(anglicky: Sydney Opera House) je jedna z najznámejších a ľahko rozpoznateľných budov na svete, symbol najväčšieho mesta Austrálie, Sydney, a jedna z hlavných atrakcií Austrálie – škrupiny v tvare plachty, ktoré tvoria strechu budova na rozdiel od iných na svete. Budova opery je uznávaná ako jedna z vynikajúcich budov modernej architektúry a od roku 1973 je spolu s Harbour Bridge charakteristickým znakom Sydney.

Sydney Operné divadlo nachádza sa v prístave Sydney na Bennelong Point. Toto miesto dostalo svoje meno od Austrálsky domorodec, priateľ prvého guvernéra kolónie. Je ťažké si predstaviť Sydney bez opery, ale až do roku 1958 na jej mieste stála bežná električková vozovňa (pred budovou opery tu bola pevnosť a potom električková vozovňa).

Architektom opery je Dán Jorn Utzon. Napriek úspechu konceptu guľových škrupín, ktoré vyriešili všetky konštrukčné problémy, boli vhodné pre sériovú výrobu, presná výroba a jednoduchá inštalácia, výstavba sa oneskorila, najmä kvôli vnútornej výzdobe priestorov. Výstavba opery bola plánovaná na 4 roky a stála 7 miliónov AUD. Namiesto toho sa opera stavala 14 rokov a stála 102 miliónov dolárov!

Opera v Sydney je expresionistická budova s ​​radikálnym a inovatívnym dizajnom. Budova sa rozkladá na ploche 2,2 hektára. Jeho výška je 185 metrov a maximálna šírka je 120 metrov. Budova váži 161 000 ton a spočíva na 580 pilótach, spustených do vody do hĺbky takmer 25 metrov od hladiny mora. Jeho napájanie zodpovedá spotrebe elektriny jedného mesta s 25 000 obyvateľmi. Elektrina je rozvedená cez 645 kilometrov káblov.

Strecha opery pozostáva z 2 194 prefabrikátov, jej výška je 67 metrov a hmotnosť viac ako 27 ton, celú konštrukciu držia oceľové laná dlhé 350 kilometrov. Strechu divadla tvorí séria „škrupín“ vyrobených z neexistujúcej betónovej gule s priemerom 492 stôp, bežne označovaných ako „škrupiny“ alebo „plachty“, hoci toto nie je architektonická definícia takejto konštrukcie. Tieto plášte sú vytvorené z prefabrikovaných betónových panelov v tvare trojuholníka, ktoré sú podopreté 32 prefabrikovanými rebrami z rovnakého materiálu. Všetky rebrá tvoria časť jedného veľkého kruhu, čo umožnilo, aby obrysy striech mali rovnaký tvar a celá budova mala ucelený a harmonický vzhľad.

Celá strecha je pokrytá 1 056 006 škridlami azulejo v bielej a matnej krémovej farbe. Aj keď sa z diaľky zdá, že štruktúra je celá z bielych dlaždíc, pri rôznych svetelných podmienkach dlaždice vytvárajú rôzne farebné schémy. Vďaka mechanickému spôsobu kladenia škridiel sa celý povrch strechy ukázal ako dokonale hladký, čo pri ručnom pokrývaní nebolo možné. Všetky obklady vyrobila švédska továreň Höganäs AB samočistiacou technológiou, no aj napriek tomu sú niektoré obklady pravidelne čistené a vymieňané.

Dve najväčšie klenby mušlí tvoria strop Koncertná sála(Anglická koncertná sála) a Opera Theatre (Anglické operné divadlo). V ostatných miestnostiach tvoria stropy skupiny menších klenieb.

Konštrukcia stupňovitej strechy bola veľmi pekná, ale vytvárala výškové problémy vo vnútri budovy, pretože výsledná výška nezabezpečovala v halách primeranú akustiku. Na vyriešenie tohto problému boli vyrobené samostatné stropy, ktoré odrážali zvuk. V najmenšej schránke vedľa hlavného vchodu a veľkého schodiska je reštaurácia Bennelong.

Interiér budovy zdobí ružová žula privezená z oblasti Tarana (Nový Južný Wales), drevo a preglejka.

Za tento projekt dostal Utzon v roku 2003 Pritzkerovu cenu, najvyššie ocenenie architektúry. Ocenenie sprevádzali slová: "Niet pochýb o tom, že Opera v Sydney je jeho majstrovským dielom. Je to jedna z veľkých ikonických budov 20. storočia, obraz neobyčajnej krásy, ktorý sa preslávil po celom svete - symbol nielen mesta, ale celej krajiny a kontinentu“

Opera v Sydney je domovom štyroch kľúčových austrálskych umeleckých spoločností – Austrálska opera, Austrálsky balet, Sydney Theatre Company a Sydney Symphony Orchestra – a mnoho ďalších spoločností a divadiel sídli v budove opery v Sydney. Divadlo je jedným z najrušnejších centier múzických umení v meste, kde sa ročne koná približne 1 500 predstavení s celkovou návštevnosťou viac ako 1,2 milióna ľudí. Je tiež jednou z najobľúbenejších atrakcií Austrálie, ročne ju navštívi viac ako sedem miliónov turistov.

Budova opery má tri hlavné sály:

Koncertná sála s 2 679 miestami na sedenie je domovom Symfonického orchestra v Sydney a obsahuje najväčší funkčný mechanický organ na svete s viac ako 10 000 píšťalami.

Opera s 1507 miestami na sedenie je domovom opery v Sydney a Austrálskeho baletu.

Činoherné divadlo, 544 miest na sedenie, využíva Sydney Theatre Company a ďalšie tanečné a divadelné spoločnosti.

Okrem týchto troch sál Opera v Sydney obsahuje niekoľko menších sál a štúdií.

Natalie Dessay (rodená Nathalie Dessaix) je francúzska operná speváčka, koloratúrna sopranistka. Jedna z popredných speváčok súčasnosti, na začiatku svojej kariéry bola známa svojim veľmi vysokým a transparentným hlasom, teraz spieva v nižšom rozsahu. Diváci ju milujú pre jej vynikajúce dramatické schopnosti a živý zmysel pre humor. Nathalie Dessay sa narodila 19. apríla 1965 v Lyone a vyrastala v Bordeaux. Ešte počas školy vypustila „h“ zo svojho mena na počesť herečky Natalie Wood a neskôr zjednodušila pravopis svojho priezviska. V mladosti Dessay snívala o tom, že sa stane baletkou alebo herečkou a chodila na hodiny herectvo, no jedného dňa, keď hrala so spolužiakmi v málo známej hre z 18. storočia, musela spievať, predviedla Pamininu áriu z Čarovnej flauty, všetci boli ohromení, odporučili jej, aby sa venovala hudbe. Nathalie nastúpila na Štátne konzervatórium v ​​Bordeaux, za jediný rok ukončila päťročný kurz a v roku 1985 ho s vyznamenaním ukončila. Po konzervatóriu pracovala s Národným orchestrom Kapitolu v Toulouse. V roku 1989 obsadila druhé miesto v súťaži New Voices, ktorú organizovala France Telecom, čo jej umožnilo rok študovať na Škole lyrických umení Parížskej opery a tam účinkovať ako Eliza v Mozartovom Kráľovi pastierovi. Na jar 1992 spievala v Opere Bastille krátku rolu Olympie z Offenbachových Hoffmannových rozprávok, jej partnerom bol Jose van Dam, inscenácia sklamala kritikov aj divákov, no mladá speváčka zožala potlesk a bola povšimnutá. . Táto rola sa pre ňu stala ikonickou, do roku 2001 hrala Olympiu v ôsmich rôznych inscenáciách, vrátane svojho debutu v La Scale. V roku 1993 vyhrala Nathalie Dessay Medzinárodnú Mozartovu súťaž Viedenská opera, a zostal študovať a účinkovať vo viedenskej opere. Tu spievala rolu blondínky z Mozartovho Únosu zo seraglia, ktorá sa stala ďalšou z jej najznámejších a najčastejšie hraných úloh. V decembri 1993 dostala Nathalie ponuku nahradiť Cheryl Studer v už slávnej úlohe Olympie vo Viedenskej opere. Jej výkon získal uznanie od viedenského publika a pochvalu od Placida Dominga a v tom istom roku stvárnila túto rolu v lyonskej opere. Medzinárodná kariéra Nathalie Dessay sa začala účinkovaním vo Viedenskej opere. V 90. rokoch jej uznanie neustále rástlo a jej repertoár rolí sa neustále rozširoval, dostávalo sa veľa ponúk, účinkovala vo všetkých popredných operných domoch sveta - Metropolitná opera, La Scala, Bavorská opera, Covent Garden, r. Viedenská opera a iné. Výrazná vlastnosť herečka Dessay je presvedčená, že operná speváčka by mala pozostávať zo 70 % z divadla a z 30 % z hudby a snažiť sa svoje úlohy nielen spievať, ale aj dramaticky hrať, takže každá jej postava je novým objavom, nikdy sa nepodobá iným. . V sezóne 2001/2002 začala mať Dessay problémy s hlasivkami a musela zrušiť svoje vystúpenia a sólové koncerty. Odišla z pódia a v júli 2002 podstúpila operáciu na odstránenie polypov na hlasivkách, vo februári 2003 sa vrátila so samostatným koncertom v Paríži a aktívne pokračovala vo svojej kariére. V sezóne 2004/2005 musela Nathalie Dessay podstúpiť druhú operáciu. Nové verejné vystúpenie sa uskutočnilo v máji 2005 v Montreale. Návrat Nathalie Dessay sprevádzala zmena orientácie v jej lyrickom repertoári. Odmieta „ľahké“ úlohy bez hĺbky (ako Gilda v Rigolettovi) alebo úlohy, ktoré už nechce hrať (Kráľovná noci alebo Olympia), v prospech „tragickejších“ postáv. Táto pozícia priniesla najskôr vážne nezhody s niektorými riaditeľmi a kolegami. Dnes je Nathalie Dessay na vrchole svojej kariéry a je poprednou sopranistkou našej doby. Žije a vystupuje hlavne v USA, ale neustále cestuje po Európe. Ruskí fanúšikovia ju mohli vidieť v Petrohrade 2010 a v Moskve 2011. Začiatkom roka 2011 spievala (prvýkrát) v Opere Garnier rolu Kleopatry v Händelovom Júliovi Caesarovi, do Metropolitnej opery sa vrátila s jej tradičnú „Luciu di Lammermoor“, potom sa opäť vrátila do Európy s koncertnou verziou „Pelléas et Mélisande“ v Paríži a Londýne a koncertom v Moskve. Speváčka má v blízkej budúcnosti na konte množstvo projektov: „La Traviata“ vo Viedni v roku 2011 a v Metropolitnej opere v roku 2012, Kleopatra v „Julius Caesar“ v Metropolitnej opere v roku 2013, „Manon“ v Parížskej opere a La Scala v r. 2012, Marie („dcéra pluku“) v Paríži v roku 2013 a Elvira v Metropolitan v roku 2014. Nathalie Dessay je vydatá za basbarytonistu Laurenta Naouriho a majú dve deti. Na opernom javisku ich možno vidieť spolu len veľmi zriedka, na rozdiel od hviezdneho páru Alanya-Georgiu je fakt, že pre barytón-soprán je to veľa menej repertoáru než pre tenor-soprán. Kvôli svojmu manželovi Dessay prijala jeho náboženstvo - judaizmus.

Renee Fleming je americká operná speváčka, lyrický soprán. Jeden z popredných svetových operných spevákov súčasnosti – „jedna z mála skutočných superhviezd našej doby“. Renee Fleming sa narodila 14. februára 1959 v Indiane v Pensylvánii v USA a vyrastala v Rochestri v New Yorku. Jej rodičia boli učitelia hudby a spevu, takže hudobné vzdelanie pre ňu bolo prirodzené: „Moji rodičia diskutovali o speve každý večer pri jedálenskom stole a mne sa dostalo obrovského hudobného vzdelania.“ Navštevovala Štátnu univerzitu v New Yorku v Postupime, ktorú ukončila v roku 1981 s titulom hudobného vzdelávania. Neverila však, že jej budúca kariéra je v opere. Ešte na univerzite vystupovala v džezovej kapele v miestnom bare. Jej hlas a schopnosti prilákali slávneho illinoiského jazzového saxofonistu Jacqueta, ktorý ju pozval na turné so svojou veľkou kapelou. Namiesto toho Renee absolvovala postgraduálnu školu na Eastman School of Music a potom v rokoch 1983 až 1987 študovala na Juilliard School v Lincolnovom centre v New Yorku. V roku 1984 získala Fulbrightov vzdelávací grant a odišla do Nemecka študovať operný spev, jednou z jej učiteľov bola legendárna Elisabeth Schwarzkopf. Fleming sa vrátila do New Yorku v roku 1985 a dokončila štúdium na Juilliard School. Ešte počas štúdia na Juilliard School začala Renee Fleming svoju profesionálnu kariéru, no zatiaľ v malých operných súboroch a vo vedľajších úlohách. V roku 1986 vo Spolkovom štátnom divadle v Salzburgu v Rakúsku spievala svoju prvú veľkú opernú rolu – Constanze z Mozartovho Únosu zo seraglia. Úloha Constanzy je jednou z najťažších v sopránovom repertoári a Flemingová sama sebe priznala, že ešte potrebuje popracovať na vokálnej technike a istote na javisku, pracovala na tom veľmi aktívne a o dva roky neskôr, v roku 1988, vyhrala. niekoľko vokálnych súťaží: mladí interpreti „Konkurzy Národnej rady Metropolitnej opery“, Cena Georgea Londona a súťaž Eleanor McCollum v Houstone. V tom istom roku debutovala ako grófka z Mozartovej Figarovej svadby v Houstone a nasledujúci rok v New York Opera a v Covent Garden ako Mimi v La Bohème. Prvé predstavenie v Metropolitnej opere bolo plánované na rok 1992, nečakane však prišlo v marci 1991, keď ochorela Felicity Lott a Fleming ju nahradil ako grófku vo Figarovej svadbe. A hoci bola uznávaná ako silný soprán, nemala hviezdnu silu - to prišlo neskôr, keď sa stala „zlatým štandardom sopránu“. A predtým bolo veľa práce, skúšok, rôznorodých úloh naprieč celým operným spektrom, turné po svete, nahrávania, vzostupov a pádov. Nebála sa rizika a podstupovala výzvy, jednou z nich bola v roku 1997 rola Manon Lescaut Julesa Masseneta vo francúzštine v Paríži v Opere Bastille Francúzi sú citliví na svoje dedičstvo, ale Flemingov bezchybný výkon jej priniesol triumf. To, čo fungovalo s Francúzmi, nefungovalo u Talianov a Fleming bola otvorene vypískaná na premiére Donizettiho Lucrezie Borgiovej v La Scale v roku 1998, hoci pri jej prvom vystúpení v La Scale v roku 1993 bola veľmi vrelo prijatá ako Donna Elvira v " Don Giovanni“ od Mozarta. Fleming nazýva predstavenie v Miláne v roku 1998 svojou „najhoršou nocou operného života“. Dnes je Renee Fleming jednou z najpopulárnejších sopranistiek súčasnosti. Kombinácia vokálnej krásy, štýlovej všestrannosti a nezvyčajnej dramatickej charizmy robí z každého jej vystúpenia, nielen operného, ​​majstrovské dielo. S ľahkosťou a rovnako dobre hrá úplné protiklady – Verdiho Desdemonu či Händelovu Alcinu. Vďaka svojmu zmyslu pre humor, otvorenosti a ľahkej komunikácii je Fleming neustále pozývaná na účasť v rôznych televíznych a rozhlasových programoch. V roku 2003 nahrala niekoľko piesní pre soundtrack k filmu „Pán prsteňov: Návrat kráľa“, pre ktorý sa musela naučiť elfský jazyk. Speváčkina diskografia a DVD obsahujú okolo 50 albumov, vrátane tých, ktoré sú jej vášňou – jazzom. Tri z jej albumov boli ocenené cenou Grammy, posledný v roku 2010 - album "Verismo" - zbierka árií Pucciniho, Mascagniho, Cilea, Giordana, Leoncavalla. Pracovný program Renee Fleming je naplánovaný na niekoľko rokov dopredu, ale sama priznáva, že v súčasnosti inklinuje viac k sólovým koncertným aktivitám ako k operným aktivitám, čo vysvetľuje tým, že keď sa naučila viac ako 50 opier, je nepravdepodobné, že by objavila veľa nového. pre seba.

Kiri Janette Te Kanawa je novozélandská operná speváčka a lyrická sopranistka. Jeden z popredných operných spevákov súčasnosti s teplým, krásnym hlasom a veľmi širokým repertoárom operných úloh v rôznych jazykoch. Kiri Te Kanawa (rodená Claire Mary Teresa Rostron) 6. marca 1944 v Gisborne na Novom Zélande írskej matke a maorskému otcovi, ale o jej rodičoch sa vie len málo, pretože Ako dieťa si ju adoptovala rodina Te Kanawa, jej adoptívni rodičia boli tiež Maori a Íri. Všeobecné a hudobné vzdelanie získala v Aucklande a už počas svojej tínedžerskej a mladej dospelosti bola populárnou speváčkou v novozélandských kluboch. Zároveň pozbierala všetky významné hudobné ceny v Austrálii a na Novom Zélande, v roku 1963 bola druhá v súťaži „Mobil (Lexus) Song Quest“, prvé miesto vtedy obsadila ďalšia známa operná speváčka z Nového Zélandu. , Malvína Major. V roku 1965 sa víťazkou tej istej súťaže stala samotná Kiri Te Kanawa s áriou „Vissi d'arte“ z Pucciniho opery „Tosca.“ V roku 1966 vyhrala austrálsku súťaž „Sun-Aria“ a ako víťazka získala ocenenie grant na štúdium v ​​Londýne. V tom istom roku bez konkurzu vstúpila do Centra operného spevu v Londýne, kde si učitelia všimli jej talent a počiatočný nedostatok vokálnej techniky. Na opernej scéne debutovala v roku 1968 ako druhá dáma v Mozartovej Čarovnej flaute v londýnskom divadle. Sadler's Wells", bezprostredne po nej nasledovali úlohy v Purcellovej Dido a Aeneas a titulná rola v Donizettiho Anne Boleynovej. V roku 1969 na konkurze na rolu grófky vo Figarovej svadbe , šéfdirigent Colin Davis povedal: „Nemohol som tomu uveriť. V mojich ušiach som absolvoval tisíc konkurzov a bol to fantasticky krásny hlas.“ Kráľovská opera Covent Garden podpísala zmluvu s Kiri Te Kanawa na tri roky a jej prvé vystúpenia na javisku tohto divadla sa uskutočnili v úlohe Ksenia v "Boris Godunov" a dievča - kvet v "Parsifal" v roku 1970. Te Kanawa sa naďalej starostlivo pripravovala na rolu grófky, ktorej premiéra bola naplánovaná v Covet Garden na december 1971, no ešte predtým bolo predstavenie na opernom festivale v Santa Fe (Nové Mexiko, USA), kde si vyskúšala túto rolu spolu s ňou Na tom istom festivale vystúpila americká speváčka Frederica von Stade, neskôr tlač zaznamenala ich výkon: „... boli tam dvaja nováčikovia, ktorí oslnili publikum... všetci si hneď uvedomili, že ide o dva nálezy a históriu potvrdili svoj výkon." Títo dvaja speváci sa stali dlhoročnými priateľmi. 1. decembra 1971 v Covent Garden Kiri Te Kanawa zopakovala svoje vystúpenie v Santa Fe a vytvorila medzinárodnú senzáciu. V tento deň získala štatút nespochybniteľnej opernej hviezdy a stala sa jednou z najznámejších sopranistiek sveta, účinkujúcich v popredných svetových operných domoch - Covent Garden, Metropolitná opera (debut 1974), Parížska opera (1975), Sydney Opera House (1978), Viedenská štátna opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavorsko a mnohé ďalšie. Medzi jej hrdinky patrí obrovský repertoár pre soprán, medzi nimi - tri hlavné úlohy Richarda Straussa - Arabela z Arabely, Maršal, princezná Mária Terézia von Werdenberg z Rosenkavalier a Grófka z Capriccia; Mozartove Fiordiligi z „To je to, čo robia všetky ženy“, Donna Elvira z „Don Giovanni“, Pamina z „Čarovnej flauty“ a samozrejme grófka Almaviva z Figarovej svadby; Verdiho Violetta z Triaviatty, Amelia Boccanegra zo Simona Boccanegru, Desdemona z Ottela; od Pucciniho - Tosca, Mimi a Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Čajkovskij, Rosalind Johann Strauss a mnohí ďalší. Na koncertnom pódiu sa jej vokálna krása a čistota spojila s poprednými svetovými symfonickými orchestrami z Londýna, Chicaga, Los Angeles pod taktovkou takých dirigentov ako Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti a ďalší. Stala sa pravidelnou účastníčkou medzinárodných operných festivalov – v Glidebourne, Salzburgu, Verone. Kiri Te Kanawa počas svojej dlhej tvorivej kariéry vydala okolo osemdesiat diskov operného repertoáru aj koncertnej hudby – Mozartove koncertné árie, Straussove Štyri posledné piesne, Brahmsovo Nemecké Requiem, Händelov Mesiáš a iné, ako aj albumy s populárna hudba a piesne maorského ľudu ako poctu ich ľudu. Niektoré z jej diskov boli ocenené cenou Grammy. Posledný album „Kiri Sings Karl“ vyšiel v roku 2006. V jej kariére došlo k dvom významným udalostiam, ktoré je takmer nemožné zopakovať pre žiadnu opernú speváčku. V roku 1981 vystúpila ako sólistka na svadbe princa Charlesa a princeznej Diany v Katedrále svätého Pavla v Londýne. Priamy televízny prenos z podujatia prilákal vyše 600 miliónov divákov. Druhý záznam - v roku 1990 mala otvorený koncert v Aucklande, u nej sólové vystúpenie Prišlo 140-tisíc divákov. Teraz sú jej aktivity mimo javiska spojené s nadáciou, ktorú vytvorila na podporu a finančnú pomoc mladým spevákom a hudobníkom. Kiri Te Kanawa bola ocenená mnohými vyznamenaniami a cenami za svoje zásluhy o rozvoj umenia, z ktorých najvyššie sú Dame Commander Rádu Britského impéria (1982), Companion of the Order of Australia (1990) a Order Nového Zélandu (1995). Získala tiež čestné tituly z Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham a ďalších univerzít. Vystúpenia Kiri Te Kanawy na operných a koncertných scénach sú v posledných rokoch vzácne, no svoj odchod z javiska ešte neoznámila, hoci sa predpokladalo, že jej posledné vystúpenie bude v apríli 2010, no naďalej hrá.

