W XVII wieku wprowadzono podział gatunków malarskich na „wysokie” i „niskie”. Pierwsza obejmowała gatunki historyczne, batalistyczne i mitologiczne. Do drugiego zaliczały się przyziemne gatunki malarstwa Życie codzienne, na przykład gatunek codzienny, martwa natura, malarstwo zwierzęce, portret, akt, pejzaż.

Gatunek historyczny

Gatunek historyczny w malarstwie nie przedstawia konkretnego przedmiotu czy osoby, ale konkretny moment lub wydarzenie, które miało miejsce w historii minionych epok. Jest zawarty w głównym gatunki malarstwa w sztuce. Gatunki portretowe, bitewne, codzienne i mitologiczne często są ściśle powiązane z historycznymi.

„Podbój Syberii przez Ermaka” (1891-1895)
Wasilij Surikow

Artyści Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Wasilij Iwanowicz Surikow, Borys Michajłowicz Kustodiew i wielu innych malowali swoje obrazy w gatunku historycznym.

Gatunek mitologiczny

Opowieści, starożytne legendy i mity, folklor - przedstawienie tych tematów, bohaterów i wydarzeń znalazło swoje miejsce w mitologicznym gatunku malarstwa. Być może można go wyróżnić na obrazach dowolnego ludu, ponieważ historia każdej grupy etnicznej jest pełna legend i tradycji. Na przykład taka fabuła mitologii greckiej jak sekretny romans Bóg wojny Ares i bogini piękna Afrodyta są przedstawieni na obrazie „Parnas” włoskiego artysty Andrei Mantegny.

„Parnas” (1497)
Andrea Mantegna

Mitologia w malarstwie ukształtowała się ostatecznie w okresie renesansu. Przedstawicielami tego gatunku, oprócz Andrei Mantegny, są Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Wiktor Michajłowicz Wasniecow i inni.

Gatunek bitewny

Malarstwo batalistyczne opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrowane są różne kampanie wojskowe, a także bitwy morskie i lądowe. A ponieważ te bitwy są często zaczerpnięte z prawdziwej historii, gatunki bitewne i historyczne znajdują tutaj swój punkt przecięcia.

Fragment panoramy „Bitwa pod Borodino” (1912)
Franza Roubauda

Malarstwo batalistyczne ukształtowało się w okresie włoskiego renesansu w twórczości artystów Michała Anioła Buonarrotiego, Leonarda da Vinci, a następnie Theodore'a Gericaulta, Francisco Goyi, Franza Alekseevicha Roubauda, ​​Mitrofana Borisowicza Grekowa i wielu innych malarzy.

Gatunek codzienny

Sceny z życia codziennego, towarzyskiego lub Prywatność zwykli ludzie, czy to życie miejskie, czy chłopskie, są przedstawiani w codziennym gatunku malarstwa. Podobnie jak wiele innych gatunki malarstwa, obrazy codziennego użytku rzadko spotykane są we własnej formie, stając się częścią gatunku portretu lub pejzażu.

„Sprzedawca instrumentów muzycznych” (1652)
Karola Fabriciusa

Pochodzenie malowanie domu pojawił się w X wieku na Wschodzie, a do Europy i Rosji przeniósł się dopiero w XVII-XVIII wieku. Jan Vermeer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Michaił Szybanow i Iwan Aleksiejewicz Ermenew to najsłynniejsi artyści malarstwa codziennego tego okresu.

Gatunek zwierzęcy

Główne obiekty gatunek zwierzęcy to zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i domowe, oraz w ogóle wszyscy przedstawiciele świata zwierząt. Początkowo do gatunków zaliczano sztukę zwierzęcą chiński obraz, odkąd po raz pierwszy pojawił się w Chinach w VIII wieku. W Europie malarstwo zwierzęce powstało dopiero w okresie renesansu - zwierzęta w tym czasie przedstawiano jako ucieleśnienie ludzkich wad i cnót.

„Konie na łące” (1649)
Paulusa Pottera

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp to główni przedstawiciele malarstwa zwierzęcego w sztukach pięknych.

Martwa natura

Gatunek martwej natury przedstawia przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to obiekty nieożywione połączone w jedną grupę. Takie przedmioty mogą należeć do tego samego rodzaju (na przykład na zdjęciu przedstawiono tylko owoce) lub mogą być odmienne (owoce, naczynia, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).

„Kwiaty w koszu, motyl i ważka” (1614)
Ambrosius Bosshart Starszy

Martwa natura jako gatunek niezależny ukształtowała się w XVII wieku. Szczególnie wyróżniają się flamandzkie i holenderskie szkoły martwej natury. Przedstawiciele różnych stylów malowali swoje obrazy w tym gatunku, od realizmu po kubizm. Niektóre z najsłynniejszych martwych natur namalowali malarze Ambrosius Bosschaert Starszy, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portret

Portret to gatunek malarstwa, który jest jednym z najpowszechniejszych w sztukach plastycznych. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jej wyglądu, ale także przekazanie wewnętrznych uczuć i nastroju portretowanej osoby.

Portrety mogą być pojedyncze, parowe, grupowe, a także autoportret, co czasami się wyróżnia odrębny gatunek. Być może najsłynniejszym portretem wszechczasów jest obraz Leonarda da Vinci zatytułowany „Portret Madame Lisa del Giocondo”, znany wszystkim jako „Mona Lisa”.

„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Pierwsze portrety pojawiły się tysiące lat temu w starożytnym Egipcie – były to wizerunki faraonów. Od tego czasu większość artystów wszech czasów próbowała się w tym gatunku w taki czy inny sposób. Gatunki malarstwa portretowego i historycznego mogą się również pokrywać: wizerunek wielkiej postaci historycznej będzie uważany za dzieło gatunku historycznego, choć jednocześnie będzie oddawał wygląd i charakter tej osoby jako portret.

Nagi

Celem gatunku aktu jest ukazanie nagiego ludzkiego ciała. Okres renesansu uważany jest za moment pojawienia się i rozwoju tego rodzaju malarstwa, a głównym przedmiotem malarstwa wówczas najczęściej stawało się ciało kobiece, które ucieleśniało piękno epoki.

„Koncert wiejski” (1510)
tycjanowski

Tycjan, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso to najsłynniejsi artyści malujący akty.

Sceneria

Głównym tematem gatunku krajobrazu jest przyroda, środowisko- miasto, wieś lub pustynia. Pierwsze pejzaże pojawiły się już w starożytności podczas malowania pałaców i świątyń, tworzenia miniatur i ikon. Jak niezależny gatunek Krajobraz powstał już w XVI wieku i od tego czasu zaliczany jest do najpopularniejszych gatunki malarstwa.

Jest obecny w twórczości wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Aleksieja Kondratjewicza Savrasowa, Edouarda Maneta, poprzez Izaaka Iljicza Lewitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braque'a, a skończywszy na wielu współczesnych artystach XXI wieku.

„Złota jesień” (1895)
Izaak Lewitan

Wśród malarstwa pejzażowego można wyróżnić takie gatunki jak pejzaże morskie i miejskie.

Weduta

Weduta to krajobraz, którego celem jest przedstawienie wyglądu obszaru miejskiego oraz przekazanie jego piękna i smaku. Później, wraz z rozwojem przemysłu, krajobraz miejski zamienia się w krajobraz przemysłowy.

„Plac św. Marka” (1730)
Canaletto

Pejzaż miejski można docenić zapoznając się z twórczością Canaletta, Pietera Bruegla, Fiodora Jakowlewich Aleksiejewa, Sylwestra Feodosiewicza Szczedrina.

przystań

Pejzaż morski lub przystań przedstawia naturę elementu morza, jego wielkość. Najbardziej znanym malarzem morskim na świecie jest chyba Iwan Konstantinowicz Aiwazowski, którego obraz „Dziewiąta fala” można nazwać arcydziełem malarstwa rosyjskiego. Rozkwit mariny nastąpił jednocześnie z rozwojem krajobrazu jako takiego.

„Żaglówka podczas burzy” (1886)
Jamesa Butterswortha

z własnymi pejzaże morskie znani są także Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio i Rafael Monleon Torres.

Jeśli chcesz dowiedzieć się jeszcze więcej o powstaniu i rozwoju gatunków malarskich w sztuce, obejrzyj poniższy film:

Weź to dla siebie i powiedz swoim znajomym!

Przeczytaj także na naszej stronie:

Pokaż więcej

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Opublikowano na http://www.allbest.ru/

Gatunek bitewny

Gatunek bitwy (z francuskiego bataille - bitwa), gatunek Dzieła wizualne, poświęcony tematyce wojny i życia wojskowego. Główne miejsce w gatunku bitewnym zajmują sceny bitew (w tym bitew morskich) oraz kampanii wojskowych teraźniejszości lub przeszłości. Chęć uchwycenia szczególnie ważnego lub charakterystycznego momentu bitwy, a często także ukazania historycznego znaczenia wydarzeń militarnych, przybliża gatunek bitewny do gatunku historycznego. Sceny z życia codziennego armii i marynarki wojennej występujące w dziełach z gatunku bitewnego nawiązują do gatunku codziennego. Postępowy trend w rozwoju gatunku bitewnego XIX-XX wieku. wiąże się z realistycznym ukazywaniem społecznego charakteru wojen i roli w nich ludzi, demaskowaniem niesprawiedliwych wojen agresywnych, gloryfikacją ludowego bohaterstwa w wojnach rewolucyjnych i wyzwoleńczych, edukacją obywatelskich uczuć patriotycznych wśród ludności ludzie. W XX wieku, w dobie wyniszczających wojen światowych, dzieła odzwierciedlające okrucieństwo wojen imperialistycznych, niezliczone cierpienia narodów i ich gotowość do walki o wolność są ściśle powiązane z gatunkami batalistycznymi, historycznymi i codziennymi.

Obrazy bitew i kampanii znane są w sztuce od czasów starożytnych (płaskorzeźby starożytnego Wschodu, malarstwo wazowe starożytnej Grecji, płaskorzeźby na frontonach i fryzach świątyń, na starożytnych rzymskich łukach triumfalnych i kolumnach). W średniowieczu bitwy przedstawiano w europejskich i orientalnych miniaturach książkowych („Front kronika ”, Moskwa, XVI w.), czasem na ikonach; znane są także wizerunki na tkaninach („Dywan z Bayeux” ze scenami podboju Anglii przez normańskich feudałów, ok. 1073-83); Na płaskorzeźbach przedstawiających Chiny i Kampuczę, na malowidłach indyjskich i malarstwie japońskim znajdują się liczne sceny batalistyczne. W XV-XVI wieku, w okresie renesansu we Włoszech, wizerunki bitew tworzyli Paolo Uccello i Piero della Francesca. Sceny batalistyczne otrzymały heroiczne uogólnienia i wielką treść ideologiczną w kartonach na freski autorstwa Leonarda da Vinci („Bitwa pod Anghiari”, 1503-06), który ukazał zaciętą zaciekłość bitwy, i Michała Anioła („Bitwa pod Cascina”, 1504-06 ), który podkreślał heroiczną gotowość wojowników do walki. Tycjan (tzw. „Bitwa pod Cadore”, 1537-38) wprowadził na scenę bitwy realne środowisko, a Tintoretto – niezliczone masy wojowników („Bitwa o świcie”, około 1585 r.). W kształtowaniu się gatunku bitewnego w XVII wieku. główną rolę odegrało ostre ujawnienie rabunku i okrucieństwa żołnierzy w rycinach Francuza J. Callota, głębokie ujawnienie społeczno-historycznego znaczenia i etycznego znaczenia wydarzeń wojskowych przez Hiszpana D. Velazqueza („Kapitulacja Bredy”, 1634), dynamikę i dramaturgię malarstwa batalistycznego flamandzkiego P.P. Rubensa. Później pojawili się profesjonalni malarze batalistyczni (A.F. van der Meulen we Francji), powstały typy kompozycji o charakterze konwencjonalnie alegorycznym, wywyższających dowódcę przedstawionego na tle bitwy (C. Lebrun we Francji), mały obraz batalistyczny ze spektakularnym przedstawieniem potyczki kawalerii, epizody z życia wojskowego (F. Wauerman w Holandii) i sceny bitew morskich (W. van de Velde w Holandii). W XVIII wieku w związku z wojną o niepodległość w malarstwie amerykańskim pojawiły się dzieła gatunku bitewnego (B. West, J.S. Copley, J. Trumbull), narodził się rosyjski gatunek bitwy patriotycznej - obrazy „Bitwa pod Kulikowem” i „Bitwa pod Połtawą ”, przypisywany I.N. . Nikitin, ryciny A.F. Zubov, mozaika z warsztatu M.V. Łomonosowa „Bitwa pod Połtawą” (1762–64), kompozycje bitewno-historyczne G.I. Ugryumov, akwarele M.M. Iwanowa. Wielka Rewolucja Francuska (1789-94) i wojny napoleońskie znalazły odzwierciedlenie w twórczości wielu artystów - A. Gro (który od fascynacji romansem wojen rewolucyjnych przeszedł do wywyższenia Napoleona I), T. Gericaulta (który stworzył heroiczno-romantyczne obrazy eposu napoleońskiego), F. Goya (który pokazał dramat walki narodu hiszpańskiego z francuskim najeźdźcą). Historyzm i kochający wolność patos romantyzmu zostały wyraźnie wyrażone w obrazach bitewno-historycznych E. Delacroix, inspirowanych wydarzeniami rewolucji lipcowej 1830 r. we Francji. Inspiracją dla ruchów narodowowyzwoleńczych w Europie były romantyczne kompozycje batalistyczne P. Michalowskiego i A. Orłowskiego w Polsce, G. Wappersa w Belgii, a później J. Matejki w Polsce, M. Aloszy, J. Cermaka w Czechach, itp. We Francji w oficjalnym malarstwie batalistycznym (O. Vernet) łączono efekty fałszywie romantyczne z zewnętrzną wiarygodnością. Rosyjskie akademickie malarstwo batalistyczne odeszło od tradycyjnie konwencjonalnych kompozycji z dowódcą w centrum na rzecz większej dokumentalnej dokładności Duży obraz szczegóły walki i gatunku (A.I. Sauerweid, B.P. Willewalde, A.E. Kotzebue). Luboks II.I. wykazywał się poza akademicką tradycją gatunku bitewnego. Terebeniewa, poświęcona Wojnie Ojczyźnianej 1812 r., „Sceny kozackie” w litografiach Orłowskiego, rysunki P.A. Fedotova, G.G. Gagarina, M.Yu. Lermontow, litografie V.F. Timma.

