Japoński nadruk ukiyo. Streszczenie „Cechy japońskiego grawerowania ukiyo-e i jego wpływ na malarstwo europejskie

Etymologia słowa „ukiyo” sięga buddyjskiego terminu oznaczającego
kruchość szybko zmieniającego się świata. Pojęcie „ukiyo” jest ogólnie blisko spokrewnione
Buddyjski światopogląd. W średniowiecznej literaturze i estetyce to
koncepcja oznaczała próżny, śmiertelny, smutny świat. W XV wieku otrzymał
świeckiej interpretacji zaczęto rozumieć jako „codzienny”.
rzeczywistość". W XVII wieku „ukiyo” zaczęło oznaczać świat
rozrywki i przyjemności, które mieszczanie mogli uzyskać w „zabawach
mieszkanie." To nie przypadek, że główny rodzaj dzieł sztuki
był okres Edo grawerowanie kolorem na drzewie - sztuka masowa,
reprodukowane i najbardziej znane.

Historia rozwoju grawerowania jest dynamiczna, jasna, jasno wszystko manifestuje
etapy kształtowania się światopoglądu Nowa era i ich charakterystykę
cechy postrzegania rzeczywistości. Podczas gdy inne gatunki
przechodzą ostatni rozkwit, pojawia się nowy gatunek krajobrazu dla Ukiyo-e
fukei-ga. Jego miejsce w druku ukiyo-e jest bardzo widoczne. Złożony i
wielostronny proces kształtowania przestrzeni w druku ukiyo-e
dokonane przede wszystkim w wyniku interakcji kultur zachodnich
i Wschód.

H a rysunki przedstawiają etapy prac nad ryciną Ukiyo-e.

W przeciwieństwie do grawerowania europejskiego autora - grawerowanie ukiyo-e było
wynikiem zbiorowej twórczości. Każda z jego sekcji miała swój własny
subtelność i wymagała wielkiej specjalizacji. Artysta malował w czerni i bieli
podstawa (shita-e) i oznaczono kolorystykę poszczególnych części rzeźbiarza
przeniósł obraz na tablicę, a drukarka odebrała kolory i przeniosła
obraz na papierze. Aby grawer stał się dziełem sztuki, tak było
potrzebna jest prawdziwa twórcza społeczność tych mistrzów. Malarz
musiał uwzględniać specyfikę pracy ślusarza, gdyż jakość żyłki, m.in
Ostatecznie zależało to od rzeźbiarza. Osiągnięcie wirtuozerii w pracy,
rzeźbiarze opracowali własne pismo odręczne, które w dużej mierze zdeterminowało
styl grawerowania. Przy dużym przepływie produktów rzeźbiarze współpracowali:
najbardziej doświadczeni tną twarze i fryzury, ich asystenci tną mniej
odpowiedzialne linie ubioru i ciała, a jak najbardziej prosta praca wykonane
praktykanci. Ogólna kolorystyka grawerowania w dużej mierze zależała od
drukarza, ponieważ zwykle artysta podążał tylko za pierwszym
wydruki. Ważna rola przypadła także wydawcy, który badał popyt i
określenie obiegu. Często to on wyznaczał temat ryciny i wywierał na nią wpływ
charakter publikacji, pełniąc rolę swego rodzaju mecenasa utalentowanych autorów.
Autorzy rycin otrzymywali zamówienia od wybranych wydawców
rzeźbiarzy i drukarzy. Prawo do publikacji ryciny należało do wydawcy;
ze względów komercyjnych poszczególne arkusze były czasami przedrukowywane i
nawet całe serie, często z pewnymi zmianami: można to było pominąć
nazwę serii, arkusz mógł zostać wydany w innym formacie. metoda zbiorowa
dzieła artysty, snycerza i drukarza, wąska specjalizacja mistrzów,
warsztatowa organizacja procesu decydowała o oryginalności drzeworytów japońskich.

Technicznie rzecz biorąc, japońskie odbitki to typografia.
Proces grawerowania przebiegał następująco. Artysta to zrobił
rysunek konturowy tusz na cienkim, prześwitującym papierze. Grawer wklejony
lekko zawilgocony rysunek przednią stroną na desce podłużnej
skaleczenie. Zwykle używano do tego drewna wiśniowego, czasem gruszy.
lub japoński bukszpan. Drzewa ścięto jesienią i pozostawiono, by leżały.
zimą, wiosną zostały wyjęte i trzymane przez dwa lata. Powierzchnia desek
obchodzić się bardzo ostrożnie. Powinna być taka gładka
tak, aby dwie deski stykały się ze sobą, gdy stykają się bez kleju.

Następnie grawer wyciął deskę do nadruku konturowego zgodnie z rysunkiem - „kluczem
deska”, z etykietą „kento” (na którą wpasowano wszystkie pozostałe klisze).
W tym samym czasie oryginał uległ zniszczeniu, tak niewiele zachowało się do dziś.
rysunki autora, które są najwyraźniej wstępne
szkice. Linie musiały być bardzo cienkie, nie więcej niż jedna trzecia grubości.
rysując linie, które nieuchronnie rozszerzały się podczas drukowania. Często
rzeźbiarze specjalizujący się w określonej dziedzinie,
na przykład na obrazie ludzi lub zwierząt.

