Dziedzictwo artystyczne mistrzowie nie ograniczają się do grafiki książkowej. A. F. Pakhomov - autor monumentalnych obrazów, obrazy, grafika sztalugowa: rysunki, akwarele, liczne grafiki, w tym pasjonujące arkusze z serii „Leningrad w czasach blokady”. Tak się jednak złożyło, że w literaturze dotyczącej artysty pojawiło się niedokładne wyobrażenie o prawdziwej skali i czasie jego działalności. Czasami relacje z jego twórczości zaczynały się dopiero od prac z połowy lat 30., a czasami nawet później - od serii litografii z lat wojny. Takie ograniczone podejście nie tylko zawęziło i ograniczyło ideę oryginalnego i żywego dziedzictwa A.F. Pachomowa, tworzonego przez pół wieku, ale także zubożyło sztukę radziecką jako całość.
Potrzeba studiowania prac A.F. Pachomowa jest już dawno spóźniona. Pierwsza monografia o nim ukazała się w połowie lat 30. XX wieku. Oczywiście uwzględniono w nim tylko część prac. Pomimo tego i pewnych ograniczeń w zrozumieniu tkwiących w tym czasie tradycji, dzieło pierwszego biografa W.P. Anikijewej zachowało swoją wartość od strony merytorycznej, a także (z niezbędnymi korektami) koncepcyjnej. W esejach o artyście publikowanych w latach 50. zakres materiału z lat 20. i 30. okazywał się węższy, a omówienie twórczości kolejnych okresów bardziej wybiórcze. Dziś strona opisowa i wartościująca prac o odległym od nas o dwie dekady A.F. Pachomowie wydaje się pod wieloma względami tracić na wiarygodności.
W latach 60. A.F. Pakhomov napisał oryginalną książkę „O swojej pracy”. Książka wyraźnie pokazała błędność wielu powszechnych poglądów na temat jego pracy. Wyrażone w tej pracy przemyślenia artysty na temat czasu i sztuki, a także obszerny materiał nagrań rozmów z Aleksiejem Fiodorowiczem Pachomowem dokonanych przez autora tych zdań, pomogły w stworzeniu oferowanej czytelnikom monografii.
A.F. Pakhomov jest właścicielem niezwykle dużej liczby obrazów i rysunków. Nie pretendując do ich wyczerpującego omówienia, autor monografii uznał za swoje zadanie przedstawienie głównych aspektów twórczości mistrza, jego bogactwa i oryginalności, nauczycieli i współpracowników, którzy przyczynili się do powstania sztuki A.F. Pachomow. Charakterystyczna dla twórczości artysty obywatelskość, głęboka żywotność, realizm pozwoliły ukazać rozwój jego twórczości w stałym i ścisłym związku z życiem narodu radzieckiego.
Będąc jednym z największych mistrzów sztuki radzieckiej, A.F. Pachomow przez całe swoje życie i karierę niósł żarliwą miłość do Ojczyzny, do jej mieszkańców. Wysoki humanizm, prawdomówność, bogactwo figuratywne sprawiają, że jego prace są tak uduchowione, szczere, pełne ciepła i optymizmu.
W regionie Wołogdy, w pobliżu miasta Kadnikow, nad brzegiem rzeki Kubena, znajduje się wieś Varlamov. Tam 19 września (2 października) 1900 roku wieśniaczce Efimii Petrovnej Pakhomowej, imieniem Aleksiej, urodził się chłopiec. Jego ojciec, Fiodor Dmitriewicz, pochodził z „specyficznych” rolników, którzy nie znali okropności pańszczyzny w przeszłości. Ta okoliczność nie ostatnia rola w droga życia i panującymi cechami charakteru, rozwinęła umiejętność zachowania prostoty, spokoju, godności. Tu również zakorzenione były cechy szczególnego optymizmu, rozległości poglądów, duchowej bezpośredniości i responsywności. Aleksiej wychował się w środowisku pracy. Żyli słabo. Jak w całej wsi, do wiosny zabrakło im własnego chleba, musieli go kupować. Wymagany był dodatkowy dochód, który wykonywali pełnoletni członkowie rodziny. Jeden z braci był kamieniarzem. Wielu mieszkańców wsi było stolarzami. A jednak wczesny okres życia młody Aleksiej zapamiętał jako najbardziej radosny. Po dwuletniej nauce w szkole parafialnej, a następnie dwóch latach w szkole ziemskiej w sąsiedniej wsi, został wysłany „na koszt państwa i z państwowym wyżywieniem” do wyższej szkoły podstawowej w mieście Kadników. Czas zajęć pozostał w pamięci A.F. Pachomowa jako bardzo trudny i głodny. „Odtąd moje beztroskie dzieciństwo w domu ojca” – opowiadał – „zaczęło mi się na zawsze wydawać najszczęśliwszym i najbardziej poetyckim czasem, a ta poetyzacja dzieciństwa stała się później głównym motywem mojej pracy”. Zdolności artystyczne Aleksiej pojawił się wcześnie, chociaż tam, gdzie mieszkał, nie było warunków do ich rozwoju. Ale nawet pod nieobecność nauczycieli chłopiec osiągnął pewne wyniki. Na jego talent zwrócił uwagę okoliczny ziemianin W. Zubow, który wręczył Aloszy ołówki, papier i reprodukcje obrazów rosyjskich artystów. Wczesne rysunki Pachomowa, które przetrwały do dziś, ujawniają coś, co później, wzbogacone o umiejętności zawodowe, stanie się charakterystyczne dla jego twórczości. Małego artystę zafascynował wizerunek osoby, a przede wszystkim dziecka. Rysuje braci, siostrę, dzieciaki z sąsiedztwa. Ciekawe, że rytm linii tych nieartykułowanych portretów ołówkowych przypomina rysunki jego dojrzałych porów.
W 1915 r., gdy ukończył szkołę miasta Kadnikowa, za namową marszałka okręgowego szlachty J. Zubowa miejscowi miłośnicy sztuki ogłosili składkę i wysłali Pachomowa do Piotrogrodu do szkoły A. L. Zebrane pieniądze. Wraz z rewolucją zmiany zaszły także w życiu Aleksieja Pachomowa. Pod wpływem nowych nauczycieli, którzy pojawili się w szkole - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - stara się lepiej zrozumieć zadania sztuki. Krótkoterminowe szkolenie nadzorowane wielki mistrz Rysunek Shukhaeva dał mu dużą wartość. Zajęcia te położyły podwaliny pod zrozumienie budowy ludzkiego ciała. Dążył do głębokiego studiowania anatomii. Pakhomov był przekonany o konieczności nie kopiowania środowiska, ale sensownego jego reprezentowania. Rysując przyzwyczaił się nie być zależnym od warunków światła i cienia, ale niejako „oświetlać” naturę własnym okiem, pozostawiając jasne części objętości i zaciemniając te, które są dalej. „To prawda” - zauważył jednocześnie artysta - „nie stałem się wiernym Shukhaevitą, to znaczy nie zacząłem rysować sangwinikiem, smarując go gumką, aby ludzkie ciało wyglądało spektakularnie”. Pachomow przyznał, że przydały się lekcje najwybitniejszych twórców książek, Dobużyńskiego i Czechonina. Szczególnie zapamiętał radę tego ostatniego: aby osiągnąć umiejętność pisania czcionek na okładce książki natychmiast pędzlem, bez wstępnego smarowania ołówkiem, „jak adres na kopercie”. Według artysty taki rozwój niezbędnego oka pomógł później w szkicach z natury, gdzie mógł, zaczynając od niektórych szczegółów, umieścić wszystko, co przedstawiono na arkuszu.
W 1918 roku, kiedy życie w zimnym i głodnym Piotrogrodzie bez stałego dochodu stało się niemożliwe, Pachomow wyjechał do ojczyzny, zostając nauczycielem rysunku w szkole w Kadnikowie. Te miesiące były bardzo korzystne dla ukończenia jego edukacji. Po lekcjach w klasach I i II stopnia czytał żarłocznie, o ile tylko pozwalało na to oświetlenie i oczy mu się nie męczyły. „Cały czas byłem w stanie podniecenia, ogarniała mnie gorączka wiedzy. Cały świat otworzył się przede mną, o czym, jak się okazuje, prawie nie wiedziałem - wspominał tym razem Pakhomov. - luty i Rewolucja Październikowa Przyjąłem z radością, jak większość ludzi wokół mnie, ale dopiero teraz, czytając książki z zakresu socjologii, ekonomii politycznej, materializmu historycznego, historii, zacząłem naprawdę rozumieć istotę wydarzeń, które miały miejsce.
Skarby nauki i literatury otworzyły się przed młodym człowiekiem; całkiem naturalny był jego zamiar kontynuowania przerwanych studiów w Piotrogrodzie. W znajomym budynku przy Salt Lane rozpoczął naukę u N. A. Tyrsy, który był wówczas komisarzem dawnej szkoły Stieglitz. „My, uczniowie Nikołaja Andriejewicza, byliśmy bardzo zaskoczeni jego kostiumem” - powiedział Pakhomov. - Komisarze tamtych lat nosili skórzane czapki i kurtki z paskiem i rewolwerem w kaburze, a Tyrsa chodził z laską iw meloniku. Ale jego wykładów o sztuce słuchano z zapartym tchem. Kierownik pracowni dowcipnie obalił przestarzałe poglądy na malarstwo, zapoznał studentów z dorobkiem impresjonistów, z doświadczeniami postimpresjonizmu, dyskretnie zwracał uwagę na poszukiwania widoczne w twórczości Van Gogha, a zwłaszcza Cezanne'a. Tyrsa nie przedstawił jasnego programu przyszłości sztuki, wymagał od pracujących w jego warsztacie spontaniczności: pisz tak, jak czujesz. W 1919 Pachomow został powołany do Armii Czerwonej. Z bliska rozpoznał nieznane wcześniej środowisko wojskowe, zrozumiał prawdziwie popularny charakter armii Kraju Sowietów, co później wpłynęło na interpretację tej tematyki w jego twórczości. Wiosną następnego roku Pachomow, zdemobilizowany po chorobie, przybył do Piotrogrodu, przeniósł się z warsztatu N. A. Tyrsy do W. W. Lebiediewa, postanawiając zapoznać się z zasadami kubizmu, które znalazły odzwierciedlenie w szereg prac Lebiediewa i jego uczniów. Niewiele zachowało się z dzieł Pachomowa wykonanych w tym czasie. Takim jest na przykład „Martwa natura” (1921), która wyróżnia się subtelnym wyczuciem faktury. Widać w nim wyuczone od Lebiediewa pragnienie osiągnięcia „sztuczności” w pracach, szukania nie powierzchownej kompletności, ale konstruktywnej malarskiej organizacji płótna, nie zapominając o plastycznych cechach przedstawionego.
