Podstawą każdego obrazu jest rysunek, więc przede wszystkim zrozumiemy jego cechy.
Istnieją dwa główne typy obrazów na rysunku:
a) liniowy, w którym trójwymiarowa forma obiektów - postaci ludzi, zwierząt, drzew itp. - jest zbudowana wyłącznie z linii; w liniach są zarysowane Ogólny zarys oraz struktura zarówno całej formy przedstawionego obiektu jako całości, jak i jego głównych części; ta technika pomaga przekazać w pewnym stopniu i nie tylko na rysunku liniowym struktura ogólna przedstawiony obiekt, ale także jego trójwymiarowa forma;
b) czarny i biały, w którym przestrzenny kształt obiektów jest przekazywany nie tylko przez konstrukcję liniową, ale także przez światłocień. Części przedstawionych obiektów, które w przyrodzie są najbardziej oświetlone, pozostawiono na rysunku bez cieniowania. Mniej oświetlone są transmitowane w półtonach, czyli nieco zacienione. Miejsca w pełnym cieniu pokryte są grubym cieniowaniem.
najpełniej oddający rzeczywistość i widok złożony Rysunek to obraz, w którym jednym kolorem (ołówkiem, węglem, długopisem itp.) wyraża się nie tylko wolumetryczny kształt przedmiotów, ale także ich różną jasność, charakter ich powierzchni, cechy oświetlenia i relacje przestrzenne. Taki wzór jest czasami nazywany tonem.
Te dwa główne rodzaje rysunków można znaleźć bardziej szczegółowo podczas pracy nad martwą naturą, postacią ludzką itp.
W ramach tych dwóch sposobów reprezentacji istnieje wiele pośrednich.
Rysunek może mieć niezależne znaczenie- przedstawiać gotowe dzieło sztuki lub być wstępnym szkicem do dalszej pracy w kolorze. W tym drugim przypadku rysunek ma znaczenie pomocnicze.
Etiuda
Każdy artysta realista na co dzień pracuje z natury, to znaczy rysuje lub maluje ludzi, pejzaże lub grupy przedmiotów. Taki obraz z „natury” nazywa się etiudą. Przedstawiona przez artystę osoba lub grupa osób nazywana jest w tym przypadku naturą lub modelem.
Istnieje specjalny zawód tzw. opiekunek, które przez kilka godzin pozują artystom. Ale artysta żywo zainteresowany otaczającą rzeczywistość, nie może oczywiście ograniczać się do niektórych opiekunów. Jako pisarz w zeszyt, więc artysta umieszcza na płótnie lub w albumie wszystko, co go ekscytowało i interesowało.
Artysta bardzo często w życiu musi zbierać materiały pewien obraz. Po zgromadzeniu materiałów artysta przystępuje do tworzenia obrazu: zaczyna przerabiać swoje szkice, uzupełniać i uwydatniać niektóre cechy, inne pomijać.
Etiudę można czasem uznać za samodzielne dzieło sztuki, na przykład wtedy, gdy artysta maluje bezpośrednio z natury z wielką siłą i ekspresją zjawisko, które go interesuje (na przykład szkice chłopców autorstwa wielkiego rosyjskiego artysty Aleksandra Iwanowa).
Dlatego artysta musi ostrożnie obchodzić się ze swoimi szkicami, od czasu do czasu je przeglądając.
Naszkicować
Szkic, czyli wstępny szkic przyszły obraz(plakat, panel dekoracyjny itp.) artysta wykonuje nie z natury, ale na podstawie swoich wyobrażeń o rzeczywistości. Głównym zadaniem szkicu jest nakreślenie rozwiązania sceny fabularnej na zdjęciu.
Szkice mogą być różnego rodzaju:
a) wstępne szkice, które wyrażają pierwsze myśli artysty związane z wspólny plan przyszłość, prace;
b) szkice, w których artysta pracuje nad poszczególnymi częściami przyszłego obrazu, np. rozmieszczeniem poszczególnych postaci i grup itp.;
c) w końcu, przed przystąpieniem do wykonania obrazu, artysta często wykonuje ostateczną wersję szkicu, w którym niejako produkuje próba generalna, ostateczne sprawdzenie przyszłego rozwiązania obrazu. W takim szkicu wszystkie uzyskane materiały są już podsumowane: studia, szkice i wcześniejsze szkice.
po takim wersja ostateczna szkicu, artysta zabiera się do malowania obrazu. Jednak nawet rozpoczynając malowanie, artysta nadal przetwarza i udoskonala wszystkie elementy, które się na niego składają.
Jakie wspaniałe rezultaty osiąga artysta realista podążając tą drogą, można zobaczyć w „Swataniu majora” Fiedotowa, „Mieńszykowie w Berezowie” Surikowa i „Nie spodziewali się” Repina.
Słownik obcych słów
etiuda[fr. etiuda]-
1) w sztukach wizualnych - szkic przygotowawczy do przyszłego dzieła lub jego części, wykonany z natury;
2) muzyka instrumentalna. utwór oparty na wykorzystaniu określonej technicznej techniki gry i mający na celu doskonalenie warsztatu wykonawcy; ogólnie - muzyka. utwór o koncertowym charakterze wirtuozowskim;
3) mała praca naukowy, krytyczny i inny charakter, poświęcony niektórym. osobna kwestia;
4) w szachach i warcabach – zadanie wygrania lub remisu w danej pozycji małą liczbą figur.
Nowy słownik wyjaśniający i derywacyjny języka rosyjskiego. Autor T. F. Efremova.
etiuda m.
1) Utwór o charakterze pomocniczym - rysunek, obraz lub rzeźba - a zwykle nie duży rozmiar wykonane z natury.
2) Utwór instrumentalny o charakterze wirtuozowskim przeznaczony do wykonania koncertowego.
