ისტორიკოსმა ჟიულ მიშელემ პირველად გამოიყენა „რენესანსის“ კონცეფცია მე-19 საუკუნეში. სტატიაში განხილული მუსიკოსები და კომპოზიტორები ეკუთვნიან მე-14 საუკუნეში დაწყებულ პერიოდს, როდესაც ეკლესიის შუა საუკუნეების ბატონობა შეცვალა საერო კულტურამ ადამიანის პიროვნებისადმი ინტერესით.

რენესანსის მუსიკა

ევროპის ქვეყნებში სხვადასხვა დროსახალ ეპოქაში შევიდნენ. ისინი ცოტა ადრე გაჩნდნენ იტალიაში, მაგრამ მუსიკალურ კულტურაში დომინირებდა ჰოლანდიური სკოლა, სადაც პირველად შეიქმნა სპეციალური მეტრიზები (თავშესაფრები) საკათედრო ტაძრებში, რომლებიც ამზადებდნენ მომავალ კომპოზიტორებს. იმ დროის ძირითადი ჟანრები მოცემულია ცხრილში:

რენესანსის ყველაზე მნიშვნელოვანი მხატვრები ნიდერლანდებში არიან გიომ დიუფეი, იაკობ ობრეხტი, ჟოსკინ დესპრე.

დიდი ჰოლანდიელები

იოჰანეს ოკეგემიმან განათლება მიიღო ნოტრ-დამის (ანტვერპენის) მონასტერში, ხოლო XV საუკუნის 40-იან წლებში გახდა ჰერცოგი ჩარლზ I-ის კარზე სამლოცველო მომღერალი (საფრანგეთი). შემდგომში იგი ხელმძღვანელობდა სამეფო კარის სამლოცველოს. სიბერემდე იცოცხლა, მან დატოვა დიდი მემკვიდრეობა ყველა ჟანრში, დამკვიდრდა, როგორც გამოჩენილი პოლიფონისტი. ჩვენამდე მოაღწია მისი 13 მასის ხელნაწერებმა ჩიგის კოდექსი, რომელთაგან ერთი 8 ხმით არის დაწერილი. ის იყენებდა არა მარტო სხვის მელოდიებს, არამედ საკუთარს.

ორლანდო ლასოდაიბადა თანამედროვე ბელგიის (მონსი) ტერიტორიაზე 1532 წელს. მისი მუსიკალური შესაძლებლობებიადრეულ ბავშვობაში გამოჩნდა. ბიჭი სამჯერ გაიტაცეს სახლიდან, რათა დიდი მუსიკოსი გამხდარიყო. მან მთელი თავისი ზრდასრული ცხოვრება ბავარიაში გაატარა, სადაც ტენორად გამოდიოდა ჰერცოგ ალბრეხტ V-ის კარზე, შემდეგ კი სამლოცველოს ხელმძღვანელობდა. მისმა მაღალპროფესიონალურმა გუნდმა წვლილი შეიტანა მიუნხენის ევროპის მუსიკალურ ცენტრად გადაქცევაში, სადაც რენესანსის მრავალი ცნობილი კომპოზიტორი ეწვია.

მასთან სასწავლებლად მოვიდნენ ისეთი ნიჭები, როგორებიცაა იოჰან ეკარდი, ლეონარდ ლეხნერი, იტალიელი დ. გაბრიელი. . მან თავისი უკანასკნელი თავშესაფარი 1594 წელს მიუნხენის ეკლესიის ტერიტორიაზე იპოვა და დატოვა უზარმაზარი მემკვიდრეობა: 750-ზე მეტი მოტეტი, 60 მასა და ასობით სიმღერა, რომელთა შორის ყველაზე პოპულარული იყო Susanne un jour. მისი მოტეტები („სიბილების წინასწარმეტყველებები“) ნოვაციით გამოირჩეოდა, თუმცა ცნობილია თავისი საერო მუსიკითაც, რომელიც უამრავ იუმორს შეიცავდა (villanella O bella fusa).

იტალიური სკოლა

გარდა ამისა, რენესანსის გამოჩენილი კომპოზიტორები იტალიიდან ტრადიციული მიმართულებებიაქტიურად განვითარებული ინსტრუმენტული მუსიკა (ორგანო, სიმებიანი საკრავები, კლავიერი). ყველაზე გავრცელებული ინსტრუმენტი იყო ლუტი, ხოლო მე-15 საუკუნის ბოლოს გამოჩნდა კლავესინი, ფორტეპიანოს წინამორბედი. ხალხური მუსიკის ელემენტებზე დაყრდნობით განვითარდა კომპოზიციის ორი გავლენიანი სკოლა: რომაული (ჯოვანი პალესტრინა) და ვენეციური (ანდრეა გაბრიელი).

ჯოვანი პიერლუიჯიაიღო სახელი პალესტრინარომის მახლობლად მდებარე ქალაქის სახელის მიხედვით, რომელშიც ის დაიბადა და მსახურობდა მთავარი ეკლესიაგუნდის ხელმძღვანელი და ორგანისტი. მისი დაბადების თარიღი ძალიან სავარაუდოა, მაგრამ ის გარდაიცვალა 1594 წელს. თავისი ხანგრძლივი ცხოვრების მანძილზე მან დაწერა 100-მდე მასა და 200 მოტეტა. მისმა „პაპ მარცელუსის მასამ“ პაპ პიუს IV-ის აღფრთოვანება გამოიწვია და კათოლიკური სასულიერო მუსიკის ნიმუშად იქცა. ჯოვანი ყველაზე გამორჩეული წარმომადგენელია ვოკალური სიმღერამუსიკალური თანხლების გარეშე.

ანდრეა გაბრიელითავის სტუდენტთან და ძმისშვილთან ჯოვანისთან ერთად მოღვაწეობდა წმინდა მარკოზის სამლოცველოში (XVI ს.), ორღანისა და სხვა ინსტრუმენტების ხმით „აფერადებდა“ საგუნდო სიმღერას. ვენეციური სკოლა უფრო მეტად მიზიდული იყო საერო მუსიკისკენ და ანდრეა გაბრიელის მიერ თეატრის სცენაზე სოფოკლეს ოიდიპოსის დადგმის დროს დაიწერა საგუნდო მუსიკა, საგუნდო მრავალხმიანობის მაგალითი და მომავალი საოპერო ხელოვნების საწინდარი.

გერმანული სკოლის მახასიათებლები

გერმანიის სახელმწიფომ წამოაყენა ლუდვიგ სენფლ, მე-16 საუკუნის საუკეთესო პოლიფონისტი, რომელმაც, თუმცა, ვერ მიაღწია ჰოლანდიელი ოსტატების დონეს. რენესანსის განსაკუთრებული მუსიკაა აგრეთვე ხელოსანთა (მეისტერსინგერების) პოეტ-მომღერლების სიმღერები. გერმანელი კომპოზიტორები წარმოადგენდნენ მომღერალ კორპორაციებს: თუნუქის მწარმოებლებს, ფეხსაცმლის მწარმოებლებს, ქსოვებს. ისინი გაერთიანდნენ ტერიტორიის მიხედვით. ნიურნბერგის სასიმღერო სკოლის გამორჩეული წარმომადგენელი იყო ჰანს საქსი(ცხოვრების წლები: 1494-1576 წწ.).

მკერავის ოჯახში დაბადებული, მთელი ცხოვრება ფეხსაცმლის მწარმოებლად მუშაობდა, შთაბეჭდილება მოახდინა თავისი ერუდიციით და მუსიკალური და ლიტერატურული ინტერესებით. ის კითხულობდა ბიბლიას დიდი რეფორმატორის ლუთერის განმარტებით, იცნობდა ძველ პოეტებს და აფასებდა ბოკაჩოს. როგორც ხალხური მუსიკოსი, საქსი არ ითვისებდა მრავალხმიანობის ფორმებს, მაგრამ ქმნიდა სიმღერის ტიპის მელოდიებს. ისინი ახლოს იყვნენ ცეკვასთან, ადვილად დასამახსოვრებელი და გარკვეული რიტმი ჰქონდათ. ყველაზე ცნობილი ნაწარმოები იყო „ვერცხლის გალობა“.

რენესანსი: საფრანგეთის მუსიკოსები და კომპოზიტორები

საფრანგეთის მუსიკალურმა კულტურამ მართლაც განიცადა რენესანსი მხოლოდ მე-16 საუკუნეში, როდესაც ქვეყანაში მომზადდა სოციალური ნიადაგი.

Ერთ - ერთი საუკეთესო წარმომადგენლებიარის კლემენტ ჯანეკინი. ცნობილია, რომ ის დაიბადა შატლელოში (მე-15 საუკუნის ბოლოს) და ბიჭი მომღერალიდან მეფის პირად კომპოზიტორად გადავიდა. Მისგან შემოქმედებითი მემკვიდრეობაშემორჩენილია მხოლოდ ატენანის მიერ გამოცემული საერო სიმღერები. მათგან 260-ია, მაგრამ ნამდვილი პოპულარობა მოიპოვეს მათ, ვინც გაუძლო დროს: "ჩიტების სიმღერა", "ნადირობა", "ლარკი", "ომი", "პარიზის კივილი". მათ მუდმივად ხელახლა აქვეყნებდნენ და იყენებდნენ სხვა ავტორების მიერ გადასინჯვის მიზნით.

მისი სიმღერები იყო მრავალხმიანი და ჰგავდა საგუნდო სცენებს, სადაც ონომატოპეისა და კანტილენას ვოკალის გარდა, იყო ძახილები, რომლებიც პასუხისმგებელნი იყვნენ ნაწარმოების დინამიკაზე. ეს იყო გაბედული მცდელობა გამოსახულების ახალი ტექნიკის პოვნისა.

საფრანგეთის ცნობილ კომპოზიტორებს შორის არიან გიომ კოტლე, ჟაკ მოდუი, ჟან ბაიფი, კლოდენ ლეჟენი, კლოდ გუდიმელი. , მუსიკას აძლევს ჰარმონიულ სტრუქტურას, რამაც ხელი შეუწყო მუსიკის ათვისებას ფართო საზოგადოების მიერ.

რენესანსის კომპოზიტორები: ინგლისი

მე-15 საუკუნემ ინგლისში გავლენა მოახდინა შრომებმა ჯონ დაბსტაილიდა XVI - უილიამ ბერდი. ორივე ოსტატი მიისწრაფოდა წმინდა მუსიკისკენ. ბერდმა დაიწყო ორგანისტი ლინკოლნის ტაძარში და დაასრულა კარიერა ლონდონის სამეფო სამლოცველოში. პირველად მან მოახერხა მუსიკისა და მეწარმეობის დაკავშირება. 1575 წელს, ტალისთან თანამშრომლობით, კომპოზიტორი გახდა მონოპოლისტი მუსიკალური ნაწარმოებების გამოცემაში, რამაც მას არანაირი მოგება არ მოუტანა. მაგრამ სასამართლოში ჩემი საკუთრების უფლების დაცვას დიდი დრო დასჭირდა. მისი გარდაცვალების შემდეგ (1623), სამლოცველოს ოფიციალურ დოკუმენტებში მას უწოდეს "მუსიკის ფუძემდებელი".

რა დატოვა რენესანსმა? ჩიტმა, გამოქვეყნებული კოლექციების გარდა (Cantiones Sacrae, Gradualia), შემოინახა მრავალი ხელნაწერი, თვლიდა, რომ ისინი შესაფერისია მხოლოდ სახლის თაყვანისცემისთვის. მოგვიანებით გამოქვეყნებულმა მადრიგალებმა (Musica Transalpina) აჩვენა იტალიელი ავტორების დიდი გავლენა, მაგრამ რამდენიმე მასა და მოტეტი შევიდა სასულიერო მუსიკის ოქროს ფონდში.

ესპანეთი: კრისტობალ დე მორალესი

ესპანეთის მუსიკის სკოლის საუკეთესო წარმომადგენლებმა გაიარეს ვატიკანში, ასრულებდნენ პაპის სამლოცველოში. მათ იგრძნეს ჰოლანდიელი და იტალიელი ავტორების გავლენა, ამიტომ მხოლოდ რამდენიმემ მოახერხა თავისი ქვეყნის ფარგლებს გარეთ გამხდარიყო ცნობილი. რენესანსის კომპოზიტორები ესპანეთიდან იყვნენ პოლიფონისტები, ქმნიდნენ საგუნდო ნაწარმოებები. ყველაზე გამორჩეული წარმომადგენელია კრისტობალ დე მორალესი(XVI ს.), რომელიც ხელმძღვანელობდა ტოლედოს მეტრიზას და ამზადებდა ერთზე მეტ სტუდენტს. ჯოსკინ დესპრეს მიმდევარმა კრისტობალმა შემოიტანა სპეციალური ტექნიკა მთელ რიგ ნამუშევრებში, სახელწოდებით ჰომოფონიური.

