Od niepamiętnych czasów człowiek dążył do doskonałości, poszukując harmonii w otaczającym go świecie. Odnajdując piękno, stara się znaleźć sposób na zachowanie tego piękna i przekazanie go swoim potomkom. Sztuka piękna jest jedną z niewielu metod wymyślonych przez człowieka prymitywne czasy. Wtedy starożytni malowali na skałach i ścianach jaskiń sceny przedstawiające życie ich ludu. W ten sposób sztuka malarstwa zaczęła pojawiać się w prymitywnym społeczeństwie. Z biegiem czasu artyści nauczyli się wykorzystywać różnorodne środki i metody rysowania. Pojawiły się nowe gatunki i rodzaje malarstwa. Przekazując zgromadzoną wiedzę i doświadczenie z pokolenia na pokolenie, udało się zachować obraz świata w jego pierwotnej postaci. A dzisiaj mamy okazję podziwiać wszystkie zakątki świata, przyglądając się pracom artystów różne epoki.

Różnica w stosunku do innych rodzajów dzieł sztuki

Malowanie, w przeciwieństwie do innych sposobów przekazywania obrazów wizualnych, odbywa się poprzez nakładanie farby na płótno, papier lub inną powierzchnię. Ten rodzaj dzieł sztuki ma niezwykłość styl artystyczny wyrażenia. Artysta, bawiąc się wyobraźnią i odcieniami barw, potrafi dać widzowi nie tylko popis widzialny świat, ale dodając świeże obrazy od siebie, przekaż swoją wizję i podkreśl coś nowego i niezwykłego.

Rodzaje malarstwa i ich krótki opis

Ten rodzaj sztuki charakteryzuje się w zależności od użytych farb i materiałów. Są różne różne techniki i rodzaje malarstwa. Istnieje 5 głównych odmian: miniaturowa, sztalugowa, monumentalna, teatralna i dekoracyjno-dekoracyjna.

malarstwo miniaturowe

Zaczął się rozwijać jeszcze przed wynalezieniem druku, w średniowieczu. Istniały wówczas księgi pisane ręcznie, które mistrzowie sztuki ozdabiali misternie rysowanymi wstępami i zakończeniami, a także ozdabiali teksty kolorowymi miniaturowymi ilustracjami. W pierwszej połowie XIX wieku do tworzenia małych portretów używano malarstwa miniaturowego. Do tego artyści preferowali akwarele, ponieważ dzięki czystym i głębokim kolorom oraz ich zestawieniom portrety nabierały szczególnego wdzięku i szlachetności.

malarstwo sztalugowe

Ta sztuka malowania ma swoją nazwę ze względu na fakt, że obrazy są wykonywane przy użyciu sztalugi, czyli obrabiarki. Płótna malowane są najczęściej na płótnie naciągniętym na blejtram. Jako podstawę materiałową można również wykorzystać papier, tekturę i drewno. Obraz namalowany na sztalugach jest dziełem całkowicie samodzielnym. Może przedstawiać zarówno fikcję artysty, jak i rzeczywistość we wszystkich jej przejawach. Mogą to być zarówno przedmioty nieożywione, jak i ludzie, zarówno nowoczesność, jak i wydarzenia historyczne.

malarstwo monumentalne

Tego typu Dzieła wizualne jest obrazem na wielką skalę. Malarstwo monumentalne służy do dekoracji sufitów i ścian budynków, a także różnych konstrukcji budowlanych. Z jej pomocą artyści identyfikują istotne wydarzenia społeczne i historyczne, które wpływają na rozwój społeczeństwa i przyczyniają się do formowania ludzi w duchu postępu, patriotyzmu i człowieczeństwa.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne

Ten typ służy do charakteryzacji, rekwizytów, dekoracji kostiumów i scenografii, pomagając odsłonić fabułę spektaklu. Kostiumy, charakteryzacja i dekoracje wykonane są według szkiców artysty, który stara się oddać styl epoki, status społeczny i osobisty charakter postaci.

malarstwo dekoracyjne

Odnosi się do dekoracji wnętrz i budynków za pomocą kolorowych paneli, które tworzą wizualne zwiększenie lub zmniejszenie wielkości pomieszczenia, iluzję przebicia ściany itp.

Malarstwo w Rosji

Wymieniliśmy główne rodzaje malarstwa, które różnią się sposobem, w jaki malarz wykorzystuje materiał do kreatywności. Porozmawiajmy teraz o cechach tego rodzaju sztuki nieodłącznie związanych z naszym krajem. Rosja zawsze słynęła z rozległych przestrzeni z bogatą florą i fauną. I każdy artysta starał się uchwycić na płótnie całe piękno natury i przekazać widzowi wspaniałość obrazów.

Na płótnach znanych twórców można zaobserwować różne rodzaje pejzaży w malarstwie. Każdy z nich, stosując własną technikę, starał się przekazać widzowi własne emocje i własną wizję. Malarstwo rosyjskie jest gloryfikowane przez takich mistrzów jak Lewitan, Szyszkin, Sawrasow, Aiwazowski i wielu innych. Aby napisać swoje znane obrazy używali różnych technik. I tak samo różnorodny wewnętrzne światy mistrzów malarstwa, a ostatecznie ich twórczość i emocje, jakie wzbudzają w widzach, są wielopłaszczyznowe. Powstają najbardziej szczere i głębokie uczucia znane prace nasi malarze.