3) Mały Praca literacka lub badania naukowe nad czymś. prywatne pytanie.
4) Ćwiczenie służące rozwijaniu i doskonaleniu techniki niektórych sl. sztuka: aktorstwo, szachy, muzyka itp. (zwykle improwizowane).
słownik ortograficzny
etiuda et'yud, -a
Słownik wyjaśniający, wyd. S. I. Ozhegova i N. Yu. Shvedova
ETIUDA, -rano.
1. Rysunek, obraz lub rzeźba wykonana z natury, zwykle część przyszłej dużej pracy. E. do zdjęcia.
2. Mała praca (naukowa, krytyczna) na określony temat Literacka e.
3. Kompozycja muzyczna natura wirtuozowska. Szkice Rachmaninowa.
4. Rodzaj ćwiczeń (muzyka, gra w szachy). Szkice dla początkujących. Rozwiąż szachy a.
5. pl. Rysowanie, malowanie farbami z natury do ćwiczeń, kreślenie szkiców. Przejdź do szkiców. O aplikacji. etiuda, th, th (do 1. 3, 4 i 5 wartości).
Słownik wyjaśniający języka rosyjskiego, wyd. D. N. Uszakowa
ETIUDA etiuda, m. [fr. tude z łac. studium - pracowitość, pracowitość].
1. Dzieło (rysunek, rzeźba itp.), będące wstępnym szkicem, szkicem, które może służyć jako część niektórych. kompozycyjną całość. Studium do obrazu. Szkic krajobrazu. Studium płaskorzeźby. Wyjedź za miasto na szkice.
2. Nazwa niektórych prac, które są wynik niektórych. badania (książka). Studia filozoficzne. Szkice o stylu Gogola. badanie krytyczne.
3. Rodzaj ćwiczenia (muzyka, gra w szachy lub warcaby itp.). Studium na flet. Szachy, szachownica etiuda. (zadanie polegające na znalezieniu sposobu, w jaki białe mogą wygrać lub zremisować przy zadanym układzie figur, w przeciwieństwie do „problemu”, który nazywa się zadaniem znalezienia kombinacji prowadzącej siłą do mata czarnych w określonej liczbie ruchów) . Rozwiąż etiudę.
4. Mały utwór muzyczny o charakterze wirtuozowskim (muzyka). Etiudy Chopina. Etiudy fortepianowe Skriabina.
F. Brockhaus, IA Efron. słownik encyklopedyczny
Etiuda(esercizio, exercice) - ćwiczenie muzyczne napisane w celu rozwinięcia techniki gry lub śpiewu. E. istnieją dla śpiewu (wokalizacji) i dla wszystkich instrumentów i polegają na tym, że znana figura techniczna jest powtarzana w różnych stopniach skali iw różnych trybach. E. w załączeniu zawartość muzyczna i forma. E. są pisane w sposób biegowy lub w magazynie kolanowym. W dobie dominacji polifonii E. napisał dla rozwoju techniki polifonicznej: wynalazki, toccata. Na fortepian napisał E. Clementi, Kramer, Moscheles, Kalkbrenner. Istnieją E. (głównie w zakresie fortepianu), w których oprócz celu technicznego realizowane są cele artystyczne. Podobne E. znajdują się nie tylko w użytku domowym, ale także na estradach koncertowych, jak np. E. Chopin, Schumann (E. symfoniczna), Thalberg, Moscheles, Liszt itp. Ich formy są szersze (pieśń, rondo, wariacja itp.). Są też E., przeznaczone nie do rozwoju techniki, ale np. do rozwoju frazowania melodycznego. E. cis-moll Chopin, E. Stefan Geller. NS
Nowoczesny słownik wyjaśniający
ETIUDA(Etiuda francuska, dosł. - studium), ..
1) w sztukach wizualnych praca (zwykle przygotowawcza) wykonywana przez artystę z życia w celu jej zbadania ...
2) utwór muzyczny instrumentalny, oparty na określonej technice wykonania i mający na celu rozwój umiejętności technicznych wykonawcy. Powstają również wysoce artystyczne kompozycje wirtuozowskie tego gatunku, przeznaczone do wykonania koncertowego (opisy fortepianowe F. Liszta, F. Chopina, A. N. Skriabina itp.)...
3) W nowoczesnym pedagogika teatralnaćwiczenie służące rozwijaniu i doskonaleniu warsztatu aktorskiego. Składa się z różnych działań scenicznych, improwizowanych lub przygotowanych przez nauczyciela.
Słownik synonimów N. Abramov
Malarstwo, obraz, akwarela, panel, pastel, krajobraz, płótno, szkic, etiuda, głowa; mozaika. Poślubić<Изображение и Рисунок>. Zobacz widok, obraz
„Dawno temu zdałem sobie sprawę, że dla historyków sztuki autoekspresja jest ważniejsza niż treść”.
Eldar Ryazanow
„Dlaczego ja, syn słynnego moskiewskiego malarza, który spędził dzieciństwo i młodość wśród artystów, którego kolekcja zawiera więcej obrazów i rysunków niż w jakimkolwiek innym muzeum regionalnym, miałbym słuchać historyków sztuki, którzy nigdy nawet pędzli nie trzymali w rękach ?”
Aleksandra Gremickiego
W Wikipedii termin „obraz” w odniesieniu do malarstwa definiuje się jako „dzieło sztuki, które ma charakter kompletny (w przeciwieństwie do szkicu i studium) i niezależny wartość artystyczna”. Pojęcia „etiudy”, „szkicu” i „szkicu” w odniesieniu do malarstwa są na ogół łączone w Wikipedii i sprowadzają się do jednej koncepcji - szkicu, materiału przygotowawczego do własnego obrazu artysty.