ყველაზე ცნობილი გახდა ავტორის ორი რეკვიემი (ბოლო ხუთი ხმით), ისევე როგორც მასა "შეიარაღებული კაცი". მან ასევე დაწერა საერო ნაწარმოებები (კანტატა 1538 წელს სამშვიდობო ხელშეკრულების დადების საპატივცემულოდ), მაგრამ ეს ეხება მის ადრინდელ ნაშრომებს. სიცოცხლის ბოლოს ხელმძღვანელობდა მალაგაში სამლოცველოს, იგი დარჩა სასულიერო მუსიკის ავტორი.

დასკვნის ნაცვლად

რენესანსის კომპოზიტორებმა და მათმა ნამუშევრებმა მოამზადეს მე -17 საუკუნის ინსტრუმენტული მუსიკის აყვავება და ახალი ჟანრის - ოპერის გაჩენა, სადაც მრავალი ხმის სირთულე შეიცვალა მთავარი მელოდიის წამყვანის პრიმატით. მათ ნამდვილი გარღვევა გააკეთეს მუსიკალური კულტურის განვითარებაში და საფუძველი ჩაუყარეს თანამედროვე ხელოვნებას.

ბონონჩინი -იტალიელი მუსიკოსების ოჯახი:

ჯოვანი მარია (1642 - 1648) -კომპოზიტორი, მევიოლინე, თეორეტიკოსი. ოპ. სონატებისა და საცეკვაო ნაწარმოებების 9 კოლექცია. მას ეკუთვნის ტრაქტატი კონტრაპუნქტის შესახებ. ბოლო წლებში მან დაწერა კამერული ოპერა, მრავალი მადრიგალი და სოლო კანტატები.

ჯოვანი ბატისტა (1670 - 1747) -მისი ვაჟი, კომპოზიტორი და ვიოლონჩელისტი. მისი მემკვიდრეობა მოიცავს 40 ოპერას, 250-ზე მეტ სოლო კანტატს, 90-მდე სიმფონიას, კონცერტს და ტრიო სონატას. მისი ზოგიერთი ოპერების წარმატება ლონდონში გადააჭარბა მის მთავარ მეტოქეს, ჰენდელს.

ანტონიო მარია (1677 - 1726) -კომპოზიტორი და ვიოლონჩელისტი. ავტორია მუსიკალური თეატრისა და ეკლესიისთვის. ტექსტურის და ჰარმონიის თვალსაზრისით, მისი მუსიკა უფრო დახვეწილი იყო, ვიდრე მისი უფროსი ძმის მუსიკა, მაგრამ მას არასოდეს ჰქონია იგივე წარმატება.

ჯოვანი მარია უმცროსი (1678 - 1753) -ნახევარძმა, ვიოლონჩელისტი, შემდეგ მევიოლინე რომში, ვოკალური ნაწარმოებების ავტორი.

ვივალდი ანტონიო (1678 - 1741)

ყველაზე მაღალი მიღწევები ეკუთვნის ჟანრს ინსტრუმენტული კონცერტი. ვოკალურ მუსიკას მნიშვნელოვანი ადგილი უკავია მემკვიდრეობაში. წარმატებისკენ სწრაფვა ოპ. ჟანრში და ბევრს იმოგზაურა თავისი სპექტაკლების რეჟისორობით. მუშაობდა ოპ. თეატრები ვიჩენცაში, ვენეციაში, მანტუაში, რომში, პრაღაში, ვენაში, ფერარაში, ამსტერდამში. ოპ. ᲙᲐᲠᲒᲘ. 50 ოპერა(20 შემონახულია), მ.შ. "ტიტუს მანლიუსი", "ჯასტინი", "გაბრაზებული როლანდი", "ერთგული ნიმფა", "გრიზელდა", "ბაიაზეტი". ᲙᲐᲠᲒᲘ. 40 სოლო კანტატა, ორატორიო "ჯუდიტი ტრიუმფალური").

ჯორდანი ჯუზეპე (დაახლოებით 1753 - 1798)

DUNI EGIDIO (1708 - 1775)

სწავლობდა ნეაპოლში დურანტესთან. ტექსტებზე დაფუძნებული 10 საოპერო სერიის ავტორი მეტასტაზიო, დაახლოებით 20 op. ფრანგულ ჟანრში კომიკური ოპერა.მან შემოიტანა არიეტა და რეჩიტატივები იტალიურ სტილში. ამ ჟანრს ე.წ კომედია არიეტასთან ერთად.ოპერები:"ნერონი", "დემოფონი", "თავის მოდელზე შეყვარებული მხატვარი" (კომიკური თხზ.).

დურანტე ფრანჩესკო (1684 - 1755)

იტალიელი კომპოზიტორი. სწავლობდა ნეაპოლში, შემდეგ გახდა რამდენიმე ნეაპოლიტანური კონსერვატორიის პირველი დირიჟორი. ნეაპოლის საუკეთესო კომპოზიციის მასწავლებლად ითვლებოდა. მის მოსწავლეებს შორის არიან დუნი, პერგოლეზი, პიჩინი, პაისიელო. სხვაგან განსხვავებით. კომპოზიტორები არ წერდნენ ოპერებს. მისი მემკვიდრეობის ყველაზე ღირებული ნაწილი სასულიერო მუსიკაა. საინტერესოა ინსტრუმენტული ნაწარმოებებიც - 12 სონატა კლავესინისთვის, 8 კონცერტი კვარტეტისთვის, პიესები პედაგოგიური რეპერტუარიდან.

CAVALLI FRANCESCO (1602 - 1676)

მეტსახელად ბრუნი. იყო ქორეისტი და ორღანისტი ქ. მარკა ვენეციაში. მან დაიწყო ოპერების წერა, რომლებიც ნაჩვენები იყო ოპერის თეატრებიიტალია. პარიზის შემდეგ, სადაც მისი ოპერა „ჰერკულეს შეყვარებული“ დაიდგა ახალგაზრდა ლულის მიერ ამ სპექტაკლისთვის დაწერილი სიმღერითა და ცეკვით, კავალის შემდგომი საქმიანობა დაკავშირებული იყო წმ. ბრენდი. არის 30-მდე ოპერის ავტორი. მისი წყალობით მე-17 საუკუნის ვენეცია. გახდა IT ცენტრი. საოპერო ხელოვნება. როგორც გვიანდელი ოპ. Monteverdi, op. კავალი მდიდარია კონტრასტებითა და ფსიქოლოგიური ნიუანსებით; მათში პათეტიკური, თუნდაც ტრაგიკული კულმინაციები ხშირად იცვლება კომიკური და ყოველდღიური ხასიათის ეპიზოდებით.

ოპერები: „აპოლონისა და დაფნის სიყვარული“, „დიდო“, „ორმინდო“, „იაზონი“, „კალისტო“, „ქსერქსესი“, „შეყვარებული ჰერკულესი“

სულიერი მუსიკა: მესა, 3 საღამო, 2 მაგნიფიკატი, რეკვიემი

საერო მუსიკა: კანტატა არიები.

კალდარა ანტონიო (1670 - 1736)

ის უკრავდა ალტზე, ჩელოზე და კლავიერზე. მან შექმნა თითქმის ექსკლუზიურად ვოკალური მუსიკა - ორატორიები, კანტატები, საოპერო სერიები. მსახურობდა ეკლესიისა და თეატრის ბენდმაისტერად. მოგვიანებით მან შექმნა მრავალი ნაწარმოები ვენის კარნავალისა და სასამართლო დღესასწაულებისთვის, ასევე ზალცბურგისთვის. ჯამში მან დაწერა 3000 ვოკალური კომპოზიცია. Metastasio იყო პირველი, ვინც Metastasio-ს ბევრი ლიბრეტო მუსიკას შეუდგა.

კარისიმი ჯაკომო (1605 - 1674)

ის იყო ქოორმაისტერი, ორღანისტი, Jesuit Collegiate Germanico-ს ბენდმაისტერი და ხელდასხმული იყო. მემკვიდრეობის ყველაზე მნიშვნელოვანი ნაწილია ორატორიოები, რომლებიც შექმნილია ნარატიულ-რეჩიტატიულ სტილში. ცალკეული ფრაგმენტებიასოების ბუნებით ისინი ახლოს არიან არიებთან. მნიშვნელოვანი როლი ენიჭება საგუნდო სცენებს. მის სტუდენტებს შორის არიან ა.ჩესტი, ა.სკარლატი, მ.-ა.შარპენტიე.

ნამუშევრები: 4 მასა, 100-მდე მოტეტი, 14 ორატორის ჩათვლით. "ბელშაცარი", "იუთაე", "იონა", დაახლოებით 100 საერო კანტატა.

კაჩინი ჯულიო (1545 - 1618)

მეტსახელი ჰქონდა - რომანი. კომპოზიტორი, მომღერალი, ლუტენისტი. მას მფარველობდა ჰერცოგი კოზიმო I დე მედიჩი, რომელმაც წაიყვანა ფლორენციაში, სადაც ესწრებოდა კამერატას შეხვედრებს და განავითარა სიმღერის ახალი სტილი - stile recitativo. მან გამოსცა კრებული „ახალი მუსიკა“, სადაც ყველაზე სრულად ასახა თავისი ინოვაციური მისწრაფებები. კოლექციაში შედის მადრიგალები და სტროფიული არიები ხმის და ბასო კონტინუოსათვის. Ყველაზე პოპულარული სიმღერაკოლექცია – ამარილი. 1614 წელს გამოვიდა კომპოზიტორის მეორე კრებული, "ახალი მუსიკა და მათი დაწერის ახალი გზა". გამოჩენილი კომპოზიტორისა და ინოვაციური მომღერლის კაჩინის სახელი მე-17 საუკუნეში არ დავიწყებია. ბევრმა კომპოზიტორმა შექმნა ვოკალური ნაწარმოებების კოლექცია მისი მოდელის მიხედვით. კაჩინის ორი ქალიშვილი, ფრანჩესკა და სეტიმია, გახდნენ ცნობილი როგორც მომღერლები და შექმნეს მუსიკა.

მარტინი (1741 - 1816)

მეტსახელი ილ ტედესკო ("იტალიური გერმანელი", ნამდვილი სახელი შვარცენდორფ იოჰან პოლ ეგიდიუსი). გერმანელი კომპოზიტორი. პარიზში გადასვლამდე (1764 წ.) ლოთარინგიის ჰერცოგის სამსახურში იყო. ასწავლიდა პარიზის კონსერვატორიაში, ხელმძღვანელობდა სასამართლო ორკესტრს, ავტორი 13 ოპერის, ვოკალური მინიატურების (მათ შორის პოპულარული სიმღერის „Plaisir d’amour“).

მარსელო ალესანდრო (1669 - 1747)

ძმა ბ.მარჩელო. მოყვარული მუსიკოსი, ის აწყობდა კონცერტებს თავის ვენეციურ სახლში. მან შეადგინა სოლო კანტატები, არიები, კანზონეტა, ვიოლინოს სონატები და კონცერტები. კონცერტები ჰობოისა და სიმებისთვის (სულ 6) ეკუთვნის ჟანრის ვენეციური ბაროკოს მრავალფეროვნების უახლეს ნიმუშებს. კონცერტი ჰობოისა და სიმების რე მინორზე (დაახლოებით 1717) ცნობილია ჯ.ს. ბახის არანჟირებაში კლავიერისთვის.

მარსელო ბენედეტო (1686 - 1739)

კომპოზიტორი, მუსიკოსი, ადვოკატი, ა. მარჩელოს ძმა. ვენეციაში მაღალი სამთავრობო თანამდებობები ეკავა. ფართო პოპულარობა მოიტანა ციფრული ბასით 1-4 ხმის ფსალმუნების კრებულმა (სულ 50). მას ასევე ეკუთვნის სხვა კომპოზიციები ეკლესიისთვის, ორატორიებისთვის, ოპერებისთვის, 400-ზე მეტი სოლო კანტატისთვის, დუეტებისთვის, ასევე სონატებისა და კონცერტებისთვის, რომლებიც აღინიშნა ვივალდის გავლენით. მისი მუსიკა აერთიანებს მრავალხმიან ოსტატობას სიახლისადმი მგრძნობელობას გალანტური სტილი.მარჩელოს საინტერესო ტრაქტატი არის სატირა ოპერის სერიაზე.

პაისიელო ჯოვანი (1740 - 1816)

სწავლობდა ნეაპოლში დურანტესთან. მან მოიპოვა ოპერის ბუფას ჟანრის ერთ-ერთი წამყვანი ოსტატის რეპუტაცია. მსახურობდა ბენდმაისტერად ეკატერინე II-ის კარზე სანკტ-პეტერბურგში. ამ პერიოდს შორის ოპ. " სევილიელი დალაქი" ნეაპოლში დაბრუნების შემდეგ მან დაიწყო წერა ოპერის შვიდი სერია(ნახევრად სერიოზული) - "ნინა, ან შეყვარებული გიჟი". ის მცირე ხნით მსახურობდა პარიზში, როგორც ნაპოლეონ I-ის პირადი ბანდის მესტერი. პაისიელოს ოპერების ხარისხმა გავლენა მოახდინა მოცარტზე - მუზების ხელოვნებაზე. პერსონაჟების ჩანახატები, საორკესტრო წერის ოსტატობა, მელოდიური გამომგონებლობა. ოპერები:"დონ კიხოტი", "მოახლე-ქალბატონი", "მეფე თეოდორე ვენეციაში", "მილერის ცოლი", "პროსერპინა", "პითაგორელები" და კიდევ 75 ოპერა.

