Chlapci, vložili sme našu dušu do stránky. Ďakujem za to
že objavujete túto krásu. Ďakujem za inšpiráciu a naskakuje mi husia koža.
Pridajte sa k nám Facebook A V kontakte s
V prvom rade vieme o obraze dve veci: jeho autora a možno aj históriu plátna. Ale o osudoch tých, ktorí sa na nás pozerajú z plátna, veľa nevieme.
webovej stránky Rozhodla som sa porozprávať o ženách, ktorých tváre sú nám povedomé, no ich príbehy nie.
Zhanna Samari
Auguste Renoir, Portrét herečky Jeanne Samary, 1877
Herečka Jeanne Samary, hoci sa nemohla stať javiskovou hviezdou (hrala najmä slúžky), mala šťastie v niečom inom: nejaký čas bývala neďaleko ateliéru Renoira, ktorý jej v rokoch 1877-1878 namaľoval štyri portréty. presláviť ju oveľa viac, než by ju to dokázalo hereckú kariéru. Zhanna hrala v hrách od 18 rokov, v 25 rokoch sa vydala a porodila tri deti, potom dokonca napísala detskú knihu. Ale táto očarujúca dáma, žiaľ, nežila dlho: vo veku 33 rokov ochorela na brušný týfus a zomrela.
Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, "Dáma s hranostajom"
1489-1490
Cecilia Gallerani bola dievča zo šľachtickej talianskej rodiny, ktorá bola vo veku 10 (!) už zasnúbená. Keď však malo dievča 14 rokov, zasnúbenie sa z neznámych dôvodov prerušilo a Cecíliu poslali do kláštora, kde sa stretla (alebo to všetko zariadili) s milánskym vojvodom Ludovicom Sforzom. Začal sa románik, Cecilia otehotnela a vojvoda usadil dievča na svojom zámku, no potom prišiel čas uzavrieť dynastické manželstvo s inou ženou, ktorej sa, samozrejme, nepáčila prítomnosť svojej milenky v ich dome. Potom, čo Gallerani porodila, si vojvoda vzal svojho syna pre seba a oženil ju s chudobným grófom.
V tomto manželstve Cecilia porodila štyri deti, ktoré mali takmer prvé v Európe literárny salón, navštívil vojvodu a rád sa hral so svojím dieťaťom z nový milenec. Po chvíli Ceciliin manžel zomrel, prišla vojna, stratila blaho a našla útočisko v dome sestry tej istej vojvodovej manželky - v takých úžasných vzťahoch sa jej podarilo byť s ľuďmi. Po vojne Gallerani vrátila svoj majetok, kde žila až do svojej smrti vo veku 63 rokov.
Zinaida Jusupová
V.A. Serov, „Portrét princeznej Zinaidy Yusupovej“, 1902
Najbohatšia ruská dedička, posledná z rodu Jusupovcov, princezná Zinaida, bola neuveriteľne krásna a napriek tomu, že o jej priazeň sa okrem iných uchádzali aj vznešení ľudia, chcela sa vydať z lásky. Splnila svoju túžbu: manželstvo bolo šťastné a prinieslo dvoch synov. Yusupova venovala veľa času a úsilia charitatívne aktivity, a po revolúcii v nej pokračovala v exile. Jej milovaný najstarší syn zomrel v súboji, keď mala princezná 47 rokov a túto stratu len ťažko znášala. S vypuknutím nepokojov Jusupovci opustili Petrohrad a usadili sa v Ríme a po smrti manžela sa princezná presťahovala k synovi do Paríža, kde strávila zvyšok svojich dní.
Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, „Portrét M.I. Lopukhina", 1797
Borovikovskij namaľoval veľa portrétov ruských šľachtičných, ale tento je najpôvabnejší. Maria Lopukhina, predstaviteľka grófskeho rodu Tolstoy, je tu zobrazená vo veku 18 rokov. Portrét objednal jej manžel Stepan Avraamovič Lopukhin krátko po svadbe. Ľahkosť a mierne arogantný pohľad sa zdajú byť buď bežnou pózou pre takýto portrét éry sentimentalizmu, alebo známkami melancholickej a poetickej povahy. Osud tohto záhadného dievčaťa bol smutný: len 6 rokov po maľovaní Mária zomrela na konzumáciu.
Giovanina a Amacilia Pacini
Karl Bryullov, „jazdkyňa“, 1832
Bryullovova „Horsewoman“ je skvelá slávnostný portrét, v ktorej je všetko luxusné: jas farieb, nádhera drapérií a krása modelov. Zobrazuje dve dievčatá, ktoré nosili priezvisko Pacini: najstaršia Giovanina sedí na koni, mladšia Amatzilia sa na ňu pozerá z verandy. Obraz objednala Karlovi Bryullovovi, jej dlhoročnému milencovi, ich adoptívna matka, grófka Julia Pavlovna Samoilova, jedna z najkrajších žien v Rusku a dedička obrovského majetku. Grófka zaručila svojim dospelým dcéram veľké veno. Ukázalo sa však, že v starobe bola prakticky na mizine a potom adoptované dcéry Giovanina a Amatsilia prostredníctvom súdu vymáhali od grófky sľúbené peniaze a majetok.