Inva Mula je albánska operná speváčka, sopranistka. V opernom svete má významné miesto, no mimo opernej scény sa preslávila najmä stvárnením árie vo filme Piaty element. Inva Mula sa narodila 27. júna 1963 v Tirane v Albánsku, jej otec Avni Mula je známy albánsky spevák a skladateľ, meno dcéry - Inva je opačné čítanie mena jej otca. Vokály a klavír študovala v rodnom meste, najskôr na hudobnej škole, potom na konzervatóriu pod vedením svojej matky Niny Muly. V roku 1987 vyhrala Inva súťaž „Spevák Albánska“ v Tirane av roku 1988 medzinárodnú súťaž Georgea Enescu v Bukurešti. Na opernej scéne debutovala v roku 1990 v Divadle opery a baletu v Tirane rolou Leily v „The Pearl Fishers“ od J. Bizeta. Čoskoro Inva Mula opustila Albánsko a získala prácu ako speváčka v zbore Parížskej národnej opery (Opera Bastille a Opera Garnier). V roku 1992 získala Inva Mula prvú cenu na súťaži Butterfly v Barcelone. Hlavným úspechom, po ktorom sa preslávila, bola cena na prvej súťaži Placido Domingo Operalia v Paríži v roku 1993. Záverečný galakoncert tejto súťaže sa konal v Opera Garnier, vyšiel disk a tenorista Placido Domingo s víťazmi súťaže vrátane Invy Muly zopakovali tento program v Opera Bastille, ako aj v Bruseli, Mníchove a Osle. . Toto turné k nej pritiahlo pozornosť a speváčku začali pozývať na účinkovanie v rôznych operných domoch po celom svete. Paleta úloh Invy Muly je pomerne široká, spieva Verdiho Gildu v Rigolettovi, Nanette vo Falstaffovi a Violettu v La Traviate. Jej ďalšie úlohy sú Micaela v Carmen, Antonia v Hoffmannových rozprávkach, Musetta a Mimi v Bohéme, Rosina v Holičovi zo Sevilly, Nedda v Komediantoch, Magda a Lisette v Lastovičke a mnohé ďalšie. Kariéra Invy Mula úspešne pokračuje, pravidelne účinkuje v európskych a svetových operných domoch vrátane milánskej La Scaly, Viedenskej štátnej opery, Arena di Verona, Lyrická opera Chicago, Metropolitan Opera, Los Angeles Opera, ako aj divadlá v Tokiu, Barcelone, Toronte, Bilbau a ďalších. Inva Mula si za svoj domov vybrala Paríž a dnes je považovaná skôr za francúzsku speváčku ako za albánsku. Neustále vystupuje v francúzske divadlá v Toulouse, Marseille, Lyone a samozrejme v Paríži. V roku 2009/10 Inva Moula otvorila sezónu parížskej opery v Opéra Bastille, hrala v zriedkavo uvádzanej opere Charlesa Gounoda Mireille. Inva Mula vydala niekoľko albumov, ako aj televízne a videonahrávky svojich vystúpení na DVD, vrátane opier Bohéma, Falstaff a Rigoletto. Nahrávka opery „Swallow“ s dirigentom Antoniom Pappanom a Londýnskym symfonickým orchestrom získala v roku 1997 Gramaphone Award za „Najlepšiu nahrávku roka“. Do polovice 90. rokov bola Inva Mula vydatá za albánskeho speváka a skladateľa Pirra Txako a na začiatku kariéry používala buď manželovo priezvisko, resp. dvojité priezvisko Mula-Tchako po rozvode začala používať iba svoje meno - Inva Mula. Inva Mula sa mimo operného javiska preslávila úlohou Divy Plavalaguny (vysokej mimozemšťanky s modrou kožou s ôsmimi chápadlami) v sci-fi filme Jeana-Luca Bessona Piaty element s Bruceom Willissom a Millou v hlavných úlohách. Jovovič. Spevák predniesol áriu „Ach, fair heaven!.. Sweet sound“ (Oh, giusto cielo!.. Il dolce suono) z opery „Lucia di Lammermoor“ od Gaetana Donizettiho a pieseň „Dance of the Diva“, v r. ktorý bol s najväčšou pravdepodobnosťou podrobený elektronicky spracovanému hlasu, aby sa dosiahla výška pre človeka nemožná, hoci filmári tvrdia opak. Režisér Luc Besson chcel, aby vo filme zaznel hlas jeho obľúbenej speváčky Marie Callas, no kvalita dostupných nahrávok nebola dostatočná na použitie v soundtracku filmu a na dabing bola prizvaná Inva Mula.

Montserrat Caballe ( celé meno: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch (kat. Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) - španielska katalánska operná speváčka, sopranistka. Je známa svojou belcantovou technikou a interpretáciou úloh v klasických talianskych operách Rossiniho, Belliniho a Donizettiho. Montserrat Caballe sa narodila v Barcelone 12. apríla 1933. Študovala 12 rokov na Conservatoire Superior de Musique de Barcelona a promovala so zlatou medailou v roku 1954. V roku 1957 debutovala na opernom javisku postavou Mimi v opere Bohéma. V rokoch 1960-1961 spievala v Brémskej opere, kde výrazne rozšírila svoj repertoár. V roku 1962 sa vrátila do Barcelony a debutovala v Arabelle Richarda Straussa. V roku 1964 sa vydala za Bernaba Martiho. K jej vzostupu na medzinárodnej scéne došlo v roku 1965 v New Yorku v Carnegie Hall, keď bola nútená nahradiť chorú Marilyn Horne a hrať rolu v Donizettiho Lucrezii Borgiovej. Netrvalo ani mesiac, kým som rolu zvládla. Jej výkon sa stal senzáciou vo svete opery, diváci tlieskali 25 minút. Nasledujúci deň New York Times zverejnili titulok: „Callas + Tebaldi = Caballe. V tom istom roku Caballé debutovala na javisku v Glyndebourne v Le Knight de la Rose a krátko nato v Metropolitnej opere ako Marguerite vo Faustovi. Odvtedy jej sláva nikdy nepohasla - boli jej otvorené najlepšie operné scény sveta - New York, Londýn, Miláno, Berlín, Moskva, Rím, Paríž. V septembri 1974 podstúpila veľkú operáciu rakoviny žalúdka. Uzdravila sa a začiatkom roku 1975 sa vrátila na scénu. Svoje 99. a posledné vystúpenie v Metropolitnej opere absolvovala 22. januára 1988 ako Mimi v Pucciniho Bohéme po boku Luciana Pavarottiho (Rodolfo). V roku 1988 nahrala spolu s spevákom Queen Freddiem Mercurym album „Barcelona“, ktorého hlavná skladba s rovnakým názvom sa stala začiatkom 90. rokov superhitom a obsadila prvé miesto v európskych popových rebríčkoch. Tento singel sa stal hymnou letných olympijských hier v roku 1992. Po smrti Freddieho Mercuryho je v nahrávke počuť jeho hlas a Montserrat Caballe odmieta spievať túto pieseň v duete s inými spevákmi. Až donedávna vedie aktívny životný štýl a nie sú na nej žiadne známky únavy, či už kreatívne alebo sociálne. Caballe sa venuje charitatívnej činnosti, je veľvyslankyňou dobrej vôle UNESCO a vytvorila fond na pomoc deťom.

Cecilia Bartoli je talianska operná speváčka, koloratúrna mezzosopranistka. Jeden z popredných a komerčne úspešných operných spevákov súčasnosti. Cecilia Bartoli sa narodila 4. júna 1966 v Ríme. Bartoliho rodičia sú Silvana Bazzoni a Pietro Angelo Bartoli, profesionálni speváci a zamestnanci Rímskej opery. Ceciliiným prvým a hlavným učiteľom vokálu bola jej matka. Vo veku deviatich rokov sa Cecilia prvýkrát objavila na „veľkej scéne“ - objavila sa v jednej z nich davové scény v Rímskej opere ako pastier v inscenácii Tosca. Ako dieťa mala budúca speváčka rada tanec a praktizovala flamenco, ale jej rodičia nevideli jej kariéru v tanci a boli nespokojní s koníčkom svojej dcéry; trvali na tom, aby pokračovala v hudobnom vzdelávaní. Flamenco dalo Bartoli ľahkosť a vášeň, s ktorou vystupuje na pódiu, a jej láska k tomuto tancu je stále aktuálna. Vo veku 17 rokov vstúpil Bartoli na konzervatórium Santa Cecilia. V roku 1985 účinkovala v televíznej show „New Talents“: spievala „Barcarolle“ z Offenbachových „Hoffmannových rozprávok“, Rosinu áriu z „Holiča zo Sevilly“ a dokonca aj duet s barytonistom Leom Nuccim. A hoci obsadila druhé miesto, jej výkon vyvolal medzi milovníkmi opery skutočnú senzáciu. Čoskoro Bartoli vystúpil na koncerte organizovanom Parížskou operou na pamiatku Márie Callasovej. Po tomto koncerte upútala pozornosť troch „ťažkých váh“ vo svete klasickej hudby – Herberta von Karajana, Daniela Barenboima a Nikolausa Harnoncourta. Jeho profesionálny operný debut sa uskutočnil v roku 1987 v Arena di Verona. Nasledujúci rok spievala rolu Rosiny v Rossiniho opere Holič zo Sevilly"v Kolínskej opere a role Cherubína po boku Nikolausa Harnoncourta v Mozartovej Figarovej svadbe vo švajčiarskom Zürichu. Herbert von Karajan ju pozval, aby sa zúčastnila na Salzburskom festivale a uviedla s ním omšu h mol od J. S. Bacha, ale smrť maestra nedovolila V roku 1990 Bartoli debutovala v Opera Bastille ako Cherubino, v Štátnej opere v Hamburgu ako Idamante v Mozartovom Idomeneovi a v USA na festivale Mostly Mozart v New Yorku a podpísala exkluzívnu zmluvu s DECCA V roku 1991 debutovala v La Scale ako strana Isolier v Rossiniho Le Comte Ory, odkiaľ si vo veku 25 rokov vybudovala povesť jednej z popredných svetových interpretiek Mozarta a Rossiniho. Odvtedy sa jej kariéra rozvíjala rýchlo - vymenovanie najlepších divadiel sveta, premiéry, recitály, dirigenti, nahrávky, festivaly a ocenenia Cecilia Bartoli by mohla prerásť do knihy. Od roku 2005 sa Cecilia Bartoli zameriava na hudbu baroka a raného klasicizmu skladateľov ako Gluck , Vivaldi, Haydn a Salieri a v V poslednej dobe- o hudbe éry romantizmu a talianskeho belcanta. V súčasnosti žije s rodinou v Monte Carle a pôsobí v opere v Zürichu. Cecilia Bartoli je častým hosťom v Rusku, od roku 2001 navštívila našu krajinu mnohokrát, jej posledné turné sa uskutočnilo v septembri 2011. Niektorí kritici poznamenávajú, že Cecilia Bartoli je považovaná za jednu z najlepších mezzosopranistiek súčasnosti len preto, že s týmto typom hlasu (na rozdiel od sopránu) má veľmi málo konkurentov, napriek tomu jej výkony priťahujú plné sály fanúšikov a jej disky sa predávajú milióny. kópií . Za svoje služby v oblasti hudby bola Cecilia Bartoli ocenená mnohými štátnymi a verejnými vyznamenaniami, vrátane francúzskeho Rádu za zásluhy a umenie a literatúru a Talianskeho rytierstva a je tiež čestnou členkou Kráľovskej hudobnej akadémie v Londýne. , atď. Je držiteľkou piatich cien Grammy, z ktorých poslednú získala v roku 2011 v kategórii „Najlepší klasický vokálny výkon“ s albumom „Sacrifice“ (Sacrificium).

Elina Garanca je lotyšská mezzosopranistka, jedna z popredných operných speváčok súčasnosti. Elina Garanča sa narodila 16. septembra 1976 v Rige v hudobníckej rodine, jej otec je riaditeľom zboru a jej matka Anita Garanča je profesorkou na Lotyšskej hudobnej akadémii, docentkou na Lotyšskej akadémii kultúry. a učiteľ vokálu v Lotyšskej národnej opere. V roku 1996 nastúpila Elina Garanča na Lotyšskú hudobnú akadémiu v Rige, kde študovala vokály u Sergeja Martynova a od roku 1998 pokračovala v štúdiu u Iriny Gavrilovich vo Viedni a potom u Virginie Zeani v USA. Jednou z udalostí, ktoré Elinu počas štúdia najviac ovplyvnili, bolo predstavenie v roku 1998 roly Jane Seymour z opery „Anne Boleyn“ od Gaetana Donizettiho – Garanča sa túto rolu naučila za desať dní a objavila hlboké sympatie k belcantu. repertoár. Po ukončení štúdia Garancza debutovala na profesionálnej opere v Štátnom divadle južného Durínska v nemeckom Meiningene v úlohe Octaviana v Rosenkavalierovi. V roku 1999 vyhrala spevácku súťaž Miriam Helin vo fínskych Helsinkách. V roku 2000 vyhrala Elina Garanča hlavnú cenu v Lotyšskej národnej súťaži interpretov a potom bola prijatá do súboru a pôsobila vo Frankfurtskej opere, kde stvárnila úlohy druhej dámy v Čarovnej flaute, Janka v Humperdinckovom Jankovi a Mariánke. a Rosina v Seville holič.“ V roku 2001 sa stala finalistkou prestížnej medzinárodnej súťaže operných spevákov v Cardiffe a vydala svoj debutový sólový album s programom operných árií. Medzinárodný prelom mladej speváčky nastal v roku 2003 na Salzburskom festivale, keď spievala rolu Annia v inscenácii Mozartovej La Clemenza di Tito pod taktovkou Nikolausa Harnoncourta. Po tomto výkone prišiel úspech a množstvo angažmán. Hlavným pôsobiskom bola Viedenská štátna opera, kde Garanča v rokoch 2003-2004 stvárnil úlohy Charlotty vo Wertherovi a Dorabelly v To je to, čo robia všetci. Vo Francúzsku sa prvýkrát objavila v Théâtre des Champs-Élysées (Angelina v Rossiniho Cenerentole) a potom v Parížskej opere (Opera Garnier) v úlohe Octaviana. V roku 2007 vystúpila Elina Garanča prvýkrát na jej hlavnej opernej scéne rodné mesto Riga v Lotyšskej národnej opere ako Carmen. V tom istom roku debutovala v Berlínskej štátnej opere (Sextus) a at Kráľovské divadlo Covent Garden v Londýne (Dorabella), a v roku 2008 - v Metropolitnej opere v New Yorku s postavou Rosiny v Holičovi zo Sevilly a v Bavorskej opere v Mníchove (Adalgisa). V súčasnosti Elina Garanča vďaka svojmu nádhernému hlasu, muzikálnosti a presvedčivému dramatickému talentu vystupuje na pódiách popredných svetových operných domov a koncertných priestorov ako jedna z najžiarivejších hudobných hviezd. Kritici si všimli ľahkosť, rýchlosť a absolútny komfort, s akým Garanča ovláda svoj hlas, a úspech, s ktorým aplikovala modernú vokálnu techniku ​​na komplexný Rossiniho repertoár začiatku 19. storočia. Elina Garanča má rozsiahlu zbierku audio a video nahrávok, vrátane Grammy ocenenej nahrávky opery Antonia Vivaldiho La Bayazet pod taktovkou Fabia Biondiho, v ktorej Elina spievala rolu Andronicusa. Elina Garanča je vydatá za anglického dirigenta Karla Marka Chichona a koncom októbra 2011 pár čaká prvé dieťa.

Angela Gheorghiu (rumunsky: Angela Gheorghiu) je rumunská operná speváčka, sopranistka. Jeden z najznámejších operných spevákov súčasnosti. Angela Gheorghiu (Burlacu) sa narodila 7. septembra 1965 v malom mestečku Adjud v Rumunsku. S rané detstvo bolo zrejmé, že sa stane speváčkou, hudba bola jej osudom. Študovala na hudobnej škole v Bukurešti a zmaturovala Národná univerzita hudba z Bukurešti. Jej profesionálny operný debut sa uskutočnil v roku 1990 ako Mimi v Pucciniho Bohéme v Kluži a v tom istom roku vyhrala Medzinárodnú vokálnu súťaž Hansa Gabora Belvedere vo Viedni. Ponechala si priezvisko Georgiou od svojho prvého manžela. Angela Georgiou mala svoj medzinárodný debut v roku 1992 v Royal Opera House, Covent Garden, v La Bohème. V tom istom roku debutovala v Metropolitnej opere v New Yorku a vo Viedenskej štátnej opere. V roku 1994 v Royal Opera House v Covent Garden prvýkrát stvárnila postavu Violetty v La Traviate, vtedy sa „zrodila hviezda“, Angela Georgiou začala mať neustály úspech v operných domoch a koncertných sálach v okolí. vo svete: v New Yorku, Londýne, Paríži, Salzburgu, Berlíne, Tokiu, Ríme, Soule, Benátkach, Aténach, Monte Carle, Chicagu, Philadelphii, Sao Paule, Los Angeles, Lisabone, Valencii, Palerme, Amsterdame, Kuala Lumpur, Zürichu , Viedeň, Salzburg, Madrid, Barcelona, ​​​​Praha, Montreal, Moskva, Taipei, San Juan, Ľubľana. V roku 1994 sa zoznámila s tenoristom Robertom Alagnom, za ktorého sa vydala v roku 1996. Svadobný obrad sa konal na javisku Metropolitnej opery v New Yorku. Pár Alanya-Georgiou na dlhú dobu bola najjasnejšia tvorivá rodinná únia na opernej scéne, teraz sú rozvedení. Svoju prvú exkluzívnu nahrávaciu zmluvu podpísala v roku 1995 so spoločnosťou Decca, potom vydala niekoľko albumov ročne a v súčasnosti má na konte okolo 50 albumov, či už ide o opery, ako aj sólové koncerty. Dostali sme všetky jej CD dobrá spätná väzba kritici a boli ocenení mnohými medzinárodnými cenami, vrátane ocenení od časopisu Gramophone, nemeckej ceny Echo, francúzskej Diapason d'Or a Choc du Monde de la Musique a mnohých ďalších. Dvakrát v rokoch 2001 a 2010 ju britské „Classical BRIT Awards“ vymenovali za „Najlepšiu speváčku roka“. Spektrum úloh Angely Georgiu je veľmi široké, miluje najmä opery Verdiho a Pucciniho. Taliansky repertoár, možno pre relatívnu podobnosť rumunského a talianskeho jazyka, je pre ňu výborný, niektorí kritici uvádzajú, že francúzska, nemecká, ruská a anglická opera sa hrá slabšie. Väčšina dôležité úlohy Angela Georgiou: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Elisir of Love" - ​​​​Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Rómeo a Júlia" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Juan" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Swallow" - Magda Puccini "La Boheme" " - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Trubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu pokračuje aktívne vystupovať a je na vrchole operného Olympu. Medzi budúce záväzky patria rôzne koncerty v Európe, Amerike a Ázii, Tosca a Faust v Royal Opera House, Covent Garden.