Kiedy klucz
deska”, drukarz wykonał odbitki próbne i wysłał je do artysty, który
w przybliżeniu zarysowane kolorystycznie lub po prostu wpisane hieroglifami
nazwy kolorów obok każdego szczegółu obrazu. Dla każdego koloru
wycięto oddzielną deskę; wypukła etykieta w lewym górnym rogu
zapewnił możliwość dokładnego dopasowania koloru do konturu. Wysoko
ważny był wybór drewna; deski musiały mieć różne właściwości
w zależności od ich przeznaczenia: używano najtwardszego drewna
"klawiatura"; do nadruku tła wzięto najdelikatniejsze gatunki drewna.
Gdy wszystkie plansze były gotowe, praca przeszła w ręce drukarza. On
wykonane farby przy użyciu pigmentów roślinnych i mineralnych
pochodzenie. Farby roślinne przygotowano na kleju ryżowym,
mineralny - na tłuszcz zwierzęcy. Praca drukarza nie była mechaniczna -
zgodnie z ogólnymi wskazówkami artysty sam dobierał tony, regulował
intensywność koloru, więc z tego wizja artystyczna, na końcu
pod uwagę, zależała od dokładności wykonania intencji autora.

Fotografie wykonane przez drukarnię

Mistrz przymierza szablon, który mocuje się na kolcach włożonych w otwory wywiercone w płytce drukowanej.

Przygotowanie powierzchni – w tym miejscu nastąpi płynne przejście z ciemności do jasności.

Nakładanie farby.

Teraz szablon..

I tu następuje najważniejszy moment...

Lekko wilgotny arkusz papieru nałożony na planszę, mistrz wygładził specjalną
urządzenie w postaci okrągłej podkładki pokrytej gęstą skorupą
pęd bambusa (baran). Japończycy praktycznie nie znali prasy drukarskiej
aż do XIX wieku.

To jest jałowe.

Nagi w twardej dłoni)

Mistrz usuwa arkusz - okazało się, że pasek gradientu!
Teraz pozostaje powtórzyć tę operację z innymi kolorami))

Papier do grawerowania musiał być miękki, higroskopijny, gładki
powierzchni i z długimi, mocnymi włóknami. Została pocięta
ustalony standard; W Japonii akceptowane są następujące formaty druku
(w przybliżeniu): oban - 38x25 cm; oban-yokon - 25x38 cm; shikishiban -
20x18 cm; tu-ban - 30x20 cm.

Każdy arkusz posiada inskrypcje hieroglificzne - objaśnienia działek,
wierszy, imiona postaci i podpisy twórców ryciny. Podpisy są zwykle
składają się z nazwy i tradycyjnie dodawanego hieroglifu, który to wskazuje
jaką pracę wykonał sygnatariusz.

Oprócz napisów prawie każdy grawer ma kilka pieczęci. Oni są
dać cenne informacje o tym, kiedy pojawił się dany liść i kto
brał udział w jego tworzeniu. Z reguły znajdują się ryciny
następujące pieczęcie: pieczęć artysty, umieszczona bezpośrednio pod jego pieczęcią
podpis lub obok; arkusze pieczęci wydawcy,
różniące się jedynie pieczęciami wydawniczymi. To zjawisko może być
tłumaczy istniejąca praktyka odsprzedaży płyt przez jednego wydawcę
do innego. W tym przypadku nowi właściciele deski czasami odcinali pieczęć
starej oficynie i dodali swoją pieczęć z datą wydania ryciny i
pieczęć cenzora. Jednym z przejawów była kontrola nad grawerowaniem
kompleksowe regulacje rządu Tokugawy.
Od 1790 r. w celu zwalczania luksusu i upadku moralności
Rząd okresowo nakładał ograniczenia dotyczące przedmiotu i
techniki grawerowania. Oprócz nominalnych pieczęci cenzorów były notatki
„aratame” („sprawdzone”) lub „kiwame” („doskonałe”), umieszczone po
te uszczelki. Rozszyfrowanie pieczęci nie tylko pomaga ustalić
autentyczność grawerunku, ale także pozwala widzowi poczuć życie
atmosfera tworzenia arkuszy.

Wydruki ukiyo-e były publikowane w różnych formach: oraz w formie książkowej
ilustracje, książki artystyczne i pojedyncze arkusze, które często są
połączone w dyptyki, tryptyki i serie, a także w formie zwojów
szkice rodzajowe z życie teatralne(kabuki zoshi emaki). Ich
pojawiały się zawieszone w tokonomie lub zawieszone jako dekoracja na słupach nośnych
nawet specjalny format wąskich i długich rycin, który nazwano hasira-e
(powiesić na słupku, około 65x12 cm).

Według materiałów: sztuka światowa. Katsushika Hokusai. Seria
ryciny „36 widoków Fuji” i „100 widoków Fuji”. -SPb: SZKEO LLC
"Kryształ", 2006r. - 192 s., zł. Kompilatorem tekstu jest A. A. Ivanova.

