Aleksander Nikołajewicz Ostrowski to znany rosyjski pisarz i dramaturg, który wywarł znaczący wpływ na rozwój teatru narodowego. Założył nową szkołę aktorstwa realistycznego i napisał wiele wspaniałych dzieł. W tym artykule przedstawiono główne etapy twórczości Ostrowskiego. A także najważniejsze momenty jego biografii.

Dzieciństwo

Aleksander Nikołajewicz Ostrowski, którego zdjęcie przedstawiono w tym artykule, urodził się w 1823 r., 31 marca w Moskwie, na terenie Malajów Ordynki. Jego tata, Nikołaj Fiodorowicz, dorastał w rodzinie księdza, sam ukończył Moskiewską Akademię Teologiczną, ale nie służył w kościele. Został prawnikiem i zajmował się sprawami handlowymi i sądowymi. Nikołaj Fiodorowicz zdołał awansować do rangi radcy tytularnego, a później (w 1839 r.) otrzymał szlachtę. Matka przyszłej dramatopisarki Savviny Lyubov Ivanovna była córką kościelnego. Zmarła, gdy Aleksander miał zaledwie siedem lat. W rodzinie Ostrowskich dorastało sześcioro dzieci. Nikołaj Fiodorowicz zrobił wszystko, aby dzieci dorastały w dobrobycie i otrzymały przyzwoite wykształcenie. Kilka lat po śmierci Ljubowa Iwanowna ożenił się ponownie. Jego żoną była Emilia Andreevna von Tessin, baronowa, córka szwedzkiego szlachcica. Dzieci miały dużo szczęścia, że ​​miały macochę: udało jej się znaleźć do nich podejście i kontynuowała ich edukację.

Młodzież

Aleksander Nikołajewicz Ostrowski spędził dzieciństwo w samym centrum Zamoskvorechye. Ojciec miał bardzo dobrą bibliotekę, dzięki czemu chłopiec wcześnie zapoznał się z literaturą pisarzy rosyjskich i poczuł skłonność do pisania. Jednak ojciec widział w chłopcu jedynie prawnika. Dlatego w 1835 r. Aleksander został wysłany do Pierwszego Gimnazjum Moskiewskiego, po ukończeniu tam studiów został studentem Uniwersytetu Moskiewskiego. Jednak Ostrowskiemu nie udało się uzyskać dyplomu prawnika. Pokłócił się z nauczycielem i opuścił uczelnię. Za radą ojca Aleksander Nikołajewicz poszedł do sądu jako pisarz i pracował na tym stanowisku przez kilka lat.

Próba pisania

Jednak Aleksander Nikołajewicz nie poddał się i próbował sprawdzić się na polu literackim. W swoich pierwszych sztukach kierował się oskarżycielskim, „moralno-społecznym” kierunkiem. Pierwsze ukazały się w nowym wydaniu „Moskwa City Listk” w 1847 r. Były to szkice do komedii „Nieudany dłużnik” i eseju „Notatki mieszkańca Zamoskworeckiego”. Pod publikacją widniały litery „A. O." i „D. G." Faktem jest, że niejaki Dmitrij Gorev zaproponował współpracę młodemu dramaturgowi. Nie wyszło to poza napisanie jednej ze scen, ale później stało się źródłem wielkich kłopotów dla Ostrowskiego. Niektórzy nieżyczliwi oskarżyli później dramatopisarza o plagiat. W przyszłości wiele wspaniałych sztuk wyjdzie spod pióra Aleksandra Nikołajewicza i nikt nie odważy się wątpić w jego talent. Poniżej zostanie szczegółowo opisane poniższe zestawienie, które pozwoli na usystematyzowanie otrzymanych informacji.

Pierwszy sukces

Kiedy to się stało? Twórczość Ostrowskiego zyskała dużą popularność po opublikowaniu w 1850 roku komedii „Nasi ludzie - bądźmy ponumerowani!” Dzieło to wywołało pozytywne recenzje w kręgach literackich. I. A. Goncharov i N. V. Gogol pozytywnie ocenili sztukę. Jednak w tej beczce miodu znajdowała się także imponująca mucha w maści. Wpływowi przedstawiciele moskiewskiej klasy kupieckiej, urażeni swoją klasą, skarżyli się najwyższym władzom na śmiałego dramatopisarza. Spektakl natychmiast zakazano produkcji, autora wyrzucono ze służby i umieszczono pod ścisłym nadzorem policji. Co więcej, stało się to na osobisty rozkaz samego cesarza Mikołaja I. Nadzór został wyeliminowany dopiero po wstąpieniu na tron ​​cesarza Aleksandra II. Widzowie teatru obejrzeli komedię dopiero w 1861 roku, po zniesieniu zakazu jej wystawiania.

Wczesne sztuki

Wczesna twórczość A. N. Ostrowskiego nie pozostała niezauważona, jego prace publikowano głównie w czasopiśmie „Moskwitianin”. Dramaturg aktywnie współpracował z tą publikacją zarówno jako krytyk, jak i redaktor w latach 1850-1851. Pod wpływem „młodych redaktorów” pisma i głównego ideologa tego środowiska Aleksander Nikołajewicz komponował sztuki „Ubóstwo nie jest wadą”, „Nie siedź we własnych saniach”, „Nie żyj tak jak chcesz”. Tematami twórczości Ostrowskiego w tym okresie jest idealizacja patriarchatu, starożytnych rosyjskich zwyczajów i tradycji. Nastroje te nieco przyćmiły oskarżycielski patos twórczości pisarza. Jednak w dziełach tego cyklu wzrosły umiejętności dramatyczne Aleksandra Nikołajewicza. Jego sztuki stały się sławne i poszukiwane.

Współpraca z Sovremennikiem

Począwszy od 1853 roku przez trzydzieści lat sztuki Aleksandra Nikołajewicza wystawiano co sezon na scenach teatrów Małego (w Moskwie) i Aleksandryjskiego (w Petersburgu). Od 1856 r. Prace Ostrowskiego są regularnie publikowane w czasopiśmie Sovremennik (prace są publikowane). W okresie ożywienia społecznego w kraju (przed zniesieniem pańszczyzny w 1861 r.) twórczość pisarza ponownie nabrała oskarżycielskiego charakteru. W sztuce „Na czyjejś uczcie jest kac” pisarz stworzył imponujący wizerunek Bruskowa Tit Titycha, w którym ucieleśniał brutalną i mroczną siłę krajowej autokracji. Tutaj po raz pierwszy usłyszano słowo „tyran”, które później zostało przypisane do całej galerii postaci Ostrowskiego. W komedii Śliwka„Korupcyjne zachowanie urzędników, które stało się normą, zostało wyśmiane. Dramat „Przedszkole” był żywym protestem przeciwko przemocy wobec jednostki. Inne etapy twórczości Ostrowskiego zostaną opisane poniżej. Ale szczytem osiągnięć tego okresu jego twórczości literackiej był dramat społeczno-psychologiczny „Burza z piorunami”.

"Burza"

W tej sztuce „zwykły” Ostrowski odmalował nudną atmosferę prowincjonalnego miasteczka z jego hipokryzją, chamstwem i niekwestionowanym autorytetem „starszych” i bogatych. W przeciwieństwie do niedoskonałego świata ludzi Aleksander Nikołajewicz przedstawia zapierające dech w piersiach obrazy natury Wołgi. Wizerunek Kateriny jest pełen tragicznego piękna i ponurego uroku. Burza symbolizuje zamęt psychiczny bohaterki, a jednocześnie uosabia ciężar strachu, pod jakim nieustannie żyją zwykli ludzie. Według Ostrowskiego królestwo ślepego posłuszeństwa jest podważane przez dwie siły: zdrowy rozsądek, którą Kuligin głosi w sztuce, i czystą duszę Kateriny. W swoim „Promieniu światła w ciemne królestwo„krytyk Dobrolyubov zinterpretował obraz główny bohater jako symbol głębokiego protestu, stopniowo dojrzewającego w kraju.

Dzięki tej grze twórczość Ostrowskiego wzniosła się na nieosiągalny poziom. „Burza z piorunami” uczyniła Aleksandra Nikołajewicza najbardziej znanym i szanowanym rosyjskim dramaturgiem.

Motywy historyczne

W drugiej połowie lat sześćdziesiątych XIX wieku Aleksander Nikołajewicz rozpoczął studia nad historią Czasu Kłopotów. Zaczął korespondować ze słynnym historykiem i Mikołajem Iwanowiczem Kostomarowem. Opierając się na badaniach poważnych źródeł, dramaturg stworzył całą serię dzieł historycznych: „Dmitrij pretendent i Wasilij Shuisky”, „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”, „Tushino”. Problemy historii Rosji Ostrowski przedstawił z talentem i autentycznością.

Inne sztuki

Aleksander Nikołajewicz nadal pozostał wierny swojemu ulubionemu tematowi. W latach sześćdziesiątych XIX wieku napisał wiele „codziennych” dramatów i sztuk teatralnych. Pomiędzy nimi: " Ciężkie dni„, „Otchłań”, „Jokery”. Utwory te utrwalały odnalezione już przez pisarza motywy. Od końca lat 60. XIX wieku twórczość Ostrowskiego przeżywa okres aktywnego rozwoju. W jego dramaturgii pojawiają się obrazy i tematy „nowej” Rosji, która przetrwała reformę: biznesmeni, nabywcy, zdegenerowane patriarchalne worki z pieniędzmi i „zeuropeizowani” kupcy. Aleksander Nikołajewicz stworzył genialną serię komedii satyrycznych, które obalają poreformistyczne złudzenia obywateli: „Szalone pieniądze”, „Ciepłe serce”, „Wilki i owce”, „Las”. Moralny ideał dramaturga jest taki czystego serca, szlachetni ludzie: Parasza z „Ciepłego serca”, Aksyusha z „Lasu”. Idee Ostrowskiego na temat sensu życia, szczęścia i obowiązku zostały zawarte w sztuce „Chleb pracy”. Prawie wszystkie dzieła Aleksandra Nikołajewicza powstałe w latach 70. XIX w. ukazały się w Otechestvennye zapiski.

"Królowa Śniegu"

Pojawienie się tej poetyckiej zabawy było całkowicie przypadkowe. Teatr Mały został zamknięty z powodu remontu w 1873 roku. Jej artyści przenieśli się do gmachu Teatru Bolszoj. W związku z tym komisja kierownicza Moskiewskich Teatrów Cesarskich postanowiła stworzyć spektakl, w którym zaangażowane będą trzy zespoły: opera, balet i dramat. Podobną sztukę podjął się Aleksander Nikołajewicz Ostrowski. „Śnieżna dziewczyna” została napisana przez dramaturga w bardzo krótkim czasie. Autor wziął za podstawę fabułę z rosyjskiej opowieści ludowej. Pracując nad sztuką, starannie dobierał rozmiary wierszy i konsultował się z archeologami, historykami i znawcami starożytności. Muzykę do spektaklu skomponował młody P. I. Czajkowski. Spektakl miał premierę w 1873 roku, 11 maja, na scenie Teatru Bolszoj. K. S. Stanisławski mówił o „Śnieżnej Dziewicy” jak o bajce, o śnie opowiedzianym dźwięcznym i wspaniałym wierszem. Powiedział, że realista i pisarz życia codziennego Ostrovsky napisał tę sztukę tak, jakby wcześniej nie interesowało go nic poza czystym romansem i poezją.

Praca w ostatnich latach

W tym okresie Ostrowski skomponował znaczące komedie i dramaty społeczno-psychologiczne. Oni mówią o tragiczne losy wrażliwe, utalentowane kobiety w cynicznym i egoistycznym świecie: „Talenty i wielbiciele”, „Posag”. Tutaj dramaturg rozwinął nowe techniki ekspresji scenicznej, które antycypowały twórczość Antoniego Czechowa. Zachowując specyfikę swojej dramaturgii, Aleksander Nikołajewicz starał się ucieleśnić „wewnętrzną walkę” bohaterów w „inteligentnej, subtelnej komedii”.

Aktywność społeczna

W 1866 roku Aleksander Nikołajewicz założył słynne Koło Artystyczne. Później dał moskiewskiej scenie wiele utalentowanych postaci. D. V. Grigorowicz, I. A. Goncharov, I. S. Turgieniew, P. M. Sadowski, A. F. Pisemsky, G. N. Fedotova, M. E. Ermolova, P. I. Czajkowski odwiedzili Ostrowskiego, L. N. Tołstoj, M. E. Saltykov-Shchedrin, I. E. Turchaninov.

W 1874 roku w Rosji utworzono Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych. Na przewodniczącego stowarzyszenia wybrano Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego. Fotografie słynnej osoby publicznej były znane każdemu miłośnikowi sztuk performatywnych w Rosji. Reformator dołożył wszelkich starań, aby ustawodawstwo dyrekcji teatru zostało zrewidowane na korzyść artystów, a tym samym znacząco poprawiło ich sytuację materialną i społeczną.

W 1885 r. Aleksander Nikołajewicz został mianowany kierownikiem wydziału repertuaru i został kierownikiem szkoły teatralnej.

