Monochromatyczne malarstwo Japonii jest jednym z unikalnych fenomenów sztuki Wschodu. Poświęcono mu wiele prac i opracowań, ale często postrzega się go jako rzecz bardzo warunkową, a czasem nawet dekoracyjną. Tak nie jest.Świat duchowy japońskiego artysty jest bardzo bogaty i dba on nie tyle o komponent estetyczny, ile o duchowy. Sztuka Wschodu jest syntezą tego, co zewnętrzne i wewnętrzne, jawne i ukryte.
W tym poście chciałbym zwrócić uwagę nie na historię malarstwa monochromatycznego, ale na jego istotę. Zostanie to omówione.
Parawan „Sosna” Hasegawa Tohaku, 1593.
To, co widzimy w obrazach monochromatycznych, jest efektem interakcji artysty z sosnową triadą: papier, pędzel, tusz. Dlatego, aby właściwie zrozumieć dzieło, trzeba zrozumieć samego artystę i jego postawę.
„Krajobraz” Sesshu, 1398
Papier dla japońskiego mistrza to nie tylko materiał pod ręką, który podporządkowuje swoim kaprysom, ale wręcz przeciwnie, jest to „brat”, dlatego stosunek do niego odpowiednio się rozwinął. Papier jest częścią otaczającej przyrody, którą Japończycy zawsze traktowali z szacunkiem i starali się jej nie podporządkowywać, ale pokojowo z nią współistnieć. Papier to w przeszłości drzewo, które rosło na pewnym obszarze, określony czas, „zobaczyła” coś wokół siebie i zachowuje to wszystko. Tak postrzega materiał japoński artysta. Często mistrzowie przed rozpoczęciem pracy długo patrzyli na czysty arkusz(zamyślił się) i dopiero potem przystąpił do malowania. Nawet dzisiaj współcześni japońscy artyści, którzy uprawiają Nihon-ga (tradycyjne malarstwo japońskie), starannie dobierają papier. Kupują go na zamówienie z papierni. Dla każdego artysty pewna grubość, przepuszczalność wilgoci i faktura (wielu artystów zawiera nawet umowę z właścicielem fabryki, aby nie sprzedawać tego papieru innym artystom) - dlatego każdy obraz postrzegany jest jako coś wyjątkowego i żywego.
„Czytanie w bambusowym gaju” Shubun, 1446.
Mówiąc o znaczeniu tego materiału, warto wspomnieć o takim znane pomniki Literatura japońska, taka jak „Notatki przy wezgłowiu” Sei Shonagona i „Genji Monogotari” Murasaki Shikibu: zarówno w „Notatkach”, jak i „Genji” można znaleźć sceny, w których dworzanie lub kochankowie wymieniają wiadomości. Papier, na którym spisano te orędzia, miał odpowiednią porę roku, odcień, a sposób pisania tekstu odpowiadał jego fakturze.
„Murasaki Shikibu w świątyni Ishiyama” Kyosen
Szczotka- drugi składnik to kontynuacja ręki mistrza (znowu jest to materiał naturalny). Dlatego też pędzle były wykonywane na zamówienie, ale najczęściej przez samego artystę. Wybrał włosy o wymaganej długości, wybrał rozmiar pędzla i najwygodniejszą rączkę. Mistrz pisze tylko własnym pędzlem i żadnym innym. (Z własnego doświadczenia: byłem na kursie mistrzowskim chińskiego artysty Jiang Shiluna, publiczność została poproszona o pokazanie, co potrafią jego uczniowie obecni na kursie mistrzowskim, a każdy z nich, biorąc pędzel mistrza, powiedział, że okaże się nie tak, jak się tego spodziewali, ponieważ pędzel nie jest ich, nie są do niego przyzwyczajeni i nie wiedzą, jak prawidłowo go używać).
Szkic tuszem „Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai
atrament jest trzecim ważnym elementem. Tusz do rzęs może być różnego rodzaju: po wyschnięciu może dawać błyszczący lub matowy efekt, można go mieszać ze srebrnymi lub ochrowymi odcieniami, więc odpowiedni dobór tuszu do rzęs również nie jest bez znaczenia.
Yamamoto Baitsu, koniec 18- XIX wiek.
Głównymi tematami malarstwa monochromatycznego są pejzaże. Dlaczego nie mają koloru?