Simonetta Vespucciová
Sandro Botticelli, "Zrodenie Venuše"
1482–1486
Zapnuté slávny obraz Botticelli zobrazuje Simonettu Vespucci, prvú krásku florentskej renesancie. Simonetta sa narodila v r bohatá rodina, vo veku 16 rokov sa vydala za Marca Vespucciho (príbuzného Ameriga Vespucciho, ktorý „objavil“ Ameriku a dal tomuto kontinentu meno). Po svadbe sa novomanželia usadili vo Florencii a boli prijatí na súde Lorenzo Medici, v tých rokoch známy svojimi veľkolepými hostinami a recepciami.
Krásna, zároveň veľmi skromná a priateľská Simonetta si rýchlo obľúbila florentských mužov. Sám vládca sa na ňu snažil dohliadať Florence Lorenzo, no najaktívnejšie sa o to usiloval jeho brat Giuliano. Simonettina krása inšpirovala mnohých umelcov tej doby, medzi ktorými bol aj Sandro Botticelli. Verí sa, že od chvíle, keď sa stretli, bola Simonetta modelom pre všetky Madony a Venuše, ktoré namaľoval Botticelli. Vo veku 23 rokov Simonetta napriek úsiliu najlepších dvorných lekárov zomrela na konzumáciu. Potom umelec zobrazil svoju múzu len naspamäť a v starobe ju odkázal, aby bola pochovaná vedľa nej, čo sa stalo.
Veru Mamontovú
V.A. Serov, „Dievča s broskyňami“, 1887
Najznámejší obraz portrétneho majstra Valentina Serova bol namaľovaný v panstve bohatého priemyselníka Savvu Ivanoviča Mamontova. Dva mesiace každý deň pre umelca pózovala jeho dcéra, 12-ročná Vera. Dievča vyrástlo a zmenilo sa na očarujúce dievča, vydatá vzájomná láska pre Alexandra Samarina, patriaci k sláv šľachtický rod. Po medové týždne V Taliansku sa rodina usadila v meste Bogorodsk, kde sa postupne narodili tri deti. Ale nečakane v decembri 1907, len 5 rokov po svadbe, Vera Savvishna zomrela na zápal pľúc. Mala len 32 rokov a jej manžel sa už nikdy neoženil.
Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, „Portrét Struyskaja“, 1772
Tento Rokotovov portrét je ako vzdušný polovičný náznak. Alexandra Struyskaya mala 18 rokov, keď bola vydatá za veľmi bohatého vdovca. Existuje legenda, že na jej svadbu jej manžel daroval iba nový kostol. A celý život som jej písal poéziu. Nie je isté, či bolo toto manželstvo šťastné, ale každý, kto navštívil ich dom, venoval pozornosť tomu, ako odlišní boli od seba manželia. Počas 24 rokov manželstva porodila Alexandra svojmu manželovi 18 detí, z ktorých 10 zomrelo v detstve. Po manželovej smrti žila ešte 40 rokov, pevne spravovala majetok a svojim deťom zanechala slušný majetok.
Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev „Manželka obchodníka pri čaji“, 1918
Kustodievova „Merchant's Wife at Tea“ je skutočnou ilustráciou toho svetlého a dobre živeného Ruska, kde sú jarmoky, kolotoče a „chrumkanie francúzskeho chleba“. Obraz bol namaľovaný v porevolučnom hladomornom roku 1918, kedy sa o takej hojnosti mohlo len snívať.
Galina Vladimirovna Aderkas, prirodzená barónka z rodiny, ktorej história siaha až k jednému livónskemu rytierovi z 18. storočia, pózovala na tomto portrétnom obrázku pre manželku obchodníka. V Astrachane bola Galya Aderkas spolubývajúcou Kustodievovcov zo šiesteho poschodia; Umelcova manželka priviedla dievča do štúdia po tom, čo si všimla farebný model. V tomto období bola Aderkas veľmi mladá – študentka prvého ročníka medicíny – a na náčrtoch jej postava vyzerá oveľa chudšie. Po skončení vysokej školy a istú dobu pracovala ako chirurgička profesie zanechala a Sovietske roky spievala v ruskom zbore, podieľala sa na dabingu filmov, vydala sa a začala hrať v cirkuse.
Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, "Mona Lisa", 1503-1519.
Možno jeden z najznámejších a tajomné portréty všetkých čias a národov – toto slávna Mona Lisa od veľkého Leonarda. Spomedzi mnohých verzií o tom, kto vlastní legendárny úsmev, bola v roku 2005 oficiálne potvrdená aj táto: na plátne je vyobrazená Lisa del Giocondo, manželka florentského obchodníka s hodvábom Francesca del Gioconda. Portrét mohol byť objednaný od umelca, aby pripomenul narodenie syna a kúpu domu.