Pomysł na nowy dobra robota Pakhomov - obrazy „Sianokosy” - powstały w jego rodzinnej wiosce Varlamov. Tam zbierano do niego materiał. Artysta przedstawił nie zwykłą codzienną scenę przy koszeniu, ale pomoc młodych chłopów swoim sąsiadom. Choć przejście do kołchozowej, kołchozowej pracy było wówczas kwestią przyszłości, samo wydarzenie, ukazujące entuzjazm młodzieży i zapał do pracy, było już w pewnym sensie pokrewne nowym trendom. Szkice i szkice kosiarek, fragmenty krajobrazu: trawy, krzaki, zarośla świadczą o niesamowitej konsekwencji i powadze zamiar artystyczny gdzie odważne poszukiwania tekstury łączą się z rozwiązywaniem problemów plastycznych. Zdolność Pachomowa do wychwytywania rytmu ruchów przyczyniła się do dynamizmu kompozycji. Do tego obrazu artysta szedł przez kilka lat i wykonał wiele prac przygotowawczych. W wielu z nich rozwinął wątki bliskie lub towarzyszące głównemu tematowi.
Rysunek „Zabijanie kos” (1924) przedstawia dwóch młodych chłopów przy pracy. Zostały naszkicowane przez Pachomowa z natury. Następnie przeszedł przez ten arkusz pędzlem, uogólniając obraz bez obserwowania swoich modeli. Dobre walory plastyczne w połączeniu z oddaniem silnego ruchu i ogólną malowniczością użycia tuszu widoczne są we wcześniejszej pracy z 1923 roku "Dwie kosiarki". Z głęboką prawdomównością i można by rzec surowością rysunku, artystę interesowała tutaj przemiana płaszczyzny i objętości. Na arkuszu umiejętnie wykorzystano tusz Wash. Okolica krajobrazowa jest wskazana. Faktura ściętej i stojącej trawy jest wyczuwalna, co wprowadza rytmiczne zróżnicowanie rysunku.
Wśród niemałej liczby zabudów w kolorystyce działki „Sianokosy” należy wymienić akwarelę „Kosiarka w różowej koszuli”. Zastosowano w nim, oprócz malarskiego rozmycia pędzlem, drapanie na mokrej warstwie farby, co nadało obrazowi szczególną ostrość i zostało wprowadzone do obrazu inną techniką (w malarstwie olejnym). Kolorowy duży liść „Sianokosy”, namalowany akwarelą. W nim scena wydaje się być widziana z wysokiego punktu widzenia. Umożliwiło to pokazanie wszystkich figur kosiarek idących w rzędzie oraz uzyskanie szczególnej dynamiki w przekazywaniu ich ruchów, czemu sprzyja ukośne ułożenie figur. Doceniając tę technikę, artysta zbudował obraz w ten sam sposób, a potem nie zapomniał o tym w przyszłości. Pakhomov osiągnął malowniczość ogólnego zasięgu i odniósł wrażenie porannej mgły przebitej światłem słonecznym. Ten sam temat jest inaczej rozwiązany w obrazie olejnym „Na koszeniu”, przedstawiającym pracujące kosiarki i pasącego się konia obok wozu z boku. Krajobraz jest tu inny niż na innych szkicach, wariantach i na samym obrazie. Zamiast pola jest brzeg rwącej rzeki, co podkreślają prądy i łódka z wioślarzem. Kolor krajobrazu jest wyrazisty, zbudowany na różnych zimnych odcieniach zieleni, na pierwszy plan wprowadzane są tylko cieplejsze odcienie. Pewien efekt dekoracyjny uzyskano w połączeniu figur z otoczeniem, co wzmocniło ogólny dźwięk kolorystyczny.
Jeden z obrazów Pachomowa na temat sportu z lat dwudziestych XX wieku to Chłopcy na łyżwach. Artysta zbudował kompozycję na obrazie najdłuższego momentu ruchu, a więc najbardziej owocnego, dając wyobrażenie o tym, co minęło i co będzie. Natomiast w oddali ukazana jest inna postać, wprowadzająca zróżnicowanie rytmiczne i dopełniająca zamysł kompozytorski. Na tym obrazie, obok zainteresowania sportem, widać odwoływanie się Pachomowa do najważniejszego dla jego twórczości tematu – życia dzieci. Wcześniej ten trend znalazł odzwierciedlenie w grafikach artysty. Począwszy od połowy lat dwudziestych głębokie zrozumienie i tworzenie przez Pachomowa wizerunków dzieci Kraju Sowietów było wybitnym wkładem Pachomowa w sztukę. Studiując wielkie problemy malarskie i plastyczne, artysta rozwiązywał je również w pracach dotyczących tego nowego ważnego tematu. Na wystawie w 1927 r. pokazano płótno „Chłopka”, które, choć miało coś wspólnego z omawianymi powyżej portretami, cieszyło się również niezależnym zainteresowaniem. Uwagę artysty skupił obraz głowy i dłoni dziewczynki, namalowany z dużym plastycznym wyczuciem. Typ młodej twarzy jest uchwycony w oryginalny sposób. Bliskie temu płótnu pod względem bezpośredniości doznań jest „Dziewczyna za włosami”, wystawiona po raz pierwszy w 1929 roku. Różnił się on od obrazu klatki piersiowej z 1927 roku nową, bardziej szczegółową kompozycją, obejmującą prawie całą postać w pełnym wzroście, przekazaną w bardziej złożonym ruchu. Artystka pokazała zrelaksowaną pozę dziewczyny poprawiającej włosy i przeglądającej się w małym lusterku leżącym na jej kolanie. Kombinacje dźwięków złota twarz i ręce, niebieska sukienka i czerwona ławka, szkarłatny sweter i zielonkawe ściany chaty z bali przyczyniają się do emocjonalności obrazu. Pachomow subtelnie uchwycił pomysłowy wyraz twarzy twarz dziecka, dotykając postawy. Jasne, niezwykłe obrazy zatrzymały publiczność. Obie prace były częścią zagranicznych wystaw sztuki radzieckiej.
A. F. Pachomow przez całe półwiecze swojej twórczości był w bliskim kontakcie z życiem kraju sowieckiego, co nasycało jego twórczość natchnionym przekonaniem i siłą żywotnej prawdy. Jego osobowość artystyczna rozwinęła się wcześnie. Znajomość jego twórczości pokazuje, że już w latach 20. wyróżniała się ona głębią i wnikliwością, wzbogaconą doświadczeniem studiowania kultury światowej. W jego powstaniu rola sztuki Giotta i protorenesansu jest oczywista, ale wpływ starożytnego malarstwa rosyjskiego był nie mniej głęboki. A.F. Pachomow należał do grona mistrzów, którzy w innowacyjny sposób podeszli do bogatego dziedzictwa klasycznego. Jego prace charakteryzują się nowoczesnym wyczuciem w rozwiązywaniu zadań zarówno obrazowych, jak i graficznych.
Opanowanie przez Pachomowa nowych tematów na płótnach „1905 na wsi”, „Jeźdźcy”, „Spartakowka” w cyklu obrazów o dzieciach jest ważne dla rozwoju sztuki radzieckiej. Artysta odegrał wybitną rolę w kreowaniu wizerunku współczesnego, czego dobitnym dowodem są jego serie portretów. Po raz pierwszy wprowadził do sztuki tak żywe i żywe wizerunki młodych obywateli Kraju Sowietów. Ta strona jego talentu jest wyjątkowo cenna. Jego prace wzbogacają i poszerzają idee dotyczące historii malarstwa rosyjskiego. Od lat 20 główne muzea kraje nabyły płótna Pachomowa. Jego prace zyskały międzynarodową sławę na dużych wystawach w Europie, Ameryce, Azji.
A.F. Pakhomov inspirował się socjalistyczną rzeczywistością. Jego uwagę przykuwały próby turbin, praca tkalni i nowe rzeczy w życiu. Rolnictwo. W jego pracach pojawiają się wątki związane z kolektywizacją, z wprowadzaniem sprzętu na pola, z użyciem kombajnów, z nocną pracą traktorów, z życiem wojska i marynarki wojennej. Podkreślamy specjalna wartość te osiągnięcia Pachomowa, ponieważ wszystko to zostało pokazane przez artystę jeszcze w latach 20. i na początku lat 30. Jego obraz „Pionierzy u suwerennego rolnika”, cykl o gminie „Siewca” i portrety z „Pięknych mieczy” to jedne z najgłębszych prac naszych artystów o przemianach na wsi, o kolektywizacji.
Prace A.F. Pachomowa wyróżniają się monumentalnymi rozwiązaniami. We wczesnym sowieckim malarstwie ściennym prace artysty należą do najbardziej uderzających i interesujących. W kartonach Czerwonej Przysięgi, obrazach i szkicach Okrągłego Tańca Dzieci Wszystkich Narodów, obrazach o żniwiarzach, a także w najlepszych dziełach malarstwa Pachomowa w ogóle, istnieje namacalny związek z wielkimi tradycjami starożytnego dziedzictwa narodowego , która jest częścią skarbca światowej sztuki. Kolorystyczna, figuratywna strona jego murali, obrazów, portretów, a także grafiki sztalugowej i książkowej jest głęboko oryginalna. O błyskotliwych sukcesach plenerów malarskich świadczy cykl „W słońcu” – swoisty hymn ku czci młodzieży Kraju Sowietów. Tutaj, w przedstawieniu nagiego ciała, artysta wystąpił jako jeden z wielkich mistrzów, którzy przyczynili się do rozwoju tego gatunku w malarstwie sowieckim. Poszukiwania kolorów Pachomowa połączono z rozwiązaniem poważnych problemów z tworzywami sztucznymi.
Trzeba powiedzieć, że w osobie A.F. Pachomowa sztuka miała jednego z największych rysowników naszych czasów. Mistrz po mistrzowsku posiadany różne materiały. Działa tuszem i akwarelą, piórem i pędzlem obok genialnych grafitowych rysunków ołówkiem. Jego osiągnięcia wykraczają poza to sztuka domowa i stać się jednym z najwybitniejszych dzieł światowej grafiki. Nietrudno znaleźć tego przykłady w serii rysunków wykonanych w domu w latach 20. XX wieku, wśród arkuszy wykonanych w następnej dekadzie podczas podróży po kraju iw cyklach o obozach pionierskich.