Teatr Ostrowskiego

Twórczość Aleksandra Ostrowskiego jest nierozerwalnie związana z kształtowaniem się prawdziwego teatru rosyjskiego w jego nowoczesnym znaczeniu. Dramaturgowi i pisarzowi udało się stworzyć własną szkołę teatralną i specjalną holistyczną koncepcję inscenizacji przedstawień teatralnych.

Osobliwością twórczości Ostrowskiego w teatrze jest brak sprzeciwu wobec natury aktora i ekstremalnych sytuacji w akcji spektaklu. W twórczości Aleksandra Nikołajewicza zwykłe wydarzenia zdarzają się zwykłym ludziom.

Główne idee reformy:

• teatr należy budować na konwencjach (istnieje niewidzialna „czwarta ściana”, która oddziela widzów od aktorów);
• Organizując występ, musisz postawić zakład na więcej niż jeden znany aktor, ale w zespole artystów, którzy dobrze się rozumieją;
• niezmienność stosunku aktorów do języka: cechy mowy powinny wyrażać niemal wszystko o postaciach przedstawionych w spektaklu;
• ludzie przychodzą do teatru, żeby obejrzeć grę aktorów, a nie po to, żeby zapoznać się ze sztuką – mogą ją przeczytać w domu.

Pomysły pisarza Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego zostały następnie udoskonalone przez M. A. Bułhakowa i K. S. Stanisławskiego.

Życie osobiste

Życie osobiste dramatopisarza było nie mniej interesujące niż jego twórczość literacka. Aleksander Nikołajewicz Ostrowski przez prawie dwadzieścia lat żył w cywilnym małżeństwie z prostą burżuazyjną kobietą. Ciekawe fakty i szczegóły relacji małżeńskiej pisarza z jego pierwszą żoną wciąż ekscytują badaczy.

W 1847 r. Na ulicy Nikoło-Worobinowskiej, obok domu, w którym mieszkał Ostrowski, młoda dziewczyna Agafia Iwanowna zamieszkała ze swoją trzynastoletnią siostrą. Nie miała rodziny ani przyjaciół. Nikt nie wie, kiedy poznała Aleksandra Nikołajewicza. Jednak w 1848 roku młodym ludziom urodził się syn Aleksiej. Nie było warunków do wychowania dziecka, więc chłopca tymczasowo umieszczono w sierocińcu. Ojciec Ostrowskiego był strasznie zły, że jego syn nie tylko porzucił prestiżową uczelnię, ale także związał się z prostą mieszczanką mieszkającą obok.

Jednak Aleksander Nikołajewicz okazał stanowczość i kiedy jego ojciec i macocha wyjechali do niedawno zakupionego majątku Szczelikowo w obwodzie kostromskim, zamieszkał z Agafią Iwanowną w jego drewnianym domu.

Pisarz i etnograf S. V. Maksimov żartobliwie nazwał pierwszą żonę Ostrowskiego „Marfą Posadnitsą”, ponieważ była obok pisarza w czasach poważnej potrzeby i ciężkiej deprywacji. Przyjaciele Ostrowskiego charakteryzują Agafię Iwanownę jako osobę z natury bardzo inteligentną i serdeczną. Bardzo dobrze znała zwyczaje i zwyczaje życia kupieckiego i miała bezwarunkowy wpływ na twórczość Ostrowskiego. Aleksander Nikołajewicz często konsultował się z nią w sprawie powstania swoich dzieł. Ponadto Agafya Iwanowna była wspaniałą i gościnną gospodynią. Ale Ostrovsky nie sformalizował swojego małżeństwa z nią nawet po śmierci ojca. Wszystkie dzieci urodzone w tym związku zmarły bardzo młodo, tylko najstarszy, Aleksiej, na krótko przeżył matkę.

Z biegiem czasu Ostrovsky rozwinął inne hobby. Był namiętnie zakochany w Ljubowie Pawłownie Kositskiej-Nikulinie, która grała Katerinę na premierze Burzy z piorunami w 1859 roku. Wkrótce jednak nastąpił osobisty rozłam: aktorka opuściła dramatopisarza dla bogatego kupca.

Następnie Aleksander Nikołajewicz związał się z młodą artystką Wasiljewą-Bachmetiewą. Agafia Iwanowna wiedziała o tym, ale wytrwale niosła swój krzyż i zdołała zachować szacunek Ostrowskiego dla siebie. Kobieta zmarła w 1867 roku, 6 marca, po ciężkiej chorobie. Aleksander Nikołajewicz do samego końca nie opuścił łóżka. Miejsce pochówku pierwszej żony Ostrowskiego jest nieznane.

Dwa lata później dramatopisarz ożenił się z Wasiljewą-Bakhmetyevą, która urodziła mu dwie córki i czterech synów. Aleksander Nikołajewicz mieszkał z tą kobietą do końca swoich dni.

Śmierć pisarza

Intensywne życie towarzyskie nie mogło nie odbić się na zdrowiu pisarza. Co więcej, pomimo dobrych honorariów za produkcję sztuk teatralnych i rocznej emerytury w wysokości 3 tysięcy rubli, Pieniądze Aleksander Nikołajewicz nigdy nie miał dość. Wyczerpany ciągłymi zmartwieniami ciało pisarza w końcu zawiodło. W 1886 roku, 2 czerwca, pisarz zmarł w swojej posiadłości Szczelykowo pod Kostromą. Na pochówek dramatopisarza cesarz ofiarował 3 tysiące rubli. Ponadto przyznał wdowie po pisarzu emeryturę w wysokości 3 tysięcy rubli, a kolejne 2400 rubli rocznie na wychowanie dzieci Ostrowskiego.

Tabela chronologiczna

Życie i twórczość Ostrowskiego można pokrótce przedstawić w tabeli chronologicznej.

Życie i twórczość Ostrowskiego były pełne takich wydarzeń. Tabela wskazująca główne wydarzenia z życia pisarza pomoże lepiej przestudiować jego biografię. Dramatyczne dziedzictwo Aleksandra Nikołajewicza jest trudne do przecenienia. Jeszcze za życia wielkiego artysty Teatr Mały zaczęto nazywać „domem Ostrowskiego”, a to wiele mówi. Twórczość Ostrowskiego, krótki opis które opisano w tym artykule, warto przestudiować bardziej szczegółowo.

A.N. Ostrowski urodził się 31 marca (12 kwietnia) 1823 r. w Moskwie, w rodzinie osoby duchownej, urzędnika, a później radcy prawnego Moskiewskiego Sądu Handlowego. Rodzina Ostrowskich mieszkała w Zamoskworieczach, kupieckiej i burżuazyjnej dzielnicy starej Moskwy. Z natury dramaturg był domatorem: prawie całe życie mieszkał w Moskwie, w części Yauza, regularnie podróżując, z wyjątkiem kilku wycieczek po Rosji i za granicę, tylko do majątku Szczelikowo w obwodzie kostromskim. Tutaj zmarł 2 (14) czerwca 1886 roku, w trakcie pracy nad tłumaczeniem sztuki Szekspira Antoniusz i Kleopatra.

Na początku lat czterdziestych XIX w. Ostrovsky studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu Moskiewskiego, ale nie ukończył kursu, wchodząc do służby w biurze Moskiewskiego Sądu Sumiennego w 1843 roku. Dwa lata później został przeniesiony do Moskiewskiego Sądu Handlowego, gdzie służył do 1851 roku. Praktyka prawnicza dał przyszłemu pisarzowi obszerny i różnorodny materiał. Prawie wszystkie jego pierwsze sztuki o nowoczesności rozwinęły lub zarysowały wątki kryminalne. Ostrovsky napisał swoje pierwsze opowiadanie w wieku 20 lat, swoją pierwszą sztukę w wieku 24 lat. Po 1851 roku jego życie związane było z literaturą i teatrem. Do jego głównych wydarzeń zaliczały się spory sądowe z cenzurą, pochwały i nagany ze strony krytyków, premiery oraz spory między aktorami o role w sztukach.

W ciągu prawie 40 lat działalności twórczej Ostrovsky stworzył bogaty repertuar: około 50 sztuk oryginalnych, kilka sztuk napisanych wspólnie. Zajmował się także tłumaczeniami i adaptacjami sztuk teatralnych innych autorów. Wszystko to składa się na „teatr Ostrowskiego” – tak określił skalę tego, co stworzył dramaturg I.A. Gonczarowa.

Ostrowski z pasją kochał teatr, uważając go za najbardziej demokratyczną i skuteczną formę sztuki. Wśród klasyków literatury rosyjskiej był pierwszym i jedynym pisarzem, który całkowicie poświęcił się dramatowi. Wszystkie stworzone przez niego sztuki nie były „sztukami do czytania” – pisane były dla teatru. Dla Ostrowskiego sztuka sceniczna jest niezmiennym prawem dramaturgii, dlatego jego dzieła przynależą w równym stopniu do dwóch światów: świata literatury i świata teatru.

Sztuki Ostrowskiego ukazywały się w czasopismach niemal jednocześnie z ich przedstawienia teatralne i były postrzegane jako jasne zjawiska zarówno literackie, jak i życie teatralne. W latach sześćdziesiątych XIX wieku. wzbudziły takie samo żywe zainteresowanie opinii publicznej, jak powieści Turgieniewa, Gonczarowa i Dostojewskiego. Ostrovsky uczynił dramaturgię „prawdziwą” literaturą. Przed nim w repertuarze rosyjskich teatrów było tylko kilka sztuk, które zdawały się zejść na scenę z wyżyn literatury i pozostać same („Biada dowcipu” A.S. Gribojedowa, „Generalny inspektor” i „Małżeństwo” N.V. Gogola). Repertuar teatralny wypełniały albo tłumaczenia, albo dzieła nie posiadające zauważalnych walorów literackich.

W latach 1850-1860. marzenia pisarzy rosyjskich, że teatr powinien stać się potężną siłą edukacyjną, środkiem kształtowania opinia publiczna, znalazłem prawdziwy grunt. Dramat ma szerszą widownię. Poszerzył się krąg ludzi piśmiennych – zarówno czytelników, jak i tych, dla których poważna lektura nie była jeszcze dostępna, ale teatr jest dostępny i zrozumiały. Tworzyła się nowa warstwa społeczna – inteligencja potoczna, która wykazywała wzmożone zainteresowanie teatrem. Nowa publiczność, demokratyczna i zróżnicowana w porównaniu z publicznością pierwszej połowy XIX wieku, nadała „porządek społeczny” dramatowi społecznemu i codziennemu życia rosyjskiego.

Wyjątkowość pozycji Ostrowskiego jako dramaturga polega na tym, że tworząc sztuki oparte na nowym materiale, nie tylko zaspokajał oczekiwania nowych widzów, ale także walczył o demokratyzację teatru: w końcu teatr jest najpopularniejszym ze spektakli - w latach sześćdziesiątych XIX wieku. nadal pozostawała elitarna, nie było jeszcze taniego teatru publicznego. Repertuar teatrów w Moskwie i Petersburgu zależał od urzędników Dyrekcji Teatrów Cesarskich. Ostrowski, reformując dramat rosyjski, zreformował także teatr. Pragnął widzieć jako widzów swoich sztuk nie tylko inteligencję i oświeconych kupców, ale także „właścicieli zakładów rzemieślniczych” i „rzemieślników”. Pomysłem Ostrowskiego był Moskiewski Teatr Mały, który ucieleśniał jego marzenie o nowym teatrze dla demokratycznej publiczności.

W rozwoju twórczym Ostrowskiego można wyróżnić cztery okresy:

1) Okres pierwszy (1847-1851)- czas pierwszych eksperymentów literackich. Ostrovsky zaczynał całkiem w duchu czasów – od prozy narracyjnej. W swoich esejach o życiu i zwyczajach Zamoskworeczyje debiutant odwoływał się do tradycji Gogola i twórczych doświadczeń „szkoły naturalnej” lat czterdziestych XIX wieku. W tych latach pierwszy dzieła dramatyczne, w tym komedia „Bankrut” („Swoich ludzi policzymy!”), która stała się głównym dziełem wczesnego okresu.

2) Okres drugi (1852-1855) nazywają się „Moskwitianinem”, ponieważ w tych latach Ostrowski zbliżył się do młodych pracowników magazynu Moskwitianin: A.A. Grigoriewa, T.I. Filippova, B.N. Almazov i E.N. Edelson. Dramaturg wspierał program ideowy „młodej redakcji”, która dążyła do uczynienia z pisma organu nowego nurtu myśli społecznej – „pochvennichestvo”. W tym okresie powstały tylko trzy sztuki: „Nie wsiadaj na własne sanie”, „Bieda nie jest wadą” i „Nie żyj tak, jak chcesz”.

3) Okres trzeci (1856-1860) naznaczony odmową Ostrowskiego poszukiwania pozytywnych zasad w życiu patriarchalnych kupców (co było typowe dla sztuk pisanych w pierwszej połowie lat pięćdziesiątych XIX wieku). Dramaturg, wrażliwy na zmiany w życiu społecznym i ideologicznym Rosji, zbliżył się do przywódców wspólnej demokracji – pracowników pisma „Sovremennik”. Twórczym rezultatem tego okresu były sztuki „Na uczcie kogoś innego na kacu”, „Miejsce dochodowe” i „Burza z piorunami”, „najbardziej decydujące”, według dzieła N.A. Dobrolyubova, Ostrovsky'ego.