Spolu so svojím manželom Lisa vychovala päť detí a s najväčšou pravdepodobnosťou bolo jej manželstvo založené na láske. Keď jej manžel zomrel na mor a táto vážna choroba postihla aj Lisu, jedna z dcér sa nebála vziať mamu k sebe a opustila ju. Mona Lisa sa zotavila a nejaký čas žila so svojimi dcérami, zomrela vo veku 63 rokov.
Na začiatku dvadsiateho storočia sa objavil náš kalendár nový sviatok, ktorej názov znel ako revolučný slogan: „Medzinárodný deň žien solidarity pracujúcich žien v boji za rovnaké práva“.
Našťastie časom tento deň nadobudol úplne iný význam a pre nás je 8. marec sviatkom ženská krása a šarm.
Aby sme spojili historické s príjemným, zhromaždili sme niekoľko obrazov sladkých, koketných a silných pracujúcich žien od veľkých umelcov - večných zajatcov ženskej krásy a cností!
Alexej Venetsianov, rodák z Moskvy, prvýkrát navštívil obec vo veku 35 rokov, keď po svadbe novomanželia išli navštíviť manželkiných rodičov do provincie Tver.
Umelec bol tak fascinovaný prírodou, že okamžite dostal túžbu usadiť sa medzi ruskými oblasťami a kúpil si panstvo v Safonovke.
Práve tu maľuje obraz „Na oranom poli“. Celá Venetsianovova tvorba je presiaknutá poéziou, jeho obrazy venované roľníckemu životu idealizujú život na dedine.
Od detstva bola Zinaida Serebryakova zamilovaná do Venetsianovových obrazov. V nej rané maľby je cítiť neviditeľné spojenie s dielom ruského spisovateľa každodenného života. Zdá sa, že Venetsianovove roľníčky o sto rokov neskôr naďalej žijú v jej obrazoch.
Umelcove dedinské dievčatá sú majestátne, s kráľovským postojom; pokojne vykonávajú svoju každodennú prácu - skutočná poézia spirituality!
Zinaida Evgenievna Serebryakova "Úroda"
1915, 177×142 cm.
Obrazy „Harvest“ a „Whitening Canvas“ sú klasifikované ako najlepšie diela Zinaida Serebryaková. Boli zapísané v rodinný majetok Neskuchnoe v provincii Charkov, kde od roku 1898 trávila rodina Serebryakov leto a jeseň.
V roku 1914, po dlhej ceste na sever Talianska, prišla Zinaida do Neskuchnoye a okamžite začala pracovať na obraze „Harvest“.
Štúdium kreativity umelcov talianska renesancia, len nedávno videný v múzeách a galériách, je cítiť v klasicky konštruovanej kompozícii a monumentálnosť foriem zdôrazňuje krásu ženských postáv na pozadí krajiny s pšeničnými poliami, ktoré sa nerovnomerne tiahnu za horizont.
Tieto obrazy sú považované za posledné idylické obrazy predrevolučného Ruska.
Zinaida Evgenievna Serebryakova." Bielenie plátna "
1917, 141,8×173,6 cm.
Čipka, púder, rúž - všetko, čo očarujúca žena potrebuje...
Francúzske dámy neúnavne pracujú aj na obrazoch umelcov. V ére rokoka bola pre mestské ženy najmódnejšia profesia klobúčnika.
Elegantné a luxusné outfity, korzety, výšivky a čipky, to všetko boli myšlienky žien, pretože bolo potrebné držať krok s trendsetterkou Madame Pompadour!
A fantázie mladých dievčat stelesňovali zdviháky všetkých remesiel - mlynári. Zdá sa, že Francois Boucher na obraze „The Milliner“ sa vkráda do miestnosti a špehuje dámy, ktoré diskutujú o budúcom modeli.
Francois Boucher. "The Milliner"
Rozmer 53 x 64 cm.
V 18. storočí počas osvietenstva vo Francúzsku bolo v umení zvykom chváliť a potvrdzovať cnosti tretieho stavu a v maliarstve v dobrej forme myslelo sa na jednoduchosť a prirodzenosť.
Jean-Baptiste Greuze vo filme „The Laundress“ nielenže zobrazuje pôvabného a očarujúceho mladého pracovníka - týmto spôsobom oslavuje tvrdú prácu.
V Rusku sa v druhej polovici 18. storočia stal Grez módny umelecšľachta medzi sebou súperila, aby si u neho objednala portréty, samotná cisárovná Katarína II na radu Diderota kúpila od umelca obraz „Ochromený“.
Takáto popularita Greuzeho diela samozrejme nezostala bez povšimnutia ruskej maľby, jeho obrazy mali veľký vplyv na ruské portrétovanie.
Jean-Baptiste Greuze "Práčovňa"
1761, 32×40 cm.
Čipkárky
Vasilij Tropinin bol nazývaný „Ruské sny“ pre jeho očarujúce portréty žien. Prvýkrát v ruskej maľbe tvoril nový typ žánrový portrét- poetický obraz dievčaťa pri práci.
Mladé krásky na obrazoch „Čipkárka“ a „Zlatník“ zaneprázdnené svojou prácou na chvíľu odtrhnú zrak od svojej práce a prefíkane hľadia na diváka.