Sprawdźmy, czy jest to prawdą w praktyce:
Trzeba powiedzieć, że wszystko terminologia artystyczna rozwinęła się w XIX wieku, jeśli nie wcześniej. W tamtych czasach nie tylko u nas, ale w całej Europie porządni ludzie mieli mówić wyłącznie po francusku, o czym świadczy terminologia używana do dziś w malarstwie. Tak więc słowo „etude” pochodzi od francuskiego „étude”, a „szkic” – na przykład od francuskiego „esquisse”. Klienci malarzy mieszkali głównie w bardzo przestronnych, delikatnie mówiąc, pokojach, które wymagały dekoracji ogromnymi płótnami, których naturalnie nie dało się namalować z natury. Oczywiste jest, że w takich warunkach ceniono tylko produkt końcowy - duży obraz (ale, nawiasem mówiąc, był płatny wyłącznie). Ponieważ dzieła przyrodnicze, do których w rzeczywistości należą szkice, nikomu nie przyszło do głowy powiesić na ścianie, nie można było za nie zdobyć pieniędzy, a zatem, jeśli zostały napisane, to tylko jako materiał pomocniczy dla niektórych Duży obraz i były jeszcze mniej ważne niż szkice, które były starannie spisywane, ponieważ musiały zostać przedłożone klientowi do zatwierdzenia.
To tam z „czasów Oczakowa i podboju Krymu” migrowały dawno przestarzałe definicje warunki artystyczne do Wikipedii! Tak, a także w innych słownikach, niestety, a stamtąd - do naszych głów.
Jednak przez koniec XIXw stulecia, wraz z demokratyzacją społeczeństwa, poglądy na to, jaki może być finalny produkt malarstwa, zmieniły się diametralnie. Jeśli francuskich impresjonistów nadal obwiniali etiudę swojej pracy, potem A.K. Savrasov zachęcał swoich uczniów do „uczenia się od natury”. Spośród rosyjskich artystów na przykład Konstantin Korovin zasłynął właśnie ze swoich studiów przyrodniczych, praktycznie w ogóle nie pisał obrazów tematycznych. Żyjemy już w XXI wieku, ale w odniesieniu do malarstwa nadal posługujemy się rozumieniem jego terminologii sprzed 200 lat, paradoks i nic więcej!
Niezrozumienie najprostszych określeń malarskich używanych w mowie potocznej, na podstawie tak starożytnego ich rozumienia, celowo narzucone ogółowi przez szanowanych krytyków sztuki, którzy, jak widać, właśnie dlatego, że PROFESJONALNIE nic nie rozumieją w sztuka, można umieścić zwyczajna osoba w ślepy zaułek. Dlatego w tym artykule chciałbym rozważyć główne terminy powszechnie używane w malarstwie w odniesieniu do obecnej sytuacji.
ZNACZENIE SŁOWA „PISAĆ”(oczywiście z akcentem na drugą sylabę)
W języku rosyjskim słowo „pisać” ma podstawowe znaczenie „pisać litery i cyfry”. W malarstwie profesjonaliści używają słowa „namalować obraz” jako terminu. Jeśli artysta mówi: „namalowałem obraz”, to w tym przypadku nie używa fachowa terminologia ale tylko mówi codzienny język, W jaki sposób zwykli ludzie, niezwiązany z działalność artystyczna. W sensie terminologicznym rysują węglem, sangwinikiem, ołówkiem, pastelą, ale nie obrazem olejnym. „Ten obraz artysty jest namalowany olejem” - może powiedzieć tylko osoba, która jest daleka od malarstwa. I nie ma w tym nic strasznego, to nie jest takie ważne. Nieważne, że nie wiesz, co to czerwony kraplak lub żółcień kadmowa i nigdy nie słyszałeś o jakiejś umbrze czy sjenie palonej. Tytuły farby artystyczne, które dokładnie oznaczają określone kolory (wszak i czerwony, i żółty, i niebieski są różne), absolutnie nie jest konieczne, aby nie-specjalista wiedział, a historycy sztuki nie wkraczają w tak wąsko profesjonalne określenia.
Z drugiej strony ci panowie „sztuką”, czyli prościej krytycy, czyli dziennikarze piszący o sztuce, skutecznie narzucili wszystkim innym fałszywe przekonanie, że sztuka, jak mówią, „powinna być zrozumianym." Kto zna się na sztuce? Oczywiście nikt oprócz historyków sztuki!
W ten sposób skutecznie wyjaśniono nam, że w sztukach pięknych nic nie wiemy i nic nie rozumiemy. A najciekawsze jest to, że całkowicie się z tym zgadzamy! Kogo nie zapytacie: „Nie rozumiem malarstwa”, „Nie rozumiem sztuki”… iw tym duchu.
I co tu właściwie jest do zrozumienia? Sztuka, w tym sztuki piękne, jest dla nas stworzona, zwykli ludzie, a nie dla „specjalistów”, odwołuje się do estetyki, która tkwi w naturze każdego z nas. W sztuce dla widza, czytelnika, słuchacza istnieją tylko dwa kryteria – lubić i nie lubić. Czy przeczytasz nudną książkę? Oglądasz zły film lub grasz? Czy posłuchasz opery, muzyki, piosenki, której nie lubisz? Myślisz, że Kazimierz Malewicz genialny artysta, a Velimir Chlebnikow – genialny poeta? Nie? Brawo! Jesteś świetny w sztuce!
Ale abyśmy ty i ja, jak to ujął Piotr I, „rozpoznawali od innych nieświadomych głupców”, konieczne jest jednak wyjaśnienie sobie kilku wspólnych, często spotykanych w mowie potocznej terminów związanych z malarstwem w tym walizka.