4) Okres czwarty (1861-1886)- najdłuższy okres twórczości Ostrowskiego. Rozszerzył się zakres gatunków, poetyka jego dzieł stała się bardziej zróżnicowana. Na przestrzeni dwudziestu lat powstały sztuki teatralne, które można podzielić na kilka grup gatunkowych i tematycznych: 1) komedie z życie kupieckie(„Nie wszystko dla kota jest Maslenicą”, „Prawda jest dobra, ale szczęście jest lepsze”, „Serce nie jest kamieniem”), 2) komedie satyryczne („Każdemu mądremu wystarczy prostota”, „Ciepły serce”, „Szalone pieniądze”, „Wilki i owce”, „Las”), 3) sztuki, które sam Ostrovsky nazwał „obrazami życia Moskwy” i „scenami z życia buszu”: łączy je temat "Mali ludzie" (" stary przyjaciel lepsze niż dwie nowe”, „Ciężkie dni”, „Jokery” i trylogia o Balzaminovie), 4) kroniki historyczne („Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”, „Tushino” itp.) i wreszcie 5) dramaty psychologiczne („Posag”, „ Ostatnia ofiara" itd.). Wyróżnia się zabawa w bajkę"Królowa Śniegu".

Początki twórczości Ostrowskiego sięgają „szkoły naturalnej” lat czterdziestych XIX wieku, choć moskiewski pisarz nie był organizacyjnie związany ze środowiskiem twórczym młodych petersburskich realistów. Zaczynając od prozy, Ostrovsky szybko zdał sobie sprawę, że jego prawdziwym powołaniem jest dramat. Już wczesne eksperymenty prozatorskie są „sceniczne”, pomimo najbardziej szczegółowych opisów życia i zwyczajów charakterystycznych dla esejów „szkoły naturalnej”. Na przykład podstawą pierwszego eseju „Opowieść o tym, jak naczelnik kwartalnika zaczął tańczyć, czyli jeden krok od wielkiego do śmiesznego” (1843), jest anegdotyczna scena z całkowicie kompletną fabułą.

Tekst tego eseju wykorzystano w pierwszym opublikowanym dziele – „Notatkach mieszkańca Zamoskworeckiego” (opublikowanych w 1847 r. w gazecie „Moskiewski Listok”). To właśnie w „Notatkach…” Ostrowski, nazywany przez współczesnych „Kolumbem z Zamoskworeczy”, odkrył nieznany wcześniej w literaturze „kraj”, zamieszkały przez kupców, drobnomieszczan i drobnych urzędników. „Do tej pory znane było jedynie położenie i nazwa tego kraju” – zauważył pisarz – „co zaś do jego mieszkańców, czyli ich sposobu życia, języka, moralności, zwyczajów, stopnia wykształcenia, wszystko to było ujęte w ciemność nieznanego.” Doskonała znajomość materiału życiowego pomogła prozaikowi Ostrowskiemu stworzyć szczegółowe studium życia i historii kupieckiej, które poprzedziło jego pierwsze sztuki o kupcach. W „Notatkach mieszkańca Zamoskworeckiego” są dwa cechy Twórczość Ostrovsky'ego: dbałość o codzienne środowisko, które determinuje życie i psychologię postaci „pisanych z życia”, oraz szczególny, dramatyczny charakter przedstawienia życia codziennego. Pisarz potrafił dostrzec w zwykłych, codziennych opowieściach potencjał, niewykorzystany dla dramaturga materiał. Po esejach o życiu Zamoskvorechye pojawiły się pierwsze sztuki teatralne.

Za najbardziej pamiętny dzień w swoim życiu Ostrowski uznał 14 lutego 1847 r.: tego dnia, podczas wieczoru ze słynnym słowianofilskim profesorem S.P. Szewyrewem, przeczytał swoją pierwszą krótką sztukę „Obraz rodzinny”. Ale prawdziwym debiutem młodego dramaturga jest komedia „Będziemy ponumerowani przez naszych własnych ludzi!” (oryginalny tytuł brzmiał „Bankrupt”), nad którym pracował od 1846 do 1849 roku. Cenzura teatralna natychmiast zakazała przedstawienia, ale podobnie jak „Biada dowcipu” A.S. Gribojedowa od razu stało się wielkim wydarzeniem literackim i odniosło sukces czytano w moskiewskich domach zimą 1849/50. przez samego autora i głównych aktorów - P.M. Sadovsky'ego i M.S. Szczepkina. W 1850 r. komedię opublikowano w czasopiśmie „Moskwitianin”, ale dopiero w 1861 r. wystawiono ją na scenie.

Entuzjastyczne przyjęcie pierwszej komedii z życia kupieckiego spowodowane było nie tylko faktem, że Ostrowski, „Kolumb z Zamoskvorechye”, całkowicie wykorzystał nowy materiał, ale także zadziwiającą dojrzałością jego warsztatu dramatycznego. Odziedziczywszy tradycje komika Gogola, dramaturg jednocześnie jasno określił swój pogląd na zasady przedstawiania postaci oraz fabułę i kompozycyjne ucieleśnienie materiału codziennego użytku. Tradycja gogolowska jest odczuwalna w samej naturze konfliktu: oszustwo kupca Bolszowa jest wytworem życia kupieckiego, moralności własności i psychologii zbuntowanych bohaterów. Bołynow ogłasza upadłość, ale jest to bankructwo fałszywe, będące efektem jego spisku z urzędnikiem Podchalyuzinem. Transakcja zakończyła się nieoczekiwanie: właściciel, który liczył na podwyższenie kapitału, dał się oszukać urzędnikowi, który okazał się jeszcze większym oszustem. W rezultacie Podchalyuzin otrzymał zarówno rękę córki kupca Lipoczki, jak i kapitał. Zasada Gogola jest wyczuwalna w jednorodności komicznego świata spektaklu: nie ma w nim pozytywnych bohaterów, podobnie jak w komediach Gogola, jedynego takiego „bohatera” można nazwać śmiechem.

Główną różnicą między komedią Ostrowskiego a sztukami jego wielkiego poprzednika jest rola intrygi komediowej i stosunek do niej bohaterów. W „Naszych ludziach…” pojawiają się postacie i całe sceny, które nie tylko są niepotrzebne dla rozwoju fabuły, ale wręcz ją spowalniają. Sceny te są jednak nie mniej ważne dla zrozumienia dzieła niż intryga oparta na rzekomym bankructwie Bolszowa. Są niezbędne, aby pełniej opisać życie i zwyczaje kupców, warunki, w jakich toczy się główna akcja. Po raz pierwszy Ostrovsky stosuje technikę powtarzającą się w prawie wszystkich swoich sztukach, w tym w „Burzy z piorunami”, „Lasie” i „Posagu” - rozbudowanej ekspozycji w zwolnionym tempie. Niektóre postacie w ogóle nie są wprowadzone, aby skomplikować konflikt. Te „osobowości sytuacji” (w sztuce „Nasi ludzie - dajmy się policzyć!” - swatka i Tishka) są interesujące same w sobie, jako przedstawiciele codziennego środowiska, moralności i zwyczajów. Ich funkcja artystyczna jest podobna do funkcji detali domowych w dziełach narracyjnych: uzupełniają obraz świata kupieckiego drobnymi, ale jasnymi, kolorowymi akcentami.

Codzienne, znane rzeczy interesują dramatopisarza Ostrowskiego nie mniej niż coś niezwykłego, na przykład oszustwo Bolszowa i Podchalyuzina. On znajduje skuteczna metoda dramatyczne przedstawienie życia codziennego, maksymalnie wykorzystujące możliwości słowa słyszanego ze sceny. Rozmowy matki i córki na temat strojów i stajennych, kłótnie między nimi, narzekanie stara niania doskonale oddają zwyczajową atmosferę kupieckiej rodziny, wachlarz zainteresowań i marzeń tych ludzi. Mowa ustna bohaterów stała się dokładnym „lustrem” codziennego życia i obyczajów.

To właśnie rozmowy bohaterów na tematy codzienne, jakby „wykluczone” z akcji fabularnej, odgrywają we wszystkich sztukach Ostrowskiego wyjątkową rolę: przerywając fabułę, wycofując się z niej, zanurzają czytelnika i widza w świat zwykłego człowieka. relacje, w których potrzeba komunikacji werbalnej jest nie mniej ważna niż potrzeba jedzenia, jedzenia i ubrania. Zarówno w pierwszej komedii, jak i w kolejnych sztukach Ostrowski często celowo spowalnia rozwój wydarzeń, uznając za konieczne pokazanie, o czym myślą bohaterowie, w jakiej formie słownej wyrażają swoje myśli. Po raz pierwszy w rosyjskim dramacie dialogi między postaciami stały się ważnym sposobem charakteryzacji.

Niektórzy krytycy uznali nadmierne wykorzystanie codziennych szczegółów za naruszenie praw scenicznych. Jedynym uzasadnieniem, ich zdaniem, może być to, że aspirujący dramaturg był pionierem życia kupieckiego. Ale to „naruszenie” stało się prawem dramaturgii Ostrowskiego: już w pierwszej komedii połączył surowość intrygi z licznymi codziennymi szczegółami i nie tylko nie porzucił tej zasady później, ale także ją rozwinął, osiągając maksymalny efekt estetyczny obu składników dramatu. spektakl – dynamiczna fabuła i statyczne sceny „rozmowne”.

„Nasi ludzie – będziemy ponumerowani!” - komedia oskarżycielska, satyra na obyczaje. Jednakże na początku lat 50. XIX w. dramaturg doszedł do wniosku, że należy porzucić krytykę kupców z „kierunku oskarżycielskiego”. Jego zdaniem spojrzenie na życie wyrażone w pierwszej komedii było „młode i zbyt twarde”. Teraz uzasadnia inne podejście: Rosjanin powinien cieszyć się, gdy widzi siebie na scenie, a nie smucić się. „Korektory będą nawet bez nas” – podkreślił Ostrovsky w jednym ze swoich listów. - Aby mieć prawo do poprawiania ludzi bez obrażania ich, musisz pokazać im, że znasz w nich dobro; To właśnie robię teraz, łącząc wzniosłość z komizmem.” „Wysokie” są jego zdaniem ideały ludowe, prawdy nabyte przez naród rosyjski przez wiele wieków rozwoju duchowego.

Nowa koncepcja kreatywności zbliżyła Ostrowskiego do młodych pracowników magazynu Moskwitianin (wydawanego przez słynnego historyka M.P. Pogodina). W pracach pisarza i krytyka A.A. Grigoriewa powstała koncepcja „gleby”, wpływowego ruchu ideologicznego lat 50. i 60. XIX wieku. Podstawą „pochvennichestvo” jest dbałość o duchowe tradycje narodu rosyjskiego, tradycyjne formy życia i kultury. Szczególne zainteresowanie„młodzi redaktorzy” „Moskwitianina” przywoływali klasę kupiecką: przecież ta klasa zawsze była niezależna finansowo, nie doświadczyła zgubny wpływ poddaństwo, które „pochvennicy” uważali za tragedię narodu rosyjskiego. To właśnie w środowisku kupieckim, zdaniem „Moskali”, należy szukać autentycznych ideałów moralnych wypracowanych przez naród rosyjski, nie wypaczonych przez niewolnictwo, jak chłopstwo pańszczyźniane i oddzielenie od „ziemi” ludowej, jak szlachta. W pierwszej połowie lat pięćdziesiątych XIX w. Idee te pozostawały pod silnym wpływem Ostrowskiego. Nowi przyjaciele, zwłaszcza A.A. Grigoriew, namawiali go, aby w sztukach o kupcach wyrażał „rdzenny rosyjski pogląd”.

W sztukach „moskiewskiego” okresu twórczości – „Nie wsiadaj na sanie”, „Ubóstwo nie jest występkiem” i „Nie żyj tak, jak chcesz” – krytyczne podejście Ostrowskiego do kupców nie zniknęło , ale został znacznie złagodzony. Pojawił się nowy nurt ideologiczny: dramaturg przedstawił moralność współczesnych kupców jako zjawisko historycznie zmienne, próbując dowiedzieć się, co zachowało się w tym środowisku z bogatego doświadczenia duchowego zgromadzonego przez naród rosyjski na przestrzeni wieków, a co uległo zdeformowaniu lub zniknięciu .

Jednym ze szczytów twórczości Ostrowskiego jest komedia „Ubóstwo nie jest wadą”, której fabuła opiera się na konflikcie rodzinnym. Gordey Tortsov, władczy kupiec-tyran, poprzednik Dikiya z Grozy, marzy o poślubieniu swojej córki Lyuby z Afrykaninem Korszunowem, kupcem nowej, „europejskiej” formacji. Ale jej serce należy do kogoś innego – biednego urzędnika Mityi. Brat Gordeya, Lyubim Tortsov, pomaga rozbić małżeństwo z Korszunowem, a ojciec-tyran w przypływie złości grozi, że wyda swoją zbuntowaną córkę za pierwszą spotkaną osobę. Szczęśliwym zbiegiem okoliczności okazało się, że był to Mitya. Udana fabuła komediowa dla Ostrowskiego to tylko „skorupa” wydarzenia, która pomaga zrozumieć prawdziwe znaczenie tego, co się dzieje: kolizję Kultura ludowa z „półkulturą”, która rozwinęła się wśród kupców pod wpływem mody „na Europę”. Przedstawicielem fałszywej kultury kupieckiej w spektaklu jest Korszunow, obrońca patriarchalnej zasady „ziemi” – Lyubim Tortsov, główny bohater spektaklu.