Rozwój realizmu w drugiej połowie XIX – na początku XX wieku. doprowadziło do wzmocnienia pejzażowych, gatunkowych, a czasem psychologicznych zasad w gatunku bitewnym, uwagi na działania, doświadczenia i życie codzienne zwykłych żołnierzy (A. Menzel w Niemczech, G. Fattori we Włoszech, W. Homer w USA , M. Gierymsky w Polsce, N. Grigorescu w Rumunii, J. Veshin w Bułgarii). Realistyczne przedstawienie epizodów wojny francusko-pruskiej z lat 1870-71 przedstawili Francuzi E. Detail i A. Neuville. W Rosji kwitnie sztuka malarstwa bitewnego na morzu (I.K. Aivazovsky, A.P. Bogolyubov) i pojawia się malarstwo bojowe na co dzień (P.O. Kovalevsky, V.D. Polenov). Z bezlitosną prawdomównością V.V. pokazał trudne codzienne życie wojny. Vereshchagin, który potępił militaryzm i uchwycił odwagę i cierpienie ludu. Realizm i odrzucenie konwencjonalnych schematów są także nieodłącznie związane z gatunkiem bitewnym Wędrowców - I.M. Prianishnikova, A.D. Kiwszenko, V.I. Surikowa, który stworzył monumentalny epos o militarnych wyczynach ludu, V.M. Wasnetsow, którego inspiracją był starożytny epos rosyjski. Największym mistrzem panoramy bitewnej był F.A. Rubo.

W XX wieku rewolucje społeczne i narodowowyzwoleńcze, bezprecedensowo niszczycielskie wojny radykalnie zmieniły gatunek bitewny, poszerzając jego granice i znaczenie artystyczne. Wiele dzieł gatunku bitewnego poruszało kwestie historyczne, filozoficzne i społeczne, problemy pokoju i wojny, faszyzmu i wojny, wojny i społeczeństwa ludzkiego itp. W krajach faszystowskiej dyktatury gloryfikowano brutalną siłę i okrucieństwo w bezdusznych, fałszywie monumentalnych formy. W przeciwieństwie do apologii militaryzmu Belg F. Maserel, niemieccy artyści K. Kollwitz i O. Dix, Anglik F. Brangwyn, Meksykanin H.C. Orozco, Malarz francuski P. Picasso, japońscy malarze Maruki Iri i Maruki Toshiko oraz inni, protestując przeciwko faszyzmowi, wojnom imperialistycznym, okrutnemu nieludzkości, tworzyli żywo emocjonalne, symboliczne obrazy tragedia ludowa.

W sztuce radzieckiej gatunek bitewny był bardzo szeroko rozwinięty, wyrażając idee ochrony socjalistycznej ojczyzny, jedności armii i ludu, ujawniając klasowy charakter wojen. Radzieccy malarze batalistyczni podkreślali wizerunek radzieckiego wojownika patriotycznego, jego hart ducha i odwagę, miłość do Ojczyzny i wolę zwycięstwa. Radziecki gatunek bitewny powstał w grafice okresu wojny domowej z lat 1918–20, a następnie w obrazach M.B. Grekova, MI Avilova, F.S. Bogorodski, P.M. Szuchmina, K.S. Petrova-Vodkina, A.A. Deineki, G.K. Savitsky, NS Samokisha, R.R. Frentz; przeżywał nowy rozkwit w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-45 oraz w latach powojennych - w plakatach i „Oknach TASS”, grafice frontowej, cyklach graficznych D.A. Shmarinova, A.F. Pakhomova, B.I. Prorokova i innych, obrazy Deineki, Kukryniksy, członków Pracowni Artystów Wojskowych im. M.B. Grekova (P.A. Krivonogov, B.M. Nemensky i inni), w rzeźbie Yu.Y. Mikenas, E.V. Vuchetich, M.K. Anikushina, A.P. Kibalnikova, V.E. Tsigala i inni.

W sztuce krajów socjalistycznych i w sztuce postępowej krajów kapitalistycznych dzieła z gatunku batalistycznego poświęcone są przedstawieniu bitew antyfaszystowskich i rewolucyjnych, największych wydarzeń historii narodowej (K. Dunikowski w Polsce, J. Andreevich- Kun, G.A. Kos i P. Lubarda w Jugosławii, J. Salim w Iraku), historia walki wyzwoleńczej narodów (M. Lingner w NRD, R. Guttuso we Włoszech, D. Siqueiros w Meksyku).

Leonardo da Vinci. „Bitwa pod Angyari”. 1503-1506. Rysunek autorstwa P.P. Rubensa. Żaluzja. Paryż

M.B. Grekow. „Tachanka”. 1925. Galeria Trietiakowska. Moskwa

V.V. Wiereszchagin. „Atakują z zaskoczenia”. 1871. Galeria Trietiakowska. Moskwa

AA Deineka. „Obrona Sewastopola”. 1942. Muzeum Rosyjskie. Leningrad

stocz piękną bitwę wojskową

Formowanie się gatunku bitewnego rozpoczęło się w okresie renesansu (Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Tintoretto), swój rozkwit przeżywał w XVII-XVIII wieku. (D. Velazquez, Rembrandt, N. Poussin, A. Watteau) i szczególnie obrazowo oddaje tragedię wojny w okresie romantyzmu I połowy XIX wieku. (F. Goya, T. Gericault, E. Delacroix). Malarze bitewni z reguły starają się przekazać heroiczną gotowość do walki, wychwalają waleczność militarną, triumf zwycięstwa, ale czasem w swoich pracach obnażają antyludzką istotę wojny, przeklinają ją (P. Picasso „Guernica”, obrazy V. Vereshchagina, M. Grekova, A. Deineki, E. Moiseenko, G. Korzhevy itp.).

Formacja B. pochodzi z XVI-XVII wieku, ale wizerunki bitew znane są w sztuce już od czasów starożytnych. Płaskorzeźby Starożytnego Wschodu przedstawiają króla lub dowódcę eksterminującego wrogów, oblężenia miast, procesje wojowników. Na starożytnych greckich malowidłach wazowych, płaskorzeźbach na frontonach i fryzach świątyń wychwala się militarne waleczność mitycznych bohaterów jako przykład moralny; unikalne przedstawienie bitwy Aleksandra Wielkiego z Dariuszem (rzymska kopia mozaiki wzoru hellenistycznego z IV-III wieku p.n.e.). Płaskorzeźby na starożytnych rzymskich łukach i kolumnach triumfalnych gloryfikują podboje i zwycięstwa cesarzy. W średniowieczu bitwy przedstawiano na tkaninach („Dywan z Bayeux” ze scenami podboju Anglii przez Normanów, ok. 1073-83), w europejskich i orientalnych miniaturach książkowych („Kronika Facebooka”, Moskwa, XVI w.), czasami na ikonach; Na płaskorzeźbach przedstawiających Chiny i Kambodżę, na obrazach indyjskich i japońskich znajdują się liczne sceny batalistyczne. Pierwsze eksperymenty z realistycznym przedstawieniem bitew sięgają okresu renesansu we Włoszech (Paolo Uccello, Piero della Francesca – XV w.); otrzymało ono heroiczne uogólnienie i wielką treść ideologiczną w kartonach na freski Leonarda da Vinci („Bitwa pod Anghiari”, 1503-06), który ukazał zaciętą zaciekłość bitwy i „brutalne szaleństwo” konfliktów domowych oraz Michała Anioła ( „Bitwa pod Casciną”, 1504-06), który podkreślał heroiczną gotowość do walki; Tycjan wprowadził na scenę bitwy realne środowisko (tzw. „Bitwa pod Cadore”, 1537-38), a Tintoretto wprowadził niezliczone masy wojowników („Bitwa o świcie”, około 1585 r.).

W formacji B. w XVII wieku główną rolę odegrało ostre ujawnienie okrucieństwa zdobywców w rycinach Francuza J. Callota, głębokie ujawnienie społeczno-historycznego znaczenia wydarzeń militarnych w „Kapitulacji Bredy” Hiszpana D. Velazqueza (1634-35), dramatyczna pasja malarstwa batalistycznego flamandzkiego P.P. Rubensa. Później pojawili się profesjonalni malarze batalistyczni (A.F. van der Meulen we Francji), powstały typy kompozycji o charakterze konwencjonalnie alegorycznym, wywyższających dowódcę przedstawionego na tle bitwy (C. Lebrun we Francji), mały obraz batalistyczny z efektowną (choć obojętni na znaczenie wydarzeń) przedstawiające potyczki kawalerii lub epizody życia wojskowego (S. Rosa we Włoszech, F. Wauerman w Holandii) oraz sceny bitwy morskiej (W. van de Velde w Holandii). W XVIII wieku konwencjonalne oficjalne bitwy były przeciwne prawdziwe obrazy trudy obozu i życia obozowego (A. Watteau we Francji), a później – obrazy malarzy amerykańskich (B. West, J.S. Copley, J. Trumbull), którzy wprowadzili do przedstawienia epizodów militarnych szczery patos i świeże obserwacje: Rosyjski patriotyczny B. i. - obrazy „Bitwa pod Kulikowem” i „Bitwa pod Połtawą”, przypisywane I.N. Nikitin, ryciny A.F. Zubov z bitwami morskimi, mozaika z warsztatu M.V. Łomonosowa „Bitwa pod Połtawą” (1762–64), duże kompozycje bitewno-historyczne G.I. Ugryumov, akwarele M.M. Iwanow ze zdjęciami napadów Oczakowa i Izmaila. Wielka Rewolucja Francuska i wojny napoleońskie dały początek dużym obrazom batalistycznym A. Gro (wywodzącym się z fascynacji romansem wojen rewolucyjnych po fałszywe wywyższenie Napoleona i zewnętrzną skuteczność egzotycznego otoczenia), suchym dokumentom Niemieccy artyści A. Adam i P. Hess, ale jednocześnie psychologicznie prawdziwe romantyczne obrazy eposu napoleońskiego w obrazach T. Gericaulta i oszałamiające dramatyczne sceny walki Hiszpanów z francuskimi najeźdźcami w malarstwie i grafice hiszpański artysta F. Goya. Historyzm i miłujący wolność patos postępowego romantyzmu zostały wyraźnie wyrażone w historycznych obrazach bitewnych E. Delacroix, który ukazywał dramatycznie namiętne napięcie masowych bitew, okrucieństwo zdobywców i inspirację bojowników o wolność.