MATERIAŁ NA OBRAZ ARTYSTY
Nieprofesjonaliści, za sugestią tych samych historyków sztuki, zwykle w to wierzą prawdziwe zdjęcie olej powinien być malowany wyłącznie na płótnie, a inne podstawy, takie jak tektura artystyczna, generalnie nie zasługują na uwagę. Wtedy Mona Lisa nie powinna być uważana za obraz, ponieważ Leonardo używał do swojej pracy deski lipowej.
Karton zagruntowany tak, aby farby nie wsiąkały w niego białą masą, tzw. podkład, składający się z kredy i kleju lub kolorowy podkład, jeśli wymaga tego artysta, czyli specjalny karton artystyczny, jest zaskakująco wygodny w pracy, zwłaszcza na świeżym powietrzu. Tektura to zwarty, dość gęsty materiał, który nie ugina się pod naciskiem pędzla, w przeciwieństwie do płótna. Pod wpływem zmian temperatury i wilgotności w pomieszczeniu płótno czasem zwisa, czasem się rozciąga, farba z niego kruszy się z czasem, ale nie z tektury. Malowanie na tekturze jest równie trwałe jak sama tektura, a płótno nawet przewyższa ją wytrzymałością.
To samo można powiedzieć o płycie pilśniowej, chociaż jest znacznie cięższa niż tektura. Radzieccy artyści często sami gruntowali płytę pilśniową, a nawet po prostu, aby wygodniej było pisać, a pędzel nie sprężynował, specjalnie wklejali zagruntowane płótno na płytę pilśniową. Tutaj jesteś pierwszorzędny przykład, martwa natura z bzami ma całkiem spory rozmiar:
A co z płótnem? Wyłącznie z nim artyści Imperium Rosyjskie działała do 1862 roku, kiedy to rosyjski przemysł zaczął produkować tekturę artystyczną.
Płótno wymaga ciężkiego blejtramu i dobrego rozciągnięcia płótna. Jednocześnie musisz długo czekać, aż farba wyschnie po zakończeniu pracy, w przeciwnym razie płótna nie można zwinąć, ponieważ mokre farby będą się sklejać, a obraz zostanie całkowicie zniszczony. Farby mogą wyschnąć cały miesiąc. Tutaj artysta rozpoczyna przymusowe przestoje. Do transportu obraz, jeśli jest duży, jest zdejmowany z blejtramu, ostrożnie składany obrazem do góry na dużą szpulę, aby nie uszkodzić obrazu. Kolejny etap - po dostarczeniu na miejsce ponownie naciągnąć płótno na krosno, prawidłowo, bez zniekształceń, zagięć w rogach i zapadnięć, ale bez nadmiernego naprężenia (to wszystko może też uszkodzić warstwę malarską). A z biegiem czasu płótno naciągnięte na blejtram, pod wpływem zmian wilgotności i temperatury, może zwisać lub odwrotnie, nadmiernie się rozciągać, co może nawet grozić rozerwaniem płótna. To z kolei może powodować łuszczenie się warstwy farby, niszcząc lub niszcząc obraz. Dlatego w halach i magazynach muzea sztuki więc ściśle monitoruj stałość wilgotności i temperatury.
Tektura artystyczna ma wiele zalet. Jest lekki, wychodząc na zewnątrz, można go umieścić w specjalnej drewnianej ramie z klipsami, która posiada na górze uchwyt do paska do przenoszenia. Wyobrażenie o tym użytecznym urządzeniu daje rysunek takiej ramy do szkiców, zachowany w papierach mojego ojca, który mój ojciec zamówił u jakiegoś stolarza. Oto rysunek:
Czasami malarz zabiera ze sobą dwa kartony na szkice na raz. Jeden jest używany jako pierwszy, a następnie if
zmieniło się oświetlenie lub nastrój, albo inny motyw zwrócił uwagę, artysta bierze drugi karton i już na nim pisze. Po skończonej pracy obraca jeszcze surowe kartony wewnątrz ramy i mocuje je zaciskami. Kartony nie stykają się ze sobą. Jednocześnie obraz pozostaje nienaruszony i nienaruszony. Wyschnie w warsztacie.
Dlatego po 1862 r., kiedy to powstała produkcja przemysłowa zagruntowanej tektury artystycznej, malarze stopniowo zaczęli coraz częściej podróżować z tekturą w plener.
Panowie, historycy sztuki, którzy nic o tym nie wiedzą i sami nie napisali ani jednego szkicu, gardzą tekturą artystyczną, nie wiadomo dlaczego uważają malowanie na tekturze za ewidentnie niedokończone, wychodząc tylko z tego, że w większości są pisane na tekturze etiudy, które, jak zobaczymy poniżej, są zawsze dziełami skończonymi, starannie opracowanymi, często wymagającymi bardzo dużego nakładu pracy. Co więcej, wymyślono również słowo „etiuda”, używane jako synonim niedokończonej pracy, zaniedbania i… niekompletności! Ale pozwólcie, że zapytam, co ma wspólnego niestaranność wykonania lub niekompletność obrazu z tym, na czym jest on napisany? Tak, a na płótnach nie ma szkiców, prawda?
Nawiasem mówiąc, obraz jest w stylu socrealizmu radziecki artysta Nikolai Ovchinnikov „W sklepie”, który we wrześniu 2016 r. V.V. Putin dał DA Miedwiediew jest napisany na tekturze.
Ściśle mówiąc, nie jest to obraz, ale pełnowymiarowe studium wykonane przez artystę bezpośrednio w warsztacie fabrycznym, ale ta terminologia zostanie omówiona poniżej.
Najważniejszy jest nie materiał, na który naniesiony jest obraz, ale to, w jaki sposób artysta zdołał oddać rzeczywistość, nastrój, swoje uczucia i zdradzić je widzowi. Materiał podstawowy, czy to płótno, tektura, płyta pilśniowa, papier, tektura, a nawet cienka ocynkowana blacha, nie ma z tym nic wspólnego. Talent, doświadczenie, dobry Szkoła Artystyczna. Mówią, że w Abramtsevo S.I. Mamontow kiedyś zmienił dach w domu. MAMA. Vrubel wziął kawałek blachy dachowej i napisał na nim liliowy. I co teraz, to nie jest Vrubel?
