Úžasný fenomén v dejinách svetového výtvarného umenia sa konala v sev Európa XVII storočí. Je známy ako holandské zátišie a je považovaný za jeden z vrcholov olejomaľby.
Znalci a profesionáli majú pevné presvedčenieže toľko veľkolepých majstrov, ktorí vlastnili tú najvyššiu technológiu a vytvorili toľko majstrovských diel svetového formátu, kým žili na malom kúsku európskeho kontinentu, nikdy v histórii umenia nevideli.
Nový zmysel profesie umelca
Mimoriadny význam, ktorý povolanie umelca nadobudlo v Holandsku s začiatkom XVII storočia, bol výsledkom vzniku po prvých protifeudálnych revolúciách počiatkov nového buržoázneho systému, formovania triedy mestských mešťanov a bohatých roľníkov. Pre maliarov to boli potenciálni zákazníci, ktorí formovali módu umeleckých diel, čím sa holandské zátišie stalo vyhľadávaným produktom na rozvíjajúcom sa trhu.
IN severné krajiny V Holandsku sa najvplyvnejšou ideológiou stali reformné smery kresťanstva, ktoré vznikli v boji proti katolicizmu. Táto okolnosť okrem iného urobila z holandského zátišia hlavný žáner pre celé umelecké cechy. Duchovní vodcovia protestantizmu, najmä kalvíni, popierali dušu zachraňujúci význam sochárstva a maľby s náboženskými námetmi, dokonca vylúčili hudbu z cirkvi, čo nútilo maliarov hľadať si nové námety.
V susednom Flámsku, ktoré zostalo pod katolíckym vplyvom, umenie sa vyvíjali podľa odlišných zákonitostí, no územná blízkosť spôsobovala nevyhnutné vzájomné ovplyvňovanie. Vedci - historici umenia - nachádzajú veľa, čo spája holandské a flámske zátišie, pričom si všímajú ich základné rozdiely a jedinečné črty.
Skoré kvetinové zátišie
„Čistý“ žáner zátišia, ktorý sa objavil v 17. storočí, sa ujal v Holandsku špeciálne formuláre A symbolické meno « pokojný život“ – ešte stále. Holandské zátišie bolo v mnohých ohľadoch odrazom ráznej činnosti Východoindickej spoločnosti, ktorá z východu prinášala luxusný tovar, aký v Európe dovtedy nevidel. Z Perzie firma priviezla prvé tulipány, ktoré sa neskôr stali symbolom Holandska a práve kvety zobrazené na obrazoch sa stali najobľúbenejšou výzdobou obytných budov, početných kancelárií, obchodov a bánk.
Účel majstrovsky maľovaných kvetinových aranžmánov bol rôznorodý. Pri výzdobe domov a kancelárií kládli dôraz na pohodu svojich majiteľov a pre predajcov kvetinových sadeníc a cibúľ tulipánov boli tým, čo sa dnes nazýva vizuálnym reklamným produktom: plagáty a brožúry. Holandské zátišie s kvetmi je preto v prvom rade botanicky presným zobrazením kvetov a plodov, zároveň naplneným množstvom symbolov a alegórií. Ide o najlepšie obrazy celých dielní, na čele ktorých stoja Ambrosius Bosschaert starší, Jacob de Geyn mladší, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar a ďalší.
Prestretie stolov a raňajok
Maľba v Holandsku v 17. storočí nemohla uniknúť vplyvu nov vzťahy s verejnosťou a hospodársky rozvoj. Holandské zátišie zo 17. storočia bolo ziskový produkt a organizovali sa veľké workshopy na „výrobu“ obrazov. Okrem maliarov, medzi ktorými sa objavila prísna špecializácia a deľba práce, tam pracovali tí, ktorí pripravovali podklady pre obrazy - dosky či plátno, natierali ich základným náterom, vyrábali rámy atď.. Tvrdá konkurencia, ako v každom trhovom vzťahu, viedla. k zvýšeniu kvality zátiší na veľmi vysokú úroveň.
Geografický charakter nadobudla aj žánrová špecializácia umelcov. Kvetinové aranžmány boli maľované v mnohých holandských mestách - Utrecht, Delft, Haag, no práve Haarlem sa stal centrom vývoja zátiší zobrazujúcich prestreté stoly, jedlo a hotové jedlá. Takéto maľby sa môžu líšiť v mierke a charaktere, od zložitých a viacúčelových až po lakonické. Objavili sa „raňajky“ – zátišia od holandských umelcov, ktoré zobrazujú rôzne štádiá jedlá. Zobrazujú prítomnosť človeka vo forme omrviniek, nahryznutých buchiet atď. Povedali zaujímavé príbehy, naplnený narážkami a moralizujúcimi symbolmi bežnými pre obrazy tej doby. Za obzvlášť významné sa považujú obrazy Nicholasa Gilliesa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Petersovej, Hansa Van Essena, Roelofa Cootsa a ďalších.
Tónové zátišie. Pieter Claes a Willem Claes Heda
Pre súčasníkov boli symboly, ktoré vypĺňali tradičné holandské zátišie, relevantné a zrozumiteľné. Obsah obrazov bol podobný viacstranovým knihám a boli pre to obzvlášť cenené. Existuje však koncept, ktorý nie je menej pôsobivý pre moderných znalcov a milovníkov umenia. Nazýva sa to „tónové zátišie“ a hlavnou vecou v ňom je najvyššia technická zručnosť, úžasne rafinovaná farba, úžasná zručnosť pri sprostredkovaní jemných odtieňov osvetlenia.