Ruchy wyzwoleńcze inspirowały romantyczne kompozycje batalistyczne P. Michalowskiego i A. Orłowskiego w Polsce, G. Wappersa w Belgii, a później J. Matejki w Polsce, J. Cermaka w Czechach, J. Jaksica w Serbii itp. We Francji , romantyczna legenda o Napoleonie plami podłogę obrazy rodzajowe NT Charlet i O. Raffe. W dominującym oficjalnym malarstwie batalistycznym (O. Berne) koncepcje nacjonalistyczne i efekty fałszywie romantyczne łączono z zewnętrzną wiarygodnością. Rosyjskie akademickie malarstwo batalistyczne przeszło od tradycyjnych konwencjonalnych kompozycji z dowódcą w centrum (V.I. Moshkov) do większej dokumentalnej dokładności ogólnego obrazu bitwy i szczegółów gatunkowych (A.I. Sauerweid, B.P. Willewalde, a zwłaszcza A.E. Kotzebue) , ale nawet K.P. przezwyciężyć tradycyjnego ducha idealizacji. Bryullowa, który podczas oblężenia Pskowa (1839–1843) próbował stworzyć ludowo-bohaterską epopeję. Poza akademicką tradycją B. zh. były popularne druki I.I. Terebeniewa, poświęcony wyczynowi ludowemu w Wojnie Ojczyźnianej 1812 r., „Sceny kozackie” w litografiach Orłowskiego, rysunki P.A. Fiedotow na tematy barakowe i życia obozowego, rysunki G.G. Gagarin i M.Yu. Lermontowa, barwnie odtwarzające sceny wojny na Kaukazie, litografie V.F. Timma na tematy wojna krymska 1853-56.

Apoteoza wojny w wizji V.V. Vereshchagina.

Dowiedziawszy się w kwietniu 1868 r., że emir Buchary przebywający w Samarkandzie wypowiedział „świętą wojnę” wojskom rosyjskim, Wierieszczagin rzucił się za armią na spotkanie wroga. "Wojna! I tak blisko mnie! W większości Azja centralna! Chciałem przyjrzeć się bliżej niepokojowi bitew i natychmiast opuściłem wioskę. Vereshchagin nie widział bitwy, która rozegrała się na obrzeżach Samarkandy 2 maja 1868 r., ale wzdrygnął się przed obrazem tragiczne skutki tę bitwę. „Nigdy nie widziałem pola bitwy, a moje serce krwawi”. Te słowa artysty są krzykiem przerażenia jeszcze nie zgrubiałej, podatnej na wpływy duszy, która otrzymała pierwszy impuls do głębokiej refleksji nad tym, czym jest wojna. Stąd do rozwinięcia się zdecydowanych poglądów antymilitarystycznych była jeszcze bardzo daleka droga. A jednak pierwszy silny szok miał daleko idące konsekwencje.

Zatrzymując się w Samarkandzie, okupowanej przez Rosjan, Vereshchagin zaczął studiować życie i sposób życia w mieście. Kiedy jednak główne wojska pod dowództwem Kaufmana opuściły Samarkandę, aby dalej walczyć z emirem, mały garnizon miasta zamknął się w cytadeli i był oblegany przez tysiące żołnierzy chanatu Szachrisabz i zbuntowaną miejscową ludność. Przeciwnicy przewyższali liczebnie Rosjan prawie osiemdziesięciokrotnie. Ich ogień znacznie przerzedził szeregi odważnych obrońców cytadeli Samarkandy. Sytuacja czasami stawała się po prostu katastrofalna. Vereshchagin, zamieniwszy ołówek na broń, dołączył do szeregów obrońców.

Obrona Samarkandy nie tylko wzmocniła charakter i wolę Wiereszchagina, ale także zmusiła go do refleksji nad tym, czego doświadczył i widział. Okropności bitwy, śmierć i cierpienia mas ludzi, okrucieństwa wrogów, którzy poddawali więźniów straszliwym torturom i obcinali im głowy – wszystko to pozostawiło niezatarty ślad w umyśle artysty, bardzo go niepokoiło i dręczyło. Mówił później, że wygląd umierających na zawsze pozostał dla niego bolesnym wspomnieniem.

Podczas swojej drugiej podróży do Turkiestanu Vereshchagin szczególnie ciężko i z sukcesem pracował w dziedzinie malarstwa.

Podsumowując materiał zgromadzony w Turkiestanie, Vereshchagin od początku 1871 roku osiadł w Monachium, gdzie zaczął tworzyć dużą serię obrazów. Artysta połączył szereg obrazów batalistycznych w cykl, który nazwał „Barbarzyńcami”. W obrazach z tego cyklu: „Patrząc” (1873), „Atak z zaskoczenia” (1871), „Otoczeni - prześladowani” (1872), „Wręczanie trofeów” (1872), „Triumfowanie” (1872), „W grób świętego dziękują Wszechmogącemu ”(1873) i „Apoteoza wojny” (1871–1872), przedstawiają powiązane ze sobą epizody z wojny turkiestańskiej, opowiadające o jej okrucieństwie. Ostatni obraz z serii, „Apoteoza wojny”, przedstawia piramidę ludzkich czaszek ułożonych w dolinie środkowoazjatyckiej, na tle rozdartego wojną miasta i wysuszonych ogrodów. Stada głodnych ptaków drapieżnych krążą nad piramidą i lądują na czaszkach. Gorące powietrze jest przekazywane z wielką umiejętnością. Wyrazisty szaro-żółty kolor doskonale oddaje wrażenie wysuszonej słońcem, martwej natury. W „Apotheozie wojny” artysta osiąga znaczną jedność tonalną, świadczącą o rozwoju jego umiejętności oddania przestrzeni, powietrza i światła.

„Apoteoza wojny” to surowe potępienie przez artystę wojen podbojów, które przynoszą śmierć, zniszczenie i zniszczenie. Obraz przedstawia jedną z „piramid”, które na rozkaz Tamerlana i innych wschodnich despotów zbudowano z czaszek pokonanych wrogów. Na ramie obrazu artysta napisał znamienne słowa: „Dedykowany wszystkim wielkim zdobywcom, przeszłym, teraźniejszym i przyszłym”. Obraz do dziś w pełni zachowuje swoją obciążającą moc, odsłaniając zbrodnię współczesnej agresji imperialistycznej, która skazuje na zagładę całe kraje i narody.

Malarstwo wojenne 1941-1945.

Najtrudniejszym sprawdzianem dla kraju była II wojna światowa z hitlerowskimi Niemcami. Kiedy wybuchła II wojna światowa, w historii sztuki światowej doszło do niezwykłych wydarzeń. Ruchy społeczne tamtych lat dały początek rewolucyjnym trendom w twórczości artystycznej. Ruchy narodowe pobudzają nowe idee i formy sztuki. W tych latach wysoko rozwinięta kultura artystyczna zderza się z elementarnym ideologizmem i prymitywnym populizmem. W tym okresie rząd i partie polityczne coraz częściej wykazują zainteresowanie sztuką.

Coraz częściej zainteresowanie to wyrażało się w polityce kulturalnej, w duchu której głoszone są prawa do dziedzictwa narodowego i klasycznego, a współczesne ruchy artystyczne otrzymują kwalifikacje ideologiczne i polityczne, z których wypływają praktyczne wnioski. Malarze tamtych czasów próbowali odzwierciedlić intensywność zaciętej walki ludu poprzez przedstawienie rosyjskiej natury, dla której obecność obcych najeźdźców była obca, odsłaniając wiele wydarzeń wojny. Kronika żałobnych strat została na zawsze utrwalona w malarstwie rosyjskim. Wydarzenia Wielkiej Wojny Ojczyźnianej nigdy nie zostaną wymazane z ludzkiej pamięci. Artyści będą się do niej zwracać wielokrotnie. Najgłębszy dramat, jakiego doświadczyła ludzkość w ostatnich dziesięcioleciach XX wieku – inwazja faszyzmu i II wojna światowa – połączył procesy historyczne i artystyczne w najbardziej bezpośredni związek i zależność od nich. Emigracja architektów i artystów z krajów zajętych przez faszyzm spowodowała istotne zmiany demograficzne kultura artystyczna pokój. Ucieczka od faszyzmu, odrzucenie go przez artystów, którzy wycofali się do swojego wewnętrzny świat utrwalanie obrazów i ideałów swojej twórczości, było aktem duchowego oporu wobec faszystowskiej agresji.

W ZSRR powstają także kapitalne dzieła sztuki sztalugowej. W krajach ogarniętych faszyzmem kształtuje się sztuka Oporu – ruch artystyczny o politycznej skuteczności i rozwijający własne właściwości treściowe i stylistyczne. Sztuka ta zawiera żywą reakcję na tragedię wojny i ucieleśnia koszmary faszyzmu w alegorycznych i specyficznych kompozycjach.

Arkady Aleksandrowicz Plastow

Plastow A.A. urodzony w 1893 roku we wsi. Opierając się na ustach Simbirska. Jego najlepsze obrazy stały się klasyką rosyjskiego malarstwa XX wieku. Plastow jest wielkim artystą chłopskiej Rosji. Patrzy na nas z jego obrazów i portretów i pozostanie na zawsze taka, jaką ją przedstawił Plastow.

Był synem wiejskiego mole książkowego i wnukiem lokalnego malarza ikon. Skończone Szkoła religijna i seminarium. Od młodości marzył o zostaniu malarzem. W 1914 roku udało mu się wstąpić do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Malarstwa, ale został przyjęty jedynie na wydział rzeźby. Jednocześnie studiował malarstwo. W latach 1917-1925 Plastow mieszkał w swojej rodzinnej wiosce; jako „piśmienny” zajmował się różnymi sprawami publicznymi. Dopiero w drugiej połowie lat 20. mógł powrócić do zawodowej pracy artystycznej.

W 1931 r. Plastow A.A. Dom spłonął, prawie wszystko, co powstało do tego czasu, uległo zniszczeniu. Artysta ma prawie czterdzieści lat i znajduje się praktycznie w pozycji początkującego. Ale kolejne czterdzieści lat niestrudzonej pracy - a liczba jego dzieł zbliżyła się do 10 000. Samych portretów było kilkaset. Są to głównie portrety innych mieszkańców wsi. Artysta pracował dużo i owocnie w latach trzydziestych XX wieku, ale swoje pierwsze arcydzieła stworzył już w latach wojny.

Arkady Aleksandrowicz jest urodzonym realistą. Modernistyczna duma, poszukiwanie czegoś zupełnie nowego i niespotykanego były mu zupełnie obce. Żył w świecie i podziwiał jego piękno. Podobnie jak wielu rosyjskich artystów realistów, Plastov jest przekonany, że dla artysty najważniejsze jest dostrzeżenie tego piękna i bycie niezwykle szczerym. Nie musisz pisać pięknie, musisz pisać prawdę, a będzie piękniejsza niż jakakolwiek fantazja. Artysta wielokrotnie testował każdy odcień, każdą cechę swoich obrazów, pracując z życia.

Bezpretensjonalność, całkowity brak tak zwanego „manieru” odróżnia Plastova nawet od tych wspaniałych mistrzów, których zasady artystyczne odziedziczył - A.E. Arkhipova, F. A Malyavina, K.A. Korowina. Plastow A.A. uznaje się za następcę całej narodowej tradycji artystycznej. W kolorze rosyjskiej natury widzi urzekające kolory naszych dawnych ikon. Te kolory żyją w jego obrazach: w złocie pól zbóż, w zieleni trawy, w czerwieni, różu i niebieski kolor chłopskie ubrania. Miejsce świętych ascetów zajmują rosyjscy chłopi, których praca jest jednocześnie ciężka i święta, których życie jest dla Plastowa ucieleśnioną harmonią natury i człowieka.

Twórczość Plastova odzwierciedla perypetie narodu radzieckiego podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej („Faszystowski lot”, 1942), patriotyczną pracę kobiet, starców i dzieci na polach kołchozów w latach wojny („Żniwa”, „Sianokiszonki” , 1945, oba obrazy zostały nagrodzone Nagrodą Stalina w 1946 roku). Obraz „Sianokosy” zabrzmiał jak barwny hymn na cześć nowego, spokojnego życia, radości ludu, który z trudnych prób wojennych wyszedł z honorem i chwałą. W obrazie „Żniwa” motyw wojny jest ukryty, to pod nieobecność ojców i starszych braci dzieci siedzących obok starszego chłopa. Jego triumf tkwi w blasku promieni słonecznych, bujności ziół i kwiatów, szerokości rosyjskiego krajobrazu, prostej i wiecznej radości pracy w ojczyźnie.