Oto „Portret Smirnova D.P., pracownika manufaktury Tryokhgornaya, zastępcy Rada Najwyższa ZSRR"
prace radzieckiego artysty Siergieja Fiodorowicza Sołowjowa. Jest również wykonany z ocynkowanego żelaza. Portret, ze względu na swoje ponadskromne rozmiary 37,5x31,5 cm i taką oficjalną nazwę, jest ewidentnie prawdziwym studium dla dużego, szytego na zamówienie portretu lidera produkcji. Najwyraźniej, kiedy model przyszedł pozować do pracowni artysty, nie miał nic innego pod ręką, więc napisał całkowicie skończoną małą portret kobiety, które następnie, być może z niektórymi drobne zmiany przeniesiony na duże płótno.Czasami, z powodu ówczesnego braku wszystkiego, pisali radzieccy artyści farby olejne nawet na papierze, który w ogóle nie jest do tego przeznaczony. Tak więc, w szczególności, czasami mój ojciec działał. Potem, po śmierci ojca, musiałem ten papier nakleić na tekturę. ("Padał śnieg" papier na tekturze, olej; 61,5x82; 1969)
Ba, pisali nawet na płótnie z podartych worków! I wyszło dobrze!
Oto na przykład praca ojca „Przewodniczącego”. Jej historia jest następująca: jej ojciec otrzymał podróż służbową do jednego z kołchozów w Ałtaju, gdzieś w pobliżu Bijska, z zadaniem napisania tam przewodniczącego, Bohatera Pracy Socjalistycznej. Oczywiście w kołchozie nie było płótna, nie mówiąc już o zagruntowanym, więc ojciec rozerwał jakąś wielką torbę, przeciągnął ją na zaimprowizowanym wózku, natychmiast złożył blejtram, zagruntował płótno i namalował portret przewodniczącego. Następnie, już 50 lat po wydarzeniach, musiałem tę pracę przeciągnąć na zwykłe już blejtramy.
Lub tu jesienny krajobraz„Karmazynowa Jesień”, napisana przez mojego ojca gdzieś w odległej wiosce, również przy użyciu podobnej technologii:
A więc: JEŚLI NAPISZESZ OGROMNY WIELOMETROWY OBRAZ, chcąc nie chcąc, będziesz musiał go namalować na płótnie WYŁĄCZNIE DO PÓŹNIEJSZEGO TRANSPORTU, a nie po to, aby miał wartość artystyczną!
W innych przypadkach nie ma znaczenia, na czym pisać, w przeciwnym razie pierwsze kupione przez P.M. Trietiakowska dwie Etiudy mgr. Vrubel NA KARTONIE, nie ma mowy wartość artystyczna nie reprezentował.
STUDIA I SZKICE
Etiuda to przecież, cokolwiek powiesz, całkiem skończona, stosunkowo niewielkich rozmiarów, a mianowicie naturalny praca wykonywana w plenerze (pejzaż) lub, powiedzmy, w warsztacie (martwa natura, portret) i jest dość niezależna praca. Jednak szkice można wykorzystać także w przyszłości do namalowania dużego obrazu, czasem nawet ogromnego wielometrowego płótna, co jest już możliwe tylko w pracowni. Studium, zwłaszcza krajobrazowe, ma najczęściej wymiary, mówiąc z grubsza, nieprzekraczające 60 na 80 cm, czyli rozmiar wygodny do przenoszenia przez jedną osobę. Oto przykład takiego badania terenowego:
Etiuda może być jednosesyjna, napisana w ciągu jednej sesji, czyli jednego dnia. Ale zdarza się to dość rzadko, znacznie częściej badanie wymaga kilku, a nawet wielu sesji. Wielosesyjne opracowanie, zwłaszcza jeśli jest to krajobraz naturalny, wymaga czasem kilku lat pracy. Dzieje się tak zwykle wtedy, gdy pogoda zmienia się gwałtownie i na długo, a pożądany stan pojawi się teraz już w przyszłym roku. Cóż, piszesz np złota jesień w pełnym słońcu zostało jeszcze kilka sesji, a potem cały miesiąc padało, mimowolnie trzeba będzie przyjechać w to miejsce w przyszłym roku.
Zatem, etiuda jest dziełem naturalnym, ukończone dzieło sztuki, nad którym malarz włożył sporo pracy, czyli w języku potocznym gotowy obraz olejny o stosunkowo niewielkich rozmiarach.
Oczywiście są też niedokończone etiudy, ale wielometrowy obraz też może być niedokończony. Tak więc, jak widzimy, idea szanowanych historyków sztuki, która od dawna jest przestarzała, straciła swoje dawne znaczenie na ponad 100 lat, jest taka, że etiuda jest z konieczności czymś niedokończonym i o małej wartości artystycznej, co niestety mocno wbili nas w głowę, a to, co znajduje odzwierciedlenie, niestety, nawet w słownikach, dziś już od dawna nie ma najmniejszych podstaw.
NASZKICOWAĆ
Szkic różni się od etiudy tym, że zawsze jest wykonywany wyłącznie w celu przygotowania dużego obrazu tematycznego (kompozycja wielopostaciowa na określony temat. „Poranek egzekucja łucznicza» np. Surikow). Kompletność nie zawsze występuje w szkicu iw tym przypadku ma charakter szkicu. Porównajmy dwa szkice do dużych dzieł radzieckiej artystki Claudii Tutevol. W pierwszym przypadku szkic został wykonany dla siebie jako materiał roboczy (Szkic do panelu do pawilonu Kosmos na WOGN)
W drugim przypadku (Szkic plafonu Teatru Opery i Baletu Abai w Ałma-Acie) szkic został wykonany do zatwierdzenia przez radę artystyczną, o czym świadczą podpisy i stemple w lewej i dolnej części naszkicować. Jest więc całkowicie skompletowany i wykończony, bez szkicowości, tj. nie ma tu zapachu zaniedbania czy niekompetencji. Na przykład w architekturze byłby to model odpowiedniej struktury architektonicznej.