Tieto vlastnosti sú plne v súlade s maľbami dvoch popredných majstrov, ktorých obrazy sú považované za najlepšie príklady tonálneho zátišia: Peter Claes a Willem Claes Heed. Vybrali si kompozície z malého počtu predmetov, bez svetlé farby a špeciálna dekoratívnosť, ktorá im nebránila vytvárať veci úžasnej krásy a expresivity, ktorých hodnota časom neklesá.
Márnosť
Téma krehkosti života, rovnosť pred smrťou kráľa aj žobráka, bola v literatúre a filozofii tej prechodnej doby veľmi populárna. A v maľbe sa prejavil v maľbách zobrazujúcich scény, v ktorých hlavným prvkom bola lebka. Tento žáner sa nazýva vanitas – z latinčiny „márnosť márností“. K obľúbenosti zátiší, podobných filozofickým traktátom, prispel rozvoj vedy a vzdelanosti, ktorej centrom bola v celej Európe preslávená univerzita v Leidene.
Vanitas zaujíma v práci mnohých vážne miesto holandských majstrov tej doby: Jacob de Gein mladší, David Gein, Harmen Steenwijk a ďalší. Najlepšími príkladmi „vanitas“ nie sú jednoduché hororové príbehy, nevyvolávajú nevedomé zdesenie, ale pokojné a múdre rozjímanie, plné myšlienok o najväčšom dôležité otázky bytie.
Trikové maľby
Obrazy sú od neskorého stredoveku najobľúbenejšou výzdobou holandského interiéru, ktorú si rastúci počet obyvateľov miest mohol dovoliť. Aby zaujali kupujúcich, umelci sa uchýlili k rôznym trikom. Ak im to ich zručnosť dovoľovala, vytvorili „trompe l'oeil“ alebo „trompe l'oeil“, z francúzskeho trompe-l'oeil – optickú ilúziu. Pointou bolo, že typické holandské zátišie – kvety a ovocie, mŕtve vtáky a ryby alebo predmety súvisiace s vedou - knihy, optické prístroje atď. - obsahovali úplnú ilúziu reality. Kniha, ktorá sa vysunula z priestoru obrazu a chystá sa spadnúť, mucha, ktorá pristála na vázu, ktorú chceš zabuchnúť - typické príbehy za falošný obraz.
Obrazy popredných majstrov zátišia v štýle trompe l'oeil - Gerarda Doua, Samuela van Hoogstratena a iných - často zobrazujú výklenok zapustený do steny s policami, na ktorých je množstvo rôznych vecí. Umelcova technická zručnosť v prenášaní textúr a povrchov, svetla a tieňa bola taká veľká, že samotná ruka siahla po knihe alebo pohári.
Čas rozkvetu a západu slnka
V polovici 17. storočia dosiahli hlavné typy zátiší v obrazoch holandských majstrov svoj vrchol. „Luxusné“ zátišie sa stávajú populárnymi, pretože blaho mešťanov rastie a bohatý riad, vzácne látky a hojnosť potravín nevyzerajú v interiéri mestského domu ani bohatej vidieckej usadlosti cudzo.
Obrazy sa zväčšujú, udivujú množstvom rôznych textúr. Autori zároveň hľadajú spôsoby, ako zvýšiť zábavu pre diváka. Aby sa to dosiahlo, tradičné holandské zátišie – s ovocím a kvetmi, poľovníckymi trofejami a riadom z rôznych materiálov – dopĺňa exotický hmyz či drobné zvieratá a vtáky. Okrem vytvárania zvyčajných alegorických asociácií ich umelec často uvádzal len pre pozitívne emócie, aby zvýšil komerčnú atraktivitu pozemku.
Majstri „luxusného zátišia“ - Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf - sa stali predzvesťou nadchádzajúcej doby, kedy sa stala dôležitá zvýšená dekoratívnosť a vytvorenie pôsobivého dojmu.
Koniec zlatého veku
Menili sa priority a móda, postupne sa stal minulosťou vplyv náboženských dogiem na výber námetov pre maliarov, minulosťou sa stal aj samotný koncept zlatého veku, ktorý sme poznali. Holandská maľba. Zátišia vstúpili do histórie tejto éry ako jedna z najdôležitejších a najpôsobivejších stránok.
Spolu s krajinomaľba V Holandsku 17. storočia sa rozšírilo maľovanie zátiší, ktoré sa vyznačovalo intímnym charakterom. Holandskí umelci si pre svoje zátišia vybrali širokú škálu predmetov, vedeli ich dokonale naaranžovať, odhaliť vlastnosti každého predmetu a jeho vnútorný život, nerozlučne spätý s ľudským životom.
Holandskí maliari zo 17. storočia Pieter Claes (okolo 1597 – 1661) a Willem Heda (1594 – 1680/1682) namaľovali početné verzie „raňajok“, zobrazujúce šunky, červené buchty, černicové koláče, krehké sklenené poháre naplnené vínom. stôl, s úžasným majstrovským prenosom farby, objemu, štruktúry každej položky. Nedávna prítomnosť človeka je badateľná v neporiadku, náhodnosti usporiadania vecí, ktoré mu práve poslúžili. Táto porucha je však iba zdanlivá, pretože zloženie každého zátišia je prísne premyslené a nájdené. Zdržanlivá sivasto-zlatá olivová tónová paleta spája predmety a dáva zvláštny zvuk tým čistým farbám, ktoré zdôrazňujú sviežosť čerstvo narezaného citróna alebo jemného hodvábu modrej stuhy.