Salomea Amvrosievna Krushelnitskaya je slávna ukrajinská operná speváčka (soprán), učiteľka. Počas svojho života bola Salome Krushelnitskaya uznávaná ako vynikajúca speváčka na svete. Mala hlas mimoriadnej sily a krásy so širokým rozsahom (asi tri oktávy s voľným stredným registrom), hudobná pamäť(mohol sa naučiť operné party za dva-tri dni), s brilantným dramatickým talentom. Repertoár speváka zahŕňal viac ako 60 rôznych úloh. Medzi jej mnohé ocenenia a vyznamenania patrí najmä titul „Wagnerovská primadona dvadsiateho storočia“. Taliansky skladateľ Giacomo Puccini venoval spevákovi svoj portrét s nápisom „krásny a očarujúci motýľ“. Salome Krushelnitskaya sa narodila 23. septembra 1872 v dedine Belyavintsi, teraz Buchatsky okres Ternopilskej oblasti, v rodine kňaza. Pochádza zo šľachtického a starobylého ukrajinského rodu. Od roku 1873 sa rodina niekoľkokrát presťahovala, v roku 1878 sa presťahovala do dediny Belaya pri Ternopile, odkiaľ už neodišla. So spevom začala od malička. Ako dieťa vedela Salome veľa ľudové piesne, ktorú sa naučila priamo od sedliakov. Základy hudobné školenie získala na ternopilskom gymnáziu, kde robila skúšky ako externá študentka. Tu sa zblížila s hudobným krúžkom stredoškolákov, ktorého členom bol aj Denis Sichinsky, neskorší slávny skladateľ a prvý profesionálny hudobník na západnej Ukrajine. V roku 1883 sa na koncerte Ševčenka v Ternopile uskutočnilo prvé verejné vystúpenie Salome, spievala v zbore Ruskej konverzačnej spoločnosti. V Ternopile sa Salome Krushelnitskaya prvýkrát zoznámila s divadlom. Z času na čas tu vystupovalo Ľvovské divadlo Ruskej konverzačnej spoločnosti. V roku 1891 vstúpila Salome na Ľvovské konzervatórium. Na konzervatóriu bol jej učiteľom vtedajší slávny profesor vo Ľvove Valerij Vysockij, ktorý vyškolil celú plejádu známych ukrajinských a poľských spevákov. Počas štúdia na konzervatóriu mala svoje prvé sólové vystúpenie, 13. apríla 1892 speváčka stvárnila hlavnú úlohu v oratóriu G. F. Händela „Mesiáš“. Prvý operný debut Salome Krušelnitskej sa uskutočnil 15. apríla 1893, na scéne Mestského divadla Ľvov stvárnila postavu Leonory v hre talianskeho skladateľa G. Donizettiho „Obľúbená“. V roku 1893 Krushelnitskaya absolvovala Ľvovské konzervatórium. V Salominom absolventskom diplome bolo napísané: „Tento diplom dostáva Panna Salome Krušelnitskaja ako dôkaz umeleckého vzdelania získaného príkladnou usilovnosťou a mimoriadnym úspechom, najmä na verejnej súťaži 24. júna 1893, za čo bola ocenená striebornou medailou. .“ Počas štúdia na konzervatóriu dostala Salome Krushelnitskaya ponuku z opery v Ľvove, ale rozhodla sa pokračovať vo vzdelávaní. Jej rozhodnutie ovplyvnila známa talianska speváčka Gemma Bellincioni, ktorá bola v tom čase na turné vo Ľvove. Na jeseň roku 1893 odišla Salome študovať do Talianska, kde sa jej učiteľkou stala profesorka Fausta Crespi. Počas štúdia boli pre Salome dobrou školou vystúpenia na koncertoch, na ktorých spievala operné árie. V druhej polovici 90. rokov 19. storočia začali jej triumfálne predstavenia na javiskách divadiel po celom svete: Taliansko, Španielsko, Francúzsko, Portugalsko, Rusko, Poľsko, Rakúsko, Egypt, Argentína, Čile v operách „Aida“, „Il Trovatore“. “ od D. Verdiho, „Faust“ „C. Gounod, „Hrozný súd“ od S. Moniuszka, „Africká žena“ od D. Meyerbeera, „Manon Lescaut“ a „Cio-Cio-San“ od G. Pucciniho , "Carmen" od J. Bizeta, "Electra" od R. Straussa, "Eugene Onegin" a "Piková dáma" od P.I. Čajkovského a i. 17. februára 1904 v milánskom divadle La Scala predstavil Giacomo Puccini svoju nová opera „Madama Butterfly“. Nikdy predtým si skladateľ tak nedôveroval úspechu... ale publikum rozhorčene vypískalo operu. Renomovaný maestro sa cítil zdrvený. Priatelia presvedčili Pucciniho, aby prepracoval svoju prácu a pozval Salome Krushelnitskaya, aby hrala hlavnú úlohu. 29. mája sa na scéne Grande Theatre v Brescii uskutočnila premiéra aktualizovanej „Madama Butterfly“, tentoraz triumfálna. Diváci sedemkrát povolali hercov a skladateľa na javisko. Po predstavení, dojatý a vďačný, Puccini poslal Krushelnitskej svoj portrét s nápisom: „Najkrajšiemu a najpôvabnejšiemu motýľovi. V roku 1910 sa S. Krušelnitskaja vydala za starostu Viareggio (Taliansko) a právnika Cesara Riccioniho, ktorý bol subtílnym znalcom hudby a erudovaným aristokratom. Zosobášili sa v jednom z chrámov v Buenos Aires. Po svadbe sa Cesare a Salome usadili vo Viareggiu, kde si Salome kúpila vilu, ktorú nazvala „Salome“ a pokračovala v turné. V roku 1920 Krushelnitskaya, na vrchole svojej slávy, opustila opernú scénu a vystupovala naposledy v Neapolskom divadle vo svojich obľúbených operách „Lorelei“ a „Lohengrin“. Po zvyšok svojho života sa venovala komornej koncertnej činnosti, interpretovala piesne v 8 jazykoch. Precestovala Európu a Ameriku. Všetky tie roky až do roku 1923 neustále prichádzala do svojej vlasti a vystupovala vo Ľvove, Ternopile a ďalších mestách Galície. S mnohými osobnosťami západnej Ukrajiny ju spájali silné priateľské putá. Koncerty venované pamiatke T. Shevchenka a I.Ya Franka zaujímali osobitné miesto v tvorivej činnosti speváka. V roku 1929 sa v Ríme uskutočnil posledný zájazdový koncert S. Krušelnitskej. V roku 1938 zomrel manžel Krušelnitskej Cesare Riccioni. V auguste 1939 spevák navštívil Halič a kvôli vypuknutiu druhej svetovej vojny sa nemohol vrátiť do Talianska. Počas nemeckej okupácie Ľvova bola S. Krushelnitskaja veľmi chudobná, a tak dávala súkromné ​​hodiny vokálu. V povojnovom období začala S. Krushelnitskaya pracovať na Ľvovskom štátnom konzervatóriu pomenovanom po N. V. Lysenko. Jej učiteľská kariéra sa však sotva začala a takmer skončila. Počas „personálnej očisty od nacionalistických prvkov“ bola obvinená z toho, že nemá diplom z konzervatória. Neskôr sa diplom našiel vo fondoch mestského historického múzea. Salomeya Amvrosievna, ktorá žila a učila v Sovietskom zväze, napriek mnohým výzvam, dlho nemohla získať sovietske občianstvo a zostala občiankou Talianska. Nakoniec, keď napísala žiadosť o prevod svojej talianskej vily a všetkého majetku na sovietsky štát, Krušelnitskaja sa stala občiankou ZSSR. Vila bola okamžite predaná, čím sa majiteľovi kompenzovala malá časť nákladov. V roku 1951 získala Salome Krushelnitskaya titul ctená umelkyňa Ukrajinskej SSR a v októbri 1952, mesiac pred smrťou, získala Krushelnitskaya titul profesora. 16. novembra 1952 prestalo biť srdce skvelý spevák. Pochovali ju vo Ľvove na cintoríne Lychakiv vedľa hrobu jej priateľa a mentora Ivana Franka. V roku 1993 bola vo Ľvove ulica, kde žila v posledných rokoch svojho života, pomenovaná po S. Krušelnitskej. Spevákov byt je otvorený pamätné múzeum Salome Krušelnitskaja. Meno S. Krušelnitskaja dnes nesie Ľvovská opera a Ľvovský muzikál stredná škola, Ternopil Hudobná škola(kde vychádzajú noviny Salome), 8-ročná škola v obci Belaya, ulice v Kyjeve, Ľvove, Ternopile, Bučachu (pozri ulicu Salome Krušelnitskaja). V Zrkadlovej sieni ľvovského divadla opery a baletu sa nachádza bronzový pamätník Salome Krušelnitskej. Životu a dielu Salome Krushelnitskej je venovaných veľa umeleckých, hudobných a filmových diel. V roku 1982 nakrútil režisér O. Fialko vo Filmovom štúdiu A. Dovženka historický a biografický film Návrat motýľa (podľa rovnomenného románu V. Vrublevskej), venovaný životu a dielu Salome. Krušelnitskaja. Film je založený na skutočných faktoch zo života speváčky a je štruktúrovaný ako jej spomienky. Úlohu Salome stvárňuje Gisela Zipola. Úlohu Salome vo filme hrala Elena Safonová. Okrem toho vznikli dokumentárne filmy, najmä „Salome Krušelnitskaja“ (režisér I. Mudrak, Ľvov, „Most“, 1994) „Dva životy Salome“ (režisér A. Frolov, Kyjev, „Kontakt“, 1997), je pripravený televízny program z cyklu „Mená“ (2004), dokumentárny film „Solo-mea“ z cyklu „Hra osudu“ (réžia V. Obraz, štúdio VIATEL, 2008). 18. marca 2006 na scéne Ľvovského národného akademického divadla opery a baletu pomenovaného po S. Krushelnitskaya mala premiéru baletu „Návrat motýľa“ od Miroslava Skorika, založený na skutočnostiach zo života Salome Krushelnitskaya. Balet využíva hudbu Giacoma Pucciniho. V roku 1995 sa v Regionálnom činohernom divadle Ternopil (dnes akademické divadlo) uskutočnila premiéra hry „Salome Krushelnitskaya“ (autor B. Melnichuk, I. Lyakhovsky). Od roku 1987 sa v Ternopile koná súťaž Salome Krushelnitskaya. Každý rok sa koná vo Ľvove medzinárodná súťaž pomenovaný po Krušelnitskej; festivaly sa stali tradičnými operné umenie.

Annette Dasch je nemecká operná speváčka, sopranistka. Jeden z popredných súčasných nemeckých operných spevákov. Annette Dasch sa narodila 24. marca 1976 v Berlíne. Annetini rodičia, jej otec sudca a matka študentka medicíny, milovali hudbu a túto lásku vštepovali svojim štyrom deťom. Doma tradične všetci členovia rodiny spolu muzicírovali a spievali, ako vyrastali, všetky deti sa stali profesionálnymi hudobníkmi: najstaršia dcéra koncertná klaviristka, mladší bratia, jeden spevák, basbarytón, člen z klasického popového kvinteta „Adoro“, druhý bol učiteľom hudby. Od detstva Annette vystupovala v školskom vokálnom súbore a snívala o tom, že sa stane rockovou speváčkou. Bola tiež aktívnou skautkou a stále má rada turistiku a turistiku. V roku 1996 sa Annette presťahovala do Mníchova, aby akademicky študovala spev na Mníchovskej univerzite hudby a divadla. V rokoch 1998/99 absolvovala aj hudobno-dramatický kurz na Hudobnej a divadelnej univerzite v Grazi (Rakúsko). Medzinárodný úspech prišiel v roku 2000, keď vyhrala tri veľké medzinárodné spevácke súťaže - súťaž Maria Callas v Barcelone, súťaž Schumann v Zwickau a súťaž v Ženeve. Odvtedy účinkovala na najlepších operných scénach v Nemecku a vo svete – v Bavorskej, Berlínskej, Drážďanskej štátnej opere, v Parížskej opere a v divadle Champs-Elysees, v La Scale, Covent Garden, Tokijskej opere, Metropolitná opera a mnohé ďalšie. V rokoch 2006, 2007, 2008 vystúpila na Salzburskom festivale, v rokoch 2010, 2011 na Wagnerovom festivale v Bajorothu. Rozsah úloh Annette Dasch je pomerne široký, vrátane rolí Armidy ("Armide", Haydn), Gretel ("Janiček a Gretel", Humperdinck), Husieho dievčaťa ("Kráľove deti", Humperdinck), Fiordiligi ("To je to čo". Každý, kto robí“, Mozart), Elvira (Don Giovanni, Mozart), Electra (Idomeneo, Mozart), Grófka (Figarova svadba, Mozart), Pamina (Čarovná flauta, Mozart), Antonia (Hoffmannove rozprávky, Offenbach) , Liu ("Turandot", Puccini), Rosalind ("Die Fledermaus", Strauss), Freya ("Das Rheingold", Wagner), Elsa ("Lohengrin", Wagner) a ďalší. Annette Dasch nie je len operná speváčka, Venuje sa aj oratóriám a koncertom. V repertoári má piesne od Beethovena, Brittena, Haydna, Glucka, Händela, Schumanna, Mahlera, Mendelssohna a ďalších. Speváčka absolvovala svoje posledné koncerty vo všetkých veľkých európskych mestách (napríklad Berlín, Barcelona, ​​​​Viedeň, Paríž, Londýn, Parma, Florencia, Amsterdam, Brusel), účinkovala na festivaloch Schubertiad v Schwarzenbergu, festivaloch starodávna hudba v Innsbrucku a Nantes, ako aj na iných prestížnych festivaloch. Od roku 2008 vedie Annette Dash svoju vlastnú veľmi populárnu televíznu zábavnú šou. hudobná show"Dash salón", ktorého názov v nemčine je podobný slovu "práčovňa" (Waschsalon). Annette Dasch otvorila sezónu 2011/2012 európskym turné so samostatnými koncertmi, najbližšie operné angažmá zahŕňajú rolu Elviry z Dona Giovanniho na jar 2012 v Metropolitnej opere, potom rolu Madame Pompadour vo Viedni a turné s viedenskej opere v Japonsku s úlohou vo Veselej vdove“, tiež ďalšie predstavenie na festivale Bayorot.