Szkic do obrazu może być całkowicie gotowym, a nawet starannie narysowanym lub narysowanym obrazem dłoni, stopy, ucha, twarzy, postaci lub głowy osoby, konia, psa, innych zwierząt, a nawet traktora, ciężarówki, jakiś przedmiot lub część garderoby, wszystko w ten moment malarza interesuje w ogóle wszystko, co może wejść w przyszłość Duży obraz artysta. Co więcej, wszystko to może czasem zmieścić się na tym samym kawałku płótna, tektury lub płyty pilśniowej.
Takie szkice, czasem niedokończone, wykonane niestarannie, w pośpiechu, nazywane są również szkicami, czyli tym, co artysta w trakcie projektowania dużej, wielopostaciowej kompozycji „naszkicował” na kartce papieru, kartonie, płótnie itp.
Ponadto szkice nazywane są również szybkimi szkicami wykonanymi przez artystę spontanicznie, pod wpływem chwili. Przykładem jest szkic V.G. Gremitskikh „Away” 25,5x17 papier, ołówek; 1940
VG Gremitsky „Visiting” papier, ołówek; 25,5x17; 1940 |
Jak widać, artysta na pierwszym kawałku papieru do pakowania, jaki wpadł mu do ręki, ot tak sobie, naszkicował prostym ołówkiem, również najwyraźniej schowany pod pachą, obserwuje scenę rodzajową.
Ale moskiewski artysta Igor Radoman namalował mojego ojca, leżącego gdzieś na łóżku w domu artystów Akademiczeskaja Dacza:
Artyści wszelkiego rodzaju, liczni w czas sowiecki zebraniach i w ogóle zebraniach, ciągle się nudzili i bawiło ich to, co robili szkice ołówkiem nawzajem. W swojej kolekcji mam wiele podobnych szkiców różnych artystów.
Szkic można wykonać nie tylko ołówkiem, ale także farbami olejnymi, sangwinikami, pastelami, węglem, długopisem i wszystkim, nawet długopis ponieważ prawdziwy artysta nie może żyć ani minuty bez swojego zawodu. Dla artystów realistów jest to po prostu jakaś profesjonalna mania na poziomie odruch warunkowy, wymagający ciągłego szkolenia, doskonalenia umiejętności, co w istocie odróżnia prawdziwego artystę, który codziennie i co godzinę poświęca sztuce całe swoje życie, od tzw. robić cokolwiek, a zatem nie jest wymagane żadne szkolenie - nie ma umiejętności, nie ma nic do szlifowania, naucz się malować kwadraty i trójkąty!
Nawiasem mówiąc, szkic, w zależności od czasu, jaki artysta ma na jego wykonanie, może również zamienić się w całkowicie gotowy rysunek. Tutaj mamy całkowicie wykończony portret dziecka ołówek „Wołodia w grze” malarz Murom Wasilij Wasiljewicz Serow, ale mimo to - to szkic!
Szkice są pomocą w procesie pracy artysty nad dużym obrazem tematycznym. Szkice wykonywane są nie tylko olejem, ale także węglem lub ołówkiem, temperą itp. Ponadto na szkicu można ułożyć cały przyszły duży wielopostaciowy obraz artysty.
Jako przykład dwa szkice do dużego obrazu tematycznego „Dowódcy wojna domowa» W rzeczywistości radziecki artysta Grigorij Gordon reprezentuje portret grupowy najsłynniejsi czerwoni dowódcy wojny secesyjnej.
Początkowo malarz postanowił po prostu ustawić je wszystkie na tle czerwonego sztandaru,
ale wtedy taka kompozycja wydawała mu się nudna i postanowił ją trochę skomplikować:
Jak widać, w tym przypadku szkice wykonane są temperą, a w dodatku mimo szkicowości obu prac, tj. niekompletność i pozorne zaniedbanie wykonania, wszyscy bohaterowie przyszłego dużego obrazu są dość rozpoznawalni. Wyraźnie widzimy Woroszyłowa, Budionnego, Szczorsa, Frunzego, Czapajewa, Parchomienko i tak dalej.
A oto szkic do dużego obrazu tematycznego „Aresztowanie Aleksandra Uljanowa” autorstwa wspomnianego już artysty muromskiego V.V. Serow:
Oczywiście wynik może być inny niż pierwotna intencja. Prawdziwy artysta z reguły Nowa rzecz nie wychodzi mi z głowy. Nieustannie zagłębia się w interesujący go temat. Rozmyśla, przemyśla, dużo obserwuje, czyta odpowiednią literaturę. Jeśli w przyszłym obrazie tematycznym znajduje się pejzaż, pisane są odpowiednie szkice przyrodnicze, które następnie, zwykle w nieco zmodyfikowanej formie, są przenoszone na obraz. Czasami pojedyncze szczegóły z kilku pełnowymiarowych badań są przenoszone na duży obraz na raz.
Jednak pełnowymiarowe studium, w przeciwieństwie do szkicu i szkicu, jest, jak już widzieliśmy, samodzielnym i koniecznie całkowicie ukończonym dziełem. Oto doskonały przykład dla ciebie. Po otrzymaniu zamówienia na duży obraz tematyczny „Lenin i Gorki w Gorkach”, wiosną 1952 roku mój ojciec odbył wiele podróży do Leninskich Gorek pod Moskwą i namalował tam dwa duże szkice, oba na płótnie. Najpierw Gorki. Wiosna. płótno, olej; 60x80cm",
a potem - „Na Wzgórzach Lenina, olej na płótnie; 78,5x57 cm.