Postupom času „raňajky“ majstrov zátiší, maliarov Claesa a Hedy ustupujú „dezertom“ holandských umelcov Abrahama van Beyerena (1620/1621-1690) a Willema Kalfa (1622-1693). Beyerenove zátišia sú kompozične prísne, emocionálne bohaté a pestré. Willem Kalf počas svojho života maľoval slobodným spôsobom a demokratické „kuchyne“ - hrnce, zeleninu a aristokratické zátišia vo výbere nádherných vzácnych predmetov, plných zdržanlivej noblesy, ako sú strieborné nádoby, poháre, mušle nasýtené vnútorným spaľovaním. farby.
IN ďalší vývoj zátišie ide rovnakou cestou ako všetko holandské umenie, stráca svoju demokraciu, svoju spiritualitu a poéziu, svoje čaro. Zátišie sa mení na dekoráciu domova vysokopostavených zákazníkov. Pre všetku svoju dekoratívnosť a zručné prevedenie neskoré zátišia predvídajú úpadok holandského maliarstva.
Sociálna degenerácia a známa aristokratizácia holandskej buržoázie v poslednej tretine 17. storočia vyvolávajú tendenciu zbližovania sa s estetickými názormi francúzskej šľachty a vedú k idealizácii. umelecké obrazy, ich brúsenie. Umenie stráca spojenie s demokratickou tradíciou, stráca realistický základ a vstupuje do obdobia dlhodobého úpadku. Holandsko, ťažko vyčerpané vo vojnách s Anglickom, stráca svoju pozíciu veľkej obchodnej veľmoci a hlavného umeleckého centra.
Dielo Fransa Halsa a holandský portrét prvého polovica XVII storočí.
Frans Hals(holandský Frans Hals, IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Antverpy - 1666, Haarlem) - vynikajúci portrétista takzvaného zlatého veku holandského umenia.
- 1 Životopis
- 2 Zaujímavé fakty
- 3 Galéria
- 4 Poznámky
- 5 Literatúra
- 6 Odkazy
Životopis
"Rodinný portrét Isaaca Massu a jeho manželky"
Hals sa narodil okolo roku 1582-1583 flámskemu tkáčovi Françoisovi Fransovi Halsovi van Mechelenovi a jeho druhej manželke Adriantje. V roku 1585, po páde Antverp, sa rodina Halsovcov presťahovala do Haarlemu, kde umelec prežil celý svoj život.
V rokoch 1600-1603 študoval mladý umelec u Karla van Mandera, hoci vplyv tohto predstaviteľa manierizmu nie je v Halsových ďalších dielach vysledovaný. V roku 1610 sa Hals stal členom Cechu sv. Lukáša a začína pracovať ako reštaurátor na magistráte mesta.
Hals vytvoril svoj prvý portrét v roku 1611, ale slávu získal Hals po vytvorení obrazu „Ruta dôstojníkov streleckej roty sv. Juraj“ (1616).
V roku 1617 sa oženil s Lisbeth Reynersovou.
„Skorý štýl Hals sa vyznačoval záľubou v teplých tónoch a jasným modelovaním foriem pomocou ťažkých, hustých ťahov. V 20. rokoch 17. storočia Hals spolu s portrétmi maľoval žánrové scény a skladby s náboženskou tematikou“ („Evanjelista Lukáš“, „Evanjelista Matúš“, okolo 1623-1625).
"Cigánsky" Louvre, Paríž
V rokoch 1620-1630. Hals namaľoval množstvo portrétov zobrazujúcich špliechanie vitálnej energie zástupcovia obyčajných ľudí(„Šašek s lutnou“, 1620-1625, „Veselý spoločník pri pití“, „Malle Babbe“, „Cigán“, „Mulat“, „Rybársky chlapec“; všetko - okolo 1630).
Jediný portrét v plnej výške je „Portrét Willema Heythuissena“ (1625-1630).
„V tom istom období Hals radikálne zreformoval skupinový portrét, rozišiel sa s konvenčnými systémami kompozície, vniesol do diel prvky životných situácií a zabezpečil priame spojenie medzi obrazom a divákom („Hostia dôstojníkov pušky St. Adrian rota“, okolo 1623-27; „Hostia roty puškových dôstojníkov sv. Juraja“, 1627, „Skupinový portrét streleckej roty sv. Adriána“, 1633; „Dôstojníci streleckej roty sv. Juraja“, 1639 ). Keďže Hals nechcel opustiť Haarlem, odmietol rozkazy, ak to znamenalo ísť do Amsterdamu. Jediný skupinový portrét, ktorý začal v Amsterdame, musel dokončiť iný umelec.
V rokoch 1620-1640, v čase najväčšej popularity, Hals namaľoval mnoho dvojportrétov manželské páry: manžel je na ľavom portréte a manželka je napravo. Jediný obraz, na ktorom je pár zobrazený spolu, je „Rodinný portrét Isaaca Massu a jeho manželky“ (1622).
"Regenti domova pre seniorov"
V roku 1644 sa Hals stal prezidentom Cechu sv. Luke. V roku 1649 namaľoval Descartov portrét.