Wkład A.F. Pakhomova w grafikę jest ogromny. Jego prace sztalugowe i książkowe dedykowane dzieciom należą do wybitnych sukcesów w tej dziedzinie. Jeden z twórców radzieckiej literatury ilustrowanej, wprowadził do niej głęboki i zindywidualizowany obraz dziecka. Jego rysunki urzekały czytelników witalnością i ekspresją. Bez pouczeń, żywo i wyraźnie artysta przekazywał dzieciom myśli, wzbudzał ich uczucia. I ważne tematy edukacji i życie szkolne! Żaden z artystów nie rozwiązał ich tak głęboko i zgodnie z prawdą, jak Pachomow. Po raz pierwszy w tak figuratywny i realistyczny sposób zilustrował wiersze W. W. Majakowskiego. Artystycznym odkryciem były jego rysunki do dzieł Lwa Tołstoja dla dzieci. Rozważany materiał graficzny wyraźnie pokazał, że twórczość Pachomowa, ilustratora współczesnych i literatura klasyczna, błędne jest ograniczanie go tylko do obszaru książki dla dzieci. Znakomite rysunki artysty do dzieł Puszkina, Niekrasowa, Zoszczenki świadczą o wielkim sukcesie grafiki rosyjskiej w latach 30. XX wieku. Jego prace przyczyniły się do powstania metody socrealizmu.
Sztuka A.F. Pachomowa wyróżnia się obywatelstwem, nowoczesnością i trafnością. Podczas najtrudniejszych prób blokady Leningradu artysta nie przerywał swojej pracy. Wraz z mistrzami sztuki miasta nad Newą, jak niegdyś w młodości w wojnie domowej, wykonywał zadania z frontu. Seria litografii Pachomowa „Leningrad w czasach oblężenia”, jedno z najważniejszych dzieł sztuki lat wojny, ukazuje niezrównane męstwo i odwagę narodu radzieckiego.
Wśród tych entuzjastycznych artystów, którzy przyczynili się do rozwoju i rozpowszechnienia tego typu grafiki drukowanej, należy wymienić autora setek litografii, A.F. Pachomowa. Uwagę jego zwróciła możliwość dotarcia do szerokiego grona odbiorców, masowość adresowania druku obiegowego.
Jego prace cechuje klasyczna klarowność i zwięzłość środków wizualnych. Wizerunek osoby jest jego głównym celem. Niezwykle ważna strona Twórczością artysty, która wiąże go z tradycjami klasycznymi, jest dążenie do plastycznej ekspresji, które jest wyraźnie widoczne w jego obrazach, rysunkach, ilustracjach, grafikach, aż po prace najnowsze. Robił to stale i konsekwentnie.
A.F. Pachomow jest „głęboko oryginalnym, wielkim rosyjskim artystą, który jest całkowicie pogrążony w refleksji nad życiem swojego narodu, ale jednocześnie wchłania dorobek sztuki światowej. Znaczący wkład w rozwój radzieckiej kultury artystycznej stanowi twórczość malarza i grafika A.F. Pachomowa. /VS. Matafonow/
____________________________________________________________________________________________________________
WŁADIMIR WASILIEWICZ LEBIEDIEW
14 (26) 05.1891, Petersburg - 21.11.1967, Leningrad
Artysta Ludowy RFSRR. Członek korespondent Akademii Sztuk ZSRR
Pracował w Petersburgu w pracowni F. A. Roubauda i uczęszczał do szkoły rysunku, malarstwa i rzeźby M. D. Bernsteina i L. V. Sherwooda (1910-1914), studiował w Petersburgu w Akademii Sztuk Pięknych (1912-1914). Członek Towarzystwa Czterech Sztuk. Współpracował w czasopismach „Satyricon”, „New Satyricon”. Jeden z organizatorów Windows ROSTA” w Piotrogrodzie.
W 1928 roku w Muzeum Rosyjskim w Leningradzie zorganizowano osobistą wystawę Władimira Wasiljewicza Lebiediewa, jednego z najwybitniejszych grafików lat 20. XX wieku. Następnie został sfotografowany na tle swoich prac. Nieskazitelny biały kołnierzyk i krawat, kapelusz naciągnięty na brwi, poważny i nieco arogancki wyraz twarzy, poprawne i nieprzymykające spojrzenie spojrzenie, a przy tym marynarka zrzucona, a rękawy jego koszula, podwinięta powyżej łokci, odsłania muskularność duże ręce ze szczotkami „mądry” i „nerwowy”. Całość pozostawia wrażenie opanowania, gotowości do pracy, a co najważniejsze - odpowiada charakterowi pokazywanych na wystawie grafik, wewnętrznie napiętych, niemal hazardowych, momentami ironicznych i jakby odzianych w zbroję nieco ochładzającej techniki graficznej. Artysta wkroczył w erę porewolucyjną z plakatami do okien ROSTA. Podobnie jak w powstających w tym samym czasie (1920) "Prasownikach" naśladowali styl kolorowego kolażu. Jednak w plakatach ta wywodząca się z kubizmu technika nabrała zupełnie nowego znaczenia, wyrażającego się lapidarnością znaku i patosem obrony rewolucji („ Na straży w październiku ", 1920) i woli dynamicznej pracy ("Demonstracja", 1920). Jeden z plakatów ("Musisz pracować - karabin jest w pobliżu", 1921) przedstawia robotnika z piłą, a jednocześnie sam jest postrzegany jako rodzaj mocno sklejonego przedmiotu. Tworzące postać pomarańczowe, żółte i niebieskie paski są niezwykle silnie połączone drukowanymi literami, które, w przeciwieństwie do kubistycznych inskrypcji, mają specyficzne znaczenie semantyczne, jak ekspresyjnie przekątna utworzona przez słowo „praca”, brzeszczot i słowo „musi”, ostry łuk słów „karabin w pobliżu” i linie ramion robotnika przecinają się! dla książek dla dzieci. W Leningradzie cały trend w ilustrowaniu książek dla dzieci ukształtował się w latach 20. Wraz z Lebiediewem, W. Ermolajewą, N. Tyrsą , N. Lapshin, a częścią literacką kierował S. Marshak, który był wówczas bliski grupie poetów leningradzkich - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Kharms, A. Vvedensky. W tamtych latach został całkowicie zatwierdzony specjalny obraz ksiąg, odmiennych od uprawianych w tamtych latach przez Moskwę ilustracja kierowana przez V. Favorsky'ego. Podczas gdy w gronie moskiewskich drwali czy bibliofilów panował niemal romantyczny odbiór książki, a sama praca nad nią zawierała coś „surowo ascetycznego”, leningradzcy ilustratorzy stworzyli rodzaj „książki zabawek”, oddali ją bezpośrednio w ręce dziecka, dla którego była przeznaczona. Ruch wyobraźni „w głąb kultury” zastąpiła tu wesoła efekciarstwo, kiedy kolorową książeczkę można było obracać w dłoniach lub przynajmniej czołgać po niej, leżąc na podłodze w otoczeniu zabawkowych słoni i kostek. Wreszcie „święte nad świętymi” drzeworyty Favorsky'ego - grawitacja czarno-białych elementów obrazu w głąb lub z głębi arkusza - ustąpiły tu miejsca szczerze płaskiemu palcowaniu, gdy rysunek powstał jakby „pod ręce dziecka” z kawałków papieru przyciętych nożyczkami. Słynna okładka „Słoniątka” R. Kiplinga (1926) uformowana jest jakby ze stosu łat rozrzuconych przypadkowo po powierzchni papieru. Wydaje się, że artysta (a może nawet samo dziecko!) przesuwał te kawałki po papierze, aż do uzyskania gotowej kompozycji, w której wszystko „kręci się za kółkiem” i gdzie tymczasem niczego nie da się przesunąć nawet o milimetr: w pośrodku - słoniątko z zakrzywionym długi nos, wokół niego piramidy i palmy, na górze duży napis „Słoń”, a poniżej krokodyl, który poniósł całkowitą klęskę.
Ale jeszcze bardziej lekkomyślnie wypełniony książką"Cyrk"(1925) i „Jak samolot zbudował samolot”, w którym rysunkom Lebiediewa towarzyszyły wiersze S. Marszaka. Na rozkładówkach przedstawiających klaunów ściskających sobie dłonie lub tłustego klauna na osiołku praca polegająca na wycinaniu i wklejaniu zielonych, czerwonych lub czarnych kawałków dosłownie „wrze”. Tutaj wszystko jest „osobne” – czarne buty czy czerwone nosy klaunów, zielone spodnie czy żółta gitara grubasa z karasiem – ale z jaką niezrównaną błyskotliwością to wszystko jest połączone i „sklejone”, przesiąknięte duchem żywiołowości i radosna inicjatywa.Wszystkie te obrazy Lebiediewa, adresowane do zwykłych dziecięcych czytelników, wśród których takie arcydzieła, jak litografie do książki „Polowanie” (1925), były z jednej strony wytworem wyrafinowanej kultury graficznej, zdolnej zadowolić najbardziej wymagające oko, az drugiej sztuka, objawiająca się w żywej rzeczywistości. Przedrewolucyjne grafiki nie tylko Lebiediewa, ale i wielu innych artystów nie znały jeszcze tak otwartego kontaktu z życiem (pomimo tego, że Lebiediew malował nawet dla magazynu „Satyricon” w latach 1910) – tych „witamin”, czyli raczej te „drożdże witalności”, po których sama rosyjska rzeczywistość „wędrowała” w latach dwudziestych XX wieku. Codzienne rysunki Lebiediewa ukazywały ten kontakt z niezwykłą wyrazistością, nie tyle wdzierając się w życie jak ilustracje czy plakaty, ale przenosząc je w sferę figuratywną. U podstaw tego leży żarliwie chciwe zainteresowanie wszystkimi nowymi typami społecznymi, które stale się pojawiały. Rysunki z lat 1922-1927 można by łączyć z nazwą „Płyta rewolucji”, którą Lebiediew zatytułował tylko jedną serię z 1922 roku, która przedstawiała ciąg postaci porewolucyjnej ulicy, a słowo „panel” wskazywało na to była to najprawdopodobniej piana ubijana przez toczenie się po tych ulicach przez bieg wydarzeń. Artysta rysuje marynarzy z dziewczętami na piotrogrodzkim rozdrożu, kupców ze straganami czy dandysów przebranych zgodnie z modą tamtych lat, a zwłaszcza Nepmenów - tych komicznych i zarazem groteskowych przedstawicieli nowej "ulicznej fauny", których malował z entuzjazmem w tych samych latach oraz V. Konashevich i wielu innych mistrzów. Dwóch NEPmenów na zdjęciu „Para” z serialu „ Nowy sposób życia„(1924) mógłby uchodzić za tych samych klaunów, których Lebiediew wkrótce przedstawił na łamach Cyrku, gdyby nie ostrzejszy stosunek artysty do nich. Stosunku Lebiediewa do takich