Vasilij Andrejevič Tropinin. "Zlatník"
1826, 64×81 cm.
Tropinin bol poddaným umelcom a až vo veku 47 rokov dostal slobodu. Je symbolické, že práve rok 1823, rok napísania „Čipkárky“, priniesol umelcovi slobodu aj oficiálne uznanie.
Tento rok po prvý raz vystavuje svoje diela na Akadémii umení a umelcovi je udelený titul „menovaný akademik“. Intímny portrét mestskej ženy tak priniesol svojmu tvorcovi slobodu a úspech.
Tropinin "Čipkárka"
Strážca krb a domov
Domácnosť Vždy to bolo na pleciach žien a práce v kuchyni sú priamou zodpovednosťou. Pre niektorých je to požehnanie, no pre mnohých je to trápenie. Pre hrdinku filmu „Kuchár“ od Bernarda Strozziho je to povinnosť a posvätný obrad.
Pri pohľade na obrázok si môžete položiť veľa otázok. Napríklad, prečo mladé dievča vypitvá vtáka elegantné šaty a korálky? Má veľkú rodinu, pretože večera zahŕňa poriadne množstvo jedál?
Kto je zobrazený na obrázku - možno umelec zobrazil svoju manželku, a preto sa tak láskavo pozerá na diváka? Táto možnosť je celkom možná: obrázok na každodenný príbeh Strozziho je veľká vzácnosť a pre svoju manželku mohol urobiť výnimku.
Bernardo Strozzi "Kuchár"
1625, 185×176 cm.
Autor obrázku - taliansky umelec Baroková éra s pozoruhodným životopisom. Strozziho dobrodružný charakter sa odzrkadlil vo všetkých jeho aktivitách: v mladosti vstúpil do kapucínskeho rádu a stal sa kňazom, potom študoval maliarstvo v dielni janovského umelca Sorriho a súčasne pracoval ako námorný inžinier v janovskej flotile.
Neskôr umelec utiekol z kláštora a ukryl sa pred prenasledovaním mníchov v Benátkach. Ale Strozzi sa maľovania nikdy nevzdal. Jeho hlavnou témou boli portréty, náboženské a mytologické výjavy a kreatívnym spôsobom Caravaggiova maľba mala veľký vplyv.
„Povolanie“ pastierky bolo kedysi veľmi obľúbené a umelci sa k nemu často obracali. Dojímavý obrázok Pastierku stredného veku nachádzame v dielach Van Gogha, ktorý maľoval jednoduchých dedinčanov so zvláštnou vrúcnosťou a láskou.
Pozrite sa na farbu obrázka: žltá pšeničné polia- farba slnka a tepla, jemne kontrastujúca s modrým plášťom pastierky, - časté používanie v dielach umelca, ale nevyvoláva rušivé pocity, ako v jeho iných obrazoch.
Van Gogh sprostredkuje svoje pocity nezvyčajne presne odtieňmi farieb. Bez ohľadu na to, aké víry okolo zúria, žena je pokojná a podriaďuje sa svojmu ťažkému osudu... A náš dominantný a úprimný pocit keď vidíte tento obrázok - „empatia“.
Vincent Van Gogh. "Kovbojka"
1889, 52,7×40,7 cm.
Umelec vytvoril toto dielo počas liečby v Saint-Rémy na juhu Francúzska. Počas tohto obdobia rokov 1889-1890 študoval prácu zakladateľa barbizonskej školy Jeana Francoisa Milleta a počas tejto doby vytvoril kópie 23 jeho obrazov, vrátane „Pastierky“ (aj keď je ťažké nazvať Van Gogh maľuje kópiu).
Vincent píše svojmu bratovi o svojom zamestnaní:
„Uisťujem vás, že mám veľký záujem o vytváranie kópií, a keďže teraz nemám modely, neopustím prácu na postave pomocou týchto kópií.
Používam čiernobiele reprodukcie Delacroixa a Milleta, ako keby to boli predmety zo skutočného života. A potom farebne improvizujem, aj keď samozrejme nie presne tak, ako keby som to robil ja, ale snažím sa zapamätať si ich obrazy.
Avšak toto „pamätanie“, nejasná harmónia ich farieb... je mojou interpretáciou.“
Pri porovnaní obrazov týchto dvoch umelcov sa zdá, že Van Gogh namaľoval pastierku vo svojej fantázii.
Proso "Pastierka" 1, Proso "Pastierka" 2.
Jean Baptiste Chardin pozoroval životy obyčajných mešťanov a písal z nich príbehy. Každodenný život. Obraz „Práčovňa“ vyžaruje pokojnú domácu pohodu, kde všetko hreje starostlivosť hostiteľky.
Kým mama perie bielizeň, syn je zaneprázdnený svojou jednoduchou zábavou. V Chardinových obrazoch sú vždy prítomné detské obrazy, ktoré zdôrazňujú lásku matky k svojmu dieťaťu. Demonštrácia týchto vzťahov mu pomáha vytvárať duchovnú atmosféru vrúcnosti a skromného, ale významného a plnohodnotného života pre obyvateľov mesta.