W czasie wojny artysta mieszkał i pracował we wsi Prislonikha. Płótno Plastova „Faszystowski lot” (1942) to jedno z najbardziej niepokojących i niezapomnianych dzieł malarstwa. Rosyjska jesień, ze złotym nakryciem głowy z opadających liści, więdnącą zielenią na polach i postacią martwego pasterza na pierwszym planie, nosi ślady bezsensownego okrucieństwa wojskowego. Sylwetka lecącego niemieckiego zabójczego samolotu jest ledwo widoczna na horyzoncie.

A następnie w swoich najlepszych dziełach Plastow utrzymał osiągnięty poziom: „Wiosna” (1952), „Młodzież” (1953–54), „Wiosna” (1954), „Lato” (1959–60), „Kolacja dla traktora Kierowcy” (1951). Wśród dzieł Plastova wyróżnia się także obraz „Wiosna” (1951). To płótno emanuje poetyckim poczuciem życia. Wybiegająca z wiejskiej łaźni młoda dziewczyna starannie ubiera dziewczynkę. Artystka po mistrzowsku oddaje piękno młodego, nagiego kobiecego ciała, przejrzystość jeszcze chłodnego powietrza. Człowiek i przyroda pojawiają się tu w nierozerwalnym związku.

To nie przypadek, że w tytułach wielu jego obrazów kryje się coś ogólnego. Arkady Aleksandrowicz otrzymał rzadką umiejętność przekształcania rzeczywistych wydarzeń, często najzwyklejszych, w idealny obraz, jakby chciał odkryć ich najgłębsze, prawdziwe znaczenie i znaczenie w całym systemie wszechświata. Dlatego on, nowoczesny rosyjski realista, w naturalny sposób kontynuował klasyczną tradycję artystyczną.

Szczęście istnienia, niewytłumaczalnie słodkie uczucie Ojczyzny dosłownie wylewa się na nas z obrazów Plastowa. Ale... Rosja, którą tak umiłował Plastow i której był częścią, na jego oczach odchodziła już w przeszłość. „Z przeszłości” (1969-70) – tak nazywa się jeden z ostatnich główne dzieła artysta. Chłopska rodzina w polu podczas krótkiego odpoczynku. Wszystko jest tak naturalnie proste i tak znaczące. Chłopska Święta Rodzina. Świat harmonii i szczęścia. Kawałek nieba na ziemi.

Interesujące są także ilustracje Plastova do dzieł rosyjskich poetów i prozaików. Światopoglądowo są bardzo bliscy jego obrazom. Jasność i emocjonalność tej koncepcji wyróżniają prace Plastova w dziedzinie ilustracji („Mróz, czerwony nos” N.A. Niekrasowa, 1948; „Córka kapitana” A.S. Puszkina, 1948–1949; prace L.N. Tołstoja, 1953; opowiadanie autorstwa A.P. Czechow, 1954 itd.).

Obraz na płótnie "Zbiorowe wakacje na farmie". Z wielu powodów praca ta wpisuje się w definicję stylu socrealizm, uznany za podstawowy dla Sztuka radziecka. Należy jednak wyjaśnić, że wspomniany obraz został uwzględniony w metodzie realistycznej z zastrzeżeniami, gdyż jest zbyt jaskrawy i demonstracyjnie popularny. Autor kilkakrotnie przeciążał fabułę szczegółami, ale to pomogło mu stworzyć wrażenie naturalnej wiejskiej zabawy, pozbawionej oficjalnej bezczynności.

Plastow A.A. - malarz radziecki, artysta ludowy ZSRR. Plenerowe obrazy i pejzaże, portrety Plastova przepojone są poetyckim postrzeganiem natury, życia rosyjskiej wsi i jej mieszkańców („Faszystowski lot”, 1942, cykl „Ludzie” wieś kołchozowa", 1951-1965). Nagroda Lenina (1966). Państwo Nagroda ZSRR (1946).

W roku 1945 zakończył się duży okres w historii sztuki XX wieku. Zwycięstwo sił demokratycznych nad faszyzmem i następujące po nim ogromne zmiany społeczno-polityczne, narodowe i międzynarodowe zdecydowanie przebudowały geografię artystyczną świata i spowodowały poważne zmiany w składzie i przebiegu rozwoju sztuki światowej. Ze swoimi nowymi problemami wkracza sztuka okres powojenny, gdy trzy główne czynniki determinujące jego rozwój – społeczno-polityczny, narodowy i międzynarodowy, ideologiczny i artystyczny – tworzą nową sytuację historyczną i artystyczną.

Twórczość artystów i rzeźbiarzy przepojona była duchem czasu wojny. W latach wojny upowszechniły się takie formy operacyjnej propagandy wizualnej, jak plakaty i karykatury wojskowe i polityczne. Te plakaty, zapadające w pamięć całemu pokoleniu wojskowemu narodu radzieckiego, ukazały się w tysiącach egzemplarzy: „Wojownik Armii Czerwonej, ratuj nas!” (V. Koretsky), „Partyzanci, mścijcie się bez litości!” (T. Eremin), „Ojczyzna woła!” (I. Toidze) i wielu innych. W tworzeniu satyrycznego „Okna TASS” wzięło udział ponad 130 artystów i 80 poetów.

Gierasimow Siergiej Wasiljewicz (1885-1964)

Zdolny malarz i grafik, mistrz ilustracji książkowej, urodzony nauczyciel, S.V. Gerasimov z powodzeniem zrealizował swój talent we wszystkich tych obszarach kreatywności.

Wykształcenie artystyczne zdobył w SKhPU (1901-07), następnie w MUZHVZ (1907-12), gdzie studiował u K.A. Korovin i S.V. Iwanowa. W młodości Gierasimow preferował akwarelę i właśnie w tej subtelnej technice wypracował wykwintną kolorystykę charakterystyczną dla swoich dzieł, ze srebrzysto-perłowymi odcieniami swobodnych, lekkich pociągnięć. Obok portretów i pejzaży często sięgał po motywy życia ludowego, jednak to nie detale narracyjne czy etnograficzne przyciągały tu artystę, ale same elementy życia wiejskiego i prowincjonalnego miasta („Przy wozie”, 1906; „ Rzędy Mozhaisk”, 1908; „Wesela w tawernie”, 1909). Na rysunkach, litografiach, rycinach z początku lat dwudziestych XX wieku. (cykl „Mężczyźni”) artysta poszukiwał ostrzejszej, dramatycznie intensywnej ekspresji chłopskich charakterów. Poszukiwania te były częściowo kontynuowane w malarstwie: „Żołnierz pierwszej linii” (1926), „Strażnik folwarku zbiorowego” (1933). Gerasimov jest z natury autorem tekstów, znakomitym malarzem pejzażu. Jego największe osiągnięcia to małe, pełnowymiarowe szkice rosyjskiej natury. Wyróżniają się poezją, subtelnym wyczuciem życia, harmonią i świeżością koloru („Zima”, 1939; „Minął lód”, 1945; „Wiosenny poranek”, 1953; cykl „Pejzaże możajskie”, lata 50. XX w. itp. ). Tymczasem zgodnie z przyjętą wówczas oficjalną hierarchią gatunków obraz o szczegółowej i spójnej ideologicznie fabule uznawano za pełnoprawne dzieło malarskie. Ale takie obrazy były w pewnym stopniu udane dla Gierasimowa tylko wtedy, gdy potrafił w nich przekazać stan liryczny, jednocząc poezję środowisko naturalne: „Na Wołchow. Rybacy” (1928-30), „Zbiorowe wakacje w gospodarstwie” (1937).

Próby oddania dramatycznych sytuacji okazały się mało przekonujące („Przysięga partyzantów syberyjskich”, 1933; „Matka partyzanta”, 1947). Wśród prace graficzne Najsłynniejsze ilustracje artysty do wiersza N.A. Niekrasowa „Kto dobrze żyje na Rusi” (1933-36) i powieści M. Gorkiego „Sprawa Artamonowa” (1939-54; za nie Gerasimow został nagrodzony złotym medalem na Wystawie Światowej w Brukseli w 1958 r.). Od najmłodszych lat i przez całą karierę Gierasimow pasjonował się nauczaniem: w szkole artystycznej w drukarni I.D. Partnership. Sytina (1912-14), w Państwowej Szkole Drukarskiej przy Ludowym Komisariacie Oświaty (1918-23), w Wchutemie - Wchuteinie (1920-29), Moskiewskim Instytucie Drukarskim (1930-36), MGHI (1937- 50), MVHPU (1950-64). W 1956 roku uzyskał stopień naukowy doktora historii sztuki.

Aleksander Aleksandrowicz Deineka

Aleksander Aleksandrowicz Deineka urodził się 8 (20) maja 1899 roku w Kursku, w rodzinie kolejarza. Podstawowe wykształcenie otrzymał w Charkowskiej Szkole Artystycznej (1915-1917). Młodość artysty, podobnie jak wielu jego współczesnych, związana była z wydarzenia rewolucyjne. W 1918 pracował jako fotograf w Ugrozysku, kierował sekcją plastyczną Gubnadobrazu, projektował pociągi propagandowe, brał udział w obronie Kurska przed Białymi.W latach 1919-1920 Deineka służył w wojsku, gdzie kierował pracownią artystyczną pracownia w kurskim departamencie politycznym oraz „Okna ROST” w Kursku.

Z wojska został wysłany na studia do Moskwy, do VKHUTEMAS na wydziale drukarskim, gdzie jego nauczycielami byli V.A. Favorsky i I.I. Niwińskiego (1920-1925). Bardzo ważne w rozwoju twórczym i kształtowaniu światopoglądu artysty mieli lata praktyki i komunikacji z V.A. Favorsky'ego, a także spotkania z V.V. Majakowski. Kreatywny wygląd Deineki był wyraźnie i wyraźnie reprezentowany w swoich pracach na pierwszej wystawie w 1924 r., w której brał udział w ramach „Grupy Trzech” (w grupie znaleźli się także A.D. Goncharov i Yu.I. Pimenov) oraz na Pierwszej Wystawie Dyskusyjnej Stowarzyszeń Aktywnej Sztuki Rewolucyjnej. W 1925 roku Deineka został jednym z założycieli Towarzystwa Malarzy Sztalugowych (OST). W tych latach stworzył pierwszy radziecki prawdziwie monumentalny obraz historyczny i rewolucyjny „Obrona Piotrogrodu” (1928). W 1928 Deineka został członkiem Październikowego stowarzyszenia artystycznego, a w latach 1931-1932 – członkiem Rosyjskiego Związku Artystów Proletariackich (RAPH). W 1930 roku artysta stworzył plakaty o wyrazistej kolorystyce i kompozycji: „Mechanizujemy Donbas”, „Pracownik fizyczny”. W 1931 roku ukazały się obrazy i akwarele bardzo odmienne pod względem nastroju i tematyki: „Na balkonie”, „Dziewczyna w oknie”, „Najemnik interwencjonistów”.