« Psychologické vlastnosti ponoriť sa do portrétov zo 40. rokov 17. storočia. ("The Regents of St. Elizabeth's Hospital", 1641, portrét mladého muža, okolo 1642-50, "Jasper Schade van Westrum", okolo 1645); Vo sfarbení týchto diel začína prevládať strieborno-šedý tón. Neskôr diela Khalsa sú vykonávané veľmi voľným spôsobom a sú vyriešené náhradou farebná schéma, postavená na kontrastoch čiernych a bielych tónov („Man in Black Clothes“, cca 1650-52, „V. Cruz“, cca 1660); niektorí z nich prejavili pocit hlbokého pesimizmu („Regenti domova pre seniorov“, „Regenti domova pre seniorov“, obaja 1664).
„V starobe Hals prestal dostávať rozkazy a upadol do chudoby. Umelec zomrel v haarlemskom chudobinci 26. augusta 1666.“
Najväčšiu zbierku umelcových obrazov vlastní Halsovo múzeum v Haarleme.
Zakladateľom holandského realistického portrétu bol Frans Hals (Hals) (asi 1580-1666), ktorého umelecký odkaz svojou ostrosťou a silou zachytenia vnútorného sveta človeka ďaleko presahuje národnú holandskú kultúru. Umelec so širokým svetonázorom, odvážny inovátor, zničil kánony triedneho (ušľachtilého) portrétovania, ktoré sa pred ním vynorili v 16. storočí. Nezaujímal ho človek zobrazený podľa spoločenského postavenia v majestátne slávnostnej póze a slávnostnom kostýme, ale človek v celej jeho prirodzenej podstate, charaktere, s jeho citmi, intelektom, emóciami. V Halsových portrétoch sú zastúpené všetky vrstvy spoločnosti: mešťania, puškári, remeselníci, predstavitelia nižších vrstiev, jeho osobitné sympatie sú na strane tých druhých a v ich obrazoch ukázal hĺbku silného, plnokrvného talentu. Demokracia jeho umenia je spôsobená spojením s tradíciami éry holandskej revolúcie. Hals vykreslil svojich hrdinov bez prikrášľovania, s ich neslávnou morálkou a silnou láskou k životu. Hals rozšíril záber portrétu zavedením dejových prvkov, zachytením zobrazených v akcii, v konkrétnej životnej situácii, zvýraznením výrazov tváre, gest, póz, okamžite a presne zachytených. Umelec hľadal emocionálnu intenzitu a vitalitu charakteristík portrétovaných, prenášajúc ich nepotlačiteľnú energiu. Hals zreformoval nielen individuálne objednané a skupinové portréty, ale bol tvorcom portrétu hraničiaceho s každodenným žánrom.
Hals sa narodil v Antverpách, potom sa presťahoval do Haarlemu, kde prežil celý svoj život. Bol to veselý, spoločenský človek, milý a bezstarostný. Kreatívna osobnosť Khalsy sa formovala začiatkom 20. rokov 17. storočia. Skupinové portréty dôstojníkov puškárskej roty sv. Juraja (1627, Haarlem, Múzeum Fransa Halsa) a streleckej roty sv. Adriana (1633, ibid.) mu získali veľkú obľubu. Počas sviatku sú prezentovaní silní, energickí ľudia, ktorí sa aktívne zúčastnili oslobodzovacieho boja proti španielskym dobyvateľom. Veselá nálada s nádychom humoru spája dôstojníkov rôznych charakterov a spôsobov. Nie je tu žiadna hlavná postava. Všetci prítomní sú rovnocennými účastníkmi slávnosti. Hals prekonal čisto vonkajšie prepojenie postáv charakteristické pre portréty svojich predchodcov. Jednota asymetrickej kompozície je dosiahnutá živou komunikáciou, uvoľnenou slobodou usporiadania postáv, zjednotených vlnovitým rytmom.
Umelcov energický štetec vyrezáva objemy foriem s brilantnosťou a silou. Prúdy slnečné svetlo kĺzať po tvárach, trblietať sa v čipke a hodvábe, trblietať sa v okuliaroch. Pestrú paletu, ktorej dominujú čierne obleky a biele goliere, oživujú zvučné zlatožlté, fialové, modré a ružové dôstojnícke baldriky. Holandskí mešťania, plní sebaúcty, zároveň slobodní a uvoľnení, gestikulujúci, sa objavujú v Halsových portrétoch, ktoré sprostredkúvajú okamžite zachytený stav. Dôstojník v klobúku so širokým okrajom, ruky v bokoch, sa provokatívne usmieva (1624, Londýn, Wallace Collection). Prirodzenosť a živosť póz, ostrosť charakterizácie a najvyššia zručnosť vo využívaní kontrastu bielej a čiernej v maľbe sú strhujúce.
Halsove portréty sú rôznorodé v témach a obrazoch. Ale zobrazovaní sú jednotní spoločné znaky: integrita prírody, láska k životu. Hals je maliarom smiechu, veselého, nákazlivého úsmevu. Umelec s iskrivou radosťou oživuje tváre predstaviteľov prostého ľudu, návštevníkov krčiem, pouličných uličníkov. Jeho postavy sa nesťahujú do seba, obracajú pohľady a gestá smerom k divákovi.
