Definicja grafiki książkowej. Charakterystyka pojęcia „grafika książkowa

grafika książkowa- jeden z rodzajów grafiki artystycznej. Obejmuje to w szczególności ilustracje książkowe, winiety, nakrycia głowy, inicjały, okładki, obwoluty itp. Historia rysunku od starożytności i średniowiecza związana jest w dużej mierze z rękopisem, az księgą drukowaną związany jest rozwój rytownictwa i litografii. W świat starożytny pojawiła się czcionka, również związana z grafiką, ponieważ sama litera jest znakiem graficznym. Charakterystyczna cecha grafiki książkowej. Okładka (twarda) jako rozwiązanie artystyczne okładki książek. Głównym celem strony tytułowej. Projektowanie i ilustrowanie fikcji. Zasady rozwoju światłocienia, tomy i perspektywy.

Artysta za pomocą plastyki ucieleśnia projekt ideowo-artystyczny, tworzy artystyczny i dekoracyjny wygląd książki. Musi nie tylko znać czcionki i umieć się nimi posługiwać, ale także umieć je modyfikować, tworzyć nowe, odpowiadające jego zamysłowi, stylowi książki, charakterowi dzieła literackiego. Pracując nad ilustracją, artysta musi jasno wyobrazić sobie, jak będzie się komponować z zestawem na następnej stronie, jak będzie wyglądać rozkład książki.

Obecnie istnieją różne rodzaje literatury i różne rodzaje książek, których cel i krąg czytelników determinuje nakład, format, stopień i charakter projektu. Fikcja to największy dział w wydawnictwach książkowych, jest ściśle powiązana ze sztukami wizualnymi, dzięki czemu jest dobrze zaprojektowana i zilustrowana. Książki dla dzieci słyną z bogatej szaty graficznej, dużych formatów i czytelnej, czytelnej czcionki. Literatura polityczna jest z reguły projektowana w prostych i surowych kolorach, gdzie zdjęcia często pełnią rolę materiału ilustracyjnego. Literatura naukowa i techniczna (podręczniki i słowniki) jest oprawiona skromnie, jeśli nie oszczędnie. Wydania specjalne tworzą specjalną grupę, którą nazywamy bibliofilami. Projektowanie i ilustrowanie takich publikacji powierzono firmie najlepsi mistrzowie. Wykorzystywane są rzadkie i drogie materiały, które nie są wykorzystywane w publikacjach masowych.

Książka składa się z następujących elementów:

• Okładka- artystyczne rozwiązanie okładki książki, w której zamknięty jest blok książki. Rozwiązanie okładki powinno być warunkowo dekoracyjne, jasne, nadawać książce piękny wygląd, ale jednocześnie dawać dokładny opis książki, ujawniać jej główne znaczenie, styl i strukturę figuratywną. Okładka powinna zawierać elementy czcionki, które odzwierciedlają główne dane nagłówka.
• Strona tytułowa- prawa połowa pierwszej rozkładówki książki. Tytuł zawiera bardziej złożone elementy czcionek, które wyjaśniają nagłówek i publikowane dane. Jeśli ilustracja jest umieszczona na lewej stronie pierwszej rozkładówki lub wydrukowany jest portret autora, taka strona nazywana jest frontyspisem. Rysunek tytułowy jest używany stosunkowo rzadko i ma większą wartość dekoracyjną.
• Schmuttituli- oddzielne arkusze otwierające części, sekcje książki. Na półtytule umieszczono nagłówek oraz prosty motyw ornamentalny lub rysunek.
• obwoluta- artystycznie zaprojektowana papierowa okładka książki na wierzchu okładki. główne zadanie- zwróć uwagę na książkę i na chwilę chroń okładkę przed zniszczeniem.
• Ilustracje to rysunki, które w przenośni odsłaniają tekst literacki z zastrzeżeniem treści i stylu dzieła literackiego.
• Wygaszacz ekranu- niewielka kompozycja o charakterze ozdobnym lub w formie obrazka otwierającego jakiś fragment tekstu.
• kończący się- mały motyw rysunkowy lub ozdobny, który uzupełnia ostatnią stronę działu lub całej księgi.
• Wstępny- pierwsza litera w tekście książki stworzonej przez artystę.
• Zejście lub pas startowy- pierwsza strona tekstu księgi, zwykle ozdobiona opaską lub pierwszą literą.

W Rosji pierwsze odręczne książki z obrazami pojawiły się w X wieku. Wynalezienie druku w połowie XV wieku przyczyniło się do szerokiego rozpowszechnienia księgi.

Cechą współczesnej grafiki książkowej jest jej związek z poligrafią, jej zależność od poziomu i kultury pracy w produkcji poligraficznej. Zadania grafiki książkowej dzielą się na:

• projekt książki - wygląd, ręcznie rysowane elementy czcionki, konstrukcja kompozycyjna wpisywanie tekstu itp.
• zilustrowanie książki - figuratywne ujawnienie tekstu literackiego za pomocą rysunków

W grafice często występują ilustracje liniowe i tonowe. Są to ilustracje wykonane w rzucie objętościowym oraz w interpretacji warunkowo planarnej. Mają też własne zasady opracowywania światłocienia, tomów i perspektyw, własne skale i metody kompozycji. Dlatego zwykłe grafiki sztalugowe, nawet zredukowane do formatów książkowych, nie mogą służyć jako ilustracje i będą jedynie reprodukcjami wklejonymi w książkę.

Należy podkreślić szczególnie wybitną rolę drzeworytu w sztuce księgi.

Książka jest jedną z najważniejszych potrzeb duchowych współczesnego człowieka, organicznie łączy pracę zarówno artysty, jak i pracowników wydawniczych i drukarzy. Dopiero harmonijna praca tych ludzi tworzy pełnoprawną książkę.

stylu Bilibińskiego

I. Ya Bilibin (1876-1942) słusznie można nazwać największymi artystami - ilustratorami, opracował system technik graficznych, który umożliwił łączenie ilustracji i projektowania w jednym stylu, podporządkowując je płaszczyźnie strona książki. Cechy charakteru Styl bilibino: piękno wzorzystego wzoru, wyrafinowana dekoracyjność zestawień kolorystycznych, subtelne wizualne ucieleśnienie świata, połączenie jasnej bajeczności z poczuciem ludowego humoru itp.

Moritz von Schwyz (1804-1871), sławny niemiecki malarz i ilustrator. Tworzył tzw. „ilustracje monumentalne” oparte na baśniach. Są to duże płótna artystyczne, które można zobaczyć w salach monachijskiej Alte Pinakothek.

Styl graficzny słynnego francuski artysta a rzeźbiarz Gustave Dore (1833-1883), łącząc lekkość kreski z napiętą linią, umiejętność wzbogacenia istoty ilustrowanego dzieła niezliczonymi oryginalnymi znaleziskami, spotkał się z entuzjastycznym przyjęciem francuskiej publiczności. Dore jest jednym z najbardziej znanych i płodnych ilustratorów drugiej połowy XIX wieku.

Wiktor Michajłowicz Wasniecow (1848-1926) jest jednym z pierwszych rosyjskich artystów, którzy przesunęli granice zwykłych gatunków i pokazali świat wróżek, oświetlony poetycką wyobraźnią ludu. Vasnetsov, jeden z pierwszych rosyjskich artystów, zwrócił się do odtwarzania w malarstwie obrazów baśni ludowych i eposów.

Moritz von Schwyz

Gustaw Dore

Wiktor Michajłowicz
Wasniecow

Lista wybitnych sowieckich ilustratorów książek dla dzieci jest ogromna, obejmują: Vasnetsov Yu.A., Suteev V.G., Charushin E.I., Dekhterev B.A., Ustinov N.A., Chizhikov VA, Vladimirsky L.V. i wielu innych.

OsobliwośćKsięgarnia grafiki jest jej ścisły związek z poligrafią, jej zależność od poziomu i kultury pracy produkcji poligraficznej.

W oparciu o główne zadania grafiki książkowej dzieli się nadekoracje orazilustracja książki. Projekt książki obejmuje jej wystrój dekoracyjny, jej dekorację, rysowane elementy czcionek, konstrukcję kompozycyjną czcionek itp. (okładka, strona tytułowa, strona tytułowa itp.) Ilustrowanie książki (z łac. ilustracja - obraz wizualny, opis) rozwiązuje problem figuratywnego ujawnienia tekstu literackiego za pomocą rysunków (ilustracji) różnego rodzaju). Natychmiast zrób rezerwację, że taki podział jest bardzo warunkowy. W dobrej książce nie sposób prześledzić, gdzie kończy się projekt, a zaczyna ilustracja. Znamy przykłady przekonujących rozwiązań koncepcja ideologiczna i budowanie książek tylko za pomocą projektu. Dość często w elementach projektu (na okładce, karcie tytułowej, obwolucie itp.) znajdujemy rysunek, który przyczynia się do ujawnienia tekstu literackiego. Prawdziwe ilustracje w książce, z całą głębią ideowego, figuratywnego rozwiązania, z kolei nie tracą efektu dekoracyjnego, nie przestają być elementami dekoracji książki, w doskonałej harmonii z zestawem, papier - z naturą z książki.