Ženská práca na maľbách umelkyne sa rovná ušľachtilej práci vykonávanej s osobitnou usilovnosťou a láskou.
Jean Baptiste Simeon Chardin. "Práčovňa"
Úvodníky socialistickej práce - my Nový svet poďme to postaviť!
Ženy zvládajú nové profesie v Sovietska krajina. U nás to nie sú len nejakí západní fashionisti - sovietska žena možno postaviť metro!
V grafickom seriáli Alexandra Samokhvalova z 30. rokov minulého storočia stelesňovali portréty dievčat, ktoré pracovali ako pracovníčky metra, ideál socialistickej práce.
Nadšenie, mladícka energia, optimizmus a prekypujúce sily v týchto dielach – budeme budovať nová krajina. Tu je s vŕtačkou, s lopatou, krásna, silná a šťastná, dokáže všetko!
Umelec sa pripojil k ideologickej ceste krajiny, úprimne verí v univerzálnu tvorbu v prospech svetlej budúcnosti. A umelcove duchovné impulzy sú celkom hmatateľnou záležitosťou, stačí sa pozrieť na diela!
Z hľadiska premenlivosti je móda na druhom mieste za počasím, hoci ide o kontroverznú záležitosť. Móda sa navyše mení nielen v oblečení, štýloch či doplnkoch, ale aj v ženskej kráse. Uznávanú krásu jednej epochy o pol storočia neskôr možno považovať za škaredú (ale vy a ja vieme, že nie krásna žena nemôže byť). Umelci vždy veľmi citlivo reagovali na módne rozmary, pretože sa vždy snažili zobrazovať najkrajšie ženy svojej doby.
Staroveké Grécko a Rím
Žiaľ, ženské ideály staroveku treba posudzovať podľa fresiek a sôch, plnohodnotných maľby nezachoval sa. IN Staroveké Grécko bohyňa Afrodita, dáma ladný s dlhými hustými červenými vlasmi. Presne tak je zobrazená na obraze „Zrodenie Venuše“ od Sandra Botticelliho, hoci bol vytvorený už v roku 1485. IN Staroveký Rím najviac si cenili krásu ženská tvár, a nádhera foriem bola na druhom mieste. Napríklad obraz „Proserpina“ (1874) od Danteho Rossettiho bol vytvorený s týmto zámerom.
Stredovek
V stredoveku sa dalo poslať na hranicu za chválu ženskej krásy, takže nezostali žiadne umelecké dôkazy. Ukazovanie ženskej postavy bolo prísne zakázané. Šaty museli úplne skrývať telo a vlasy boli skryté pod klobúkmi. Štandardom ženskej krásy boli sväté ženy, ktoré sa oddali službe Bohu.
renesancie
Renesancia je tak pomenovaná kvôli oživeniu záujmu o ideály staroveku, vrátane záležitostí ženskej krásy. Široké boky, plné telo, predĺžená tvár, zdravá pleť – tak mala vyzerať prvá kráska 15. – 16. storočia. Presne tak sú ženy zobrazené na obrazoch Sandra Botticelliho, Raphaela Santiho a Michelangela. Ideálom krásy renesancie možno nazvať Talianku Simonettu Vespucci, ktorá je zobrazená na niekoľkých obrazoch Botticelliho „Jar“ (1478), „Narodenie Venuše“ (1485), „Portrét mladej ženy“ (1485). Počas renesancie to bolo módne vysoké čelo, a na dosiahnutie tohto efektu si fashionisti oholili obočie a vlasovú líniu. To je jasne viditeľné na slávnom obraze „Mona Lisa“ od Leonarda Da Vinciho.
Baroková éra
Koncom 16. a začiatkom 17. storočia boli ideálom ženskej krásy ženy bielej pleti (opaľovanie sa považovalo za údel sedliackych žien) s malými prsiami, drobnými nohami, bledou tvárou, no s krivými bokmi. Navyše, každý aristokrat musel mať vysoký, zložitý účes. Tieto módne trendy sú jasne viditeľné na portréte obľúbeného Ľudovít XIV Madame de Montespan (1670) od Pierra Mignarda. Patrí k tomuto obdobiu slávne dielo John Vermeer „Žena s perlovou náušnicou“ (1665).
Rokoková éra
Ak na obrázku žena vyzerá skôr ako porcelánová bábika, obklopená vejármi, dáždnikmi, rukávnikmi a rukavicami, potom môžeme s istotou povedať, že hovoríme o o ére rokoka. Začiatkom 18. storočia prišla do módy „mierna anorexia“: ženská krása sa stala krehkou, s úzkymi bokmi, malými prsiami a prepadnutými lícami. Existujú dôkazy, že na dosiahnutie efektu „prepadnutých líc“ niektoré dámy odstránili svoje bočné zuby a nechali len predné - krása si vyžaduje obetu. Kánon krásy rokokovej éry dokonale ilustrujú portréty Francoisa Bouchera, napríklad „Portrét markízy de Pompadour“ (1756).