postaci nie można nazwać ani „stygmatyzującym”, ani tym bardziej „ Nie było przypadek, że przed tymi rysunkami Lebiediewa pamiętano P. Fiedotowa z jego nie mniej charakterystycznymi szkicami typów ulic XIX w. Oznaczało to, że żywa nierozłączność zasady ironii i poezji, która charakteryzowała obu artystów i czyniła ich obu szczególnie atrakcyjnymi obrazy przypominają współczesnych Lebiediewowi, pisarzy M. Zoshchenko i Y. Olesha. Mają tę samą nierozłączność ironii i uśmiechu, kpiny i podziwu. Lebiediew najwyraźniej był również pod wrażeniem taniego szyku prawdziwego marynarskiego spaceru („Dziewczyna i ”), a wyzywająca dziarska dziewczyna, z butem zatwierdzonym na pudle sprzątaczki („Dziewczyna i czyścik do butów”), coś go nawet pociągało i ta zoologiczna lub czysto wegetatywna niewinność Zastanawiam się, jak te wszystkie nowe postacie wspinają się jak kubki pod płotem, wykazując cuda zdolności adaptacyjnych, jak na przykład rozmawiające damy w futrach na wystawie sklepowej („Ludzie towarzystwa”, 1926) czy banda Nepmenów na wieczornej ulicy ("Nepmen", 1926). Szczególnie uderzający jest poetycki początek najsłynniejszej serii Lebiediewa „Miłość punków” (1926-1927). Cóż za fascynujący siła życiowa oddech w rysunku „Na lodowisku” to postacie faceta w rozpiętym na piersi kożuchu i kucającej na ławce dziewczyny w czepku z kokardą i butelkowatymi nogami wetkniętymi w wysokie buty. Jeśli w serii „Nowe życie” być może można też mówić o satyrze, to tutaj jest to prawie niezauważalne. Na zdjęciu „Wysypka, Siemionowna, posyp, Siemionowna!” - wysokość szaleństwa. Pośrodku prześcieradła tańcząca młoda i gorąca para, a widzowi wydaje się, że słyszy plusk jego dłoni lub trzask butów faceta w rytmie, czuje wężową elastyczność jego nagich pleców, swobodę ruchu jego partnera. Od serii „Panel rewolucji” po rysunki „Miłość punków” sam styl Lebiediewa przeszedł zauważalną ewolucję. Postacie marynarza i dziewczyny na rysunku z 1922 roku nadal składają się z niezależnych plam – plam tuszy o różnej fakturze, podobnych do tych z The Ironers, ale bardziej uogólnionych i chwytliwych. W „Nowym życiu” dodano tutaj naklejki, zmieniając rysunek już nie w imitację kolażu, ale w prawdziwy kolaż. Obraz całkowicie zdominował płaszczyznę, zwłaszcza że zdaniem samego Lebiediewa dobry rysunek powinien przede wszystkim „dobrze pasować do papieru”. Jednak na arkuszach z lat 1926-1927 papierową płaszczyznę coraz częściej zastępowała przestrzeń przedstawiona z jej światłocieniem i tło przedmiotu. Przed nami nie są już plamy, ale stopniowe gradacje światła i cienia. Jednocześnie ruch rysunku nie polegał na „wycinaniu i wklejaniu”, jak to miało miejsce w „Nep” i „Cyrku”, ale na przesuwaniu miękkiego pędzla lub spływaniu czarnej akwareli. W połowie lat dwudziestych wielu innych rysowników również kroczyło ścieżką w kierunku coraz bardziej swobodnego lub obrazkowego, jak to się powszechnie nazywa, rysunku. Byli też N. Kupreyanov ze swoimi wiejskimi „stadami” oraz L. Bruni i N. Tyrsa. Rysunek nie ograniczał się już do efektu „wzięcia”, ostrego chwytu „na czubku pióra” wszystkich nowych charakterystyczne typy, ale jakby sam był włączony w żywy strumień rzeczywistości ze wszystkimi jej zmianami i emocjonalnością. W połowie lat 20. ten ożywczy nurt ogarnął sferę nie tylko „ulicznej”, ale i „domowej” tematyki, a nawet tak tradycyjnych warstw rysunku, jak rysunek w pracowni z nagiej postaci ludzkiej. I jaki to był nowy rysunek w całej swojej atmosferze, zwłaszcza jeśli porównamy go z ascetycznie surowym rysunkiem dekady przedrewolucyjnej. Jeśli porównamy na przykład doskonałe rysunki z aktu N. Tyrsy z 1915 roku i rysunki Lebiediewa z lat 1926-1927, uderzy nas bezpośredniość prześcieradeł Lebiediewa, siła ich uczuć.
Ta bezpośredniość szkiców Lebiediewa z modelu skłoniła innych historyków sztuki do przypomnienia technik impresjonizmu. Sam Lebiediew był głęboko zainteresowany impresjonistami. W jednym z jego najlepsze rysunki w cyklu „Acrobat” (1926) pędzel nasycony czarną akwarelą jakby sam z siebie tworzy energetyczny ruch modelki. Wystarczy pewny ruch, aby artysta odrzucił lewą rękę lub jedno przesunięcie, aby skierować łokieć do przodu. W cyklu "Tancerz" (1927), gdzie kontrasty świetlne są osłabione, elementy ruchomego światła również budzą skojarzenia z impresjonizmem. „Z przesiąkniętej światłem przestrzeni”, pisze W. Pietrow, „jak wizja pojawiają się zarysy tańczącej postaci”, „jest ledwo zarysowana jasnymi plamami czarnej akwareli”, kiedy „forma zmienia się w malowniczą masą i niepozornie łączy się ze środowiskiem świetlno-powietrznym”.
Jest rzeczą oczywistą, że ten impresjonizm Lebiediewa nie jest już równy impresjonizmowi klasycznemu. Za nim zawsze czuć „naukę konstruktywności” niedawno ukończoną przez mistrza. Zarówno Lebiediew, jak i leningradzki kierunek rysowania pozostały same, ani na chwilę nie zapominając ani o skonstruowanej płaszczyźnie, ani o malarskiej fakturze. W istocie tworząc kompozycję rysunkową, artysta nie odtworzył przestrzeni figurą, jak Degas, lecz tę jedną figurę, jakby łącząc jej formę z formatem rysunku. Ledwo zauważalnie odcina czubek głowy i sam czubek stopy, dzięki czemu figurka nie opiera się o podłogę, a raczej jest „zahaczona” o dolną i górną krawędź prześcieradła. Artysta dąży do jak największego zbliżenia „planu figury” i płaszczyzny obrazu. Perłowe pociągnięcie jego mokrego pędzla należy zatem w równym stopniu do figury, jak i do płaszczyzny. Te zanikające lekkie kreski, które oddają zarówno samą postać, jak i niejako ciepło ogrzanego wokół ciała powietrza, odbierane są jednocześnie jako jednolita faktura rysunku, kojarzona z kreskami chińskiego rysunku tuszem i jawią się oka jak najdelikatniejsze „płatki”, drobno wygładzone do powierzchni blachy. Co więcej, w „Akrobatach” czy „Tancerzach” Lebiediewa panuje przecież ten sam chłód pewnego artystycznego i nieco zdystansowanego podejścia do modelki, co zauważyli bohaterowie seriali „Nowe życie” i „Nep”. We wszystkich tych rysunkach silna jest uogólniona podstawa klasyczna, co tak ostro odróżnia je od szkiców Degasa z ich poezją charakterystyczną lub codzienną. Tak więc w jednym z genialnych arkuszy, w którym baletnica jest odwrócona tyłem do widza, z prawa noga, postawiona na palcu z tyłu po lewej (1927), jej postać przypomina porcelanową figurkę z półcieniem i przesuwającym się po powierzchni światłem. Według N. Lunina artysta znalazł w baletnicy „doskonały i rozwinięty wyraz ludzkiego ciała”. „Oto on – ten cienki i plastyczny organizm – rozwinięty, może trochę sztucznie, ale sprawdzony i dokładny w ruchu, zdolny „powiedzieć o życiu” więcej niż jakikolwiek inny, bo ma najmniej bezkształtny, niewykonany, niepewna szansa”. Artystę naprawdę interesował nie sam balet, ale najbardziej wyrazisty sposób „opowiadania życia”. W końcu każda z tych ARKUSZÓW jest niejako lirycznym poematem poświęconym poetycko wartościowemu ruchowi. Balerina N. Nadieżdina, która pozowała mistrzowi w obu seriach, oczywiście bardzo mu pomogła, zatrzymując się w tych dobrze przestudiowanych przez nią „pozycjach”, w których najbardziej imponująco ujawniła się żywotna plastyczność ciała.
Podniecenie artysty zdaje się przedzierać przez artystyczną poprawność pewnego rzemiosła, a następnie mimowolnie przekazywane widzowi. Na tym samym wspaniałym szkicu baletnicy od tyłu widz z entuzjazmem obserwuje, jak wirtuozowski pędzel nie tylko przedstawia, ale tworzy postać, która natychmiast zastyga na palcach. Jej nogi, kreślone dwoma „płatkami kresek”, z łatwością wznoszą się ponad punkt podparcia, wyżej – jak znikający półcień – ostrożne rozwinięcie śnieżnobiałego stosu, jeszcze wyżej – po kilku przerwach, nadając obrazowi aforystyczną zwięzłość – niezwykle wrażliwa lub „bardzo słysząca” tancerka pleców i nie mniej „słyszący” obrót jej małej głowy nad szeroką rozpiętością ramion.
Kiedy Lebiediew został sfotografowany na wystawie w 1928 roku, wydawało się, że ma przed sobą obiecującą drogę. Wydaje się, że kilka lat ciężkiej pracy wyniosło go na wyżyny grafiki. Jednocześnie zarówno w książkach dla dzieci z lat dwudziestych, jak iw Tancerzach osiągnięto być może taki stopień zupełnej doskonałości, że od tych punktów być może nie było już żadnej drogi rozwoju. I rzeczywiście, rysunek Lebiediewa, a zresztą sztuka Lebiediewa, osiągnęła tu swój absolutny szczyt. W kolejnych latach artysta bardzo aktywnie zajmował się malarstwem, dużo i przez wiele lat ilustrował książki dla dzieci. A jednocześnie wszystkiego, co zrobił w latach 1930-1950, nie można już porównywać z arcydziełami z lat 1922-1927 i oczywiście mistrz nie próbował powtórzyć pozostawionych znalezisk. Szczególnie poza zasięgiem nie tylko samego artysty, ale i całej sztuki późniejszych lat pozostały rysunki postaci kobiecej autorstwa Lebiediewa. Jeśli późniejszej epoki nie można było przypisać schyłkowi rysowania z aktu modelki, to tylko dlatego, że w ogóle nie interesowała się tymi tematami. Tylko dla ostatnie lata jakby w tej najbardziej poetyckiej i najbardziej twórczo szlachetnej dziedzinie rysunku planowany jest przełom, a jeśli tak, to być może W. Lebiediew wśród rysowników nowej generacji jest przeznaczony na kolejną nową chwałę.