Kochamy Tortsova - pijaka, który chroni wartości moralne, - przyciąga widza swoją bufonadą i głupotą. Od niego zależy cały przebieg wydarzeń w spektaklu, to on pomaga każdemu, włączając w to zabieganie o moralne „nawrócenie” swego brata-tyrana. Ostrovsky pokazał go jako najbardziej „rosyjskiego” ze wszystkich bohaterów. Nie ma pretensji do wykształcenia, tak jak Gordey, po prostu myśli rozsądnie i postępuje zgodnie ze swoim sumieniem. Z punktu widzenia autora to wystarczy, aby wyróżnić się na tle kupieckiego środowiska, stać się „naszym człowiekiem na scenie”.

Sam pisarz wierzył, że szlachetny impuls jest w stanie ujawnić w każdym człowieku proste i jasne cechy moralne: sumienie i życzliwość. Niemoralność i okrucieństwo współczesnego społeczeństwa przeciwstawił rosyjskiej moralności „patriarchalnej”, dlatego świat sztuk teatralnych okresu „moskiewskiego”, pomimo zwykłej Ostrowskiemu precyzji codziennego „instrumentalizacji”, jest w dużej mierze konwencjonalny, a nawet utopijny. Głównym osiągnięciem dramatopisarza była jego wersja pozytywnego bohatera ludowego. Wizerunek pijanego zwiastuna prawdy, Lyubima Torcowa, bynajmniej nie został stworzony według zmęczonych szablonów. To nie jest ilustracja do artykułów Grigoriewa, ale pełnokrwisty obraz artystyczny, nie bez powodu rola Lyubima Torcowa przyciągnęła aktorów wielu pokoleń.

W drugiej połowie lat pięćdziesiątych XIX w. Ostrowski raz po raz powraca do tematu kupców, ale jego stosunek do tej klasy się zmienił. Cofnął się o krok od idei „moskiewskich”, powracając do ostra krytyka bezwładność środowiska handlowego. Żywy wizerunek kupca tyrana Tit Titycha („Kita Kitych”) Bruskowa, którego nazwisko stało się powszechnie znane, powstał w satyrycznej komedii „Na uczcie kogoś innego jest kac” (1856). Jednak Ostrowski nie ograniczył się do „satyry na twarze”. Jego uogólnienia stały się szersze: sztuka przedstawia sposób życia, który zaciekle opiera się wszystkiemu nowemu. Według krytyka N.A. Dobrolyubova jest to „ciemne królestwo”, które żyje według własnych okrutnych praw. Obłudnie broniąc patriarchatu, tyrani bronią swojego prawa do nieograniczonej arbitralności.

Rozszerzył się zakres tematyczny sztuk Ostrowskiego, a w jego polu widzenia pojawili się przedstawiciele innych klas i grup społecznych. W komedii „Miejsce dochodowe” (1857) po raz pierwszy zwrócił się do jednego z ulubionych tematów rosyjskich komików - satyrycznego przedstawienia biurokracji, a w komedii „Przedszkole” (1858) odkrył życie właściciela ziemskiego. W obu utworach łatwo dostrzec analogie do zabaw „kupczych”. Tym samym bohater „Miejsca dochodowego” Żadow, demaskator korupcji urzędników, jest typologicznie bliski poszukiwaczowi prawdy Lyubimowi Torcowowi, a bohaterom „Ucznia” – tyranskiej właścicielki ziemskiej Ułanbekowej i jej ofiary, uczennicy Nadya - przypominają bohaterów wczesnych sztuk Ostrowskiego i napisanej rok później tragedii „Burza z piorunami”: Kabanikha i Katerina.

Podsumowując wyniki pierwszej dekady twórczości Ostrowskiego, A.A. Grigoriew, polemizując z interpretacją Dobrolubowa dotyczącą Ostrowskiego jako demaskatora tyranów i „ciemnego królestwa”, napisał: „Imię dla tego pisarza, dla tak wielkiego pisarza, pomimo swoje wady, nie jest satyrykiem, ale poetą narodowym. Słowem wskazującym na jego działalność nie jest „tyrania”, ale „narodowość”. Tylko to słowo może być kluczem do zrozumienia jego twórczości. Wszystko inne – mniej lub bardziej wąskie, mniej lub bardziej teoretyczne, arbitralne – zawęża krąg jego twórczości.”

„Burza z piorunami” (1859), która nastąpiła po trzech komediach oskarżycielskich, stała się szczytem przedreformacyjnego dramatu Ostrowskiego. Wracając do przedstawienia kupców, pisarz stworzył w swoim dziele pierwszą i jedyną tragedię społeczną.

Dzieła Ostrowskiego z lat 60. i 80. XIX wieku. niezwykle różnorodny, choć w jego światopoglądzie i poglądach estetycznych nie było tak ostrych wahań jak przed 1861 rokiem. Dramaturgia Ostrowskiego zadziwia szekspirowskim rozmachem problematyki i klasyczną doskonałością form artystycznych. Można zauważyć dwa główne nurty, które wyraźnie ujawniły się w jego sztukach: wzmocnienie tragicznego brzmienia tradycyjnych dla pisarza wątków komediowych oraz wzrost psychologicznej treści konfliktów i bohaterów. „Teatr Ostrowskiego”, uznany przez dramaturgów „nowej fali” lat 90. i 90. XIX wieku za „przestarzały”, „konserwatywny”, w rzeczywistości rozwinął dokładnie te nurty, które stały się wiodące w teatrze początku XX wieku. Nieprzypadkowo, począwszy od „Burzy”, codzienne i moralnie opisowe sztuki Ostrowskiego były bogate w symbole filozoficzne i psychologiczne. Dramaturg dotkliwie odczuł niedosyt scenicznego „codziennego” realizmu. Nie naruszając naturalnych praw sceny, zachowując dystans między aktorami i widzami – będący podstawą podstaw teatru klasycznego, w swoich najlepszych sztukach zbliżał się do filozoficznego i tragicznego brzmienia powieści powstałych w latach 60. – 70. XIX w. współczesnym Dostojewskiemu i Tołstojowi, ku mądrości i organicznej sile artysty, którego wzorem był dla niego Szekspir.

Innowacyjne aspiracje Ostrowskiego są szczególnie widoczne w jego komediach satyrycznych i dramatach psychologicznych. Cztery komedie opowiadające o życiu poreformacyjnej szlachty – „Dość prostoty dla każdego mędrca”, „Wilki i owce”, „Szalone pieniądze” i „Las” – łączy wspólny temat. Przedmiotem satyrycznej kpiny jest w nich niepohamowana żądza zysku, która ogarnęła zarówno szlachtę, która utraciła punkt oparcia – przymusową pracę chłopów pańszczyźnianych i „szalonych pieniędzy”, jak i ludzi nowej formacji, biznesmenów, gromadzących swoje stolica na ruinach upadłej pańszczyzny.

Komedie tworzą żywe obrazy „ludzi biznesu”, dla których „pieniądze nie mają zapachu”, a bogactwo staje się jedynym celem w życiu. W sztuce „Każdy mądry człowiek ma dość prostoty” (1868) taka osoba pojawiła się jako zubożały szlachcic Głumow, który tradycyjnie marzy o spadku, bogatej narzeczonej i karierze. Jego cynizm i przedsiębiorczość nie są sprzeczne ze sposobem życia starej szlacheckiej biurokracji: on sam jest brzydkim wytworem tego środowiska. Głumow jest mądry w porównaniu z tymi, przed którymi jest zmuszony się schylić - Mamajewem i Krutitskim, nie ma nic przeciwko wyśmiewaniu ich głupoty i dumy, potrafi spojrzeć na siebie z zewnątrz. „Jestem mądry, zły, zazdrosny” – wyznaje Glumov. Nie szuka prawdy, a po prostu czerpie korzyści z głupoty innych. Ostrovsky ukazuje nowe zjawisko społeczne, charakterystyczne dla poreformacyjnej Rosji: to nie „umiar i dokładność” Mołchalinów prowadzą do „szalonych pieniędzy”, ale zjadliwy umysł i talent Chatskich.

W komedii „Szalone pieniądze” (1870) Ostrowski kontynuował swoją „kronikę moskiewską”. Pojawił się w nim ponownie Jegor Głumow ze swoimi fraszkami „dla całej Moskwy” i kalejdoskopem satyrycznych typów moskiewskich: bywalcy towarzystwa, którzy przeżyli kilka fortun, damy gotowe zostać służebnicami „milionerów”, miłośniczki darmowego alkoholu, próżniacy gaduła i lubieżni ludzie. Dramaturg stworzył satyryczny portret sposobu życia, w którym honor i uczciwość zastępuje niepohamowana żądza pieniędzy. Pieniądze determinują wszystko: działania i zachowania bohaterów, ich ideały i psychologię. Główną bohaterką spektaklu jest Lidia Czeboksarowa, która wystawia na sprzedaż zarówno swoją urodę, jak i miłość. Nie obchodzi ją, kim będzie – żoną czy utrzymywaną kobietą. Najważniejsze jest, aby wybrać grubszy worek pieniędzy: w końcu jej zdaniem „bez złota nie da się żyć”. Zepsuta miłość Lidii w „Szalonych pieniądzach” jest tym samym sposobem na zdobycie pieniędzy, co umysł Głumowa w sztuce „Każdemu mądremu wystarczy prostota”. Ale cyniczna bohaterka, która wybiera bogatszą ofiarę, sama znajduje się w głupiej sytuacji: poślubia Wasilkowa, uwiedziona plotkami o jego kopalniach złota, zostaje oszukana przez Telyatewa, którego fortuna jest tylko mitem, nie gardzi pieszczotami „ tata” Kuchumov, pozbawiając go pieniędzy. Jedynym przeciwieństwem łapaczy „szalonych pieniędzy” w sztuce jest „szlachetny” biznesmen Wasilkow, który opowiada o „inteligentnych” pieniądzach, zdobytych uczciwą pracą, zaoszczędzonych i mądrze wydanych. Ten bohater to nowy typ „uczciwego” burżua, jakiego odgadł Ostrowski.

Komedia „Las” (1871) poświęcona jest popularnej w literaturze rosyjskiej lat 70. XIX wieku. temat wyginięcia „szlacheckich gniazd”, w których żyli „ostatni Mohikanie” starej rosyjskiej szlachty.

Obraz „lasu” jest jednym z najbardziej pojemnych obrazów symbolicznych Ostrowskiego. Las to nie tylko tło, na którym rozgrywają się wydarzenia na osiedlu oddalonym o pięć mil od miasta powiatowego. Taki jest przedmiot umowy pomiędzy starszą panią Gurmyżską a kupcem Wosmibratowem, który wykupuje ziemie ich przodków od zubożałej szlachty. Las jest symbolem duchowej dziczy: leśne osiedle „Penki” prawie nie osiąga odrodzenia stolic, nadal panuje tu „odwieczna cisza”. Psychologiczne znaczenie symbolu staje się jasne, jeśli skorelujemy „las” z „dziką” niegrzecznych uczuć i niemoralnych działań mieszkańców „szlachetnego lasu”, przez który szlachta, rycerskość i ludzkość nie mogą się przebić. „... - I naprawdę, bracie Arkady, jak weszliśmy do tego lasu, do tego gęstego, wilgotnego lasu? – mówi tragik Nieszczastliwcew pod koniec przedstawienia – Dlaczego, bracie, spłoszyliśmy sowy i puchacze? Po co im przeszkadzać? Niech żyją jak chcą! Tutaj wszystko jest w porządku, bracie, tak jak powinno być w lesie. Stare kobiety wychodzą za licealistów, młode dziewczęta topią się w gorzkim życiu z bliskimi: lasem, bratem” (D. 5, Obj. IX).

„Las” to komedia satyryczna. Komedia objawia się w różnych sytuacjach fabularnych i zwrotach akcji. Dramaturg stworzył na przykład małą, ale bardzo aktualną kreskówkę społeczną: prawie gogolskie postacie omawiają temat działalności ziemstvos, popularnego w czasach poreformacyjnych - ponurego mizantropa, właściciela ziemskiego Bodajewa, przypominającego Sobakiewicza i Milonowa, jako pięknego- sercem jak Maniłow. Jednakże główny obiekt Satyry Ostrowskiego to życie i zwyczaje „szlachetnego lasu”. Spektakl wykorzystuje sprawdzony zabieg fabularny – historię biednego ucznia Aksyushy, prześladowanego i poniżanego przez obłudną „dobroczyńcę” Gurmyżską. Ciągle mówi o swoim wdowieństwie i czystości, chociaż w rzeczywistości jest złośliwa, zmysłowa i próżna. Sprzeczności między twierdzeniami Gurmyżskiej a prawdziwą istotą jej charakteru są źródłem nieoczekiwanych sytuacji komicznych.