Jak również materiały ze stron http://art.liim.ru i http://woodblock.com

Ukiyo-e to styl malarstwa japońskiego, który powstał pod koniec XVI wieku.

Historia rozwoju

Z języka japońskiego nazwa kierunku jest tłumaczona jako „pływający świat”. Początkowo słowo „ukiyo” było używane w buddyzmie i oznaczało kruchość bytu i codzienny smutek, a wraz z nadejściem okresu Edo w Japonii znaczenie tego słowa nabrało zupełnie innego znaczenia. Ta epoka przyniosła do kraju wielu zmiana społeczna: na przykład pojawiły się specjalnie wyznaczone miejsca w miastach, w których znajdowały się teatry Kabuki burdele. Wtedy słowo „ukiyo” zaczęło oznaczać ulotną przyjemność.

Za sławnego uważa się jednego z założycieli ukiyo-e japoński artysta Hisikawa Moronobu. Styl ukiyo-e to drzeworyty.

Początkowo ryciny były monochromatyczne, ponieważ do ich tworzenia używano tylko czarnego atramentu. Po kilku stuleciach artyści tego kierunku zaczęli dodawać wyrazistości rycinom, malując je kolorowymi farbami. W tym samym czasie Suzuki Harunobu opracował metodę drukowania wielokrotnego użytku, aby stworzyć nishiki-e, co przekłada się na „brokatowe obrazy”. Masowa produkcja grafik sprawiła, że ​​były one dostępne w sprzedaży dla wielu ludzi w Japonii, którzy do tego czasu nie mogli sobie pozwolić na luksus kupowania obrazów.

Tworzenie rycin

W powstaniu dzieła brało udział kilka osób: artysta plastyk, rytownik, snycerz i drukarz, z których każdemu przydzielono dużą rolę. Często prace były wykonywane na zamówienie, a ich liczba mogła być bardzo duża.

Kolejność tworzenia graweru:

1. Malarz kreśli zarys przyszłości na cienkim papierze.
2. Grawer nakleja ten szkic na drewnianą deskę i wycina pierwszą formę do nadruku.
3. Grawer wykonuje szereg nadruków na formie, aby wskazać przyszłe odcienie.
4. Rzeźbiarz wycina płyty drukarskie, które są wykonane dla określonych kolorów.
5. Drukarz, zgodnie z instrukcjami artysty, nakłada farbę na formy pożądany kolor i ręcznie drukuje je na papierze ryżowym.

Tworzenie graweru to bardzo długi i pracochłonny proces, który wymaga dużego nakładu pracy i umiejętności. Ostateczny wygląd obrazu zależał nie tylko od dobre szkice ale także z doświadczenia rytowników i rzeźbiarzy. Czasami do wytworzenia kolorowych obrazów potrzebnych było kilkanaście różnych kształtów.

Aktualizacja Ukiyo-e: 15 września 2017 r. przez: Cicha sympatia

Wprowadzenie

Każdego dnia świat szybko się zmienia, zmienia i wartości ludzkie.. Zrozumienie ludzkości jako całości jest możliwe tylko poprzez prześledzenie jej historii – od pierwszych państw – tzw. od społeczeństwa, w którym niewolnictwo było zjawiskiem normalnym, do powstania społeczeństwa obywatelskiego w czasach nowożytnych, które uznało demokrację praw jednostki za najwyższe wartości cywilizacyjne. Można rozważyć jeden z interesujących typów przedstawiania historii kreatywność artystyczna, czyli japońska grafika ukiyo-e, o której zresztą będzie mowa w moim eseju.

„…Żyj tylko chwilą, która jest Ci dana, ciesz się, podziwiając księżyc, kwitnące wiśnie, jesienne liście klony, śpiewając piosenki, pijąc wino i bawiąc się, nie przejmując się w najmniejszym stopniu biedą, która wyzywająco patrzy nam w twarz, bezmyślnie poddając się nurtowi, jak dynia, beznamiętnie ciągnięta przez nurt rzeki. To właśnie nazywamy ukiyo” – tak mówili mieszkańcy nowej stolicy Edo (od 1714 roku) i starej – Kioto.

Sztuka tego świata – „ukiyo”, a przede wszystkim grawerowanie – stała się odzwierciedleniem całego życia mieszczan, ich upodobań, zainteresowań, mód. W przeciwieństwie do średniowiecznego malarstwa arystokratycznego, drzeworyty były szeroko rozpowszechniane, niedrogie i naprawdę popularne. Opierał się na tradycji grafika książkowa, programy ulubionego teatru mieszczan - Kabuki, ale dopiero z nadejściem grafika sztalugowa(czyli w rozumieniu Japończyków – ryciny na osobnych arkuszach) zaczęła zyskiwać coraz większe znaczenie jako samodzielna forma sztuki.