Przedszkole MDOBU nr 4
Wołchow
Artyści - ilustratorzy książek dla dzieci
pedagog
Obraz, zwłaszcza dla małych dzieci, jest niezwykle ważnym materiałem pedagogicznym, bardziej przekonującym i ostrzejszym niż słowo, ze względu na jego realną widoczność.
EA Flerina
Wszyscy wiedzą, że dzieci uwielbiają oglądać obrazki, patrząc na nie, dziecko wyobraża sobie wszystko, co się dzieje i
ilustracja jest czasem ważniejsza niż tekst.
Źle ilustrowana książeczka dla dzieci jest dla dziecka nieciekawa, a przez to nieczytelna.
Książki dla dzieci są projektowane przez wielu utalentowanych artystów i wielu z nich zrealizowało swój talent ilustracyjny, każdy artysta ma własną wizję świata, swój własny styl artystyczny, ta sama praca objawia się inaczej w twórczości każdego mistrza.
Poświęciło się temu kilka pokoleń artystów szlachetna sprawa przez całe życie i tworzył książki, które stały się swego rodzaju wzorcami. I.Ya.Bilibin, E.I.Charushin, Yu.A.Vasnetsov, V.G.Suteev, B.A.Dekhterev, V.M.Konashevich, E.M.Rachev, N.E.Radlov, V.V. Lebedev, V.A. Milashevsky i inne ilustrowane książki, na których sprowadzono więcej niż jedno pokolenie w górę.
Wasniecow Jurij Aleksiejewicz (1900 - 1973)
Jurij Aleksiejewicz Wasniecow - narodowy artysta i ilustrator. Jego
zdjęcia do folkloru
wszystkie dzieci lubią piosenki, rymowanki i żarty (Ladushki, Rainbow-arc). Ilustrował ludowe opowieści, baśnie Lwa Tołstoja, Piotra Erszowa, Samuila Marszaka, Witalija Biancziego i innych klasyków literatury rosyjskiej.
Bilibin Iwan Jakowlewicz (1876 - 1942)
- Rosyjski artysta, ilustrator książek i projektant teatralny. Ilustrowany Bilibin duża liczba bajki, w tym Puszkin. Opracował własny styl - „Bilibinsky” - reprezentację graficzną, uwzględniającą tradycje staroruskie i Sztuka ludowa, starannie narysowane i szczegółowo wzorzyste rysunek konturowy pokolorowane akwarelą.
Bajki, epopeje, obrazy starożytnej Rusi od dawna są nierozerwalnie związane z ilustracjami Bilibina.
Rachev Jewgienij Michajłowicz (1906 - 1997)
Rachev poświęcił całe swoje twórcze życie, ponad sześćdziesiąt lat, pracy z książkami i stworzył setki pięknych rysunków. Z ilustracjami Racheva opublikowano wiele książek, w tym: Prishvin M. M. „Spiżarnia słońca” i „Złota łąka”; Durov V. L. „Moje zwierzęta”; Mamin-Sibiryak DM „Opowieści Alyonushki”; Saltykov-Shchedrin ME „Opowieści satyryczne”.
Dechteriew Borys Aleksandrowicz (1908 - 1993)
– Artysta ludowy, radziecki grafik, ilustrator. Pracował głównie w inżynierii rysunek ołówkiem i akwarele. stary miłe ilustracje Dechterewa jest cała epoka w historii ilustracji dziecięcej wielu ilustratorów nazywa Borysa Aleksandrowicza swoim nauczycielem.
Dekhterev ilustrował bajki dla dzieci A. S. Puszkina, Wasilija Żukowskiego, Charlesa Perraulta, Hansa Christiana Andersena, M. Lermontowa, Iwana Turgieniewa, Williama Szekspira.
Konaszewicz Władimir Michajłowicz (1888 - 1963)
– Rosyjski artysta, grafik, ilustrator. Ilustrowaniem książek dla dzieci zajęłam się przez przypadek. W 1918 roku jego córka miała trzy lata. Konashevich rysował dla niej obrazki dla każdej litery alfabetu. Tak więc wydrukowano „ABC w obrazach” - pierwszą książkę V. M. Konashevicha. Od tego czasu artysta stał się ilustratorem książek dla dzieci. Główne prace Władimira Konaszewicza: - ilustracja bajek i piosenek różne narody, z których niektóre były wielokrotnie ilustrowane;
- bajki G.Kh. Andersen, bracia Grimm i Charles Perrault; - „Stary latek” V. I. Dahla;
- - utwory Korneya Czukowskiego i Samuila Marshaka. Ostatnia praca artysta ilustrował wszystkie bajki A. S. Puszkina .
Charushin Jewgienij Iwanowicz (1901 - 1965)
- grafik, rzeźbiarz, powieściopisarz i autor książek dla dzieci-animalista. Zasadniczo ilustracje są wykonywane w sposób swobodny akwarela rysunek z odrobiną humoru. Dzieci to uwielbiają, nawet małe dzieci. Znany z ilustracji zwierząt, które rysował do własnych opowiadań: „O Tomce”, „Wołczyszko i inni”, „Nikitka i jego przyjaciele” i wielu innych. Ilustrował także innych autorów: Czukowski, Priszwin, Bianki. Najbardziej słynna książka z jego ilustracjami „Dzieci w klatce” Samuila Yakovlevicha Marshaka.
Radłow Nikołaj Ernestowicz (1889 - 1942)
- Rosyjski artysta, krytyk sztuki, pedagog. Ilustratorka książek dla dzieci: Agnia Barto, Samuil Marshak, Siergiej Michałkow, Aleksander Wołkow. Radłow malował dla dzieci z wielką przyjemnością. Jego najsłynniejszą książką są bajki dla dzieci „Opowieści w obrazkach”. Jest to album-książka z zabawnymi historyjkami o zwierzętach i ptakach. Lata mijają, ale kolekcja nadal cieszy się dużą popularnością. Historie na zdjęciach były wielokrotnie przedrukowywane nie tylko w Rosji, ale także w innych krajach. Na międzynarodowym konkursie książki dla dzieci w Ameryce w 1938 roku książka zdobyła drugą nagrodę.
Lebiediew Władimir Wasiljewicz (1891 - 1967)
V. V. Lebedev stworzył książkę z wielkim szacunkiem dla dziecka, osiągnął umiejętność rozmawiania z nim poważnym językiem, aby mógł wejść w twórczość artysty, zrozumieć schematy grafiki książkowej. Szczególnie żywe i dynamiczne są ilustracje Lebiediewa do książek S. Marshaka „Cyrk”, „Lody”, „Opowieść o głupia mała mysz", "Wąsaty - Paski", " kolorowa książka"," Dwanaście miesięcy", "Bagaż". Książki ilustrowane przez artystę wyróżniają się prostotą i jasnością obrazów, wspaniałym połączeniem form obrazkowych i czcionkowych.
Milashevsky Władimir Aleksiejewicz (1893 - 1976)
Władimir Aleksiejewicz zilustrował i zaprojektował artystycznie około 100 książek dla dzieci i młodzieży, ale nigdy nie należał do tzw. „dziecięcych” artystów. Ilustrował zarówno dzieła klasyków literatury światowej, jak i sowieccy pisarze. Milashevsky zawsze kierował się zasadą: wszystko musi być zrobione zarówno dla dzieci, jak i dla dorosłych, a nawet lepiej. Nigdy nie zaprzyjaźniał się z dziećmi, nie „seplenił”, nie naśladował dziecięcych rysunków, nie próbował z nimi rozmawiać jakimś specjalnym, rzekomo zrozumiałym „dziecięcym” językiem.
Książki, które czytaliśmy jako dzieci, miały na nas ogromny wpływ dzięki niezapomnianym zdjęciom naszych ulubionych bohaterów. Możemy łatwo odtworzyć obrazy Dunno lub Calineczki w pamięci dziesiątki lat później. Ale teraz dobra książka Ciężko wybrać ze zdjęciami. Wchodząc do sklepu po prostu się gubimy i w efekcie zabieramy ze sobą książkę o najbardziej jadowitej okładce, od której dziecko się rozchoruje. Jaki jest sekret udanej ilustracji i jak wybrać dobrą książkę z obrazkami dla dziecka, Aleksandra Bałaszowa, ilustratorka i nauczycielka w Szkole Rysunku Weroniki Kalacheva, powiedziała Angelinie Green i Ilyi Markinowi.
Dla tych, którzy przygotowują się do głównego egzaminu szkolnego
3 zasady tworzenia dobrych rysunków dla dzieci
Nie ma uniwersalnej recepty na idealną ilustrację. Istnieją jednak trzy zasady, które pozwalają artystom tworzyć atrakcyjne rysunki do książek dla dzieci.
1. Ilustracja dla dzieci powinna być kontrastowa. W przeciwnym razie dziecku trudno jest się na czymś skupić. U dzieci zdolność koncentracji nie jest bardzo rozwinięta. Dostrzegają kolory i kształty, więc jest to szczególnie ważne w przypadku ilustracji dla dzieci.
2. Kompozycja powinna być przejrzysta, przemyślana. Widok nie powinien wykraczać poza ilustrację. Cała uwaga powinna być skupiona na obrazie.
3. Czytelnicy powinni rozpoznać siebie w postaciach. Cóż, na przykład, jeśli postacie odpowiadają wiekowi dzieci, proporcjom ciała.
Jeśli chodzi o wybór książek przez rodziców, radzę dzieciom zaszczepiać dobry gust od dzieciństwa. Musimy pozwolić sobie na pozbycie się wszystkich książek z plastikowymi drżącymi oczami i nuklearnymi kolorami. Wybierz ilustracje, które lubisz. Dzięki temu krok po kroku zapoznasz swoje dziecko ze światem piękna. Wszyscy ograniczamy dzieciom słodycze i zaszczepiamy miłość do warzyw? To samo należy zrobić z ilustracjami do książek.
Należy pamiętać, że utrzymanie uwagi dziecka jest trudniejsze niż uwagi osoby dorosłej. Aby sprawdzić, czy ilustracja ma wystarczający kontrast, wykonaj prosty test: zrób zdjęcie ilustracji w trybie czarno-białym. Powinien mieć zróżnicowany ton, a nie wyglądać jak lepka szara masa.
Wielu dorosłych, zwłaszcza babcie, uważa, że zwierzęta w książkach dla dzieci powinny być rysowane realistycznie. W przeciwnym razie dziecko będzie miało błędne wyobrażenie o tym, jak wygląda na przykład kot. Jak pokazuje praktyka, bardzo małe dzieci lepiej reagują na bardziej symboliczny obraz zwierzęcia. Rozpoznają go od razu. Ponadto ta symbolika rozwija fantazję. Nie bój się uproszczonych form. Zachowaj realistyczne ilustracje (takie jak Ingpen) dla starszych dzieci.