Romantická éra
Až v druhej polovici 19. storočia sa prirodzený rumenec, zdravá sviežosť a guľatosť tvarov opäť stali štandardom ženskej krásy. A najatraktívnejšia časť ženské telo Ramená sa zaokrúhľujú a odhaľujú, čo bolo jednoducho potrebné pre každú krásu. Presne takéto ženy sa nachádzajú na obrazoch Adolpha Bouguereaua; takéto ženy zobrazovali prví impresionisti („Zrodenie Venuše“ od Bouguereaua, „ Veľkí kúpači"Renoir," Modrí tanečníci"Degas).
Začiatok 20. storočia
„Ruská Venuša“, „Obchodníkova žena pri čaji“, „Dievča na Volge“ od Borisa Kustodieva dokonale ilustrujú kánony krásy začiatku 20. storočia. Všetko, čo romantizmus obdivoval na žene, sa stalo ešte veľkolepejším a vážnejším. 20-40 rokov dvadsiateho storočia
Polovica 20. storočia
Marilyn Monroe sa stala ideálom ženskej krásy v polovici minulého storočia. Nízka blond, bez akýchkoľvek excesov v smere štíhlosti alebo bacuľatosti. Jej imidž vo svojich dielach ochotne využíval zakladateľ pop-artu Andy Warhol.
Rozprávať sa o ďalší vývoj ideály ženskej krásy, najmä v ich spojení s maľbou, sa ešte neoplatí. Treba len poznamenať, že história sa vyvíja v kruhu a chudosť a choroba sa vracajú do módy.
Obrazy slávnych umelcov uchovávať tajomstvá ľudí, ktorí sú na nich vyobrazení. Pozývame vás na prechádzku virtuálnym galéria umenia a preskúmajte príbehy žien na obrazoch. Tieto príbehy môžu byť romantické, mystické alebo len vtipné.
Toto umelecké dielo je jedným z najviac slávne obrazy maliar - prvýkrát bol predstavený publiku v Taliansku, kde ho priaznivo prijali kritici. Karl Bryullov bol prvým ruským umelcom, ktorý sa preslávil v primárnej Európe. Na dlhú dobu predpokladalo sa, že tento obraz bol portrétom mladej grófky Julie Samoilovej, ktorú umelec veľmi miloval a často zobrazoval na svojich plátnach. Napríklad vo filme „Posledný deň Pompejí“ majú tri postavy naraz rysy tváre Julie Samoilovej. Avšak pri porovnaní obrazu „Horsewoman“ s portrétmi grófky, ktoré Bryullov namaľoval neskôr, je jasné, že obraz nie je Julia Samoilova. Ale kto? Na jednom zo svojich obrazov Karl Bryullov zobrazil grófku Samoilovovú so svojou žiačkou Giovanninou, na inom obraze namaľoval tú istú grófku s adoptovaná dcéra Amazilia. Výskumníci Bryullovovej práce dospeli k záveru, že obraz zobrazuje práve tieto dievčatá, ktoré vychovávala grófka. Ale obrazy slávnych umelcov zvyčajne nesú nejaký druh tajomstva. Ak chcete vyriešiť hádanku z tohto obrazu, musíte sa bližšie pozrieť na psa v obojku, ktorého umelec zobrazil vedľa malého dievčatka. Na obojku je napísané meno jeho majiteľky Samoilova.
Zdá sa, že ako vznikol obraz „Alyonushka“ je už dlho známy každému. Verí sa, že Vasnetsov, ako obraz smutnej hrdinky ruských eposov, zobrazil dievča, s ktorým ho osud spojil v dedine Akhtyrka. Keď už hovoríme o tomto obraze, mnohí citujú citát samotného Vasnetsova, kde pripúšťa, že obraz Alyonushky sa už dlho usadil v jeho hlave, ale finálna verzia Portrét vznikol, keď v dedine Okhtyrka stretol jednoduché dievča. Ale je to tak? V jednej z poznámok umelca si môžete prečítať pravdivý príbeh maľovanie obrazu. Vasnetsov priznáva, že hoci už mal náčrt obrazu podľa tohto jednoduchého dievčaťa, nejde o žánrový kúsok zo života. Umelec bol v skutočnosti inšpirovaný očami Verushy Mamontovej. Priznal, že oči tohto konkrétneho dievčaťa sa mu zdali všade a usadili sa v jeho duši. Kto je Verusha Mamontova? Jej obraz je, samozrejme, známy milovníkom umenia, pretože je zobrazená na Serovovom obraze „Dievča s broskyňami“. Teraz, keď poznáte odhalenia umelca, v Alyonushke môžete ľahko nájsť rysy tváre Verushy Mamontovej.