Nowy, znaczący etap w twórczości Deineki rozpoczął się w 1932 roku. Najważniejszym dziełem tego okresu jest obraz „Matka” (1932). W tych samych latach artysta stworzył dzieła odważne w swej nowości i poezji: „Nocny krajobraz z końmi i suchymi ziołami” (1933), „Dziewczyny w kąpieli” (1933), „Popołudnie” (1932) itp. Wraz z ukazały się także dzieła o brzmieniu lirycznym, dzieła społeczno-polityczne: „Bezrobotni w Berlinie” (1933), przepełnione gniewem rysunki do powieści „Ogień” A. Barbusse’a (1934). Od połowy lat trzydziestych Deineka zainteresowała się nowoczesne motywy. Artysta podejmował już temat lotnictwa („Spadochroniarze nad morzem”, 1934), jednak w 1937 roku pracował nad ilustracjami do książki dla dzieci pilota G.F. Książka „Przez biegun do Ameryki” Baidukowej (opublikowana w 1938 r.) przyczyniła się do ponownego zainteresowania mistrza lotnictwem. Napisał wiele obrazów, jeden z najbardziej romantycznych - „Przyszli piloci” (1937). Temat historyczny znalazła swoje ucieleśnienie w dzieła monumentalne, poświęcony głównie historii przedrewolucyjnej. Artysta wykonywał szkice paneli na wystawy w Paryżu i Nowym Jorku. Do najważniejszych dzieł przełomu lat 30. i 40. XX w. należy „Lewy Marsz” (1940). Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Deineka tworzył dzieła intensywne i dramatyczne. Obraz „Przedmieścia Moskwy. Listopad 1941” (1941) jest pierwszą z tej serii. Inna praca, „Spalona wieś” (1942), przepojona jest głębokim cierpieniem. W 1942 roku Deineka stworzył przepełnione bohaterskim patosem płótno „Obrona Sewastopola” (1942), będące swoistym hymnem na cześć odwagi obrońców miasta. Do znaczących dzieł okresu powojennego należą obrazy „Nad morzem. Rybaczki” (1956), „Moskwa Wojskowa”, „W Sewastopolu” (1959), a także mozaiki do foyer auli Uniwersytetu Moskiewskiego (1956), mozaiki do foyer Pałacu Kongresów na Kremlu moskiewskim (1961). Mozaiki Deineki zdobią moskiewskie stacje metra „Majakowska” (1938) i „Nowokuźniecka” (1943), a za mozaiki „Dzień dobry” (1959–1960) i „Hokeiści” (1959–1960) został odznaczony Nagrodą Lenina Nagroda w 1964 r.

Deineka wykładał w Moskwie w Vkhutein (1928–1930), w Moskiewskim Instytucie Drukarskim (1928–1934), w Moskiewskim Instytucie Sztuki im. V.I. Surikowa (1934–1946, 1957–1963), w Moskiewskim Instytucie Sztuk Stosowanych i Dekoracyjnych (1945–1953, dyrektor do 1948), w Moskiewskim Instytucie Architektury (1953–1957). Był członkiem prezydium (od 1958), wiceprezesem (1962-1966), sekretarzem naukowym (1966-1968) katedry sztuka dekoracyjna Akademia Sztuk ZSRR. Odznaczony Orderem Lenina, Orderem Czerwonego Sztandaru Pracy i medalami, Bohater Pracy Socjalistycznej (1969)

12 czerwca 1969 roku w Moskwie zmarł Aleksander Aleksandrowicz Deineka i został pochowany na moskiewskim cmentarzu Nowodziewiczy

Korin Paweł Dmitriewicz

Korin Paweł Dmitriewicz (1892-1967), rosyjski artysta. Urodzony w Palech 25 czerwca (7 lipca) 1892 r. w rodzinie malarza ikon. W 1912 wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, którą ukończył w 1916. Wśród jego mentorów był K.A. Korovin i S.V. Maliutin; jednakże głównymi nauczycielami Korina byli członkowie AA. Iwanow i M.V. Niestierow. Korin mieszkał w Moskwie i często odwiedzał Palech.

Marzenia młodego artysty o stworzeniu dużego płótna odpowiadającego Mesjaszowi Iwanowa spełniły się wreszcie w klasztorze Dońskim, w dniu pogrzebu patriarchy Tichona (1925). Masa tysięcy wiernych zainspirowała Korina do stworzenia Requiem, obrazu, który miał ucieleśniać „Świętą Ruś” z przełomu wieków tragiczne zmiany. Zgodnie z tym planem tworzy wspaniałe portrety typograficzne (Ojciec i syn, 1930; Żebrak, 1933; Przełożona, 1935; Metropolita (przyszły patriarcha Sergiusz), 1937 itd.; prawie wszystkie prace znajdują się w Muzeum Domu Korin) ; Rozwija się jego oryginalny styl pisania, znacznie trudniejszy i bardziej surowy niż styl Niestierowa. Na zaproszenie M. Gorkiego (który zaproponował nazwanie przyszłego obrazu Rusią odejściem) Korinowi udało się w latach 1931-1932 odwiedzić Włochy i inne kraje europejskie. W latach 30. XX w. prace nad śmiercią Rosji (w wyniku bezpośrednich gróźb ze strony NKWD) musiały zostać przerwane. Podążając za tragicznie samotnym wizerunkiem Gorkiego (1932), Korin napisał w latach 1939–1943 (na zlecenie Komitetu Sztuki) serię portretów sowieckich osobistości kulturalnych (M.V. Niestierow, A.N. Tołstoj, V.I. Kachałow; wszystkie - V. Galeria Trietiakowska; itp.), ceremonialny i jednocześnie ostro dramatyczny. Tryptyk Aleksander Newski (1942-1943, ibid.) oraz mozaiki na stacji metra Komsomolskaja (1953) powstałe w latach wojny i powojennych przesiąknięte są patosem walki i zwycięstwa. W powojennych dziesięcioleciach Korin ukończył szkic kompozycyjny Requiem (1959, muzeum domowe) i kontynuował serię „portretów bohaterskich” (S.T. Konenkov, 1947; Kukryniksy, 1958; oba portrety w Galerii Trietiakowskiej; Nagroda Lenina 1963 ).

W latach 1932-1959 Korin prowadził warsztaty restauratorskie Muzeum Sztuk Pięknych A.S. Puszkin. Zgromadził najcenniejszy zbiór starożytnej sztuki rosyjskiej (eksponowany – wraz z dziełami samego artysty – w jego moskiewskim domu-muzeum, otwartym w 1971 roku).

Okna TASS

„Okna TASS” to plakaty propagandy politycznej produkowane przez Agencję Telegraficzną Związku Radzieckiego (TASS) podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-1945. Podobnie jak „Okna wzrostu” – cykl artystyczny stworzony przez Władimira Majakowskiego podczas wojny secesyjnej – jest to wyjątkowy rodzaj sztuki propagandowo-masowej. Ostre, zrozumiałe plakaty satyryczne z krótkimi, łatwymi do zapamiętania tekstami poetyckimi demaskowały wrogów Ojczyzny.

Każda wojna to nie tylko konfrontacja pomiędzy armiami, bronią i schematy taktyczne. Każda wojna jest potężną bitwą ideologiczną, której przewaga pomaga zwyciężyć na polu bitwy. Najbardziej uderzającym, widocznym potwierdzeniem tego faktu stała się Wielka Wojna Ojczyźniana. Po pokonaniu wroga w śmiertelne bitwy, pokonaliśmy go moralnie. Wygraliśmy w strasznym i katastrofalnym roku 1941. Ponieważ już wtedy odwoływali się do najlepszych, najjaśniejszych stron ludzkiej duszy. Nasza wojna była sprawiedliwa, ofiarna i patriotyczna. Walczyliśmy o naszą ziemię, o nasz naród, o zbezczeszczony honor naszego kraju.

W „Oknach TASS” – cyklu plakatów, które ukazywały się regularnie przez całą wojnę i przedstawiały w formie satyrycznej lub patriotycznej najważniejsze, aktualne wydarzenia, które miały miejsce na froncie, na tyłach lub na arenie międzynarodowej, zespół najlepszych artystów, pisarzy i poetów tamtych czasów pracował utalentowane. „Okna TASS” to kolorowe plakaty satyryczne, które weszły do ​​historii Wielkiej Wojny Ojczyźnianej jako wyjątkowa karta bohaterska, jako jeden z najpotężniejszych rodzajów broni ideologicznej, która bezlitośnie pokonała hitlerowskich okupantów i ich generałów. Plakaty te były z reguły wykonane z wielkim kunsztem i wywarły niezwykłe wrażenie na widzu, rodząc płomień sowieckiego patriotyzmu, wzniecając święty gniew i miażdżącą nienawiść do okrutnego i śmiercionośnego wroga, który zdradziecko zaatakował naszą Ojczyznę. Byli dobrze znani na froncie i na tyłach, w podziemiu na okupowanych terenach i w oddziałach partyzanckich, w wielu krajach świata, w tym w samych Niemczech.

Artystom udało się oddać w swoich karykaturach podobieństwo portretu do oryginału, a jednocześnie podkreślić to, co najbardziej charakterystyczne w wyglądzie czy postępowaniu faszystowskiego wodza. Tasowici opowiadali, że przez długi czas uważnie oglądali niemieckie kroniki filmowe, fotografie, badali charakterystyczne gesty, chód i wygląd swoich przyszłych „bohaterów”: Hitlera, Goebbelsa, Goeringa, Himmlera i innych. Tutaj oprócz umiejętności artystycznych trzeba było być subtelnym psychologiem. Boris Efimov wspomina: „Czytałem gdzieś, że w bliskim kręgu elity Hitlera Goebbels nosił przydomek „Myszka Miki” na cześć słynnej rysunkowej myszy. Spodobało mi się to porównanie i zacząłem przedstawiać „mistrza wielkiego kłamstwa” w odpowiedniej formie”. Kukryniksy przedstawił Hitlera w gorączkowych ruchach, z palcem wskazującym, zastraszającymi gestami i rozczochranymi włosami.

Pierwszy plakat TASS Windows ukazał się 27 czerwca 1941 roku, a późniejsze plakaty zaczęto ukazywać się co tydzień. W TASS Windows pracowało ponad 130 artystów i 80 poetów. W jednym patriotycznym odruchu w warsztacie pracowali ludzie różnych zawodów: rzeźbiarze, malarze, malarze, artyści teatralni, graficy, krytycy sztuki.

Główny trzon zespołu stanowili ci, którzy na początku lat dwudziestych współpracowali z Władimirem Majakowskim przy „Oknach ROSTA”: artyści M. Cheremnykh, N. Denisovsky, B. Efimov, V. Lebedev i V. Kozlinsky. Wiele nazwisk artystów i poetów pracujących w TASS Windows było powszechnie znanych nie tylko w Związku Radzieckim, ale także na świecie - trio Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov), Demyan Bedny, Samuil Marshak, Konstantin Simonov.

Od każdego wydania „Windowsa” w czynnej armii oczekiwano nie mniej niż dostaw amunicji i wyposażenie wojskowe. Kontakt z frontem był utrzymywany stale. Przed drzwiami warsztatu na Kuznetskim Moście nieustannie można było zobaczyć pojazdy pierwszej linii przyjeżdżające na kolejną edycję. Często sami Tassowici udawali się na miejsce stacjonowania jednostek wojskowych i organizowali improwizowane wystawy „Okna TASS” tuż na linii frontu.

Plakaty TASS Windows były w czasie wojny skuteczną bronią ideologiczną. Można je było zobaczyć na opancerzeniu czołgów i samolotów. Plakaty rozwścieczyły nazistów. Szczególnie gorliwie w wzbudzaniu tego uczucia wśród okupantów wykazali się partyzanci. Na przykład w Charkowie partyzanci całkowicie zasłonili budynek lokalnego gestapo „oknami TASS”. Nie trzeba wyjaśniać, co czuli faszyści, gdy rano zobaczyli tak wiele zjadliwych i satyrycznych plakatów antyhitlerowskich. A w Tule i Witebsku plakaty naklejone na domy i tak mocno zmarznięte przez mróz, że nie można było ich zerwać ze ścian, hitlerowcy wściekle rozstrzeliwali. Bezsilny gniew Niemców na TASS Windows był tak gwałtowny, że Goebbels osobiście groził, że „rozłączy wszystkich, którzy pracują w TASS Windows, natychmiast po zajęciu Moskwy przez wojska niemieckie”.

Wydział polityczny Armii Czerwonej sporządzał ulotki mały format najpopularniejszy „TASS Windows” z włączonymi tekstami Niemiecki. Ulotki te zrzucano na tereny okupowane przez hitlerowców i kolportowano przez partyzantów. Z tekstów pisanych na maszynie po niemiecku wynikało, że ulotka może służyć jako przepustka do kapitulacji dla niemieckich żołnierzy i oficerów.

Już na pierwszych plakatach Tassowici starali się wskrzesić bohaterską przeszłość narodu rosyjskiego, aby po raz kolejny przypomnieć sobie trudne próby, jakie naród rosyjski przeszedł w walce z obcymi najeźdźcami. Jeden z plakatów nosił tytuł „Naród rosyjski”. Przedstawiały obrazy bitew żołnierzy rosyjskich z Krzyżakami nad jeziorem Pejpus, z hordami Mamajów, z wojskami pruskimi i wojskami Napoleona. Wszystkie te bitwy zakończyły się zwycięstwem armii rosyjskiej.