Następnie, na ostatnim dużym obrazie, ojciec wziął za podstawę drugie studium, nieco cofnął stopnie i postawił przed nimi rozmawiającego z Leninem Maksyma Gorkiego. Z etiudy „Gorki. Wiosna." wziął wcześniejszy stan natury w tle, znacznie zmniejszając sam krajobraz z pawilonem w porównaniu do postacie centralne. Niemniej jednak oba opracowania, każde samo w sobie, są całkowicie niezależnymi krajobrazami parkowymi, nie różniącymi się od wielu innych krajobrazów naturalnych jego ojca. Gdybym nie opowiedział tutaj tej historii, gdybyś był co najmniej trzykrotnie krytykiem sztuki, nigdy nie domyśliłbyś się, że obie te prace posłużyły do stworzenia obrazu socrealizmu, prawda? Jak więc mówić, że szkice nie mają pełnego charakteru i samodzielnej wartości artystycznej? (Przypomnij sobie definicję z Wikipedii).
Duży tematyczny obraz wielopostaciowy wymaga ogromnej i długiej pracy nad nim, obecności ogromnej liczby szkiców i szkiców. Jest pisany wyłącznie w warsztacie, często przez wiele lat. Weź przynajmniej A. A. Iwanowa z jego Duży obraz„Pojawienie się Chrystusa ludziom”, nad którym artysta pracował przez dwadzieścia lat - od 1837 do 1857 r., Lub Wasilij Surikow, który pracował nad każdym ze swoich obrazów przez trzy do pięciu lat.
CZYM RÓŻNI SIĘ OBRAZ OD STUDIUM?
Etiuda, będąca samodzielną i całkowicie wykończoną grafika, różni się od obrazu przede wszystkim tym, że jest napisany z natury. Obraz jest malowany wyłącznie w warsztacie na podstawie ogromnej ilości materiału - szkiców, szkiców, szkiców, szkiców ołówkiem i fotografii. Czasami trzeba się uczyć duża liczba literatura i czasopisma, natomiast fabuła, czyli temat obrazu, jest wymyślona przez samego artystę lub podyktowana przez klienta. Co ważniejsze, obraz zawsze ucieleśnia WSTĘPNĄ INTENCJĘ ARTYSTY, podczas gdy szkic jest NAPISANY NAJCZĘŚCIEJ SPONTANICZNIE - artysta bierze szkicownik i idzie szukać motywu, tj. taki, jaki napisze. Gdziekolwiek widział, zatrzymywał się tam i pisał.
Nie ma wyjątków i szkiców napisanych specjalnie do tworzenia dużych obrazów tematycznych. W przypadku, o którym wspomniałem powyżej, mój ojciec najpierw znalazł altanę w Górkach Lenińskich, zdecydował, że postawi przed nią Lenina i Gorkiego, a dopiero potem namalował z tej altany dwa studia z natury.
W zasadzie można tak powiedzieć wszystko, co jest napisane z natury, jest etiudą, czy to pejzaż, martwa natura czy portret, a wszystko to wymaga wstępnego planu, wieloletniej pracy z licznymi i różnorodnymi materiały przygotowawcze- To jest obraz .
Zdecydowanie obraz można nazwać płótnem epokowym, o dużych, a czasem po prostu ogromnych rozmiarach. Był taki artysta Heinrich Ippolitovich Semiradsky. Namalował więc tak duże obrazy, że zwisały z sufitu w pracowni i sięgały podłogi, a pamiętajcie, że u Chruszczowa to się nie zdarzało. Dlatego akademik i profesor Akademia Imperialna artyści musieli ciągle wchodzić po schodach, takie były jego czasami ogromne prace. ŻOŁNIERZ AMERYKAŃSKI. Semiradsky'ego były głównie dużymi obrazami fantasy antyczne motywy, których wątki wyjął z głowy, bo prawdziwe życie Starożytna Grecja i Rzym za czasów cesarza Nerona, aby obserwować na własne oczy, oczywiście nie mógł.
Jednak obraz może być dość skromny, zwłaszcza w przypadku obrazów rodzajowych, czyli obrazów artystów przedstawiających sceny z życia codziennego. Na przykład słynne „Zaloty majora” Pawła Fiedotowa mają dość etiudowy rozmiar - tylko 58,3 x 75 cm. Ale, jak sam rozumiesz, wyraźnie nie został napisany z natury bezpośrednio w salonie kupca.
Ogólnie rzecz biorąc, obraz historyczny jest wyłącznie fantazją. Na przykład obaj bracia Wasniecow pisali o materiale historycznym, ale bardzo różnym. Odtworzono życie i architekturę Moskwy w XIV w XVII wiek, drugi wziął za podstawę Rosjan ludowe opowieści i epickie. Ale jeśli Apollinary, poważnie, na poziomie naukowym, który zajmował się historią i archeologią, był członkiem różnych towarzystw historycznych i archeologicznych, będąc gorącym zwolennikiem upowszechniania wiedzy o historii, starał się odtworzyć życie i poglądy średniowiecznych Moskwa „taka, jaka była” na podstawie starożytnych dokumentów i wyników stanowiska archeologiczne, w których czasami osobiście brał udział, wówczas obrazy jego starszego brata Wiktora miały już charakter czysto fantastyczny.