W pierwszym akcie Gurmyżska urządza swoiste przedstawienie: chcąc zademonstrować swoją cnotę, zaprasza sąsiadów do podpisania testamentu. Według Milonowa „Raisa Pawłowna ozdabia całą naszą prowincję surowością swojego życia; nasza atmosfera moralna, że ​​tak powiem, pachnie jej cnotami”. „Wszyscy baliśmy się tutaj twojej cnoty” – powtarza Bodaev, wspominając, jak kilka lat temu oczekiwano jej przybycia do posiadłości. W piątym akcie sąsiedzi dowiadują się o nieoczekiwanej metamorfozie, jaka nastąpiła u Gurmyżskiej. Pięćdziesięcioletnia dama, która leniwie mówiła o złych przeczuciach i rychłej śmierci („jeśli nie umrę dzisiaj, nie jutro, przynajmniej wkrótce”), ogłasza swoją decyzję o poślubieniu wyrzuconej z liceum uczennicy Alexisa Bulanowa. Uważa małżeństwo za poświęcenie, „aby uporządkować majątek i nie dostać się w niepowołane ręce”. Sąsiedzi nie dostrzegają jednak komedii w przejściu od testamentu umierania do zjednoczenia małżeńskiego „niezachwianej cnoty” z „czułą, młodą gałęzią szlacheckiego żłobka”. „To bohaterski wyczyn! Jesteś bohaterką! - woła żałośnie Milonow, podziwiając obłudną i zdeprawowaną matronę.

Kolejnym węzłem w komediowej fabule jest historia tysiąca rubli. Pieniądze zatoczyły koło, co umożliwiło dodawanie ważne akcenty do portretów różnych osób. Kupiec Wosmibratow, płacąc za zakupione drewno, próbował zgarnąć tysiąc. Nieszastliwcew, uspokoiwszy i „sprowokując” kupca („honor jest nieograniczony. A ty go nie masz”), skłonił go do zwrotu pieniędzy. Gurmyżska dała Bułanowowi „zabłąkany” tysiąc za sukienkę, po czym tragik, grożąc nieszczęsnemu młodzieńcowi fałszywym pistoletem, zabrał pieniądze, zamierzając je roztrwonić z Arkadym Szastliwcewem. Ostatecznie tysiąc stał się posagiem Aksyushy i… wrócił do Wosmibratowa.

Całkowicie tradycyjna komediowa sytuacja „zmiennokształtnego” pozwoliła przeciwstawić złowrogą komedię mieszkańców „lasu” wielkiej tragedii. Żałosny „komik” Nieszczastliwcew, siostrzeniec Gurmyżskiej, okazał się dumnym romantykiem, który na ciotkę i jej sąsiadów patrzy oczami szlachetnego człowieka, zszokowany cynizmem i wulgarnością „sów i sów”. Ci, którzy traktują go z pogardą, uważając go za nieudacznika i renegata, zachowują się jak źli aktorzy i zwykli bufony. „Komicy? Nie, my jesteśmy artystami, szlachetnymi artystami, a wy komediantami” – rzuca im ze złością w twarz Nieszastliwcew. - Jeśli kochamy, kochamy; jeśli nie kochamy, kłócimy się lub walczymy; Jeśli pomożemy, to ostatnim groszem. A ty? Przez całe życie mówisz o dobru społeczeństwa, o miłości do ludzkości. Co zrobiłeś? Kogo karmiłeś? Kto dał się pocieszyć? Bawisz się tylko sobą, bawisz się. Wy jesteście komediantami, błaznami, nie my” (D. 5, Obj. IX).

Ostrowski przeciwstawia prymitywnej farsie Gurmyżskiego i Bułanowa prawdziwie tragicznemu postrzeganiu świata, jaki reprezentuje Nieszastliwcew. W piątym akcie komedia satyryczna ulega przemianie: jeśli wcześniej tragik demonstracyjnie zachowywał się wobec „klaunów” w błazeński sposób, podkreślając swą pogardę dla nich, złośliwie ironizując ich czyny i słowa, to w finale spektaklu scena, nie przestając być przestrzenią akcji komediowej, zamienia się w tragiczny teatr jednego aktora, który swój ostatni monolog rozpoczyna jako „szlachetny” artysta, wzięty za błazna, a kończy jako „szlachetny zbójnik” z dramatu F. Schillera – według słynnych słów Karla Moora. Cytat z Schillera znów mówi o „lasie”, a dokładniej o wszystkich „żądnych krwi mieszkańcach lasów”. Ich bohater chciałby „wpaść w szał na punkcie tego piekielnego pokolenia”, w którym się znalazł majątek szlachecki. Cytat, nierozpoznany przez słuchaczy Nieszastliwcewa, podkreśla tragikomiczny sens tego, co się dzieje. Po wysłuchaniu monologu Milonow woła: „Ale przepraszam, możesz zostać pociągnięty do odpowiedzialności za te słowa!” „Tak, tylko do policjanta. Wszyscy jesteśmy świadkami” – Bułanow, „urodzony, by dowodzić” – odpowiada jak echo.

Nieszastliwcew to bohater romantyczny, ma w sobie wiele z Don Kichota, „rycerza smutnego obrazu”. Wyraża się pompatycznie, teatralnie, jakby nie wierzył w powodzenie swojej walki z „wiatrakami”. „Gdzie możesz ze mną porozmawiać” – Nieszastliwcew zwraca się do Milonowa. „Czuję się i mówię jak Schiller, a ty jak urzędnik”. Komicznie nawiązując do wypowiedzianych właśnie słów Karla Moora o „żądnych krwi mieszkańcach lasu”, uspokaja Gurmyżską, która nie chciała podać mu ręki do pożegnalnego pocałunku: „Nie będę gryźć, nie bój się”. Jedyne, co mu pozostaje, to uciec od ludzi, którzy jego zdaniem są gorsi od wilków: „Podaj mi rękę, towarzyszu! (Podaje rękę Schastlivtsevowi i odchodzi).” Ostatnie słowa a gest Nieszastliwcewa jest symboliczny: podaje rękę swojemu towarzyszowi, „komikowi”, i dumnie odwraca się od mieszkańców „szlachetnego lasu”, z którymi nie podąża tą samą drogą.

Bohater „Lasu” jest jednym z pierwszych w literaturze rosyjskiej, który „wybuchnął”, „dzieci marnotrawne” swojej klasy. Ostrowski nie idealizuje Nieszczastlewcewa, wytykając jego codzienne mankamenty: podobnie jak Lubim Torcow nie stroni od hulanek, jest skłonny do oszustw i zachowuje się jak arogancki dżentelmen. Ale najważniejsze, że to Nieszastliwcew, jeden z najbardziej ukochanych bohaterów teatru Ostrowskiego, wyraża wysokie ideały moralne, zupełnie zapomniane przez błaznów i faryzeuszy z leśnej posiadłości. Jego poglądy na temat honoru i godności człowieka są bliskie samemu autorowi. Jakby rozbijając „lustro” komedii, Ostrowski ustami prowincjonalnego tragika o smutnym nazwisku Nieszczastliwcew chciał przypomnieć ludziom o niebezpieczeństwie kłamstwa i wulgarności, które z łatwością zastępują prawdziwe życie.

Jedno z arcydzieł Ostrowskiego, dramat psychologiczny „Posag” (1878), podobnie jak wiele jego dzieł, jest sztuką „kupców”. Wiodące miejsce pojawiają się w nim ulubione motywy dramatopisarza (pieniądze, handel, kupiecka „odwaga”), tradycyjne typy występujące niemal w każdej jego sztuce (kupcy, podrzędny urzędnik, dziewczyna w wieku małżeńskim i jej matka próbująca „sprzedać” córkę po wyższej cenie, aktor prowincjonalny). Intryga przypomina także stosowane wcześniej narzędzia fabularne: o Larisę Ogudalovą walczy kilku rywali, z których każdy ma swoje „zainteresowanie” dziewczyną.

Jednak w odróżnieniu od innych dzieł, na przykład komedii „Las”, w której biedna uczennica Aksyusza była jedynie „postacią sytuacji” i nie brała czynnego udziału w wydarzeniach, bohaterka „Posagu” jest centralną postacią charakter spektaklu. Larisa Ogudalova to nie tylko piękna „rzecz”, bezwstydnie wystawiona na aukcję przez jej matkę Kharitę Ignatievnę i „kupiona” przez bogatych kupców z miasta Briakhimov. Jest osobą niezwykle utalentowaną, myślącą, głęboko odczuwającą, rozumiejącą absurdalność swojej sytuacji, a jednocześnie sprzeczną z naturą, próbującą gonić „dwie pieczenie na jednym ogniu”: pragnie zarówno wielkiej miłości, jak i bogactwa, piękne życie. Łączy w sobie romantyczny idealizm i marzenia o mieszczańskim szczęściu.

Główną różnicą między Larisą a Kateriną Kabanovą, z którą często jest porównywana, jest wolność wyboru. Ona sama musi dokonać wyboru: zostać utrzymaną kobietą bogatego kupca Knurowa, uczestnikiem odważnych rozrywek ” genialny mistrz„Paratow, czyli żona dumnej nicości – urzędnik „z ambicjami” Karandyszew. Miasto Bryachimow, podobnie jak Kalinow w „Burzy z piorunami”, to także miasto „na wysokim brzegu Wołgi”, ale nie jest to już „ciemne królestwo” złej, tyrańskiej siły. Czasy się zmieniły - oświeceni „nowi Rosjanie” w Bryachimowie nie żenią się z dziewczynami z posagu, ale je kupują. Bohaterka sama może zdecydować, czy wziąć udział w aukcji. Przed nią przechodzi cała „parada” zalotników. W przeciwieństwie do nieodwzajemnionej Kateriny, opinia Larisy nie jest lekceważona. Jednym słowem, " ostatnimi czasy”, którego Kabanikha tak się bał: stary „porządek” upadł. Larisa nie musi błagać narzeczonego Karandyszewa, tak jak Katerina błagała Borysa („Zabierz mnie stąd ze sobą!”). Sam Karandyshev jest gotowy zabrać ją z dala od pokus miasta - do odległego Zabołotye, gdzie chce zostać sędzią pokoju. Bagno, które jej matka wyobraża sobie jako miejsce, w którym nie ma nic poza lasem, wiatrem i wyjącymi wilkami, Larisie wydaje się wiejską idyllą, rodzajem bagnistego „raju”, „cichego zakątka”. W dramatycznych losach bohaterki, historycznych i codziennych, tragedia niespełnionej miłości i mieszczańska farsa, splatają się, subtelny dramat psychologiczny i żałosny wodewil. Motywem przewodnim spektaklu nie jest siła otoczenia i okoliczności, jak w „Burzy”, ale motyw odpowiedzialności człowieka za swój los.

„Posag” to przede wszystkim dramat o miłości: to ona stała się podstawą intrygi fabularnej i źródłem wewnętrznych sprzeczności bohaterki. Miłość w „Posagu” to pojęcie symboliczne, wieloznaczne. „Szukałam miłości i nie znalazłam” – taki gorzki wniosek wyciąga Larisa na koniec spektaklu. Ma na myśli miłość-współczucie, miłość-zrozumienie, miłość-litość. W życiu Larisy prawdziwa miłość zastąpiła wystawiona na sprzedaż „miłość”, miłość jako towar. Targowanie się w sztuce odbywa się właśnie dzięki niej. Tylko ci, którzy mają więcej pieniędzy, mogą kupić taką „miłość”. Dla „zeuropeizowanych” kupców Knurowa i Wozhewatowa miłość Larisy jest przedmiotem luksusowym, który kupuje się, aby zapewnić im życie „europejskim” szykiem. Małostkowość i roztropność tych „dzieci” Dikiy objawia się nie w bezinteresownym przeklinaniu grosza, ale w brzydkich targach miłosnych.

Siergiej Siergiejewicz Paratow, najbardziej ekstrawagancki i lekkomyślny spośród kupców przedstawionych w sztuce, jest postacią parodyczną. To „kupiec Pechorin”, łamacz serc z zamiłowaniem do melodramatycznych efektów. Uważa swój związek z Larisą Ogudalovą za eksperyment miłosny. „Chcę wiedzieć, jak szybko kobieta zapomina o swojej namiętnie ukochanej osobie: dzień po rozstaniu z nim, tydzień lub miesiąc później” – mówi Paratow. Miłość jego zdaniem nadaje się jedynie „do użytku domowego”. Własna „wycieczka na wyspę miłości” Paratowa z posagiem Larisy była krótkotrwała. Zastąpiły ją hałaśliwe hulanki z Cyganami i małżeństwo z bogatą panną młodą, a raczej jej posag - kopalnie złota. „Ja, Mokij Parmenych, nie mam niczego cennego; Jeśli znajdę zysk, sprzedam wszystko, co chcę” – taka jest życiowa zasada Paratowa, nowego „bohatera naszych czasów” z nawykami złamanego sprzedawcy ze sklepu z modą.