I. Bilibin. Okładka książki J. Kennana "Syberia i zesłanie". 1906.

Super okładka

Złożony organizm książki składa się z wieluelementy . Zapoznajmy się z tymi elementami, w rozwiązaniu których artysta odgrywa wiodącą rolę.

Okładka (twarda) - artystyczne rozwiązanie okładki książki, w której zamknięty jest blok książki. Rozwiązanie okładki, w którym z reguły stosuje się kolor, powinno być warunkowo dekoracyjne, jasne, nadawać książce piękny wygląd, ale jednocześnie dawać dokładny opis książki, ujawniać jej główne znaczenie, styl i symbolikę Struktura. Okładka powinna zawierać elementy czcionki odzwierciedlające główne dane nagłówka (autor i tytuł książki).

Przykład tytułu.

W. Faworski. Odwrócony tytuł. 1931.

obwoluta ( od łac. super - powyżej, powyżej) nazywa się artystycznie zaprojektowaną papierową okładką książki na górze okładki. Głównym zadaniem obwoluty jest zwrócenie uwagi na książkę i zabezpieczenie okładki przed zniszczeniem na jakiś czas.

Tytuł lub strona tytułowa – prawa połowa pierwszej rozkładówki książki. Tytuł zawiera bardziej złożone elementy czcionek, które wyjaśniają nagłówek i publikowane dane. Czasami dane te są rozszerzane na sąsiednią, lewą stronę - kontratytuł. Decyzja ta nazywana jest odwróceniem tytułu. Jeśli ilustracja jest umieszczona na lewej stronie pierwszej rozkładówki lub wydrukowany jest portret autora, to taka strona nazywa sięfronton . Rysunek tytułowy jest używany stosunkowo rzadko i ma większą wartość dekoracyjną.Szmuttitulami Nazywa się oddzielne arkusze, które otwierają części, sekcje książki. Umieszczony jest na nim nagłówek oraz prosty motyw ornamentalny lub rysunek.

NI Piskarev. Shmuttitul do książki A.V. Łunaczarskiego „Wyzwolony Don Kichot”. 1922.

Ilustracje - są to rysunki, które w przenośni odsłaniają tekst literacki, podporządkowane treści i stylowi dzieła literackiego, jednocześnie ozdabiając książkę i wzbogacając jej dekoracyjną strukturę. Zadania ilustracji są również częściowo rozwiązane w rysunkach na okładce, tytule, wstępach i zakończeniach.

Wygaszacz ekranu - niewielka kompozycja o charakterze ozdobnym lub w formie rysunku, otwierająca jakiś fragment tekstu (początek księgi, część, rozdział). Ekran powitalny jest ściśle powiązany z paskiem składu i nigdy nie zamienia się w ilustrację.

kończący się - mały motyw rysunkowy lub ozdobny, który uzupełnia ostatnią stronę działu lub całej księgi.

Wstępny (z łac. initialis - inicjał) - pierwsza litera dowolnej sekcji w tekście książki, rękopisu, stworzona przez artystę. W życiu codziennym zachowała się stara rosyjska nazwa inicjału - list.

Pierwsza strona tekstu księgi, zwykle ozdobiona opaską lub pierwszą literą, nazywana jest zejściem lubpas zjazdowy.

Gierasimenko-Żizniewski. Ilustracja do opowiadania W. Bykowa „Znak kłopotów”. Litografia.

To jest krótka lista elementów książki. Oprócz obowiązkowej okładki i tytułu dla każdej książki, wszystkie inne elementy są wprowadzane w zakresie wymaganym przez cel, przeznaczenie książki, jej objętość, nakład i intencję artysty.

Proces twórczy w sztuce grafiki książkowej jest złożony. Artysta musi uchwycić ducha dzieła literackiego, jego styl i odzwierciedlić go w swojej pracy. Przed nimzadanie jest - ujawnić za pomocą plastyki ideową i artystyczną treść dzieła, zachować jedność struktury figuratywnej i dekoracyjnej książki z duchem dzieła, stylem pisarza oraz oddać w jego indywidualnym rozwiązaniu obrazowym współczesna ocena Praca literacka.

I. Bilibin. Wygaszacz ekranu do wiersza A.S. Puszkina „Dwie wrony”. 1910.

I. Bilibin. Zakończenie wiersza A.S. Puszkina „Dwie wrony”. 1910.

Ważną stroną sztuki grafiki książkowej jest obowiązkowe uwzględnienie cech struktury drukarskiej książki, jej specyfiki jako wartości kulturowej i jako rzeczy. Artysta książki musi pracować w ściśle określonej, z góry ustalonej wielkości (formacie). Istnieją pewne najbardziej racjonalne standardowe formaty. Artysta nie może dowolnie zmieniać proporcji prześcieradła, co stwarza pewne trudności i rysy w kompozycji. Na podstawie obowiązującego formatu artysta określa objętość książki, liczbę i rodzaj elementów graficznych, ich rozmieszczenie w książce, musi być dla niego jasne, jaką czcionką zostanie napisany tekst, jakie są proporcje pasek składu i marginesy strony. Wszystkie elementy graficzne w książce są bardzo ściśle związane z czcionką. Tworzenie czcionek jest starożytne i wysoki poziom artystyczny. Wiele pokoleń artystów pracowało nad stworzeniem czcionek o pięknym designie, doskonałych proporcjach, czcionkach wyraźnych, czytelnych i zróżnicowanych stylistycznie. Tylko dzięki różnorodności piękne czcionki, możesz z powodzeniem rozwiązać problemy projektowania książek. Typowe elementy okładki, tytuły, obwoluty, półtytuły, osobne nagłówki są z reguły rysowane przez artystów. Konieczne jest osiągnięcie ich harmonijnego połączenia z czcionkami składu, z elementami graficznymi. Twórca książki musi nie tylko znać czcionki i umieć z nich korzystać, ale także umieć modyfikować istniejące czcionki i tworzyć nowe, odpowiadające jego zamysłowi, stylowi książki, charakterowi dzieła literackiego. Stale dbając o jedność drukarską i artystyczną książki, artysta musi znać przynajmniej podstawy produkcji poligraficznej i być w bliskim kontakcie z pracownikami wydawniczymi przygotowującymi książkę do publikacji oraz drukarzami. Wszystkie elementy graficzne książki powinny harmonijnie łączyć się z płaszczyzną papieru, pasem składu. Pracując np. nad ilustracją, artysta musi sobie jasno wyobrazić, jak zostanie ona połączona z zestawem na następnej stronie, jak będzie wyglądać rozkład książki.

I. Bilibin. Wstępny. 1921.

Nowoczesna grafika książkowa charakteryzuje się różnorodnością poszukiwań, odważnymi eksperymentami wielu mistrzów, różniących się kreatywnym wyglądem.

Należałoby rozważyć osobną linię w sztuce grafiki książkowejgrafiki magazynów i gazet. Specyficzność czasopisma wyznacza własne, specjalne zadania dla grafików czasopism i gazet. Jeśli książka służy człowiekowi przez długi czas i jest poświęcona określonemu tematowi, jednej gałęzi wiedzy, to szybko zmieniające się (periodyczne) czasopisma i gazety zawierają najbardziej różnorodny materiał, odzwierciedlający zadania dnia, obejmujący najróżniejsze obszary działalności człowieka. Gazeta służy jednego dnia, jest czytana szybko, a wszystkie jej elementy obrazkowe powinny natychmiast pasować do umysłu, a zatem być proste, piękne i jasne, wygodne do szybkiego postrzegania. Rysunki liniowe są najlepiej postrzegane w gazetach. W czasopiśmie publikowane są materiały o charakterze przeglądowym, uogólniającym. Dość często pismo adresowane jest do określonego kręgu czytelników (magazyn rolniczy, magazyn o zdrowiu, magazyn o modzie itp.). Ale magazynek charakteryzuje się również różnorodnością materiału i krótką żywotnością. Formaty czasopism i układ tekstu w nich znacznie różnią się od tych w książkach. Rysunek czasopisma powinien być wyrazisty i chwytliwy, współgrający z nagłówkami i składem. Bardzo dobre jak na szkicownik. Korzystnie odróżniają się od fotografii zdolnością artysty do pokazania najbardziej typowego, uogólnienia zjawiska, stworzenia obrazu, postaci; poza tym rysunki dużo lepiej pasują do zestawu niż zdjęcia. Dziś niestety nasze gazety i czasopisma często obfitują w stemple, które ułatwiają i przyspieszają korzystanie z technologii komputerowej.