Podwójny ekran „Pines”, Hasegawa Tohaku
Po pierwsze, japońskiego artysty nie interesuje przedmiot sam w sobie, ale jego istota, pewien składnik wspólny dla wszystkich istot żywych i prowadzący do harmonii między człowiekiem a naturą. Dlatego obraz jest zawsze wskazówką, jest skierowany do naszych uczuć, a nie do wzroku. Niedopowiedzenie jest bodźcem do dialogu, a co za tym idzie połączenia. Linie i plamy są ważne na obrazie - tworzą się język artystyczny. To nie jest dowolność mistrza, który tam, gdzie chciał, zostawił tam tłusty ślad, aw innym miejscu wręcz przeciwnie, nie rysował dobrze - na obrazie wszystko ma swoje znaczenie i znaczenie i nie niesie losowa postać.
Po drugie, kolor zawsze niesie ze sobą jakąś konotację emocjonalną i jest różnie postrzegany przez różnych ludzi w różnych stanach, więc neutralność emocjonalna pozwala widzowi najwłaściwiej wejść w dialog, ustawić go do percepcji, kontemplacji, myślenia.
Po trzecie, jest to interakcja yin i yang, każdy obraz monochromatyczny jest harmonijny pod względem proporcji atramentu i nietkniętego obszaru papieru.
Dlaczego większość obszar papieru nie jest używany?
„Krajobraz” Syubun, połowa XV wieku.
Po pierwsze, pustka przestrzeni pogrąża widza w obrazie; po drugie, obraz powstaje tak, jakby unosił się na chwilę na powierzchni i zaraz miał zniknąć – jest to związane ze światopoglądem i światopoglądem; po trzecie, tam gdzie nie ma tuszu, na pierwszy plan wysuwa się faktura i odcień papieru (nie zawsze widać to na reprodukcjach, ale w rzeczywistości zawsze jest to interakcja dwóch materiałów – papieru i tuszu).
Sesszu, 1446
Dlaczego krajobraz?
„Kontemplacja wodospadu” Gayami, 1478
Według japońskiego światopoglądu natura jest doskonalsza od człowieka, więc musi się od niej uczyć, chronić ją na wszelkie możliwe sposoby, a nie niszczyć czy podporządkowywać. Dlatego w wielu pejzażach można zobaczyć małe wizerunki ludzi, ale zawsze są one nieistotne, małe w stosunku do samego krajobrazu, lub wizerunki chat, które wpasowują się w przestrzeń wokół nich i nawet nie zawsze są zauważalne – to wszystko są symbole światopogląd.
„Pory roku: jesień i zima” Sesshu. „Krajobraz” Sesshu, 1481
Podsumowując, chcę powiedzieć, że japońskie malarstwo monochromatyczne nie jest przypadkowo rozchlapanym atramentem, nie jest kaprysem wewnętrznego ego artysty - to cały system obrazów i symboli, jest skarbnicą myśli filozoficznej, a co najważniejsze, sposobem komunikacji i harmonizacji siebie i otaczającego świata.
Tu, jak sądzę, znajdują się odpowiedzi na główne pytania, jakie stawia widz w konfrontacji z monochromatycznym malarstwem japońskim. Mam nadzieję, że pomogą ci to jak najlepiej zrozumieć i dostrzec podczas spotkania.
Malarstwo japońskie jest jednym z najpiękniejszych na świecie.
Malarstwo japońskie jest jednym z najstarszych i najstarszych niesamowite widoki kreatywność. Jak każdy inny, ma swoją długą historię, którą można podzielić na kilka okresów w zależności od technik i cech. Wspólna dla wszystkich okresów jest przyroda, której na obrazach przyznano główne miejsce. Na drugim miejscu pod względem popularności w sztukach pięknych Japonii znajdują się sceny domowe z życia.
Yamato
Yamato(VI-VII w.) - pierwszy okres sztuki japońskiej, który położył podwaliny pod pisanie. Impulsem do rozwoju sztuki były osiągnięcia Chin w dziedzinie religii i pisarstwa. Japonia rzuciła się, by wznieść się na jego poziom, dokonując zmian w swojej strukturze i budując wszystko na podobieństwo Chin. W celu rozwoju malarstwa przywieziono do Japonii ogromną liczbę dzieł chińskich mistrzów, co zainspirowało Japończyków, którzy odważnie rzucili się do tworzenia podobne obrazy.
Malowidło w grobowcu Takamatsuzuka
Ten okres składa się z dwóch okresów podrzędnych:
- Kofun- okres sztuki japońskiej, zajmujący pierwszą połowę Yamato. Nazwa okresu jest tłumaczona jako „okres kurhanów”. W tamtych czasach rzeczywiście duża rola przypisane do kopców, tworząc je wszędzie.
- Asuka- druga część ery Yamato. Okres został nazwany na cześć politycznego centrum kraju, które było aktywne w tych latach. Wiąże się to z pojawieniem się buddyzmu w Japonii, aw przyszłości z aktywnym rozwojem wszystkich obszarów kulturowych.