I . Pochodzenie terminu „ukiyo-e”

Ukiyo-e jest jednym z nich najpopularniejsze style Japońska sztuka plastyczna okresu Edo (obecnie Tokio), to gatunek sztuki, reprezentowany głównie przez odbitki z drewnianych desek, opracowane na wczesne stadia Era Edo (1600 - 1868). Pojawił się w pierwszej połowie XVII wieku, w drugiej połowie XIX wieku. popadł w ruinę. Za okres rozkwitu ukiyo-e uważa się wiek XVIII. Ukiyo-e odniosło sukces w całej Japonii, a najbardziej charakterystyczne formy powstały we wzorach produkowanych w Edo od około 1680 do połowy lat pięćdziesiątych.

Termin „ukiyo”, zapożyczony z filozofii buddyjskiej, dosłownie oznacza „świat smutku” – tak nazywa się świat samsary, świat przemijających złudzeń, gdzie losem człowieka jest smutek, cierpienie, choroba i śmierć. Ten świat, z punktu widzenia tradycyjnie myślących Japończyków, jest równie iluzoryczny i przemijający jak sen, a jego mieszkańcy nie są bardziej realni niż stworzenia ze świata snów. W XVII wieku wyobrażenia o zmienności i iluzoryczności tego świata, po pewnym przemyśleniu na nowo, dały początek szczególnemu rodzajowi estetyki: nietrwałość bytu postrzegano nie tylko i nie tyle jako źródło cierpienia, ile raczej jako apel do przyjemności i przyjemności, jakie daje ta nietrwałość. Świat przemijających przyjemności również zaczęto nazywać ukiyo, tyle że zapisano go innym hieroglifem o tym samym dźwięku, dosłownie oznaczającym „unosić się”, „unosić się”. Ukiyo-e oznacza „obrazy unoszącego się świata”. Jest jeszcze inny odcień znaczenia: artyści, którzy pracowali w stylu ukiyo-e. zapoznali się z zasadami sztuka zachodnia i często wykorzystywali w swoich pracach znajomość praw perspektywy, co było nietypowe dla tradycyjnego malarstwa japońskiego, yamato-e („malarstwo japońskie”) czy kara-e („malarstwo chińskie”). Dlatego dla japońskich widzów, którzy są przyzwyczajeni do całkowicie płaskie obrazy, świat na obrazach ukiyo-e był postrzegany jako obszerny, „unoszący się” na powierzchni prześcieradła lub odwrotnie „tonący” w jego głębi.

Pod koniec XVII wieku Ukiyo zaczęło oznaczać świat ziemskich radości i przyjemności. Ukiyo-e to obrazy przedstawiające życie codzienne klasy miejskiej okresu Edo.

II . Historia rozwoju ukiyo-e

2.1 Ukiyo-e jako jeden z rezultatów rozwoju malarstwa japońskiego

Wszystkie style malarstwa japońskiego opierają się na kierunku kontynentalnym, który przybył z Chin i Korei, i czysto japońskim. Aż do X wieku dominował chiński kierunek, po czym się pojawił malarstwo japońskie- yamato-e, główni przedstawiciele tego kierunku wykonali w postaci ekranów i ekranów przesuwnych. Następnie, nieco później, pojawiają się długie obrazkowe zwoje emakimono, a także obrazy na osobnych arkuszach o formacie zbliżonym do krajobrazu. Do XIV wieku. Gatunek emakimono wymiera i jest zastępowany przez malarstwo tuszem w stylu Zen - sumi-e, które wykracza daleko poza tradycję klasztorną i staje się integralną częścią sztuki świeckiej. Do najważniejszych szkół malarstwa japońskiego okresu Edo należą szkoły Tosa i Rinpa, które specjalizowały się w rysowaniu obrazów w stylu yamato-e. W epoce Edo kwitły też inne dziedziny malarstwa: szkoły Maruyama-Shizeyo, Akita, Itoo itp. Popularny był też kierunek namban – dosłownie „południowy barbarzyńca” – jak Japończycy nazywali Europejczyków. Artyści, którzy pracowali w tym stylu, naśladowali Malarstwo zachodnie i wykorzystywali zachodnie tematy i prawa perspektywy na swój własny sposób. OD początek XVIII w. w modzie staje się styl bunjinga („malarstwo oświecone”) – artyści malujący w tym stylu szczególnie inspirowali się południowo-chińskim malarstwem z czasów dynastii Yuan, zwanym w Japonii nanga.

Ukiyo-e to jeden z najpopularniejszych stylów japońskiej sztuki plastycznej okresu Edo, pojawił się w pierwszej połowie XVII wieku. Z reguły ukiyo-e rozumiane jest jako malarstwo rodzajowe, a zwłaszcza rytownictwo.

2.2 Świat przedstawiony na „drzewie”

Technika drzeworytu, czyli drukowania z drewnianych desek, pojawiła się w Japonii już w okresie Heian (794-1185) wraz z rozprzestrzenianiem się buddyzmu. Technika drzeworytu została po raz pierwszy użyta do wykonania czarno-białych odbitek różnych świętych buddyjskich oraz do zilustrowania tekstu sutr.