Obraz „The Gypsy“ (okolo 1630, Paríž, Louvre) je naplnený dychom milujúcim slobodu. Hals obdivuje hrdú polohu jej hlavy v aureole nadýchaných vlasov, jej zvodný úsmev, žiarivý lesk v očiach, jej prejav nezávislosti. Vibrujúci obrys siluety, kĺzajúce lúče svetla, bežiace oblaky, proti ktorým je zobrazený cigán, napĺňajú obraz vzrušením zo života. Portrét Malle Babbe (začiatok 30. rokov 17. storočia, Berlín - Dahlem, Galéria umenia), majiteľ krčmy, nie náhodou prezývaný „Čarodejnica z Harlemu“, sa rozvinie do malej žánrovej scény. Škaredá stará žena s horiacim, prefíkaným pohľadom, prudko sa otáčajúca a široko sa škeriaca, akoby odpovedala jednému zo štamgastov svojej krčmy. Na ramene sa jej v pochmúrnej siluete týči zlovestná sova. Umelcova ostrosť, vízia, pochmúrna sila a vitalita obrazu, ktorý vytvoril, sú pozoruhodné. Asymetria kompozície, dynamika a bohatosť hranatého ťahu štetca umocňujú úzkosť scény.
V polovici 17. storočia boli zmeny, ktoré sa udiali v holandskej spoločnosti, jasne viditeľné; Ako sa v nej upevňuje pozícia buržoázie, ktorá stratila kontakt s masami, nadobúda čoraz konzervatívnejší charakter. Postoj buržoáznych zákazníkov k realistických umelcov. Obľubu stratil aj Hals, ktorého demokratické umenie sa odcudzilo degenerujúcej buržoázii, ktorá sa ponáhľala za aristokratickou módou.
Život potvrdzujúci optimizmus majstra vystriedalo hlboké myslenie, irónia, horkosť a skepsa. Jeho realizmus sa stal psychologicky hlbším a kritickejším, jeho zručnosti boli rafinovanejšie a dokonalejšie. Zmenila sa aj farba khalsy, ktorá získala väčšiu zdržanlivosť; v prevládajúcom strieborno-šedom, studenom tónovom rozsahu, medzi čiernou a bielou, malé, presne nájdené škvrny ružovkastej alebo červenej farby získavajú osobitnú zvučnosť. Pocit trpkosti a sklamania je hmatateľný v „Portréte muža v čiernych šatách“ (okolo 1660, Petrohrad, Ermitáž), v ktorom sú obohatené najjemnejšie farebné odtiene tváre a ožívajú vedľa zdržanlivých, takmer monochromatické čierne a biele tóny.
Halsovým najväčším úspechom sú jeho posledné skupinové portréty regentov a regentov (správcov) opatrovateľského domu, popraveného v roku 1664, dva roky pred smrťou umelca, ktorý vyštudoval sám. životná cesta v útulku. Plní ješitnosti, chladní a zničení, po moci a arogantní, starí zverenci sediaci pri stole zo skupiny „Portrét regentov domova pre seniorov“ (Harlem, Múzeum Fransa Halsa. Ruka starého umelca neomylne presne aplikuje voľné, rýchle ťahy, kompozícia sa stala pokojnou a prísnou, riedkosť priestoru, usporiadanie postáv, hladké difúzne svetlo, ktoré rovnako osvetľujú všetky zobrazené, pomáhajú sústrediť pozornosť na vlastnosti každého z nich. Farebná schéma je lakonická s prevahou čiernych, bielych a sivých tónov. Halsove neskoré portréty stoja vedľa najpozoruhodnejších výtvorov svetovej portrétnej tvorby: svojím psychologizmom sú blízke portrétom najväčšieho z holandských maliarov – Rembrandta, ktorý podobne ako Hals zažil svoju celoživotnú slávu tým, že sa dostal do konfliktu s buržoáznou elitou. holandskej spoločnosti.
Frans Hals sa narodil okolo roku 1581 v Antverpách v rodine tkáča. Ako mladý muž prišiel do Haarlemu, kde žil takmer neustále až do svojej smrti (v roku 1616 navštívil Antverpy av polovici 30. rokov 17. storočia - Amsterdam). O Hulsovom živote sa vie len málo. V roku 1610 vstúpil do cechu svätého Lukáša a v roku 1616 vstúpil do komory rétorov (amatérskych hercov). Veľmi rýchlo sa Hals stal jedným z najviac slávnych maliarov portrétov Haarlem.
V XV-XVI storočia. v holandskom maliarstve bola tradícia maľovať portréty iba predstaviteľov vládnucich kruhov, slávni ľudia a umelcov. Halsovo umenie je hlboko demokratické: na jeho portrétoch môžeme vidieť aristokrata, bohatého mešťana, remeselníka a dokonca aj človeka zo samého dna. Umelec sa nesnaží idealizovať zobrazovaných, hlavná je pre neho ich prirodzenosť a jedinečnosť. Jeho šľachtici sa správajú rovnako uvoľnene ako predstavitelia nižších vrstiev spoločnosti, ktorí sú na Khalsových obrazoch vyobrazení ako veselí ľudia, ktorým nechýba sebaúcta.
Úžasné miesto Skupinový portrét zaujíma miesto v tvorbe umelca. Najlepšie funguje Týmto žánrom sa stali portréty dôstojníkov streleckej roty sv. Juraja (1627) a streleckej roty sv. Adriána (1633). Každá postava na obrazoch má svoju osobitú osobnosť a zároveň sa tieto diela vyznačujú celistvosťou.
Hals tiež maľoval na objednávku portréty zobrazujúce bohatých mešťanov a ich rodiny v uvoľnených pózach („Portrét Isaaca Massu“, 1626; „Portrét Hethuisena“, 1637). Halsove obrazy sú živé a dynamické; zdá sa, že ľudia na portrétoch hovoria s neviditeľným partnerom alebo oslovujú diváka.