Obrazy slávnych umelcov vás niekedy prekvapia, odkiaľ pochádza takýto dej, niekedy sú zdroje inšpirácie neočakávané. To sa dá povedať o histórii maľovania na plátno “ Nerovné manželstvo" Jeden aristokrat z Moskvy sa rozhodol spísať svoje pamäti, kde hovoril o všetkých svojich príbuzných vrátane svojho strýka Sergeja Varentsova. V roku 1862 sa tento strýko ako mladý muž náhle zaľúbil do peknej dcéry obchodníka Rybnikova Sofie. A zamiloval sa natoľko, že dokonca navrhol sobáš, no bol odmietnutý. Obozretný otec dievčaťa nechcel dať svoju dcéru za ženu mladému a frivolnému hrabáčovi, ale radšej podal ruku staršiemu a nie chudobnému obchodníkovi Korzinkinovi (zaujímavé je, že „starší“ ženích mal vtedy 38 rokov). Nešťastnou zhodou okolností mal mladý Varentsov hrať úlohu najlepšieho muža na tejto svadbe. Umelec Vasily Pukirev bol tak preniknutý týmto príbehom a trápením milujúce srdce kto vytvoril tento obraz. Vďaka tomuto obrazu získal Vasilij Pukirev titul profesora a tiež dobré peniaze: plátno okamžite kúpil zberateľ umenia Borisovský a Treťjakov ho kúpil od neho. Pravda, Pukirev musel plátno trochu prerobiť, pretože Varentsov sa spoznal v najlepšom mužovi na tomto obrázku. Umelec stvárnil Varentsova vo svojom diele tak presne, že vďaka obľúbenosti obrazu sa o jeho nešťastnej láske začalo diskutovať v celej Moskve. Výsledkom bolo, že Pukirev musel prepísať tvár najlepšieho muža a teraz pri pohľade na obrázok verejnosť vidí v pozadí obraz Pukirevovej vlastnej tváre.
Obraz „Portrét M. I. Lopukhiny“ od Vladimíra Borovikovského
Tento obraz bol vytvorený v roku 1797 a je romantickým ženským obrazom. Už po stáročia uchvacuje verejnosť a znalci umenia ju považujú za ódu na sentimentalizmus. Obrazy známych umelcov sú často sprevádzané mystickými bájkami. Takáto bájka je spojená s týmto obrázkom. Obraz 18-ročnej krásky je prvým obrazom v dejinách Ruska, ktorý je nasiaknutý mystikou. Dievča zobrazené na portréte bolo dcérou grófa Ivana Tolstého. V roku namaľovania portrétu sa vydala za Stepana Lopukhina, ktorý slúžil v administratíve Pavla I. Hneď po svadbe jej manžel nariadil Borovikovského portrét jeho milovaná manželka. Manželstvo netrvalo dlho, pretože 3 roky po svadbe mladá princezná zomrela na chorobu - konzum. Bezútešný otec kúpil obraz s portrétom svojej dcéry od svojho zaťa a zavesil si ho vo svojom dome. Treba povedať, že gróf Tolstoj bol majster Slobodomurárska lóža a zaujímal sa o mystiku. Hovorilo sa, že gróf pomocou mágie dokázal privolať ducha svojej zosnulej dcéry a vdýchnuť ho do Borovikovského obrazu. Existuje bájka - každé dievča, ktoré sa pozrie na portrét, určite zomrie. Dokonca citovali „veľmi spoľahlivé fakty“, že portrét zabil najmenej tucet mladých dievčat. Našťastie pre potomkov, Treťjakov neveril v mystiku a o storočie neskôr kúpil obraz, ktorý teraz môžu vidieť milióny divákov v galérii pomenovanej po ňom.
Obrazy slávnych umelcov sa vyznačujú tým, že vo svojich dielach oslavujú ženský ideál. Dokonca aj pri zobrazovaní Madony umelci všetkých čias bez štipky svedomia maľovali portréty svojich milencov, z ktorých mnohé boli ženy rôzneho veku. ušľachtilý rod. Napríklad výskumníci Raphaelovej práce tvrdia, že umelec stretol dcéru chudobného pekára Fornarinu na jednej z ulíc Ríma. Umelec sa do nej zamiloval. Raphael, ktorý bol vtedy už všeobecne známy a zaujímal vysokú úroveň na spoločenskom rebríčku, kúpil dievča od jej otca a prenajal jej luxusný dom. Umelec ju skutočne považoval za ideál krásy a žil s ňou až do svojej smrti 12 rokov. Hovorí sa však, že samotná kráska nebola lojálna svojmu dobrodincovi a zahýbala mu so študentmi umelca aj s tými, ktorí si obrazy objednali. Po Rafaelovej smrti pre povesť tejto ženy pápež zaňho ani nechcel vykonať pohrebnú službu, pretože neďaleko stála Fornarina. Napriek tomu všetkému na obraze vidíme Fornarininu tvár “ Sixtínska Madonna" Raphael jej dal aj tvár mnohých iných Madon namaľovaných jeho rukou.
Portrét v maľbe je žáner výtvarné umenie, v ktorej sa umelci nesnažia ani tak o vonkajšiu podobnosť, ako skôr o reflektovanie vnútorného charakteru zobrazovanej osoby. Portrét môže byť individuálny alebo kolektívny, majster vytvára obraz typický pre určitú dobu.