I tak na przykład „Poranek w lesie sosnowym” Shishkina napełnia nas subtelnym światłem i daje spokój ducha. Wydaje się, że czujemy poranek Świeże powietrze zanurzając się w iglastą atmosferę i obserwując bawiące się młode. Natomiast „Pobrzeże” Aiwazowskiego zabiera nas w otchłań zmartwień i niepokoju. rustykalny jesienna sceneria Lewitan przedstawiony jest z porcją nostalgii i wspomnień. A dzieło Savrasova „Przybyły gawrony” otula lekkim smutkiem i daje nadzieję.

Potwierdzeniem kolosalnego potencjału i talentu narodu rosyjskiego, a także miłości do ojczyzny i natury jest malarstwo rosyjskie. Każdy może się o tym przekonać, oglądając zdjęcia naszych rodaków. A głównym zadaniem jest zachowanie żywej rosyjskiej tradycji malarstwa i Umiejętności twórcze ludzie.

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą jeden w drugi i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego w ogóle nie ma „czystych stylów”.

Abstrakcjonizm (z łac. abstractio - usunięcie, odwrócenie uwagi) - kierunek artystyczny w sztuce, która zrezygnowała z przedstawiania form bliskich rzeczywistości.

awangarda, awangarda (z francuskiej awangardy - zaawansowany dystans) - ogólna nazwa nurtów artystycznych w sztuce XX wieku, które charakteryzują się poszukiwaniem nowych form i środków artystycznego popisu, niedocenianiem lub całkowitym zaprzeczaniem tradycji i absolutyzacją innowacji .

akademizm (od francuskiego akademizmu) - kierunek w malarstwie europejskim XVI-XIX wieku. Oparta na dogmatycznym trzymaniu się form zewnętrznych sztuka klasyczna. Zwolennicy scharakteryzowali ten styl jako refleksję nad formą sztuki starożytności świat starożytny i renesansu. Akademizm uzupełnił tradycje starożytna sztuka w którym idealizuje się obraz natury, rekompensując normę piękna. W tym stylu pisali Annibale, Agostino i Lodovico Carracci.

Akcjonizm (z angielskiego action art – art of action) – happening, performance, event, proces, sztuka demonstracyjna i szereg innych form, które powstały w sztuce awangardowej lat 60. Zgodnie z ideologią akcjonizmu artysta musi organizować wydarzenia i procesy. Akcjonizm dąży do zatarcia granicy między sztuką a rzeczywistością.

Imperium (od imperium francuskiego - imperium) - styl w architekturze i sztuce zdobniczej, który powstał we Francji w r początek XIX wieku, w czasach Pierwszego Cesarstwa Napoleona Bonaparte. Imperium - ostateczny rozwój klasycyzmu. Dla ucieleśnienia majestatu, wyrafinowania, luksusu, potęgi i siły militarnej, Imperium charakteryzuje się odwołaniem do sztuki starożytnej: starożytnych egipskich form dekoracyjnych (trofea wojenne, skrzydlate sfinksy ...), Etrusków wazy, malowidła pompejańskie, greckie i rzymskie wystrój, renesansowe freski i ornamenty. Głównym przedstawicielem tego stylu był J. L. David (obrazy „Przysięga Horacjuszy” (1784), „Brutus” (1789))

pod ziemią (z angielskiego underground – underground, dungeon) – szereg nurtów artystycznych w sztuce współczesnej, które przeciwstawiają się kulturze masowej, mainstreamowi. Podziemie odrzuca i narusza orientacje polityczne, moralne i etyczne oraz typy zachowań akceptowane w społeczeństwie, wprowadzając zachowania antyspołeczne do życia codziennego. W okresie sowieckim, ze względu na surowość reżimu, prawie każdy nieoficjalny, tj. nie uznana przez władze, sztuka okazała się podziemna.

Art Nouveau (z francuskiej secesji, dosłownie - nowa sztuka) - nazwa stylu Art Nouveau powszechna w wielu krajach (Belgia, Francja, Anglia, USA itp.). Najsłynniejszy artysta tego kierunku malarstwa: Alfons Mucha.

Art Deco (z francuskiego art deco, w skrócie decoratif) - nurt w sztuce połowy XX wieku, który oznaczał syntezę awangardy i neoklasycyzmu, zastąpił konstruktywizm. Cechy w tym kierunku: zmęczenie, linie geometryczne, luksusowe, szykowne, drogie materiały (kość słoniowa, skóra krokodyla). Najbardziej znaną artystką tego nurtu jest Tamara Łempicka (1898-1980).

Barok (z włoskiego barocco - dziwny, dziwaczny lub z porto. perola barroca - perła o nieregularnym kształcie, istnieją inne przypuszczenia co do pochodzenia tego słowa) - styl artystyczny w sztuce późny renesans. Charakterystyczne cechy tego stylu: przesada wielkości, łamane linie, bogactwo ozdobnych detali, ciężkość i kolosalność.