Narzeczony Larisy, „ekscentryczny” Karandyshev, który stał się jej zabójcą, jest osobą żałosną, komiczną, a jednocześnie złowrogą. Miesza „kolory” różnych obrazów scenicznych w absurdalnej kombinacji. To karykatura Otella, parodia „szlachetnego” zbójnika (na balu kostiumowym „przebrał się za rabusia, wziął w ręce siekierę i rzucał na wszystkich brutalne spojrzenia, zwłaszcza Siergieja Siergieja”), a jednocześnie swego czasu „filistynem wśród szlachty”. Jego ideałem jest „powóz z muzyką”, luksusowy apartament i obiady. To ambitny urzędnik, który znalazł się na hałaśliwej uczcie kupieckiej, gdzie otrzymał niezasłużoną nagrodę - piękną Larisę. Miłość Karandyszewa, „zapasowego” pana młodego, jest miłością-marnością, miłością-ochroną. Dla niego Larisa to także „rzecz”, którą się przechwala, prezentując ją całemu miastu. Sama bohaterka spektaklu postrzega jego miłość jako upokorzenie i zniewagę: „Jakże jesteś dla mnie obrzydliwy, gdybyś tylko wiedział!... Dla mnie najpoważniejszą zniewagą jest Twój patronat; Od nikogo nie spotkałem się z żadnymi innymi obelgami.”

Główna cecha, która pojawia się w wyglądzie i zachowaniu Karandyszewa, jest dość „czechowska”: jest to wulgarność. To właśnie ta cecha nadaje postaci urzędnika ponury, złowieszczy posmak, pomimo jego przeciętności w porównaniu z innymi uczestnikami rynku miłości. Larisę zabija nie prowincjonalny „Otello”, nie żałosny komik, który łatwo zmienia maski, ale ucieleśniona w nim wulgarność, która - niestety! - stał się dla bohaterki jedyną alternatywą na kochanie raju.

Nic cecha psychologiczna w Larisie Ogudalowej nie został ukończony. Jej duszę wypełniają mroczne, niejasne impulsy i namiętności, których ona sama nie do końca rozumie. Nie jest w stanie dokonać wyboru, zaakceptować ani przekląć świata, w którym żyje. Myśląc o samobójstwie, Larisa nigdy nie była w stanie rzucić się do Wołgi, jak Katerina. w odróżnieniu tragiczna bohaterka„Burze” jest po prostu uczestniczką wulgarnego dramatu. Paradoksem spektaklu jest jednak to, że to właśnie wulgarność zabiła Larisę i w ostatnich chwilach jej życia uczyniła z niej także tragiczną bohaterkę, wznoszącą się ponad wszystkich bohaterów. Nikt jej nie kochał tak, jak by chciała, ale ona umiera słowami przebaczenia i miłości, przesyłając pocałunek osobom, które niemal zmusiły ją do wyrzeczenia się najważniejszej rzeczy w jej życiu – miłości: „Trzeba żyć, ale ja trzeba żyć.” …umrzeć. Na nikogo nie narzekam, na nikogo się nie obrażam… wszyscy jesteście dobrymi ludźmi… Kocham was wszystkich… wszystkich… ”(przesyła całusa). Na to ostatnie, tragiczne westchnienie bohaterki odpowiedział dopiero „głośny chór Cyganów”, symbol całego „cygańskiego” stylu życia, w jakim żyła.

JAKIŚ. Ostrovsky jest jednym z najpopularniejszych rosyjskich dramaturgów i warto się nad nim zastanowić ciekawe fakty z życia Ostrowskiego. Był założycielem rosyjskiej szkoły teatralnej, a także nauczycielem powszechnie znanych Stanisławskiego i Bułhakowa. Życie Ostrowskiego jest równie interesujące jak jego twórczość.

1. Dramaturg urodził się 12 kwietnia 1823 roku w Moskwie, w rodzinie duchownej i kształcił się w domu.. Jego matka zmarła, gdy przyszły pionier teatru rosyjskiego miał siedem lat, a ojciec wziął za żonę baronową Emilię von Tessin. Macocha brała czynny udział w wychowaniu i edukacji przyszłego pisarza i jego braci.
2. Ostrowski był poliglotą i od najmłodszych lat znał wiele języków obcych, w tym francuski, grecki i niemiecki. Później nauczył się także hiszpańskiego, włoskiego i angielskiego. Przez całe życie dokonywał tłumaczeń swoich sztuk teatralnych języki obce, doskonaląc umiejętność ich wykorzystania.

   

3. Ostrovsky wstąpił na uniwersytet, ale został zmuszony do porzucenia studiów z powodu sprzeczności z jednym z nauczycieli.

   

4. Po ukończeniu studiów Aleksander dostał pracę na dworze moskiewskim jako pisarz, gdzie rozpatrywano spory między krewnymi.

   

5. W 1845 roku przyszły dramaturg podjął pracę w kancelarii sądu handlowego. Ten etap jego kariery dał Ostrowskiemu wiele żywych wrażeń, które przydadzą mu się w jego przyszłych pracach.

   

6. Wydana komedia „Nasi ludzie – dajmy się policzyć!” zapewnił dramatopisarzowi uznanie i popularność. Ale wraz z ogromnym sukcesem sztuka ta stała się prawie ostatnią w twórczości pisarza. Nie podobała się biurokratom, których potępiała. Aleksander Nikołajewicz został usunięty ze służby i umieszczony pod ścisłym nadzorem policji.

   

7. Spektakl „Burza z piorunami” mógł spotkać nie do pozazdroszczenia los. Dzieło to mogłoby w ogóle nie powstać, gdyby nie interwencja cesarzowej, której się spodobało. Dobrolyubov nazwał tę sztukę „Promieniem światła w mrocznym królestwie”.

   

8. Pomimo tego, że Ostrowski pochodził z klasy wyższej, bardzo dobrze znał zwyczaje zwykłych ludzi.. Dzieje się tak za sprawą jego żony, która była zwykłą osobą. Rodzice Aleksandra Nikołajewicza nie akceptowali tego związku i sprzeciwiali się jego małżeństwu z przedstawicielem klasy niższej. Dlatego żył przez 20 lat w nieoficjalnym małżeństwie ze swoją pierwszą żoną. Mieli pięcioro dzieci, ale wszystkie wcześnie zmarły. Drugie małżeństwo odbyło się z aktorką Marią Bakhmetyevą, z którą mieli 2 córki i 4 synów.

   

9. W 1856 roku podjął pracę w czasopiśmie „Sovremennik” i udał się z wyprawą w górny bieg Wołgi, gdzie prowadził badania. Zebrane podczas wyprawy materiały dotyczące języka i moralności będą bardzo przydatne dramatopisarzowi w późniejszym urealnianiu jego dzieł.

   

10. Wiele osób nie zdaje sobie sprawy, że opera P.I. „Śnieżna Panna” Czajkowskiego jest wspólna praca wybitny kompozytor i wielki dramaturg. Opera powstała w oparciu o ludowe podania i legendy.

    

11. Jako założyciel rosyjskiego teatru Ostrovsky grał duża rola w karierze Stanisławskiego. Można powiedzieć, że Aleksander Nikołajewicz był pionierem rosyjskiego aktorstwa. Stworzył szkołę, w której uczył aktorów wyrazistej i emocjonalnej gry aktorskiej, nie tracąc przy tym autentyczności. Podejście to zyskało ogromną popularność. Ale byli też oczywisti przeciwnicy tej techniki. Znany wówczas aktor Szczepkin otwarcie skrytykował ten sposób gry i opuścił próbę spektaklu „Burza z piorunami”.

    

12. Nawet według współczesnych standardów trzeba przyznać, że Ostrowski był geniuszem. Poliglota, wybitny dramaturg, twórca rosyjskiej sztuki teatralnej. Osoba wybitna, wykształcona i dociekliwa.

    

13. Po wielu latach ciężkiej pracy stan pisarza pogorszył się, a 14 czerwca 1886 roku zmarł Aleksander Nikołajewicz i został pochowany w rejonie Kostromy.

    

14. Przez 40 lat spędzonych w sztuce wywarł silny wpływ na całą warstwę rosyjskiego teatru. Za osiągnięcia artystyczne został uhonorowany Nagrodą Uvarov. Był wówczas członkiem korespondentem Akademii Nauk w Petersburgu i kierował Kołem Artystycznym, gdzie pomagał rozwijać przyszłe talenty.

    

15. Ostrovsky napisał, że widz przychodzi oglądać grę aktorów, a nie sztukę.

    

Urodzony 31 marca (12 kwietnia) 1823 roku w Moskwie, wychowywał się w środowisku kupieckim. Jego matka zmarła, gdy miał 8 lat. I ojciec ożenił się ponownie. W rodzinie było czworo dzieci.

Ostrovsky kształcił się w domu. Jego ojciec miał dużą bibliotekę, gdzie mały Aleksander Zacząłem po raz pierwszy czytać literaturę rosyjską. Jednak ojciec chciał zapewnić synowi wykształcenie prawnicze. W 1835 r. Ostrowski rozpoczął naukę w gimnazjum, a następnie wstąpił na Uniwersytet Moskiewski na Wydziale Prawa. Ze względu na zainteresowania teatralne i literackie nie ukończył studiów na uniwersytecie (1843), po czym za namową ojca pracował jako skryba sądowy. Ostrovsky służył w sądach do 1851 roku.

Twórczość Ostrowskiego

W 1849 roku powstało dzieło Ostrowskiego „Nasz naród – dajmy się policzyć!”, które przyniosło mu literacką sławę, wysoko cenione przez Mikołaja Gogola i Iwana Gonczarowa. Następnie, pomimo cenzury, ukazało się wiele jego sztuk i książek. Dla Ostrowskiego pisma są sposobem na prawdziwe przedstawienie życia ludzi. Do jego najważniejszych dzieł należą sztuki „Burza z piorunami”, „Posag”, „Las”. Sztuka Ostrowskiego „Posag”, podobnie jak inne dramaty psychologiczne, niestandardowo opisuje bohaterów, świat wewnętrzny i mękę bohaterów.

Od 1856 roku pisarz bierze udział w wydawaniu magazynu Sovremennik.

Teatr Ostrowskiego

W biografii Aleksandra Ostrowskiego teatr zajmuje pierwsze miejsce.
Ostrovsky założył Koło Artystyczne w 1866 roku, dzięki czemu w kręgu teatralnym pojawiło się wielu utalentowanych ludzi.

Wraz z Kołem Artystycznym znacząco zreformował i rozwinął teatr rosyjski.

Dom Ostrowskiego był często odwiedzany przez znane osobistości, m.in. I. A. Gonczarow, D. W. Grigorowicz, Iwan Turgieniew, A. F. Pisemski, Fiodor Dostojewski, P. M. Sadowski, Michaił Sałtykow-Szczedrin, Lew Tołstoj, Piotr Czajkowski, M. N. Ermołowa i inni.

W krótkiej biografii Ostrowskiego warto wspomnieć o powstaniu w 1874 r. Towarzystwa Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych, którego przewodniczącym był Ostrowski. Dzięki swoim innowacjom osiągnął poprawę życia aktorów teatralnych. Od 1885 roku Ostrowski kierował szkołą teatralną i był szefem repertuaru moskiewskich teatrów.

Życie osobiste pisarza

Nie można powiedzieć, że życie osobiste Ostrowskiego zakończyło się sukcesem. Dramaturg mieszkał z kobietą z prostej rodziny, Agafią, która nie miała wykształcenia, ale jako pierwsza czytała jego dzieła. Wspierała go we wszystkim. Wszystkie ich dzieci zmarły w młodym wieku. Ostrovsky mieszkał z nią przez około dwadzieścia lat. A w 1869 roku ożenił się z artystką Marią Wasiljewną Bachmetiewą, która urodziła mu sześcioro dzieci.

ostatnie lata życia

Do końca życia Ostrovsky doświadczał trudności finansowych. Ciężka praca bardzo wyniszczała organizm, a zdrowie pisarza coraz bardziej podupadało. Ostrovsky marzył o ożywieniu szkoły teatralnej, w której można byłoby uczyć profesjonalnego aktorstwa, ale śmierć pisarza uniemożliwiła realizację jego długo obmyślanych planów.

Ostrovsky zmarł 2 czerwca (14) 1886 w swojej posiadłości. Pisarz został pochowany obok ojca, we wsi Nikoło-Bereżki w prowincji Kostroma.

Tabela chronologiczna

Inne opcje biografii

• Ostrovsky od dzieciństwa znał grekę, niemiecki i francuski, a nawet nie tylko późny wiek Nauczyłem się także angielskiego, hiszpańskiego i włoskiego. Przez całe życie tłumaczył sztuki teatralne na różne języki, doskonaląc w ten sposób swoje umiejętności i wiedzę.
• Ścieżka twórcza pisarza obejmuje 40 lat udanej pracy nad literaturą i dzieła dramatyczne. Jego działalność wpłynęła na całą epokę teatru w Rosji. Za swoje dzieła pisarz otrzymał w 1863 roku Nagrodę Uvarowa.
• Ostrovsky jest twórcą współczesnej sztuki teatralnej, której naśladowcami były tak wybitne osobistości, jak Konstantin Stanisławski i Michaił Bułhakow.
• widzieć wszystko

Rosyjski literatura XIX wiek

Aleksander Nikołajewicz Ostrowski

Biografia

Ostrowski, Aleksander Nikołajewicz – słynny pisarz dramatyczny.