História žánru
Ako to dopadlo počas staroveké umenie. Na ostrove Kréta sa počas vykopávok našlo veľa fresiek s obrazmi žien. Ďalšie umelecké pamiatky pochádzajú z Egypta, kde boli objavené drevené dosky, na ktorých sú vyobrazené portréty technikou enkaustiky (ide o farby na báze vosku). Počas stredoveku portréty v maľbe existovali len na zobrazenie darcov a boli súčasťou generála umelecká kompozícia na náboženské témy.
Rozkvet maľby padol na renesanciu. Renesanční umelci hlásali humanistické myšlienky a brali svet ako základ individuálna osoba, krajiny a interiéry dostali skromnú úlohu ako pozadie. Vrcholným dielom tej doby bola La Gioconda a jej autor Leonardo da Vinci sa preslávil po stáročia.
Titian výrazne prispel k rozvoju žánru, vytvoril celú galériu portrétov svojich súčasníkov. Autoportréty umelcov ako Jan van Eyck a Albrecht Durer sú príkladom pre mnohých portrétistov.
Portrét ženy v maľbe
Večná téma umenia je zobrazovanie obrazu ženy. Každá doba maľovala svoj vlastný ideál ženy a jej postava priťahovala osobitnú pozornosť mnohých umelcov. Pri pohľade na portrét tých čias môžeme vidieť, ako vzhľad a vnútorný svet ovplyvnené určitými udalosťami verejný život, umenie, literatúra, móda.
Ruské umenie vo všeobecnosti a portrét v maliarstve zvlášť ukazuje, ako sa v priebehu storočí menil ideál ženskej krásy. Je to spôsobené zmenou svetonázoru, zvykov, zvykov, so zmenou systémov vlády a generácií.
Obrazy žien
Koncom 18. storočia dosiahla ruská portrétna maľba svoj vrchol. A jednou z najdôležitejších a najobľúbenejších tém je zobrazenie ženského šarmu. Na plátnach vidíme koketné a zvodné ženy. A na portrétoch zahraničných umelcov vyzerajú ruské dámy a slečny ako bábiky, hanblivo a hravo sa usmievajú, a preto jedna vyzerá ako druhá.
Ruskí umelci I.P. Argunov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovský vidí ženu inak. Prinášajú do ženského portrétu psychologickú revitalizáciu a konkrétny charakter. V maľbe sa snažia sprostredkovať živé a skutočný obraz morálky, vkusu a módy éry ženskej všemohúcnosti. Vidíme celé spektrum ženských postáv: arogantnú chladnú krásu a nežnú jemnú zasnenosť, koketnosť a skromnosť, duchovný šarm a prísne tajomstvá s izoláciou. Ale ovládnuť srdcia mužov je hlavná vec.
Nové ideály
Éra romantizmu 19. storočia bola navrhnutá tak, aby ukázala ženskú zvláštnu citlivosť a jemné pohyby duše. Práca Karamzina a Žukovského mala obrovský vplyv na umelcov začiatku storočia, napríklad O.A. Kiprensky. Ich plátna odzrkadľovali všetky znaky romantizmu v žánri portrétu, v maľbe, hudbe, ale aj poézii tejto doby boli žiadané motívy osobných lyrických zážitkov a tajomná farebnosť. rodný starovek(obzvlášť populárny romantická opera A. N. Verstovského „Askoldov hrob“ 1835).
Ale v polovici storočia vznešenosť a snovosť ženských obrazov zmizli bez stopy. Z obrazov tohto obdobia možno študovať módne trendy. Pierka na klobúkoch, šperkoch a čipke sú starostlivo maľované, umelci, ktorí sa nechajú unášať detailmi, často zabúdajú na samotnú postavu. Na obrázkoch svetských krások vládne arogancia a tá vrúcnosť a jednoduchosť tu už nie je.
Niektorí umelci zo začiatku storočia, najmä Venetsianov a Tropinin, sa však pri hľadaní „živých“ obrazov obracajú na k obyčajným ľuďom. Vzniklo hnutie „obyčajných ľudí“. portrét ženy, vzniká idealizovaný obraz pracujúcej ženy.
Obrazy K.S. Petrova-Vodkina
Nové storočie je charakteristické hľadaním nových foriem v žánri portrétu. V maľbe (6. ročník školy na hodinách výtvarnej výchovy podrobne študuje tému „ Ženské obrázky") umelci sa obracajú do minulosti a budúcnosti pri hľadaní ženského ideálu. Téma materstva a ženskosti zaberá úžasné miesto v dielach V. Petrova-Vodkina. V diele „Matka“ umelec dosiahol úplné odhalenie témy. Jeho obraz je hymnou rodinného šťastia a svätosti lásky. V obraze matky cítime morálnu silu, čistotu a vznešenosť, objímajúc dieťa k sebe, pripomína Madonu.
Obraz „Naša Pani. Nežnosť zlých sŕdc“ napísal počas prvej svetovej vojny; ide o umelcovu emocionálnu reakciu na krvavé udalosti tých čias. Vytvoril vznešený a pietny obraz, ktorý je z hľadiska hĺbky svojho pôsobenia jedným z najmocnejších v jeho tvorbe.
Obraz ženy sa z éry na éru menil, no zachoval si hlavné trvalé črty: krása, neha, materstvo.