V. Zamirailo. Pas zjazdowy. 1921.

Karykatura (z tego. karykatura< caricare - ładuj, wyolbrzymiaj) - specjalne gatunek satyryczny grafiki gazet i czasopism. Karykatura celowo podkreśla, wyolbrzymia cechy charakteru i cech osoby lub zdarzenia w celu spełnienia zadania demaskowania, ośmieszania, wywierania wpływu. Niezależna (sztaluga) karykatura jest stosunkowo rzadka - prawie zawsze kojarzy się z gazetą, czasopismem, książką, plakatem. W większości przypadków kreskówce towarzyszy tekst. Dzięki wydaniom drukowanym karykatura rozpowszechniła się bardzo szeroko.

Istnieją specjalne magazyny komiksowe, kolekcje kreskówek itp. Nie każdy artysta może pracować w tym gatunku. Karykaturzysta musi mieć szczególny dar, bystre oko, dostrzegać najbardziej charakterystyczną umiejętność przesady, pozostając jednocześnie artystą głębokim i subtelnym, nie popadając w puste powierzchowne drwiny i wulgaryzmy. W historii sztuki znanych jest wielu takich „dokładnych” mistrzów, na przykład O. Daumier, H. Bidstrup, J. Effel, V. Serov, D. Moor, Kukryniksy i wielu innych.

Jest teraz otoczony tak gorliwą uwagą opinii publicznej, tak gorliwą opieką i kuratelą, że co najmniej dziwne byłoby mówienie o jakiejś stagnacji tego gatunku, a tym bardziej o poważnym zagrożeniu zagrażającym samej możliwości jego istnienia .
Istnieją jednak powody do niepokoju o losy grafiki książkowej.

Zadania projektowe coraz częściej podlegają maszynerii, nudnej standardowej monotonii. Ilustracje są czasem uważane za coś przestarzałego i archaicznego, wiele wydawnictw otwarcie stara się ich pozbyć, jak od nieproszonego gościa.

Niesłychany wzrost liczby wydawanych książek, potrzeba masowego nakładu – zjawiska same w sobie są niezwykle budujące. Ale szybko doprowadziły do ​​zubożenia artystyczny początek w praktyce wydawniczej. Książka staje się „produkcją”, co nieuchronnie pociąga za sobą standaryzację, nudną bezosobowość ogromnej liczby publikacji.

Szczególnie ostro, prawie całkowicie, takie smutne cechy obserwuje się w działalności wydawnictw świata kapitalistycznego. Zachodni uczeni często i słusznie piszą, że w krajach kapitalizmu książka staje się nie tylko „rzeczą wśród rzeczy”, ale także zupełnie nieistotnym szczegółem codziennego życia. Oryginalne rozwiązanie artystyczne okazało się tam zbędne, nie tylko dla tanich bestsellerów i kieszonkowych. A w większości publikacji „amatorskich” zadanie projektowe sprowadza się do stworzenia okładki informacyjnej i superreklamowej, którą po zakupie wyrzuca się. Oryginalne publikacje beletrystyki dla dorosłych stają się coraz rzadsze na Zachodzie.

ZSRR był prawdopodobnie jedynym krajem na świecie, w którym wydano ilustrowane wydania dzieł klasycznych i współczesna proza, poezja i dramat są bardzo liczne. Wykonuje się ogromną pracę, aby połączyć publikacje masowe z ich oryginalnością artystyczną. Nie trzeba dodawać, że publikujemy również wiele dzieł beletrystycznych zaprojektowanych w sposób nudny, standardowy lub po prostu niesmaczny. Ale takie książki nie pojawiają się dlatego, że czytelnikowi jest to obojętne kompozycja artystyczna książek, a w niektórych przypadkach z powodu zła praca wydawcom czy indywidualnym projektantom, jednym słowem, z przyczyn incydentalnych, a nie zasadniczych.

Ten problem można naprawić. Gdzie indziej jest gorzej. Za ostatnie lata zaczęły pojawiać się publikacje demonstracyjnie nieartystyczne, inżynierskie czy jakoś tak perswazyjne. Takie publikacje mają zwolenników wśród typografów, teoretyków i specjalistów od projektowania książek.
W związku z tym bardzo właściwe jest ciągłe zastanawianie się nad samym proste pytanie: czym jest książka i jaki jest jej projekt?

Oczywiście każda książka to przede wszystkim literatura. Ale jest też spektaklem. Wrażenia wizualne towarzyszą procesowi odbioru książki na całej jej długości. Przodek nowoczesne formy pisanie było piktografią, mową obrazkową, serią kompozycji obrazkowych. Później pismo przekształciło się w kombinacje abstrakcyjnych znaków-symboli, niemal pozbawione zdolności oddziaływania figuratywnego (choć sposób rysowania czy czcionka reprodukcji liter i słów w pewnym stopniu ją posiada). Jeśli jednak rozpadła się pierwotna jedność słowa i obrazu, to nigdy nie zniknęła potrzeba wizualnego wzbogacenia tekstu, obrazów widocznych obok spekulatywnych.

Książka, najpiękniejszy kwiat kultura ludzka, łączy w sobie wiele kreatywność. Tekst jest jej duszą. Ale jest też treść książki, kwestia jej wizualnego wcielenia. Posiada własną architekturę: stereometrię objętości i formatu, fronty oprawy, okna tytułowe, enfilady stron. Ma swoje kolory i barwy, choć najczęściej w ramach czarno-białej gamy – możliwości odcieni i zestawień są tu nieograniczone. Ma muzykę wewnętrznego rytmu - w proporcji składu i białych pól, w zatrzymaniu biegu wierszy przed akapitem, w przerwach między rozdziałami. Jednym słowem ucieleśnienie dzieła literackiego w przestrzeni (a to jest książka), przynajmniej środkami drukarskimi, bez konkretnych dodatków wizualnych, jest sztuką subtelną, skomplikowaną i wymieniono tylko niewielki ułamek jej cech i cech tutaj.

Tak więc każde nieilustrowane wydanie fikcji, oprócz zadań o charakterze czysto technicznym, musi także rozwiązywać problemy natury emocjonalnej i poetyckiej. Są niepowtarzalne w każdym indywidualnym przypadku, wymagają duszy, rąk i oczu artysty. Istnieją publikacje wykonane „inżynieryjnie”, niemal niezależnie od treści. Są też książki stworzone przez prawdziwych bukmacherów. projekt, którzy dążą do tworzenia kompozycji wizualnych odpowiadających znaczeniu, nastrojowi, kolorystyce powieści lub wiersza. Pierwsze wydania różnią się od wydań drugich mniej więcej tak, jak pozbawiona twarzy „przeciętna dusza” różni się od żywej osoby swoją szczególną, niepowtarzalną indywidualnością i nieskończonym bogactwem barw życia.
Książka jest czytana. Ale nadal patrzą na książkę.

Patrzą na nią nie tylko wtedy, gdy trzymają ją w dłoniach i przewracają strony. Grzbiet książki zakupionej do domowej biblioteki każdego dnia wpada w pole widzenia jej właścicieli. Okładka książki jest mimowolnie zauważana, jeśli leży na stole; jego dekoracja wnętrz rozbłyska nawet przed rozproszonym spojrzeniem, gdy gdzieś w pokoju położona jest otwarta książka.
Książka jest elementem nowoczesnego wnętrza, jest stałym i trwałym elementem element obowiązkowy te wizualne wrażenia, które człowiek obecnej epoki odbiera na co dzień.
Dla każdego jest jasne, że przemiana książki w przedmiot codziennego użytku jest fenomenem porządek społeczny. Ile kryje się za tą przemianą, jak wymowna i znacząca jest na swój sposób - nie ma potrzeby szczegółowo o tym mówić.
Ale jedna strona sprawy jest jakoś ignorowana. Niewiele osób zdaje sobie sprawę, że nie tylko czytanie książek, ale także emocjonalny wpływ, jaki wywiera ono na człowieka – dzień po dniu – nabiera zupełnie określonego znaczenia społecznego! - ich wygląd, dekoracyjna ekspresja.