Nara
Pochodzący z Chin buddyzm aktywnie rozprzestrzeniał się w Japonii, co przyczyniło się do pojawienia się w sztuce wątków religijnych. Japońscy artyści, porwani tym tematem, malowali ściany świątyń, które tworzyły wpływowe osobistości. Do dziś w świątyni Horyu-ji zachowały się malowidła ścienne z tego okresu.
Azuchi-Momoyama
Ten okres jest dokładnym przeciwieństwem swojego poprzednika. Mrok i monochromia znikają z prac, ustępując miejsca jaskrawym kolorom oraz zastosowaniu w obrazach złota i srebra.
Cyprys. Ekran. Kano Eitoku.
Meiji
W XIX wieku rozpoczął się podział malarstwa japońskiego na style tradycyjne i europejskie, które energicznie ze sobą konkurowały. W tym okresie w Japonii nastąpiły ogromne zmiany polityczne. Wpływ Europy w tamtych latach dotknął prawie każdy zakątek planety, wprowadzając własne cechy do każdego państwa. styl europejski sztuka była aktywnie wspierana przez władze, odrzucające dawne tradycje. Ale wkrótce podniecenie wokół Malarstwo zachodnie szybko opadło, a zainteresowanie sztuką tradycyjną gwałtownie powróciło.
Rozwój malarstwa japońskiego aktualizacja: 15 września 2017 r. przez: Cicha sympatia
Japońskie malarstwo klasyczne ma długą i długą historię ciekawa historia. Sztuki wizualne Japonii są reprezentowane w różne style i gatunków, z których każdy jest wyjątkowy na swój sposób. Starożytne malowane figurki i motywy geometryczne znalezione na dzwonach z brązu dotaku i odłamkach ceramiki pochodzą z 300 rne.
Buddyjska orientacja sztuki
W Japonii sztuka malowania ścian była dość dobrze rozwinięta, w VI wieku szczególnie popularne były obrazy na temat filozofii buddyzmu. W tym czasie w kraju budowano duże świątynie, a ich ściany były wszędzie ozdobione freskami namalowanymi według wątków buddyjskich mitów i legend. Do tej pory w świątyni Horyuji w pobliżu japońskiego miasta Nara zachowały się starożytne próbki malowideł ściennych. Freski Horyuji przedstawiają sceny z życia Buddy i innych bogów. Styl artystyczny tych fresków jest bardzo zbliżony do koncepcji malarskiej popularnej w Chinach w czasach dynastii Song.
Malowniczy styl dynastii Tang zyskał szczególną popularność w połowie okresu Nara. Freski znalezione w grobowcu Takamatsuzuki pochodzą z tego okresu i datowane są na około VII wiek naszej ery. Technika artystyczna, która ukształtowała się pod wpływem dynastii Tang, stała się później podstawą gatunku malarstwa kara-e. Gatunek ten zachował swoją popularność aż do pojawienia się pierwszych dzieł w stylu yamato-e. Większość fresków i arcydzieł malarskich jest dziełem nieznanych artystów, dziś wiele dzieł z tego okresu znajduje się w skarbcu Sesoin.
Rosnący wpływ nowych szkół buddyjskich, takich jak Tendai, wpłynął na szerokie religijne ukierunkowanie japońskich sztuk wizualnych w VIII i IX wieku. W X wieku, w którym nastąpił szczególny postęp buddyzm japoński, gatunek raigōzu, pojawiły się „obrazy powitalne”, które przedstawiały przybycie Buddy do zachodniego raju. Wczesne przykłady raigozu z 1053 roku można zobaczyć w świątyni Bedo-in, która jest zachowana w mieście Uji w prefekturze Kioto.
Zmiana stylów
W środku okresu Heian do wymiany chiński styl kara-e to gatunek yamato-e, który na długi czas staje się jednym z najbardziej popularnych i poszukiwanych gatunków malarstwa japońskiego. Nowy styl malarski stosowany głównie w malowaniu ekranów składanych i drzwi przesuwnych. Z czasem yamato-e przeszło na poziome zwoje emakimono. Artyści, którzy pracowali w gatunku emaki, starali się przekazać w swoich pracach całą emocjonalność wybranej fabuły. Zwój Genji monogatari składał się z kilku połączonych ze sobą epizodów, ówcześni artyści używali szybkich pociągnięć i jasnych, wyrazistych kolorów.