Odrodzenie lub renesans (od francuskiego renesansu, włoskiego rinascimento) to epoka w dziejach kultury europejskiej, która zastąpiła kulturę średniowiecza i poprzedziła kulturę czasów nowożytnych. Przybliżony ramy chronologiczne era - XIV-XVI wiek. Osobliwość renesans - świecki charakter kultury i jej antropocentryzm (czyli zainteresowanie przede wszystkim osobą i jej działalnością). Jest zainteresowanie starożytna kultura, następuje niejako jego „odrodzenie” - i tak pojawił się ten termin. Rysując obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, artyści zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji z pejzażem w tle, co pozwoliło im uczynić obrazy bardziej realistycznymi i żywymi. To ostro odróżniało ich twórczość od poprzedniej tradycji ikonograficznej, przepełnionej konwencjami obrazu. Bardzo znany artysta tego okresu: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarroti (1475-1564), Tycjan (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) ) , Hieronima Boscha (1450-1516), Albrechta Durera (1471-1528).

Woodland (z angielskiego - teren leśny) - styl w sztuce, wywodzący się z symboliki rzeźby skalne, mity i legendy Indian Ameryki Północnej.

Gotyk (z wł. Europy Wschodniej od XII do XV wieku. Gotyk zakończył rozwój europejskiej sztuki średniowiecznej, powstałej na bazie dorobku kultury romańskiej, aw okresie renesansu sztukę średniowiecza uznano za „barbarzyńską”. sztuka gotycka był kultowy w celu i religijny w temacie. Odwoływał się do najwyższych mocy boskich, wieczności, światopoglądu chrześcijańskiego. Gotyk w swoim rozwoju dzieli się na wczesny gotyk, rozkwit, późny gotyk.

Impresjonizm (od francuskiego impresja - impresja) to nurt w malarstwie europejskim, który powstał we Francji w połowie XIX wieku, główny cel która była transmisją ulotnych, zmiennych wrażeń.

Kicz, kicz (z niemieckiego kicz - zły gust) - określenie określające jedno z najbardziej odrażających zjawisk Kultura masowa, synonim pseudosztuki stawiającej na ekstrawagancję wygląd, głośność jego elementów. W rzeczywistości kicz jest rodzajem postmodernizmu. Kicz jest sztuka masowa dla wybranych. Dzieło należące do kiczu musi być wykonane na wysokim poziomie artystycznym, musi mieć fascynującą fabułę, ale nie jest to prawdziwe dzieło sztuki w wysokim tego słowa znaczeniu, ale umiejętne do tego podróbki. W kiczu mogą tkwić głębokie psychologiczne konflikty, ale nie ma prawdziwych artystycznych odkryć i rewelacji.

Klasycyzm (z łac. classicus - wzorowy) to styl artystyczny w sztuce, którego podstawą było odwołanie się, jako idealnego standardu estetycznego, do obrazów i form sztuki starożytnej i renesansu, wymagające ścisłego przestrzegania szeregu zasad i kanony.

Kosmizm (od greckiego kosmosu - zorganizowany świat, kosma - dekoracja) to artystyczny i filozoficzny światopogląd, który opiera się na znajomości Kosmosu i idei człowieka jako obywatela Świata, a także mikrokosmosu zbliżonego do Makrokosmosu. Kosmizm kojarzy się z astronomiczną wiedzą o wszechświecie.

Kubizm (z francuskiego sześcianu - sześcianu) - kierunek modernistyczny w sztuce przedstawiający obiekty rzeczywistości rozłożone na proste geometryczne kształty.

Letryzm (z angielskiego litera – list, wiadomość) to kierunek w modernizmie oparty na wykorzystaniu obrazów podobnych do czcionki, nieczytelnego tekstu, a także kompozycji opartych na literach i tekście.

Metarealizm, realizm metafizyczny (z greckiego meta - między i uzdrowienie - materialny, rzeczywisty) to kierunek w sztuce, którego główną ideą jest wyrażenie nadświadomości, nadfizyczności rzeczy.

Minimalizm (wywodzący się z angielskiego minimal art – minimal art) to nurt artystyczny, który wywodzi się z minimalnej przemiany materiałów użytych w procesie twórczym, prostoty i jednolitości form, monochromatycznej, twórczej samokontroli artysty. Minimalizm charakteryzuje się odrzuceniem podmiotowości, reprezentacji, iluzjonizmu. Odrzucanie technik klasycznych i tradycyjnych materiały artystyczne, minimaliści używają industrialnych i naturalne materiały stosowane są proste geometryczne kształty i neutralne kolory (czarny, szary), małe objętości, seryjne, przenośnikowe metody produkcji przemysłowej.

Modern (z francuskiego moderne – najnowszy, nowoczesny) to styl artystyczny w sztuce, w którym cechy sztuki różnych epok są przemyślane i stylizowane za pomocą technik artystycznych opartych na zasadach asymetrii, ornamentyki i detalu .