Tymczasem wpływ ten jest niezaprzeczalny. Jak inaczej?! Charakter i cechy tego, co widzimy na co dzień, w pewnym stopniu wpływają na przebieg myśli, odcienie nastrojów ludzi. A gdy tylko książki weszły w codzienne życie milionów, ich widoczne formy i kolory, że tak powiem, wyraz ich twarzy, stają się, choć niewielką, choć skromną, ale niezmienną częścią atmosfery naszego życia, a zatem uczucie tego. Jedna z podstawowych cech nowoczesna książka polega na tym, że zajął on swoje miejsce w wielu obiektach produkowanych masowo Kultura materialna. Ale co to jest, to miejsce?
W tym miejscu sprzeczne są koncepcje norm przemysłowych i unikalnych dla sztuki zasad drukowania. Książka, animowana i humanizowana dzięki talentowi artysty, odpychana jest mechanicznymi łapami przez książkowego robota, książkowy standard.

Standaryzacja w ogóle atakuje teraz jednostkę. Powstają podobne domy, a nawet miasta; bliźniacze podobieństwo mieszkań w nowych budynkach od dawna jest własnością smutnego humoru; tysiące szczegółów codziennego życia niezmiennie wszędzie się powtarzają.
Kiedy człowiek tworzy swój własny dom, coraz trudniej jest ujawnić i potwierdzić swoją indywidualność, swoje upodobania. Ale tworzenie własnego małego świata jest jedną z najbardziej rozpowszechnionych form ludzkiej kreatywności; kiedy zanika, cała cywilizacja jako całość zuboża. A pragnienie tego, co wyjątkowe, wyjątkowe, indywidualne, które tak gwałtownie wzrosło w ciągu ostatnich dziesięcioleci, jest zrozumiałe.

Któż inny, jeśli nie książka, wielowymiarowy i wciąż odnawiający się twór ludzkiej kultury, jej najwyższych i najjaśniejszych tradycji, może pomóc w tej dramatycznej walce o zachowanie jednostki, o możliwość jej samoodkrycia, samo- afirmacja? Nie tylko swoją treścią, ale jako przedmiot, jako spektakl, książka jest w stanie wnieść do każdego domu żywe odbicie wyjątkowo osobliwych poszukiwań ludzkiej myśli. Każda edycja może wyglądać (podkreślam – spójrz) jak wyspa ludzkiej kreatywności na zalanym morzu codzienności. A księgozbiór w domu to już cały archipelag, za każdym razem z oryginalnym, dziwacznym zarysem wybrzeża, bo selekcji dokonuje się według własnego gustu i nosi piętno indywidualności.
Przypominam sobie publikacje wydane w pierwszych latach porewolucyjnych” Biblioteka Ludowa". Wydrukowano je niemal na papierze pakowym, technicznie prymitywnym, ale dosłownie wszystkie numery tej taniej serii zostały znakomicie zaprojektowane przez największych mistrzów grafiki książkowej tamtych lat (m.in. B. Kustodiewa, A. Benoisa, M. Dobużyńskiego, D. B Konashevich, S. Chekhonin, N. Kupreyanov, V. Lebedev). W specjalnym dokumencie Wydział Literacko-Wydawniczy Ludowego Komisariatu Oświaty zażądał zwrócenia szczególnej uwagi na „wygląd tych publikacji”.

Oczywiście nie jest to przypadkowe. Rewolucja dążyła do tego, aby każda książka była świętem, radosnym świętem wolnych sił twórczych człowieka. Bez artysty to święto wydawało się po prostu nie do pomyślenia. W czasach głodowych racji ani ilustracje, ani ornamentyczno-dekoracyjny wystrój książek nie wydawały się nikomu „nadmiarem”. Pokoleniu Październikowemu wydawało się, że grafika książkowa (rzeczywista, stworzona żywą ręką artysty) jest jednym z podstawowych elementów kultury, której posiadanie jest jednym z najważniejszych zadań nowego, demokratycznego społeczeństwa.

Takie pomysły, które się pochłonęły Najlepsze funkcje duchowe doświadczenie wieków, stanowiło podstawę wieloletniej tradycji radzieckiego księgarstwa.
Jest to naturalne i znaczące pod różnymi względami. Porażająca swoją skalą ekspansja czytelnicza, konieczność kolosalnego wzrostu produktów poligraficznych długie lata wcale nie doprowadził do zubożenia zasad figuratywnych, wizualnego piękna książek.
Prostota i skromność stały się dla naszych książek codziennością, ale nawet najsurowsze ograniczenia drukarskie zawsze sprzyjały pracy artysty - twórcy projektu. Odmówić to znaczy śmiertelnie obrazić czytelnika, wycofać się z tych koncepcji książki, jej kulturowego celu i życiowego powołania, które były mocno i mocno ugruntowane w naszym kraju jeszcze w latach rewolucyjnych.

A jeśli teraz, kiedy nasze obecne możliwości wydawnicze są po prostu nieporównywalne z poprzednimi, pojawiło się jakieś uprzedzenie do „artyzmu”, to oczywiście jest to sprawa tymczasowa i niestabilna.
Produkcja poligraficzna poprawia się z roku na rok, ale główne elementy wyrazu artystycznego publikacji książkowych pozostają niezmienne i tradycyjne.

Ważne jest, aby upewnić się, na ile żywa jest ta wielowiekowa tradycja, czy nie straciła na znaczeniu w naszych czasach.
Konieczne jest mówienie w najbardziej szczegółowy i szczegółowy sposób o problemach ilustracji fikcja. To w związku z nimi współczesna kontrowersja przybiera najostrzejsze formy. W końcu wszystkie inne detale malarskiego stroju książek przy pewnym stopniu założenia można nadal uznać za odmiany artystycznego i drukarskiego projektu publikacji, że tak powiem, estetyki typograficznej. Ilustracja - nic na to nie poradzisz - całkowicie wykracza poza to, jest całkowicie autonomiczną formą sztuki i łączy się tylko z wydaniem książkowym za pomocą jakiegoś specjalnego "dokowania", używając popularnego obecnie określenia.

Czy można powiedzieć, że we współczesnym świecie ilustracja umiera śmiercią naturalną, przeżywszy swój czas i stając się niepotrzebnym archaizmem? Twierdzić, że wielcy mistrzowie Sztuki wizualne Zachodu nie interesują się ilustracją, co oznaczałoby zaprzeczanie oczywistym faktom. Wystarczy przypomnieć, że w ciągu ostatniego półwiecza np wybitni mistrzowie jak Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillol, Georges Rouault, Raoul Dufy, Frans Masereel, Hans Ernie, Georg Gross, Ernst Barlach, Oscar Kokoschka, Paul Klee, Josef Hegenbart, José Venturelli, Renato Guttuso, Werner Klemke, Josef Lada. Praca w książce nie była przypadkowym epizodem dla tych artystów: na przykład Picasso zaprojektował ponad siedemdziesiąt książek; Matisse, twórca nowych rodzajów sztuki i publikacji książkowych, dopiero w latach 1944-1952. ukończył kompozycje ilustracyjne i projektowe do jedenastu książek itp. Żaden z nich nie uważał ilustracji i projektowania za gatunek drugorzędny. Tak więc Matisse (w artykule „Kai zrobiłem moje książki”) powiedział: „Nie widzę żadnej różnicy między tworzeniem książki a tworzeniem obrazu”1. Takich wypowiedzi można by przytoczyć dziesiątki.
W takim razie, dlaczego ilustrowana książka dla dorosłych przeżywa obecnie upadek na Zachodzie? ?
Wyłącznie ze względów pozaartystycznych. Jest to nieopłacalne dla rynku, ilustracje nie wchodzą w skład współczesnego standardu sprzedaży książki.
Istnieje jednak argument przeciwko ilustracjom, które wyglądają dość teoretycznie, jako uogólnieniu niektórych cech życia duchowego czasów nowożytnych. Przeciwnicy ilustrowania książek argumentują, że współczesny człowiek czerpie podstawowe informacje o świecie z radia, telewizji i prasy. Stąd cechy określające cel książki w warunkach obecnej cywilizacji: komunikacja ze sferami myślenia abstrakcyjnego i percepcji asocjacyjnej.

Dodajmy do tego, że czasami nawet najbardziej utalentowani, wysoce autorytatywni pisarze, uważając, że autor książki nie powinien mieć bezpośredniego kontaktu z jej treścią, traktują ilustrację nihilistycznie. Przypomnijmy sobie znane sądy J. N. Tynyanowa, wyrażone przez niego w latach dwudziestych w książce „Archaiści i innowatorzy”, czy niedawną wypowiedź bystrego i subtelnego prozaika V. A. Kaverina na łamach „Literackiego Gazeta":
". ...istnieje przepaść między słownymi i obrazowymi środkami przedstawiania. Czy można to pokonać? Tak, ale w jedynym przypadku: artysta musi całkowicie „uwolnić się” od dzieła, dając siłę stworzeniu książki jako artystycznej całości. .. Rysunek wyjaśniający najczęściej niczego nie wyjaśnia, a jedynie mówi o stosunku artysty do dzieła. Czy sposób nie jest bardziej poprawny artysta nadchodzi"dekorowanie" książki? ..artyście pozostaje jeszcze wiele: harmonijne połączenie rysunku z tekstem, czcionką i formatem – wszystko to, co czyni książkę dziełem sztuki.
W tych słowach - cały program stosunku do sztuki ilustracji. Moim zdaniem program jest zły. Ale nie możesz tego zlekceważyć, tak jak próbujesz przeciwstawić się żądaniom współczesna cywilizacja wielowiekowa tradycja ilustrowania książek. Dlatego konieczne jest jasne określenie początkowych zasad i cech sztuki ilustracji.