Niejednokrotnie tematem obrazu stały się legendarne postacie historyczne, wielcy rosyjscy dowódcy: Aleksander Newski, Dmitrij Donskoj, Kutuzow, Suworow. Na plakatach często pojawiały się także uskrzydlone linie Puszkina, Lermontowa, Gribojedowa i Majakowskiego. Pisane o innych wydarzeniach, nabrały nowoczesnego brzmienia.

Bez żadnych urządzeń drukarskich zespołowi autorów udało się codziennie wypuszczać nowe „Okno”. Co ważne: nie ukazał się pojedynczy plakat, ale cały nakład kilkuset egzemplarzy (pod koniec wojny osiągnął półtora tysiąca egzemplarzy), który w najtrudniejszych warunkach został ręcznie wykonany w warsztacie na Kuznetsky Most. Jednocześnie często pracowali na zasadzie „umowy rodzinnej” - pracy było wystarczająco dużo dla wszystkich. Gdy tylko w radiu nadawano komunikaty Sofinformburo, artyści natychmiast szkicowali szkic, a poeci, często wyprzedzając artystów, pisali wiersze. Zwykle plakat był gotowy w ciągu 24 godzin, a w wyjątkowych przypadkach - nie dłużej niż 4 godziny! Powstały na przykład plakaty poświęcone bitwie Kursk Bulge, zdobycie Stalingradu, Charków. Często na plakatach wykorzystywano teksty publikowane już w czasopismach. Tak więc 18 godzin po opublikowaniu wiersza K. Simonowa „Zabij go!” Powstał plakat Kukryniksy, na którym faszysta w postaci potwora w kształcie goryla z karabinem maszynowym w rękach przeszedł po zwłokach kobiet i dzieci. Nie trzeba dodawać, że wściekłe, pociągające linie Konstantina Simonowa w połączeniu z obrazem nieludzkiego wyglądu okupanta wywarły potężny wpływ moralny na dusze żołnierzy walczących za Ojczyznę!

„Okna TASS” zostały wydrukowane w kilku kolorach przy użyciu szablonów i kontynuowały tradycje rosyjskiego malarstwa ludowego i satyrycznego „Okna ROSTA” z lat 20-tych. ubiegłego wieku: lakoniczny, dokładny rysunek, dźwięczny kontrastowy kolor, gryzący, dowcipny tekst, łatwy do zapamiętania rym. Oto kilka podpisów tekstowych na pierwszych plakatach: „Faszysta poszedł drogą do Prutu, ale faszyści nie są z Prutu”, „Każde uderzenie młota jest ciosem dla wroga”!, „Śmierć faszyście”. robactwo!”, „Wiedzieliśmy: obrońca Moskwy nie jednoczy się!”, „Rozbijając faszystów bez litości, działa morskie mówią: kto pokona wroga pod Leningradem, broni Stalingradu! Jeśli pokonasz wroga na północy, pomożesz pokonać wroga nad Wołgą!”…

Szczególne miejsce w pracy redakcyjnej zajmowała obrona Moskwy. W najcięższych warunkach oblężonego miasta, kiedy ewakuowano na wschód kraju większość przedsiębiorstw i instytucji kulturalnych, w tym główny trzon redakcji TASS Windows, garstka artystów Tass na czele z M. Sokołowem-Skalą na czele , pozostał w mieście, aby pomóc w swojej pracy Armia Czerwona broni swojej rodzimej stolicy. Aby przekonać wszystkich Moskali i żołnierzy na froncie, że redakcja pracuje spokojnie nawet w niebezpiecznej sytuacji, na znaczku każdego „okna” postanowiono umieścić datę i słowo „Moskwa”. W ciągu zaledwie dwóch miesięcy – października i listopada – ukazało się około 200 plakatów! To była naprawdę heroiczna praca. Popularność i znaczenie „Okna TASS” były takie, że już w 1942 roku na wystawie Muzeum Historycznego „Klęska wojsk hitlerowskich na podejściu do Moskwy” znaczną część ekspozycji stanowiły plakaty z warsztatu na Kuznetsky Most. Wzbudziło to duże zainteresowanie wśród mieszkańców miasta. Od 22 marca do 3 maja wystawę odwiedziło 10 199 osób.

„Okna TASS” cieszą się dużą popularnością nie tylko w naszym kraju, ale także za granicą. Na początku wojny za granicą odbyło się sześć wystaw – w Anglii, USA, Ameryka Łacińska, Chiny, Szwecja. Na przykład w Chinach po obejrzeniu wystawy 12 Chińczyków przybyło do konsulatu sowieckiego i złożyło podanie o przyjęcie na ochotnika w szeregi Armii Czerwonej. W Helsinkach, gdzie wystawa odbyła się zaraz po tym, jak Finlandia przestała być niemieckim satelitą, wielu zwiedzających pozostawiło w księdze gości entuzjastyczne wpisy: „Związek Radziecki umie walczyć, ale jest też mistrzem w rysowaniu. Genialny! Czapki z głów! Jeden z amerykańskich producentów wysłał list do Moskwy z prośbą o wystawienie imiennej prenumeraty „TASS Windows”, uzasadniając swoją prośbę tym, że choć nie podziela ideologii zawartej na tych plakatach, to jednak te zamieszczone na warsztatach jego przedsiębiorstwa w znaczący sposób przyczyniają się do wzrostu produktywności pracowników, co jest niezwykle korzystne. „Niektóre „Okna” – napisano w „Wieczór moskiewski” w sierpniu 1942 roku – „zostają w całości przedrukowane za granicą i publikowane w formie plakatów z obcym tekstem”.

Rząd radziecki bardzo docenił pracę zespołu. W 1942 roku grupa poetów i artystów otrzymała dziewięć nagród Nagrody państwowe. Przyjęli ich S. Marshak, Kukryniksy, P. Sokolov-Skalia, G. Savitsky, N. Radlov, P. Shumikhin, M. Cheremnykh. W sumie w czasie wojny wydano 1250 plakatów, które stanowiły prawdziwie poetycką i artystyczną kronikę Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Nie ma wątpliwości, że TASS Windows na zawsze pozostanie jedną z najjaśniejszych kart w historii kultury naszego kraju. I wysoki stanowisko cywilne najlepsi przedstawiciele Kultura narodowa, którzy swoją bezinteresowną pracą w warsztatach artystycznych na Moście Kuźnieckim przybliżyli zwycięstwo, jest bez wątpienia przykładem służby Ojczyźnie i swojemu narodowi.

Opublikowano na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Gatunek bitewny w sztuce, poświęcony tematyce wojny i życia wojskowego. Historia gatunku, doświadczenie realistycznego przedstawiania bitew. Artyści pracujący w gatunku bitewnym. Główne kamienie milowe biografia A.S. Czagadajew, jego dzieła.

prezentacja, dodano 22.05.2012


Studiując twórcze dziedzictwo rosyjskiego malarza batalistycznego V.V. Wiereszchagin. Głównym zadaniem jego twórczości jest walka poprzez sztukę ze „strasznym widmem wojny”. Analiza malowideł batalistycznych poświęconych kampanii turkiestańskiej i wojnie na Bałkanach.

streszczenie, dodano 11.05.2014


Początki gatunku. Tradycja ballad w historii Europy. Wpływ romansu hiszpańskiego na rozwój gatunku ballad. Ballada w epoce renesansu i czasach nowożytnych. Rozwój gatunku ballad literackich. Ballada w historii poezji rosyjskiej. Rola ballady w rozwoju sztuki.

praca na kursie, dodano 30.10.2004


Ogólna charakterystyka, klasyfikacja i typy krajobrazu jako jednego z współczesnych gatunków sztuki. Identyfikacja cech i zależności gatunku pejzażowego w malarstwie, fotografii, kinie i telewizji. Historia powstania sztuki fotograficznej na przełomie XIX i XX wieku.

streszczenie, dodano 26.01.2014


Malarstwo Wielkiej Wojny Ojczyźnianej: gatunek batalistyczny, apoteoza wojny w wizji V.V. Wierieszczagin, malarstwo wojenne 1941-1945. Kreatywność artystów Plastov A.A., Gerasimova S.V., Deineka A.A., Korin P.D. Dramatyczne sytuacje czasu w sztuce.

streszczenie, dodano 03.06.2011


Istota gatunku zwierzęcego, zasady i główne tematy obrazów tego kierunku. Opis malarstwa i ścieżki życia Christophe'a Drochona, Sonyi Reid, Dana Amico, Nikołaja Kondakowa, Konstantina Flerowa, Jewgienija Charuszyna, Wasilija Aleksiejewicza Watagina.

test, dodano 23.01.2014


Historia powstania i rozwoju zjawiska gatunkowego. Cechy powiązania gatunku z treścią dzieło sztuki w dziedzinie literatury. Gatunek jako zbiór dzieł połączonych wspólnym zakresem tematów i tematów w sztukach wizualnych.

streszczenie, dodano 17.07.2013


Cechy gatunku historycznego w systemie malarstwa rosyjskiego. Wielcy przedstawiciele historycznego gatunku malarstwa, ich wkład w rozwój tego kierunku i słynne dzieła. Rozwój malarstwa gatunkowego i pejzażowego, ich przedstawiciele i popularność.

streszczenie, dodano 27.07.2009


Vereshchagin V.V. - malarz, reformator rosyjskiego gatunku bitewnego. Twórczy styl artysty. Treść dokumentalna i etnograficzna malarstwa z serii turkiestańskiej i bałkańskiej. Emocjonalna ekspresja i wątek antywojenny w filmie „Apoteoza wojny”.

prezentacja, dodano 02.11.2015


Rodzaje gatunków teatralnych. Cechy gatunków artystycznych związanych z teatrem i muzyką. Opera jako forma sztuki muzycznej i teatralnej. Geneza operetki, jej związki z innymi formami sztuki. Monoopera i monodram w teatrze. Historia tragedii.

Powrót do przodu

Uwaga! Podglądy slajdów służą wyłącznie celom informacyjnym i mogą nie odzwierciedlać wszystkich funkcji prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany ta praca, pobierz pełną wersję.

Cel: zapoznanie studentów z historią rozwoju gatunków historycznych i batalistycznych w malarstwie i grafice.

Zadania.

• Rozważ sceny walki jako podstawę artystycznej kroniki wyczynu ludu przed pojawieniem się gatunku historycznego.
• Przedstaw ryciny do średniowiecznych opowieści bohaterskich.
• Rozważ gatunek historyczny poprzez twórczość V. Surikova.

Sprzęt: MMU, prezentacja

Podczas zajęć

I. Część organizacyjna.

II. Ustalenie tematu lekcji.

Fragment „Opowieść o kampanii Igora”. (slajd 1)

Książę Igor z potężną drużyną
Mila czeka na brata Wsiewołoda.
Wsiewołod mówi: „Jeden
Jesteś moim bratem, moim Igorem i moją twierdzą!
Dzieci Światosława jesteśmy z wami,
Więc osiodłaj swoje charty, bracie!
A moje od dawna są gotowe do bitwy,
Pod Kurskiem stoją pod siodłem.

A ludzie z Kurska są mili -
Rycerze są służebni:
Urodzony pod rurami
Dorastałem pod hełmami,
Dorastaliśmy jak wojownicy
Karmione są od końca włóczni.
Wszystkie ścieżki są im znane,
Wszystkie yarugi są znane,
Ich łuki są naciągnięte,
Kołczany są otwarte
Ich szable są zaostrzone,
Szelomy są złocone.
Sami galopują po polu niczym wilki
I zawsze gotowy do walki,
Wydobywany ostrymi mieczami
Chwała księciu, cześć sobie!”

Uczniowie formułują temat lekcji. (Studium gatunku malarstwa przedstawiającego działania wojenne)

III. Przekazywanie nowej wiedzy.

Gatunek historyczny.