E-maki to jeden z najstarszych i najwybitniejszych przykładów malarstwa otoko-e. portrety męskie. Portrety kobiet podświetlony w odrębny gatunek onna-e. W rzeczywistości między tymi gatunkami, a także między mężczyznami i kobietami, istnieją dość znaczące różnice. Styl onna-e jest barwnie przedstawiony w projekcie Tale of Genji, gdzie głównymi tematami rysunków są romantyczne działki, sceny z życia dworskiego. Dominuje męski styl otoko-e obraz artystyczny historyczne bitwy i inne ważne wydarzenia z życia imperium.
Klasyczna japońska szkoła artystyczna stała się podatnym gruntem dla rozwoju i promocji idei. Sztuka współczesna Japonia, która wyraźnie pokazuje wpływy popkultury i anime. Jednym z najsłynniejszych japońskich artystów naszych czasów jest Takashi Murakami, którego twórczość poświęcona jest przedstawianiu scen z życia Japończyków w okresie powojennym oraz koncepcji maksymalnej fuzji sztuki i głównego nurtu.
Od znanych japońskich artystów szkoła klasyczna można nazwać następujące.
Napięty Shubun
Shubun pracował na początku XV wieku, poświęcając wiele czasu na studiowanie dzieł chińskich mistrzów epoki dynastii Song, człowiek ten stał u początków japońskiego fajny gatunek. Shubun jest uważany za twórcę sumi-e, monochromatycznego malarstwa tuszem. Dołożył wielu starań, aby spopularyzować nowy gatunek, czyniąc z niego jeden z wiodących nurtów w malarstwie japońskim. Uczniami Shubuna było wielu artystów, którzy później stali się sławni, w tym Sesshu i założyciel słynnej szkoły artystycznej Kano Masanobu. Shubunowi przypisywano wiele krajobrazów, ale jego najsłynniejsze dzieło jest tradycyjnie uważane za Czytanie w bambusowym gaju.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin to jeden z największych artystów w historii malarstwa japońskiego, założyciel i jeden z najjaśniejszych przedstawicieli stylu rimpa. Korin odważnie odszedł w swoich pracach od tradycyjnych stereotypów, tworząc własne własny styl, którego głównymi cechami były małe formy i żywy impresjonizm fabuły. Korin jest znany ze swojej szczególnej umiejętności przedstawiania natury i pracy z abstrakcyjnymi kompozycjami kolorystycznymi. „Czerwony i biały kwiat śliwy” to jedno z najsłynniejszych dzieł Ogaty Korina, znane są także jego obrazy „Chryzantemy”, „Fale Matsushimy” i wiele innych.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku jest założycielem japońskiej szkoły artystycznej Hasegawa. Do wczesny okres Prace Tohaku charakteryzują się wpływami słynnej szkoły malarstwa japońskiego 
Kano, ale z czasem artysta wykształcił swój własny, niepowtarzalny styl. Pod wieloma względami na twórczość Tohaku wpływ miała praca uznanego mistrza Sesshu, Hosegawa uważał się nawet za piątego następcę tego wielkiego mistrza. Otrzymał obraz Hasegawy Tohaku „Sosny”. światowa sława, jego prace „Klon”, „Sosny i rośliny kwitnące" inny.
Kano Eitoku (1543-1590)
Styl szkoły Kanō dominował w sztukach pięknych Japonii przez około cztery wieki, a Kanō Eitoku jest prawdopodobnie jednym z najbardziej znanych i wybitni przedstawiciele tę szkołę plastyczną. Eitoku był faworyzowany przez władze, mecenat arystokratów i zamożnych mecenasów nie mógł nie przyczynić się do umocnienia jego szkoły i popularności dzieł tego niewątpliwie bardzo utalentowanego artysty. Ośmiopanelowy przesuwany parawan „Cypress”, namalowany przez Eitoku Kano, to prawdziwe arcydzieło i pierwszorzędny przykład zakres i moc stylu Monoyama. Nie mniej interesujące są inne prace mistrza, takie jak „Ptaki i drzewa czterech pór roku”, „Chińskie lwy”, „Pustelnicy i wróżka” i wiele innych.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai- największy mistrz ukiyo-e (drzeworyt japoński). Otrzymano dzieło Hokusai światowe uznanie, jego sława w innych krajach nie jest porównywalna z popularnością większości azjatyckich artystów, jego twórczość” Wielka fala w Kanagawie” stał się czymś w rodzaju wizytówka Japońskie sztuki piękne na światowej scenie artystycznej. Hokusai na swojej drodze twórczej posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami, po sześćdziesiątce artysta poświęcił się całkowicie sztuce i właśnie ten czas uważany jest za najbardziej owocny okres w jego twórczości. Prace Hokusai wywarły wpływ na twórczość zachodnich mistrzów impresjonizmu i postimpresjonizmu, w tym na twórczość Renoira, Moneta i van Gogha.