DREWNOGRAFIA KOLOROWA JAPOŃSKA (drzeworyt) to wyjątkowe zjawisko w historii sztuki światowej. Japończycy zapożyczyli swoją technikę z Chin. Już od XIII wieku drukowano w Japonii małe buddyjskie ikony i amulety, ale wyroby te miały charakter rękodzielniczy.

Początek XVII wieku charakteryzujący się pojawieniem się ilustrowanych drzeworytów, wydawanych w masowych wydaniach. W tych wydaniach tekst i ilustracje były drukowane w kolorze czarnym.

Pierwsze ryciny sztalugowe były również czarno-białe, potem zaczęto je lekko barwić ręcznie cynobrem (tan-e), później ryciny barwiono ciemnoczerwoną farbą (beni-e) lub cieniowano czarną gęstą farbą, co tworzyło efekt czarnego lakieru (urushie-e). Pierwsze odbitki z użyciem czerwieni (benizuri-e) pojawiły się w r połowa osiemnastego w. Stopniowo zwiększała się liczba desek do druku kolorowego, aw 1765 roku pojawiły się pierwsze ryciny wielobarwne, które nazwano „obrazami brokatowymi” (nishiki-e).

Jako niezależna forma sztuki, grawerowanie ma swoją siedzibę ostatni krok średniowieczna historia Japonia - w okresie Tokugawa (1603-1868). Czas ten charakteryzuje się kształtowaniem się nowej kultury miejskiej, odzwierciedlającej gusta trzeciego i czwartego stanu – kupców i rzemieślników, którzy grali we wszystko. duża rola w ekonomicznym, a potem ok życie kulturalne kraj. W sztuce XVII-XIX wieku a nowy styl- ukiyo-e (dosłownie: obrazy unoszącego się świata) - kierunek sztuki miejskiej okresu Edo (1613-1868), do którego należy również grawerowanie. Jego Główny temat stały się codziennością samych mieszczan, ich codziennością i świętami.

Drzeworyty kolorowe są czasochłonne i wymagają udziału kilku specjalistów: artysty, który pisze szkic przyszłej ryciny; rzemieślnik, który „kończy” szkic do takiego stopnia szczegółowości, że można go wyciąć na deskę do drukowania; rzeźbiarz przenoszący obraz na podłużną deskę, z której dla każdego koloru wycinano oddzielną deskę; oraz drukarz, który drukuje ręcznie, bez użycia maszyny. Zwykle bardzo ważna była rola wydawcy, który nie tylko wykonywał ogólne kierownictwo i zajmował się sprzedażą, ale często był też autorem pomysłu na dzieło. Mógł być jeszcze jeden uczestnik – poeta, który skomponował wiersz towarzyszący rycinie, aw niektórych przypadkach występował jako kaligraf, kiedy własnoręcznie zapisywał swoje dzieło na szkicu.

Pojawił się w XVII wieku. w środowisku umacniającego się trzeciego stanu, mniej skrępowanego kanonami niż malarstwem, rytownictwo było najbardziej rozpowszechnioną i dostępną dla mieszczan formą sztuki.

Połowa lat 20. XIX wieku - początek lat 30. XIX wieku Drzeworyty japońskie to drzeworyty obrzynane. Klisze dla niej wykonano na podłużnym przekroju gruszy lub wiśni. Szkic artysty został nałożony na planszę, a wszystkie linie zostały obcięte z obu stron ostrym nożem. Jednocześnie gładkość wzoru włókien drzewnych nie mogła nie wpłynąć na jego liniową strukturę. Początkowo rycina była jednobarwna, a cała jej stosunkowo niewielka edycja była ręcznie barwiona, co nadawało pracom szczególnego uroku spontaniczności i ludzkiej roboty. Wczesny rozwój rytownictwa datuje się na lata 1680-1760.

Artyści ukiyo-e skupili się na mieszkańcach tego zmiennego świata ulotnych przyjemności: kochane panie z reguły słynne gejsze i kurtyzany (gatunek bijinga), aktorzy teatru kabuki, postrzegani w tamtej epoce jako męskie „kurtyzany” (gatunek yakusha-e), sceny erotyczne(tzw. shunga – „wiosenne obrazki”), sceny podziwiania piękna Zjawiska naturalne, święta i fajerwerki, „kwiaty i ptaki” (katega), a także słynne widoki naturalnych krajobrazów, ze względu na swoją malowniczą urodę, stały się miejscami pielgrzymek. Wraz z rozwojem kierunku ukiyo-e, zakres wycinka bycia przezeń odbijanym stale się poszerzał: pojawiało się wiele zdjęć ukiyo-e, ilustrujących słynne dzieła literackie, zwłaszcza Ise monogatari i Genji monogatari, a także kroniki wojskowe gunki monogatari; ostatecznie, zanim gatunek rozkwitł, obejmował dosłownie każdy aspekt codziennego życia wszystkich grup japońskiego społeczeństwa. Motyw ukiyo-e też był działki historyczne: obrazy słynnych samurajów (gatunek musya-e), zwłaszcza z epoki Sengoku Ji-dai, sceny walki, sceny rozlewu krwi przedstawione w bardzo naturalistyczny sposób, pożary i gaszenie ognia, a także świat duchów i demonów, fantastyczne groteski itp. Bardzo rozpowszechnione były piękne parodie, naśladujące wykwintny styl yamato-e: kurtyzany przedstawiano w szatach i pozach bodhisattwy Kannona lub szlachetne panie era Heian; Zen święty Daruma (Bodhidharma) - w stroju kurtyzany; popularne wśród ludu bóstwa – oddające się różnego rodzaju przyjemnościom.