Często mówi się o nim jako o czymś wtórnym, emitującym światło odbite. Wydawałoby się, że jest to całkiem logiczne i uzasadnione. W rzeczywistości ilustrator odtwarza postacie już ukazane w książce, opowiada o wydarzeniach, które są ujęte w tekście – jednym słowem artysta jest tutaj idzie drogą, co jest ułożone przez pisarza. Dlatego czasem porównuje się ilustratora do tłumacza.
Ale podobieństwo między przekładem literackim a ilustracją artystyczną jest bardzo względne.

Zagraniczny poeta lub prozaik i jego tłumacz działają w ramach tego samego rodzaju sztuki, mają jeden materiał konstruowania obrazów: słowo. Najlepsze, najdoskonalsze tłumaczenie to tylko wersja oryginału, która brzmiała w innym języku, a nie zupełnie nowe dzieło sztuki.
A ilustrator musi pokazać obrazy, pejzaże, sceny, wnętrza, które są opisane w książce. Tworzy wizualne paralele do obrazów werbalnych (V. A. Kaverin ma tu absolutną rację). I choćby tylko dzięki takim powiązaniom między tekstem a tworzonymi na jego podstawie grafikami, każda ilustracja nieuchronnie okazuje się tworem zupełnie nowym i niezależnie istniejącym.
Nikt nie wymaga od tłumacza własnej, czysto osobistej interpretacji obcego tekstu (chyba, że ​​mówimy oczywiście o „swobodnych tłumaczeniach” - to szczególny gatunek literatury). A sama natura jego sztuki zmusza ilustratora do znalezienia niezależnej interpretacji literackiego pierwowzoru, bez której tworzenie rysunków jest po prostu nie do pomyślenia.

Tworząc obrazową paralelę do źródła literackiego, artysta w istocie nadaje mu nowe życie. Nie tylko nadaje widzialną formę wyglądom postaci, oprawie akcji, obrotowi wydarzeń, ale także ucieleśnia własne wyobrażenie o nich, które zawsze nosi piętno czasu powstania i twórcza osobowość autor ilustracji.
Bardzo często, zgodnie ze specyfiką swojej sztuki, ilustrator dopuszcza taką koncentrację obrazów w granicach jednego czasu i miejsca akcji, która być może nie występuje w jakimś fragmencie tekstu, ale odpowiada ducha i charakter życia przedstawionego przez pisarza. Jednocześnie oczywiście w dobrej ilustracji nie ma połączenie mechaniczne różne wydarzenia lub różne zwroty w ewolucji postaci. Każdy rysunek w książce powinien mieć wiarygodność opowieści o wyjątkowym, konkretnym momencie. Dlatego ilustrator musi nie tylko opowiadać pisarzowi, ale jakby podążając za nim, bezpośrednio i bezpośrednio pokazywać rzeczywistość.

Z tego punktu widzenia zadania stojące przed ilustratorem absolutnie nie różnią się od zadań rozwiązywanych przez artystę dowolnego innego gatunku sztuki. Konieczność podążania za pisarzem w doborze i opisywaniu wydarzeń i losów bohaterów decyduje nie tyle o ograniczeniach, ile o oryginalności i dodatkowych trudnościach w pracy ilustratora.
Artystka wybiera spośród starych i nowych książek te, które można nie tylko przeczytać, ale także „zobaczyć”. Oczywiście nie mniej ważna jest inna rzecz: wartość, żywe i trwałe znaczenie zabytku literackiego dla współczesności (lub zainteresowanie czytelników nową książką). Słusznie mówi się, że książki, podobnie jak ludzie, mają swoje przeznaczenie. Każda epoka postrzega je na swój sposób i to postrzeganie uchwycił ilustrator.

Bywało jednak tak, że malarskie portrety bohaterów ksiąg pojawiały się i nabywały praw obywatelskich niemal jednocześnie, a nawet dosłownie, wraz z samym źródłem literackim. Na przykład dzielny żołnierz Szwejk pisarza Jarosława Haska i Szwejk artysty Josefa Łady razem ujrzeli światło i zdobyli niemal równą sławę. Kiedy w 1922 roku wydawnictwo F. Sauera po raz pierwszy wydało oddzielne wydanie„Przygody dobrego wojaka Szwejka podczas wojny światowej”, afiszował się wówczas na okładce książki ten bardzo dobrodusznie uśmiechnięty niski grubas w konfederackiej koszuli, chytrze udający prostaka, który wkrótce stał się znany milionom czytelnicy. Współczesny i przyjaciel pisarza, Lada polegał nie tylko na swojej pracy prototyp literacki, ale także na tych samych obserwacjach z życia, co Hasek. Artysta miał wszelkie powody, by powiedzieć: „Jestem pewien, że namalowałem portrety wszystkich głównych bohaterów zgodnie z ideami, które prawdopodobnie miał Jarosław Gashek, kiedy pisał swoją powieść”.
Kanały Haska i Łady zrosły się tak mocno, że kiedy w kolejnych latach postać ta pojawiała się na nowych ilustracjach, na ekranach kin, w dramatach, a nawet na sceny operowe, to bez względu na to, jakie sytuacje i mise-en-sceny wymyślili reżyserzy i artyści, maska, wygląd Szwejka pozostawały w zasadzie niezmienione: nikt nie próbował odejść od portretu stworzonego przez Josefa Ładę.

W przeciwnym razie widz po prostu nie rozpoznał i nie zaakceptowałby Szwejka.
Podobnie jak Don Kichot i Sancho Pansa, przedstawione przez Gustave'a Dore'a, uzyskały bardzo określoną fizyczną rzeczywistość w umysłach ludzi. Stworzone przez artystę bardzo szybko stały się wspólną własnością, ludowymi bohaterami.
Ale nieco później Honore Daumier zwraca się do obrazów powieści Cervantesa. Fizyczny wygląd głównych postaci w Daumier jest w ogóle taki sam jak w Doré - tutaj priorytet słynnego ilustratora jest niekwestionowany. Lecz tylko. Duża seria obrazów, akwareli, rysunków Daumiera na temat „Don Kichota” nie jest tradycyjnymi ilustracjami, jak u Dore'a. Daumier odtwarza tylko dwóch głównych bohaterów narracji – Don Kichota i Sancho Pansę – razem lub osobno, najczęściej bez szczegółowej fabuła. Ale jakie bogactwo uczuć i myśli mają te dzieła Daumiera! Jakże bliskie są myślom przewodnim powieści Cervantesa, a zarazem jakże zgodne z marzeniami, ideami piękna i szlachetności, smutnymi refleksjami najlepszych współczesnych artyście! Jak subtelnie i z pasją opowiadają o tragicznych zawiłościach życia w XIX wieku!

Oto podróżnicy, tworzący dziwną, dziwaczną parę, podróżujący przez opuszczony, górzysty teren. Są sami w tym niegościnnym, osieroconym świecie, ich droga jest trudna, walka trudna, przyszłość nieznana. W innej z rzeczy Sancho Pansa nie jest ukazany jako prostoduszny, przebiegły miłośnik życia, jak to się zwykle przedstawia, ale jako mężczyzna trudny los pogrążona w niespokojnych, niespokojnych refleksjach. Silny, krępy, jak potężne drzewo, pod którego baldachimem siedzi, Sancho Pansa jest tutaj żywym ucieleśnieniem ziemskiej zasady, światowa mądrość, prosty i życzliwy, a więc znający boleśnie trudny los. Być może tylko on jest ograniczony, bezsilny, brakuje mu lotu marzeń, uskrzydlonej fantazji, proroczego impulsu, który nie uwzględnia zwyczajności - „roztropności” - jednym słowem cech, które Don Kichot posiada w tak hojnej obfitości , którego szczupła, chuda sylwetka majaczy na horyzoncie.
A w innej części cyklu bohaterowie niejako zamieniają się miejscami; w oddali spowita duszną mgłą postać grubasa Sancho Pansy na osiołku, a na pierwszym planie Don Kichot dumnie siedzący na Rosynancie z dzidą i tarczą w dłoniach. Jest na swój sposób majestatyczny, ten rycerz bez lęku i wyrzutów, dzielnie pędzący ku nowym wyczynom. Ale artysta nie tylko przedstawia z wyraźną domieszką gorzkiej ironii drżące nogi, wystające kości ledwo kroczącego konia i słabość samego bohatera, chudego i wychudzonego. Don Kichot wydaje się tutaj czymś niemal nierealnym, mirażem, wizją. Wzniosłe, ale utopijne złudzenia rycerza zdają się zmieniać go w ducha, żyjącego w jakimś innym wymiarze niż wszystko, co zwyczajne, ziemskie. . . Wszystko to jest oczywiście bardzo „cervantesowskie”. A jednocześnie taki zwrot obrazu wiąże się bezpośrednio ze smutnym uświadomieniem sobie niezgodności szlachetnych impulsów, prawdziwego człowieczeństwa z cynizmem i brudną prozą mieszczańskiego świata XIX wieku.