Jeśli nie wiesz, jak wybrać coś wartościowego z różnorodności książek i gubisz się w asortymencie księgarń, zwróć uwagę na małe wydawnictwa (Polyandria, Scooter, Pink Giraffe). Mniejsi wydawcy często ostrożniej podchodzą do wyboru książek i jakości ilustracji.
Jakie są ilustracje dla dzieci
Nie ma jednej klasyfikacji ilustracji, wszystko jest indywidualne i zależy od autora. Dla rodziców, którzy nadal chcą zrozumieć asortyment książek obrazkowych dla dzieci, przygotowaliśmy mały przewodnik po technikach, podejściach i stylach rysowania ilustracji.
Zacznij od tego, co jest różne materiały. Ktoś rysuje farbami, ktoś ołówkami, ktoś łączy techniki lub stosuje kolaże, ktoś wycina z papieru. Niektórzy ilustratorzy rysują prosto z głowy, a ktoś rysuje dużo szkiców i wybiera odniesienia.
Najważniejszą rzeczą na ilustracji jest jednocząca zasada dla serii zdjęć. Najczęściej będzie to fabuła, podzielona jest na kluczowe sceny, do każdej z których artysta tworzy ilustracje. Figurki przedstawiają bohaterów bajki.
Jako przykład ilustracji połączonych fabułą można przytoczyć rysunki Frederica Piyo w książkach „Lulu i rozproszony bocian” lub „Lulu i święto kochanków”. Na rysunkach widzimy tylko te sytuacje, które są opisane w tekście.
Zilustrowane przez Frederica Piyo
Zilustrowane przez Frederica Piyo
Niektórzy artyści łączą serie obrazów zgodnie z zasadą sceny: na przykład ilustracje scen z życie wsi. Zgodnie z tą zasadą zaprojektowano wiele Wimmelbuchów - opracowując książki do oglądania, ćwiczące uwagę i pamięć. Są to wydania wielkoformatowe, w których każda rozkładówka to szczegółowy obrazek, na który dzieci mogą patrzeć bez końca.
Wimmelbuchy są idealne dla młodszych czytelników: dzieci uczą się poprzez zabawę i czytanie. Uderzającym przykładem jest książka „W cyrku” Doro Goebela i Petera Knorra. Kilka wątków, z których każdy rozgrywa się na terenie cyrku.
Ilustracje autorstwa Doro Goebela i Petera Knorra
Obrazy są czasami łączone zgodnie z zasadą stylistyczną. Ilustrator rysuje znajome już obrazy, dostosowując je do swojego niepowtarzalnego stylu. Na przykład przerysowuje postacie z książki, serii książek, serii filmów lub kreskówek, tak aby, pozostając rozpoznawalnymi postaciami, odzwierciedlały wizję artysty. Na rysunkach fińskiego grafika Jirka Vaatainena można rozpoznać księżniczki Disneya choć dziwnie wyglądają. Dzieci, które kochają Krainę Lodu, Królewnę Śnieżkę i Siedmiu Krasnoludków, pokochają tę książeczkę z obrazkami.
Ilustracje autorstwa Jirki Väätäinena
Specyfika technologii może być również zasadą jednoczącą. Na przykład, jeśli autor używa tylko figury geometryczne jak Oleg Beresnev w rysunkach zwierząt. Takie ilustracje doskonale ćwiczą figuratywne myślenie dzieci i uczą je postrzegania uproszczonych form.
Takich jednoczących zasad jest wiele. Nie ma ograniczeń, wszystko zależy tylko od samego artysty i możliwości jego wyobraźni.
Ilustracja autorstwa Olega Beresniewa
Teraz techniki i materiały na żywo są bardzo popularne - akwarela, gwasz, kredki, kolaże. Popularne są również ilustracje wektorowe, jednak najczęściej charakter pisma artysty jest na nich dużo trudniejszy do rozpoznania.
Tutaj pierwszorzędny przykład akwarelowe ilustracje tokijskiego artysty Mateusza Urbanowicza.
Ilustracje Mateusz Urbanowicz
A oto rysunki gwaszowe od Dinary Mirtalipovej.
Ilustracje Dinary Mirtalipowej
Niektórzy artyści wycinają ilustracje z papieru lub tkaniny, na przykład czeska artystka Mihaela Mihailova. Takie eksperymenty z formami zawsze zajmują dzieci.
Ilustracje Michaela Mihalyiova
Ilustracje autorstwa Tatiany Devayeva, Eleny Erlikh i Aleksieja Lapunowa
Oryginalne prace pochodzą od tych, którzy pracują z linorytem. Jako przykład - rysunek Olgi Ezhovej-Denisowej z Jekaterynburga.
Ilustracja Olgi Jeżowej-Denisowej
Niektórzy artyści używają kolaży, podobnie jak artystka Morgana Wallace. Dzieci często próbują naśladować takie ilustracje, inspirując się do tworzenia własnych rękodzieł i kolaży.
Ilustracja autorstwa Morgany Meredith Wallace
Klasyczna ilustracja wektorowa, podobnie jak w twórczości irlandzkiego ilustratora Petera Donnelly'ego, wyróżnia się przede wszystkim tym, że przypomina kreskówkę.
Ilustracja autorstwa Petera Donnelly'ego
Najlepsi ilustratorzy
Jeśli nie do końca ufasz własnemu gustowi, sięgnij po dzieła znanych artystów. Jest wielu guru ilustracji, a każda osoba ma swoją własną listę ulubionych. Przygotowałam listę moich ulubionych autorów. Wszystkie miały wpływ na ilustrację dziecięcą, a wiele z nich stało nawet u jej początków.
Mirosław Szasek to czeski pisarz i ilustrator dla dzieci, znany ze swoich kolorowych przewodników turystycznych. Seria tętniących życiem publikacji obejmuje przewodniki „This is New York”, „This is Paris”, „This is London” i wiele innych.
Zdenka Milera- Kolejny czeski artysta, który często zajmował się animacją. Znany jako autor kreskówek o Krecie, które wielu lubiło oglądać w dzieciństwie.
Beatrycze Potter jest angielską artystką i autorką książek dla dzieci. Malowała głównie zwierzęta i rośliny.
Lew Tokmakow - radziecki artysta-ilustrator współpracujący z magazynem "Murzilka". Jego prace znajdują się w Galerii Trietiakowskiej i Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina.
Wiktor Czyżykow- artysta, który dał światu wizerunek niedźwiadka Miszki, maskotki Letnich Igrzysk Olimpijskich 1980 w Moskwie.
Jurij Wasniecow- radziecki artysta, malarz, grafik, artysta teatralny, ilustratorka książek i laureatka nagród państwowych. Jego rysunki można znaleźć w większości książek, które znamy z dzieciństwa.
Olga i Andriej Dugin- Rosyjscy artyści, którzy przenieśli się do Stuttgartu. Ich prace przypominają średniowieczne miniatury. W 2007 roku para otrzymała Złoty Medal Towarzystwa Ilustratorów Stanów Zjednoczonych za rysunki do bajki „Dzielny mały krawiec”.
Roberta Ingpena- ilustrator urodzony w Australii. Wśród jego prac znajdują się rysunki do Alicji w Krainie Czarów, Wyspy Skarbów, Tomka Sawyera, Piotruś Pan i Wendy, baśnie Kiplinga i wiele innych klasyków. Dla jednych ilustracje Roberta Ingpena wydają się zbyt dojrzałe, poważne, a nawet ponure, dla innych zachwycają.
Eryk Karol- ilustrator, długi czas pracował w dziale reklamy prestiżowego New York Timesa. Pewnego dnia pisarzowi dziecięcemu tak bardzo spodobało się logo narysowane przez artystę, że zaproponowano Ericowi Karlowi stworzenie ilustracji do książki. Wkrótce sam artysta zaczął pisać dla młodych czytelników.
Rebeka Dotremer- Francuski ilustrator i autor własnych książek dla dzieci. Pracuje w prasie dziecięcej i tworzy plakaty z ilustracjami.
Ernesta Sheparda był angielskim artystą i ilustratorem, który pracował jako rysownik dla satyrycznego magazynu Punch. Znany z ilustracji do bajek o Kubusiu Puchatku.
Quentina Blake'a- angielski ilustrator. Jego rysunki zdobią ponad 300 książek uznanych klasyków: Lewisa Carrolla, Rudyarda Kiplinga, Julesa Verne'a, Sylvii Plath, Roalda Dahla i wielu innych.
Jaki jest pożytek z książki, pomyślała Alicja.
- jeśli nie ma w nim obrazków ani rozmów?
"Alicja w krainie czarów"
Co zaskakujące, dziecięca ilustracja Rosji (ZSRR)
jest dokładny rok urodzenia - 1925. W tym roku
w Leningradzie powstał wydział literatury dziecięcej
Wydawnictwo Państwowe (GIZ). Przed tą książką
z ilustracjami specjalnie dla dzieci nie zostały opublikowane.
Kim oni są - autorzy najbardziej ukochanych, pięknych ilustracji, które zapadają w pamięć od dzieciństwa i podobają się naszym dzieciom?
Dowiedz się, zapamiętaj, podziel się opinią.
Artykuł powstał w oparciu o historie rodziców współczesnych dzieci oraz recenzje książek na stronach księgarń internetowych.
Władimir Grigoriewicz Sutiejew(1903-1993, Moskwa) - pisarka dla dzieci, ilustratorka i reżyserka animacji. Jego miłe, zabawne obrazki wyglądają jak kadry z kreskówki. Rysunki Suteeva zamieniły wiele baśni w arcydzieła.
Na przykład nie wszyscy rodzice uważają dzieła Korneya Czukowskiego za niezbędny klasyk i większość z nich nie uważa jego prac za wybitne. Ale bajki Czukowskiego, zilustrowane przez Władimira Sutajewa, chcę trzymać w rękach i czytać dzieciom.
Borys Aleksandrowicz Dechteriew(1908-1993, Kaługa, Moskwa) - Artysta Ludowy, radziecki grafik (uważa się, że szkoła Dekhtereva zdeterminowała rozwój krajowej grafiki książkowej), ilustrator. Pracował głównie w technice rysunku ołówkiem i akwareli. Stare dobre ilustracje Dechterewa to cała epoka w historii ilustracji dla dzieci, wielu ilustratorów nazywa Borysa Aleksandrowicza swoim nauczycielem.
Dekhterev zilustrował bajki dla dzieci Aleksandra Siergiejewicza Puszkina, Wasilija Żukowskiego, Charlesa Perraulta, Hansa Christiana Andersena. A także dzieła innych rosyjskich pisarzy i światowych klasyków, takich jak Michaił Lermontow, Iwan Turgieniew, William Szekspir.
Nikołaj Aleksandrowicz Ustinow(1937, Moskwa), Dekhterev był jego nauczycielem, a wielu współczesnych ilustratorów już uważa Ustinowa za swojego nauczyciela.