Znów nie o wszystkim na raz, a konkretnie o rycinach ukiyo-e. piękne słowo, ale co to oznacza? Szanujemy specjalne strony. Na przykład encyklopedia Japonii od A do Z
- i dowiedzieć się, że:

techniką drzeworytu lub druk z desek drewnianych, pojawił się w Japonii w okresie Heian (794-1185) wraz z nadejściem buddyzmu. Początek XVII wieku charakteryzujący się pojawieniem się ilustrowanych drzeworytów, wydawanych w masowych wydaniach. W tych wydaniach tekst i ilustracje były drukowane w kolorze czarnym.

Pierwsze ryciny sztalugowe były również czarno-białe, potem zaczęto je lekko barwić ręcznie cynobrem (tan-e), później ryciny barwiono ciemnoczerwoną farbą (beni-e) lub cieniowano czarną gęstą farbą, co tworzyło efekt czarnego lakieru (urushie-e).

Pierwsze druki wykorzystujące kolor czerwony (benizuri-e) pojawiły się w połowie XVIII wieku. Stopniowo zwiększała się liczba desek do druku kolorowego, aw 1765 roku pojawiły się pierwsze ryciny wielobarwne, które nazwano „obrazami brokatowymi” (nishiki-e).

Ukiyo-e(co w dosłownym tłumaczeniu z japońskiego oznacza „obrazy świata śmiertelników”) pochłaniało filozoficzną kontemplację i emocjonalną pełnię zachwytu pełnią śmiertelnej egzystencji.

Pod względem technicznym sztuka ukiyo-e jest procesem złożonym, wymagającym najwyższego profesjonalizmu na wszystkich etapach wykonania. Ostateczny wynik praca zależała nie tylko od umiejętności artystów rysujących szkice, ale także od wirtuozowskich umiejętności rytowników i drukarzy. Aby stworzyć wielokolorowy obraz, konieczne było wygrawerowanie od dwóch do trzech do ośmiu desek. Druk został wykonany ręcznie, co pozwoliło na stworzenie malowniczego efektu półtonów. Deski były ręcznie malowane, polerowane, dmuchane złotym lub srebrnym proszkiem.

Japońskie grawerowanie stało się synonimem wyrafinowania i dobrego smaku. W koniec XIXw wieków druki ukiyo-e zyskały popularność na całym świecie, kolekcjonowali je Whistler, Manet, Degas, Goncourt, Zola. W Petersburgu pierwsza wystawa rycin ukiyo-e odbyła się w 1898 roku. Bogate kolekcje takich rycin istnieją m.in. Ermitaż państwowy i Kunstkamera.

Słowo „ukiyo” w starożytności oznaczało jedną z buddyjskich kategorii i można je przetłumaczyć jako „śmiertelny zmienny świat”. Pod koniec XVII wieku Ukiyo zaczęło oznaczać świat ziemskich radości i przyjemności. Ukiyo-e to obrazy przedstawiające życie codzienne klasy miejskiej okresu Edo.

Pojawił się w XVII wieku. w środowisku umacniającego się trzeciego stanu, mniej skrępowanego kanonami niż malarstwem, rytownictwo było najbardziej rozpowszechnioną i dostępną dla mieszczan formą sztuki. Tematami grafik ukiyo-e były często wątki opowieści gatunkowe ukiyo-zoshi, sztuki kabuki, klasyczne i poezja współczesna.
W procesie tworzenia ryciny ukiyo-e uczestniczył artysta, rzeźbiarz i drukarz. Ważną rolę odgrywał wydawca, który badał popyt i określał nakład. Często to on wyznaczał temat ryciny i wpływał na charakter publikacji.

Proces grawerowania przebiegał następująco. Malarz wykonał rysunek konturowy tuszem na cienkim, przezroczystym papierze. Grawer, po wklejeniu rysunku przednią stroną na deskę z wiśni, gruszy lub bukszpanu, wyciął pierwszą kliszę drukarską. Następnie wykonano kilka czarno-białych odbitek, na których artysta zaznaczył zamierzone kolory. Nóż wyprodukował wymaganą liczbę (czasami ponad trzydzieści) płyt drukarskich, z których każda odpowiadała jednemu kolorowi lub tonowi. Drukarka rozmawiając z artysta kolorów, nałożyła farbę pochodzenia roślinnego lub mineralnego i ręcznie wydrukowała grawerunek na mokrym papierze ryżowym.

Zbiorowa metoda pracy artysty, snycerza i drukarza, wąska specjalizacja mistrzów, warsztatowa organizacja procesu decydowały o oryginalności drzeworytów japońskich.