Zástupcovia ľudového prostredia v Khalsových portrétoch sa vyznačujú živou expresivitou a spontánnosťou. V obrazoch pouličných chlapcov, rybárov, hudobníkov a návštevníkov krčmy cítiť autorove sympatie a rešpekt. Jeho „Cigán“ je pozoruhodný. Usmievavá mladá žena pôsobí prekvapivo živo, jej šibalský pohľad smeruje na svojho partnera, ktorý je pre divákov neviditeľný. Hals si svoju predlohu neidealizuje, no imidž veselého, strapatého cigána poteší svojím energickým šarmom.
Hulseho portréty veľmi často obsahujú prvky žánrovej scény. Sú to obrazy detí, ktoré spievajú alebo hrajú na hudobné nástroje („Singing Boys“, 1624–1625). V rovnakom duchu sa nieslo aj slávne „Malle Babbe“ (začiatok 30. rokov 17. storočia), ktoré predstavuje známu majiteľku krčmy v Haarleme, ktorú návštevníci za jej chrbtom nazývali Haarlemská čarodejnica. Umelec takmer groteskne zobrazil ženu s obrovským krígľom na pivo a sovou na ramene.
V 40. rokoch 16. storočia. Krajina vykazuje známky obratu. Od víťazstva revolúcie uplynulo len niekoľko desaťročí a buržoázia už prestala byť pokrokovou triedou založenou na demokratických tradíciách. Pravdivosť Hulseho obrazov už neláka majetných klientov, ktorí sa chcú na portrétoch vidieť lepšie, než v skutočnosti sú. Hulse však neopustil realizmus a jeho popularita prudko klesla. V maľbe tohto obdobia sa objavujú tóny smútku a sklamania („Portrét muža v širokom klobúku“). Jeho paleta sa stáva prísnejšou a pokojnejšou.
Vo veku 84 rokov vytvoril Hulse dve zo svojich majstrovských diel: skupinové portréty regentov (správcov) a regentov domova dôchodcov (1664). Títo posledné práce Diela holandského majstra sa vyznačujú emocionalitou a živou individualitou jeho obrazov. Z obrazov regentov – starcov a starkýň – sála smútok a smrť. Tento pocit zvýrazňuje aj farebné prevedenie v čiernej, šedej a bielej farbe.
Hals zomrel v roku 1666 v hlbokej chudobe. Jeho pravdivé, život potvrdzujúce umenie malo veľký vplyv na mnohých holandských umelcov.
Obraz od Rembrandta.
| Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669), holandský maliar, kresliar a leptač. Rembrandtovo dielo, presiaknuté túžbou po hlboko filozofickom chápaní života, vnútorného sveta človeka so všetkým bohatstvom jeho duchovných zážitkov, predstavuje vrchol vývoja holandskej umenie XVII storočia, jeden z vrcholov svetovej umeleckej kultúry. Umelecké dedičstvo Rembrandt sa vyznačuje výnimočnou rozmanitosťou: maľoval portréty, zátišia, krajiny, žánrové výjavy, maľby na historické, biblické, mytologické témy, Rembrandt bol neprekonateľný majster kresby a leptu. Po krátkom štúdiu na univerzite v Leidene (1620) sa Rembrandt rozhodol venovať umeniu a študoval maliarstvo u J. van Swanenburcha v Leidene (okolo 1620-1623) a P. Lastmana v Amsterdame (1623); v rokoch 1625-1631 pôsobil v Leidene. Rembrandtove maľby z obdobia Leidenu sú poznačené hľadaním tvorivej nezávislosti, hoci je v nich stále badateľný vplyv Lastmana a majstrov holandského karavaggizmu („Bringing to the Temple“, okolo 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). V obrazoch „Apoštol Pavol“ (okolo 1629 – 1630, Národné múzeum, Norimberg) a „Simeon v chráme“ (1631, Mauritshuis, Haag) prvýkrát použil šerosvit ako prostriedok na zvýšenie spirituality a emocionálnej expresivity snímky. Počas tých istých rokov Rembrandt tvrdo pracoval na portréte a študoval výrazy ľudskej tváre. V roku 1632 sa Rembrandt presťahoval do Amsterdamu, kde sa čoskoro oženil s bohatou patricijkou Saskiou van Uylenburgh. 30. roky 17. storočia sú pre Rembrandta obdobím rodinného šťastia a obrovského umeleckého úspechu. Obraz „Lekcia anatómie doktora Tulpa“ (1632, Mauritshuis, Haag), v ktorom umelec inovatívne vyriešil problém skupinový portrét, ktorý dáva kompozícii životnú ľahkosť a spája zobrazených v jednej akcii, priniesol Rembrandtovi širokú slávu. V portrétoch namaľovaných na početné objednávky Rembrandt van Rijn starostlivo sprostredkoval črty tváre, oblečenie a šperky (obraz „Portrét purkrabího“, 1636, Galéria v Drážďanoch). | ||||