Odeské národné akademické divadlo opery a baletu je jedným z najstarších operných domov na Ukrajine. Prvá divadelná budova bola otvorená v roku 1810. Modernú budovu postavili v roku 1887 architekti F. Fellner a G. Helmer („Bureau Fellner & Helmer“) v štýle viedenského baroka. Kompletná rekonštrukcia budovy divadla bola dokončená v roku 2007. Plocha javiska - 500 m2. metrov, počet miest na sedenie - 1636. V divadle dirigovali P.I. Čajkovskij, N. A. Rimskij-Korsakov, S. V. Rachmaninov, veľký Enrico Caruso, Fjodor Chaliapin, Solomeja Krušelnická, Antonina Nezhdanová, Leonid Sobinov, tancovala Isadora Duncanová. Medzi vynikajúcich sólistov divadla patrí A. Azrikan. Medzi úspešné inscenácie divadelného súboru patrili: „Carmen“, „La Traviata“, „Il Trovatore“, „Rigoletto“, „Kozák za Dunajom“, „Cio-Cio-San“, „Natalka-Poltavka“, „Giselle “, „Luskáčik“, „Šípková Ruženka“. Alexander Puškin spomenul divadlo v Odese vo svojom románe Eugen Onegin. K 120. výročiu divadla vydala Národná banka Ukrajiny pamätné mince. Divadlo opery a baletu možno označiť za najstaršie spomedzi mestských kultúrnych inštitúcií. Odessa získala právo postaviť divadlo v roku 1804 av roku 1809 už bolo postavené. Autorom tohto projektu je známy francúzsky architekt Thomas de Thomon, ktorý v tom čase postavil v Petrohrade množstvo budov. 10. februára 1810 sa konalo slávnostné otvorenie. Prvým predstavením bola Frelichova jednoaktová opera „Nová rodina“ a vaudeville „Utešená vdova“ od ruského súboru P. V. Fortunatova. V roku 1873 staré divadlo úplne vyhorelo. Našťastie sa nikto nezranil. O vytvorenie projektu nového mestského divadla boli požiadaní viedenskí architekti F. Fellner a G. Helmer, podľa ktorých projektov boli postavené divadlá v mnohých európskych mestách (Viedeň, Budapešť, Drážďany, Záhreb atď.). Od požiaru po položenie prvého kameňa v základoch nového divadla uplynulo takmer 11 rokov. Otvorenie divadla sa uskutočnilo 1. októbra 1887. V marci 1925 v dôsledku nového požiaru javisko úplne vyhorelo a sála bola poškodená. Divadlo bolo v krátkom čase prestavané a predstavenia sa obnovili o rok neskôr. Javisko dostalo nové technické vybavenie, osadili sa dve železobetónové opony, ktoré v prípade potreby odrezali javisko od hľadísk a obslužných priestorov. Ako dosvedčuje nápis na pamätnej tabuli, 10. apríla 1944 bola na balkóne divadla vztýčená zástava oslobodenia mesta od nacistických útočníkov (mimochodom, Nemci plánovali vyhodiť do vzduchu divadlo v r. ich ústup). Opera v Odese je známa predovšetkým svojou architektúrou a z hľadiska usporiadania a technických údajov nie je nižšia ako najlepšie divadlá v Európe. Pôdorysne budovu tvorí audiencia v tvare podkovy, obklopená galériami, foyer a obdĺžnikové javisko s hospodárskymi miestnosťami. Pozdĺž pozdĺžnej osi objektu je dvojradový portál s vysokou atikou hlavného vstupu, pozdĺž priečnej osi sú trojarkádové galérie bočných vstupov. Rozloženie je radiálne - priechody k východu sú položené od stredu pozdĺž polomerov v rôznych smeroch. Schody vedúce priamo k východu z divadla majú tiež poschodia. Objekt je zastrešený systémom kovových väzníkov, pozinkovaný. Obloženie diváckej sály pripomína povrch časti elipsoidu, zrezaného rovinami pozdĺž horizontálnej a vertikálnej osi súmernosti, je zakončený okrúhlou lucernou s kupolou, zakončenou nízkou vežou. Budova divadla je postavená v štýle viedenského baroka. Vonkajšie sa stavebne skladá z 3 podlaží. 1. (suterén) a 2., zdobené len stĺpmi toskánskeho rádu v lodžiách, tvoria jeden celok, pôsobia mohutne a zásadne, dodávajú stavbe statický vzhľad. 3. poschodie, svetlejšie, prelamované, s rafinovaným spracovaním detailov, s oblúkovými lodžiami, stĺpmi a pilastrami iónskeho rádu, v sebe skrýva ťažkosť spodných podlaží a vytvára ilúziu ľahkosti. Elegantný portikus a klenutá strecha dodávajú ďalšie efekty. Zdá sa, že budova sa „vznáša“ nad zemou. Stúpa nad fasádou súsošie, zobrazujúci múzu divadelnej tragédie Melpomene na voze ťahanom 4 pantermi, ktorých si podmanila. Nižšie sú dve tiež mytologické súsošia: vľavo Orfeus hrá na citharu pre kentaura, vpravo tanečná múza Terpsichore tancuje s dievčaťom. Na štíte portika je rímskymi číslicami označených niekoľko dátumov: prvý riadok - dátumy začiatku a konca výstavby divadla (1884 - 1887), druhý riadok - výraz „divadlo horelo“ a rok 1925, potom rok 1967 a slovo „rekonštrukcia“. Pozdĺž centrálneho vchodu sú súsošia zosobňujúce komédiu a tragédiu: vľavo je fragment Euripidovej tragédie „Hippolytus“, vpravo epizóda z Aristofanovej komédie „Vtáky“. Pozdĺž frontónu v okrúhlych výklenkoch horného poschodia sú busty ruských spisovateľov a skladateľov: A. Puškina, M. Glinku, A. Gribojedova, N. Gogoľa (sochári - F. Netali a F. Friedl, štukatérske práce - Ľ. Strictius pod vedením F. Etela). Najkrajšou časťou budovy je interiér, predovšetkým audiencia, vytvorená v štýle neskorého francúzskeho rokoka a zdobená pozlátenými štukami. Kompozícia zdobiaca strop je založená na 4 medailónových maľbách od Lefflera podľa Shakespearových scén („Hamlet“, „Sen noci svätojánskej“, „ Zimná rozprávka ", "Tak ako to máš rád"). Veľký luster v strede stropu udivuje eleganciou prelamovaných detailov. Pozornosť upútajú elegantné štukové lišty v poschodiach, bočných vestibuloch a pozdĺž schodov vedúcich k boxom, originálne lampy, svietniky a bronzové intarzované ozdoby. Záclona vytvorená podľa náčrtu A. Golovina udivuje svojím vkusom. Plocha javiska - 500 m2. metrov. Jedinečná akustika miestnosti umožňuje, aby sa aj šepot z pódia preniesol do každého kúta sály. V sále sú miesta pre divákov umiestnené v stánkoch, boxoch v benoir, dress circle, 1. a 2. poschodí a na galérii. Medzi boxmi vyniká „kráľovský“ box - v strede medziposchodia, priamo oproti javisku. V 1. rade má 12 sedadiel. Aby sa zastavilo sadanie budovy a tvorba trhlín v jej nosných konštrukciách, v rokoch 1951-1956 sa vykonali práce na spevnení základov divadla silikáciou tekutým sklom (jamami sa vylialo asi 6 miliónov litrov roztaveného skla do nadácia). V rokoch 1965-1967 bolo divadlo kompletne zrekonštruované zvonka aj zvnútra. Vláda ZSSR minula 4 milióny rubľov a 9 kg čistého zlata. Tieto opatrenia však dlho nepomáhali – divadlo bolo postavené na usadených horninách, takže proces jeho ničenia pokračoval. V polovici 90. rokov sa budova dostala do katastrofálneho stavu a v roku 1996 kabinet ministrov Ukrajiny pridelil prostriedky na novú veľkú rekonštrukciu. Ukončenie prác bolo najskôr naplánované na rok 1999, potom sa opakovane odkladalo pre nedostatok financií. Základ bol spevnený naliatím železobetónových pilót. Kompletná rekonštrukcia budovy bola dokončená v roku 2007. Divadlo má veľkú zásluhu na rozvoji hudobnej kultúry na juhu Ukrajiny. Svoje diela tu predviedli P.I. Čajkovskij, M. A. Rimskij-Korsakov, S. V. Rachmaninov, Eugene Ysaï, Pablo Sarasate a ďalší, Enrico Caruso, Fjodor Chaliapin, Solomeya Krušelnitskaja, Antonina Nezhdanova, Leonid Sobinov, J. L. Anselistio, Mattiatni Geraldoni, tancujú Anna Pavlova, Isadora Duncan, E.V. Geltser. Dirigentmi predstavení a symfonických koncertov boli A.G.Rubinstein, E.F.Napravnik, A.S.Arenskij, A.K.Glazunov a ďalší. V roku 1926 získalo divadlo titul „akademické“, v roku 2007 získalo štatút „národné“. V divadle sa konajú symfonické koncerty, najmä organové, pretože divadlo má najlepšiu akustiku v meste a vstavaný organ. V divadle už niekoľko desaťročí funguje detská baletná škola - jedinečná tvorivá inštitúcia v meste a „HR kováčňa“ pre baletný súbor divadla. Divadlo má veľký operný súbor, medzi ktorými môžeme spomenúť: Ľudový umelec Ukrajiny Anatolij Bojko (bas), Ľudový umelec Ukrajiny Valentina Vasilyeva (mezzosoprán), Ľudový umelec Ukrajiny Anatolij Kapustin (tenor), Ľudový umelec Ukrajiny Ludmila Shirina (soprán). Baletný súbor divadla tvorí 50 ľudí. Medzi nimi vynikajú vážení umelci Ukrajiny Andrei Musorin a Elena Kamenskikh - účastníci rozlúčkového turné Rudolfa Nureyeva. Šéfdirigentkou Národného akademického divadla opery a baletu v Odese je profesorka, ľudová umelkyňa Ukrajiny Yarema Antonovič Skibinsky. Baletní tanečníci absolvovali turné v Kanade, Japonsku, Vietname, Srí Lanke, Číne, Maďarsku, Bulharsku, Fínsku, Južnej Kórei, Taliansku, Španielsku, Portugalsku - s Mayou Plisetskaya, Indonéziou, Švajčiarskom, Švédskom a ďalšími krajinami. Medzi najznámejšie a najúspešnejšie inscenácie moderného divadla patria predstavenia: „Carmen“, „La Traviata“, „Troubadour“, „Rigoletto“, „Kozák za Dunajom“, „Cio-Cio-San“, „Natálka“. -Poltavka“, „ Giselle“, „Luskáčik“, „Šípková Ruženka“. Na týchto predstaveniach býva sála plná. Alexander Sergejevič Puškin „Eugene Onegin“ (časť „Úryvky z Oneginovej cesty“). Ale modrý večer sa už stmieva, Je čas ísť rýchlo do opery: Je tu rozkošný Rossini, miláčik Európy - Orfeus... ... Ale je tam len čaro? A čo investigatívny lorňon? A čo rande v zákulisí? Primadona? a balet?

Teatro Carlo Felice je hlavným operným domom v Janove v Taliansku. Divadlo sa nachádza v centre mesta, neďaleko námestia Ferrari a je symbolom mesta.Pred divadlom sa nachádza jazdecký pamätník Giuseppe Garibaldiho. Rozhodnutie o výstavbe novej opery v Janove padlo v roku 1824, keď sa ukázalo, že existujúce mestské divadlá nevyhovujú potrebám mesta. Nové divadlo sa muselo postaviť na úroveň a konkurovať najlepším operným domom v Európe. Bola vyhlásená architektonická súťaž, v ktorej bol vybraný návrh budovy opery od miestneho architekta Carla Barbarina, o niečo neskôr slávny Milánčan Luigi Canonica, ktorý sa podieľal už na niekoľkých veľkých projektoch - obnova La Scaly, výstavba divadiel v Miláne, bol dodatočne pozvaný na výstavbu javiska a sály. Tento kláštorný komplex pochádzajúci z 13. storočia bol známy svojou architektonickou majestátnosťou a vzácnymi umeleckými dielami. interiérová dekorácia. Niektorí tvrdia, že kláštor bol „obetovaný“ divadlu, ale to nie je pravda. Ešte za čias napoleonského „Talianskeho kráľovstva“ boli v kláštore kasárne a sklady jeho armády. Areál bol veľmi schátralý a v roku 1821 bol podľa plánu rekonštrukcie mesta úplne zbúraný a v roku 1824 bolo rozhodnuté o výstavbe divadla. Prvý kameň novostavby bol položený 19. marca 1826. Slávnostné otvorenie sa konalo 7. apríla 1828, hoci stavba a výzdoba ešte neboli celkom dokončené. Prvou operou na javisku divadla bola „Bianca a Fernando“ od Vincenza Belinniho. Divadlo je pomenované po vojvodovi Carlovi Feliceovi Savojskom, vládcovi Janova. Do päťposchodovej haly sa zmestilo približne 2500 divákov. V ďalších rokoch bolo divadlo niekoľkokrát renovované, plynové osvetlenie bolo zavedené v roku 1852 a elektrické osvetlenie v roku 1892. Takmer štyridsať rokov, od roku 1853, trávil Giuseppe Verdi zimy v Janove a svoje opery mnohokrát inscenoval v Teatro Carlo Felice. V roku 1892, po rekonštrukcii na oslavu 400. výročia objavenia Ameriky Krištofom Kolumbom (Janov spochybňuje právo byť považovaný za Kolumbovu malú vlasť), bol Verdi požiadaný, aby skomponoval vhodnú operu pre túto udalosť a uviedol ju v divadle, ale odmietol s odvolaním sa na vysoký vek. Teatro Carlo Felice bolo neustále renovované a zostalo v dobrom stave až do druhej svetovej vojny. Prvé škody boli spôsobené v roku 1941, kedy bola strecha budovy zničená od ostreľovania spojeneckých vojsk a unikátna maľba stropu bola vážne poškodená. posluchárni. Potom v auguste 1943 po zásahu zápalnou bombou vyhoreli zákulisie, boli zničené kulisy a šatne, ale hlavnú sálu požiar nezasiahol, žiaľ, vtedy divadlo viac trpelo lupičmi, ktorí ukradli veľa cenné veci. Z divadla napokon v septembri 1944 po nálete zostali prakticky len steny. Narýchlo opravené divadlo celý ten čas pokračovalo vo svojej činnosti a vystupovala v ňom aj Maria Callas. Plány na rozsiahlu obnovu budovy divadla sa začali v roku 1946. V roku 1951 bol výberovým konaním vybraný jeden projekt, ktorý sa však nikdy nezrealizoval. Divadlo zaniklo začiatkom 60. rokov pre zlý stav. V roku 1963 bol vypracovaním projektu rekonštrukcie poverený slávny architekt Carlo Scarpa, ktorý však práce oddialil a projekt bol hotový až v roku 1977, avšak pre nečakanú smrť architekta v roku 1978 bol projekt zastavený. Ďalší plán bol prijatý v roku 1984 a Aldo Rossi bol vybraný ako hlavný architekt nového divadla, Carlo Felice. Hlavným leitmotívom vývojárov bolo spojenie histórie a moderny. Steny starého divadla a fasáda s basreliéfmi boli ponechané, ako aj niektoré prvky vnútornej výzdoby, ktoré dokázali zapadnúť do nového interiéru, avšak z väčšej časti divadlo bolo od základov prestavané. 7. apríla 1987 bol položený prvý kameň do základov nového divadla. Za starým divadlom bola postavená nová výšková budova, v ktorej boli javiská, ovládacie mechanizmy mobilné platformy, skúšobne a šatne. Samotné hľadisko sa nachádza v „starom“ divadle, cieľom architektov bolo obnoviť atmosféru starého divadelného námestia, keď sa predstavenia odohrávali na ulici v centre mesta. Preto boli na stenách haly vyrobené okná a balkóny, ktoré napodobňujú vonkajšie steny budov a strop je posiaty „hviezdnou oblohou“. 18. októbra 1991 sa konečne zdvihla opona na Teatro Carlo Felice, pričom prvým otváracím podujatím sezóny bola opera Trubadúr od Giuseppe Verdiho. Teatro Carlo Felice je jedným z najväčších operných domov v Európe s kapacitou hlavnej sály 2000 miest.

Lyonská opera alebo Opera Nouvel (Opera de Lyon, opera Nouvel) - moderné divadlo Opera a balet vo francúzskom Lyone. Pomenovaný po slávnom francúzskom architektovi Jeanovi Nouvelovi, ktorý budovu navrhol. Spravuje ho štátna spoločnosť National Opera of Lyon. Prvá budova opery bola otvorená v Lyone v roku 1756, bola postavená podľa návrhu architekta Jacquesa-Germaina Soufflota, projektanta parížskeho Panteónu. Začiatkom nasledujúceho storočia sa divadlo ukázalo byť príliš malé av roku 1826 bolo zbúrané a na jeho mieste bola postavená nová Lyonská opera. Architektmi boli Antoine-Marie Chenavar a Jean-Marie Pollet. Nové divadlo malo približne 1200 miest na sedenie. 1. júla 1831 bolo divadlo otvorené operou Françoisa-Adriena Boieldieua „Biela pani“, mimochodom táto francúzsky skladateľ dlho pôsobil v Petrohrade. V 19. a 20. storočí sa v lyonskom divadle uskutočnilo niekoľko francúzskych premiér, vrátane diela R. Wagnera „Die Mastersingers of Norimberg“ a „Boris Godunov“ M. P. Musorgského, ako aj svetová premiéra diela A. Schoenberga „Waiting“ a ďalších. . V roku 1985 sa mesto rozhodlo prestavať operu na rovnakom mieste a bola vypísaná súťaž. Na základe výsledkov súťaže bola stavba budovy zverená vynikajúcemu francúzskemu architektovi Jeanovi Nouvelovi. Výstavba začala v roku 1989 a skončila v roku 1993. Z existujúcej budovy z roku 1831 bol ponechaný plášť – steny, fasáda a foyer. Kompletne boli prerobené všetky vnútorné priestory divadla, pribudli podzemné podlažia pre skúšobne a výška budovy sa zdvojnásobila polvalcovou sklenenou kupolou, v ktorej sídli najmä baletný súbor. Celková výška budovy s 5 podzemnými podlažiami, hĺbkou 20 metrov a 6-poschodovou kupolou je 62 metrov, s objemom asi 80 000 m2. Vzhľad Budova, hlavne kvôli svojej atramentovo sfarbenej hornej kupole, bola spočiatku silne kritizovaná, ale teraz je súčasťou panorámy mesta a mešťania ju dobre prijali. Fasádu, ktorá zostala z predchádzajúcej budovy, zdobí osem sôch múz, múza Urania chýba z dvoch dôvodov - po prvé pre symetriu a po druhé, Urania nesúvisí s operným umením. Hľadisko bolo postavené v tradičnom talianskom štýle, v tvare podkovy a 6 poschodí balkónov, kapacita sály je cca 1100 miest, čo bolo aj dôvodom na kritiku, keďže sa predpokladá, že pre Lyon je to malá kapacita a z niektorých miest je ťažko vidieť javisko. V súčasnosti je šéfdirigentom lyonskej opery japonský dirigent Kazushi Ono.

Grand Teatro La Fenice (Gran Teatro La Fenice) je opera v Benátkach, opakovane zničená požiarom a prestavaná. Divadlo je dejiskom Medzinárodného festivalu súčasnej hudby. Divadlo La Fenice bolo postavené v rokoch 1790-1792. Názov „Phoenix“ odráža skutočnosť, že divadlo bolo dvakrát „znovuzrodené z popola“. V roku 1774 do tla vyhorela popredná benátska opera tej doby, San Benedetto. Správcovská spoločnosť ho obnovila, no na súde prehrala spor s jeho majiteľom a o divadlo opäť prišla. V dôsledku toho sa spoločnosť rozhodla postaviť vlastnú novú operu. Stavba začala v júni 1790 a bola dokončená v máji 1792. Divadlo dostalo názov „La Fenice“, čo naznačuje oživenie. Otvorili ho 16. mája 1792 Paisiellovou operou La Igre Agrigento. 13. decembra 1836 bolo divadlo zničené požiarom, ale pod vedením architektov Tommasa a Giambattistu Meduna bolo rýchlo obnovené do pôvodného modelu. O rok neskôr, v roku 1837, divadlo znovu otvorilo svoje brány. V devätnástom storočí sa La Fenice stala miestom premiér mnohých opier popredných talianskych autorov, najmä Gioachina Rossiniho (Tancred, 1813, Semiramide, 1823), Vincenza Belliniho (Kapulety a Montagues, 1830, Beatrice di Tandi, 1833) a Giuseppe Verdi („Ernani“, 1843, „Attila“, 1846, „Rigoletto“, 1851, „La Traviata“, 1853, „Simon Boccanegra“, 1857). Premiéru La Traviaty publikum vo Phoenixe spočiatku vypískalo. V roku 1930 Benátske bienále iniciovalo prvý medzinárodný festival súčasnej hudby. V roku 1937 bolo divadlo zrekonštruované podľa návrhu Eugenia Miozza. Výnimočnými premiérami 20. storočia boli inscenácie opery „The Rake’s Progress“ od I. Stravinského (1951) a „The Turn of the Screw“ od B. Brittena. 29. januára 1996 budovu divadla opäť zničil požiar, podpaľačstvo spáchal elektrikár Enrico Carella, ktorý sa snažil vyhnúť zmluvným pokutám za meškanie prác. O štátna podpora divadlo bolo obnovené a slávnostne otvorené 14.12.2003. Na otvorení vystúpil zbor a orchester La Scala pod vedením Mutiho. V programe osláv oživenia Fenice sa predstavili najlepšie orchestre sveta vrátane Petrohradskej filharmónie pod vedením Jurija Temirkanova, ktorá uviedla diela Čajkovského a Stravinského.

Metropolitná opera - Hudobné divadlo v Lincolnovom centre v New Yorku, New York, USA. Najpriestrannejšia budova opery na svete. Často sa skrátene nazýva „Meth“. Divadlo patrí k najznámejším operným scénam na svete. Umeleckým riaditeľom divadla je James Levine. Generálnym riaditeľom je Peter Gelb. Vytvorené z prostriedkov akciovej spoločnosti Metropolitan Opera House Company. Dotované bohatými firmami a jednotlivcami. Metropolitnú operu otvorilo predstavenie Fausta od Charlesa Gounoda 22. októbra 1883, hl. ženská rola v podaní švédskej sopranistky Christiny Nilsson. Divadlo je otvorené sedem mesiacov v roku: od septembra do apríla. Za sezónu sa inscenuje asi 27 opier. Predstavenia sa uskutočňujú denne, celkovo asi 220 predstavení. Od mája do júna divadlo chodí na turné. Okrem toho v júli divadlo ponúka bezplatné predstavenia v parkoch v New Yorku, ktoré priťahujú obrovské davy. Pravidelne prebieha živé rozhlasové a televízne vysielanie. Permanentne pracuje orchester a zbor divadla, sólisti a dirigenti sú pozývaní na základe zmluvy na sezónu alebo na konkrétne predstavenia. Opery sa tradične hrajú v pôvodnom jazyku. Repertoár vychádza zo svetovej klasiky vrátane ruských skladateľov. Prvá Metropolitná opera, ktorú navrhol J. Cleveland Cady, sa nachádzala na Broadwayi, medzi 39. a 40. ulicou. V roku 1966 sa divadlo presťahovalo do nového Lincoln Center na Manhattane a má jednu hlavnú scénu a tri pomocné. Hlavná sála má kapacitu 3800 ľudí a napriek svojej veľkosti je známa výbornou akustikou.