Ciekawe, że całe stulecie później, w rysunku Don Kichota i Sancho Pansy z 1955 roku, Pablo Picasso wyraźnie naśladuje Daumiera. Tylko tutaj tragiczna groteska ma jeszcze większą gorycz. Don Kichot Picassa (zarówno na tym rysunku, jak i na innych jedno-ciemnych) jest tylko upiornym, absurdalnym cieniem odległych nadziei i złudzeń, które obróciły się w pył.
. . . Zdarza się (choć stosunkowo rzadko), że rolę ilustracji w wierszu, powieści, opowiadaniu „powierza się” twórczości artysty, powstałej znacznie wcześniej niż dany tekst literacki. Goethe umieścił więc na okładce pierwszego wydania swojego „Fausta” z 1790 r. (które zawierało jedynie fragmenty pierwszej części niedokończonego jeszcze poematu) rycinę J. X. Lipsa ze słynnej akwaforty Rembrandta z 1652 r., przedstawiającą średniowieczną uczony w swoim gabinecie (od tego czasu akwaforta ta tradycyjnie nazywana jest „Faustem”, choć nic nie wskazuje na to, by Rembrandt oparł się w swojej pracy na starej legendzie o alchemiku-cudotwórcy).

W końcu historia sztuki zna też takie ilustracje, które już w chwili narodzin miały nieporównanie większe znaczenie niż towarzyszące im dzieła. Kto na przykład teraz pamięta i ponownie czyta pisarze francuscy lat czterdziestych ubiegłego wieku, autorzy tzw. „esejów fizjologicznych” – Clair, Alois, Philippon i inni? Ale ilustracje do ich książek, stworzone przez Honore Daumiera, będą żyły przez wieki.
Są to jednak wyjątki. Są ciekawe i nietuzinkowe, trzeba się z nimi liczyć, ale nie da się ukryć, że najczęściej charakterystyczne zasady inaczej kształtują się relacje między utworami literackimi a ilustracjami do nich. Z reguły pierwotne i pierwotne znaczenie dzieła pisarza, powstałego w odległej przeszłości lub w bardzo niedawnych czasach, jest pod każdym względem zachowane. I w przytłaczającej większości przypadków głównym zadaniem artysty nie jest jakoś „pogłębić” czy „uzupełnić” twórczość pisarza, ale możliwa kompletność i wiernie zrozumieć znaczenie, ducha, obrazy książki i dać im przekonującą interpretację graficzną.

Ściśle przestrzegając historycznej autentyczności obrazu, ilustratorów często interesuje przede wszystkim nie tyle konkretny rozwój fabuły, jej szczegóły, zwroty itp., Ale uogólnione ucieleśnienie ludzkich cech skoncentrowanych w poszczególnych obrazach. Interpretacja i ocena tych przymiotów jest zwykle kojarzona z ideałami współczesnych artystów, poglądami estetycznymi i społecznymi.
Tak więc jedna z ilustracji V. A. Favorsky'ego do „Małych tragedii” A. S. Puszkina - „Mozart i Salieri” - opiera się na kontrastowym porównaniu dwóch głęboko różne postacie. Favorsky wyraźnie odszedł od tradycyjnego wizerunku Mozarta jako lekkoskrzydłego wesołego faceta, szczęśliwego ulubieńca muz, który z beztroską hojnością obdarza wszystkich wokół blaskiem swojego słonecznego geniuszu. Artysta pokazał Mozarta pogrążonego w głębokiej, smutnej medytacji, skupionego, pogrążonego w sobie. Zapomniał o sobie, a dźwięki „Requiem”, uroczyste i oświecone, rodzą się w głębi jego duszy.
Salieri jest w szoku. Śmiertelnie rani go nie tylko zazdrość o wirtuozerię Mozarta, magiczne piękno jego kompozycji, ale przede wszystkim ta promienna czystość jego wewnętrzny świat. Salieri, urzeczony próżnymi namiętnościami, zachłanną grą egoistycznych nadziei i pragnień, ta muzyka czystego serca, nieskończenie piękna w swoim przenikliwym człowieczeństwie, jest niedostępna.

Wydaje się, że tak rozumiana „zasada Mozarta”, twierdzenie, że piękno jest zwycięstwem sprawiedliwości, czystości duchowej, jasnych ludzkich impulsów, jest w równym stopniu nierozerwalnie związane z poezją Puszkina, jak i ideałami moralnymi naszych współczesnych. Cudowny artysta, największy z radzieckich ilustratorów graficznych, z mądrą dojrzałością twórczego wglądu, znalazł tu żywy związek czasów, wewnętrzną jedność obrazów geniusza rosyjskiej poezji klasycznej i idei o piękna osoba nasze dni.

Ilustrator klasyków zawsze musi szukać wskazówek w swoim osobistym, żywym doświadczeniu. Bez nich żadna wiedza książkowa nie może ożyć; bez nich nawet najpotężniejsza i twórcza fantazja nie będzie w stanie przebić się przez drogę do prawdy. obraz artystyczny. Nie tylko klasyków XIX wieku, ale nawet Homera nie da się zilustrować, jeśli nie rozumie się, co jest dla nas, ludzi XX wieku, cenne i drogie. Rzeczywiście, obiektywnie najważniejsze i najistotniejsze w dziełach literatury klasycznej jest to, co trwałe, wiecznie piękne, zawsze żywe i nowoczesne. Co jest ważniejszego w Othello niż jego namiętna i prawdomówna, niezwykle ufna natura? W Nataszy Rostowej - jej czysty, młodzieńczy urok? W Levinsonie Fadejewa - najgłębsze, osadzone w krwi i kości demokracji, oddanie rewolucji?

Jeśli artysta jest w stanie pokazać to wszystko, co jest dla nas całkowicie zrozumiałe, żywe i dzisiaj, z powodzeniem rozwiąże swoje główne zadanie. Jeśli mu się nie uda, sprawy nie uratuje ani idealna wierność odwzorowania sytuacji historycznej, ani kostiumy w stylu epoki, ani najbardziej wirtuozowskie mistrzostwo rysunku czy akwareli. W sztuce ilustracji prawda historii objawia się przede wszystkim poprzez prawdziwość postaci. Jednocześnie jest rzeczą oczywistą, że ilustrator nie może pokazać pasji „w ogóle”, młodości „jako takiej”, woli „w najczystszym wyrazie”. Konkretne, zawsze niepowtarzalne zarysy obrazów są w utworze literackim wyraźnie zarysowane, a ilustrator jest zobowiązany do ścisłego przestrzegania tych zarysów. Ale ciało obrazów, istota postaci są zawsze bezpośrednio i bezpośrednio związane ze zrozumieniem i postrzeganiem ich współczesnych i współobywateli artysty.

Nic nie może lepiej i wizualnie odzwierciedlić zmian w tym zrozumieniu i postrzeganiu niż ilustracja. A wartość tego jest tym większa, że ​​przecież to ilustracja istnieje w książce obok tekstu, jednocześnie z nią dociera do czytelnika.
Jeśli mówimy o szkołach ilustracji i sztuki projektowej, to we współczesnym świecie radziecka grafika książkowa (jako całość) nie ma sobie równych i może to służyć jako powód do naszej uzasadnionej dumy: zachowaliśmy i rozwijamy jedną z najcenniejszych tradycji ludzkiej kultury, i to właśnie w takim okresie, kiedy grozi jej rozkład i śmierć.

Bez wątpienia branża poligraficzna, jak każda inna, musi mieć własne rozwiązania inżynierskie, standardy techniczne, własny projekt – to jest niepodważalne, jest to absolutnie konieczne.
Ale książka jako dzieło sztuki nie może być oddana władzy bezosobowej przemysłowej linii montażowej, a tym bardziej – szablonu rynkowego. Spowodowałoby to ogromne i nieodwracalne szkody w życiu duchowym ludzi. Nie ma książki bez artysty! Nie może być pełnoprawnej publikacji godnej życia kulturalnego naszej epoki bez rozwiązania figuratywnego, bez żywego, poruszającego duszę uroku indywidualnej oryginalności!