Neoplastycyzm jest jedną z wczesnych odmian Sztuka abstrakcyjna. Stworzony do 1917 roku przez holenderskiego malarza P. Mondriana i innych artystów zrzeszonych w stowarzyszeniu „Styl”. Cechą charakterystyczną neoplastycyzmu jest, zdaniem jego twórców, dążenie do „powszechnej harmonii”, wyrażające się w ściśle wyważonych zestawieniach dużych prostokątnych figur, wyraźnie prostopadłe linie czarny i pomalowany na lokalne kolory głównego spektrum (z dodatkiem odcieni bieli i szarości).

Prymitywizm, sztuka naiwna, naiwny - styl malarstwa, w którym obraz jest celowo uproszczony, jego formy są prymitywne, jak Sztuka ludowa, twórczość dziecka lub człowieka prymitywnego.

Op art (z angielskiego optical art – optical art) to neoawangardowy nurt w sztukach wizualnych, w którym efekty ruchu przestrzennego, łączenia i „unoszenia się” form uzyskuje się poprzez wprowadzenie ostrych kontrastów kolorystycznych i tonalnych, rytmiczne powtórzenia, przecinające się konfiguracje spiral i krat, wijące się linie.

Orientalizm (z łac. oriens – wschód) – kierunek do sztuka europejska która wykorzystuje motywy, symbole i motywy Wschodu i Indochin

Orfizm (od francuskiego orfizmat, od Orpee - Orfeusz) - kierunek w malarstwie francuskim lat 1910-tych. Imię nadane w 1912 r francuski poeta Obraz Apollinaire'a autorstwa artysty Roberta Delaunaya. Orfizm kojarzy się z kubizmem, futuryzmem i ekspresjonizmem. Główne cechy tego stylu malarstwa to estetyzm, plastyczność, rytm, elegancja sylwetek i linii.
Mistrzowie orfizmu: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossine, Fernand Léger, Morgan Russell.

pop Art

Postmodernizm (z francuskiego postmodernisme – po modernizmie) to nowy styl artystyczny, który różni się od modernizmu powrotem do piękna rzeczywistości wtórnej, narracją, odwołaniem do fabuły, melodią, harmonią form wtórnych. Postmodernizm charakteryzuje się zjednoczeniem w ramach jednego dzieła stylów, motywów figuratywnych i techniki artystyczne zapożyczone z różnych epok, regionów i subkultur.

Realizm (z łac. gealis – materialny, realny) to nurt w sztuce charakteryzujący się jak najbardziej zbliżonym do rzeczywistości przedstawianiem zjawisk społecznych, psychologicznych i innych.

Rokoko (pochodzące z francuskiego rokoko, rocaille) to styl w sztuce i architekturze, który powstał we Francji na początku XVIII wieku. Wyróżniał się wdziękiem, lekkością, intymno-zalotnym charakterem. Zastępując ociężały barok, rokoko było zarówno logiczną konsekwencją jego rozwoju, jak i jego artystycznym antypodem. Ze stylem barokowym rokoko łączy pragnienie kompletności form, ale jeśli barok skłania się ku monumentalnej powadze, rokoko preferuje elegancję i lekkość.

Symbolizm (od francuskiego symbolizmu - znak, znak identyfikacyjny) to kierunek artystyczny w sztuce, oparty na ucieleśnieniu głównych idei dzieła poprzez wielowartościową i wielostronną asocjacyjną estetykę symboli.

Realizm socjalistyczny, socrealizm to nurt artystyczny w sztuce, który jest estetycznym wyrazem świadomej socjalistycznej koncepcji świata i człowieka, wynikającej z epoki społeczeństwa socjalistycznego.

Hiperrealizm, superrealizm, fotorealizm (z angielskiego hyperrealism - over realism) to kierunek w sztuce polegający na wiernym fotograficznym odwzorowaniu rzeczywistości.

Surrealizm (od francuskiego surrealisme - nad + realizm) to jeden z kierunków modernizmu, którego główną ideą jest wyrażanie podświadomości (połączenie snu i rzeczywistości).

Transawangarda (z łac. trans – przez, przez i francuska awangarda – awangarda) to jeden z nowoczesnych nurtów postmodernizmu, który powstał jako reakcja na konceptualizm i pop-art. Transawangarda obejmuje mieszanie i przekształcanie stylów zrodzonych w awangardzie, takich jak kubizm, fowizm, futuryzm, ekspresjonizm itp.

Ekspresjonizm (wywodzący się z francuskiego wyrażenia – ekspresyjność) to modernistyczny nurt w sztuce, który traktuje obraz świata zewnętrznego jedynie jako środek wyrażania subiektywnych stanów twórcy.

Obraz

(z rosyjskiego żywy i pisać) - rodzaj sztuki plastycznej, która polega na tworzeniu obrazów, obrazy, najpełniej i realistycznie odzwierciedlające rzeczywistość.