Urodzony 31 marca 1823 roku w Moskwie, gdzie służył jego ojciec izba cywilna, a następnie zaangażował się w działalność prywatną. Ostrowski jako dziecko stracił matkę i nie otrzymał żadnej systematycznej edukacji. Całe jego dzieciństwo i część młodości spędził w samym centrum Zamoskvorechye, które w tamtym czasie, zgodnie z warunkami jego życia, było światem zupełnie wyjątkowym. Ten świat zapełnił jego wyobraźnię ideami i typami, które później reprodukował w swoich komediach. Dzięki dużej bibliotece ojca Ostrowski wcześnie zapoznał się z literaturą rosyjską i poczuł skłonność do pisania; ale jego ojciec z pewnością chciał zrobić z niego prawnika. Po ukończeniu gimnazjum Ostrovsky wstąpił na wydział prawa Uniwersytetu Moskiewskiego. Kursu nie ukończył z powodu kolizji z jednym z profesorów. Na prośbę ojca wstąpił do służby jako skryba, najpierw w sądzie sumiennym, następnie w sądzie handlowym. To zdeterminowało charakter jego pierwszych eksperymentów literackich; w sądzie nadal obserwował osobliwe typy Zamoskvoretsky'ego, znane mu z dzieciństwa, które błagały traktowanie literackie. Do 1846 roku napisał już wiele scen z życia kupca i wymyślił komedię „Niewypłacalny dłużnik” (później „Nasz naród – będziemy ponumerowani”). Krótki fragment tej komedii ukazał się w 1847 r. w nr 7 moskiewskiego Listoku Miejskiego; Pod fragmentem znajdują się litery: „A. O." i „D. G.”, czyli A. Ostrovsky i Dmitrij Gorev. Ostatni był aktorem prowincjonalnym ( prawdziwe imię- Tarasenkov), autor dwóch lub trzech wystawianych już na scenie sztuk, który przypadkowo spotkał Ostrowskiego i zaproponował mu współpracę. Nie wykraczało to poza jedną scenę, a później stało się źródłem wielkich kłopotów dla Ostrowskiego, ponieważ dało jego nieżyczliwym powód do oskarżenia go o przywłaszczenie sobie cudzego dzieła literackiego. W Љ 60 i 61 tej samej gazety ukazała się kolejna rzecz, bez podpisu, już całkiem niezależna praca Ostrovsky - „Obrazy życia Moskwy. Obraz szczęścia rodzinnego.” Sceny te zostały przedrukowane w poprawionej formie i z nazwiskiem autora pod tytułem: „Obraz rodzinny” w: Sovremennik, 1856, nr 4. „ Rodzinne zdjęcie” Sam Ostrovsky rozważał swoje pierwsze dzieło drukowane i to właśnie z nią rozpoczął swoją działalność literacką. Uznał 14 lutego 1847 r. za najbardziej pamiętny i drogi dzień swojego życia: tego dnia odwiedził S.P. Szewrewa i w obecności A.S. Chomiakowa, profesorów, pisarzy, pracowników Moskiewskiej Listy Miejskiej, przeczytał tę sztukę, pojawił się w wydrukować miesiąc później. Szewrew i Chomyakow, ściskając młodego pisarza, z radością powitali jego talent dramatyczny. „Od tego dnia” – mówi Ostrowski – „zacząłem uważać się za pisarza rosyjskiego i bez wątpienia i bez wahania uwierzyłem w swoje powołanie”. Próbował swoich sił także w gatunku narracyjnym, w felietonach z życia Zamoskworiecka. W tej samej „Wykazie miast Moskwy” (nr 119–121) publikowana jest jedna z tych historii: „Iwan Erofeich”, pod ogólnym tytułem: „Notatki mieszkańca Zamoskworeckiego”; dwa inne opowiadania z tej samej serii: „Opowieść o tym, jak naczelnik kwartalnika zaczął tańczyć, czyli od wielkiego do śmiesznego” oraz „Dwie biografie” pozostały niepublikowane, a ta ostatnia nie została nawet ukończona. Pod koniec 1849 roku powstała już komedia zatytułowana „Bankrut”. Ostrovsky przeczytał to swojemu przyjacielowi ze studiów A.F. Pisemsky’emu; w tym samym czasie się poznał sławny artysta P. M. Sadowski, który dostrzegł w swojej komedii literackie objawienie i zaczął ją czytać w różnych kręgach moskiewskich, między innymi u hrabiny E. P. Rostopchiny, która skupiała zwykle młodych pisarzy, dopiero rozpoczynających karierę literacką (B. N. Almazow, N. V. Berg, L. A. Mei, T. I. Filippov, N. I. Shapovalov, E. N. Edelson). Wszyscy od czasów studenckich utrzymywali z Ostrowskim bliskie, przyjacielskie stosunki i wszyscy przyjęli propozycję Pogodina pracy w odnowionym Moskwitianinie, tworząc tzw. „młodą redakcję” tego pisma. Wkrótce Apollo Grigoriew zajął w tym kręgu znaczącą pozycję, pełniąc rolę zwiastuna oryginalności w literaturze i stając się zagorzałym obrońcą i chwalcą Ostrowskiego, jako przedstawiciela tej oryginalności. Komedia Ostrowskiego pod zmienionym tytułem: „Nasz naród – będziemy ponumerowani”, po wielu kłopotach z cenzurą, która doszła do odwołania się do najwyższych władz, została opublikowana w księdze „Moskwitianina” z 2 marca 1850 r., ale nie dopuszczono do przedstawienia; cenzura nie pozwalała nawet na pisanie o tym spektaklu w prasie. Na scenie pojawił się dopiero w 1861 roku, z zakończeniem zmienionym w stosunku do drukowanego. Po tej pierwszej komedii Ostrowskiego, co roku w „Moskwitianinie” i innych czasopismach zaczęły pojawiać się jego kolejne sztuki: w 1850 r. – „Poranek młodego człowieka”, w 1851 r. – „Nieoczekiwany przypadek”, w 1852 r. – „Biedna panna młoda ”, w 1853 r. - „Nie siedź we własnych saniach” (pierwsza sztuka Ostrowskiego, która pojawiła się na scenie Moskiewskiego Teatru Małego, 14 stycznia 1853 r.), w 1854 r. - „Ubóstwo nie jest wadą”, w 1855 – „Nie żyj tak, jak chcesz”, w 1856 – „Na cudzej uczcie jest kac”. We wszystkich tych sztukach Ostrovsky przedstawiał aspekty rosyjskiego życia, które przed nim prawie nie były poruszane w literaturze i w ogóle nie były odtwarzane na scenie. Głęboka znajomość codziennego życia przedstawionego otoczenia, jasna witalność i prawda obrazu, wyjątkowy, żywy i kolorowy język, który wyraźnie odzwierciedla prawdziwą rosyjską mowę „moskiewskich chlebów”, której Puszkin radził uczyć się rosyjskim pisarzom - wszystko Ten realizm artystyczny z całą prostotą i szczerością, do której nie dorósł nawet Gogol, spotkała się z naszą krytyką przez niektórych z burzliwym zachwytem, ​​przez innych ze zdziwieniem, zaprzeczeniem i szyderstwem. Podczas gdy A. Grigoriew, ogłaszając się „prorokiem Ostrowskiego”, niestrudzenie nalegał, aby w twórczości młodego dramaturga znalazło wyraz „nowe słowo” naszej literatury, a mianowicie „narodowość”, krytycy nurtu postępowego zarzucali Ostrowskiemu grawitację do starożytności przedPiotrowej, do „słowianofilizmu” w sensie pogostinowskim, dopatrywali się w jego komediach nawet idealizacji tyranii, nazywali go „Gostinodworskim Kotzebue”. Czernyszewski miał ostro negatywny stosunek do spektaklu „Ubóstwo nie jest wadą”, widząc w nim pewnego rodzaju sentymentalną słodycz w przedstawieniu beznadziejnego, rzekomo „patriarchalnego” życia; inni krytycy byli oburzeni na Ostrowskiego za wyniesienie niektórych wrażliwości i buty z butelkami do poziomu „bohaterów”. Wolna od uprzedzeń estetycznych i politycznych publiczność teatralna nieodwołalnie rozstrzygnęła sprawę na korzyść Ostrowskiego. Najbardziej utalentowani moskiewscy aktorzy i aktorki - Sadowski, S. Wasiliew, Stiepanow, Nikulina-Kositskaja, Borozdina i inni - zmuszeni byli do tego czasu występować, z nielicznymi wyjątkami, albo w wulgarnych wodewilach, albo w wyrafinowanych melodramatach przerobionych z francuskiego, pisanych w dodając w barbarzyńskim języku, od razu poczuli w sztukach Ostrowskiego ducha żywego, bliskiego i rodzimego życia rosyjskiego i poświęcili wszystkie siły temu, aby na scenie był on zgodny z prawdą. A widzowie teatru dostrzegli w przedstawieniu tych artystów prawdziwie „nowe słowo” sztuki scenicznej – prostotę i naturalność, zobaczyli ludzi żyjących na scenie bez pozorów. Swoimi dziełami Ostrowski stworzył szkołę prawdziwej rosyjskiej sztuki dramatycznej, prostej i prawdziwej, równie obcej pretensjonalności i afektacji, jak obce są jej wszystkie wielkie dzieła naszej literatury. Tę jego zasługę zrozumiano i doceniono przede wszystkim w środowisku teatralnym, które było najbardziej wolne od z góry przyjętych teorii. Kiedy w 1856 r., zgodnie z myślami wielkiego księcia Konstantina Nikołajewicza, odbyła się podróż służbowa wybitnych pisarzy w celu zbadania i opisania różnych obszarów Rosji w stosunkach przemysłowych i domowych, Ostrowski podjął się zbadania Wołgi od górnego biegu do Dolny. Krótka relacja z tej podróży ukazała się w „Zbiorze Morskim” w 1859 r., pełna pozostała w pismach autora i została następnie (1890) opracowana przez S.V. Maksimowa, lecz do dziś nie została opublikowana. Kilka miesięcy spędzonych w bliskim sąsiedztwie miejscowej ludności dostarczyło Ostrowskiemu wielu żywych wrażeń, poszerzył i pogłębił jego wiedzę o życiu Rosjan w jego artystycznym wyrazie - w celowym słowie, pieśni, bajce, legendzie historycznej, w obyczajach i zwyczajach Rosji starożytności, które wciąż zachowały się w ostępach. Wszystko to znalazło odzwierciedlenie w później działa Ostrowskiego i dodatkowo je wzmocnił znaczenie narodowe. Nie ograniczając się do życia kupców z Zamoskvoreckiego, Ostrovsky wprowadza do kręgu postaci świat dużych i małych urzędników, a następnie właścicieli ziemskich. W 1857 r. napisano „Miejsce dochodowe” i „Świąteczny sen przed obiadem” (pierwsza część „trylogii” o Balzaminowie; dwie dalsze części - „Wasze psy gryzą, nie dręczcie cudzego” i „Co po co idziesz, znajdziesz” – ukazało się w 1861 r.), w 1858 r. – „Nie dogadywali się” (pierwotnie napisane jako opowiadanie), w 1859 r. – „Uczeń”. W tym samym roku ukazały się dwa tomy dzieł Ostrowskiego, wydane przez hrabiego G. A. Kusheleva-Bezborodko. Publikacja ta była powodem znakomitej oceny, jaką Dobrolyubov wystawił Ostrowskiemu i która zapewniła mu sławę jako artysty „ciemnego królestwa”. Czytając teraz, po pół wieku, artykuły Dobrolyubova, nie możemy nie zauważyć ich dziennikarskiego charakteru. Sam Ostrowski z natury wcale nie był satyrykiem, a prawie nawet humorystą; z iście epickim obiektywizmem, dbając jedynie o prawdziwość i żywotność obrazu, „ze spokojem przyglądał się słusznym i winnym, nie znając ani litości, ani złości” i wcale nie kryjąc swojej miłości do prostej „małej syrenki”, w której , nawet wśród brzydkich przejawów życia codziennego zawsze wiedział, jak znaleźć jedno lub drugie atrakcyjne cechy. Sam Ostrowski był takim „małym Rosjaninem” i wszystko, co rosyjskie, odbiło się w jego sercu współczującym echem. Jak sam mówił, zależało mu przede wszystkim na pokazaniu Rosjanina na scenie: „niech zobaczy siebie i się raduje. Korektory znajdą się i bez nas. Aby mieć prawo do poprawiania ludzi, musisz pokazać im, że znasz w nich dobro”. Dobrolubow nie myślał jednak o narzucaniu Ostrowskiemu pewnych tendencji, lecz po prostu wykorzystywał swoje sztuki jako prawdziwy obraz rosyjskiego życia, do własnych, całkowicie niezależnych wniosków. W 1860 r. ukazała się drukiem „Burza z piorunami”, co zaowocowało drugim niezwykłym artykułem Dobrolubowa („Promień światła w mrocznym królestwie”). Spektakl ten odzwierciedla wrażenia z wycieczki nad Wołgę, a zwłaszcza z wizyty autora w Torzhoku. Jeszcze wyraźniejszym odzwierciedleniem wrażeń z Wołgi była kronika dramatyczna opublikowana w nr 1 Sovremennika w 1862 r.: „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”. W tej sztuce Ostrovsky po raz pierwszy podjął się przetwarzania wątek historyczny, podsunięte mu zarówno przez legendy Niżnego Nowogrodu, jak i dokładne przestudiowanie naszej historii XVII wieku. Wrażliwy artysta zdołał zauważyć w martwe pomniki cechy życiowe życie ludowe oraz doskonale opanować język epoki, której się uczył, w którym później dla zabawy pisał całe listy. „Minin”, który uzyskał aprobatę władcy, został jednak zakazany przez dramatyczną cenzurę i mógł pojawić się na scenie dopiero 4 lata później. Na scenie spektakl nie odniósł sukcesu ze względu na rozwlekłość i nie zawsze udany liryzm, jednak krytycy nie mogli nie zauważyć wysokiej powagi poszczególnych scen i postaci. W 1863 roku Ostrovsky opublikował dramat z życia ludowego: „Grzech i nieszczęście nie żyją na nikim”, a następnie powrócił do obrazów Zamoskvorechye w komediach: „Ciężkie dni” (1863) i „Jokers” (1864). Jednocześnie był zajęty przetwarzaniem dużej gry wierszem, rozpoczętej podczas podróży do Wołgi, z życia XVII wieku. Ukazała się w nr 1 Sovremennika w 1865 roku pod tytułem: „Wojewoda, czyli sen nad Wołgą”. Ta wspaniała poetycka fantazja, przypominająca udramatyzowaną epopeję, zawiera wiele żywych elementów obrazy domowe dawno minionych lat, przez których mgłę w wielu miejscach odczuwa się bliskość codzienności i do dziś nie odeszła jeszcze całkowicie w przeszłość. Inspiracją dla wrażeń z Wołgi była także komedia „W miejscu tętniącym życiem”, opublikowana w nr 9 Sovremennika w 1865 r. Od połowy lat 60. Ostrowski pilnie zajmował się historią Czasu kłopotów i prowadził ożywioną korespondencję z Kostomarow, który studiował wówczas w tej samej epoce. Efektem tej pracy były opublikowane w 1867 roku dwie kroniki dramatyczne: „Dmitrij Pretendent i Wasilij Szujski” oraz „Tuszyno”. W Љ 1 „Biuletynie Europy” z 1868 roku ukazał się kolejny dramat historyczny z czasów Iwana Groźnego, „Wasilisa Mielentiew”, napisany we współpracy z reżyserem teatralnym Gedeonowem. Od tego momentu rozpoczął się cykl sztuk Ostrowskiego, napisanych, jak to określił, „w nowy sposób”. Ich tematem jest już obraz nie kupców i burżuazji, ale życia szlachetnego: „Każdemu mędrcowi wystarczy prostota”, 1868; „Szalone pieniądze”, 1870; „Las”, 1871. Przeplatają się z nimi m.in komedie domowe„stare maniery”: „Ciepłe serce” (1869), „To nie cała Maslenica dla kota” (1871), „Nie było ani grosza, ale nagle był Altyn” (1872). W 1873 roku powstały dwie sztuki, które zajmują szczególne miejsce wśród dzieł Ostrowskiego: „Komik XVII wiek „(na 200-lecie teatru rosyjskiego) i dramatyczna baśń wierszem „Śnieżna dziewczyna”, jedno z najwybitniejszych dzieł rosyjskiej poezji. W swoich dalszych pracach z lat 70. i 80. Ostrowski zwraca się ku życiu różnych warstw społeczeństwa – szlachty, biurokratów i kupców, w tym ostatnim zauważając zmiany poglądów i warunków spowodowane żądaniami nowej Rosji życie. Ten okres działalności Ostrowskiego obejmuje: „Późną miłość” i „Chleb pracy” (1874), „Wilki i owce” (1875), „Bogate narzeczone” (1876), „Prawda jest dobra, ale szczęście jest lepsze” (1877) , „Ostatnia ofiara” (1878), „Posag” i „Dobry pan” (1879), „Serce to nie kamień” (1880), „Niewolnice” (1881), „Talenty i wielbiciele” ( 1882), „Przystojny mężczyzna” (1883), „Winny bez winy” (1884) i wreszcie ostatnia sztuka, słaba w pomyśle i wykonaniu: „Nie z tego świata” (1885). Ponadto Ostrowski napisał kilka sztuk we współpracy z innymi osobami: z N. Ya. Sołowjowem - „Wesele Belugina” (1878), „Dzikus” (1880) i „Świeci i nie nagrzewa się” (1881 ); z P. M. Nevezhinem - „Kaprys” (1881). Ostrowski jest także autorem szeregu tłumaczeń sztuk zagranicznych: „Pacyfikacja krnąbrnych” Szekspira (1865), „Wielki bankier” Italo Franchi (1871), „Zagubiona owca” Teobaldo Ciconiego (1872), „Kawiarnia Goldoniego (1872), „Rodzina przestępcy” Giacomettiego (1872), adaptacja z języka francuskiego „Niewolnictwa mężów” i wreszcie tłumaczenie 10 przerywników Cervantesa, wydane oddzielnie w 1886 r. Pisał tylko 49 oryginalnych sztuk. Wszystkie te sztuki stanowią galerię najróżniejszych typów rosyjskich, niezwykłych w swojej żywotności i prawdziwości, ze wszystkimi osobliwościami ich zwyczajów, języka i charakteru. Sztuki Ostrowskiego są często słabe w stosunku do rzeczywistej techniki dramatycznej i kompozycji: artysta, z natury głęboko prawdomówny, sam zdawał sobie sprawę ze swojej bezsilności w wymyślaniu fabuły, układaniu początku i zakończenia; mówił nawet, że „dramaturg nie powinien wymyślać tego, co się wydarzyło; jego zadaniem jest napisanie, jak to się stało lub mogło się wydarzyć; cała jego praca jest tutaj; kiedy zwróci swoją uwagę w tym kierunku, pojawią się żywi ludzie i sami przemówią. Opowiadając o swoich sztukach z tego punktu widzenia, Ostrowski przyznał, że najtrudniejszym jego zadaniem jest „fikcja”, ponieważ każde kłamstwo jest dla niego obrzydliwe; ale pisarz dramatyczny nie może obejść się bez tego konwencjonalnego kłamstwa. To „nowe słowo” Ostrowskiego, za którym tak gorąco opowiadał się Apollo Grigoriew, zasadniczo polega nie tyle na „narodowości”, ile na prawdziwości, na bezpośrednim związku artysty z otaczającym go życiem w celu całkowicie realistycznego odtworzenia go na scenie . W tym kierunku Ostrowski zrobił kolejny krok naprzód w porównaniu z Griboedowem i Gogolem i na długo ustanowił na naszej scenie „naturalną szkołę”, która na początku jego działalności dominowała już w innych działach naszej literatury. Utalentowany dramaturg, wspierana przez równie utalentowanych artystów, powodowała rywalizację wśród swoich rówieśników, którzy podążali tą samą drogą: dramaturgami o jednolitym nurcie byli Pisemski, A. Potekhin i inni, mniej zauważalni, ale w swoim czasie odnoszący zasłużone sukcesy pisarze. Oddany całą duszą teatrowi i jego zainteresowaniom, Ostrovsky poświęcił także wiele czasu i pracy praktycznym troskom o rozwój i doskonalenie sztuki dramatycznej oraz poprawę sytuacji finansowej autorów dramatycznych. Marzył o możliwości transformacji gust artystyczny artystów i społeczeństwo oraz stworzyć szkołę teatralną, równie użyteczną zarówno dla estetycznej edukacji społeczeństwa, jak i dla szkolenia godnych wykonawców scenicznych. Wśród najróżniejszych smutków i rozczarowań pozostał wierny temu ukochanemu marzeniu do końca życia, którego realizacją było po części utworzone przez niego w 1866 roku w Moskwie Koło Artystyczne, które później wydało na moskiewską scenę wiele utalentowanych postaci. Jednocześnie Ostrovsky troszczył się o złagodzenie sytuacji finansowej rosyjskich dramaturgów: dzięki jego twórczości powstało Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych (1874), którego pozostał stałym prezesem aż do śmierci. Ogólnie rzecz biorąc, na początku lat 80. Ostrowski zdecydowanie zajął miejsce lidera i nauczyciela rosyjskiego dramatu i sceny. Pracując ciężko w powołanej w 1881 roku komisji przy dyrekcji Teatrów Cesarskich „w celu rewizji przepisów dotyczących wszystkich działów zarządzania teatrem”, dokonał wielu zmian, które znacząco poprawiły sytuację artystów i umożliwiły sprawniejszą organizację szkolnictwa teatralnego. W 1885 roku Ostrovsky został mianowany kierownikiem wydziału repertuarowego moskiewskich teatrów i dyrektorem szkoły teatralnej. Jego zdrowie, już wówczas osłabione, nie odpowiadało szeroko zakrojonym planom działania, jakie sobie założył. Intensywna praca szybko wyczerpała organizm; 2 czerwca 1886 roku Ostrowski zmarł w swoim majątku Kostroma Szczełykowo, nie mając czasu na realizację swoich przekształceń założeń.