Założyciel kierunku jest brany pod uwagę Moronobu Hisikawa, Kitibe (ok. 1618 - ok. 1694; według innych źródeł 1625 - ok. 1694, 1638−1714), japoński malarz i grafik. Mieszkał w Edo. Jeszcze główni przedstawiciele ukiyo-e były Katsushika Hokusai, znany również jako twórca gatunku pejzażu w grafice japońskiej, Ando Hiroshige(1797-1858) to jeden z najwybitniejszych grafików japońskich.
Hiroshige urodził się w Edo w rodzinie drobnego samuraja Ando Ganemona. Dzięki wczesnemu szkoleniu w piśmie hieroglificznym Tokutaro (pierwszy imię dziecka artysta) był również dobrze zorientowany we właściwościach papieru, pędzla i tuszu - głównych materiałów malarstwa orientalnego.

Pierwszy obraz „Góra Fudżi w śniegu”, który przetrwał do dziś (Suntory Museum, Tokio), został namalowany przez artystę w wieku dziesięciu lat. Miał czternaście lat, kiedy został uczniem Toyohiro, założyciel szkoły Utagawa. U źródła wczesna praca Hiroszig - prawdziwe wydarzenie, sceny podglądane na ulicach.

Drugi etap twórczości zaznaczył się pojawieniem się rycin pejzażowych. Hiroshige przedstawia pierwszą serię Osiem widoków Omi, opublikowaną w 1825 roku, poświęconą pięknu jeziora Biwa, położonego w prowincji Omi, bez opuszczania Edo. Poświęcona jest kolejna seria „Dziesięć widoków wschodniej stolicy”, wydana dwa lata później rodzinne miasto artysta – Edo.

Następnie artysta całkowicie skupia swoją uwagę na pejzażach i seriach z gatunku katyoga („kwiaty i ptaki”). Jednym z najbardziej znanych jest arkusz „Wróble nad zaśnieżoną kamelią” z serii 25 rycin.

W sierpniu 1832 roku artysta przejechał całą wschodnią nadmorską drogę – Tokaido. Efektem tej podróży była wydana przez niego duża seria rycin pejzażowych Pięćdziesiąt trzy stacje drogi Tokaido, co zapoczątkowało rozkwit jego twórczości.
Kolejny okres twórczości Hiroshige znacznie różni się od poprzedniego. Często zmienia miejsce zamieszkania, odbywa wielokrotne, dość długie podróże po kraju, ale jednocześnie w ogóle nie tworzy dużych serii krajobrazowych. Większość czasu poświęca ilustrowaniu tomików poezji satyrycznej.

W Ostatnia dekada przez całe życie artysta nie rozstaje się ze swoimi ulubionymi motywami pejzaży Tokaido i Edo, przedstawiając je na osobnych rycinach, wachlarzach oraz w książkach. Hiroshige tworzy serię Trzydzieści sześć widoków góry Fuji. W tych samych latach artysta zwraca się ku obrazowi dziwacznych skał, jaskiń, wodospadów, wąwozów i przejść przez nie. Hiroshige nadał swojej ostatniej serii pejzaży, składającej się z trzech tryptyków, stary poetycki tytuł „Śnieg, księżyc, kwiaty”. W ciągu trzech ostatnie lata Za życia Hiroshige stopniowo pojawiały się ryciny z jego największej serii, Sto widoków Edo.

krajobrazy Hiroshige wraz z pracami Hokusai wykonał grawer ukiyo-e wiodąca forma sztuki pierwszej połowy XIX wieku.

Wiele prac Hiroshige i Hokusai i innych różni autorzy Możesz to sprawdzić na stronie internetowej Ukiyoe Japanese Prints Ale bądź ostrożny, jest 9 galerii sztuki po 500 sztuk w każdej. Możesz zostać na dłużej!

Założycielem ukiyo-e jest japoński malarz i grafik Hisikawa Moronobu.

Początkowo ryciny były czarno-białe – używano wyłącznie tuszu, od początku XVIII wieku niektóre prace malowano następnie ręcznie pędzlem. W XVIII wieku Suzuki Harunobu wprowadził technikę druku wielokolorowego do wykonywania nishiki-e („brokatowych obrazów”).

Wydruki Ukiyo-e były niedrogie ze względu na ich możliwości masowej produkcji. Przeznaczone były głównie dla mieszkańców miast, których nie było stać na wydawanie pieniędzy na obrazy. Ukiyo-e charakteryzuje się obrazami życie codzienne zgodne z literaturą miejską tego okresu. Ryciny przedstawiały piękne gejsze ( bijin-ga), masowi zapaśnicy sumo i popularni aktorzy teatru kabuki ( yakusha-e). Później popularne stało się grawerowanie krajobrazu.

Historia

Styl ukiyo-e powstał w wyniku urbanizacji pod koniec XVI wieku, która doprowadziła do powstania klasy kupców i drobnych rzemieślników, którzy zaczęli pisać opowiadania lub powieści i ozdabiać je rysunkami. Takie zbiory nazywano echon(jap. 絵本 - książka obrazkowa?). Jednym z przykładów takiej sztuki jest wydanie Ise-monogatari (Opowieść o Ise) z 1608 roku autorstwa Honami Koetsu. W takich książkach szeroko wykorzystywano ukiyo-e jako ilustracje. Później ryciny zaczęto drukować jako samodzielne prace - kakemono(jap.掛け物 - zwój z obrazkiem lub powiedzeniem?) oraz plakaty do teatru kabuki.