Nikolai Ustinov - Artysta Ludowy, ilustrator. Opowieści z jego ilustracjami były publikowane nie tylko w Rosji (ZSRR), ale także w Japonii, Niemczech, Korei i innych krajach. Zilustrowano prawie trzysta prac sławny artysta dla wydawnictw: „Literatura dziecięca”, „Dziecko”, „Artysta RFSRR”, wydawnictw Tuły, Woroneża, Petersburga i innych. Pracował w czasopiśmie Murzilka.
Najbardziej ulubionymi dla dzieci pozostają ilustracje Ustinowa do rosyjskich opowieści ludowych: Trzy niedźwiedzie, Masza i Niedźwiedź, Siostra Kurka, Żaba Księżniczka, Gęsi Łabędzie i wiele innych.
Jurij Aleksiejewicz Wasniecow(1900-1973, Wiatka, Leningrad) - artysta ludowy i ilustrator. Wszystkie dzieci lubią jego obrazki do piosenek ludowych, rymowanek i żartów (Ładuszki, Tęczowy łuk). Ilustrował baśnie ludowe, baśnie Lwa Tołstoja, Piotra Erszowa, Samuila Marszaka, Witalija Biancziego i innych klasyków literatury rosyjskiej.
Kupując książki dla dzieci z ilustracjami Jurija Wasniecowa, upewnij się, że rysunki są wyraźne i umiarkowanie jasne. Używając nazwy sławny artysta, w ostatnie czasy często publikują książki z rozmytymi skanami rysunków lub z podwyższoną nienaturalną jasnością i kontrastem, a to nie jest zbyt dobre dla oczu dzieci.
Leonid Wiktorowicz Władimirski(ur. 1920 w Moskwie) to rosyjski grafik i najpopularniejszy ilustrator książek o Pinokio A. N. Tołstoja i Szmaragdowym Mieście A. M. Wołkowa, dzięki którym stał się szeroko znany w Rosji i krajach byłego ZSRR. Malowałem akwarelami. To ilustracje Władimirskiego są przez wielu uznawane za klasyczne dla twórczości Wołkowa. Cóż, Pinokio w takiej postaci, w jakiej jest znany i kochany przez kilka pokoleń dzieci, to niewątpliwie jego zasługa.
Wiktor Aleksandrowicz Czyżykow(ur. 1935, Moskwa) – Artysta Ludowy Rosji, autor wizerunku niedźwiadka Miszki, maskotki Letnich Igrzysk Olimpijskich 1980 w Moskwie. Ilustrator magazynów „Krokodyl”, „Śmieszne Obrazki”, „Murzilka”, przez wiele lat rysował dla magazynu „Dookoła Świata”.
Czyżykow zilustrował prace Siergieja Michałkowa, Nikołaja Nosowa (Witia Malejew w szkole iw domu), Iriny Tokmakowej (Alya, Klyaksich i litera „A”), Aleksandra Wołkowa (Czarnoksiężnik z krainy Oz), wiersze Andrieja Usaczowa, Korneya Czukowskiego i Agnia Barto i inne książki.
Gwoli sprawiedliwości należy zauważyć, że ilustracje Czyżykowa są raczej specyficzne i karykaturalne. Dlatego nie wszyscy rodzice wolą kupować książki z jego ilustracjami, jeśli istnieje alternatywa. Na przykład książki „Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta” są preferowane przez wielu z ilustracjami Leonida Władimirskiego.
Nikołaj Ernestowicz Radłow(1889-1942, Petersburg) – rosyjski artysta, krytyk sztuki, pedagog. Ilustratorka książek dla dzieci: Agnia Barto, Samuil Marshak, Siergiej Michałkow, Aleksander Wołkow. Radłow malował dla dzieci z wielką przyjemnością. Jego najsłynniejszą książką są bajki dla dzieci „Opowieści w obrazkach”. Jest to album-książka z zabawnymi historyjkami o zwierzętach i ptakach. Lata mijają, ale kolekcja nadal cieszy się dużą popularnością. Historie na zdjęciach były wielokrotnie przedrukowywane nie tylko w Rosji, ale także w innych krajach. Na międzynarodowym konkursie książki dla dzieci w Ameryce w 1938 roku książka zdobyła drugą nagrodę.
Aleksiej Michajłowicz Łaptiew(1905-1965, Moskwa) – grafik, ilustrator książek, poeta. Prace artysty znajdują się w wielu muzeach regionalnych, a także w kolekcjach prywatnych w Rosji i za granicą. Ilustrowane „Przygody Dunna i jego przyjaciół” Nikołaja Nosowa, „Bajki” Iwana Kryłowa, magazyn „Funny Pictures”. Książka z jego wierszami i obrazkami „Pik, Pak, Pok” jest już bardzo kochana przez każde pokolenie dzieci i rodziców (Briff, chciwy niedźwiedź, źrebięta Czernysz i Ryżyk, pięćdziesiąt zajęcy i inne)
Iwan Jakowlewicz Bilibin(1876-1942, Leningrad) – rosyjski artysta, ilustrator książek i projektant teatralny. Bilibin zilustrował wiele baśni, w tym Aleksandra Siergiejewicza Puszkina. Opracował własny styl - „Bilibino” - przedstawienie graficzne, uwzględniające tradycje starożytnej Rosji i sztuki ludowej, starannie prześledzony i szczegółowy wzorzysty rysunek konturowy, pokolorowany akwarelami. Styl Bilibina stał się popularny i zaczął być naśladowany.
Bajki, epopeje, obrazy starożytnej Rusi od dawna są nierozerwalnie związane z ilustracjami Bilibina.
Władimir Michajłowicz Konaszewicz(1888-1963, Nowoczerkask, Leningrad) – rosyjski artysta, grafik, ilustrator. Ilustrowaniem książek dla dzieci zajęłam się przez przypadek. W 1918 roku jego córka miała trzy lata. Konashevich rysował dla niej obrazki dla każdej litery alfabetu. Jeden z moich znajomych widział te rysunki, spodobały mu się. Tak więc wydrukowano „ABC w obrazach” - pierwszą książkę V. M. Konashevicha. Od tego czasu artysta stał się ilustratorem książek dla dzieci.
Od lat 30. głównym zajęciem jego życia stało się ilustrowanie literatury dziecięcej. Konashevich ilustrował także literaturę dla dorosłych, zajmował się malarstwem, malował obrazy w określonej technice, którą lubił - tuszem lub akwarelą na chińskim papierze.
Główne prace Władimira Konaszewicza:
- ilustracje baśni i piosenek różnych narodów, z których niektóre były wielokrotnie ilustrowane;
- bajki G.Kh. Andersen, bracia Grimm i Charles Perrault;
- „Stary latek” V. I. Dahla;
- utwory Korneya Czukowskiego i Samuila Marshaka.
Ostatnim dziełem artysty było zilustrowanie wszystkich bajek A. S. Puszkina.
Anatolij Michajłowicz Sawczenko(1924-2011, Nowoczerkask, Moskwa) – rysownik i ilustrator książek dla dzieci. Anatolij Sawczenko był scenografem do kreskówek „Kid i Carlson” i „Powrót Carlsona” oraz autorem ilustracji do książek Astrid Lindgren. Najsłynniejsza kreskówka działa z jego bezpośrednim udziałem: Moidodyr, przygody Murzilki, Petyi i Czerwonego Kapturka, Vovka odległe królestwo, Dziadek do orzechów, Mucha Tsokotuha, Papuga Kesha i inne.
Dzieci znają ilustracje Savchenko z książek: „Piggy obraziła się” Władimira Orłowa, „Kuzya Brownie” Tatiany Aleksandrowej, „Bajki dla najmniejszych” Giennadija Cyferowa, „Mała Baba Jaga” Preyslera Otfrieda, a także książki z pracami podobnymi do kreskówek.
Oleg Władimirowicz Wasiliew(ur. 1931, Moskwa). Jego prace znajdują się w zbiorach wielu muzeów sztuki w Rosji i USA, m.in. w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie. Od lat 60., od ponad trzydziestu lat projektuje książki dla dzieci we współpracy z Eryk Władimirowicz Bułatow(ur. 1933 w Swierdłowsku, Moskwa).
Najbardziej znane są ilustracje artystów do baśni Charlesa Perraulta i Hansa Andersena, wierszy Walentyna Bieriestowa i baśni Giennadija Cyferowa.
Borys Arkadjewicz Diodorow(ur. 1934, Moskwa) - Artysta Ludowy. Ulubiona technika - akwaforta. Autor ilustracji do wielu dzieł rosyjskich i klasyki zagraniczne. Jego najbardziej znane ilustracje do bajek to:
Jan Ekholm „Tutta Karlsson Pierwszy i Jedyny, Ludwik XIV i inni”;
- Selma Lagerlöf „Niesamowita podróż Nielsa z dzikimi gęsiami”;
— Siergiej Aksakow Szkarłatny Kwiat»;
- twórczość Hansa Christiana Andersena.
Diodorov zilustrował ponad 300 książek. Jego prace były publikowane w USA, Francji, Hiszpanii, Finlandii, Japonii, Korei Południowej i innych krajach. Pracował jako główny artysta wydawnictwa „Literatura dziecięca”.
Jewgienij Iwanowicz Charushin(1901-1965, Wiatka, Leningrad) – grafik, rzeźbiarz, prozaik i autor książek o zwierzętach dla dzieci. Zasadniczo ilustracje są wykonane w stylu swobodnego rysunku akwarelowego, z odrobiną humoru. Dzieci to uwielbiają, nawet małe dzieci. Znany z ilustracji zwierząt, które rysował do własnych opowiadań: „O Tomce”, „Wołczyszko i inni”, „Nikitka i jego przyjaciele” i wielu innych. Ilustrował także innych autorów: Czukowski, Priszwin, Bianki. Najbardziej znaną książką z jego ilustracjami są „Dzieci w klatce” Samuila Jakowlewicza Marshaka.
Jewgienij Michajłowicz Raczew(1906-1997, Tomsk) - zwierzęcy malarz, grafik, ilustrator. Ilustrował głównie rosyjskie baśnie ludowe, bajki i bajki klasyków literatury rosyjskiej. Ilustrował głównie prace, w których głównymi bohaterami są zwierzęta: rosyjskie bajki o zwierzętach, bajki.
Iwan Maksimowicz Siemionow(1906-1982, Rostów nad Donem, Moskwa) - Artysta Ludowy, grafik, rysownik. Semenov pracował w gazetach ” TVNZ», « Pionierska prawda”, czasopisma „Change”, „Crocodile” i inne. Już w 1956 roku z jego inicjatywy powstał pierwszy humorystyczny magazyn dla małych dzieci w ZSRR „Śmieszne obrazki”.