PERGOLESI GIOVANNI BATISTA (1710 - 1736)

სწავლობდა ნეაპოლში და პარალელურად მუშაობდა ორკესტრში მევიოლინედ. დაწერა სასცენო ნაწარმოებები ჟანრში წმინდა დრამა. 26 წლის ასაკში ტუბერკულოზით გარდაიცვალა. ისტორიაში შევიდეთ, როგორც ჟანრის ფუძემდებელი ოპერის ბუფა.ამ ჟანრის შედევრი იყო ოპ. "მსახური ბედია". დაწერა ნაწარმოებები ეკლესიისთვის: „Stabat mater“ სოპრანოს, კონტრალტოსა და ორკესტრისთვის, 2 მესა, ვესპერსი, 2 „Salve Regina“, 2 მოტეტი.

PERI JACOPO (1561 - 1633)

კომპოზიტორი და მომღერალი, მღვდელი. მსახურობდა კომპოზიტორად და მომღერლად სასამართლოში მედიჩი. მას ასევე იცნობდნენ, როგორც შემსრულებელს კიტარონი -(მოტეხილი სიმებიანი საკრავი, ბას-ლუტის სახეობა, 2 მ-მდე სიგრძის, ძირითადად გამოიყენება სოლო სიმღერის თანხლებით). დაესწრო შეხვედრებს კამერები. იგი წერდა ახალ რეჩიტატიულ სტილში, ბაძავდა სოლო სიმღერის უძველეს პრაქტიკას თანხლებით. დაწერა ოპერები" დაფნე“, „ევრიდიკე“. მან ასევე შექმნა ვოკალური ნაწარმოებების კოლექცია, რომელიც შეიცავს რეჩიტატიული სტილის რამდენიმე მაგალითს.

პიჩინი ნიკოლო (1728 - 1800)

სწავლობდა ნეაპოლში დურანტესთან. ის არა მხოლოდ ოპერებს წერდა, არამედ ასწავლიდა სიმღერას, იყო ბანდის მესვე და ორგანისტი. პარიზში დასახლების შემდეგ მან დაწერა არაერთი სერიოზული და კომიკური ფრანგული ნაწარმოები. ოპერა. გლუკის სერიოზულმა კონკურენციამ ხელი არ შეუშალა მის წარმატებას ლირიკული ტრაგედიები„როლანდი“, „იფიგენია ტაურისში“, „დიდო“. ოპერა „ჩეჩინა, ანუ კარგი ქალიშვილი“ (1760) მას საერთაშორისო პოპულარობა მოუტანა.

სარი დომენიკო (1679 - 1744)

სწავლობდა ნეაპოლში, სადაც ასევე მსახურობდა სასამართლოს დირიჟორად. ადრეული ოპერები, ორატორიოები და სერენატა შექმნილია იმავე ბაროკოს სტილში, როგორც ა. სკარლატის ვოკალური მუსიკა. ამავე დროს, მისმა ნამუშევრებმა ხელი შეუწყო უფრო მარტივი და მელოდიური ნეაპოლიტანური სტილის განვითარებას.

სკარლატი ალესანდრო (1660 - 1725)

თეატრების კაპელმაისტერი, სამეფო სამლოცველო და ნეაპოლის კონსერვატორია, სადაც ასწავლიდა. სტუდენტებს შორის არიან D. Scarlatti, F. Durante, I. A. Hasse. ერთ-ერთი დამფუძნებელი და უდიდესი წარმომადგენელი ნეაპოლიტანური ოპერის სკოლა.მის დროს წარმოიშვა ისეთი ფორმები, როგორიცაა aria da capo, იტალიური უვერტიურა და რეჩიტატივი ინსტრუმენტული თანხლებით. ოპ. 125-ზე მეტი ოპერის სერია , მათ შორის "სიყვარულის ან როზავრის ახირება", "კორინთული მწყემსი", "დიდი თემურლენგი", "მითრიდატე ევპატორი", "ტელემაქოსი" და ა.შ. 700-ზე მეტი კანტატა, 33 სერენატა, 8 მადრიგალი.

სკარლატი დომენიკო (1685 - 1757)

ა.სკარლატის ვაჟი. მან დაწერა ოპერები, სასულიერო და საერო მუსიკა, მაგრამ ცნობილი გახდა როგორც ვირტუოზი კლავესინი. მის შემოქმედებაში მთავარი ადგილი ეკავა კლავიატურის ერთნაწილიან ნამუშევრებს, რომლებსაც „სავარჯიშოები“ უწოდა. ნოვატორი კლავიატურის ტექნოლოგიის სფეროში. ოპ. 550-ზე მეტი კლავიატურის სონატები, 12 ოპერა, 70 კანტატა, 3 მასა, Stabat Mater, Te Deum

სტრადელა ალესანდრო (1644 - 1682)

იტალიელი კომპოზიტორი, დედოფალი კრისტინას დაკვეთით შექმნილი მუსიკა. რომაული პერიოდის მის ნაწარმოებებს შორის ჭარბობს პროლოგები და ინტერმეცოები, მ.შ. ოპერებს Cavalli და Cesti. მისი ცხოვრება სავსე იყო სკანდალებითა და გახმაურებული სასიყვარულო ისტორიებით. 1677 წელს ის გენუაში გაიქცა. გენუაში დადგმულ რამდენიმე ოპერს შორის გამორჩეულია კომიქსი „ტრესპოლოს მცველი“. სტრადელა შურისძიების მიზნით მოკლეს ლომელინის ოჯახის დაქირავებულებმა.

თავისი დროის ერთ-ერთი ყველაზე ნიჭიერი და მრავალმხრივი კომპოზიტორი. ჯამში მან შეადგინა 30-მდე სასცენო ნაწარმოები და 200-მდე კანტატა. შემორჩენილია 27 ინსტრუმენტული ნაწარმოები.

ჰონორ ანტონიო (1623 - 1669)

ამ ფრანცისკანელი ბერის ნამდვილი სახელია პიეტრო. ახალგაზრდობაში მსახურობდა ეკლესიის ქორეისტად არეცოში, შემდეგ გახდა ახალბედა სანტა კროჩეს ფლორენციულ მონასტერში. ტაძრის ორგანისტი, შემდეგ ვოლტერის დირიჟორი, სადაც მას მფარველობდა მისი ოჯახი მედიჩი.კესტიის, როგორც საოპერო კომპოზიტორის კარიერა დაიწყო 1649 წელს, როდესაც მისი ოპერა ორონტეა წარმატებით შესრულდა ვენეციაში. 1652 წელს იგი გახდა ერცჰერცოგ ფერდინანდ ჩარლზის სასამართლო მუსიკოსი ინსბრუკში და სამსახურიდან გაათავისუფლეს. 1665 წლიდან მსახურობდა ვენელების ქვეშ იმპერიული სასამართლო. ვენაში გატარებული მცირე ხნის განმავლობაში მან შექმნა მრავალი ოპერა, მათ შორის. გრანდიოზული " ოქროს ვაშლი» , რომლის წარმოებაც ლეოპოლდ I-ის ქორწილს დაემთხვა. მის გარდაცვალებამდე ცოტა ხნით ადრე დაინიშნა დირიჟორად ფლორენციის ტოსკანის სასამართლოში.

ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი

ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი- XIX საუკუნის დასაწყისის უდიდესი კომპოზიტორი. რეკვიემი და მთვარის სონატა მყისიერად ამოსაცნობია ყველასთვის. კომპოზიტორის უკვდავი ნაწარმოებები ყოველთვის პოპულარული იყო და იქნება ბეთჰოვენის უნიკალური სტილის გამო.

- მე-18 საუკუნის გერმანელი კომპოზიტორი. უდავოდ თანამედროვე მუსიკის ფუძემდებელი. მისი ნამუშევრები ეფუძნებოდა სხვადასხვა ინსტრუმენტის ჰარმონიის მრავალფეროვნებას. მან შექმნა მუსიკის რიტმი, რის გამოც მისი ნამუშევრები ადვილად ერგება თანამედროვე ინსტრუმენტულ დამუშავებას.

- მე-18 საუკუნის ბოლოს ყველაზე პოპულარული და გასაგები ავსტრიელი კომპოზიტორი. მისი ყველა ნამუშევარი მარტივი და გენიალურია. ისინი ძალიან მელოდიური და სასიამოვნოა. პატარა სერენადა, ჭექა-ქუხილი და მრავალი სხვა კლდეში დაწყობილი კომპოზიცია თქვენს კოლექციაში განსაკუთრებული ადგილი დაიკავა.

- მე-18 საუკუნის ბოლოს, მე-19 საუკუნის დასაწყისის ავსტრიელი კომპოზიტორი. ჭეშმარიტად კლასიკური კომპოზიტორი. ჰაიდნისთვის ვიოლინოს განსაკუთრებული ადგილი ეკავა. ის არის კომპოზიტორის თითქმის ყველა ნაწარმოების სოლისტი. ძალიან ლამაზი და მომხიბვლელი მუსიკა.

- მე-18 საუკუნის პირველი ნახევრის იტალიელი კომპოზიტორი No1. ეროვნულმა ტემპერამენტმა და მოწყობის ახალმა მიდგომამ ფაქტიურად ააფეთქა ევროპა მე-18 საუკუნის შუა წლებში. "სეზონები" სიმფონიაა სავიზიტო ბარათიკომპოზიტორი.

- მე-19 საუკუნის პოლონელი კომპოზიტორი. ზოგიერთი ინფორმაციით, ის არის საკონცერტო და ხალხური მუსიკის კომბინირებული ჟანრის ფუძემდებელი. მისი პოლონეზი და მაზურკები შეუფერხებლად ერწყმის საორკესტრო მუსიკას. კომპოზიტორის შემოქმედებაში ერთადერთ ნაკლად ითვლებოდა ზედმეტად რბილი სტილი (ძლიერი და ცეცხლოვანი მოტივების ნაკლებობა).

- XIX საუკუნის ბოლოს გერმანელი კომპოზიტორი. მასზე ლაპარაკობდნენ, როგორც თავისი დროის დიდ რომანტიკოსად და მისმა "გერმანულმა რეკვიემმა" თავისი პოპულარობით დაჩრდილა მისი თანამედროვეების სხვა ნამუშევრები. ბრამსის მუსიკაში სტილი ხარისხობრივად განსხვავდება სხვა კლასიკის სტილებისაგან.

- XIX საუკუნის დასაწყისის ავსტრიელი კომპოზიტორი. ერთ-ერთი უდიდესი კომპოზიტორი, რომელიც არ იყო აღიარებული მის სიცოცხლეში. ძალიან ადრეულმა სიკვდილმა 31 წლის ასაკში ხელი შეუშალა შუბერტს თავისი პოტენციალის სრულად განვითარებაში. მის მიერ დაწერილი სიმღერები იყო შემოსავლის მთავარი წყარო, როდესაც უდიდესი სიმფონიებითაროებზე მტვრის შეგროვება. მხოლოდ კომპოზიტორის გარდაცვალების შემდეგ დაიმსახურა ნაწარმოებები კრიტიკოსების დიდი მოწონებით.

- XIX საუკუნის ბოლოს ავსტრიელი კომპოზიტორი. ვალსის და მარშის ფუძემდებელი. ჩვენ ვამბობთ შტრაუსი - ვგულისხმობთ ვალსს, ვამბობთ ვალსს - ვგულისხმობთ შტრაუსს. იოჰან უმცროსი მამის, კომპოზიტორის ოჯახში გაიზარდა. უფროსი შტრაუსი ზიზღით ეპყრობოდა შვილის ნამუშევრებს. მას სჯეროდა, რომ მისი შვილი სისულელეს აკეთებდა და ამიტომ ამცირებდა მას მსოფლიოში ყოველმხრივ. მაგრამ იოჰან უმცროსი ჯიუტად აგრძელებდა იმას, რაც უყვარდა და რევოლუციამ და მის პატივსაცემად შტრაუსის მიერ დაწერილმა მსვლელობამ დაადასტურა მისი შვილის გენიალურობა ევროპული მაღალი საზოგადოების თვალში.

- მე-19 საუკუნის ერთ-ერთი უდიდესი კომპოზიტორი. ოპერის მაგისტრი. ვერდის აიდა და ოტელო დღეს უაღრესად პოპულარულია იტალიელი კომპოზიტორის ნამდვილი ნიჭის წყალობით. 27 წლის ასაკში ოჯახის ტრაგიკულმა დაკარგვამ კომპოზიტორი დააბრკოლა, მაგრამ ის არ დანებდა და შემოქმედებითობაში ჩაერთო, ერთდროულად რამდენიმე ოპერა დაწერა. მოკლე ვადა. Მაღალი სოციუმივერდის ნიჭი ძალიან დაფასდა და მისი ოპერები დაიდგა ევროპის ყველაზე პრესტიჟულ თეატრებში.