Štátne komorné hudobné divadlo "Petrohradská opera" je operný dom v Petrohrade v Rusku. Divadlo sa nachádza v malom, no veľmi útulnom kaštieli baróna von Derviza. Komorné hudobné divadlo bolo založené v roku 1987 v Leningrade popredným hudobným režisérom Ruska, ktorý sa preslávil ako inovátor opery, ctený umelec Ruska, laureát ceny národného divadla „Zlatá maska“, „Zlatá sofit“, Ľudový umelec Ruska JURI ALEXANDROV. Tvorivé laboratórium „Petrohradská opera“, ako pôvodne režisér zamýšľal, sa časom preorganizovalo na profesionálne Štátne divadlo, známy nielen u nás, ale aj ďaleko za hranicami ruského operného priestoru. Napriek svojej mladosti má divadlo už bohatú tvorivú biografiu. Komorné divadlo sa za dvadsaťtri sezón vyprofilovalo ako jeden tvorivý organizmus s jedinečným, originálnym programom. Divadelný súbor zahŕňa talentovaných sólistov, hudobníkov, z ktorých mnohí sú ctenými umelcami Ruska, laureátov a víťazov diplomov medzinárodných a celoruských súťaží. Repertoár petrohradskej opery predstavuje celú paletu operných žánrov – od komickej opery, opery buffa až po hudobné drámy, vrátane opier moderných autorov: „Hra Robina a Marion“ od Adama de la Alya, „Sokol“ od Bortnyanského, "Biela ruža" od Zimmermana, "Verím" od Piguzova, "Piebaldský pes beží na okraji mora", "Piata cesta Krištofa Kolumba" od Smelkova, "Bell", "Rita" od Donizettiho, „Eugene Onegin“ od Čajkovského, „Boris Godunov“ od Musorgského (v roku 1996 nominovaný na cenu Národného divadla „Zlatá maska“), „Hráči – 1942“ od Šostakoviča (v roku 1997 ocenený Najvyššou divadelnou cenou Petrohradu „Zlatá Sofit“ " v nominácii "Najlepší režisérsky počin v hudobnom divadle", v roku 1998 nominovaný na cenu Národného divadla "Zlatá maska", "Rigoletto" od Verdiho (v roku 1998 nominovaný na Cenu národného divadla "Zlatá maska"), "Pieseň lásky a smrti korneta Christopha Rilkeho“ od Mattusa (v roku 1999 ocenený cenou Národného divadla „Zlatá maska“ v nominácii „Najlepší operný výkon“), „Piková dáma“ od Čajkovského (v roku 2000 nominovaný na Cenu národného divadla "Zlatá maska")," Krásna Elena„Offenbach, „Antiformalistický raj“ od Šostakoviča, „Adrienne Lecouvreur“ od Cilea, „Don Pasquale“, „Peter Veľký – kráľ celého Ruska, či Tesár z Livónska“ od Donizettiho, „Gianni Schicchi“ od Pucciniho a iné. V Petrohradskom opernom divadle „uviedli inscenácie opier, ktoré sa v Petrohrade uvádzajú len na scéne Komorného divadla – „Rita“, „Zvon“, Donizetti, „Sokol“ od Bortňanského, „Tajné manželstvo“ od Cimarosa, "Hráči - 1942", Antiformalistický raj od Šostakoviča, "Adrienne Lecouvreur "Cilea, "Peter Veľký - cár celého Ruska, alebo tesár z Livónska" Donizetti. Takmer všetky tieto opery boli prvýkrát uvedené v Rusku. Divadlo koncertovalo vo Fínsku, Švajčiarsku, Nemecku, USA, Moskve a mnohých mestách Ruska. V roku 1997 divadlo zorganizovalo a usporiadalo festival hudby Gaetana Donizettiho, na ktorom po prvý raz v Rusku zaznelo „Requiem“ talianskeho skladateľa. Divadlo veľmi dlho nemalo svoj vlastný areál a napokon našlo svoj Domov. Stal sa ním kaštieľ baróna von Derviza, ktorý sa nachádza v centre starého Petrohradu na ulici Galernaja, 33. Otvorenie obnovenej budovy sa uskutočnilo na výročie Petrohradu – 27. mája 2003. A prvá premiéra, ktorá začala nové kolo v histórii Petrohradskej opery, sa stala európskou hudobnou senzáciou – hravá melodráma Gaetana Donizettiho „Peter Veľký – cár celej Rusi alebo tesár z Livónska“. Malý útulný kaštieľ na ulici Galernaja, ktorý na prelome 19. a 20. storočia patril barónovi S.P. von Derviz, má bohatú hudobnú a divadelnú históriu. Nakoniec XIX storočia tu boli predstavenia „The House of Sideshows“, ktoré naštudoval Vsevolod Meyerhold, ktorý v tom čase pracoval pod pseudonymom „Doctor Dapertutto“. Zúčastnili sa na nich básnik a hudobník M. Kuzmin, výtvarníci N. Sapunov a S. Sudeikin, výtvarníci N. Petrov, B. Kazarová-Volková. Divákmi boli K. Stanislavský, Vl.I. Nemirovič-Dančenko, E. Vakhtangov, A. Čechov a mnohí ďalší umelci. Od roku 1915 sa dom začal nazývať „Koncertná a divadelná sála“, v ktorej sa konali koncerty za účasti F. Chaliapina, L. Sobinova, A. Duncana. Koncerty a vystúpenia sa konali vo veľkej Bielej sále so špeciálne vybaveným javiskom. Tu sa zázračne (po klubových akciách organizovaných za sovietskych čias) zachoval interiér: barokové štukové steny so sochami symbolizujúcimi umenie, vznášajúci sa génius s lýrou v rukách nad bohato zdobeným javiskovým portálom, erb von Derviza na sklách predných dverí. Zachovali sa aj ďalšie interiéry kaštieľa: luxusná maurská obývačka pokrytá pozlátenými ornamentmi, javorová obývačka zdobená malebným panelom a zimná záhrada vo forme rozmarnej jaskyne. Prvým majiteľom kaštieľa bol slávny štátnik prvého polovice XVIII storočia ministerka vlády Anny Ioannovnej A.P. Volynsky, popravený v roku 1740 za účasť na sprisahaní proti vojvodovi Bironovi. Potom dom vlastnila jeho dcéra, ktorá sa vydala za grófa I.I. Voroncova. Kedysi dom patril obchodníkom Schneiderovi, Balabinovi, potom kniežaťu Repinovi. V roku 1870 architekt F.L. Miller prerába fasádu a pristavuje ďalšiu budovu. V roku 1883 dom kúpil barón S.P. von Derviz. Architekt P.P. Schreiber prestavuje domy na strane Anglického nábrežia a ulice Galernaja a spája ich spoločnou fasádou. Sergej Pavlovič von Derviz (1863 - 1918) je potomkom starovekého rodu Wiese, ktorý pochádza z Nemecka. V polovici 18. storočia John-Adolf Wiese, ktorý slúžil vo Švédsku, prešiel do ruských služieb ako justičný radca a Svätá ríša rímska ho povýšila do šľachtického stavu s dodatkom „von der“. Syn Sergej mal hodnosť skutočného tajného radcu a hodnosť komorníka najvyššieho súdu. Vlastnil bane a majetky v provinciách Kyjev, Riazan a Orienburg. Rovnako ako jeho matka sa preslávil svojimi dobročinnými aktivitami. Hlavná pozornosť bola venovaná interiérom domu, ktoré boli podľa vtedajšej módy vyrobené v r rôzne štýly. V roku 1902 bol dom na nábrežnej strane postavený na dvoch podlažiach, čím stratil vzhľad kaštieľa. V roku 1909 S.P. von Derviz dom predal a rozdelil ho na tri časti. Prvý kúpila manželka generálporučíka A.A. Ignatiev, vľavo (vrátane kaštieľa na Galernayi) - N.N. Shebeko. Kaštieľ prešiel rekonštrukciou podľa projektu architekta A.P. Maksimov a v tejto podobe prežil dodnes. V rokoch 1911 - 1913 tu sídlil V. Meyerhold "House of Sideshows" - novátorské, bohémske divadlo-reštaurácia s jedinečným repertoárom. Od roku 1913 - divadelná sála N. Shebeko. Po revolúcii - okresný výbor RCPb, Zväz kovorobotníkov, Estónsky dom školstva. Od roku 1946 do roku 1991 - klub Mayak. 27. mája 2003, v deň 300. výročia Petrohradu, sa kaštieľ po dlhej rekonštrukcii opäť stal divadelným domom. Znie tu opera a symfonická hudba, rodia sa nové inscenácie petrohradského operného divadla, ktoré založil a šéfoval Jurij Alexandrov. Informácie z oficiálnej stránky divadla: http://www.spbopera.ru

Jekaterinburské štátne akademické divadlo opery a baletu je operné a baletné divadlo v Jekaterinburgu v Rusku. Operný súbor sa prvýkrát objavil v Jekaterinburgu v sezóne 1879-1880: priniesol ho slávny ruský podnikateľ P.M. Medvedev. Následne sa operné podniky opakovali viackrát a v 70. rokoch 19. storočia predstavitelia miestnej inteligencie zorganizovali Jekaterinburský hudobný krúžok. Od roku 1907 sa operné predstavenia v Jekaterinburgu stávajú každoročnými. V roku 1912 bola na námestí Drovyanaya (dnes Place de la Paris Commune) postavená špeciálna divadelná budova (hľadisko s 1200 miestami na sedenie) na mieste drevenej budovy cirkusu, ktorá existovala od roku 1896. Mestské divadlo (v sovietskych časoch - Akademické divadlo opery a baletu pomenované po A.V. Lunačarskom) bolo postavené podľa návrhu pyatigorského civilného architekta Vladimíra Nikolajeviča Semjonova, podľa typu slávnych viedenských a odeských operných domov. V roku 1904, ako tridsaťročný, Semenov vyhral súťaž na vytvorenie projektu divadla opery a baletu v Jekaterinburgu, ktorého výstavba bola dokončená v roku 1912. Divadlo sa otvorilo operou Michaila Ivanoviča Glinku „Život pre cára“ (09/02/10/12/12/1912). Prvým šéfdirigentom bol S. Barbini. Kronika baletu sa začala inscenáciou Čarovnej flauty Ricarda Driga (1914). Po októbrovej revolúcii bolo divadlo otvorené v roku 1919. V roku 1922 bol vytvorený baletný súbor, prvým predstavením súboru bola „Coppélia“ od Delibes. Od roku 1924 - Štátna opera pomenovaná po A. V. Lunacharskom. V rokoch 1925-26 sa stal hlavným riaditeľom známy spevák a operný režisér Alexander Ivanovič Ulukhanov, ktorý naštudoval opery „Príbeh cára Saltana“ a „Werther“. Od roku 1931 má divadlo nový názov - Sverdlovské divadlo opery a baletu pomenované po. A. V. Lunacharsky. V roku 1962 bolo divadlo ocenené Rádom Červeného praporu práce a v roku 1966 sa stalo akademickým divadlom. V roku 1981-82 bola vykonaná významná rekonštrukcia objektu ukončená do 26.12.1982. V rokoch 1983 až 1985 sa pod vedením architekta a umelca Georgyho Shishkina (autora projektu) pracovalo na vytvorení divadelného múzea: interiéru a stálej expozície vrátane pôvodných kozmických konzolových štruktúr s exponátmi, dvoch veľkých nástenné maľby a galériu portrétov divadelných sólistov od tohto umelca. Bohaté tradície súkromných podnikov, zájazdových súborov a mestských hudobných kruhov pomohli divadlu rýchlo získať dôveru a veľké meno. Počas sovietskej éry sa nazývalo „laboratórium sovietskej opery“ a na hracom zozname sa často objavila známka „Právo premiéry patrí divadlu“. V sovietskych časoch tu pracovali vynikajúci remeselníci. Neskôr začali svoju tvorivú cestu v Jekaterinburgu slávnych spevákov- Ľudoví umelci ZSSR: I. Kozlovský, S. Lemešev, I. Arkhipova, B. Štokolov. Divadlo bolo dvakrát ocenené štátnou cenou ZSSR: v roku 1946 ( Stalinova cena) prvý z okrajových pre inscenáciu opery „Othello“ a v roku 1987 – pre javiskový zrod opery V. Kobekina „Prorok“. Prehliadkové trasy súboru zahŕňajú viac ako sto miest v ZSSR, účasť na mnohých divadelných festivaloch vrátane zahraničia. V 90. rokoch zažívalo divadlo krízu. V roku 2006 s príchodom nového riaditeľa sa divadlo dočkalo znovuzrodenia. Hudobný režisér divadlo - Sergej Stadler. Divadelný orchester, ktorý vedie, je profesionálny tím, ktorý zahŕňa ocenených umelcov Ruska, laureátov celoruských a medzinárodných súťaží. Divadlo nadviazalo kultúrne väzby a tvorivé kontakty s Talianskom, Nemeckom, USA, Anglickom, Kóreou atď. Na jeho javisku často vystupujú známi hosťujúci interpreti a konajú sa tu medzinárodné hudobné festivaly. Informácie z webovej stránky divadla http://www.uralopera.ru/ V skutočnosti sa história jekaterinburského divadla začala dlho predtým, ako bola položená prvá tehla v základoch tejto luxusnej budovy. V sedemdesiatych rokoch 19. storočia sa na javisku prvého mestského divadla (dnes kino Colosseum) konali prvotriedne metropolitné operné súbory. Miestni milovníci tohto žánru po absolvovaní vynikajúcej diváckej školy zorganizovali v roku 1874 hudobný krúžok, podľa tlače zo začiatku storočia jediný v celej krajine, kde svojpomocne vznikali luxusné operné inscenácie. najkomplexnejšie hudobné partitúry. Pietna láska a úcta k opere potom prinútili vedenie mesta uvažovať o výstavbe vlastnej opery. V roku 1912 otvorilo Nové mestské divadlo svoju prvú sezónu operou Michaila Ivanoviča Glinku „Život pre cára“ (dirigent S. Barbini, režisér A. Altshuller). Prvé baletné predstavenie („Čarovná flauta“ R. Driga, choreograf F. Troyanovsky) pochádza z roku 1914 (hoci názov „Divadlo opery a baletu“ sa objavil až v roku 1931). Bohaté tradície súkromných podnikov, zájazdových súborov a mestských hudobných kruhov pomohli divadlu rýchlo získať dôveru a veľké meno. O desaťročie neskôr sa medzi okrajovými divadlami mladej sovietskej krajiny začal spomínať Jekaterinburg (vtedy Sverdlovsk). Od polovice 20. rokov si opera Sverdlovsk získala slávu a slávu ako jedna z najlepších v krajine, predovšetkým vďaka neustálej prítomnosti v súbore. talentovaných hudobníkov a účinkujúcich. Vždy tu pracovali vynikajúci remeselníci. Speváci Sergej Lemešev, Ivan Kozlovskij, bratia Pirogovovci, dirigent Arij Pazovskij, režiséri Vladimir Losskij a Leonid Baratov začali svoju tvorivú kariéru v Jekaterinburgu. „Škola personálu“ - táto definícia bola pridelená súboru, ktorý neunikol osudu všetkých provinčných ruských divadiel stať sa škôlkou pre mladé talenty. Počet „strat“ je nespočet: operní umelci Irina Arkhipova, Boris Shtokolov, Jurij Gulyaev, Evgenia Altukhova, baletní tanečníci Nina Mlodzinskaya, Vladimir Preobrazhensky, Alexander Tomsky, Nina Menovshchikova. Medzi následnými „stratami“ sú dirigenti Kirill Tichonov, jeden zo zakladateľov Helikon Opera, a Evgeny Kolobov, zakladateľ Novej opery; hlavný riaditeľ a umelecký riaditeľ opery Moskovského hudobného divadla pomenované po. K.S.Stanislavsky a Vl.I.Nemirovič-Danchenko Alexander Titel; svetové hviezdy Vladimir Ognovenko a Galina Gorchakova; Sólista Veľkého divadla Andrey Grigoriev; sólista Helikon Opera Andrey Vylegzhanin; speváčka Elena Voznesenskaya, sólistka ruského baletu Marina Bogdanova a mnohí, mnohí ďalší... Vrchol nadšenia jekaterinburskej verejnosti bol spojený najskôr s menom talentovaného dirigenta Jevgenija Kolobova, a potom s tvorivým tandemom dirigenta Jevgenija Bražnika. a režisér Alexander Titel. Evgeny Kolobov prežil najšťastnejšie roky svojej biografie v Jekaterinburskom divadle opery a baletu, roky plné skutočnej kreativity, na výsledky ktorej budú milovníci opery a profesionálni hudobníci, ktorí mali to šťastie byť svedkami a spoluprácou, ešte dlho spomínať. vytvoriť také hudobné podujatia, ako sú operné inscenácie Andreja Petrova „Peter I“ (dirigent E. Kolobov, režisér Y. Petrov, výtvarníčka M. Mukoseeva) a „Sila osudu“ Giuseppe Verdiho (dirigent E. Kolobov, režisér S. Stein, výtvarník I. Sevastjanov). Predstavenia „Boris Godunov“ od Modesta Musorgského (dirigent Bražnik, režisér A. Titel, výtvarník E. Heidebrecht), „Prorok“ od Vladimíra Kobekina (dirigent Bražnik, režisér A. Titel, umelci E. Heidebrecht a Yu. Ustinov), „ Hoffmannove rozprávky” Jacques Offenbach (dirigent Brazhnik, režisér A. Titel, výtvarník V. Leventhal) boli najlepšie vytvorené spojením Alexandra Titela a Jevgenija Bražnika. Na mnoho rokov zaviedli pojem „fenomén Sverdlovsk“. Divadlo opery a baletu v Jekaterinburgu v posledných rokoch dokázalo, že si dokáže stanoviť množstvo kreatívnych úloh a dosiahnuť kvalitné výsledky. Opery „Eugene Onegin“, „Mazeppa“, „Iolanta“, „Aleko“ od P. Čajkovského, „Cárova nevesta“ od N. Rimského-Korsakova, „Princ Igor“ od A. Borodina, „Čarovná flauta“ od r. W. A. ​​​​Mozart boli inscenované: „Il Trovatore“, „La Traviata“, „Rigoletto“, „Falstaff“ od G. Verdiho, „Madama Butterfly“, „La Bohème“ od G. Pucciniho, „Dcéra pluku“ od G. Donizettiho, „Holič zo Sevilly“ od G. Rossiniho, „Malá morská víla“ „A. Dvořák, balety „Labutie jazero“, „Luskáčik“ od P. Čajkovského, „Šeherezáda“ od N. Rimského-Korsakova , "Stvorenie sveta" od A. Petrova, "Tisíc a jedna noc" od F. Amirova, "Don Quijote" od L. Minkusa, "Veľký valčík" od J. Straussa. Čas v divadle neustále niečo mení. Každá divadelná sezóna prináša nové víťazstvá a úspechy, rodí nové projekty a inscenácie. Medzi najnovšie divadelné premiéry patrí „Snehulienka“ od N.A. Rimského-Korsakova (dirigent-producent Vello Pjakhn, produkčný riaditeľ Alexey Stepanyuk, výtvarník Igor Ivanov, zbormajster-producent Elvira Gaifullina), „La Traviata“ od J. Veronika , dizajnérka – producentka Elena Khailova), „Tosca“ od G. Pucciniho (dirigent-producent Michael Güttler, produkčný riaditeľ Irkin Gabitov, produkčný dizajnér Michail Kurilko-Ryumin), ľudová hudobná dráma „Khovanshchina“ od M. P. Musorgského (dirigent-producent Sergei Stadler , výrobný riaditeľ Boris Morozov, výtvarník Igor Ivanov, zbormajster Valerij Kopanev), „Madama Butterfly“ od G. Pucciniho (dirigent Michail Granovskij, výrobný riaditeľ Alexey Stepanyuk, výtvarník Dmitrij Cherbadzhi, zbormajster Valerij Kopanev), „Kamenný kvet“ od S. Prokofiev (choreograf-producent Andrej Petrov, dirigent-producent Sergej Stadler, výtvarník Stanislav Benediktov, kostýmová výtvarníčka Olga Polyanskaya), Piková kráľovná od P. Čajkovského (dirigent-producent Michail Granovskij, scénograf Alexej Stepanyuk, výtvarník Igor Ivanov, zbormajstri Elvira Gaifullina, choreografka Galina Kaloshina), A. Adan „Giselle“ (scéna a inscenácia - Ľudová umelkyňa ZSSR, laureátka Štátnej ceny ZSSR Ľudmila Semenyaka, dirigentka - režisérka - Ctihodný umelec Ruska Alexey Lyudmilin, výrobný dizajnér - ľudový umelec Rusko, laureát Štátnej ceny Ruska Stanislav Benediktov, kostýmový výtvarník - Ľudový umelec ZSSR, laureát Štátnej ceny ZSSR Ľudmila Semenyaka), W.A. Mozart "Figarova svadba" (dirigent-producent Fabio Mastrangelo, režisér - Ctihodný umelec Ruska Irkin Gabitov , produkčný dizajnér - Ctihodný umelec Ruska Vjačeslav Okunev, svetelný dizajnér - Ctihodný umelec Ruska Damir Ismagilov, zbormajster - Ctihodný umelec Ruska Valery Kopanev, choreografka Alexandra Tikhomirova), P. Bulbul ogly "Láska a smrť “ (choreografka - ctená umelkyňa Ruska Nadezhda Malygina, dirigent-producent Fabio Mastrangelo, výtvarník - ctená umelkyňa Ruska, laureát štátnej ceny ZSSR Igor Ivanov).