Jego najsłynniejsze ilustracje to opowieści Nikołaja Nosowa o Koli i Miszce (Dreamers, Living Hat i inni) oraz rysunki „Bobik odwiedzający Barbosa”.
Nazwiska innych znanych współczesnych rosyjskich ilustratorów książek dla dzieci:
- Wiaczesław Michajłowicz Nazaruk(ur. 1941, Moskwa) – scenograf kilkudziesięciu filmy animowane: Mały szop pracz, Przygody kota Leopolda, Mama mamuta, Bajki Bażowa i ilustrator książek o tym samym tytule.
- Nadieżda Bugosławskaja(autor artykułu nie znalazł informacji biograficznych) - autor dobrych pięknych ilustracji do wielu książek dla dzieci: Wiersze i piosenki Matki Gęsi, wiersze Borysa Zakhodera, dzieła Siergieja Michałkowa, dzieła Daniila Kharmsa, opowiadania Michaiła Zoshchenko , „Pippi Pończoszanka” Astrid Lindgren i innych.
- Igor Egunow(autor artykułu nie znalazł informacji biograficznej) - współczesny artysta, autor błyskotliwych, dobrze rysowanych ilustracji do książek: „Przygody barona Munchausena” Rudolfa Raspe, „Konia garbatego” Piotra Erszowa, baśni braci Grimm i Hoffmanna, baśni o rosyjskich bohaterach.
- Jewgienij Antonenkow(ur. 1956, Moskwa) - ilustrator, ulubiona technika to akwarela, długopis i papier, technika mieszana. Ilustracje są nowoczesne, nietuzinkowe, wyróżniają się na tle innych. Jedni patrzą na nie obojętnie, inni zakochują się w zabawnych obrazkach od pierwszego wejrzenia.
Najsłynniejsze ilustracje: do bajek o Kubusiu Puchatku (Alan Alexander Milne), „Rosyjskie bajki dla dzieci”, wierszy i baśni Samuila Marshaka, Korneya Czukowskiego, Gianniego Rodariego, Yunny Moritz. „Głupi koń” Władimira Levina (ang ballady ludowe) zilustrowany przez Antonenkova jest jednym z najbardziej popularne książki wychodzący 2011.
Evgeny Antonenkov współpracuje z wydawnictwami w Niemczech, Francji, Belgii, USA, Korei, Japonii, członek stały prestiżowych wystaw międzynarodowych, zwycięzca konkursu „Biały Kruk” (Bolonia, 2004), posiadacz dyplomu „Książka Roku” (2008).
- Igor Juljewicz Oleinikow(ur. 1953, Moskwa) - animator, zajmuje się głównie animacją odręczną, ilustrator książek. O dziwo, tak utalentowany współczesny artysta nie ma specjalnego wykształcenia artystycznego.
W animacji Igor Oleinikov jest znany ze swoich filmów: Sekret trzeciej planety, Opowieść o carze Saltanie, Sherlock Holmes i ja i innych. Współpracował z czasopismami dla dzieci „Tramwaj”, „Ulica Sezamkowa” Dobranoc, Dzieci! i inni.
Igor Oleinikov współpracuje z wydawnictwami w Kanadzie, USA, Belgii, Szwajcarii, Włoszech, Korei, Tajwanie i Japonii, bierze udział w prestiżowych międzynarodowe wystawy.
Najsłynniejsze ilustracje artysty do książek: „Hobbit, czyli tam i z powrotem” Johna Tolkiena, „Przygody barona Munchausena” Ericha Raspe, „Przygody myszy Despero” Kate DiCamillo, „Piotruś Pan” przez Jamesa Barry'ego. Najnowsze książki z ilustracjami Oleinikowa: wiersze Daniila Kharmsa, Josepha Brodskiego, Andrieja Usaczowa.
Anna Agrova
| " Poprzedni |
Kiedy widzisz te rysunki, chcesz je wziąć i wejść do środka – jak Alicja po drugiej stronie lustra. Artyści, którzy ilustrowali ulubione książki naszego dzieciństwa, byli prawdziwymi czarodziejami. Założymy się - teraz nie tylko zobaczysz pokój, w którym stało Twoje łóżko w jasnych kolorach, ale także usłyszysz głos swojej mamy czytającej bajkę na dobranoc!
Władimir Sutajew
Sam Vladimir Suteev był autorem wielu bajek (na przykład „Kto powiedział „MEW”?”, Znany ze wspaniałej kreskówki). Ale przede wszystkim kochamy go za te wszystkie niepowtarzalne jeże, niedźwiedzie i króliczki - książki ze zwierzętami Suteeva wyglądały dosłownie do dziur!
Leonid Władimirski
Leonid Władimirski to najsłodszy na świecie Strach na Wróble Mądry, Blaszany Drwal i Tchórzliwy Lew, a także reszta towarzystwa, tupiąc do Szmaragdowego Miasta drogą wyłożoną żółtymi cegłami. I nie mniej uroczy Pinokio!
Wiktor Czyżykow
Ani jednego numeru „Murzilki” i „ śmieszne obrazki". Namalował świat Dragoonsky'ego i Uspienskiego - a kiedyś wziął i namalował nieśmiertelnego Niedźwiedzia Olimpijskiego.
Aminadav Kanevsky
Właściwie sam Murzilka został stworzony przez artystę z niezwykłe imię Aminadav Kanevsky. Oprócz Murzilki posiada wiele rozpoznawalnych ilustracji Marshaka, Czukowskiego, Agnii Barto.
Iwan Siemionow
Ołówek z „Śmieszne obrazki”, a także wiele kreskówek dla tego magazynu, narysował Ivan Semenov. Oprócz naszych pierwszych komiksów stworzył też wiele znakomitych rysunków do opowiadań Nosova o Koli i Miszce oraz opowiadania „Bobik odwiedzający Barbosa”.
Władimir Zarubin
Najfajniejsze pocztówki na świecie rysuje Władimir Zarubin. Ilustrował także książki, ale teraz kolekcjonerzy zbierają osobno te urocze noworoczne wiewiórki i króliczki z ósmego marca. I robią to dobrze.
Jelena Afanasjewa
Bardzo charakterystyczne (i jakże poprawne!) radzieckie dzieciaki stworzyła artystka Elena Afanasjewa. Nie da się oglądać bez nostalgii.
Jewgienij Charushin
Kiedy słowo „słodki” jeszcze nie istniało, istniał już najsłodszy artysta: to Evgeny Charushin, główny specjalista od życia zwierząt. Niemożliwe puszyste kotki, włochate młode i rozczochrane wróble – aż chciało mi się je wszystkie udusić… cóż, w moich ramionach.
Anatolij Sawczenko
A Anatolij Savchenko okazał się najbardziej wesołym i psotnym stworzeniem na świecie: marnotrawną papugą Kesha, leniwą Vovką w Far Far Away - i tym samym Carlsonem! Inni Carlsonowie po prostu się mylą, to wszystko.
Walerij Dmitryuk
Kolejnym królem entuzjazmu i chuligaństwa jest Dunno Valery Dmitryuk. I ten artysta równie skutecznie ozdobił dorosłe krokodyle.
Henryk Spacer
Inny słynny „krokodyl” - Heinrich Valk - potrafił znakomicie uchwycić charaktery chłopców i dziewcząt, a także ich rodziców. To właśnie w jego spektaklu przedstawiamy „Dunno on the Moon”, „Vitya Maleev w szkole iw domu”, „Hottabycz” oraz bohaterów Michałkowa.
Konstantin Rotow
Rysownik Konstantin Rotov przedstawił najbardziej wesoły i jasny (pomimo tego, że czarno-biały) „Przygody kapitana Vrungela”.
Iwan Bilibin
Iwan Carewicz i Szare wilki, ogniste ptaki i żabie księżniczki, złote koguty i złote rybki ... Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie opowieści ludowe i opowieści Puszkina są na zawsze Iwanem Bilibinem. Każdy szczegół tego zawiłego i wzorzystego czaru można rozważać w nieskończoność.
Jurij Wasniecow
A jeszcze przed Puszkinem bawiły nas zagadki, rymowanki, białoboczne sroki, „Koci dom” i „Teremok”. A cała ta wesoła karuzela mieniła się kolorami Jurija Wasniecowa.
Borys Dechteriew
Kiedy dorastaliśmy do „Calineczki”, „Kota w butach” oraz Perraulta i Andersena, Borys Dechteriew przeniósł nas do swoich krajów – za pomocą kilku magicznych różdżek: kredek i pędzli akwarelowych.
Edwarda Nazarowa
Najbardziej szykowny Kubuś Puchatek jest w ogóle z Shepardem (chociaż on też jest dobry, co tam), ale wciąż z Eduardem Nazarowem! Zilustrował książkę i pracował nad naszymi ulubionymi kreskówkami. Mówiąc o kreskówkach, to Nazarow narysował zabawnych bohaterów bajek „Podróż mrówki” i „Pewnego razu był pies”.
Wiaczesław Nazaruk
Uśmiechnięty Mały Szop pracz, przyjazny kot Leopold i podstępna para myszy, a także smutny Mamut szukający swojej matki - to wszystko dzieło artysty Wiaczesława Nazaruka.
Mikołaj Radłow
Poważny artysta Nikołaj Radłow z powodzeniem ilustrował książki dla dzieci: Barto, Marshak, Michałkow, Wołkow - i ilustrował je w taki sposób, że były przedrukowywane sto razy. Jego własna książka, Historie w obrazach, była szczególnie znana.
Giennadij Kalinowski
Giennadij Kalinowski jest autorem bardzo dziwacznych i niezwykłych rysunków graficznych. Jego styl rysowania doskonale współgrał z nastrojem angielskie bajki- „Mary Poppins” i „Alicja w krainie czarów” były po prostu „coraz dziwniejsze”! Nie mniej oryginalni są Brer Rabbit, Brer Fox i inni zabawni chłopcy z Opowieści Wujka Remusa.
GAV Traugot
Tajemniczy „G.A.V. Traugot brzmiało jak imię jakiegoś magicznego bohatera Andersena. W rzeczywistości był to kontrakt całej rodziny artystów: ojca Georgy'ego i jego synów Aleksandra i Walerego. A bohaterowie tego samego Andersena okazali się tacy lekcy, trochę nieostrożni - zaraz startują i topią się!
Jewgienij Migunow
Nasza ukochana Alisa Kira Bulycheva to także Alisa Evgeny Migunova: ta artystka zilustrowała dosłownie wszystkie książki wielkiego pisarza science fiction.
Natalii Orłowej
Jednak w naszym życiu była jeszcze jedna Alicja - ze światowej kreskówki „Tajemnica trzeciej planety”. Stworzony przez Natalię Orłową. Co więcej, artystka narysowała główną bohaterkę z własnej córki, a pesymistkę Zeleny z męża!