- 18 წლის ასაკშიც ეს ნიჭიერი იტალიელი კომპოზიტორიდაწერა რამდენიმე ოპერა, რომელიც ძალიან პოპულარული გახდა. მისი შემოქმედების დაგვირგვინებული მიღწევა იყო გადამუშავებული პიესა "სევილიელი დალაქი". საზოგადოებისთვის წარდგენის შემდეგ, ჯოაჩინო ფაქტიურად ხელებში აიყვანა. წარმატება მთვრალი იყო. ამის შემდეგ როსინი მისასალმებელი სტუმარი გახდა მაღალი სოციუმიდა მოიპოვა მყარი რეპუტაცია.

- მე-18 საუკუნის დასაწყისის გერმანელი კომპოზიტორი. საოპერო და ინსტრუმენტული მუსიკის ერთ-ერთი ფუძემდებელი. ოპერების წერის გარდა, ჰენდელი ასევე წერდა მუსიკას „ხალხისთვის“, რომელიც ძალიან პოპულარული იყო იმ დღეებში. კომპოზიტორის ასობით სიმღერა და საცეკვაო მელოდია ჭექა ქუჩებსა და მოედნებზე იმ შორეულ დროში.

- პოლონელი თავადი და კომპოზიტორი თვითნასწავლია. ყოველგვარი მუსიკალური განათლების გარეშე გახდა ცნობილი კომპოზიტორი. მისი ცნობილი პოლონეზი ცნობილია მთელ მსოფლიოში. კომპოზიტორის დროს პოლონეთში რევოლუცია ხდებოდა და მის მიერ დაწერილი მარშები აჯანყებულთა ჰიმნად იქცა.

- გერმანიაში დაბადებული ებრაელი კომპოზიტორი. მისი საქორწილო მარში და "ზაფხულის ღამის სიზმარი" პოპულარულია ასობით წლის განმავლობაში. მის მიერ დაწერილი სიმფონიები და კომპოზიციები წარმატებით მიიღება მთელ მსოფლიოში.

- მე-19 საუკუნის გერმანელი კომპოზიტორი. მისი მისტიკური ანტისემიტური იდეა არიული რასის უპირატესობის შესახებ სხვა რასებზე მიიღეს ფაშისტებმა. ვაგნერის მუსიკა ძალიან განსხვავდება მისი წინამორბედების მუსიკისგან. ის, უპირველეს ყოვლისა, მიზნად ისახავს ადამიანისა და ბუნების დაკავშირებას მისტიკის ნაზავით. მისი ყველაზე ცნობილი ოპერები "ნიბელუნგების ბეჭედი" და "ტრისტანი და იზოლდა" ადასტურებენ კომპოზიტორის რევოლუციურ სულს.

- XIX საუკუნის შუა ხანების ფრანგი კომპოზიტორი. "კარმენის" შემქმნელი. დაბადებიდან გენიალური ბავშვი იყო და 10 წლის ასაკში უკვე კონსერვატორიაში შევიდა. ხანმოკლე ცხოვრების განმავლობაში (გარდაიცვალა 37 წლამდე) დაწერა ათობით ოპერები და ოპერეტა, სხვადასხვა საორკესტრო ნაწარმოებები და ოდა-სიმფონია.

- ნორვეგიელი კომპოზიტორი და ლირიკოსი. მისი ნამუშევრები უბრალოდ სავსეა მელოდიით. სიცოცხლის განმავლობაში წერდა დიდი რიცხვისიმღერები, რომანები, სუიტები და ეტიუდები. მისი კომპოზიცია "მთის მეფის მღვიმე" ძალიან ხშირად გამოიყენება კინოში და თანამედროვე პოპ მუსიკაში.

- მე-20 საუკუნის დასაწყისის ამერიკელი კომპოზიტორი - ავტორი "რაფსოდია ლურჯში", რომელიც განსაკუთრებით პოპულარულია დღემდე. 26 წლის ასაკში ის უკვე ბროდვეის პირველი კომპოზიტორი იყო. გერშვინის პოპულარობა სწრაფად გავრცელდა მთელ ამერიკაში, მრავალი სიმღერისა და პოპულარული შოუს წყალობით.

- რუსი კომპოზიტორი. მისი ოპერა „ბორის გოდუნოვი“ მსოფლიოს მრავალი თეატრის დამახასიათებელი ნიშანია. კომპოზიტორი თავის შემოქმედებაში ეყრდნობოდა ფოლკლორიხალხური მუსიკის მიჩნევა სულის მუსიკად. მოდესტ პეტროვიჩის "ღამე მელოტ მთაზე" ერთ-ერთია მსოფლიოში ყველაზე პოპულარული სიმფონიური სკეტჩებიდან.

ყველაზე პოპულარული და უდიდესი კომპოზიტორირუსეთი რა თქმა უნდა. "გედების ტბა" და "მძინარე მზეთუნახავი", "სლავური მარში" და "მაკნატუნა", "ევგენი ონეგინი" და " ყვავი დედოფალი"ეს და კიდევ ბევრი მუსიკალური ხელოვნების შედევრი ჩვენი რუსი კომპოზიტორის მიერაა შექმნილი. ჩაიკოვსკი რუსეთის სიამაყეა. "ბალალაიკა", "მატრიოშკა", "ჩაიკოვსკი" ცნობილია მთელ მსოფლიოში...

- საბჭოთა კომპოზიტორი. სტალინის საყვარელი. მიხაილ ზადორნოვი მკაცრად ურჩევდა ოპერის „ნამდვილი კაცის ზღაპრის“ მოსმენას. მაგრამ ძირითადად სერგეი სერგეიჩის ნამუშევარი სერიოზული და ღრმაა. "ომი და მშვიდობა", "კონკია", "რომეო და ჯულიეტა", ბევრი ბრწყინვალე სიმფონია და ნაწარმოები ორკესტრისათვის.

- რუსი კომპოზიტორი, რომელმაც შექმნა თავისი განუმეორებელი სტილი მუსიკაში. იგი ღრმად რელიგიური ადამიანი იყო და მის შემოქმედებაში განსაკუთრებული ადგილი დაეთმო რელიგიური მუსიკის წერას. რახმანინოვმა ასევე დაწერა მრავალი საკონცერტო მუსიკა და რამდენიმე სიმფონია. მისი ბოლო ნამუშევარი "სიმფონიური ცეკვები" აღიარებულია კომპოზიტორის უდიდეს ნაწარმოებად.

ჩაწერეთ თქვენი მოჭრილი შინაარსი აქ.

V. KONNOV. მე-15-16 საუკუნეების ჰოლანდიელი კომპოზიტორები. არჩეული თავები წიგნიდან.

შესავალი

ჰოლანდიელი პოლიფონისტები: ვინ არიან ისინი?

ეს კითხვა ჩნდება ადრეული მუსიკის კონცერტებზე დამსწრე ბევრი მსმენელის წინაშე. ჯოსკინ დესპრეს, ორლანდო ლასოს, ისევე როგორც ამ კომპოზიციის სკოლის სხვა წარმომადგენლების ნამუშევრები, ჩვენგან შორს საუკუნეების სიღრმეში, დღეს აღარ არის სავარძლის ისტორიკოსების საკუთრება; ის იპყრობს არა მხოლოდ პროფესიონალი მუსიკოსების ყურადღებას, არამედ მუსიკის მოყვარულები. სავსებით გამართლებული ინტერესია როგორც ამ მაღალი ხელოვნების შემქმნელების, ისე მათი შემოქმედების მუსიკალური პოეტიკისა და სტილისტიკის მიმართ. ეს ინტერესი მით უფრო ბუნებრივია, რომ ჰოლანდიური მუსიკის პოპულარობა და ხელმისაწვდომობა ახლაც არ აღწევს ეგრეთ წოდებული „ძველი ჰოლანდიელების“ მხატვრობის მსოფლიოში ცნობილი სკოლის დონეს. ყოველი განათლებული ადამიანიიცის მაინც იან ვან ეიკის, როჟე ვან დერ ვეიდენის, ლუკა ლეიდენელის, იერონიმუს ბოშის, პიტერ ბრიუგელ უფროსის სახელები; მათი შემოქმედება დღემდე ინარჩუნებს მხატვრულ გავლენას. სახელები და მუსიკალური მემკვიდრეობამათი კომპოზიტორი თანამედროვეები შედარებით ცოტას იცნობენ.

სასარგებლოა გავიხსენოთ, რომ ჰოლანდიელი პოლიფონისტების შემოქმედება ახლა მხოლოდ იწყებს აღორძინებას ახალი აქტიური ცხოვრებისკენ ორ საუკუნეზე მეტი ხნის დავიწყების შემდეგ. ეს ბედი ძველმა ნიდერლანდებმა გაიზიარეს მონტევერდისთან და შუცთან ერთად; საკმარისია მათთან ერთად დიდი დრო- დაახლოებით ერთი საუკუნის განმავლობაში - ბახის შემოქმედება დავიწყებაში დარჩა. ახლა კი, როცა ჰოლანდიელი პოლიფონისტების მუსიკამ მსმენელში დაბრუნება დაიწყო, ჩნდება კითხვა: დაკარგა თუ არა მან მხატვრული მნიშვნელობა?

და შეედრება თუ არა მუსიკის აღმოჩენები იმ პერიოდის ფერწერის, ქანდაკებისა და ლიტერატურის მიღწევებს? ამ საკითხებზე სპეციალური ლიტერატურა, რომელიც არსებობს როგორც რუსულ, ისე უცხო ენებზე, ზოგჯერ ყველაზე ურთიერთსაწინააღმდეგო მსჯელობას გვთავაზობს. და საქმე მხოლოდ იმაში არ არის, რომ იმ ეპოქის მუსიკამ ჩვენამდე სრულად ვერ მოაღწია, რომ მისი შემქმნელების ცხოვრებიდან რამდენიმე ფაქტია შემორჩენილი. უძველესი დროიდან ჩვენს დრომდე ჰოლანდიელი პოლიფონისტების საქმიანობა ძალიან განსხვავებულ შეფასებებს იწვევდა. ხელოვნების სამყაროჰოლანდიური სკოლის დამფუძნებელს, ჯ.ოკეგემს, დღეს ხშირად აფასებენ, როგორც გვიანდელი გოთიკის გამოვლინებას, როგორც რელიგიური განწყობის მისტიკურ და ენთუზიაზმით რეფრაქციას. თანამედროვეებმა ის შეადარეს დონატელოს, რენესანსის სეკულარული ჰუმანიზმის ერთ-ერთ ყველაზე თანმიმდევრულ მებრძოლს, მიქელანჯელოს ერთ-ერთ წინამორბედს. შემოქმედებითობამ გამოიწვია ურთიერთგამომრიცხავი შეფასებები ცენტრალური ფიგურაჰოლანდიელი კომპოზიტორის სკოლა Josquin Despres. ჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლის წამყვანმა თეორეტიკოსმა და იდეოლოგმა გლარიანმა ჯოსკინის შემოქმედება მიიჩნია ars perfecta-ს - „სრულყოფილი ხელოვნების“ უმაღლეს, კლასიკურ გამოხატულებად, რომელიც თავის გამოხატვას პოულობს მრავალხმიან მასასა და მოტეტში - ჟანრებში, რომლებიც აჯამებდა მთელ ისტორიას. ევროპული საკულტო მრავალხმიანობის განვითარება. გლარიანის აზრით, ამ ხელოვნებაში არაფერი შეიცვლება დეგრადაციის გარეშე. ამ თვალსაზრისით, ars perfecta-ს მომხრეებმა შემდგომში დაგმეს ოპერის შემქმნელები, მათ შორის დიდი მონტევერდი.

თუმცა, ჯოსკინის თანამედროვეებმა მის შემოქმედებაში უკვე დაინახეს სრულიად განსხვავებული ესთეტიკური თვისებები: იგი აღიარეს ახალი ხელოვნების შემქმნელად, რომელიც დაფუძნებული იყო არა სამყაროში პიროვნების გოთურ დაშლაზე, ღმერთზე, არამედ რენესანსის გამოხატულებაზე. შინაგანი სამყაროპიროვნება (არავინ, გარდა თავად გლარიანი, აკრიტიკებდა ჯოსკინს შუასაუკუნეების მოდულების მიმართ უპატივცემულო დამოკიდებულების გამო - ფუნდამენტური საფუძველი"სრულყოფილი ხელოვნების" მუსიკალური ენა). მე-16 საუკუნეში ჟოსკინს თანაბრად აფასებდნენ ისეთი შეურიგებლად მტრული იდეოლოგიების ფიგურები, როგორიცაა პაპობა და ლუთერანული რეფორმაცია.

თანამედროვე მეცნიერების მოსაზრებები ასევე ძალიან წინააღმდეგობრივია. ჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლის დამახასიათებელი V.D. Konen წერს: „ეს იყო ეპოქა, როდესაც ყველა სფეროში გონებრივი აქტივობასაერო აზროვნება ძლიერ აყვავდა და მუსიკაში უმაღლესი გამოვლინებები ღრმად ექვემდებარებოდა გრძნობათა რელიგიურ სისტემას“. პირიქით, ცნობილი ისტორიის სახელმძღვანელოს ავტორი უცხოური მუსიკაკ.კ. როზენშილდი აღნიშნავს იმდროინდელ ჰოლანდიურ მუსიკაში „საერო, ამქვეყნიური გეგმის განსაკუთრებულ საზეიმოდ“; ის იმასაც აღნიშნავს მე-19 საუკუნის დასასრულიდა XX საუკუნეებში, დიდმა რუსმა კომპოზიტორმა ს.ი. ტანეევმა მართებულად აღნიშნა ღრმად ხალხური წარმოშობაჰოლანდიელი კომპოზიტორების ნაწარმოებები.