Ma bardzo bogata historia; jego tradycja jest rozległa, a wyjątkowa pozycja Japonii na świecie w dużej mierze wpływa na dominujące style i techniki japońskich artystów. Znany fakt To, że Japonia była dość odizolowana przez wieki, wynika nie tylko z geografii, ale także z dominującej japońskiej kulturowej skłonności do izolacji, która naznaczyła historię tego kraju. W ciągu wieków tego, co moglibyśmy nazwać „cywilizacją japońską”, kultura i sztuka rozwijały się niezależnie od reszty świata. Jest to nawet zauważalne w praktyce malarstwa japońskiego. Na przykład obrazy Nihonga należą do podstawowych elementów japońskiej praktyki malarskiej. Opiera się na ponad tysiącletniej tradycji, a obrazy powstają zwykle pędzlami na twoim (papier japoński) lub eginie (jedwab).
Jednak japońska sztuka i malarstwo były pod wpływem obcych praktyki artystyczne. Po pierwsze, była to sztuka chińska w XVI wieku i malarstwo chińskie chińska tradycja sztuka, która miała szczególny wpływ w kilku aspektach. Od XVII wieku malarstwo japońskie też był pod wpływem zachodnie tradycje. W szczególności w okresie przedwojennym, który trwał od 1868 do 1945 roku, na malarstwo japońskie wpłynął impresjonizm i europejski romantyzm. W tym samym czasie na nowe europejskie ruchy artystyczne znaczący wpływ wywarli także Japończycy techniki artystyczne. W historii sztuki wpływ ten nazywany jest „japoństwem” i ma szczególne znaczenie dla impresjonistów, kubistów oraz artystów związanych z modernizmem.
Długa historia Malarstwo japońskie można postrzegać jako syntezę kilku tradycji, które tworzą części uznawane estetyka japońska. Przede wszystkim sztuka buddyjska i metody malarskie, a także malarstwo religijne pozostawiła znaczący ślad w estetyce malarstwa japońskiego; akwarelowe malowanie pejzaży w tradycji chińskiego malarstwa literackiego to kolejny ważny element rozpoznany w wielu słynnych obrazach japońskich; malarstwo zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów, jest tym, co powszechnie kojarzone jest z kompozycjami japońskimi, podobnie jak pejzaże i sceny z Życie codzienne. Wreszcie starożytne idee piękna z filozofii i kultury miały wielki wpływ na malarstwo japońskie. starożytna Japonia. Wabi, czyli ulotne i surowe piękno, sabi (piękno naturalnej patyny i postarzania) oraz yugen (głęboki wdzięk i subtelność) wciąż wpływają na ideały w praktyce malarstwa japońskiego.
Na koniec, jeśli skupimy się na wyborze dziesięciu najsłynniejszych japońskich arcydzieł, nie sposób nie wspomnieć o ukiyo-e, które jest jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki w Japonii, mimo że należy do grafiki warsztatowej. Dominował w sztuka japońska XVII – XIX wieku, natomiast artyści należący do tego gatunku tworzyli drzeworyty i obrazy z przedmiotami takimi jak piękne dziewczyny, aktorów kabuki i zapaśników sumo, a także sceny z historii i baśni ludowych, sceny i pejzaże z podróży, florę i faunę, a nawet erotykę.
Zawsze trudno jest sporządzić listę najlepszych obrazów z tradycji artystycznych. Wiele niesamowitych prac zostanie wykluczonych; jednak na tej liście znajduje się dziesięć najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów na świecie. W niniejszym artykule zaprezentowane zostaną wyłącznie obrazy powstałe od XIX wieku do współczesności.
Malarstwo japońskie ma niezwykle bogatą historię. Przez wieki japońscy artyści opracował wiele unikalnych technik i stylów, które są najcenniejszym wkładem Japonii w świat sztuki. Jedną z takich technik jest sumi-e. Sumi-e dosłownie oznacza „rysunek tuszem”, łącząc kaligrafię i malarstwo tuszem, tworząc rzadkie piękno kompozycji malowanych pędzlem. To piękno jest paradoksalne - starożytne, ale nowoczesne, proste, ale złożone, odważne, ale stonowane, niewątpliwie odzwierciedlające duchowe podstawy sztuki buddyzmu zen. Kapłani buddyjscy przywieźli do Japonii blok z twardym atramentem i pędzle bambusowe z Chin w VI wieku, aw ciągu ostatnich 14 stuleci Japonia rozwinęła bogate dziedzictwo malarstwa tuszem.