Gatunek sztuki wizualnej zajmujący się wydarzeniami i postaciami historycznymi nazywa się gatunkiem historycznym. Gatunek historyczny, charakteryzujący się monumentalnością, od dawna rozwija się w malarstwie ściennym. Od renesansu do XIX wieku. artyści używali tematów starożytna mitologia, Legendy chrześcijańskie. Często prawdziwe wydarzenia historyczne przedstawione na obrazie były nasycone alegorycznymi postaciami mitologicznymi lub biblijnymi. Gatunek historyczny przeplata się z innymi - gatunkiem codziennym (sceny historyczne i codzienne), portretem (przedstawienia postaci historycznych z przeszłości, kompozycje portretowo-historyczne), pejzażem („pejzaż historyczny”) i łączy się z gatunkiem bitewnym. Gatunek historyczny ucieleśnia się w formach sztalugowych i monumentalnych, w miniaturach i ilustracjach. Pochodzący z czasów starożytnych gatunek historyczny łączył prawdziwe wydarzenia historyczne z mitami. W krajach starożytnego Wschodu istniały nawet rodzaje kompozycji symbolicznych (apoteoza zwycięstw militarnych monarchy, przekazanie mu władzy przez bóstwo) oraz narracyjne cykle obrazów i płaskorzeźb. W starożytnej Grecji istniały rzeźbiarskie wizerunki bohaterów historycznych (Tyrannicy, 477 p.n.e.), w starożytnym Rzymie powstawały płaskorzeźby ze scenami kampanii wojennych i triumfów (Kolumna Trajana w Rzymie, ok. 111-114). W średniowieczu w Europie wydarzenia historyczne znajdowały odzwierciedlenie w miniaturowych kronikach i ikonach.

Historia studenta.

Historyczny gatunek malarstwa sztalugowego zaczął kształtować się w Europie w okresie renesansu, w XVII i XVIII wieku. uznano go za gatunek „wysoki”, podkreślający (tematy religijne, mitologiczne, alegoryczne, historyczne). Jeden z pierwszych realistycznych obrazy sztalugowe była kapitulacja Bredy przez Velazqueza (1629-1631, Madryt, Prado). Obrazy gatunku historycznego przepełnione były treścią dramatyczną, wysokimi ideałami estetycznymi i głębią relacji międzyludzkich: Bitwa o świcie Tintoretta (ok. 1585, Wenecja, Pałac Dożów), N. Poussina Hojność Scypiona (1643, Moskwa, Puszkin Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych), J.L. David Przysięga Horacjuszy (1784, Paryż, Luwr), E. Manet Rozstrzelanie cesarza Maksymiliana (1871, Budapeszt, Muzeum Sztuk Pięknych). ...... (slajdy 3-8)

Gatunek bitewny (od francuskiego bataille - bitwa) to gatunek sztuki poświęcony tematyce wojny i życia wojskowego. Główne miejsce w gatunku bitewnym zajmują sceny bitew lądowych, morskich i kampanii wojskowych. Artysta stara się uchwycić szczególnie ważny lub charakterystyczny moment bitwy, ukazać heroizm wojny, a często także odsłonić historyczny sens wydarzeń militarnych, co zbliża gatunek batalistyczny do historycznego. A sceny z życia wojskowego (w kampaniach, koszarach, obozach) często kojarzą je z gatunkiem codziennym. (slajd 9)

Formowanie się współczesnego gatunku bitewnego rozpoczęło się w XVI wieku.

Pierwsze próby realistycznego przedstawienia bitew sięgają czasów renesansu we Włoszech. Stopniowo oficjalne bitwy zastępują obrazy prawdziwych epizodów wojskowych.

Historia studenta.

W Rosji aktywny rozwój gatunku bitewnego rozpoczął się w XVIII wieku - od czasów wspaniałych zwycięstw Piotra I i jego dowódców. Są to obrazy „Bitwa pod Kulikowem”, „Bitwa pod Połtawą” przypisywane I.N. Nikitin (ok. 1690-1750), ryciny A.F. Zubowa przedstawiające bitwy morskie.

Rosyjski gatunek batalistyczny (obrazy batalistyczne) jest przesiąknięty szczególnym duchem patriotyzmu i stara się wyrazić podziw dla bohaterstwa i odwagi wojowników. Zwycięstwa Suworowa i Kutuzowa zainspirowały rosyjskich artystów do malowania obrazów i płócien opiewających odwagę i bohaterstwo rosyjskich żołnierzy.

Tradycję tę kultywowali także malarze batalistyczni XX wieku. Gatunek bitewny przeżył nowy rozkwit w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej i lat powojennych - w plakatach i „oknach TASS”, grafice frontowej, malarstwie, a później w rzeźbie monumentalnej.

Szczególnie w gatunku bitewnym i obrazach bitewnych szkoły krajowej można wyróżnić tworzenie diar i panoram poświęconych historycznym bitwom i bitwom.

Historia Rosji jest pełna i nasycona wojnami i bitwami. W związku z tym rosyjscy malarze batalistyczni stworzyli wiele piękne prace sztuka o znaczeniu krajowym i światowym.

Obrazy batalistyczne są jednym ze składników gatunku bitewnego. Piękne obrazy batalistyczne malowane w technice olejnej na płótnie przez wybitnych artystów rosyjskich znajdują się w muzeach Moskwy i Petersburga.

(slajdy 10-15)

IV. Rozważ reprodukcje - praca z podręcznikiem s. 99-103

V. Dialog o sztuce (slajd 16)

1. Dlaczego „Układ kampanii Igora” i bitwa pod Kulikowem wywarły tak duży wpływ na artystów?
2. Co najczęściej podkreślali rodzimi artyści, przedstawiając wydarzenia z odległej przeszłości?
3. W jaki sposób przekazali patos walki o niepodległość państwa rosyjskiego i ideę zjednoczenia ziem rosyjskich wokół Moskwy?
4. Który kawałek szczególnie przypadł Ci do gustu? Wyjaśnij dlaczego?

VI. Przygotowanie do pracy praktycznej.

Wybierz temat i fabułę kompozycji bitwy. Fabuła jest bardziej prywatnym, specyficznym ucieleśnieniem tematu.

Pamiętaj, że stosując prawa, perspektywa i odpowiednia kolorystyka pomogą Ci stworzyć nie tylko przekonującą, ale także wyrazistą, oryginalną kompozycję historycznych średniowiecznych bitew.

Szkicując kompozycję, natychmiast określ miejsce bitwy, oblężenia lub działań wojennych.

Nie zapomnij o zasadach kompozycji. Podkreśl centrum kompozycji i nadaj kompozycji równowagę. Centrum kompozycji stanowi fabuła z głównymi bohaterami.

VII. Praktyczna praca.

Narysuj rysunek na wybrany przez siebie temat średniowiecznych działań wojennych: bitwa pod murami twierdzy, pojedynek itp.

Materiały: gwasz, tusz, kredki, papier.

Fizminutka (slajd 18)

VIII. Zreasumowanie.

Ogólny patos twórczości rosyjskich artystów na temat wyczynów zbrojnych, wykonanych w różnych technikach i gatunkach, można wyrazić słowami N.K. Roericha: „Najliczniejsi wrogowie ziemi rosyjskiej zostali zawstydzeni niezniszczalnym duchem armii rosyjskiej i ofiarną bezinteresownością całego narodu”.

Ale słońce wschodzi na niebie -
Książę Igor pojawił się na Rusi.
Z odległego Dunaju płyną pieśni,
Lot przez morze do Kijowa.
Według Boricheva odwaga rośnie
Do Najświętszej Matki Bożej Pie.
A kraje są szczęśliwe
A miasta są wesołe.
Śpiewaliśmy pieśń starym książętom,
Nadszedł czas, abyśmy chwalili młodych:
Chwała księciu Igorowi,
Wycieczka boją do Wsiewołoda,
Władimir Igorewicz!
Chwała wszystkim, którzy nie szczędzili wysiłków.
Pobite, brudne pułki dla chrześcijan!
Bądź zdrowy, książę, a cała drużyna jest zdrowa!
Chwała książętom i chwała drużynie!
(Układ kampanii Igora)

IX. Odbicie.

Użyte materiały.

1. http://old-russian.chat.ru/ - Starożytna literatura rosyjska
2. Podręcznik plastyki dla klasy szóstej. Autorzy: T.Ya Shpikalova.

GATUNEK BITWY

W 1503 roku dwóch wielkich artystów Włoski renesans Leonardo da Vinci i Michał Anioł otrzymali zlecenie wykorzystania tektury do przyszłych fresków, które miały gloryfikować sukcesy militarne Republiki Florenckiej. Jako temat Leonardo wybrał bitwę pod Anghiari, przedstawiającą zaciętą walkę jeźdźców na hodowanych koniach. Karton był przez współczesnych odbierany jako potępienie brutalnego szaleństwa wojny, podczas której ludzie tracą ludzki wygląd i upodabniają się do dzikich zwierząt.

Kopia P. Rubensa z fresku Leonarda da Vinci „Bitwa pod Anghiari”
(malowidło ścienne w Sali Wielkiej Rady Pałacu Signoria we Florencji, 1503-1505)

Kopia P. Rubensa z fresku Leonarda da Vinci „Bitwa pod Anghiari”
(malowidło ścienne w Sali Wielkiej Rady Pałacu Signoria we Florencji, 1503-1505)

Preferowano „Bitwę pod Casciną” Michała Anioła, która podkreślała moment bohaterskiej gotowości do walki.

Arystoteles da Sangallo. Kopia tekturowej tektury Michała Anioła Buonarrotiego „Bitwa pod Casciną” (1503-1506).
Holkham Hall, Norfolk, Wielka Brytania.

Arystoteles da Sangallo. Kopia tekturowej tektury Michała Anioła Buonarrotiego „Bitwa pod Casciną” (1503-1506).
Holkham Hall, Norfolk, Wielka Brytania.

Obie tektury nie zachowały się i dotarły do ​​nas w rycinach wykonanych w XVI-XVII w. na podstawie rysunków artystów, którzy na początku XVI wieku skopiowali te sceny. Niemniej jednak ich wpływ na dalszy rozwój europejskiego malarstwa batalistycznego był bardzo znaczący. Można powiedzieć, że od tych dzieł rozpoczyna się tworzenie gatunku bitewnego.

Francuskie słowo to „bataille” (czytaj: Batai) oznacza „bitwę”. Od niego wziął swoją nazwę gatunek sztuki poświęconej tematyce wojny i życia wojskowego. Główne miejsce w gatunku bitewnym zajmują sceny bitew i kampanii wojskowych. Artyści bitewni starają się oddać patos i bohaterstwo wojny. Często udaje im się odsłonić historyczne znaczenie wydarzeń militarnych. W tym przypadku dzieła gatunku batalistycznego zbliżają się do gatunku historycznego (np. „Kapitulacja Bredy” D. Velazqueza, 1634–1635, Prado, Madryt), wznosząc się do wysoki poziom uogólnienia przedstawionego wydarzenia, aż do ujawnienia antyludzkiej istoty wojny (tektura Leonarda da Vinci) i sił, które ją rozpętały („Stłumienie powstania indyjskiego przez Brytyjczyków” V.V. Vereshchagina, ok. 1884 ; „Guernica” P. Picassa, 1937, Prado, Madryt). Do gatunku batalistycznego zaliczają się także dzieła przedstawiające sceny z życia wojskowego (życie w kampaniach, obozach, koszarach). Nagrywałem te sceny z dużą uwagą. Artysta francuski XVIII wiek A. Watteau („Odpoczynek wojskowy”, „Trudy wojny”, oba w Państwowym Ermitażu).

D. Velasquez. Kapitulacja Bredy.
1634-1635. Płótno, olej.
Prado. Madryt.

D. Velazquez. Kapitulacja Bredy.
1634-1635. Płótno, olej.
Prado. Madryt.

Obrazy przedstawiające sceny bitew i życia wojskowego znane są od czasów starożytnych. Różnego rodzaju dzieła alegoryczne i symboliczne sławiące wizerunek zwycięskiego króla były szeroko rozpowszechnione w sztuce starożytnego Wschodu (na przykład płaskorzeźby z wizerunkami królów asyryjskich oblegających twierdze wroga), w sztuce starożytnej (kopia mozaiki przedstawiającej bitwę Aleksandra Wielkiego z Dariuszem, IV-III w. p.n.e.), w średniowiecznych miniaturach.

Jednak powstanie gatunku bitewnego datuje się na XV-XVI wiek. W początek XVII V. Dużą rolę w rozwoju gatunku bitewnego odegrały ryciny Francuza J. Callota, które obnażyły ​​okrucieństwo zdobywców i ostro pokazywały katastrofy ludzi podczas wojen. Wraz z obrazami D. Velazqueza, które głęboko odsłoniły społeczno-historyczne znaczenie wydarzenia militarnego, pojawiły się pełne pasji obrazy flamandzkiego J. J. Rubensa, przesiąknięte patosem walki. Od połowy XVII wieku. Dominują dokumentalne sceny kronikarskie bitew i kampanii wojennych, np. Holendra F. Wauermana („Bitwa kawalerii”, 1676, Państwowe Muzeum Ermitażu).