გადაწყვეტილების ეს შეუსაბამობა შეიძლება აიხსნას ორი მიზეზით. პირველ რიგში, რთული, წინააღმდეგობრივი ბუნება მუსიკალური შემოქმედებაიმ ეპოქაში. ჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლის კომპოზიტორთა შემოქმედების ეს თავისებურება მომდევნო პრეზენტაციაში გამოვლინდება. თუმცა, თანამედროვე მასობრივი მსმენელისთვის არის სპეციფიკური ენობრივი სირთულეებიც. ვიზუალურ ხელოვნებაში რენესანსიდან მე-20 საუკუნის დასაწყისამდე არ ყოფილა ისეთი მნიშვნელოვანი სტილისტური ცვლილებები, რომლებიც გამოიწვევდა ისეთ მნიშვნელოვან „ინტონაციურ ბარიერს“, როგორიც წარმოიშვა შუა საუკუნეების, რენესანსისა და მუსიკას შორის. ერთის მხრივ მე-17 საუკუნე და მეორე მხრივ მე-19 საუკუნის მუსიკა და XX ს.

მე-18 საუკუნის მეორე ნახევრიდან ევროპული მუსიკადამკვიდრებულია მაჟორ-მინორი - ხმის სისტემა, რომელიც დღემდე ემსახურება ევროპული მუსიკალური ცნობიერების საფუძველს (სხვა ხმის სისტემების ფორმირება პროფესიულში კომპოზიტორის შემოქმედებამე-20 საუკუნემ მაინც ვერ შეარყია საზოგადოებრივ მუსიკალურ ცნობიერებაში მაიორი-მინორის დომინანტური პოზიცია). მაჟორ-მინორული რეჟიმების ფორმირებამ გზა გაუხსნა მუსიკალური კულტურის კოლოსალურ პროგრესს, რომელიც დაკავშირებულია ოპერის, სიმფონიის, კლასიკის დაბადებასთან.

სონატები, კამერული, ინსტრუმენტული და ვოკალური მუსიკა (ფორტეპიანოს მინიატურები, რომანსები). თუმცა, ისტორიაში ხშირად ხდება, რომ საზოგადოების სამეცნიერო და კულტურულ ცხოვრებაში მნიშვნელოვანი მიღწევები გარკვეულ დანაკარგებს იწვევს. ისინი განსაკუთრებით შესამჩნევი იყო მუსიკაში მე-18 საუკუნის შუა ხანებში. მაიორ-მინორის საბოლოო დამტკიცებამ გამოიწვია მუსიკალური კულტურის მთელი წინა ფენის გრძელვადიანი დავიწყება: ბახისა და შუტცის, მონტევერდისა და პერსელის ნამუშევრები, რომ აღარაფერი ვთქვათ მე-15-16 წლების ჰოლანდიელ, იტალიელ და ფრანგ ოსტატებზე. საუკუნეები, გრძელი წლები, ათწლეულები და საუკუნეებიც კი გაქრა კონცერტის რეპერტუარიდან.

მე-17 საუკუნის დასაწყისამდე ევროპულ პროფესიონალურ მუსიკაში დომინირებდა თითქმის ექსკლუზიურად შვიდსაფეხურიანი დიატონური მასშტაბის მელოდიური რეჟიმები (ე.წ. შუა საუკუნეების რეჟიმები), რომლებიც საფუძვლად დაედო უძველესი ფენის ხალხური სიმღერის ტრადიციას, რომელიც წარმოიშვა დაახლოებით. მე-14-15 საუკუნეებში. ეპოქის „ინტონაციური ლექსიკა“, რომელმაც არ იცოდა თანამედროვე ძირითადი და მცირე კლავიშები მათი თანდაყოლილი ჰარმონიული ფუნქციონალობით, ისეთივე მნიშვნელოვნად განსხვავდებოდა თანამედროვესგან, როგორც ძველი ჰომეროსის ეპოსის ლიტერატურული გამონათქვამები განსხვავდება შექსპირის დრამების სტილისაგან, როგორც გულუბრყვილო. უძველესი შუა საუკუნეების ხატების კუთხოვანი (ერთი შეხედვით) მოხატულობა – დან რეალისტური მხატვრობარემბრანდტი. ძველი მუსიკის ამ უზარმაზარი და, უფრო მეტიც, ჰეტეროგენული სტილისტური ფენის ახალი ცხოვრების გამოღვიძება მე-19 საუკუნეში დაიწყო მისი, ასე ვთქვათ, „პერიფერიიდან“ - მე-18 საუკუნის მემკვიდრეობიდან. იგი უფრო ადვილად შევიდა მისი თანამედროვეების სმენით ცნობიერებაში, რადგან ეს იყო დიდი ბახის მიერ განზოგადებული ანტიკური წინაკლასიკური ეპოქის სტილისტური მახასიათებლებისა და ბახის მიერ გათვალისწინებული გარკვეული ნიშნებით ახალი, „კლასიკოსის“ ერთობლიობა. პირველად ვენის კლასიკური სკოლის ოსტატებმა - ჰაიდნმა, მოცარტმა და ბეთჰოვენმა აიყვანეს მიუწვდომელ მხატვრულ სიმაღლეზე. და შემთხვევითი არ არის, რომ მე-19 საუკუნის რომანტიული კომპოზიტორების მიერ ბახის აღორძინებამ აღნიშნა პრეკლასიკური ეპოქის მხატვრული ფასეულობების რეაბილიტაციის ხანგრძლივი პროცესის დასაწყისი, პროცესი, რომელსაც დღეს მიაღწია. მიუზიკლის ერთგვარი აღორძინება

რენესანსი. უფრო მეტიც, ინდივიდუალური საშემსრულებლო ჯგუფები წარმატებით იწყებენ შუა საუკუნეების მუსიკალური კულტურის ღირებულებების პოპულარიზაციას, კიდევ უფრო შორს გადადიან საუკუნეების სიღრმეში.

XV-XVI საუკუნეების ხანამ არ იცოდა საკონცერტო ცხოვრების საერო საზოგადოებრივი ფორმები. მას ახასიათებდა მუსიკის შემოქმედების სამი ტიპი, დამახასიათებელი მთელი შუა საუკუნეების კულტურისთვის და შეესაბამება ფეოდალური საზოგადოების სამი ფენის სოციალურ მოთხოვნილებებს: საერო ფეოდალებს, სასულიერო პირებს და მესამე სამკვიდროს (მასში შედიოდნენ გლეხებიც და შუა საუკუნეების ქალაქების ხელოსნები და მდიდარი ბურგერები). საუბარია საერო პროფესიულ მუსიკაზე, რელიგიურ მუსიკაზე და ხალხურ ხელოვნებაზე. ხალხური ხელოვნება (ფოლკლორი, ანუ ზეპირი ტრადიციის სიმღერები და ცეკვები) იმ ეპოქაში საერო მუსიკის შექმნის მთავარი დემოკრატიული ფორმა იყო. ძალიან მნიშვნელოვანია, რომ ნიდერლანდები განთქმული იყო ხალხური სიმღერის მდიდარი კულტურით. ნიდერლანდების ხალხი ძალიან მუსიკალური იყო. არსებობს მტკიცებულება იტალიელი გუიკარდინისგან, რომელიც წერდა ნიდერლანდებზე 1556 წელს, რომ „ხალხი, ერთად სიმღერას არ ისწავლის, ძალიან ლამაზად და ჰარმონიულად მღერის სწორად“. ასევე არსებობს მტკიცებულება, რომ მე-15-16 საუკუნეებში ნიდერლანდებში მუსიკა უფრო მეტად უყვარდათ, ვიდრე მხატვრობა და ქანდაკება.

სწორედ სიმღერის ფოლკლორში გაჩნდა პირველად ნათელი, რეალისტურ-საერო გამოსახულება, რომლის მთავარი მატარებელი იყო მდიდარი მელოდია; მოგვიანებით ჰოლანდიელი კომპოზიტორები მას ეყრდნობოდნენ.

ამ სიმღერებიდან ბევრი ჟღერდა ჰოლანდიელი კომპოზიტორების მრავალხმიან მასებში: არა მხოლოდ უცვლელი სახით, როგორც ციტატები, არამედ როგორც ინდივიდუალური მელოდიური ენის ფუნდამენტური საფუძველი.

ფოლკლორის აყვავება ძალზე მნიშვნელოვანია ნიდერლანდების მუსიკაში მიმდინარე განახლების პროცესების გასაგებად. ფოლკლორის არსებობა დაკავშირებული იყო არა მხოლოდ გლეხობის მუსიკის შემოქმედებასთან, არამედ ჰოლანდიის ქალაქების ახალ ბურგერულ კულტურასთან. ამას მოწმობს ფოლკლორული მუსიკოსების ასოციაციების არსებობა - მინსტრები, ასევე ეგრეთ წოდებული "რიტორიკული კამერები" - ერთგვარი ლიტერატურული.

ხელნაკეთობების სახელოსნოები, რომლებშიც მუსიკის შექმნა ექვემდებარებოდა ყველაზე მკაცრ და დახვეწილ ფორმალურ რეგულაციას. ასეთი ასოციაციების წესების ნაკრები შეიძლება წარმოვიდგინოთ ცნობილი "ბეკმესერიზმიდან", რომელსაც დასცინოდა ვაგნერი ოპერაში "Die Meistersinger of Niurnberg". და მაინც, ხალხური ხელოვნება ნიდერლანდებში ფაქტიურად გაჩაღდა. ეს იყო ნაყოფიერი ნიადაგი, რომელზეც აყვავდა პროფესიული მუსიკის შემოქმედების ყველაზე ღირებული ნიმუშები.

გადავდივართ პროფესიულ ჟანრებზე, აღვნიშნავთ: თანამედროვე მსმენელისთვის ჰოლანდიური მრავალხმიანობის აღქმის სირთულე არის ის, რომ ის განასახიერებს ახალი სისტემაგრძნობები მუსიკის შექმნის დღევანდელ მოძველებულ ფორმებში. მუსიკალური ცხოვრებაგანხილული პერიოდის ნიდერლანდები შეიცავდა შუა საუკუნეების მნიშვნელოვან ნაშთებს, რომლებიც თითქმის მთლიანად გაქრა ისტორიული სცენიდან მე-18 საუკუნის შუა წლებში.

ეს განსაკუთრებით ეხებოდა საერო პროფესიულ მუსიკას, რომელიც ძირითადად არსებობდა გავლენიანი საერო ფეოდალების სამლოცველოებში და უპირველეს ყოვლისა ბურგუნდიის ჰერცოგების.

საერო არისტოკრატია, რომელსაც წარმოადგენდნენ ბურგუნდიელი ჰერცოგები და მათი სასამართლო, ზრუნავდა არა ძველი სწავლების აღორძინებაზე და ზნეობის დახვეწაზე, როგორც ეს იყო იტალიაში, არამედ ყოფილი რაინდული მამაცობის პრესტიჟის დაბრუნებაზე. მათი სამლოცველოების მთავარი ამოცანაა სამთავრო კარების საზეიმო რიტუალების გაფორმება.<…>[მუსიკის] როლი შემოიფარგლებოდა ძირითადად გასართობი ფუნქციებით. ამან გამოიწვია სიმსუბუქე, ზედაპირულობა, ეთიკური და ესთეტიკური დონე. <…>სწორედ ამიტომ, განსახილველი პერიოდის ისტორიულ პირობებში, ჰოლანდიელი კომპოზიტორების შემოქმედებაში საერო პროფესიულმა ჟანრებმა ვერ მიაღწიეს საკულტო მუსიკის ხელმისაწვდომ სიმაღლეებს.