Przewiń w dół i zobacz 10 arcydzieł malarstwa japońskiego
1. Katsushika Hokusai „Sen żony rybaka”
Jednym z najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów jest Sen żony rybaka. Został napisany w 1814 r sławny artysta Hokusai. Według ścisłych definicji to znakomita robota Hokusai nie można uznać za obraz, ponieważ jest to drzeworyt ukiyo-e z Young Pines (Kinoe no Komatsu), czyli trzytomowej książki shunga. Kompozycja przedstawia młodego nurka ama splecionego seksualnie z parą ośmiornic. Ten obraz był bardzo wpływowy w XIX i XX wieku. Praca wpłynęła na więcej późni artyści takich jak Felicien Rops, Auguste Rodin, Luis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro pisze nostalgiczny wiersz, obserwując księżyc”
Tessai Tomioka to pseudonim znanego japońskiego artysty i kaligrafa. Uważany jest za ostatniego wielkiego artystę w tradycji bungjing i jednego z pierwszych główni artyści Styl Nihongi. Bunjinga była szkołą malarstwa japońskiego, która rozkwitła w późnym okresie Edo wśród artystów uważających się za literatów lub intelektualistów. Każdy z tych artystów, w tym Tessaia, rozwinął własny styl i technikę, ale wszyscy byli wielkimi fanami chińskiej sztuki i kultury.
3. Fujishima Takeji „Wschód słońca nad Morzem Wschodnim”
Fujishima Takeji był japońskim artystą znanym z pracy nad rozwojem romantyzmu i impresjonizmu w ruchu artystycznym jogi (w stylu zachodnim) końca XIX i początku XX wieku. W 1905 wyjechał do Francji, gdzie był pod wpływem ówczesnych ruchów francuskich, w szczególności impresjonizmu, co widać na jego obrazie „Wschód słońca nad Wschodnie Morze", który został napisany w 1932 r.
4. Kitagawa Utamaro „Dziesięć typów kobiecych twarzy, kolekcja dominujących piękności”
Kitagawa Utamaro był wybitnym japońskim artystą, który urodził się w 1753 roku i zmarł w 1806 roku. Zdecydowanie najbardziej znany jest z serii The Ten Types kobiece twarze. Kolekcja rządzących piękności, motywy Wielka miłość Poezja klasyczna” (czasami nazywana „Zakochane kobiety”, zawierająca oddzielne ryciny „Naga miłość” i „Miłość zamyślona”). Jest jednym z najwybitniejszych twórców nurtu drzeworytniczego ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tygrys”
Kawanabe Kyosai był jednym z najbardziej znanych japońskich artystów okresu Edo. Na jego sztukę wpłynął Tohaku, XVI-wieczny malarz Kano, który był jedynym malarzem swoich czasów, który malował ekrany w całości tuszem na delikatnym tle sproszkowanego złota. Chociaż Kyosai jest znany jako rysownik, napisał niektóre z najbardziej znane obrazy w historii Japonii Sztuka XIX stulecie. „Tygrys” to jeden z tych obrazów, które Kyosai stworzył za pomocą akwareli i tuszu.
6. Hiroshi Yoshida Fuji z jeziora Kawaguchi
Hiroshi Yoshida jest znany jako jeden z najbardziej duże figurki styl shin-hanga (shin-hanga jest ruch artystyczny w Japonii na początku XX wieku, w okresie Taisho i Showa, które odrodziły tradycyjną sztukę ukiyo-e, która zakorzeniła się w okresach Edo i Meiji (XVII-XIX w.)). Był szkolony w tradycji zachodniego malarstwa olejnego, które zostało przyjęte w Japonii w okresie Meiji.
7. Takashi Murakami „727”
Takashi Murakami jest prawdopodobnie najpopularniejszym japońskim artystą naszych czasów. Jego prace są sprzedawane za astronomiczne ceny główne aukcje, a kreatywność już teraz inspiruje nowe pokolenia artystów nie tylko w Japonii, ale także za granicą. Sztuka Murakamiego obejmuje szereg mediów i jest zwykle opisywana jako super płaska. Jego prace znane są z używania koloru, włączając motywy z japońskiej kultury tradycyjnej i popularnej. Treść jego obrazów jest często określana jako „urocza”, „psychodeliczna” lub „satyryczna”.