Dzieło sztuki wykonane farbami (olej, tempera, akwarela, gwasz itp.) naniesionymi na twardą powierzchnię nazywamy malarstwem. Główna rzecz środki wyrazu malarstwo - kolor, jego zdolność do wywoływania różnych uczuć, skojarzeń, wzmacnia emocjonalność obrazu. Artysta zwykle rozrysowuje na palecie kolor niezbędny do malowania, a następnie zamienia farbę w kolor na płaszczyźnie obrazu, tworząc porządek kolorystyczny - kolorowanie. Z natury zestawień kolorystycznych może być ciepła i zimna, wesoła i smutna, spokojna i napięta, jasna i ciemna.

Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i przekonujące. Malarstwo jest w stanie przekazać na płaszczyźnie objętość i przestrzeń, naturę, odsłonić skomplikowany świat ludzkie uczucia i postaci, aby uosabiać uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej, obrazy mitologiczne i lot fantazji.

Malarstwo dzieli się na sztalugowe i monumentalne. Artysta maluje obrazy na płótnie naciągniętym na blejtram i osadzonym na sztalugach, które można też nazwać sztalugami. Stąd nazwa „malarstwo sztalugowe”.

A samo słowo „monumentalny” mówi o czymś wielkim i znaczącym. jest malarstwo monumentalne duże obrazy na ścianach wewnętrznych lub zewnętrznych budynków (freski, panele itp.). Praca malarstwo monumentalne nie może być oddzielona od podstawy (ścian, podpór, stropów itp.). Istotne są również motywy do monumentalnych obrazów: wydarzenia historyczne, bohaterskie czyny, ludowe opowieści i inne Mozaiki i witraże, które również można zaliczyć do sztuki dekoracyjnej, łączą się bezpośrednio z malarstwem monumentalnym. Tutaj ważne jest osiągnięcie stylistycznej i figuratywnej jedności malarstwa monumentalnego i architektury, syntezy sztuk.

Konieczne jest rozróżnienie takich rodzajów malarstwa, jak malarstwo dekoracyjne, malowanie ikon, malarstwo miniaturowe, teatralne i dekoracyjne. Każdy rodzaj malarstwa ma swoją specyfikę. wykonanie techniczne oraz rozwiązywanie problemów plastycznych i figuratywnych.

W przeciwieństwie do malarstwa jako samodzielnej dziedziny sztuk plastycznych podejście (metoda) obrazowe może być stosowane także w innych jego rodzajach: w rysunku, grafice, a nawet w rzeźbie. Istota podejścia piktorialnego polega na przedstawieniu obiektu w relacji do otaczającego go przestrzennego środowiska świetlnego i powietrznego, w delikatnej gradacji przejść tonalnych.

Różnorodność obiektów i wydarzeń świat wokół, żywe zainteresowanie artystów nimi doprowadziło do powstania w XVII-XX wieku. gatunki malarstwa: portret, martwa natura, pejzaż, zwierzęcy, domowy ( Malarstwo rodzajowe), gatunki mitologiczne, historyczne, batalistyczne. W dziełach malarskich można spotkać łączenie gatunków lub ich elementów. Na przykład martwa natura lub pejzaż z powodzeniem mogą być uzupełnieniem obrazu portretowego.

Ze względu na użyte techniki i materiały malarstwo można podzielić na: następujące typy: olej, tempera, wosk (enkaustyczny), emalia, klej, farby wodne na mokrym tynku (fresk) itp. W niektórych przypadkach trudno jest oddzielić malarstwo od grafiki. Prace wykonane akwarelą, gwaszem, pastelą, mogą odnosić się zarówno do malarstwa, jak i grafiki.

Malowanie może być jednowarstwowe, wykonywane od ręki, jak i wielowarstwowe, obejmujące podmalowanie i lazurowanie, przeźroczyste i prześwitujące warstwy farby nakładane na wyschniętą warstwę malarską. Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.

ważne środki wyrazistość artystyczna w malarstwie są oprócz koloru [kolor] plama i charakter kreski, obróbka kolorowej powierzchni (faktury), waleriany, ukazujące najsubtelniejsze zmiany tonacji w zależności od oświetlenia, refleksy pojawiające się od interakcja sąsiednich kolorów.

Konstruowanie objętości i przestrzeni w malarstwie wiąże się z perspektywą liniową i powietrzną, przestrzennymi właściwościami barw ciepłych i zimnych, światłocieniowym modelowaniem formy, przeniesieniem ogólnej tonacji kolorystycznej płótna. Aby stworzyć zdjęcie, oprócz koloru potrzebujesz ładny rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły rozpoczyna pracę na płótnie od poszukiwania najbardziej udanego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych malownicze szkice z natury ćwiczy niezbędne elementy kompozycje. Pracę nad obrazem można rozpocząć od narysowania kompozycji pędzlem, podmalowania i bezpośredniego pomalowania płótna różnymi środkami malarskimi. Co więcej, nawet szkice przygotowawcze i szkice mają czasem niezależny charakter wartość artystyczna, zwłaszcza jeśli szczotki należą słynny malarz.

Malarstwo jest bardzo starożytna sztuka, która ewoluowała przez wiele wieków od paleolitycznych malowideł naskalnych po najnowsze trendy w malarstwie XX wieku. Malarstwo ma szeroki wachlarz możliwości urzeczywistnienia idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe.