ცხადია, რომ ამ პირობებში ეკლესიას უდიდეს შემადგენელი ძალები მოეყარა.<…>საკულტო ჟანრებს ორი დიდი უპირატესობა ჰქონდათ. პირველი არის იდეოლოგიური და ეთიკური შინაარსის მნიშვნელოვნად გაღრმავების შესაძლებლობა. არ უნდა დაგვავიწყდეს, რომ შუა საუკუნეებში იყო ტაძრები და მონასტრები უდიდესი ცენტრებიგანათლება. მონასტრებს ჰქონდათ დიდი ბიბლიოთეკები, რომლებშიც ინახებოდა მუსიკალური ნაწარმოებების ხელნაწერებიც. სამღვდელოების უმაღლეს წოდებებს, ასე თუ ისე, უნდა გაუმკლავდეთ თეოლოგიის პრობლემების განვითარებას, რომელიც იმ დროს განუყოფლად იყო დაკავშირებული ფილოსოფიასთან. თეოლოგიური პრობლემების განვითარების მიღმა წარმოუდგენელი იყო ახალი ჰუმანისტური ფილოსოფიის აგება ან ახალი. სამეცნიერო სურათიმშვიდობა.<…>მეორე: სწორედ მუსიკოსებისთვის იყო იმ დროს ეკლესიის დაკვეთით შესრულებული სამუშაო უაღრესად ნაყოფიერი, რადგან შუა საუკუნეების ისტორიულ პირობებში მხოლოდ ეკლესია იძლეოდა პროფესიული მუსიკის ფართო საჯარო შესრულების შესაძლებლობას.<…>

ასეთმა ჰეტეროგენულმა მუსიკალურმა ცხოვრებამ წამოაყენა ჟანრები, რომლებიც ზოგადად შორს იყო თანამედროვე მუსიკალური კულტურისგან, მაგრამ ნამდვილად ასახავდა მე-15-მე-16 საუკუნეების კულტურის „მრავალსტრუქტურას“. უკვე XV საუკუნის პირველი მეოთხედის ბოლოსათვის დამახასიათებელი გახდა სამი ძირითადი ჟანრი - "დიდი", "პატარა" და "შუალედური" (ისინი გამოავლინა გავლენიანმა მუსიკის თეორეტიკოსმა ი. ტინტორისმა 1475 წელს): მასა, სიმღერა(შანსონი) და მოტეტი.

იმდროინდელი მუსიკის სპეციფიკური მახასიათებელი იყო ამ ჟანრების წმინდა ვოკალური ბუნება. ეს, რა თქმა უნდა, არ ნიშნავს, რომ მუსიკალური ინსტრუმენტები და ინსტრუმენტული მუსიკა არ იყო. თუმცა, ინსტრუმენტული მუსიკა მთლიანად იყო დამოკიდებული ვოკალურ მუსიკაზე თემატური თემების, აზროვნების პრინციპების, ფორმებისა და გამოსახულების თვალსაზრისით. ყველაზე გავრცელებული იყო ანსამბლური ინსტრუმენტული მუსიკის დამზადება: იგი საგუნდო ნაწარმოებებზე იყო დაფუძნებული. ინსტრუმენტაციის ვოკალურ-საგუნდო კულტურაში შეღწევის კიდევ ერთი გზა იყო დაკარგული ხმის ინსტრუმენტებით შევსების შესაძლებლობა, ან, როგორც ჩანს, ვოკალური ხმების ფართოდ გავრცელებული დუბლირება ინსტრუმენტებით, ძირითადად ჩასაბერი ინსტრუმენტებით. ასე იყო პროფესიული მუსიკის ჟანრებში. ზეპირი ტრადიციის მუსიკაში ფართოდ გავრცელდა სპეციალურად ინსტრუმენტული მუსიკის დასაწყისი ყოველდღიური ცეკვების, იმპროვიზაციების სახით საყვარელ საყოფაცხოვრებო სიმებიან ინსტრუმენტზე - ლაითზე, ასევე ორღანზე ან სხვა კლავიატურ ინსტრუმენტებზე. თუმცა, მხოლოდ XVII დასაწყისშისაუკუნეში, ინსტრუმენტული მუსიკის ეს ნერგები თანაბარი გახდა ვოკალური მუსიკის უფლებებში. ჰოლანდიური მუსიკალური კულტურის პერიოდი, რომელიც გვაინტერესებს, სწორედ ვოკალური ჟანრების დომინირებაზე მიუთითებს.

საერო ვოკალური მრავალხმიანობა წარმოდგენილი იყო მრავალხმიანი შანსონით (სიმღერით). ეს სახელი აჯამებს საერო ვოკალური ტექსტების რამდენიმე სახეობას, რომლებიც ძირითადად სასიყვარულო შეთქმულებებზე იყო დაფუძნებული. ჰოლანდიელი კომპოზიტორების შემოქმედებაში ძველმა მრავალხმიანმა შანსონმა მნიშვნელოვანი ცვლილებები განიცადა, რაზეც შემდგომში ვისაუბრებთ; ახლა აუცილებელია ამ ჟანრის წარმოშობის აღნიშვნა - პოლიფონიური რონდელები, ლეები, ვირელები, ბალადები. ეს ჟანრები რითმული ტექსტის რთული და მრავალფეროვანი სისტემებით და მუსიკალური მასალის გამეორებებით („რეფრენები“) XIII საუკუნეში ფრანგი ტრუბადურებისა და ტრუვერების მუსიკალურ და პოეტურ შემოქმედებაში დაიბადა. თუმცა მრავალხმიანი სიმღერის დაბადება მე-14 საუკუნეა. ცნობილი ფრანგი პოეტისა და კომპოზიტორის გ. დე მაშოს (1300–1377) შემოქმედებაში „ვერბალური“ ლირიზმი უკვე მრავალხმიანობაშია განსახიერებული: სიმღერამდე.

ზედა ხმის გარდა ემატება ერთი, ორი ან სამი ხმა, შესრულებული ინსტრუმენტებით. თუმცა აქ ვერ ვისაუბრებთ სოლო სიმღერაზე აკომპანიმენტით: ასეთი მრავალხმიანობის ყველა ხმას, მიუხედავად იმისა, მღერიან თუ ინსტრუმენტებზე შესრულებული, ერთნაირი - ვოკალური - ბუნება აქვს; ჩვენ შეგვიძლია ვისაუბროთ მხოლოდ ზედა (სასიმღერო) ხმის მელოდიური ნიმუშის უფრო ინდივიდუალიზებულ ბუნებაზე. რა თქმა უნდა, „ინსტრუმენტული აკომპანიმენტის“ მეტ-ნაკლებად დამოუკიდებელ როლზე საუბარი არ შეიძლება: თანამედროვე კამერული ვოკალური ლირიკის დაბადებამდე ჯერ კიდევ თითქმის ორი საუკუნეა დარჩენილი. თუმცა, ამ მოკრძალებული შესაძლებლობების საზღვრებშიც კი, მაშოტმა და მის შემდეგ პოლიფონიური სიმღერის ადრეული კულტურის წარმომადგენლებმა დიუფაიმ და ბენშოამ შეძლეს მიაღწიონ დახვეწილ ექსპრესიულ ეფექტებს, გადალახეს არისტოკრატული ხელოვნების მანერიზმი და პრეტენზიულობა დემოკრატიულ სიმღერებზე დაყრდნობით. .

ჰოლანდიელი კომპოზიტორების შემოქმედებისთვის დამახასიათებელი ჟანრების კიდევ ერთი ჯგუფი მოიცავს მასას და მოტეტს. მესა არის რელიგიური მუსიკის ჟანრი (შესრულებულია საეკლესიო მსახურების დროს), მოტეტები იწერებოდა როგორც საერო, ისე სულიერ თემებზე. მიუხედავად ამისა, ამ ჟანრებს ბევრი საერთო აქვთ. ჰოლანდიური სკოლის ისტორიული განვითარების პროცესში საერო მოტეტები ჩაანაცვლა მრავალხმიანმა მრავალხმიანმა სიმღერამ; მეორე მხრივ, უკვე მაშოტიდან დაწყებული, მრავალნაწილიანი მრავალხმიანი მასა დაიწყო ლიტურგიკულ ტექსტზე მოტეტების ერთგვარი ციკლის ინტერპრეტაცია. შანსონისგან განსხვავებით, რომელშიც, როგორც წესი, ერთი და იგივე მელოდია მეორდება ტექსტის სხვადასხვა სტროფებით (როგორც თანამედროვე სტროფულ ან ლექსის სიმღერაში), მოტეტი მთლიანობაში არის თავისუფალი, დაურეგულირებელი კომპოზიცია, რომელიც შედგება რამდენიმე მონაკვეთისგან. კონტრასტული მასალაში. ამ მონაკვეთების მონაცვლეობა, თანმიმდევრობა და მათი გამომსახველობა განისაზღვრება მოტეტის საფუძვლიანი ტექსტის მნიშვნელობით.

მოტეტის თითოეული ნაწილის შიდა სტრუქტურა ჰოლანდიური მრავალხმიანი სკოლის განვითარების ადრეულ და გვიან ეტაპებზე განსხვავებული იყო, მაგრამ არსებობდა არსებითი საერთო მახასიათებელი, რომელიც განასხვავებდა მოტეტს სიმღერისგან: სიმღერა ეფუძნებოდა ორიგინალურ თემატიკას.

რუსული მასალა, მოტე - ნასესხებ მასალაზე. ასეთ ნასესხებ მასალას ეწოდება canthus firmus. კონტრასტული ზედა ხმები იყო "ფენიანი" ("აშენებული") cantus firmus-ზე. შუა საუკუნეებში (XIII-XIV სს.) ამ კონტრასტს ამძიმებდა ის ფაქტი, რომ სხვადასხვა ტექსტები ერთდროულად იმღერა სხვადასხვა ხმაზე. საქმე ეხება კურიოზულ შემთხვევებს, როცა კანტუს ფირმუსის სიმღერა რელიგიურ გალობას ეყრდნობოდა, სხვა ხმაში კი ტექსტი სიყვარულის მოზღვავება იყო, მესამეში კი - სატირა მთვრალ ბერებზე! ეს ყველაფერი ერთდროულად ჟღერდა ტექსტის მსგავსი რიტმის გამო.

მოტეტის შემდგომ ისტორიაში კომპოზიტორები ეძებდნენ უფრო ორგანულ პოეტურ და მუსიკალურ კავშირებს მრავალხმიანი მოტეტის ხმებს შორის. ჰოლანდიელებს შორის მოტეტი ხდება ერთ-ერთი ყველაზე კონცეპტუალურად განვითარებული ჟანრი. ჩვენთვის საინტერესო ეპოქაში მის არსებობას ჰოლანდიური სკოლის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენლის მოღვაწეობის მაგალითებით მივყვებით. აქ მხოლოდ წინასწარ უნდა ითქვას მოტეტის თემატური მასალის - cantus firmus-ის წარმოშობის შესახებ. ამ თანამდებობაზე, უძველესი ტრადიციის თანახმად, დამკვიდრდა გრიგორიანული გალობა - მონოფონიური საგუნდო გალობა ლიტურგიკულ ტექსტზე, რომელიც სისტემატიზებულია, ლეგენდის მიხედვით, პაპ გრიგოლ დიდის (დ. 604) მიერ.

გრიგორიანული გალობა არსებითად იყო საგალობლების საკმაოდ მრავალფეროვანი ნაკრები გუნდისთვის (აქედან გამომდინარე, სახელწოდება ქორალი): მათ შორის ორი ტიპი გამოირჩევა. ფსალმოდია არის გაზომილი გამოთქმა, წმინდა წერილის ტექსტის ასეთი ინტონაცია, ძირითადად ერთი ბგერის სიმაღლეზე, რომელშიც

ტექსტის ერთი მარცვლისთვის არის გალობის ერთი შენიშვნა; საიუბილეო საგალობლები - სიტყვა "ალილუიას" მარცვლების უფასო გალობა, რომელიც განასახიერებს მორწმუნეთა აღფრთოვანებას. შუა საუკუნეების მუსიკალურ კულტურაში თავისი ფუნქციის მიხედვით, გრიგორიანული გალობა სრულიად საპირისპირო იყო ხალხური სიმღერისა. თუ ხალხური სიმღერა ასახავდა რეალურ, ცოცხალ ადამიანურ განცდებს, რეალობის უშუალო განცდას, მაშინ გრიგორიანული გალობა მოწოდებული იყო, რომ ადამიანის ცნობიერებიდან გამოეყო მიწიერი აზრები, ღვთაებრივი იდეებისკენ მიემართა მისი აზრები და გრძნობები.

გრიგორიანულმა გალობამ ძლიერი და უნიკალური გავლენა მოახდინა მრევლზე. მისი საკუთარი ისტორია წარმოადგენდა თანმიმდევრულ კომპრომისს, რის შედეგადაც, ხალხურ სიმღერასთან „დაპირისპირების“ ნაცვლად, თავად გრიგორიანული გალობა (უპირველეს ყოვლისა „ალილუია“ და სხვა საგალობლები) გაჯერებული იყო ხალხური სიმღერის ფრაზებით. საეკლესიო ხელისუფლება იძულებული გახდა, ღვთისმსახურების დროს მელოდიური ხალხური სიმღერების საფუძველზე საგალობლების, ეგრეთ წოდებული მიმდევრების შესრულება დაუშვას. მრავალი ასეთი თანმიმდევრობა - მათ შორის "Dies irae", რომელიც ცნობილი გახდა მუსიკალური კულტურის შემდგომ ისტორიაში - არის ხელოვნების მაღალი, მუდმივი ნიმუშები, რომლებმაც სრულად შეინარჩუნეს თავიანთი მხატვრული გავლენა დღემდე.

თავდაპირველად მოტეტები ძირითადად გრიგორიანული cantus firmus-ში იწერებოდა. თუმცა, შუა საუკუნეებში გაჩენილი ტენდენციის გაგრძელების შემდეგ ლიტურგიკული მუსიკის აბსტრაქციისა და მისტიკური განცალკევების დასაძლევად, ჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლის კომპოზიტორებმა თანდათან დაიწყეს მოტეტის მელოდიური ხმების გაჯერება საერო ხალხური სიმღერის მასალით, გამოიყენეს იგი ან როგორც. cantus firmus ან როგორც კომპოზიციის „თავისუფალი“ ხმების საფუძველი.