Proces tworzenia

Wytnij kliszę drukarską

Do stworzenia ukiyo-e potrzebny był artysta, rzeźbiarz i drukarz. Ukiyo-e zostały wykonane w następujący sposób. Artysta wykonał tuszem pierwowzór ryciny na cienkim papierze, rzeźbiarz naklejał ten rysunek zadrukowaną stroną do dołu na desce z wiśni, gruszy lub bukszpanu i wycinał z niego obszary, na których papier był biały, uzyskując w ten sposób pierwszą formę drukarską , ale niszcząc sam rysunek. Następnie wykonano kilka czarno-białych odbitek, na których artysta zaznaczył zamierzone kolory. Rzeźbiarz wykonał wymaganą liczbę (czasami ponad trzydzieści) klisz drukarskich, z których każda odpowiadała jednemu kolorowi lub tonowi. Drukarz, po omówieniu kolorystyki z artystą, nakładał na powstały zestaw form farbę pochodzenia roślinnego lub mineralnego i ręcznie odciskał rycinę na mokrym papierze ryżowym.

Znani artyści

• Hisikawa Moronobu
• Torii Kiyonaga
• Kunitika
• Kunisida
• Toshusai Shyaraku
• Toyokuni

Notatki

Spinki do mankietów

• Obrazy nieuchwytnego świata - ukiyo-e - artykuł Galiny Szczedriny na stronie Artgalery.ru

Literatura

• A. Savelyeva Sztuka świata. mistrzowie Grawerowanie japońskie. - "Kryształ", 2007r. - 208 s. - 10 000 egzemplarzy. - ISBN 5-9603-0033-8
• MV Uspienski Grawerowanie japońskie. - Petersburg: "Aurora", "Bursztynowa opowieść", 2004. - 64 s. - („Biblioteka Aurory”). - 5000 egzemplarzy. - ISBN 5-7300-0699-3

Fundacja Wikimedia. 2010 .

Zobacz, co „Ukiyo-e” znajduje się w innych słownikach:

- (Japońskie obrazy świata codziennego) szkoła malarstwa i drzeworytu japońskiego XVII-XIX wieku. Odziedziczone tradycje Malarstwo rodzajowe XV-XVI wiek Wyróżnia się wątkami demokratycznymi, współbrzmiącymi z literaturą miejską okresu Edo (pocz. XVII 2 poł. XIX w.). ... ... Duży słownik encyklopedyczny

Ukiyo-e- Ukiyo e UKIYO E (japońskie obrazy świata codziennego), szkoła japońskiego malarstwa i drzeworytu (XVII-XIX w.). Ukiyo-e charakteryzują portrety aktorów i piękności z „ zabawne dzielnice”, opowieści z życia codziennego, współbrzmiące z literaturą miejską ... ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

- (Japońskie obrazy świata codziennego), nurt w malarstwie i drzeworycie japońskim XVII i XIX wieku, odzwierciedlający demokratyczne trendy w sztuce, które powstały w związku z gwałtownym rozwojem życia miejskiego. Rozpowszechniajcie otrzymane historie z życia…… słownik encyklopedyczny

- (Hishikawa Moronobu), japoński artysta, najsłynniejszy mistrz ukiyo e (patrz UKIIE E) wczesny okres. Syn słynny mistrz tkaniny dekoracyjne od Hisikawa Kichizaemon. Po… … słownik encyklopedyczny

- (1753/1754 1806), japoński mistrz drzeworytów barwnych i malarz. Przedstawiciel szkoły ukiyo e. Portret i gatunek wybitnie poetycki kobiece obrazy, stworzony płynnie płynącą linią, z wykorzystaniem pudru mikowego, dający efekt…… słownik encyklopedyczny

- (1760 1849), japoński malarz i rysownik, mistrz drzeworytów kolorowych. Przedstawiciel Ukiyo-e Głównie prace graficzne(seria „36 widoków na górę Fuji”, 1823 29, „Podróż przez wodospady różnych prowincji”, 1827 33), ... ... słownik encyklopedyczny

- (Suzuki Harunobu) (1725?, Edo, obecnie Tokio, 8 lipca 1770, tamże), japoński artysta, mistrz ukiyo e (patrz UKIIE E). Niewiele wiadomo o jego życiu (podobnie jak o życiu większości mistrzów ukiyo-e), ale jego miejsce w historii sztuka japońska jasno zdefiniowane... słownik encyklopedyczny

- (Japońskie obrazy świata codziennego), szkoła malarstwa i drzeworytu japońskiego (XVII-XIX w.). Ukiye e charakteryzują portrety aktorów i piękności z pogodnych okolic, sceny z życia codziennego, współbrzmiące z literaturą miejską początku 17 2 ... ... Współczesna encyklopedia