| V 40. rokoch 17. storočia sa schyľovalo ku konfliktu medzi Rembrandtovou tvorbou a obmedzenými estetickými požiadavkami jeho súčasnej spoločnosti. Jasne sa to prejavilo v roku 1642, keď obraz „Nočná hliadka“ (Rijksmuseum, Amsterdam) vyvolal protesty zákazníkov, ktorí neprijali hlavnú myšlienku majstra – namiesto tradičného skupinového portrétu vytvoril hrdinsky veselú kompozíciu s výjavom výkon cechu strelcov na poplachový signál, t.j. v podstate historický obraz, ktorý evokuje spomienky na oslobodzovací boj holandského ľudu. Prílev zákaziek pre Rembrandta sa zmenšuje, jeho životné okolnosti zatieni smrť Saskie. Rembrandtova práca stráca svoju vonkajšiu účinnosť a predtým inherentné hlavné poznámky. Píše pokojné biblické a žánrové scény plné tepla a intimity, odhaľujúce jemné odtiene ľudských skúseností, pocity duchovnej, rodinnej blízkosti („Dávid a Jonatán“, 1642, „Svätá rodina“, 1645, oboje v Ermitáži v Petrohrade ). |
| Najjemnejšia hra svetla a tieňa, vytvárajúca osobitú, dramatickú, emocionálne intenzívnu atmosféru, sa stáva čoraz dôležitejšou tak v maľbe, ako aj v Rembrandtovej grafike (monumentálny grafický list „Kristus uzdravuje chorých“ alebo „Sto guldenový list“, okolo 1642 -1646; plná vzdušná a svetelná dynamika krajiny „Tri stromy“, lept, 1643). Obdobie otvárajú 50. roky 17. storočia, plné ťažkých životných skúšok pre Rembrandta tvorivá zrelosť umelec. Rembrandt sa čoraz viac obracia k portrétnemu žánru a zobrazuje svojich najbližších (početné portréty Rembrandtovej druhej manželky Hendrikje Stoffels; „Portrét starej ženy“, 1654, Štátne múzeum Ermitáž, Saint Petersburg; „Syn Titus Reading“, 1657, Kunsthistorisches Museum, Viedeň). |
| V polovici 50. rokov 17. storočia získal Rembrandt zrelé maliarske schopnosti. Prvky svetla a farby, nezávislé a dokonca čiastočne opačné rané práce umelca, teraz splývajú do jedného prepojeného celku. Horúca červenohnedá, teraz sa rozširujúca, teraz blednúca, chvejúca sa masa svietiacej farby umocňuje emocionálnu expresivitu Rembrandtových diel, akoby ich ohrievala teplým ľudským citom. V roku 1656 bol Rembrandt vyhlásený za nesolventného dlžníka a celý jeho majetok bol predaný v dražbe. Presťahoval sa do židovskej štvrte Amsterdamu, kde prežil zvyšok života v mimoriadne stiesnených podmienkach. Rembrandtove biblické kompozície v 60. rokoch 17. storočia zhŕňajú jeho uvažovanie o význame. ľudský život. V epizódach vyjadrujúcich stret tmy a svetla v ľudská duša(„Assur, Haman a Ester“, 1660, Puškinovo múzeum, Moskva; „Pád Hamana“ alebo „Dávid a Uriah“, 1665, Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad), sýte teplé farby, flexibilný pastový štetec, intenzívna hra tieňa a svetla, zložitá textúra farebného povrchu slúži na odhalenie zložitých konfliktov a emocionálnych zážitkov a potvrdzuje víťazstvo dobra nad zlom. |
| Historický obraz „Sprisahanie Juliusa Civilisa“ („Sprisahanie Bataviánov“, 1661, zachoval sa fragment) je plný krutej drámy a hrdinstva. národné múzeum, Štokholm). IN Minulý rokživota, Rembrandt vytvoril svoje hlavné majstrovské dielo - monumentálne plátno „Návrat márnotratného syna“ (približne 1668-1669, Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad), ktoré stelesňovalo všetky umelecké, morálne a etické otázky. neskorá kreativita umelec. S úžasnou zručnosťou v ňom znovu vytvára celý rad zložitých a hlbokých ľudské pocity, podriadení umelecké médiá odhaľujúce krásu ľudského porozumenia, súcitu a odpustenia. Vrcholný moment prechodu od napätia pocitov k rozuzleniu vášní je stelesnený v plasticky expresívnych pózach, náhradných gestách, v emocionálnej štruktúre farby, jasne sa mihajúcej v strede obrazu a miznúcej v tienenom priestore pozadia. Veľký holandský maliar, kresliar a leptač Rembrandt van Rijn zomrel 4. októbra 1669 v Amsterdame. Vplyv Rembrandtovho umenia bol obrovský. Zasiahlo to nielen tvorbu jeho bezprostredných žiakov, z ktorých sa Carel Fabricius najviac priblížil k pochopeniu učiteľa, ale aj umenie každého viac či menej významného holandského umelca. Rembrandtovo umenie malo následne hlboký vplyv na vývoj celého svetového realistického umenia. |
Rembrandt Harmens van Rijn(holandský Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) – holandský umelec, kresliar a rytec, Veľký majsteršerosvit, najväčší zástupca zlatý vek holandského maliarstva. Do svojich diel dokázal zhmotniť celé spektrum ľudských skúseností s takým citovým bohatstvom, aké výtvarné umenie dovtedy nepoznalo. Rembrandtove diela, mimoriadne pestré v žánrová príslušnosť, otvára divákovi nadčasový duchovný svet ľudských zážitkov a pocitov.