W starożytności istniała chęć odtworzenia prawdziwego świata tak, jak widzi go człowiek. Spowodowało to pojawienie się zasad światłocienia, elementów perspektywy, pojawienie się trójwymiarowych obrazów obrazowych. Ujawniły się nowe możliwości tematyczne obrazowego przedstawiania rzeczywistości. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań, grobowców i innych budowli, pozostawało w artystycznej jedności z architekturą i rzeźbą.

malarstwo średniowieczne była głównie religijna. Wyróżniał się ekspresją dźwięcznych, głównie lokalnych kolorów, wyrazistych konturów.

Tło fresków i obrazów było z reguły warunkowe, abstrakcyjne lub złote, ucieleśniające boską ideę w jej tajemniczym blasku. Znaczącą rolę odegrała symbolika koloru.

W renesansie poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm (osoba w centrum mieszania czystych kolorów, efekty przenoszenia faktury. Artyści wychodzili malować swoje obrazy w plenerze.

W koniec XIX-XX wieki rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny. Różne ruchy realistyczne i modernistyczne uzyskują prawo do istnienia.

Pojawia się malarstwo abstrakcyjne (zob. awangarda, abstrakcjonizm, underground), które oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalność i umowność koloru, przesadę i geometryzację form, dekoracyjność i asocjatywność rozwiązań kompozycyjnych.

W XX wieku. poszukiwanie nowych kolorów i technicznych środków tworzenia obrazy, co niewątpliwie doprowadzi do powstania nowych stylów w malarstwie, ale obraz olejny nadal pozostaje jedną z najbardziej ukochanych technik artystów.

Proces rozwoju malarstwa europejskiego w XVII - XVIII wieku. komplikować, dodawać szkoły narodowe, każdy z własnymi tradycjami i cechami charakterystycznymi. Malarstwo głosiło nowe ideały społeczne i obywatelskie, pogłębiało problemy psychologiczne, poczucie sprzecznej relacji między jednostką a otaczającym ją światem. Odwołaj się do różnorodności prawdziwe życie, zwłaszcza w codziennym środowisku człowieka, doprowadziło do wyraźnego ukształtowania się systemu gatunków: pejzaż, martwa natura, portret, gatunek codzienny itp. Powstały różne systemy obrazowe: dynamiczne malarstwo barokowe z charakterystyczną otwartą, spiralną kompozycją; malarstwo rokokowe z grą wykwintnych niuansów kolorystycznych, jasnych tonów; malarstwo klasycyzmu o wyraźnym, surowym i wyraźnym wzorze.

W 19-stym wieku malarstwo odgrywało aktywną rolę w życiu publicznym. Malarstwo romantyzmu wyróżniało się aktywnym zainteresowaniem dramatycznymi wydarzeniami historii i nowoczesności, kontrastem światła i cienia, nasyceniem koloru.

gotyk(z włoskiego gotico – niezwykły, barbarzyński) – okres w rozwoju sztuki średniowiecznej, obejmujący niemal wszystkie dziedziny kultury i rozwijający się w Europie Zachodniej, Środkowej i częściowo Wschodniej od XII do XV wieku. Gotyk zakończył rozwój europejskiej sztuki średniowiecznej, powstałej na bazie dorobku kultury romańskiej, aw okresie renesansu sztukę średniowiecza uznano za „barbarzyńską”. Sztuka gotycka była kultowa w celu i religijna w temacie. Odwoływał się do najwyższych mocy boskich, wieczności, światopoglądu chrześcijańskiego. Gotyk w swoim rozwoju dzieli się na wczesny gotyk, rozkwit, późny gotyk.

Słynne europejskie katedry, które turyści uwielbiają fotografować w najdrobniejszych szczegółach, stały się arcydziełami stylu gotyckiego. W wystroju wnętrz katedr gotyckich ważna rola podane roztworom barwnym. W dekoracji zewnętrznej i wewnętrznej królowało obfitość złoceń, świetlistość wnętrz, ażurowość ścian, krystaliczne rozczłonkowanie przestrzeni. Materia pozbawiona była ciężkości i nieprzenikliwości, była niejako uduchowiona.

Ogromne powierzchnie okien wypełniały witraże z kompozycjami odtwarzającymi wydarzenia historyczne, legendy apokryficzne, wątki literackie i religijne, obrazy domowe sceny z życia zwykłych chłopów i rzemieślników, którzy stanowili wyjątkową encyklopedię sposobu życia w średniowieczu. Kona wypełnione były od góry do dołu kompozycjami figuralnymi, które zostały zamknięte w medalionach. Połączenie światła i koloru początków malarstwa w technice witrażu nadawało wzmożonej emocjonalności kompozycje artystyczne. Zastosowano różnorodne szkła: grube szkarłatne, ogniste, czerwone, granatowe, zielone, żółte, granatowe, jasnoniebieskie, ultramarynowe, cięte wzdłuż konturu wzoru… Okna nagrzewały się jak drogocenne klejnoty, przenikały światło zewnętrzne – one przekształcił całe wnętrze świątyni i wprowadził swoich gości w podniosły nastrój.