Burjatský štátny rád Lenina Akademické divadlo opery a baletu pomenované po N.A. ZSSR G.Ts. Tsydynzhapova - hudobné divadlo v meste Ulan-Ude. História divadla. V 20. rokoch sa v Burjatsku objavila hudobná škola a mobilné hudobné kurzy. V roku 1929 bolo v Ulan-Ude otvorené hudobné a divadelné štúdio, na základe ktorého bola v roku 1931 vytvorená vysoká škola umenia. V prvých rokoch pôsobili skladatelia v hudobnom divadle Buryatia: P.M. Berlinsky, M.P. Frolov, V.I. Moroshkin (1909-1942), choreografi: I.A. Moiseev, M.S. Arsenyev, dirigent M.A. Buchbinder, učitelia: T. Glyazer, V. Obydennaya, režiséri: I. Tumanov, A.V. Mironsky (1899-1955), herec a režisér G.Ts. Tsydynzhapov, umelci: G.L. Kigel, A. Timin a ďalší. V roku 1938 bola v Burjatskom činohernom divadle uvedená prvá národná hudobná dráma P. Berlinského „Bair“ na text G. Ts. Tsydynzhapov a A. Shadajev. V roku 1940 drámu v druhom vydaní spoločne naštudovali B.B. Yampilov. V mnohých národných divadlách ZSSR v tom čase bola hudobná dráma prechodným žánrom k opere. Prezídium Ústredného výkonného výboru Burjatsko-mongolskej autonómnej sovietskej socialistickej republiky prijalo 20. decembra 1939 uznesenie o reorganizácii národného činoherného divadla na hudobno-dramatické divadlo. Do divadelného súboru vstúpili absolventi divadelných a hudobných škôl, rozšíril sa zbor a orchester. 20. októbra 1940 sa v Moskve začalo prvé desaťročie burjatsko-mongolského umenia v Moskve. Divadlo predstavilo hudobné drámy „Bair“ od P. M. Berlinského a „Erzhen“ od V. Morosškina a prvú burjatskú operu „Enkhe-Bulat Bator“ podľa národného eposu. Dekrétom Prezídia Najvyššieho sovietu ZSSR získalo divadlo Leninov rád. Hlavnému riaditeľovi divadla G. Tsydynzhapovovi bol udelený titul Ľudový umelec ZSSR. Počas Veľkej vlasteneckej vojny divadlo vytvorilo niekoľko koncertných tímov. Brigády vystupovali vo vojenských jednotkách a nemocniciach v Ulan-Ude, Zabajkalsku a na Ďalekom východe. V zime 1943 koncertná brigáda pod vedením G. Tsydynzhapova uskutočnila viac ako 60 koncertov v častiach bieloruského frontu. V roku 1943 divadlo uviedlo prvé baletné predstavenie „Bachčisarajská fontána“ od B. Asafieva a operu „Eugene Onegin“ od P. Čajkovského. V roku 1946 boli niektorí z mladých interpretov poslaní študovať do Moskvy, na Leningradské konzervatórium a na choreografickú školu. A JA Vaganovej. G. Tsydynzhapov absolvoval režisérsku prax v Moskovskom umeleckom divadle. V roku 1948 sa hudobné divadlo oddelilo od činoherného divadla. Burjatské divadlo opery a baletu vzniklo na základe hudobného divadla. V roku 1952 bola pre divadlo postavená budova so 718 miestami na sedenie. Autorom projektu stavby je architekt A. Fedorov. Nad centrálnym portálom sa nachádza súsošie „Horsemen“ s rozvinutým transparentom, Sochár - A.I. Timin. Slávnostné otvorenie divadla sa konalo 1. mája, prvé predstavenie sa odohralo 7. novembra 1952. V roku 1959 sa v Moskve konalo druhé desaťročie burjatského umenia. Bola naštudovaná opera „Twin Cities“ od D. Ayusheeva a balet „Beauty of the Angara“ od L.K. Knipper a B.B. Yampilov, udelená v roku 1973 Štátna cena RSFSR pomenovaná po. M. Glinku a balet „V mene lásky“ od J. Batueva a V. Maisela. Po výsledkoch druhej dekády bol titul Ľudový umelec ZSSR udelený L.L. Linhovoin, titul ľudového umelca RSFSR - L.P. Sakhjanová, N. Petrová, B. Baldakov. Koncom 50. a začiatkom 60. rokov divadlo uviedlo viac ako 70 opier a baletov. V roku 1979, po turné v Moskve a Leningrade, získalo divadlo titul „akademický“. Čestný titul „akademické divadlo“, úspech v Moskve, Leningrade a na juhu krajiny v roku 1979 sa stal silným stimulom pre ďalší rast a zlepšenie divadla. V 70. - 80. rokoch 20. storočia vystupovalo na javisku divadla Buryat mnoho talentovaných umelcov. Ich najlepšie tvorivé objavy sa stali príspevkom do histórie národného hudobného a divadelného predstavenia. Ide o Ľudových umelcov ZSSR, operných sólistov L.L. Linhovoin, K.I. Bazarsadajev, D.T. Dashiev, Ľudoví umelci RSFSR S. Radnaev, V. Buruev, L. Levchenko, I. Kuzmina, sólisti baletu - vynikajúci majster baletného umenia L. Sakhyanova, N.A. RSFSR O. Korotková, A. Pavlenko, V. Ganzhenko, E. Sambueva, Y. Muruev a ďalší.Veľkú zásluhu na všetkých úspechoch divadla má šéfdirigent divadla I.Yu. Aizikovich a divadelný režisér D.Sh. Yakhunaev, ctený pracovník RSFSR, vyštudovaný hudobník, ktorý stál na čele divadla dve desaťročia (1965-1986). V 80. rokoch sa mladí operní sólisti G. Shoydagbaeva (dnes Ľudová umelkyňa ZSSR), ocenení umelci RSFSR - V. Balzhinimaev, O. Ayurova, B. Boroev, V. Tsydypova, stali laureátmi rôznych medzinárodných a ruských súťaží, v 90. rokoch E. Sharaeva (1995), T. Shoydagbaeva, B. Budaev, D. Zandanov. Inscenácie konca 90. rokov: Balet K. Chačaturjana „Cipollino“ Choreograf G. Mayorov, dirigent M. Baldajev Opera P. Čajkovského „Piková dáma“ (1999). Hudobný režisér a dirigent Moiseev, Roman Jurijevič, režisér L. Erdenebulgan (Mongolsko). Opereta J. Straussa „Netopier“. Hudobný režisér Roman Moiseev. Režisér a choreograf A. Golyshev Opera C. Gounod „Faust“. Prehliadka Burjatského akademického divadla opery a baletu v Mongolsku (1999). V posledných rokoch divadlo realizovalo medzinárodné projekty s Mongolskom, USA, Čínou, zúčastnilo sa medzinárodného baletného festivalu v Kyjeve na scéne národnej opery. Úspešné turné v Číne zahŕňalo 26 miest vrátane Pekingu, Šanghaja, Shenyangu, Haikou, Ganzhou a ďalších. Baletný súbor dôstojne reprezentoval umenie Burjatskej republiky na prestížnych miestach v Číne, vrátane účasti na medzinárodnom festivale v Daliane. Prehliadky divadla sa v posledných rokoch uskutočnili v susedných regiónoch: územie Altaj, región Irkutsk, územie Trans-Bajkal, okres Aginsky Buryat. V roku 2007 baletný súbor s veľkým úspechom precestoval Ukrajinu a mestá Dnepropetrovsk a Doneck. O vysokej profesionálna úroveň predstavenia sú označené hodnoteniami divadelných kritikov a diváckymi hodnoteniami. Turné 2008-2009: Čita, Irkutsk, Angarsk, Shelekhov, Usolye-Sibirskoye, Ulanbaatar a Erdenet (Mongolsko). Od 12. do 20. decembra 2009 cestoval baletný súbor divadla v Tomsku a predstavili sa tieto predstavenia: „Labutie jazero“, „Tisíc a jedna noc“, „Giselle“ a detská hra „Pinocchio“. Hudobní kritici nazývajú ľudovú umelkyňu ZSSR Galinu Shoydagbaeva, laureátku štátnej ceny Burjatskej republiky, laureáta troch medzinárodných súťaží, jedinečný, úžasný soprán, „kráľovnú zvukov“. Na javisku divadla spieva Valentina Tsydypova, ctená umelkyňa RSFSR, najjasnejšia predstaviteľka moderného vokálneho umenia. Sopranistky Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova, Tuyana Damdinzhapova vstúpili do svojho tvorivého vrcholu. Divadlo má silnú mezzosopránovú skupinu hlasov: T. Shoydagbaeva, O. Khingeeva, E. Bazarsadaeva, mladá O. Zhigmitova. Objavili sa sólisti so silnými mužskými hlasmi: B. Gombozhapov, M. Namkhai, B. Dambiev, D. Shagdurov. Mladý kreatívny baletný tím sa na našej scéne a na turné osvedčil ako najlepší: B. Tsybikova, V. Mironova, A. Samsonova, B. Dambaev, B. Radnaev, B. Zhambalov. Budova divadla je momentálne v rekonštrukcii, ktorej dokončenie je naplánované na rok 2011. Napriek všetkým ťažkostiam tím naďalej žije plnohodnotným tvorivým životom: vyrábajú sa premiérové ​​predstavenia, prebieha skúšobný proces a konajú sa zájazdy. Divadelný súbor Operné sólistky: Galina Shoydagbaeva, Valentina Tsydypova, Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova, Tuyana Damdinzhapova, Vera Vasilyeva, Ayuna Bazargurueva, Tatyana Shoydagbaeva, Oksana Khingeyeva, Erzhena Bazarshadarayeva, Oľga Bazarsadayova, D. ambiev, Sergej Fomenko , Bair Tsydenzhapov, Munkhzul Namkhai, Dorzho Shagdurov, Badma Gombozhapov, Eduard Zhagbaev a ďalší. Sólisti baletu: Bayarma Tsybikova, Veronika Mironova, Anastasia Samsonova, Liya Baldanova, Evgenia Mizhitova, Evgenia Balzhinimaeva, Elena Khishiktueva, Ksenia Fedorova, Bulyt Radnaev, Bair Zhambalov, Bayartov Dambaev, Victor Kozhevnikov, Binpylov Dampilov, T. Ivansovator a ďalšie. Umeleckou vedúcou baletu je Ekaterina Sambueva. Hlavným umelcom je Michail Bolonev. Celkovo sa počas viac ako 70-ročnej histórie divadla odohralo viac ako 300 predstavení ruskej a svetovej klasiky a diel burjatských skladateľov. [upraviť] Burjatské opery „Na Bajkale“ od L. K. Knipper (1948, 2. vydanie 1958) „Madegmash“ od S. N. Ryauzova (1949, 2. vydanie „Na úpätí Sajanov“ v roku 1953) „Twin Cities“ (1958), „Bratia“ (1961) D. D. Ayusheeva, „Pri prameňoch prameňa“ (1960), „Epiphany“ (1967), „Úžasný poklad“ (1970) od B. B. Yampilova. V roku 1971 bola obnovená opera M. P. Frolova „Enkhe-Bulat Bator“. Burjatské balety „Svetlo nad údolím“ od Rjauzova (1956, prvý burjatský balet) „V mene lásky“ od J. Z. Batueva a Maisela (1958) „Krása Angary“ od B. B. Yampilova a L. K. Knippera (1959, druhé vydanie v roku 1972) „Flowers of Life“ (1962), „Geser“ (1967), „Dzhangar“ (1971) od Zh. Zh. Batueva „Patetická balada“ od B. B. Yampilova (1967) Sovietske opery „Quiet Don“ (1955) , "Do búrky" (1958); „The Gadfly“ od Spadavecchia (1962), „Anna Snegina“ od Kholminova (1967), Sovietske balety „Červený mak“ (1951); „Shurale“ od Yarullina (1955), „Cesta hromu“ (1964); „Legenda o láske“ od Melikova (1966), „Spartak“ (1970) a ďalších. Budova divadla je architektonickou pamiatkou federálneho významu. Budova bola postavená v rokoch 1945 až 1952. Stalinov empírový štýl s národným dekoratívne prvky. V roku 1934 architekt architektonických dielní moskovskej mestskej rady A. N. Fedorov vypracoval projekt Paláca socialistickej kultúry pre Ulan-Ude. Plánovalo sa vybudovať „veľký vedecký a kultúrny komplex“ pozostávajúci z koncertnej sály, divadla, knižnice, múzea a výskumného ústavu. Tento projekt nebol schválený. Nový projekt Hudobného činoherného divadla vypracoval A. N. Fedorov v roku 1936. Stavba sa začala v roku 1938, no čoskoro bola zastavená. Výstavba sa mala obnoviť v roku 1940 alebo 1941, ale kvôli vojne sa tak nestalo. V roku 1950 zomrel A. N. Fedorov. Od jesene 1951 sa na výstavbe divadla podieľal architekt V. A. Kalinin. Maľby stropu auly realizovali umelci G. I. Rublev a B. V. Iordansky. Od roku 2006 prechádza budova rekonštrukciou. Ukončenie rekonštrukcie bolo niekoľkokrát odložené a predpokladá sa v máji 2011. Súťaže V divadle sa koná Medzinárodný festival baletného umenia pomenovaný po N.A. ZSSR Larisa Sakhyanova a N.A. Rusko od Petra Abasheeva.

Teatro dell'Opera di Roma (Teatro dell'Opera di Roma) je operné a baletné divadlo v Ríme, Taliansko. Niekedy nazývané aj Teatro Costanzi, na počesť tvorcu Domenica Costanziho (1810-1898). Rímska opera bola postavil súkromný dodávateľ a finančník Domenico Costanzi (1810-1898), architektom projektu bol Milánčan Achille Sfondrini (1836-1900). Divadlo bolo postavené za osemnásť mesiacov a bolo otvorené 27. novembra 1880 inscenáciou opera "Semiramide" od Gioachina Rossiniho Jednou z čŕt divadla bola jeho tesná blízkosť k hotelu, ktorý tiež vlastnil Costanzi, medzi hotelom a divadlom bola podzemná chodba a hostia, vrátane hercov, ak nechceli byť videný na ulici, mohol vstúpiť do divadla inkognito touto pasážou. Pôvodne malo divadlo Costanzi s kapacitou viac ako 2200 divákov amfiteáter, tri poschodia lóží, dve samostatné galérie. Kupolu zdobili fresky od Anibale Brugnoli. Rodina Costanziovcov nezávisle spravovala divadlo, najprv sám Domenico, potom jeho syn Enrico, a napriek tomu, že sa vyskytli mnohé finančné ťažkosti, divadlo patrilo k popredným v Taliansku a malo množstvo svetových premiér, vrátane "Honor Rusticana" od Pietra Mascagniho a "Tosca" od Giacoma Pucciniho. V roku 1907 divadlo získala Medzinárodná a národná divadelná spoločnosť, Emma Carell bola vymenovaná za manažérku divadla a počas štrnástich rokov jej vedenia zostalo divadlo aj jedným z popredných v Taliansku. Hostilo mnoho svetových, európskych či talianskych premiér opier a baletov, vrátane Musorgského Borisa Godunova a Stravinského baletu Vták Ohnivák v naštudovaní Diaghilevovho ruského baletu. V novembri 1926 mestská rada v Ríme kúpila Teatro Costanzi. Divadlo prešlo výraznou reštrukturalizáciou podľa plánu architekta Marcella Piacentiniho: bola prestavaná fasáda, centrálny vchod bol presunutý na opačnú stranu, amfiteáter bol odstránený vo vnútri divadla a pribudlo ďalšie poschodie, interiér bol vyzdobený novými štukové lišty a ozdobné prvky, vymenil sa nábytok a zavesil sa nový veľkolepý 6-metrový luster v priemere s 27 000 kusmi krištáľu. Divadlo dostalo názov „Royal Opera House“ a svoje brány znovu otvorilo 27. februára 1928 operou „Nero“ od Arriga Boita. Od roku 1946 až po súčasnosť sa divadlo nazýva Rímska opera. V roku 1958 bola budova opäť zrekonštruovaná a zmodernizovaná a získala súčasnú podobu. Ten istý architekt Marcello Piacentini vypracoval projekt zahŕňajúci zmeny fasády, centrálneho vstupu a foyer, sála bola vybavená klimatizáciou a bola vykonaná rozsiahla rekonštrukcia. V súčasnosti je kapacita sály cca 1600 miest. Rímska opera má tiež svoje vlastné operné a baletné súbory a školu klasického tanca; balet v Ríme nie je o nič menej populárny ako opera. Od roku 1937 v lete operuje divadlo vonku v kúpeľoch Caracalla, na pozadí architektonickej pamiatky staroveku.