Chciałbym wierzyć, że miłośnicy książek przyszłych pokoleń, ci wspaniali ekscentrycy, romantycy i marzyciele, pojadą gdzieś do ruin nad brzegiem Sekwany lub na Liteiny Prospekt w poszukiwaniu pięknych publikacji naszych czasów, a nie do miejskie wysypiska, gdzie pospiesznie skanowane przez czytelników i pozbawione jakiegokolwiek waloru figuratywnego i wizualno-artystycznego „źródła informacji”…

Chociaż samo słowo ma greckie korzenie i oznacza „piszę”, „rysuję”. W naszych czasach jest gatunkiem niezależnym i wielopłaszczyznowym, który ma swoje gatunki i kanony.

Rodzaje grafiki

Ze względu na przeznaczenie prace graficzne dzielą się na następujące rodzaje:

• Grafika sztalugowa. Jako forma sztuki jest bliska malarstwu, ponieważ przekazuje wizję i emocjonalny świat artysta. Co więcej, mistrz osiąga to nie dzięki różnorodności palety kolorów i różne techniki ich zastosowanie do płótna, ale za pomocą linii, pociągnięć, plam i tonów papieru.
• Grafika użytkowa jako forma sztuki. Jej przykłady otaczają nas wszędzie, ma to określony cel. Na przykład ilustracja książki pomaga czytelnikowi łatwiej dostrzec jej treść, plakaty i plakaty niosą ze sobą wiedzę lub informacje reklamowe. Obejmuje to również etykiety produktów, znaczki, bajki i wiele innych.

Każdy rodzaj sztuki (grafika, obrazy nie są wyjątkiem) zaczyna się od szkicu rysunku. Wszyscy artyści używają go jako pierwszego kroku przed napisaniem głównego płótna. To w nim powstaje rzut położenia obiektu malarskiego w przestrzeni, który następnie jest przenoszony na płótno.

Rysunek graficzny

Grafika jako forma plastyczna, rodzaje grafiki dowolnego kierunku zaczynają się od rysunku, a także płótna w malarstwie. Do rysowania graficznego używa się papieru, najczęściej białego, chociaż możliwe są opcje.

jego główny piętno to kontrast dwóch lub więcej kolorów - czerni, bieli, szarości. Możliwe są inne rodzaje kontrastów, ale nawet jeśli mistrz używa czarnego ołówka na białym papierze, odcienie pociągnięć są bogate w różnorodność, od delikatnej czerni do głębokiej czerni.

Mocne emocjonalnie są rysunki czarno-białe z dodatkiem 1. Przyciąga wzrok, a skupienie oka widza skupia się na jasnym punkcie. Taka grafika jako rodzaj sztuki plastycznej (zdjęcie pokazuje to bardzo wyraźnie) staje się dziełem asocjacyjnym, gdy jasny akcent wywołuje w widzu osobiste wspomnienia.

Narzędzia do tworzenia rysunku graficznego

Najprostszymi i najbardziej dostępnymi środkami są ołówki grafitowe i zwykły długopis. Ponadto mistrzowie lubią używać tuszu, węgla drzewnego, pasteli, akwareli i sangwinika.

Najpopularniejszym narzędziem jest ołówek grafitowy. Jest to skrzynka drewniana lub metalowa, do której wkłada się albo szaro-czarny grafitowy pręt, albo kolorowy, do którego dodaje się barwniki.

Nie mają ciała, ale ich kolory można mieszać, aby uzyskać nowe odcienie.

Atrament ma bogaty czarny kolor, łatwo spada na papier i jest używany do kaligrafii, szkicowania i rysowania. Można go nakładać pisakiem lub pędzlem. Aby uzyskać różne odcienie czerni, tusz rozcieńcza się wodą.

Grafika jako forma sztuki nie ominęła takiego narzędzia jak węgiel. Węgiel drzewny był używany do rysowania od czasów starożytnych, aw XIX wieku węgiel artystyczny powstał ze sprasowanego proszku węglowego i materiałów klejących.

Współcześni mistrzowie grafiki używają również pisaków z prętem o różnej grubości.

Drukowana grafika

To nie wszystkie rodzaje stosowane w druku.

grafika książkowa

Ten rodzaj dzieł sztuki obejmuje:

• Miniatura książki. Starożytny sposób projektowania rękopisów, który był używany w Starożytny Egipt. W średniowieczu głównym tematem miniatury był motywy religijne i dopiero od XV wieku zaczęły pojawiać się podmioty świeckie. Głównymi materiałami używanymi przez mistrzów miniatury są gwasz i akwarela.
• Projekt okładki to przekazanie emocjonalnego przesłania książki, jej głównego tematu. Tutaj czcionka, wielkość liter i wzór odpowiadający jej nazwie powinny być harmonijne. Okładka przedstawia czytelnikowi nie tylko autora dzieła, jego dzieło, ale także wydawnictwo i samego projektanta.
• Ilustracje służą jako dodatek do książki, pomagając stworzyć wizualne obrazy dla czytelnika w celu dokładniejszego postrzegania tekstu. Grafika ta jako forma sztuki powstała w czasach druku, kiedy ręczne miniatury zostały zastąpione rycinami. Dzięki ilustracjom człowiek spotyka się w samym środku wczesne dzieciństwo kiedy jeszcze nie umie czytać, ale poprzez obrazki poznaje baśnie i ich bohaterów.

Grafiki książkowej jako formy sztuki wizualnej w edukacji przedszkolnej uczy się poprzez ilustrowane książeczki, które zawierają informacje obrazkowe dla najmłodszych dzieci oraz poprzez tekst z objaśniającymi ilustracjami dla dzieci starszych.

Plakat jako forma sztuki

Kolejnym przedstawicielem grafiki jest plakat. Jego główną funkcją jest przekazywanie informacji za pomocą krótkiej frazy z obrazem, który ją wzmacnia. Zgodnie z zakresem plakatów są to:

Plakat to jeden z najczęściej spotykanych rodzajów grafiki.

Grafika użytkowa

Innym rodzajem grafiki jest projektowanie etykiet, kopert, znaczków i okładek na filmy i płyty z muzyką.

• Etykieta to rodzaj grafiki przemysłowej, której głównym celem jest przekazanie maksimum informacji o produkcie przy jednoczesnym zachowaniu minimalny rozmiar Zdjęcia. Podczas tworzenia etykiety brana jest pod uwagę kolorystyka, która powinna sprawić, że odbiorca polubi i zaufa produktowi.
• Okładki płyt zawierają maksimum informacji o filmie lub Grupa muzyczna przepuszczając go przez rysunek.
• Projekt graficzny znaczków i kopert ma długą historię. Fabuła dla nich to najczęściej wydarzenia rozgrywające się w różnych krajach, świat i wielkie święta. Znaczki mogą być wydawane zarówno w pojedynczych egzemplarzach, jak iw całych seriach, połączonych jednym tematem.

Znaczek jest chyba najpopularniejszym rodzajem grafiki, który stał się przedmiotem kolekcjonerskim.

Nowoczesna grafika

Wraz z nadejściem technologia komputerowa zaczął się rozwijać nowy rodzaj grafika – grafika komputerowa. Służy do tworzenia i poprawiania obrazy graficzne na komputerze. Wraz z jej pojawieniem się pojawiły się nowe zawody, na przykład grafik komputerowy.

Wyświetlenia: 8 317

Charakterystyczną cechą grafiki książkowej jest jej ścisły związek z poligrafią, jej zależność od poziomu i kultury pracy w produkcji poligraficznej.

W oparciu o główne zadania grafiki książkowej dzieli się na projekt i ilustracja książki. Projekt książki obejmuje jej wystrój dekoracyjny, jej dekorację, rysowane elementy czcionek, konstrukcję kompozycyjną czcionek itp. (okładka, strona tytułowa, strona tytułowa itp.) Ilustrowanie książki (z łac. illustratio - obraz wizualny, opis) rozwiązuje problem figuratywnego ujawnienia tekstu literackiego za pomocą rysunków (różnego typu ilustracji). Natychmiast zrób rezerwację, że taki podział jest bardzo warunkowy. W dobrej książce nie sposób prześledzić, gdzie kończy się projekt, a zaczyna ilustracja. Znamy przykłady przekonującego rozwiązania koncepcji ideowej i konstrukcji książek tylko za pomocą projektu. Dość często w elementach projektu (na okładce, karcie tytułowej, obwolucie itp.) znajdujemy rysunek, który przyczynia się do ujawnienia tekstu literackiego. Prawdziwe ilustracje w książce, z całą głębią ideowego, figuratywnego rozwiązania, w

z kolei nie tracą efektu dekoracyjnego, nie przestają być elementami dekoracji książki, doskonale współgrając z zestawem, papierem - z charakterem książki.

