვეულო შეგრძნებების საჭიროება და ბევრი ჭორი ამ ყველაფრის გარშემო და ა.შ. ასჯერ დამემართა, რომ ამდენი ხანი მინდოდა რაიმე ალბომის მოსმენა და ამდენი დრო და ძალისხმევა დაუთმო მის ძებნას და გამომეცნო, რომ როცა საბოლოოდ მომივა, უკვე წინასწარ მომწონს. და იმედგაცრუება, თუნდაც ის გარდაუვალი იყოს, მაინც არაფერია ოცნების სიხარულთან შედარებით. და საპირისპირო მაგალითი - რამდენი ალბომი არსებობს, რომელიც ჩაწერილი იყო უპრეცედენტო თავდადებით და აღფრთოვანებული დიდი იდეებითა და ნამუშევრებით, შეიცავდა რამდენიმე წლიან შრომას, მოითხოვდა ავტორის აღიარებას მუშაობისადმი ძალიან სერიოზული დამოკიდებულებით, მაგრამ .... არანაირი პასუხი მსმენელს გული არ გაუსკდა. მეორეც, რა არის შემოქმედების მნიშვნელობა? მე ვფიქრობ, რომ შემოქმედებითი აქტი შეიძლება ჩაითვალოს დასრულებულად, თუ მას შეუძლია გააღვიძოს იმ ადამიანების სულში, რომლებსაც ის მიმართავს სტიმული საკუთარი შემოქმედებისკენ. არ აქვს მნიშვნელობა როგორი - მუსიკა, ვიზუალური ხელოვნება, ბოლოს და ბოლოს, მხოლოდ რეფლექსია და კომუნიკაცია - ერთი სიტყვით, ცხოვრებისა და გაუმჯობესების სურვილი. გაითვალისწინეთ, რომ ამავდროულად, არ არის დაწესებული კონკრეტული მოთხოვნები არც შემოქმედების საგანზე და არც იმ სფეროებზე, რომლებთანაც იგი დაკავშირებულია. ყოველივე ზემოთქმული მე ვთქვი მხოლოდ მსმენელის პოზიციიდან. ჟურნალისტიკა სულ სხვა საქმეა. მუსიკალურ ჟურნალისტიკას ბევრი (და, სამწუხაროდ, ხშირად დამსახურებულადაც) განიხილავს, როგორც პროპაგანდის საშუალებას. მე ძალიან ვცდილობ ჩემს ჟურნალისტურ სფეროში წამყვანი როლი მივცე მსმენელის ინტუიციას და ამიტომ ჩემი მასალები ისეა სტრუქტურირებული, რომ ადამიანს დააფიქროს შემოქმედების გამოყენებითი სფეროები, მუსიკის ძირითად ელემენტად გამოყენებით. ისწავლეთ სამყაროს სტრუქტურა საკუთარი ყურებით.

დიმიტრი ვასილიევი