8. Yayoi Kusama „Dynia”
Yaoi Kusama to także jeden z najbardziej znanych japońskich artystów. Pracuje w różnych mediach, w tym w malarstwie, kolażu, rzeźbie scat, sztuce performance, sztuce środowiskowej i instalacji, z których większość wykazuje jej zainteresowanie tematyczne psychodelicznymi kolorami, powtórzeniami i wzorami. Jeden z najbardziej słynna seria tego wielkiego artysty jest seria Pumpkin. Zwykła tykwa w kropki w jasnożółtym kolorze jest pokazana na tle siatki. Wszystkie te elementy razem tworzą wizualny język, który jest charakterystyczny dla stylu artysty i był rozwijany i udoskonalany przez dziesięciolecia żmudnego rzemiosła i reprodukcji.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoński duch nr 14”
Tenmyoya Hisashi to współczesny japoński artysta znany ze swoich obrazów neo-nihonga. Brał udział w odrodzeniu stara tradycja Malarstwo japońskie, które jest dokładnym przeciwieństwem współczesnego malarstwa japońskiego. W 2000 roku stworzył także swój nowy styl butouha, który demonstruje stanowczy stosunek do władzy systemem artystycznym poprzez jego obrazy. „Japanese Spirit No. 14” powstał w ramach programu artystycznego „BASARA”, interpretowanego w japońska kultura jako buntownicze zachowanie niższej arystokracji w okresie Walczących Królestw, mające na celu pozbawienie władz możliwości osiągnięcia idealnego stylu życia poprzez ubieranie się w pompatyczne i luksusowe stroje oraz działanie z wolnej woli, która nie odpowiadała ich klasie społecznej.
10. Katsushika Hokusai „Wielka fala w Kanagawie”
Wreszcie The Great Wave off Kanagawa jest prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalny malarstwo japońskie kiedykolwiek napisane. To właściwie najsłynniejsze dzieło sztuki stworzone w Japonii. Przedstawia ogromne fale zagrażające łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Chociaż czasami mylona z tsunami, fala, jak sugeruje nazwa zdjęcia, najprawdopodobniej ma po prostu anomalię duża wysokość. Obraz jest wykonany w tradycji ukiyo-e.
Od: ,
Sztuka i projektowanie
2702
01.02.18 09:02
Dzisiejsze scena artystyczna Japonia jest bardzo różnorodna i prowokacyjna: biorąc pod uwagę twórczość mistrzów z Kraju wschodzące słońce Pomyślisz, że wylądowałeś na innej planecie! Jest domem dla innowatorów, którzy zmienili krajobraz branży w skali globalnej. Przedstawiamy Państwu listę 10 współczesnych japońskich artystów i ich twórczości - od niesamowite stworzenia Takashi Murakami (który dzisiaj obchodzi urodziny) do kolorowego uniwersum Kusama.
Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści
Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyk
Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami jest jednym z najbardziej znanych współczesnych artystów japońskich, tworzącym obrazy, rzeźby na dużą skalę i modę. Styl Murakamiego jest inspirowany mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, który wspiera język japoński tradycje artystyczne i kultury powojennej. Murakami wypromował wielu swoich współczesnych, niektórych z nich poznamy także dzisiaj. „Subkulturowe” prace Takashiego Murakamiego prezentowane są na rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny film My Lonesome Cowboy (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze znanymi na całym świecie markami Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tycho Asima i jej surrealistyczny świat
Członek firmy produkcyjnej Kaikai Kiki i ruchu Superflat (oba założone przez Takashiego Murakamiego), Chiho Ashima jest znana ze swoich fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych popowych stworzeń. Artysta tworzy surrealistyczne sny zamieszkane przez demony, duchy, młode piękności ukazane na tle dziwacznej natury. Jej prace są zwykle wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze, plastiku. W 2006 roku ten nowoczesny japoński artysta brał udział w Art on the Underground w Londynie. Stworzyła 17 kolejnych łuków dla platformy - magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dnia na noc, z miejskiego na wiejski. Ten cud rozkwitł na stacji metra Gloucester Road.
Chiharu Shima i Nieskończone nici
Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje nad wielkoskalowymi instalacjami wizualnymi dla określonych punktów orientacyjnych. Urodziła się w Osace, ale obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Głównymi tematami jej prac są zapomnienie i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja z lękiem. Najsłynniejsze prace Chiharu Shioty to nieprzeniknione pajęczyny czarnej nici, które spowijają wiele przedmiotów codziennego użytku i osobistych, takich jak stare krzesła, suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota połączyła ponad 300 podarowanych jej butów i kozaków nitkami czerwonej przędzy i zawiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlin Art Week w 2016 roku i wywołała sensację.