Prace Ostrowskiego były wielokrotnie publikowane; najnowszą i obszerniejszą publikacją jest Partnerstwo Oświeceniowe (St. Petersburg, 1896 - 97, w 10 tomach, pod redakcją M. I. Pisarewa i ze szkicem biograficznym I. Nosowa). „Przekłady dramatyczne” (Moskwa, 1872), „Intermedia Cervantesa” (Sankt Petersburg, 1886) i „Dzieła dramatyczne A. Ostrowskiego i N. Sołowjowa” (St. Petersburg, 1881) ukazały się osobno. Dla biografii Ostrowskiego najważniejszym dziełem jest książka francuskiego naukowca J. Patouilleta „O. et son Theater de moeurs russses” (Paryż, 1912), gdzie wymieniona jest cała literatura o Ostrowskim. Patrz wspomnienia S. W. Maksimowa w „Russian Thought”, 1897 i Kropaczowa w „Russian Review”, 1897; I. Iwanow „A. N. Ostrowski, jego życie i działalność literacka„(SPb., 1900). Najlepsze artykuły krytyczne o Ostrowskim napisali Apollon Grigoriew (w „Moskwitianinie” i „Czasie”), Edelson („Biblioteka do czytania”, 1864), Dobrolubow („Mroczne królestwo” i „Promień światła w mrocznym królestwie” „) i Boborykina („Słowo”, 1878). - śr. także książki A. I. Nezelenowa „Ostrowski w swoich dziełach” (St. Petersburg, 1888) i Or. F. Millera „Pisarze rosyjscy po Gogolu” (St. Petersburg, 1887).

Ostrowski Aleksander Nikołajewicz (1823-1886) – rosyjski pisarz dramatyczny, tłumacz. Urodzony 31 marca 1823 roku w Moskwie w rodzinie urzędnika państwowego. Jego ojciec pracował w izbie cywilnej, a po pewnym czasie został prywatnym prawnikiem. Jego matka zmarła wcześnie, więc Ostrowski nie otrzymał edukacja domowa. Dzieciństwo i młodość pisarza spędził w Zamoskvorechye.

Studiował w gimnazjum, a po ukończeniu studiów uzyskał dyplom prawnika na Uniwersytecie Moskiewskim, ale studiów nie ukończył z powodu konfliktu z jakimś profesorem. Pełnił funkcję skryby w sądzie sumiennym, a następnie przeniósł się do sądu handlowego. Pierwszą publikacją pisarza była komedia „Obraz rodzinny” (1856) w czasopiśmie „Sovremennik”. Próbował także pisać opowiadania i felietony. W „Moskwitianinie” ukazała się komedia „Naród nasz zostanie policzony” (1850), ale cenzura zabraniała jej prezentacji i pisania krytyki w prasie, a przedstawienie sceniczne stało się możliwe dopiero w 1861 r. zmienione zakończenie.

W 1856 roku książę Konstanty Nikołajewicz nakazał pisarzom przestudiowanie i opisanie produkcji i życia różnych rosyjskich miejscowości. Ostrovsky studiował Wołgę i opublikował raport z podróży w Kolekcji Morskiej w 1859 roku.

Wrażenia z podróży zostały wyrażone w artykule „Burza z piorunami” (1860) i kronice dramatycznej „Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk” (1862).

Ostrovsky zajmował się także tłumaczeniami na język rosyjski sztuk pisarzy zagranicznych: „Pacyfikacja krnąbrnego” Szekspira (1865), „Wielki bankier” Italo Franchi (1871), „Kawiarnia” Goldoniego (1872), „ Zagubiona owca” Teobaldo Ciconiego (1872) i „Rodzina” kryminalna” Giacomettiego (1872). Przerobiono „Niewolę mężów” z języka francuskiego. Przetłumaczone 10 przerywników Cervantesa zostało opublikowanych w osobnej książce w 1886 roku.

Ostrowski napisał 49 sztuk teatralnych, w 1866 r. założył w Moskwie Koło Artystyczne, a w 1874 r. Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych, któremu kierował do końca życia. W 1881 roku utworzył komisję przy dyrekcji Teatrów Cesarskich, która rozpatrywała projekty ustaw o działalności teatralnej. W 1885 roku pracował jako kierownik wydziału repertuarowego teatrów moskiewskich i kierował szkołą teatralną. Aktywna aktywność zawodowa nadszarpnęła zdrowie pisarza.

Burza Ostrowskiego