რამდენიმე სიტყვა წინასწარ უნდა ითქვას მესაზე. ჰოლანდიურ მუსიკალურ კულტურაში ამ ჟანრის როლის გასაგებად, გასათვალისწინებელია მისი წინა ისტორია. თავდაპირველად (XIV საუკუნემდე) მასა ძირითადად მონოფონიური იყო; გალობა, რომელიც განასახიერებდა მის ტექსტს, ჯდება გრიგორიანული გალობის საკანონმდებლო ჩარჩოში. თუმცა, წირვაზე მოსმენილი გრიგორიანული გალობა საკმაოდ მრავალფეროვანი იყო. უპირველეს ყოვლისა, ისინი იყოფოდნენ თავიანთი შემადგენლობის მიხედვით ფსალმოლოგიურად და ჰიმნიკურად. მეორეც, არსებობდა გრიგორიანული მესის ორი სახის მუსიკალური „ციკლი“: „სპეციალური მასა“ (Missa proprium), რომლის ნაწილების შემადგენლობა იცვლებოდა იმ დღესასწაულის მიხედვით, რომელზედაც ტარდებოდა ღვთისმსახურება და „ჩვეულებრივი მასა“ (Missa ordinarium), რომლის კომპოზიცია შეიცავდა ხუთ მუდმივ ნაწილს: 1) Kyrie Eleison - „უფალო, შეიწყალე“, 2) Gloria in excelsis Deo - „დიდება ღმერთს უმაღლესში“, 3) Credo - „ მე მჯერა“, 4) Sanctus et Benedictus - „წმინდა“ და „კურთხეული იყოს“ და ბოლოს 5) აგნუს დეი - „ღვთის კრავი“.

ადრეულ შუა საუკუნეებში (IX საუკუნემდე) "ჩვეულებრივი მასა" გამოირჩეოდა "განსაკუთრებულისგან" არა მხოლოდ ნაწილების შემადგენლობით, არამედ მის შესრულებაში მორწმუნეთა მთელი საზოგადოების მონაწილეობით. მრევლებმა (აბსოლუტური უმრავლესობა მოსახლეობის დემოკრატიული ფენის წარმომადგენლები იყვნენ) ხალხური სიმღერის ინტონაციების მაცოცხლებელი სითბო გრიგორიანული მონოფონიის მკაცრ, ასკეტურ სტილში შეიტანეს და ეს ხალხური გავლენა ეკლესიამ შეძლებისდაგვარად საგულდაგულოდ აღმოიფხვრა. . თუმცა, წირვის შემდგომ ისტორიაში სიცოცხლისუნარიანი აღმოჩნდა მხოლოდ ზემოთ ჩამოთვლილი „ჩვეულებრივი მასის“ ხუთი ნაწილი, რომელიც პირველად შეასრულა ყველა მრევლს.<…>

თანამედროვე მუსიკალური აზროვნების საწყისებზე

ჰოლანდიური კომპოზიციური სკოლის უდიდესი მიღწევა, რომელმაც მას საპატიო ადგილი დაიკავა მსოფლიო მუსიკალური კულტურის ისტორიაში, იყო თანამედროვე პრინციპების ჩამოყალიბება. მუსიკალური აზროვნება. მათმა ჩამოყალიბებამ უზარმაზარი პერსპექტივები გახსნა მუსიკის შინაარსის ზრდისთვის მუსიკალური ხელოვნებასაკუთარი საშუალებებით უპასუხოს ყველაზე რთულ ფილოსოფიურ და სოციალური პრობლემები. თანამედროვე მუსიკალური აზროვნების რა სპეციფიკური ნიშნები მოამზადეს ჰოლანდიური კომპოზიციური სკოლის წარმომადგენლებმა? და კონკრეტულად რა არის ეს „მუსიკალური აზროვნება“, შეიძლება იკითხოს მკითხველმა?

მაღალგანვითარებულ კლასიკაზე ფიქრი მუსიკალური ჟანრებიმნიშვნელოვანი და მნიშვნელოვანი ცნებების მხატვრულ განსახიერებასთან დაკავშირებული, მუსიკის თეორიაში გამოუცდელმა ადამიანმაც კი შეიძლება თქვას, რომ ძირითადი მუსიკალური აზრები და მათი განვითარება ისეთ ცნობილ ნაწარმოებებში, როგორიცაა მოცარტის, ბეთჰოვენის, ჩაიკოვსკის, შოსტაკოვიჩის სონატები და სიმფონიები, დაკავშირებულია მუსიკალური თემები თავისი უნიკალური ექსპრესიულობით, დრამატურგიით, კონცეფციითა და გენერალური გეგმით შედგენილია ნაწარმოებში სხვადასხვა თემების ცვლილებების, გარდაქმნებისა და შეჯახების მთელი ჯამისაგან.

თუმცა, თუ ჰოლანდიელი კომპოზიტორების შემოქმედებას გავეცნოთ, მოველით მათში მსგავსი თემების მოსმენას და ისეთივე თემატურ განვითარებას, როგორც ბეთჰოვენის შემოქმედებაში, იმედგაცრუებული დავრჩებით. იშვიათი გამონაკლისების გარდა, ჩვენ ვერ ვიპოვით იქ ფართო, მკაფიოდ განსაზღვრულ

ახალი დასამახსოვრებელი მელოდიები. ხშირად მთელი თემატიზმი მცირდება მცირე მასშტაბის მსგავს მოტივებზე ან მოკლე დეკლამაციურ ბრუნვამდე, რომელიც წარმოიქმნება ტექსტის ექსპრესიული გამოთქმით. განსაკუთრებით არქაულად ჟღერს იმ დროისთვის დამახასიათებელი თემატიკის ტიპი - cantus firmus, მიუხედავად იმისა, რომ დუფაის დროიდან მან შთანთქა არსებული ხალხური სიმღერების მასალა. კანტუს ფირმუსი მოთავსებული იყო, როგორც წესი, საგუნდო კომპლექსის ტესიტურაში ერთ-ერთ „შუა“ ხმაში და არ შედიოდა სმენის აღქმის აქტიურ ზონაში, რომელიც ჩამოყალიბდა „ექსტრემალური“ ხმებით - ტრიბლი და ბასი. შესაძლოა კომპოზიტორთა სურვილი, „დამალულიყვნენ ცნობისმოყვარე თვალებისგან“ საერო მუსიკალური მასალა, რომელიც არ შეესაბამებოდა ლიტურგიული ჟანრების თემებს. მაგრამ თავად cantus firmus-ის მასალა წარმოდგენილი იყო უკიდურესად გაფართოებული, უფრო გრძელი რიტმული ხანგრძლივობით სხვა ხმებთან შედარებით, რაც ხელს უშლიდა მის აღქმას, როგორც ჰოლისტურ ფორმირებას.

და მაინც, ნიდერლანდებმა გადამწყვეტი ნაბიჯი გადადგა თემატიკისა და თემატური განვითარების ფორმირებაში. გავიხსენოთ, რომ გრიგორიანულ გალობაში - იმდროინდელი საკულტო მუსიკის ოფიციალურ ფორმაში - ყველაფერი მიზნად ისახავდა წმინდა წერილის ტექსტის გამოხატულ და მკაფიო წარმოთქმას. გრიგორიანული გალობა იყო სრულყოფილი და ამიტომ დახურული მხატვრული სისტემა. ამიტომ, თავიანთი ინოვაციური სტილისტური ძიებაში კომპოზიტორებს შეეძლოთ დაეყრდნოთ მხოლოდ ხალხურ სიმღერებს.

ხალხურ სიმღერაში რამდენიმე ფენაა. ყველაზე უძველესი არის სიმღერები, რომლებიც დაკავშირებულია წარმართულ იდეებთან, მათ ახასიათებთ მაგიური ფუნქციის ნარჩენები. მათი მუსიკალური ენა შედგება სამ-ექვსნოტიანი გალობის გამეორებისგან, ე.წ. კიდევ ერთი მნიშვნელოვანი ფენა დაკავშირებულია ლირიკული გამოსახულების ფორმირებასთან. ამ მხრივ ერთმანეთს დაემთხვა სხვადასხვა ეროვნული ხალხური სიმღერის კულტურის განვითარების გზები. ლირიკული ხალხური სიმღერის სტრუქტურული თავისებურებების ზოგადი წარმოდგენა ასევე შესაძლებელია არსებული რუსული მასალის საფუძველზე. ლირიკული სიმღერის მიღწევების არსი ასეთია:

მისი მუსიკა აღარ შემოიფარგლება გამეორებით - ორიგინალური გალობის (ფორმულის) „მორევით“. პირიქით, სიმღერის გახსნის მოტივი მოქმედებს როგორც ერთგვარი „თემატური თესლი“, საიდანაც მელოდიური გასროლების ვარიანტულ აყვავებაში იზრდება ინტეგრალური მუსიკალური ორგანიზმი.

ჰოლანდიელმა კომპოზიტორებმა ისესხეს ეს "მიკროთემები" - მოტივური ფორმულები და მათი ვარიანტის განვითარება - "გაშენება" ნიდერლანდების მდიდარი ხალხური სიმღერის კულტურიდან, როგორც მელოდიური აზროვნების საფუძველი, მნიშვნელოვნად გაამდიდრეს მათ შემოქმედებაში. თუმცა მათი მთავარი მიღწევა სწორედ ამ საფუძველზე პროფესიული მრავალხმიანობის განვითარება იყო.

მრავალხმიანობა წარმოიშვა სპონტანურად ხალხურ სიმღერებში, ყველაზე ხშირად ერთი და იგივე მელოდიის სხვადასხვა ვერსიის ერთდროული შესრულების შედეგად. ჰოლანდიელი კომპოზიტორების შემოქმედებაში ყოვლისმომცველი განვითარება მიიღო მრავალხმიანობის ერთ-ერთმა ძირითადმა სახეობამ - მრავალხმიანმა.

ნებისმიერ პოლიფონიაში, ყოველ მოცემულ მომენტში, სმენითი აღქმა გამოირჩევა მთავარი ხმა, ყველაზე შინაარსიანი მასალის - თემატურის მატარებელი, დარჩენილი ხმები ასე თუ ისე ემსახურება თემატური რელიეფის ფონს. თუ თემის მატარებელი ერთადერთი ზედა ხმაა, ხოლო დარჩენილი ხმები გასწორებულია მათი გამომხატველი მნიშვნელობით, გაერთიანებულია აკორდების კომპლექსებად, მაშინ ამ ტიპის მრავალხმიანობას ჰომოფონია ეწოდება. თუ მრავალხმიანობის რომელიმე ხმას შეუძლია ნებისმიერ მომენტში ჩაიბაროს თემატური ინიციატივა, თუ შემდგომში ამ თემის თანმხლები ხმები არ დაკარგავენ ინდივიდუალობას - მაშინ საქმე გვაქვს მრავალხმიანობასთან. პოლიფონიური განვითარების პრინციპების ყოვლისმომცველი განვითარება ქმნის ჰოლანდიელი კომპოზიტორების ინოვაციის საფუძველს.

პოლიფონიური აზროვნების ტექნიკის დაპყრობა განსაკუთრებული მნიშვნელობის მოვლენა იყო, ის საკმაოდ შედარებულია ფერწერის ბრტყელი გამოსახულების მრავალგანზომილებიანზე გადასვლასთან. მრავალხმიანობა არის ეპოქის ერთ-ერთი ყველაზე დამახასიათებელი მიღწევა, რომლის ფილოსოფიურ-ესთეტიკური დევიზი იყო ერთობის ძიება ყველა ახალი მეცნიერული მრავალფეროვნებაში.

და ხელოვნების ღონისძიებები, იხსნება ევროპელების ცნობიერებისთვის. მართალია, მუსიკას ჯერ არ ჰქონდა შესაძლებლობა დაეხასიათებინა რეალობის სითხის ნაკადის ცვალებადობა საკუთარი საშუალებებით - ეს მუსიკის ხელოვნებაში მოვიდა ბევრად მოგვიანებით, კლასიციზმის ეპოქაში. რენესანსმა განავითარა სხვები გამოხატვის საშუალება, რაც საშუალებას აძლევს ადამიანს მუსიკაში ასახოს ბუნების (მაკროკოსმოსი) და ადამიანის სულის (მიკროკოსმოსის) სირთულე, ჰეტეროგენულობა და შინაგანი წინააღმდეგობები. პარალელურად განვითარებადი დამოუკიდებელი მელოდიური ხაზების „ერთჯერადი კონტრასტი“ (ტერმინი ეკუთვნის საბჭოთა მუსიკოსს ტ. ნ. ლივანოვას) ჰოლანდიელი პოლიფონისტების ერთ-ერთი ფუნდამენტური მიღწევა იყო. ამიერიდან მუსიკას, მიუხედავად იმისა, რომ აგრძელებდა სიტყვასთან კავშირში ყოფნას, უკვე გააჩნდა განვითარების საკუთარი დამოუკიდებელი კანონები; იგი გამოვიდა დაქვემდებარებაში.