- 1 Životopis
- 1.1 Roky učňovskej prípravy
- 1.2 Vplyv Lastmana a Caravaggistov
- 1.3 Workshop v Leidene
- 1.4 Výstup vlastný štýl
- 1.5 Úspech v Amsterdame
- 1.6 Dialóg s Talianmi
- 1.7 "Nočná hliadka"
- 1.8 Prechodné obdobie
- 1.9 Neskorý Rembrandt
- 1.10 Nedávne diela
- 2 Problémy s pripisovaním
- 3 Rembrandtovi žiaci
- 4 Posmrtná sláva
- 5 V kine
- 6 Poznámky
- 7 odkazov
Životopis
Roky učňovskej prípravy
Rembrandt Harmenszoon („syn Harmena“) van Rijn sa narodil 15. júla 1606 (podľa niektorých zdrojov v roku 1607) v početnej rodine bohatého majiteľa mlyna Harmena Gerritszoona van Rijna v Leidene. Rodina matky zostala verná aj po holandskej revolúcii katolícke náboženstvo.
"Alegória hudby" z roku 1626 - príklad Lastmanovho vplyvu na mladého Rembrandta
V Leidene Rembrandt navštevoval latinskú školu na univerzite, ale najväčší záujem prejavil záujem o maľovanie. Vo veku 13 rokov bol poslaný študovať výtvarné umenie do Leidenu historický maliar Jacob van Swanenburch, katolík z viery. Rembrandtove diela z tohto obdobia výskumníci neidentifikovali a otázka Swanenbuerchovho vplyvu na vývoj jeho tvorivého štýlu zostáva otvorená: o tomto leidenskom umelcovi sa dnes vie príliš málo.
V roku 1623 študoval Rembrandt v Amsterdame u Pietera Lastmana, ktorý absolvoval stáž v Taliansku a špecializoval sa na historické, mytologické a biblické príbehy. Po návrate do Leidenu v roku 1627 si Rembrandt spolu so svojím priateľom Janom Lievensom otvoril vlastnú dielňu a začal verbovať študentov. Za pár rokov si získal veľkú slávu.
Najpopulárnejšími „holandskými zátišiami“ zostali kvetinové zátišia. Inšpirovali diváka k premýšľaniu o morálnych a náboženských témach. Skladá sa z krásnych a rozmanitých kvetov (tulipány, kosatce, ruže, delfínia, fialky - " macešky", klinčeky, vlčie maky, sasanky, hyacinty, narcisy, zvončeky, konvalinky, nezábudky, sedmokrásky, akvilégia, tacetas), kytica bola malebným chválospevom na krásu božského stvorenia a prostredníctvom nej - múdrosť a štedrosť Pána, ktorý dovolil, aby túto krásu navždy zachytila.
Na prvý pohľad sa zdá, že kytice sú maľované z prírody, no pri bližšom pohľade je zrejmé, že sú tvorené rastlinami kvitnúcimi v iný čas. Dojem prirodzenosti a iluzionistickej životnosti vzniká vďaka tomu, že obrázky jednotlivých farieb vychádzajú z individuálnych štúdií z prírody. Toto bola bežná pracovná metóda pre maliarov kvetinových zátiší. Umelci predviedli starostlivé kresby akvarelom a gvašom, kresbou kvetov zo života rôzne uhly a pod rôznym osvetlením a tieto kresby im potom opakovane slúžili – opakovali ich v obrazoch. Ako pracovný materiál boli použité aj kresby iných umelcov, rytiny z tlačených zbierok a botanické atlasy.
Ján Baptiste von Fornenbruch. Sered. 17 storočie
Balthasar van der Ast. "Tulipán".1690. Paríž.
Gerard van Spaendo. "Kytica".
Jacob Morrel. "Dva tulipány"
Tulipány.
http://picasaweb.google.com/manon.and.gabrielle/m NpGmI#
Zákazníci, šľachtici a mešťania, na zátišiach oceňovali, že vyobrazené kvety sú „ako keby boli živé“. Ale tieto obrázky neboli naturalistické. Sú romantické a poetické. Príroda sa v nich pretvára maľbou.
„Portréty“ kvetov, maľované na pergamene akvarelom a gvašom, boli vytvorené pre floristické albumy, v ktorých sa záhradníci snažili zvečniť podivné rastliny. Obzvlášť početné sú obrázky tulipánov. Takmer každé holandské zátišie obsahuje tulipány. V 17. storočí V Holandsku bol skutočný tulipánový boom, niekedy bol dom zastavený kvôli vzácnej tulipánovej cibuľke.
Tulipány prišli do Európy v roku 1554. Do Augsburgu ich poslal nemecký veľvyslanec pri tureckom dvore Busbeck. Pri svojich cestách po krajine ho fascinoval pohľad na tieto nežné kvietky. Čoskoro sa tulipány rozšírili do Francúzska a Anglicka, Nemecka a Holandska. Majitelia cibúľ tulipánov boli v tých časoch skutočne bohatí ľudia - ľudia kráľovskej krvi alebo ich blízki. Vo Versailles sa konali špeciálne oslavy na počesť vývoja nových odrôd.
Vlastniť nádherné zátišia si mohli dovoliť nielen holandskí šľachtici, ale aj obyčajní mešťania. Počet holandských kvetinových zátiší je obrovský, ale to im neuberá umeleckú hodnotu. Po aukciách, keď sa ekonomická situácia Holandska nezlepšila, skončili malebné zbierky z meštianskych domov v palácoch európskych šľachticov a kráľov.
Túžba umelcov diverzifikovať kompozíciu ich kytíc ich prinútila cestovať do rôznych mestách a robiť kresby života v záhradách milovníkov kvetov v Amsterdame, Utrechte, Bruseli, Haarleme, Leidene. Na zachytenie vytúženého kvetu si museli umelci počkať aj na meniace sa ročné obdobia.