Dzięki gotyckiemu szkłu kolorowemu narodziły się nowe walory estetyczne, a kolory nabrały najwyższej dźwięczności promiennej barwy. Czysty kolor dał początek atmosferze powietrza otoczenia, pomalowanego na różne kolory dzięki grze światła na kolumnach, podłodze, witrażach. Kolor stał się źródłem światła pogłębiającego perspektywę. Grube kieliszki, często nierówne, wypełnione były niezbyt przezroczystymi bąbelkami, co potęgowało efekt artystyczny witrażu. Światło, przechodząc przez nierówną grubość szkła, zostało zmiażdżone i zaczęło grać.

Najlepsze przykłady prawdziwych gotyckich witraży są otwarte dla zwiedzających w katedrach w Chartres, Bourges i Paryżu (np. „Dziewica z Dzieciątkiem”). Wypełnione nie mniejszym przepychem, a także „Ogniste koła” i „Rzucanie błyskawic” w katedrze w Chartres.

Od połowy I wieku do gamy kolorystycznej zaczęto wprowadzać złożone kolory, uzyskiwane przez powielanie szkła. Takie niezwykłe witraże w styl gotycki zachowany w Sainte-Chapelle (1250). brązowa emalia została naniesiona na kontury szkła, natomiast formy miały płaski charakter.

Epoka gotyku to okres rozkwitu sztuki miniaturowej książki, a także miniatury artystycznej. Umocnienie się tendencji świeckich w kulturze tylko zintensyfikowało ich rozwój. Ilustracje z wielopostaciowymi kompozycjami o tematyce religijnej zawierały różne detale realistyczne: wizerunki ptaków, zwierząt, motyli, ornamenty z motywami roślinnymi, sceny z życia codziennego. Prace francuskiego miniaturzysty Jeana Pussela są przepełnione szczególnym poetyckim urokiem.

W rozwoju francuskiej miniatury gotyckiej XIII-XIV wieku wiodące miejsce zajmowała szkoła paryska. Psałterz św. Ludwika obfituje w wielopostaciowe kompozycje ujęte w jeden motyw gotycka architektura, dlatego narracja nabiera niezwykłej harmonii (Luwr, Paryż, 1270). postacie dam i rycerzy są wdzięczne, ich formy wyróżniają płynne linie, co stwarza iluzję ruchu. Bogactwo i nasycenie kolorów, a także dekoracyjna architektura rysunku czynią z tych miniatur niepowtarzalne dzieła sztuki i cenne dekoracje kart.

Styl księgi gotyckiej wyróżniają spiczaste formy, kanciasty rytm, niepokój, filigranowy ażurowy wzór i garbienie falistych linii. Warto dodać, że w XIV i XV wieku ilustrowano także rękopisy świeckie. Księgi godzin, traktaty naukowe, kolekcje pieśni miłosnych i kroniki są wypełnione wspaniałymi miniaturami. Miniatury, ilustrujące dzieła literatury dworskiej, ucieleśniały ideał miłości rycerskiej, a także sceny z otaczającego ich zwyczajnego życia. Podobnym dziełem jest manuskrypt Manes (1320).

Z biegiem czasu narracja w gotyku nasiliła się. „Wielkie kroniki francuskie” z XIV wieku wyraźnie pokazują chęć artysty do wniknięcia w sens wydarzenia, które przedstawia. Wraz z tym księgom nadano dekoracyjną elegancję poprzez zastosowanie wykwintnych winiet i ramek o dziwacznych kształtach.

Miniatura gotycka wywarła ogromny wpływ na malarstwo i wniosła żywy nurt do sztuki średniowiecza. Gotyk stał się nie tylko stylem, ale ogólnie ważnym ogniwem rozwój kulturowy społeczeństwo. Mistrzowie stylu z niesamowitą dokładnością potrafili odtworzyć obraz swojego współczesnego w temacie i środowisko naturalne. Majestatyczne i duchowe gotyckie dzieła otoczone są aurą niepowtarzalnego uroku estetycznego. Gotyk zrodził nowe rozumienie syntezy sztuk, a jego realistyczne podboje utorowały drogę do przejścia do sztuki renesansu.

Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej, która polega na tworzeniu obrazów, obrazów, które najpełniej i najbardziej realistycznie odzwierciedlają rzeczywistość.

Dzieło sztuki wykonane farbami (olej, tempera, akwarela, gwasz itp.) naniesionymi na twardą powierzchnię nazywamy malarstwem. Głównym środkiem wyrazu malarstwa jest kolor, jego zdolność do wywoływania różnych uczuć, skojarzeń, wzmacnia emocjonalność obrazu. Artysta zwykle rozrysowuje na palecie kolor niezbędny do malowania, a następnie zamienia farbę w kolor na płaszczyźnie obrazu, tworząc porządek kolorystyczny - kolorowanie. Z natury zestawień kolorystycznych może być ciepła i zimna, wesoła i smutna, spokojna i napięta, jasna i ciemna.

Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i przekonujące. Malarstwo jest w stanie przekazać objętość i przestrzeń, naturę na płaszczyźnie, odsłaniając złożony świat ludzkich uczuć i postaci, ucieleśniając uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej, mitologiczne obrazy i lot fantazji.

W przeciwieństwie do malarstwa jako samodzielnej dziedziny sztuk plastycznych podejście (metoda) obrazowe może być stosowane także w innych jego rodzajach: w rysunku, grafice, a nawet w rzeźbie. Istota podejścia piktorialnego polega na przedstawieniu obiektu w relacji do otaczającego go przestrzennego środowiska świetlnego i powietrznego, w delikatnej gradacji przejść tonalnych.

Różnorodność przedmiotów i wydarzeń z otaczającego świata, blisko

zainteresowanie nimi artystów doprowadziło do powstania w XVII -

XX wieku gatunki malarstwa: portret, martwa natura, pejzaż, animalistyczne, codzienne (malarstwo rodzajowe), mitologiczne, historyczne, batalistyczne. W dziełach malarskich można spotkać łączenie gatunków lub ich elementów. Na przykład martwa natura lub pejzaż z powodzeniem mogą być uzupełnieniem obrazu portretowego.

Ze względu na stosowane techniki i materiały malarstwo można podzielić na następujące rodzaje: olej, tempera, wosk (enkaustyka), emalia, klej, farby wodne na mokrym tynku (fresk) itp. W niektórych przypadkach trudno oddzielić malarstwo od grafiki. Prace wykonane akwarelą, gwaszem, pastelą, mogą odnosić się zarówno do malarstwa, jak i grafiki.

Malowanie może być jednowarstwowe, wykonywane od ręki, jak i wielowarstwowe, obejmujące podmalowanie i lazurowanie, przeźroczyste i prześwitujące warstwy farby nakładane na wyschniętą warstwę malarską. Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.

Ważnymi środkami artystycznego wyrazu w malarstwie są, oprócz koloru (koloru), plamy i charakteru kreski, obróbka barwnej powierzchni (faktury), waleriany, ukazujące najsubtelniejsze zmiany tonacji w zależności od oświetlenia, refleksy, które pojawiają się w wyniku interakcji sąsiednich kolorów.

Konstruowanie bryły i przestrzeni w malarstwie wiąże się z perspektywą linearną i powietrzną, przestrzennymi właściwościami barw ciepłych i zimnych, światłocieniowym modelowaniem formy, przeniesieniem ogólnej tonacji kolorystycznej płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru potrzebujesz dobrego rysunku i wyrazistej kompozycji. Artysta z reguły rozpoczyna pracę na płótnie od poszukiwania najbardziej udanego rozwiązania w szkicach. Następnie, w licznych szkicach obrazkowych z natury, on

opracowuje niezbędne elementy kompozycji. Pracę nad obrazem można rozpocząć od narysowania kompozycji pędzlem, podmalowania i

bezpośrednio pisząc płótno za pomocą takich czy innych środków obrazowych. Co więcej, nawet szkice przygotowawcze i szkice mają czasem samodzielną wartość artystyczną, zwłaszcza jeśli należą do pędzla słynnego malarza. Malarstwo to bardzo starożytna sztuka, która ewoluowała przez wiele stuleci od paleolitycznych malowideł naskalnych do najnowszych trendów w malarstwie XX wieku. Malarstwo ma szeroki wachlarz możliwości urzeczywistnienia idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe. W starożytności istniała chęć rozmnażania się prawdziwy świat sposób, w jaki osoba to widzi. Spowodowało to pojawienie się zasad światłocienia, elementów perspektywy, pojawienie się trójwymiarowych obrazów obrazowych. Ujawniły się nowe możliwości tematyczne obrazowego przedstawiania rzeczywistości. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań, grobowców i innych budowli, pozostając w artystycznej jedności z architekturą i rzeźbą.

Malarstwo średniowieczne miało głównie treść religijną. Wyróżniał się ekspresją dźwięcznych, głównie lokalnych kolorów, wyrazistych konturów.

Tło fresków i obrazów było z reguły warunkowe, abstrakcyjne lub złote, ucieleśniające boską ideę w jej tajemniczym blasku. Znaczącą rolę odegrała symbolika koloru.

W renesansie poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm (człowiek w centrum wszechświata) znalazł odzwierciedlenie w malarskich kompozycjach o tematyce religijnej i motywy mitologiczne, w portretach, scenach domowych i historycznych. Rola malarstwa wzrosła, opracowując naukowo oparty system liniowy i perspektywa powietrzna, światłocień.

Pojawia się malarstwo abstrakcyjne, które oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalność i umowność koloru, przesadę i geometryzację

formy, dekoracyjność i asocjatywność rozwiązań kompozycyjnych.

W XX wieku. poszukiwania nowych kolorów trwają środki techniczne tworzenia obrazów, co niewątpliwie doprowadzi do powstania nowych stylów w malarstwie, jednak malarstwo olejne jest nadal jedną z najbardziej ukochanych technik artystów.