მუსიკალური აზროვნების დამოუკიდებლობა აისახა ახალი სანოტო სისტემის - მენსურალის შემუშავებაში. XIII–XIV სს-მდე. არსებობდა ეგრეთ წოდებული საგუნდო ნოტაცია, რამაც შესაძლებელი გახადა მელოდიის ცალკეული ბგერების სიმაღლის ჩაწერა. არ არსებობდა მუსიკალური ბგერების ხანგრძლივობის მითითების მეთოდები: არ იყო მათი საჭიროება, რადგან გრიგორიანული გალობის რიტმი მთლიანად იყო დამოკიდებული. პოეტური ზომებიტექსტი.

თავისუფალი მელოდიური განვითარების ელემენტის ემანსიპაცია, ისევე როგორც მელოდიური სტრიქონების ერთდროული ხმის ზუსტი კოორდინაციის აუცილებლობა პოლიფონიურ პოლიფონიაში, მოითხოვდა მუსიკალური ბგერების ხანგრძლივობის ზუსტ ფიქსაციას, მიუხედავად ვერბალური ტექსტის მეტრიკული სტრუქტურისა. სიტუაციას ართულებდა ის ფაქტი, რომ იმდროინდელი კომპოზიტორები, იმავდროულად წარმოდგენის ლიდერები, არ წერდნენ პარტიტურებს და დაუყოვნებლივ ჩაწერეს თავიანთი შემოქმედება ერთხმიანი საგუნდო ნაწილების სახით.

რამდენად განსხვავდებიან ისინი თანამედროვესგან მუსიკალური ნოტაცია! მათი გაშიფვრა ექვემდებარება მთელ რიგ უკვე მივიწყებულ წესებს და უპირველეს ყოვლისა, მეზობელ ნოტებს შორის ურთიერთობის ცოდნას ხანგრძლივობის სერიაში; არსებობდა ამ თანაფარდობის ოთხი სახეობა და მათ "სასწორები" უწოდეს. აქედან მომდინარეობს ახალი აღნიშვნის სახელი, მენსურალი (ქორალისგან განსხვავებით).

თანამედროვე მუსიკალური ნოტაციის საფუძველი მენსურულმა ნოტაციამ შექმნა. მისი გაუმჯობესება ეფუძნებოდა უფრო მოკლე ხანგრძლივობის (კერძოდ, ნოტები "კიდეების" ქვეშ და "დროშებით") დანერგვას, რამაც მელოდიის რიტმული ნიმუში უფრო ვიზუალური გახადა.

რენესანსის პოლიფონიის კლასიკის საგუნდო პარტიტურების თანამედროვე გამოცემები, როგორც წესი, პროპორციულად ამცირებს ყველა ხანგრძლივობას რამდენჯერმე, რის შედეგადაც ჩვენ თვალწინ ჩნდება ადვილად შესამჩნევი ხმოვანი სურათი.

სანამ გადავიდოდი შემდგომი დახასიათებაჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლის წარმომადგენლები, აუცილებელია ორიოდე სიტყვის თქმა მათი უშუალო წინამორბედის შესახებ - ინგლისელი კომპოზიტორი ჯონ დანსტაბლე (1370 ან 1380-1453), რომელიც დიდი ხნის განმავლობაში მუშაობდა კონტინენტზე და ეწვია ნიდერლანდების მუსიკალურ ცენტრებს. .

ჩრდილოეთ ევროპის მუსიკალურ კულტურაში დანსტაბლი გამოჩნდა, როგორც "რენესანსის გაზაფხულის" პირველი ნიშანი. მის ნამუშევრებში შეიძლება დაინახოს რენესანსის „მხიარული თავისუფალი აზროვნების“ პირველი მზერა - ამის დასტურია მისი პოლიფონიური არანჟირება იტალიური სიმღერის „O ლამაზი ვარდი“ („O rosa bella“) თავისი ნაზი, ახირებული ჰარმონიებით, გამსჭვალული. „ჩრდილოეთის სევდასთან“. რა თქმა უნდა, ეს ნაპერწკლები ძალიან მალე ჩაიძირება ჰოლანდიური კომპოზიციის სკოლის ამომავალი მნათობების სხივებში... მაგრამ დანსტაბლის შემოქმედების ერთ სფეროში - განვითარებული საგუნდო მრავალხმიანობის ფორმირებაში - მისი ინოვაცია გადამწყვეტი აღმოჩნდა. .

დანსტაბლის შემოქმედება ისეთი მნიშვნელოვანი კავშირი იყო „მუსიკალურ გოთიკას“ და რენესანსის მრავალხმიანობას შორის, რომ მე-16 საუკუნიდან ჩამოყალიბდა ლეგენდა მის, როგორც მრავალხმიანობის „გამომგონებლის“ შესახებ. Სინამდვილეში პოლიფონიური პრინციპიაზროვნება სათავეს იღებს ხალხური მუსიკის შემოქმედებაში, ხოლო პროფესიული მუსიკის სფეროში მისი გადასვლა შუა საუკუნეებიდან დაიწყო და რამდენიმე საუკუნე გაგრძელდა. ჯერ კიდევ მე-14 საუკუნეში ფლორენციაში, არს ნოვას დაბადების ადგილი - იტალიური "წინა-

გამოქვეყნდა: XV-XVI სს. ჰოლანდიელი კომპოზიტორები კონოვ ვ. ლ.: მუსიკა, 1984 წ.

კლავესინი ლუქსი No5 რე მინორში

Ძირითადი ინფორმაცია

მუსიკოსი ასრულებს მუსიკალური ნაწარმოებებიროგორც კლავესინზე, ისე მის ჯიშებზე ე.წ კლავესინი.

წარმოშობა

კლავესინის ტიპის საკრავის ყველაზე ადრე ნახსენები გვხვდება 1397 წლის წყაროში პადუადან (იტალია), ყველაზე ადრე ცნობილი გამოსახულება არის მინდენის საკურთხეველზე (1425). როგორც სოლო ინსტრუმენტი, კლავესინი გამოიყენებოდა მანამდე გვიანი XVIIIსაუკუნეში. ცოტა ხანს გამოიყენებოდა ციფრული ბასის შესასრულებლად, ოპერებში რეჩიტატივების თანხლებისთვის. დაახლოებით 1810 წელს იგი პრაქტიკულად ამოვარდა ხმარებიდან. დაიწყო კლავესინზე დაკვრის კულტურის აღორძინება XIX-XX მხრივსაუკუნეებს.

მე-15 საუკუნის კლავესინები არ შემორჩენილა. სურათების მიხედვით ვიმსჯელებთ, ეს იყო მოკლე იარაღებიმძიმე სხეულით. მე-16 საუკუნის ყველაზე შემორჩენილი კლავესინები მზადდებოდა იტალიაში, სადაც ვენეცია ​​წარმოების მთავარი ცენტრი იყო.

მათ ჰქონდათ 8` რეგისტრი (ნაკლებად ხშირად ორი რეგისტრი 8` და 4`) და გამოირჩეოდნენ მადლით. მათი სხეული ყველაზე ხშირად კვიპაროსისგან იყო დამზადებული. ამ კლავესინებზე თავდასხმა უფრო მკაფიო იყო და უფრო მკვეთრი ჟღერდა, ვიდრე გვიანდელი ფლამანდური ინსტრუმენტები.

ჩრდილოეთ ევროპაში კლავესინის წარმოების ყველაზე მნიშვნელოვანი ცენტრი იყო ანტვერპენი, სადაც რუკერების ოჯახის წარმომადგენლები მუშაობდნენ 1579 წლიდან. მათ კლავესინებს უფრო გრძელი სიმები და მძიმე სხეული აქვთ ვიდრე იტალიურ ინსტრუმენტებს. 1590-იანი წლებიდან ანტვერპენში იწარმოებოდა კლავესინი ორი სახელმძღვანელოთი. მე-17 საუკუნის ფრანგული, ინგლისური და გერმანული კლავესინები აერთიანებს ფლამანდური და ჰოლანდიური მოდელების მახასიათებლებს.

შემორჩენილია რამდენიმე ფრანგული ორმხრივი კლავესინი კაკლის ტანით. 1690-იანი წლებიდან საფრანგეთში იწარმოებოდა იგივე ტიპის კლავესინები, როგორც Ruckers-ის ინსტრუმენტები. ფრანგული კლავესინის ოსტატებს შორის ბლანშეს დინასტია გამოირჩეოდა. 1766 წელს ბლანშეს სახელოსნო მემკვიდრეობით ერგო ტასკინს.

მე-18 საუკუნეში ყველაზე მნიშვნელოვანი ინგლისური კლავესინის მწარმოებლები იყვნენ შუდისები და კირკმანის ოჯახი. მათ ინსტრუმენტებს პლაივუდით მოპირკეთებული მუხის სხეული ჰქონდა და გამოირჩეოდა ძლიერი ხმით მდიდარი ტემბრით. მე-18 საუკუნის გერმანიაში კლავესინის წარმოების მთავარი ცენტრი იყო ჰამბურგი; ამ ქალაქში წარმოებულთა შორის არის ინსტრუმენტები 2` და 16` რეგისტრით, ასევე 3 სახელმძღვანელოთი. უჩვეულოდ გრძელი კლავესინის მოდელი შეიქმნა მე-18 საუკუნის წამყვანი ჰოლანდიელი ოსტატის ჯ.დ.დულკენის მიერ.

XVIII საუკუნის II ნახევარში დაიწყო კლავესინის შეცვლა ფორტეპიანოს მიერ. დაახლოებით 1809 წელს კომპანია Kirkman-მა გამოუშვა თავისი უკანასკნელი კლავესინი. ინსტრუმენტის აღორძინების ინიციატორი იყო ა.დოლმეჩი. მან ააგო თავისი პირველი კლავესინი 1896 წელს ლონდონში და მალევე გახსნა სახელოსნოები ბოსტონში, პარიზში და ჰასლემერში.

კლავესინის წარმოება პარიზულმა კომპანიებმა Pleyel და Erard-მაც დაიწყეს. პლეიელმა დაიწყო კლავესინის მოდელის წარმოება, რომელსაც ლითონის ჩარჩო აქვს სქელი, მჭიდროდ გაჭიმული სიმები; ვანდა ლანდოვსკამ ამ ტიპის ინსტრუმენტებზე მოამზადა კლავესინთა მთელი თაობა. ბოსტონის ოსტატებმა ფრენკ ჰაბარდმა და უილიამ დოუდმა პირველებმა დააკოპირეს ანტიკვარული კლავესინები.

მოწყობილობა

მას აქვს მოგრძო სამკუთხედის ფორმა. მისი სიმები განლაგებულია ჰორიზონტალურად, კლავიშების პარალელურად.

ყოველი კლავიშის ბოლოს არის მწკრივი (ან ჯუმპერი). ამწებლის ზედა ბოლოში არის ლანგეტი, რომელშიც ფიქსირდება ბუმბულისგან დამზადებული პლექტუმი (ბევრზე). თანამედროვე ინსტრუმენტები- დამზადებულია პლასტმასისგან), პლექტუმის ზემოთ - თექისგან დამზადებული დემპერი ან რბილი კანი. როდესაც თქვენ დააჭერთ კლავიშს, მწკრივი მაღლა დგება და პლექტუმი წყვეტს სიმს. თუ გასაღები გათავისუფლდება, გამოშვების მექანიზმი საშუალებას მისცემს პლექტუმს დაუბრუნდეს თავის ადგილს სიმის ქვეშ, სტრიქონის ხელახლა ამოღების გარეშე. სიმის ვიბრაცია აფერხებს დემპერის საშუალებით.

რეგისტრაციისთვის ე.ი. ცვლის ხმის სიძლიერეს და ტემბრს ხელისა და ფეხის გადამრთველების გამოყენებით. კლავესინზე ხმის შეუფერხებლად გაზრდა და შემცირება შეუძლებელია. მე-15 საუკუნეში კლავესინის დიაპაზონი იყო 3 ოქტავა (ქვედა ოქტავაში რამდენიმე ქრომატული ნოტი აკლდა); XVI საუკუნეში გაფართოვდა 4 ოქტავამდე (C - c«`), XVIII საუკუნეში 5 ოქტავამდე (F` - f«`).

მე-18 საუკუნის ტიპურ გერმანულ ან ჰოლანდიურ კლავესინს აქვს 2 სახელმძღვანელო (კლავიატურა), 2 კომპლექტი 8' სიმები და ერთი კომპლექტი 4' სიმები (ჟღერს ოქტავა უფრო მაღალი), რომელიც შეიძლება გამოყენებულ იქნას ინდივიდუალურად ან ერთად, ასევე ხელით კოპულაცია. მექანიზმი. ფეხისა და მუხლის რეგისტრის ჩამრთველები 1750-იანი წლების ბოლოს გამოჩნდა. ინსტრუმენტების უმეტესობას აქვს ე.წ ლუტის რეგისტრი დამახასიათებელი ცხვირის ტემბრით (მის მისაღებად სიმები ოდნავ იკუმშება ტყავის მუწუკებით ან სპეციალური მექანიზმის გამოყენებით).