Hej Arakawa: wszędzie, nie nigdzie
Ei Arakawa inspiruje się stanami zmian, okresami niestabilności, elementami ryzyka, a jego instalacje często symbolizują tematy przyjaźni i pracy zespołowej. Credo współczesnego japońskiego artysty określa performatywna nieokreśloność „wszędzie, ale nigdzie”. Jego dzieła pojawiają się w nieoczekiwanych miejscach. W 2013 roku prace Arakawy były wystawiane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie współczesnej sztuki japońskiej w Mori Art Museum (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) była wspólny projekt z nowojorską artystką Carissą Rodriguez i uczestniczyła w Whitney Biennale. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występując jako duet o nazwie United Brothers, zaoferowali odwiedzającym Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” korzeniami Fukushimy daikon.
Koki Tanaka: Związek i powtórzenie
W 2015 roku Koki Tanaka otrzymał tytuł Artysty Roku. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektu i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jego instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów przedstawiających obiekty zmieniające przestrzeń w platformę wymiany sztuki. Instalacje Koki Tanaki (nie mylić z aktorem, który jest jego pełnym imiennikiem) ilustrują związek między przedmiotami a czynnościami, takimi jak rejestracja wideo prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (krojenie warzyw nożem, nalewanie piwa do szklanki, otwieranie parasola) . Nie dzieje się nic istotnego, ale obsesyjna powtarzalność i dbałość o najdrobniejsze szczegóły sprawiają, że widz docenia przyziemność.
Mariko Mori i opływowe kształty
Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc filmy, zdjęcia, obiekty. Ma minimalistyczną futurystyczną wizję i eleganckie, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w pracach Mori jest zestawienie zachodniej legendy z Kultura Zachodu. W 2010 roku Mariko założyła Fundację Fau, edukacyjno-kulturalną organizacja non-profit, dla którego wykonała serię swoich instalacji artystycznych na cześć sześciu zamieszkałych kontynentów. Ostatnio stała instalacja Fundacji, The Ring: One with Nature, została podniesiona nad malowniczym wodospadem w Resende niedaleko Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: Synteza dźwięku i wideo
Ryoji Ikeda jest artystą nowych mediów i kompozytorem, którego twórczość związana jest głównie z dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od dźwięków sinusoidalnych po szumy wykorzystujące częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego zapierające dech w piersiach instalacje zawierają generowane komputerowo dźwięki, które są wizualnie przekształcane w projekcje wideo lub szablony cyfrowe. Audiowizualne obiekty artystyczne Ikedy wykorzystują skalę, światło, cień, głośność, dźwięki elektroniczne i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów, które oświetlają obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Urządzenie konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kod kreskowy i binarne wzory zer i jedynek.
Tatsuo Miyajima i liczniki LED
Współczesny japoński rzeźbiarz i artysta instalacji, Tatsuo Miyajima, posługuje się w swojej sztuce obwody elektryczne, wideo, komputery i inne gadżety. Główne koncepcje Miyajimy są inspirowane ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego konfiguracji migają nieprzerwanie w powtórzeniach od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, ale unikając ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracy Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Nie tak dawno obiekt Miyajima's Arrow of Time był pokazywany na inauguracyjnej wystawie "Incomplete Thoughts Visible in New York".
Nara Yoshimoto i złe dzieci
Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki dzieci i psów, tematy odzwierciedlające dziecięcą nudę i frustrację oraz dziką niezależność, która jest naturalna dla małych dzieci. Estetyka prac Yoshimoto przypomina tradycyjną ilustracje książkowe, to mieszanka niespokojnego napięcia i miłości artysty do punk rocka. W 2011 roku Muzeum Towarzystwa Azjatyckiego w Nowym Jorku gościło pierwszą wystawa indywidualna Yoshimoto zatytułowana „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool”, obejmująca 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty. Eksponaty były ściśle związane z światowymi subkulturami młodzieżowymi, ich wyobcowaniem i protestem.
Yayoi Kusama i przestrzeń, która porasta dziwacznymi formami
Niesamowita twórcza biografia Yayoi Kusamy obejmuje siedem dekad. W tym czasie niesamowitej Japonce udało się studiować dziedziny malarstwa, grafiki, kolażu, rzeźby, kina, grawerowania, sztuki środowiskowej, instalacji, a także literatury, mody i projektowania odzieży. Kusama opracowała bardzo charakterystyczny styl grafiki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje przedstawione w pracach 88-letniej Kusamy (kiedy świat wydaje się pokryty rozległymi dziwaczne formy) jest wynikiem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pomieszczenia z kolorowymi kropkami i „niekończącymi się” lustrami odbijającymi ich nagromadzenia są rozpoznawalne, nie sposób ich pomylić z niczym innym.