Permské akademické divadlo opery a baletu pomenované po P.I. Čajkovskij je jedným z najstarších divadiel v Rusku. Počas svojej viac ako storočnej histórie zostalo Permské divadlo opery a baletu vždy najväčším hudobným centrom v krajine, kde sa konajú významné tvorivé podujatia. Divadlo, ktoré sa často nazýva Čajkovského dom, hostí všetky javiskové diela veľkého skladateľa. „Zlatý fond“ repertoáru starostlivo uchováva klasické diela Borodina, Musorgského a Rimského-Korsakova. Divadlo vracia divákom aj nezaslúžene zabudnuté hudobné diela. Po prvýkrát v Rusku divadlo uviedlo tieto opery: „Pena dní“ od E. Denisova, „Kleopatra“ od J. Masseneta, „Lolita“ od R. Ščedrina podľa románu V. Nabokova, „ Alcina“ od G.F. Händel, „Orfeus“ od C. Monteverdiho, „Kristus“ od A. Rubinsteina. Perm sa po Moskve a Petrohrade nazýva treťou baletnou Mekkou, kde vedľa akademického baletného súboru pôsobí slávna choreografická škola. Od 70. rokov bol Perm Ballet v obežnej dráhe neutíchajúcej pozornosti veľkého publika. Charakteristickým znakom skupiny je jednota hereckého štýlu sólistov a baletného zboru. Permský balet je možno jediným súborom v Ruská federácia, ktorú tvoria výlučne absolventi jednej školy. Uralská scéna bola desaťročia akýmsi „odkladacím mostíkom“ pre mnohých umelcov známych ďaleko za hranicami Ruska. V divadle Perm sa začalo tvorivý životopis mnoho „hviezd prvej veľkosti“ v hlavnom meste a ďalších veľkých divadlách v krajine a vo svete. Mená svetoznámych tanečníkov - Galina Ragozina-Panova, Lyubov Kunakova, Nadezhda Pavlova, Olga Chenchikova, Marat Daukaev, Jurij Petukhov, Galina Shlyapina, Svetlana Smirnova - oslavovali región Perm. Permské divadlo sa preslávilo účasťou svojich operných spevákov a baletných tanečníkov na medzinárodných festivaloch. Divadlo opery a baletu v Perme je iniciátorom a organizátorom otvorenej súťaže ruských baletných umelcov „Arabesque“ a Medzinárodného festivalu umenia „Diaghilev Seasons: Perm-Petersburg-Paris“. Operné a baletné predstavenia divadla Perm sa viac ako raz stali nominovanými a víťazmi celoruského národného festivalu „Zlatá maska“. Poprední sólisti divadla Perm navštívili rôzne kontinenty sveta s predstaveniami a koncertnými programami. Od roku 1973 absolvovala skupina Perm celé turné po Rakúsku, Taliansku, Juhoslávii, Bulharsku, Československu, Nemecku, Poľsku, Belgicku, Holandsku, Austrálii a Nový Zéland, Japonsko a Južná Kórea, Anglicko, Írsko, Holandsko, Španielsko, Čína, USA. Vo Francúzsku a na Kube, v Kambodži a Kanade, Thajsku a Egypte, Nikarague, Indii a USA – kdekoľvek umelci vystupovali, získali uznanie od náročných kritikov a našli si verných priateľov a fanúšikov. Permské akademické divadlo opery a baletu vzniklo v 19. storočí z iniciatívy verejnosti regiónu Kama za účasti mestského amatérskeho hudobného krúžku, v ktorom bola aj slávna rodina Diaghilevovcov. Oficiálny dátum založenia divadla je 24. november 1870. Prvým predstavením je opera „Život pre cára“ od M. Glinku. „Divadlo ako inštitúcia existuje v Perme už dlho. Najprv bola na Obvinskej ulici drevená divadelná budova, ktorá však v roku 1863 vyhorela. Potom sa postavilo drevené divadlo, ktoré bolo neskôr rozobraté... Po prvý raz videli obyvatelia mesta Perm dobrý súbor, a ešte k tomu operný, v zime 1879/80 v ešte nedokončenej budove. kamenné divadlo. Skupinu udržiaval neskorší slávny podnikateľ P.P. Medvedev... Začína v roku 1896 celú jednu éru v histórii permského divadla. Je v priamej starostlivosti poslancov mestského zastupiteľstva, ktorí rozhodujú o prevádzke divadla na náklady mesta; Za priame riadenie divadla je zvolené mestské riaditeľstvo, ktoré má na starosti pozývanie umelcov. Bolo rozhodnuté podporiť operný súbor na náklady mesta.“ V. S. Verkholantsev Stručná historická a štatistická esej „Mesto Perm, jeho minulosť a súčasnosť“ 1913 Prvá „komunálna“ sezóna sa otvorila... inscenáciou „Aida“. Celkovo dirigovalo riaditeľstvo šesť sezón, z toho jednu činohernú, jednu operno-dramatickú, ostatné operné. Začali sa v septembri a skončili sa pred pôstom. Za sezónu sa odohralo až sto a viac predstavení a ročný repertoár obsahoval vyše tridsať diel. Inscenované boli prevažne ruské klasiky – „Eugene Onegin“, „Piková dáma“, „Mazeppa“ od P. Čajkovského, „Princ Igor“ od A. Borodina, „Boris Godunov“ od M. Musorgského, „Démon“ od A. Rubinstein. Okrem nich sú na modernej opernej scéne takí vzácni hostia ako „Sila nepriateľa“ od A. Serova, „Májová noc“ od N. Rimského-Korsakova, „Kamenný hosť“ od A. Dargomyžského a i. Od polovice 90. rokov 19. storočia sa Perm zoznámil s choreografickým umením. 5. novembra 1896 sa uskutočnilo predstavenie Zannenfeldovho krátkeho baletu „Tábor maďarských Cigánov“. V januári 1897 uzrela permská scéna svetlo „Čarovná flauta“ od R. Driga, potom „Bábková víla“ od I. Bayera... Existencia divadla v prvých dvoch desaťročiach 20. storočia bola nerovnomerná. , ale opera žila ďalej. Podnikatelia podporili divácky záujem o operu a úroveň inscenácií spoliehaním sa na premiérov. V rôznych sezónach vystupovali v Perme A. Nezhdanova, P. Petrova-Zvantseva, N. Figner, M. Maksakov, L. Sobinov a ďalší vynikajúci speváci. 20. augusta 1921 bola otvorená prvá divadelná sezóna po občianskej vojne. Plagáty zahŕňajú „Démon“, „Faust“, „Aida“, „Eugene Onegin“, „Boris Godunov“, „Rigoletto“, „Holič zo Sevilly“. Koncom 20. rokov sa Perm stal jedným z tých centier operného umenia, kam ochotne prichádzali vynikajúci vokalisti a talentovaní dirigenti. Takže v sezóne 1925/26 obyvatelia Permu obdivovali nenapodobiteľnú Carmen F. Mukhtarovú av ďalšej sezóne Lenského I. Kozlovského. Počas celej jari 1929 bol S. Lemeshev v štábe divadla. V roku 1925 bolo v Perme založené prvé divadelné štúdio, ktoré začalo s prípravou baletných tanečníkov, ale aj činohry, zboru a orchestra. 2. februára 1926 bol v štúdiu naštudovaný balet A. Adama „Giselle“. 20. októbra 1931 sa konala premiéra „Labutieho jazera“ (choreograf O. Chaplygina). V predvojnových rokoch stáli na čele baletného súboru choreografi z rôznych smerov a škôl. Baletománi z Permu si dlho spomínali na N. Gončarovú, R. Minajevu, B. Koršunovú, A. Bronského, A. Jezerského a ďalších tanečníkov na predstaveniach tých rokov. Počas vojnových rokov vystupovalo na divadelnej scéne Leningradské divadlo opery a baletu, evakuované do Permu. Kirov. Permská družina neprestala pôsobiť v mestách regiónu... Prečo bývalé Mariinské divadlo skončilo v Perme, vtedajšom Molotove? ... Nápad patril šéfdirigentovi A. Pazovskému, ktorý tu urobil prvé kroky k veľkému umeniu... Miestne úrady tento návrh privítali s pochopením. Leningradčania tu pôsobili tri zimy a dve letá - významné obdobie pre dejiny hudobnej kultúry mesta... Škola svetoznámeho Mariinský balet, ktorá následne prispela k vytvoreniu Permskej choreografickej školy... na základe materiálov z knihy M. Stepanova, Y. Silin „125 rokov. Permské akademické divadlo opery a baletu pomenované po. P.I. Čajkovského“ 1995. V roku 1931 dostalo divadlo Perm názov „2. štátna opera Ural“. IN povojnové roky Začínajú sa určovať hlavné tvorivé princípy permského divadla, stanovené celou jeho prehistóriou. Jedným zo základných princípov je aktualizácia repertoáru dielami, ktoré sa na javisku uvádzajú len zriedka. Oživenie neznámeho, zabudnutého a z rôznych dôvodov neakceptovaného ruskou scénou je typické pre všetky obdobia života divadla. Divadlo Perm otvorilo pre verejnosť veľké diela S. Prokofieva: v sezóne 1981-82. uskutočnil autorskú dvojnočnú verziu opery S. Prokofieva „Vojna a mier“ a po prvý raz v ZSSR dal opere javiskový život „ Ohnivý anjel“ (1984). Objavenie mnohých strihov opery Vojna a mier rozšírilo a zväčšilo ľudovo-vlasteneckú líniu opery, dramaturgia celku sa stala harmonickejšou a logickejšou, charaktery niektorých hlavných postáv sa stali mnohostrannejšími. Táto inscenácia sa zapísala do histórie a bola ocenená Štátnou cenou Ruskej federácie. M.I.Glinka. Ďalší princíp tvorivý život divadlo - práca na dielach súčasných skladateľov. V Perme opery „Maškaráda“ od D. Tolstého a „Sestry“ od D. Kabalevského, balety „Kamenný kvet“ od A. Friedlindera, „Bela“ a „Grušenka“ od B. Maškova a „Pobrežie Šťastie“ od A. Spadavecchia dostal štart do života. Medzi najzaujímavejšie tvorivé princípy divadla patrí pokus o zvládnutie celého operného a baletného dedičstva P.I. Čajkovskij, rodák z regiónu Kama. V roku 1974 bolo permské akademické divadlo pomenované po P.I. Čajkovskij pozval na Prvý festival opery a baletu Čajkovského najlepších sólistov z mnohých divadiel v krajine a všetkých svojich divákov. Tento sviatok sa úspešne zopakoval v rokoch 1983 a 1988. Permské divadlo sa stalo skutočným Čajkovského domom. "Zlatý vek" Permský balet, ktorý v 70. rokoch štedro daroval N. Bojarchikov (hlavný choreograf divadla, žiak slávnych ruských choreografov F. Lopukhova a B. Fenstera) divadelníkom, sa stal vzrušujúcou legendou pre ďalšie generácie. Medzi jeho inscenácie sú vo svojom vizuálnom jazyku také pestré ako „Podivuhodný mandarín“ od B. Bartoka, „Tri karty“, „Rómeo a Júlia“, „Cár Boris“ od S. Prokofieva, „Orfeus a Eurydika“ od A. Zhurbina . V týchto predstaveniach účinkovali N. Pavlova, O. Chenchikova, G. Shlyapina, M. Daukaev, L. Fominykh, R. Kuzmicheva, Yu. Petukhov, G. Sudakov, L. Shipulina, K. Shmorgoner, O. Levenkov, V. Dubrovin. V roku 1965 bolo Permské divadlo opery a baletu pomenované po P.I. Čajkovského av roku 1969 - štatút „akademického“ divadla. Tvorivé princípy formované v povojnových rokoch určovali umeleckú stratégiu divadla v ťažkých 90. rokoch. V Permskom divadle opery a baletu zazneli opery vzácne pre ruskú scénu: „Lucia di Lammermoor“ od G. Donizettiho, ktorá sa dlhé desaťročia neinscenovala, „Don Giovanni“ od V.-A. Mozart," Lietajúci Holanďan"R. Wagner, opera N. Rimského-Korsakova "Kashchei the Immortal", ktorá sa v krajine prakticky nehrá. V roku 1996 G. Isahakyan ako hlavný režisér divadla naštudoval pôvodnú hru „Tri tváre lásky“, ktorá obsahovala jednoaktové opery „Raj majstra Pedra“ od M. de Fallu „Prsia Tiresias“ od F. Poulenca a „Maddalena“, prvá opera dvadsaťročného S. Prokofieva, ktorej javiskový jazyk do značnej miery predurčil moderný „operný“ vzhľad Permu. V Perme po prvý raz uzrela svetlo javiska opera Alexandra Čajkovského „Tri sestry Prozorovské“ podľa A. P. Čechova a jeho jednoaktový balet „Piková dáma“ – parafráza na hudbu P. Čajkovského. Spoločné produkcie s americkými choreografmi, režisérmi a umelcami z Nemecka, Španielska, Švajčiarska a ďalších krajín a kontinentov sa stali dobrou tradíciou. „Peer Gynt“ od E. Griega naštudoval americký choreograf Ben Stevenson, „Concerto Baroque“ od I.S. Bacha - dar Nadácie J. Balanchina. Rusko-španielska inscenácia opery „Salome“ R. Straussa sa stala významnou udalosťou Medzinárodného festivalu v Madride na jeseň 1995. Ruskú operu „Zlatý kohút“ N. Rimského-Korsakova naštudovali švajčiarsky režisér D. Kägi a nemecký umelec S. Pasterkamp. K 200. výročiu A.S. Pushkin, bol pripravený jedinečný program „Opera Pushkiniana“. Skupina režisérov, ktorí pracovali na opere Pushkiniana, získala za rok 1999 Ruskú štátnu cenu v oblasti literatúry a umenia. V rámci Diaghilev Seasons 2005 bola predstavená opera založená na zápletkách „Malé tragédie“ od A.S. Puškin („ Lakomý rytier ", "Kamenný hosť", "Mozart a Salieri", "Pri počas moru") a "Boris Godunov", ktoré tvorili tento cyklus, bežali celý deň bez prerušenia. V roku 1990 sa konala prvá otvorená súťaž baletných tanečníkov „Arabesque“, ktorej umeleckými riaditeľmi boli Vladimír Vasiliev a Ekaterina Maksimova. Už 20 rokov sa každé dva roky stretávajú tanečníci z celého sveta v Perme, aby sa zúčastnili baletnej súťaže. Mladí speváci z celého sveta sa zúčastnili Prvej medzinárodnej súťaže mladých operných spevákov, ktorá sa konala v Perme v roku 1993. Členmi súťažnej poroty boli O. Borodina a D. Hvorostovskij, laureáti Prvej celoruskej súťaže mladých Opera Singers, ktorý sa konal v Perme v roku 1987. Cenu Národného divadla „Zlatá maska“ za najlepšiu ženskú a mužskú rolu v roku 1996 získali Tatyana Kuindzhi a Anzor Shomakhiya – interpreti hlavných úloh v permskej inscenácii opery G. Donizettiho „Don Pasquale“. V roku 1998 získala toto prestížne ocenenie za scénografiu hry Piková dáma. Na čele divadla dnes stojí: umelecký šéf - držiteľ Rádu priateľstva, nositeľ ceny Národného divadla "Zlatá maska" Teodor Currentzis, šéfdirigent - Ctihodný umelec Ruska, Ľudový umelec Republiky Bashkortostan Valerij Platonov, hlavný hosť dirigent - Ctihodný umelec Ruska, laureát Štátnej ceny Bieloruskej republiky, laureát Národnej divadelnej ceny "Zlatá maska" Alexander Anisimov, hlavný choreograf - Alexey Miroshnichenko, hlavný zbormajster - Dmitrij Batin, hlavná dizajnérka - Elena Solovyova. S divadlom spolupracujú známi scénografi z Ruska i sveta - Y. Ustinov, I. Akimova, V. Okunev, Y. Kharikov, A. Koženková, E. Heydebrecht, Y. Cooper a mnohí ďalší. „Zlatý fond“ repertoáru divadla stále pozostáva z klasiky, inscenácie sa neustále aktualizujú a zachovávajú nie múzeum, ale modernú umeleckú formu. Ruskú klasiku reprezentujú opery „Princ Igor“ od A. Borodina, „Cárova nevesta“ a „Snehulienka“ od N. Rimského-Korsakova. Populárne opery G. Verdiho, V.A. Mozart, R. Leoncavallo. V spolupráci s Nadáciou J. Balanchina pokračuje dlhodobý rusko-americký projekt „Choreografia J. Balanchina na Perm Stage“. Permská verejnosť sa zoznámila aj s choreografiou jeho mladšieho súčasníka, vynikajúceho amerického choreografa Jeroma Robbinsa. V rámci rusko-amerického kultúrneho projektu „Choreografia Georga Balanchina na permskej scéne“ bol predstavený jednoaktový balet „Somnambulist“ od V. Rieti, „Donizetti Variations“ (2001), „Ballet Imperial“ na hudbu Druhého klavírneho koncertu P. Čajkovského (2002), „Concerto Baroque“ na hudbu koncertu pre dvoje huslí a sláčikového orchestra J.S. Bach a „Serenáda“ na hudbu „Serenáda pre sláčikový orchester“ P. Čajkovského „Ballet Imperial“ v roku 2004 sa stali laureátmi festivalu Zlatá maska ​​ako najlepší baletný výkon. V roku 2005 bola realizovaná unikátny projekt“Najgrandióznejšie Labutie jazero na svete” v spolupráci s holandskou spoločnosťou Stardust. Na prelome tisícročí divadlo stále viac potvrdzuje svoju priekopnícku autoritu, pokračuje a obohacuje tradície „laboratória modernej opery“. V roku 2001 sa uskutočnila premiéra opery J. Masseneta „Kleopatra“, ktorá sa v Rusku nikdy nehrala a vo svete je takmer neznáma. V roku 2004 bola prvýkrát v Rusku uvedená čarovná opera G. F. Handela „Alcina“, prvá skúsenosť s uvedením starodávnej opery v divadle Perm, ktorá otvorila nové podoby úžasných sólistov opery. V roku 2007, v roku 400. výročia opery C. Monteverdiho „Orfeus“, bola táto opera uvedená na permskej scéne. Podľa moskovského kritika Dmitrija Morozova „Georgy Isaakyan predviedol možno svoj najlepší výkon a urobil skutočný umelecký prielom. „Orpheus“ nie je len prvou inscenáciou Monteverdiho majstrovského diela v Rusku, ale aj prvým úspechom nášho divadla na poli antickej opery. … „Orpheus“ sa ukázal byť najlepším a určite najharmonickejším hudobným predstavením roka.“ V rámci festivalu Diaghilev Seasons 2007 bola po prvý raz vo svete uvedená opera N. Sidelnikova „Chertogon“, ktorá vzbudila veľký záujem hostí festivalu, profesionálnych hudobníkov a kritikov. Významnými udalosťami posledných rokov sú predstavenia v Moskve na pozvanie Divadla národov hier „Lolita“ a „Kleopatra“, predstavenie na slávnej scéne Mariinské divadlo s programom baletov J. Balanchina. V roku 2004 operný súbor vystúpil v rámci festivalu súčasného umenia „SAKRO ART“ v Lokkume so svetovou premiérou opery A. Ščetinského „Bestiárium“. Predstavenie bolo uvedené aj v Divadle národov v Moskve a o hod divadelný festival v Jaroslavli. Na jar 2006 a 2007 sa odohrali predstavenia Permského divadla – „Carmen“ od J. Bizeta, „Slávik“ od I. Stravinského, „Popoluška, alebo rozprávka o Popoluške“ od J. Masseneta a „... s názvom Malá morská víla“ od A. Dvořáka - opäť sa stali nominovanými na Zlatú masku. Zájazdové vystúpenia súboru v Moskve a Petrohrade majú veľký ohlas. Účasť permských umelcov na festivale „Hviezdy bielych nocí“ na javisku Mariinského divadla, na hudobných festivaloch „Baltic Seasons“ v Kaliningrade, „Panorama of Russian Opera Houses“ v Omsku, „Crescendo“ v hlavnom meste , na javisku Veľkého divadla Ruska, zvýšil slávu divadla Perm. V januári 2008 malo obrovský úspech turné Permskej opery do Ameriky na javisku slávnej Carnegie Hall, ktorá sa kedysi otvárala za zvukov orchestra pod vedením P. I. Čajkovského. Teraz divadlo Perm, pomenované po P. I. Čajkovskom, predstavilo koncert „Čajkovskij slávny a neznámy“ s áriami a scénami z takých opier veľkého skladateľa ako „Piková dáma“, „Čerevički“, „ Maid of Orleans", "Eugene Onegin", "Iolanta", "The Oprichnik", "Ondine", "The Čarodejnica", "Mazeppa". Vystúpenia skupiny Perm sa stretli s veľmi vrelým prijatím u náročnej newyorskej verejnosti a získali široký ohlas v americkej tlači. V Perme sa tradične koná Otvorená súťaž ruských baletných tanečníkov „Arabesque“, ktorú vedú Vladimir Vasiliev a Ekaterina Maksimova. V roku 2003 sa pod záštitou UNESCO konal prvý medzinárodný festival „Diaghilev Seasons: Perm – Petrohrad – Paríž“. Jeden z prvých festivalov v Rusku, ktorý sa spája odlišné typy umenie v znamení kreativity a inšpirácie. Prvou premiérou 137. sezóny bola duchovná opera A. Rubinsteina „Kristus“ (r. Georgy Isaakyan), uvedená po prvý raz na ruskej scéne. Vo februári 2009 sa uskutočnila premiéra opery „Othello“ v réžii V. Petrova, ktorý debutoval ako režisér hudobného divadla. Ruská a svetová premiéra opery „Jeden deň v živote Ivana Denisoviča“, ktorá sa objavila vďaka tvorivej spolupráci G. Isaakjana a skladateľa A. Čajkovského a priazne A. I. Solženicyna, sa uskutočnila v rámci IV. festival „Diaghilev Seasons“. Táto inscenácia otvorila opernému umeniu dovtedy prakticky nedotknutú „táborovú“ tému. Koncom marca sa uskutočnili premiéry dvoch moderných jednoaktových baletov: „Medea“ (choreograf-producent Ju. Posokhov) a „Ring“ (choreograf-producent A. Mirošničenko). Najmä pre Diaghilevove sezóny boli balety oživené v klasickej choreografii M. Fokina, jedného z legendárnych choreografov Ďagilevových ruských sezón: „ Polovské tance"a miniatúrny balet "Vízia ruže". Práve tieto inscenácie predstavili permskí umelci vo Veľkom divadle na oslave stého výročia Diaghilevových ruských sezón, ktorá sa konala 30. Permské divadlo opery a baletu sa zúčastnilo na festivale Národného divadla „Zlatá maska-2009“ s baletným predstavením „Corsair“ (choreografia Marius Petipa, aktualizovaná režisérom z Petrohradu V. Medvedevom) a operou „Orfeus“ ( réžia G. Isaakyan), ktorý mal premiéru v novembri 2007. „Orfeus“ získal dve Zlaté masky: za najlepšiu réžiu (produkčný režisér G. Isahakyan) a za najlepšiu scénografiu (výrobca Ernst Heydebrecht). O rok neskôr sa divadlo zúčastnilo festivalu s baletným predstavením „Medea“ (choreograf Jurij Possokhov) a operou „Jeden deň v živote Ivana Denisoviča“ (režisér Georgy Isaakyan). Tá bola ocenená „Zlatou maskou“ v kategórii „ Najlepšia práca dirigent“, cenu odovzdal šéfdirigent divadla Valerij Platonov.

Bez preháňania možno budovu opery v Sydney nazvať jednou z najznámejších budov na svete – kto z nás nevidel tieto plachty alebo plátky pomaranča stúpať do neba, vyrastajúce priamo z vôd prístavu Sydney? Toto hudobné divadlo, ktoré otvorila v roku 1973 kráľovná Veľkej Británie Alžbeta II., je dnes skutočným symbolom Austrálie. Zaujímavé je, že toto miesto na Bennelong Point bolo kedysi domovom najprv pevnosti a potom električkového depa, kým sa v roku 1958 nerozhodlo postaviť divadlo.

História stavebníctva

Tvorcom tejto výnimočnej stavby modernej architektúry bol Dán Jorn Utzon, ktorý získal a najvyššie ocenenie vo svete architektúry - Pritzkerovu cenu. Výstavba divadla mala pôvodne trvať asi 4 roky a austrálsku vládu mala stáť 7 miliónov AUD. Kvôli vnútornej výzdobe priestorov sa to však vlieklo 14 rokov! V súlade s tým sa odhad výstavby zvýšil na 102 miliónov austrálskych dolárov.