Złożony organizm książki składa się z wielu elementów. Zapoznajmy się z tymi elementami, w rozwiązaniu których artysta odgrywa wiodącą rolę.

Okładka (twarda)- artystyczne rozwiązanie okładki książki, w której zamknięty jest blok książki. Rozwiązanie okładki, w którym z reguły stosuje się kolor, powinno być warunkowo dekoracyjne, jasne, nadawać książce piękny wygląd, ale jednocześnie dawać dokładny opis książki, ujawniać jej główne znaczenie, styl i symbolikę Struktura. Okładka powinna zawierać elementy czcionki odzwierciedlające główne dane nagłówka (autor i tytuł książki).

obwoluta(z łac. super - powyżej, nad) nazywana jest artystycznie zaprojektowaną papierową okładką książki

nad okładką. Głównym zadaniem obwoluty jest zwrócenie uwagi na książkę i zabezpieczenie okładki przed zniszczeniem na jakiś czas.

Tytuł lub strona tytułowa- prawa połowa pierwszej rozkładówki książki.

Tytuł zawiera bardziej złożone elementy czcionek, które wyjaśniają nagłówek i publikowane dane. Czasami dane te są rozszerzane na sąsiednią, lewą stronę - kontratytuł. Decyzja ta nazywana jest odwróceniem tytułu. Jeśli ilustracja jest umieszczona na lewej stronie pierwszej rozkładówki lub wydrukowany jest portret autora, to taka strona nazywa się fronton. Rysunek tytułowy jest używany stosunkowo rzadko i ma większą wartość dekoracyjną.

Szmuttitulami Nazywa się oddzielne arkusze, które otwierają części, sekcje książki. Umieszczony jest na nim nagłówek oraz prosty motyw ornamentalny lub rysunek.

Ilustracje- są to rysunki, które w przenośni odsłaniają tekst literacki, podporządkowane treści i stylowi dzieła literackiego, jednocześnie ozdabiając książkę i wzbogacając jej dekoracyjną strukturę. Zadania ilustracji są również częściowo rozwiązane w rysunkach na okładce, tytule, wstępach i zakończeniach.

Wygaszacz ekranu- niewielka kompozycja o charakterze ozdobnym lub w formie rysunku, otwierająca jakiś fragment tekstu (początek księgi, część, rozdział). Ekran powitalny jest ściśle powiązany z paskiem składu i nigdy nie zamienia się w ilustrację.

kończący się- mały motyw rysunkowy lub ozdobny, który uzupełnia ostatnią stronę działu lub całej księgi.

Wstępny(z łac. initialis - inicjał) - pierwsza litera dowolnej sekcji w tekście książki, rękopisu, stworzona przez artystę. W życiu codziennym zachowała się stara rosyjska nazwa inicjału - list.

Pierwsza strona tekstu księgi, zwykle ozdobiona opaską lub pierwszą literą, nazywana jest zejściem lub

pas zjazdowy.

To jest krótka lista elementów książki. Oprócz obowiązkowej okładki i tytułu dla każdej książki, wszystkie inne elementy są wprowadzane w zakresie wymaganym przez cele, przeznaczenie książki, jej objętość, nakład i intencje artysty.

Proces twórczy w sztuce grafiki książkowej jest złożony. Artysta musi uchwycić ducha dzieła literackiego, jego styl i odzwierciedlić go w swojej pracy. Stoi przed nim zadanie wydobycia za pomocą plastyki treści ideowych i artystycznych dzieła, zachowania jedności struktury figuratywnej i dekoracyjnej książki z duchem dzieła, stylem pisarza oraz nadania współczesna ocena dzieła literackiego w jego indywidualnym rozwiązaniu obrazowym.

Ważną stroną sztuki grafiki książkowej jest obowiązkowe uwzględnienie cech struktury drukarskiej książki, jej specyfiki jako wartości kulturowej i jako rzeczy. Artysta książki musi pracować w ściśle określonej, z góry ustalonej wielkości (formacie). Istnieją pewne najbardziej racjonalne standardowe formaty.

Artysta nie może dowolnie zmieniać proporcji prześcieradła, co stwarza pewne trudności i rysy w kompozycji. Na podstawie obowiązującego formatu artysta określa objętość książki, liczbę i rodzaj elementów graficznych, ich rozmieszczenie w książce, musi być dla niego jasne, jaką czcionką zostanie napisany tekst, jakie są proporcje pasek składu i marginesy strony. Wszystkie elementy graficzne w książce są bardzo ściśle związane z czcionką. Tworzenie czcionek to starożytna i wysoka sztuka. Wiele pokoleń artystów pracowało nad stworzeniem czcionek o pięknym designie, doskonałych proporcjach, czcionkach wyraźnych, czytelnych i zróżnicowanych stylistycznie. Tylko mając różnorodne piękne czcionki, możesz z powodzeniem rozwiązać problem projektowania książek. Typowe elementy okładki, tytuły, obwoluty, półtytuły, osobne nagłówki są z reguły rysowane przez artystów. Konieczne jest osiągnięcie ich harmonijnego połączenia z krojami pisma, z elementami obrazkowymi. Twórca książki musi nie tylko znać czcionki i umieć ich używać, ale także umieć modyfikować istniejące czcionki i tworzyć nowe, odpowiadające jego pomysłowi, stylowi książki, charakterowi

Praca literacka. Stale dbając o jedność drukarską i artystyczną książki, artysta musi znać przynajmniej podstawy produkcji poligraficznej i być w bliskim kontakcie z pracownikami wydawniczymi przygotowującymi książkę do publikacji oraz drukarzami. Wszystkie elementy graficzne książki powinny harmonijnie łączyć się z płaszczyzną papieru, pasem składu. Pracując np. nad ilustracją, artysta musi mieć jasną wizję tego, jak zostanie ona połączona z paskiem składu na następnej stronie, jak będzie wyglądać rozłożenie książki.

Nowoczesna grafika książkowa charakteryzuje się różnorodnością poszukiwań, odważnymi eksperymentami wielu mistrzów, różniących się kreatywnym wyglądem.

Należałoby rozważyć osobną linię w sztuce grafiki książkowej grafiki magazynów i gazet. Specyfika periodyków stawia przed grafiką czasopism i gazet swoje szczególne zadania. Jeśli książka służy człowiekowi przez długi czas i jest poświęcona określonemu tematowi, jednej gałęzi wiedzy, to szybko zmieniające się (periodyczne) czasopisma i gazety zawierają najbardziej różnorodny materiał, odzwierciedlający zadania dnia, obejmujący najróżniejsze obszary działalności człowieka. Gazeta służy jednego dnia, jest czytana szybko, a wszystkie jej elementy obrazkowe powinny natychmiast pasować do umysłu, a zatem być proste, piękne i jasne, wygodne do szybkiego postrzegania. Rysunki liniowe są najlepiej postrzegane w gazetach. W czasopiśmie publikowane są materiały o charakterze przeglądowym, uogólniającym. Dość często pismo adresowane jest do określonego kręgu czytelników (magazyn rolniczy, magazyn o zdrowiu, magazyn o modzie itp.). Ale magazynek charakteryzuje się również różnorodnością materiału i krótką żywotnością. Formaty czasopism i układ tekstu w nich znacznie różnią się od tych w książkach. Rysunek czasopisma powinien być wyrazisty i chwytliwy, współgrający z nagłówkami i składem. Bardzo dobre jak na szkicownik. Korzystnie odróżniają się od fotografii zdolnością artysty do pokazania tego, co najbardziej typowe, do uogólnienia

zjawisko, stworzyć obraz, postać; poza tym rysunki dużo lepiej pasują do zestawu niż zdjęcia. Dziś niestety nasze gazety i czasopisma często obfitują w stemple, które ułatwiają i przyspieszają korzystanie z technologii komputerowej.

Karykatura(z tego. karykatura< caricare – нагружать, преувеличивать) – особый сатирический жанр газетно-журнальной графики. В карикатуре намеренно подчеркиваются, преувеличиваются характерные черты и особенности человека или события для того, чтобы выполнить задачу разоблачения, осмеяния, воздействия. Самостоятельная (станковая) карикатура встречается сравнительно редко – она почти всегда связана с газетой, журналом, книгой, плакатом. В большинстве случаев карикатура сопровождается текстом. Благодаря печатным изданиям карикатура распространяется очень широко.