W XVIII - początkach XIX wieku. malarstwo batalistyczne rozwija się we Francji, gdzie szczególnie znane są obrazy A. Gro gloryfikujące Napoleona I. Wspaniałe sceny odważnych zmagań narodu hiszpańskiego z francuskimi najeźdźcami uwiecznione są w grafikach i obrazach F. Goi (cykl rycin „Katastrofy wojny”, 1810-1820). Postępowy nurt rozwoju gatunku bitewnego w XIX-XX wieku. wiąże się z realistycznym ukazaniem społecznego charakteru wojen. Artyści demaskują niesprawiedliwe, agresywne wojny, gloryfikują bohaterstwo ludzi w wojnach rewolucyjnych i wyzwoleńczych, pielęgnują wysokie uczucia patriotyczne.

Rosyjscy artyści II wieku wnieśli cenny wkład w rozwój gatunku bitewnego. połowa XIX wieku V. V.V. Vereshchagin i V.I. Surikov. Obrazy Wierieszczagina obnażają militaryzm, niepohamowane okrucieństwo zdobywców, ukazują odwagę i cierpienie zwykłego żołnierza („Po ataku. Punkt przesiadkowy pod Plewną”, 1881, Państwowa Galeria Trietiakowska).

V.V. Vereshchagin. Z wrogością, hurra, hurra! (Atak). Z cyklu „Wojna 1812”.
1887-1895. Płótno, olej.
Państwowe Muzeum Historyczne. Moskwa.

V.V. Vereshchagin. Z wrogością, hurra, hurra! (Atak). Z cyklu „Wojna 1812”.
1887-1895. Płótno, olej.
Państwowe Muzeum Historyczne. Moskwa.

Surikow na płótnach „Podbój Syberii przez Ermaka” (1895) i „Przeprawa Suworowa przez Alpy” (1899, oba w Państwowym Muzeum Rosyjskim) stworzył majestatyczną epopeję o wyczynie narodu rosyjskiego, pokazał to bohaterska siła. F. A. Rubo dążył do obiektywnego ukazania działań wojennych w swoich panoramach „Obrona Sewastopola” (1902–1904) i „Bitwa pod Borodino” (1911).

V. I. Surikow. „Podbój Syberii przez Ermaka”
1895. Olej na płótnie.

V. I. Surikow. „Podbój Syberii przez Ermaka”
1895. Olej na płótnie.
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

W twórczości radzieckich malarzy batalistycznych odsłania się wizerunek radzieckiego wojownika patriotycznego, jego hart ducha i odwaga oraz niezrównana miłość do Ojczyzny. Już w latach 20. XX w. M. B. Grekov stworzył niezapomniane obrazy bojowników wojny domowej („Tachanka”, 1925). A. A. Deineka pokazał surowy patos tej epoki w monumentalnym płótnie „Obrona Piotrogrodu” (1928, Centralne Muzeum Sił Zbrojnych, Moskwa).

M. B. Grekov. Taczanka.
1933. Olej na płótnie.
Centralne Muzeum Sił Zbrojnych. Moskwa.

M. B. Grekov. Taczanka.
1933. Olej na płótnie.
Centralne Muzeum Sił Zbrojnych. Moskwa.

Gatunek bitewny doświadczył nowego wzrostu w strasznych dniach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w latach 1941–1945. w pracach Pracowni Artystów Wojskowych im. M. B. Grekowa, Kukryniksy, A. A. Deineki, B. M. Niemenskiego, P. A. Krivonogova i innych mistrzów. Nieugiętą odwagę obrońców Sewastopola, ich zdecydowaną determinację do walki do ostatniego tchnienia pokazał Deineka w filmie „Obrona Sewastopola” (1942, Państwowe Muzeum Rosyjskie).

AA Deineka. „Obrona Sewastopola”.
1942. Olej na płótnie.

AA Deineka. „Obrona Sewastopola”.
1942. Olej na płótnie.
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Współcześni radzieccy malarze bitewni wskrzesili sztukę dioram i panoram, stworzyli dzieła na tematy wojny domowej (E. E. Moiseenko i inni) i Wielkiej Wojny Ojczyźnianej (A. A. Mylnikov, Yu. P. Kugach i in.).

PRACOWNIA ARTYSTÓW WOJSKOWYCH IMIENIA M. B. GREKOWA

Powstanie pracowni jest nierozerwalnie związane z nazwiskiem wspaniałego artysty Mitrofana Borysowicza Grekowa, jednego z twórców radzieckiego malarstwa batalistycznego. Jego płótna „Tachanka”, „Trębacze I Armii Kawalerii”, „W oddziale do Budionnego”, „Flagman i trębacz” znajdują się m.in. dzieła klasyczne Malarstwo radzieckie.

W 1934 roku, po śmierci artysty, specjalną uchwałą Rady Komisarzy Ludowych utworzono w Moskwie „Pracownię Artystyczną Amatorskiej Sztuki Armii Czerwonej im. M. B. Grekowa”. Studio zostało wezwane do kontynuowania i twórczego rozwijania najlepszych tradycji radzieckiego gatunku bitewnego. Początkowo były to warsztaty szkoleniowe dla najzdolniejszych artystów Armii Czerwonej, którzy doskonalili swoje umiejętności pod okiem wybitnych artystów: W. Bakszewa, M. Awiłowa, G. Sawickiego i innych. W 1940 roku pracownia stała się organizacją artystyczną Armii Czerwonej, zrzeszającą artystów wojskowych.

Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wielu Greków poszło na front. Głównym rodzajem pracy twórczej w warunkach wojskowych były pełnowymiarowe szkice. Ich znaczenie historyczne i artystyczne jest nie do przecenienia. Rysunki militarne N. Żukowa, I. Łukomskiego, W. Bogatkina, A. Kokorekina i innych artystów są swoistą widoczną kroniką Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, jej głównych bitew militarnych i życia na linii frontu. Są oznaczone Wielka miłość do głównego bohatera tego największa bitwa za Ojczyznę – żołnierzowi radzieckiemu.

Temat wyczynu ludowego w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej został twórczo wzbogacony nawet po jej zakończeniu. W pierwszych latach powojennych Grecy tworzyli płótna, cykle graficzne, kompozycje rzeźbiarskie które spotkały się z największym uznaniem. Są to obrazy „Matka” B. Niemenskiego, „Zwycięstwo” P. Krivonogova, pomnik Żołnierza Wyzwoliciela E. Vucheticha, zainstalowany w Treptower Park w Berlinie.

Artyści pracowni stworzyli i tworzą wiele monumentalnych pomników chwała wojskowa w różnych miastach Rosji i za granicą. Najważniejsze bitwy są przedstawiane w dziełach takich jak panorama „ Bitwa pod Stalingradem„w Wołgogradzie (w wykonaniu grupy artystów pod przewodnictwem M. Samsonowa), diorama „Bitwa o Perekop” w Symferopolu (autor N. But) i inni. W tych pracach wydają się nadchodzić wydarzenia legislacji wojskowej do życia, pomagają uświadomić sobie, jak ogromną cenę osiągnięto wielkie zwycięstwo ludzie radzieccy.

Prace artystów na różne sposoby odzwierciedlały życie Armii Radzieckiej, jej spokojną codzienność i ćwiczenia wojskowe. Prace czołowych mistrzów pracowni N. Owieczkina, M. Samsonowa, W. Perejasławca, W. Dmitriewskiego, N. Solomina i innych ukazują wizerunek radzieckiego wojownika, człowieka o wysokiej czystości moralnej, duchu ideologicznym, bezinteresownie kochającego swoją Ojczyznę .

Na przestrzeni ponad 80 lat istnienia pracownia brała udział w tworzeniu zakrojonych na szeroką skalę projektów rządowych. Jej artyści stworzyli ponad 70 panoram i dioram, począwszy od pierwszej sowieckiej panoramy „Bitwa pod Stalingradem”, kończąc na cyklu 6 dioram w Centralnym Muzeum Wielkiej Wojny Ojczyźnianej na Wzgórze Połonna. Artyści pracowni Grekov stworzyli arcydzieła monumentalnego gatunku historycznego, dzieła znaczące dla historii, a także ambitne projekty zagraniczne - panoramę „Pleven Epic of 1877” w Bułgarii, malowniczy projekt Mauzoleum Ataturka w Ankarze i Główne Muzeum Wojskowe w Stambule itp.

Zróżnicowany zakres tematyczny dzieł Greków, który ujawnia nie tylko tematy militarno-patriotyczne, ale także religijno-duchowe, liryczne, reprezentuje bogactwo artystyczne klasycznej sztuki rosyjskiej, ucieleśnione w dziesiątkach tysięcy dzieł malarstwa, grafiki i rzeźby.

MALARSTWO BATALNE, czyli malarstwo batalistyczne (od francuskiego bataille – bitwa) to gatunek malarstwa poświęcony tematyce militarnej. Gatunek bitewny obejmuje nie tylko sceny rzeczywistych bitew, ale także sceny z życia wojskowego. Battalistyka to sekcja malarstwo historyczne. Kontaktuje się także z gatunkami codziennymi (sceny z życia wojskowego), portretowymi (portrety dowódców wojskowych, żołnierzy), pejzażowymi, zwierzęcymi (przedstawiającymi kawalerię), a także martwą naturą (przedstawiającą broń i inne atrybuty życia wojskowego). Formowanie się gatunku bitewnego rozpoczęło się w XVI wieku, ale sceny bitew i bitew można już znaleźć na malowidłach naskalnych, w starożytnych freskach i mozaikach, średniowiecznych miniaturach książkowych, na dywanach i gobelinach. Prawdziwy rozkwit gatunku rozpoczyna się w epoce renesansu, kiedy wzrosło zainteresowanie historią i pojawiło się pragnienie ukazania zaciekłości bitwy, gloryfikacji wyczynu i bohatera, który go dokonał. Wśród autorów, którzy w okresie renesansu zajęli się malarstwem batalistycznym, byli tacy artyści jak Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Tycjan i Tintoretto. W XVII wieku do zadań stojących przed mistrzami malarstwa bitewnego dołączyło zainteresowanie psychologia człowieka(„Kapitulacja Bredy” D. Velazqueza, 1634), a w dobie romantyzmu – oburzenie wobec okrucieństwa zdobywców i sympatia dla bojowników o wolność („Masakra na wyspie Chios” E. Delacroix, 1826) .
W Rosji sceny bitew można już znaleźć na ikonach i miniaturach książkowych. W XVIII wieku ryciny poświęcone Wojna Północna, stworzony przez A.F. Zubova. Gatunek bitewny w Rosji rozkwitł w drugiej połowie XIX wieku. W monumentalnych eposach W.I. Surikowa („Podbój Syberii przez Ermaka”, 1895; „Przeprawa Suworowa przez Alpy”, 1899) cały naród jawi się jako bohater. Pomimo tego, że głównym celem BATTLE PAINTING jest gloryfikowanie waleczności militarnej, triumfu zwycięstwa i heroicznej gotowości do walki, wielu artystów zwróciło się także na drugą stronę wojny – tę nieludzką, odbierającą życie. Wśród tych artystów był malarz V.V. Vereshchagin, który sam brał udział w działaniach wojennych. Jego obrazy z serii Turkiestanu (1871-74) i Bałkanów (1877 - 80. XIX w.) przedstawiają nie heroizm zwycięstw, ale nielakierowaną prawdę o wojnie („Apoteoza wojny”, 1871). Mistrzowie gatunku bitewnego, przedstawiający bitwy morskie, w Rosji byli I.K. Aivazovsky i A.P. Bogolyubov. W XX wieku tradycje gatunku batalistycznego kontynuowali M.B. Grekov i założona przez niego Pracownia Artystów Wojskowych, a także mistrz panoram F. Roubaud. Nowy wzrost malarstwa bitewnego w Rosji nastąpił w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej i latach powojennych - w plakatach i „oknach TASS”, malarstwie i grafice frontowej.
W dziale obrazy poświęcone MALARstwU BITWOWEMU, przedmioty związane z motywy militarne, przedstawiające sceny bitew, wojen, kampanii wojskowych, a także portrety personelu wojskowego. W tym dziale znajdziesz nie tylko obrazy, ale także plakaty, litografie i akwarele o tematyce militarnej. Oferujemy Państwu zakup przedmiotów z działu MALARSTWO BITWNE w naszym sklepie z antykami Commission. Sekcja MALOWANIE BITWY jest stale aktualizowana, bądź na bieżąco z nowościami.