Všeobecné informácie o Opera v Sydney

Budova opery v Sydney má rozlohu 2,2 hektára. Jeho maximálna výška je 185 metrov, šírka je 120 metrov. Slávna strecha divadla pozostáva z 2194 sekcií a váži viac ako 27 ton! Celú túto zdanlivo vzdušnú konštrukciu držia oceľové laná v celkovej dĺžke 350 km. Vrchné „škrupiny“ strechy sú pokryté miliónom škridiel bielej a matnej krémovej farby, ktoré vytvárajú rôzne farebné schémy v rôznych svetelných podmienkach.

Vnútri budovy sú 4 scény. Hlavná koncertná sála má kapacitu 2 500 ľudí naraz a sála opery 1 500 ľudí. Ďalšie dve sály sa využívajú na divadelné činoherné inscenácie. Okrem toho sa v budove nachádza kinosála a dve reštaurácie.

Operu v Sydney za takmer 40 rokov fungovania navštívilo viac ako 40 miliónov ľudí, čo je niekoľkonásobok populácie celej Austrálie. V roku 2007 bol zaradený do zoznamu svetového dedičstva UNESCO.

Na poznámku

• Miesto: Bennelong Point, Sydney
• Oficiálna webová stránka: http://www.sydneyoperahouse.com
• Otváracie hodiny: pondelok-sobota od 9:00-19:30, nedeľa od 10:00-18:00.
• Vstupenky: Vstup do divadla je počas otváracích hodín voľný.

Sydney je najstaršie a najkrajšie mesto v Austrálii. Dnes si to bez opery v Sydney nemožno predstaviť. Od otvorenia tejto majestátnej opery je táto budova uznávaná ako symbol tohto výnimočného mesta.

Dom opery v Sydney

Opera v Sydney sa nachádza na krásnom mieste, na myse Bennelong, neďaleko od Harbour Bridge. Pred výstavbou opery sa v tomto priestore nachádzala pevnosť a po nej dopravný depo.

Stavba opery sa začala v roku 1959 a trvala 4 roky. Divadlo v Sydney prvýkrát predstavila anglická kráľovná Alžbeta II. 20. októbra 1973.

Operu navrhol slávny architekt Jorn Utzon. Budova opery sa nachádza na ploche 2,2 hektára, jej dĺžka je 185 m a šírka 120 m.

Stavba opery zahŕňa asi tucet sál rôznych veľkostí pre všetky druhy stretnutí. Koncertná sála má 2,5 tisíc miest, operná sála má 1,5 tisíc miest a činoherné divadlo má viac ako 500 miest a je tu aj niekoľko sál. malá veľkosť, jedna z hál sa nachádza na otvorenom dvore.

Okrem týchto sál sa v Sydney Opera House nachádzajú 2 scény a mnoho zábavných podnikov. Pred divadlom na námestí sa nepretržite konajú bezplatné predstavenia a koncerty. Tu si môžete vypočuť národnú hudbu.

Zároveň divadlo môže hostiť až 4 rôzne predstavenia na rôznych scénach.

Poznámka pre čitateľa: Ak vás zaujíma imigrácia a život v Taliansku, potom všetky potrebné informácie v plnom znení získate na adrese - http://linkniko.livejournal.com.

Na území opery sa nachádza 6 barov a 4 reštaurácie, kde sa návštevníci po skončení predstavenia a cez prestávku môžu občerstviť a popíjať osviežujúce koktaily. Pre turistov je tu tiež množstvo obchodov so suvenírmi.

Opera v Sydney je jednou z mimoriadnych stavieb modernej architektúry. Majetkom opery v Sydney je opona, zapísaná v Guinessovej knihe rekordov ako najväčšia na planéte. A ďalšou prednosťou operného domu je najväčší organ na planéte s 10 500 píšťalami, ktorý je zapísaný aj v Guinessovej knihe rekordov.

Odborníci vypočítali, že od otvorenia opery ju navštívilo takmer 40 miliónov ľudí. turistov z rôznych krajín, čo prevyšuje počet obyvateľov celej Austrálie.

Vstup do budovy je bezplatný, no samotná návšteva opery je veľmi náročná. Lístok do opery si musíte kúpiť pár mesiacov vopred, cenová politika je dosť vysoká.

Pre návštevníkov sa tu konajú exkurzie - každý deň od 9 do 17 hodín. Okrem toho sa každé ráno o 7:00 koná predstavenie s raňajkami.

V roku 2007 UNESCO zaradilo divadlo v Sydney do svojho slávneho registra.

– Dom opery v Sydney, a aj keď ste o tom ešte nepočuli, fotografiu tejto nezvyčajnej konštrukcie v tvare plachty určite ľahko spoznáte.

Náš príbeh vám túto unikátnu stavbu priblíži, zistíte, prečo si získala takú obľubu medzi turistami a budete sa môcť rozhodnúť, či si zaslúži vašu pozornosť alebo nie.

História opery v Sydney

História výstavby svetoznámej pamiatky sa začala v dávnej minulosti. 1954 roku, keď britský dirigent Sir J. Goossens Po príchode do práce som zistil, že tu nie je len opera, ale aj akákoľvek iná dostatočne priestranná miestnosť, kde ľudia môžu počúvať hudbu.
Myšlienka výstavby ho nadchla a čoskoro našiel vhodné miesto – Bennelong Point, kde v tom čase bola električková vozovňa.
J. Goossens odviedol kus práce, a tak 17. mája 1955 austrálska vláda vyhlásila súťaž na vypracovanie projektu nového operného domu. Svoje projekty posielali architekti z celého sveta, no nakoniec vyhral Dán J. Watson.
Začala sa rozsiahla výstavba, ktorá sa vliekla 14 rokov a namiesto pôvodne vypočítaných 7 miliónov austrálskych dolárov si vyžiadala 102 miliónov.
V roku 1973 sa uskutočnilo oficiálne otvorenie opery v Sydney a onedlho sa budova stala hlavným architektonickým symbolom nielen Austrálie, ale aj Austrálie ako celku.

Hlavné atrakcie – čo vidieť v Sydney Opera House?

Opera v Sydney nepochybne priťahuje najväčšiu pozornosť ľudí z celého sveta. upúta ho ľahko rozpoznateľná strecha, ktorý pre niekoho pripomína plachty, pre iného mušle a ďalší hovoria, že je symbolom zamrznutej hudby.

Vedel si? Mnoho ľudí si myslí, že strecha má biely povrch, no v skutočnosti sú niektoré jej škridly biele, iné krémové, vďaka čomu môže v závislosti od slnečného žiarenia „meniť“ farbu.

Ale okrem strechy existuje mnoho ďalších aspektov, vďaka ktorým je budova skutočne výnimočná. Z troch strán ho obklopuje voda a stojí na obrovských betónových stĺpoch. Rozloha divadla dosahuje neuveriteľných čísel - 22 tisíc metrov štvorcových. m.!

V divadle sa nachádzajú 4 veľké sály:

• Koncertná sála, ktorá pojme súčasne 2679 návštevníkov;
• Operné divadlo, určený pre 1507 divákov, hrajú nielen operu, ale aj balet;
• Činoherné divadlo, schopný pojať 544 osôb;
• Činoherné divadlo Malý– najkomfortnejšia hala pre 398 divákov.

Okrem hlavných sál má divadlo mnoho ďalších miestností – skúšobne, kostymérne, chodby, bary a reštaurácie.

Zábava

Hlavnou atrakciou opery v Sydney je bezpochyby sledovanie jeho vynikajúcich hier, predstavení, opier a baletov. So svojimi predstaveniami sem prichádzajú svetoznáme divadlá a divadelné spoločnosti. baletné spoločnosti, ako aj orchestre, speváci a iní umelci.

Vedel si? V divadle sa môžu konať 4 rôzne predstavenia súčasne!

Plagát pripravovaných podujatí nájdete na Oficiálna stránka opery v Sydney.
Ak nie ste zanieteným milovníkom umenia alebo máte málo času, no chcete sa zoznámiť so svetoznámou stavbou, je to ľahko možné.

Návštevou jedného z nich sa môžete nielen dozvedieť viac zaujímavostí o slávnej budove, ale aj navštíviť „zákulisie“ divadelného života, stretnúť sa s hercami súboru a dokonca ochutnať divadelné jedlo. Mimochodom, o jedle.
V areáli opery v Sydney je niekoľko dobrých barov a reštaurácií. Najpopulárnejšie z nich:

• Opera Bar– bar a reštaurácia, ktorá je tiež jednou z „obľúbených“ obyvateľov Sydney;
• Bennelong– jedna z najlepších reštaurácií v Austrálii, ktorej šéfkuchárom je P. Gilmore, ktorý pripravuje originálne jedlá z austrálskych surovín;
• Prístavné Sydney– najvhodnejšia priateľská rodinná reštaurácia na ľahké občerstvenie, šálku kávy alebo dezert.

Aj v budove divadla nájdete veľa obchodov so suvenírmi, ktorá turistom ponúka veľmi široký výber príjemných a nezabudnuteľných vecí.

Kde sa nachádza Opera v Sydney?

Slávna stavba sa nachádza v malebnom prístave Sydney na Bennelong Point.
Ľahko sa sem dostanete odkiaľkoľvek v austrálskom hlavnom meste, pretože križovatka námorných a pozemných dopravných ciest je neďaleko.
GPS súradnice: 33,856873° J, 151,21497° V.

Otváracie hodiny opery v Sydney

• Divadlo je pre návštevníkov otvorené denne od 9:00 (v nedeľu od 10:00) do neskorých večerných hodín.

• Ceny za návštevu divadla závisia od účelu takejto návštevy - buď to bude exkurzia, alebo chcete vidieť to či ono predstavenie, alebo si chcete len oddýchnuť a dať si chutné jedlo v niektorej z divadelných reštaurácií - v v každom prípade sa cena môže výrazne líšiť.
• V prípade akýchkoľvek otázok sa môžete od pondelka do piatku telefonicky obrátiť na „Informačný servis“ divadla. +61 2 9250 7111, alebo píšte na email. adresu [e-mail chránený].
  Oficiálna stránka opery v Sydney je www.sydneyoperahouse.com.

Opera v Sydney – zaujímavé fakty

• Autor projektu divadla v Sydney J. Goossens bol napriek množstvu práce, ktorú vykonal, „vyhostený“ z Austrálie, pretože u neho údajne našli zakázané predmety „čiernej omše“.
• Počiatočných 7 miliónov austrálskych dolárov na výstavbu divadla sa podarilo vyzbierať vďaka charitatívna lotéria.
• Povestná strecha v tvare plachty výrazne zhoršila akustiku divadelných priestorov, a preto bolo potrebné prirobiť stropy odrážajúce zvuk. Mimochodom, strecha sa tiež ukázala byť príliš ťažká a stavitelia boli nútení prerobiť celý základ divadla.
• Kvôli zdĺhavej výstavbe sa architekt opery v Sydney J. Watson stretol s ťažkosťami s austrálskou vládou a bol nútený Austráliu opustiť. Divadlo dokončil iný architekt.
• Na otvorenie opery v Sydney prišla sama. Britská kráľovná Alžbeta II.
• Divadlo v Sydney má najdlhšie divadelné opony na svete a veľkú koncertnú sálu je najväčší orgán na planéte.
• Opera v Sydney je prvou budovou na svete, ktorá je uvedená ako Svetové dedičstvo UNESCO počas života svojho architekta.
• Budova opery stále nie je dokončená. V rámci prípravy na olympijské hry v roku 2000 austrálska vláda pozvala J. Watsona, aby stavbu dokončil, no ten odmietol. Slávny architekt sa po nútenom zastavení výstavby do Austrálie už nikdy nevrátil.
• J. Watson v roku 2003 získal prestížne Pulitzerovu cenu pre projekt svetoznámeho divadla.
• Dom opery v Sydney sa uchádzal o titul jedného zo 7 divov sveta.
• Ešte nikdy na slávnej budove neboli potrebné žiadne opravy.

Opera v Sydney – video

V tomto videu sa dozviete ešte viac informácií o Opera v Sydney. Príjemné sledovanie!

Svetoznáme divadlo skrýva tieto a mnohé ďalšie tajomstvá za svojimi múrmi – ponáhľajte sa ho vidieť, dotknúť sa jeho tajomstiev a dotknúť sa veľkého hudobného a divadelného umenia, ktoré sa v jeho zákulisí odohráva každý deň.

Dom opery v Sydney je jednou z najznámejších a ľahko rozpoznateľných budov na svete, symbol najväčšieho mesta Austrálie, Sydney, a jedna z hlavných atrakcií Austrálie. Škrupiny v tvare plachty, ktoré tvoria strechu, robia túto budovu nepodobnou žiadnej inej na svete. Opera je uznávaná ako jedna z výnimočných budov modernej architektúry na svete a od roku 1973 je spolu s Harbour Bridge charakteristickým znakom Sydney.

Nachádza sa v Sydney Harbour, na Bennelong Point. Toto miesto dostalo svoje meno po austrálskom domorodcovi, priateľovi prvého guvernéra kolónie. Je ťažké si predstaviť Sydney bez opery, ale do roku 1958 na jej mieste stála bežná električková vozovňa a pred vozovňou bola na tomto mieste pevnosť.

História opery sa začala písať 17. mája 1955, keď štátna vláda udelila povolenie na výstavbu opery v Sydney na Bennelong Point pod podmienkou, že nebudú potrebné žiadne verejné prostriedky. Na projekt stavby bola vyhlásená medzinárodná súťaž, do ktorej bolo prihlásených 223 prác – svet jednoznačne zaujal svieži nápad.

Zároveň sa však ukázalo, že realizácia nápadu je veľmi náročná, pretože na malý pozemok s rozmermi 250 x 350 stôp, obklopený z troch strán vodou, bolo potrebné umiestniť dve operné domy.

V roku 1957 Utson predložil projekt opery v Sydney a vyhral. Nikto to nečakal, najmenej on sám. Jeho projekt bol sériou sotva rozvinutých kresieb, ktoré v skutočnosti predstavovali iba všeobecnú myšlienku opery v Sydney - divadlá sú umiestnené blízko seba a problém stien je odstránený kvôli ich absencii: séria vejárovitých bielych striech je pripevnená priamo na kyklopské pódium. Nápad sa však porote zdal geniálny.

Začal sa samotný projekt a výstavba. Je to dlhý proces. Do polovice roku 1965 sa vzťahy medzi architektom a austrálskou vládou premiéra Roberta Askina dostali do slepej uličky. Davis Hudges, minister výstavby, obvinil Jörna Utsona z toho, že je prekročený rozpočet, je neprofesionálny, nereálny a nedokončí projekt. Utson bol odstránený z projektu, opustil Austráliu a už sa tam nevrátil. Projekt dokončili miestni architekti. Utsona nepozvali ani na otvorenie divadla. Jeho meno nebolo nikde uvedené. A v roku 1975 bol Davis Hudges pasovaný za rytiera.

Výstavba divadla bola plánovaná na štyri roky a stála sedem miliónov austrálskych dolárov, ale budova opery trvala štrnásť rokov a stála 102 miliónov dolárov. Toľkoročná práca zároveň priniesla svoje ovocie – doteraz si budova nevyžiadala žiadne opravy či modernizáciu interiéru.

Nedá sa povedať, že by sa Opera v Sydney okamžite stala divom sveta. Už nejaký čas si to ľudstvo dáva pozor. Postmodernistické časy sa blížili a Utsonova jasná, zúfalá modernistická príťažlivosť nadchla len málo ľudí. Bol znepokojený Ťažké časy. Dnes sa meno tohto nešťastného austrálskeho ministra Hudgesa spomína len v súvislosti s tým, že zničil život veľkému Utsonovi. Potom si Utson získal povesť človeka, ktorý kreslí projekty, ktoré sa nedajú realizovať. Vo svojej domovine, Dánsku, Elsinore, a verejné budovy pre arabské krajiny. Ale ani kuvajtský parlament, ani centrálna banka Teheránu sa nestali majstrovskými dielami – ich rozpočty sa neustále krátili, čo pripomínalo, čo sa stalo v Sydney.

Ale v roku 2003 Jorn Utzon aj tak zaslúžene dostal Pritzkerovu cenu za projekt opery v Sydney.

Operu v Sydney otvorila 20. októbra 1973 anglická kráľovná Alžbeta II. Prvým predstavením v novom divadle bola „Vojna a mier“ S. Prokofieva. Odvtedy sa v divadle koná ročne okolo 3 000 predstavení, ktoré navštevujú najmenej 2 milióny ľudí.

Divadlo slúži ako kultúrne centrum Austrálie. V jeho deväťsto izbách sídlilo Sydney Symfonický orchester, Austrálska opera, Sydney Theatre Company, Sydney Dance Company, Australian Ballet. Okrem opernej sály sa tu nachádza aj koncertná sála, sála činoherného a komorného divadla, 4 reštaurácie a prijímacia sála. divadelná opona, tkaný vo Francúzsku, je najväčší na svete. Plocha každej polovice tohto zázračného závesu je 93 m2. Rekordérom je aj obrovský mechanický organ koncertnej sály – má 10 500 píšťal!

Opera v Sydney je jedným z architektonických divov sveta, možno najznámejšou budovou 20. storočia. Najviac Najnovšie technológie a úchvatné dizajnové nápady až do dnešného dňa prinášajú všetkým hosťom neopísateľné potešenie.

Koncertná sála– najväčšia miestnosť vo vnútri opery. Na zlepšenie akustického efektu sa používa drevo z bielej brezy, klenutý strop a špeciálne interiérové ​​vložky. Maximálna kapacita miest na sedenie je 2679. Austrálsky symfonický orchester, Sydney Philharmonic Choir a Australian Philharmonic Orchestra predstavujú širokú škálu hudobných diel, vrátane vystúpení po celom svete slávnych umelcov a spevákov.

Opera v Sydney je expresionistická budova s ​​radikálnym a inovatívnym dizajnom. Architektom je Dán Jorn Utzon, ktorý za projekt získal v roku 2003 Pritzkerovu cenu. Budova sa rozkladá na ploche 2,2 hektára. Jeho výška je 185 metrov a maximálna šírka je 120 metrov. Budova váži 161 000 ton a spočíva na 580 pilótach spustených do vody do hĺbky takmer 25 metrov od hladiny mora. Jeho napájanie zodpovedá spotrebe elektriny jedného mesta s 25 000 obyvateľmi. Elektrina je rozvedená cez 645 kilometrov káblov.

Strecha opery pozostáva z 2 194 prefabrikátov, jej výška je 67 metrov a hmotnosť viac ako 27 ton, celú konštrukciu držia oceľové laná dlhé 350 kilometrov. Strechu divadla tvorí séria „škrupín“ vyrobených z neexistujúcej betónovej gule s priemerom 492 stôp, bežne označovaných ako „škrupiny“ alebo „plachty“, hoci toto nie je architektonická definícia takejto konštrukcie. Tieto „škrupiny“ sú vytvorené z prefabrikovaných betónových panelov v tvare trojuholníka, ktoré sú podopreté 32 prefabrikovanými rebrami vyrobenými z rovnakého materiálu. Všetky rebrá tvoria časť jedného veľkého kruhu, čo umožnilo, aby obrysy striech mali rovnaký tvar a celá budova mala ucelený a harmonický vzhľad.

Celá strecha je pokrytá 1 056 006 škridlami azulejo v bielej a matnej krémovej farbe. Aj keď sa z diaľky zdá, že štruktúra je celá z bielych dlaždíc, pri rôznych svetelných podmienkach dlaždice vytvárajú rôzne farebné schémy. Vďaka mechanickému spôsobu kladenia škridiel sa celý povrch strechy ukázal ako dokonale hladký, čo by pri ručnom pokrývaní nebolo možné. Všetky obklady vyrobila švédska továreň Hoganas AB samočistiacou technológiou, no napriek tomu sa pravidelne pracuje na čistení a výmene niektorých obkladov. Interiér budovy zdobí ružová žula privezená z oblasti Tarana (Nový Južný Wales), drevo a preglejka.

Dve najväčšie mušľové klenby tvoria strop koncertnej sály a opery. V ostatných miestnostiach tvoria stropy skupiny menších klenieb.

Konštrukcia stupňovitej strechy bola veľmi pekná, ale vytvárala výškové problémy vo vnútri budovy, pretože výsledná výška nezabezpečovala v halách primeranú akustiku. Na vyriešenie tohto problému boli vyrobené samostatné stropy, ktoré odrážali zvuk. V najmenšej škrupine vedľa hlavného vchodu a veľkého schodiska sa nachádza reštaurácia Bennelong.

Oficiálna stránka opery v Sydney: www.sydneyoperahouse.com