Obrazy bitewne należą do tej samej kategorii. Malowanie ich z życia na polu bitwy, jak wyobrażają sobie niektóre panie z historii sztuki, jest po prostu śmieszne. Słynny rosyjski malarz bitewny V.V. Vereshchagin, który osobiście obserwował wiele bitew, a czasem nawet brał w nich bezpośredni udział, malował swoje obrazy wyłącznie z pamięci, oczywiście w pracowni, na podstawie licznych szkiców wykonanych w teatrach działań wojennych. Ponadto Wasilij Wasiljewicz dużo czytał, przeprowadzał wywiady z naocznymi świadkami, wydawał dużo pieniędzy na rekwizyty - kupował broń, mundury, wyposażenie, które następnie czerpał z natury, przygotowując w ten sposób szkice do wymyślonych przez siebie obrazów.
Duże obrazy przedstawiające pejzaż to także rzeczy nienaturalne, ale wymyślone przez artystę z jego głowy i wykonane na podstawie naturalnych szkiców. Kiedyś zdarzyło mi się zobaczyć szkic o wymiarach około 60 na 80 cm, na podstawie którego I.I. Shishkin namalował swój słynny duży obraz „Żyto”, już o wymiarach 107 na 187 cm.Szkic był na płótnie i przedstawiał wszystko tak samo jak na zdjęciu, tylko droga nie szła prosto od widza do sosen, ale nieco w bok a liczba sosen była inna. W tym przypadku studium przyrodnicze najwyraźniej posłużyło jako podstawa do stworzenia dużego pejzażu, ale samo w sobie jest dziełem całkowicie wykończonym i starannie wykonanym.
Można więc mówić nie tylko o szkicu do obrazu, ale także o szkicu do obrazu, jeśli szkic jest specjalnie dla niego napisany. Najczęściej dotyczy to krajobrazu. jeśli ja Shishkin ograniczył się do wspomnianego wyżej szkicu i z jakiegoś powodu nie napisał o nim obszernej pracy, teraz historycy sztuki Galerii Trietiakowskiej chwalił się zdjęciem I.I. Shishkin „Żyto” 60x80 cm, nie podejrzewając, że jest to studium natury.
PODSUMUJMY:
Obraz, w przeciwieństwie do szkicu, z konieczności wymaga wstępnego planu artysty, długiego namysłu i zawsze wyróżnia się starannością wykonania i dekoracją, że tak powiem, rozpisaniem. Obraz dowolnej wielkości jest zawsze malowany przez artystę w pracowni na podstawie najróżniejszych materiałów: fotografii, szkiców przygotowawczych i szkiców, aw razie potrzeby na podstawie wcześniej napisanych badań terenowych. Zdjęcie, nawet małe, a nawet większe duże rozmiary, jest zawsze pisany nie w plenerze, nawet jeśli jest to pejzaż (spróbuj zaciągnąć takiego kolosa ze sobą w pole lub do lasu!), Ale w pracowni artysty. Duży obraz jest z pewnością napisany na płótnie, co wynika wyłącznie z wyjątkowej wygody dużych płócien w transporcie.
Obraz tematyczny - jak wynika z samego terminu, jest to obraz na określony temat. Najczęściej jest to kompozycja wielopostaciowa o dużych rozmiarach. Termin ten pojawił się już w sowieckiej historii sztuki, dlatego najczęściej jest używany w odniesieniu do dzieł tzw. Wojna Ojczyźniana lub, powiedzmy, „Lenin w październiku”. Ponieważ rozmiar takich prac jest często po prostu ogromny, malarz oczywiście pracuje nad takim obrazem w swojej pracowni i zapisuje go na płótnie. Kozacy piszą list sułtan turecki" TJ. Repin, którego wymiary to 2,03 na 3,58 metra, można w zasadzie nazwać także obrazem tematycznym, choć nie ma w nim zapachu socrealizmu. Został również napisany przez Ilję Efimowicza w warsztacie na podstawie wielu szkiców i szkiców, a także na przykład „Wozidła barkowe na Wołdze” (1,31 na 2,81 m).
Malarstwo rodzajowe – nazwa pochodzi od francuskiego słowa „rodzaj” – jest to zazwyczaj dzieło
mały fragment rozmowy można wykonać nie tylko na płótnie, ale także na tekturze lub płycie pilśniowej. Materiał ten zaczął być szeroko rozpowszechniany już w XX wieku.
Jest też coś takiego jak portret gatunkowy. Po prostu portret to portret osoby na neutralnym tle, ale kiedy jest tło, które przedstawia przedmioty, ludzi lub nawet krajobraz przemysłowy, który podpowiada widzowi, na przykład zawód przedstawianej osoby, to jest to już portret gatunkowy. Przykładem jest wspomniany już gatunkowy portret kobiecy „Weteran pracy górniczej” radzieckiej artystki Claudii Alexandrovnej Tutevol:
Etiuda, jak powiedzieliśmy powyżej, jest całkowicie ukończonym samodzielnym dziełem, ale z pewnością naturalnym. Jest to całkowicie samodzielne dzieło sztuki, ale może też pełnić rolę materiału pomocniczego do dużego obrazu artysty, co w żaden sposób nie umniejsza jego wartości artystycznej. Może to być martwa natura, portret, krajobraz, wnętrze. Studium, ze względu na stosunkowo niewielkie rozmiary, jest napisane na wszystkich powyższych materiałach, ale najważniejsza w nim jest oczywiście jakość pracy malarza, jego umiejętność budowania kompozycji w martwej naturze, odzwierciedlenie postać modelki na portrecie, przekazują podniecenie lub spokój morza, zimna zimowy las, piękno zachodu słońca, urok złotej jesieni czy wiosenny nastrój natury w krajobrazie.
Szkic jest dziełem pomocniczym, jego celem jest utrwalenie idei kompozycji przyszłości
obraz tematyczny. Jako przykład weźmy szkic do obrazu „Dziewicze ziemie” E. D. Ishmametova. Artysta opracował w nim kompozycję i kolor, postacie, pozy postaci, a następnie namalował duży obraz na ten temat. Malarz zawsze bardzo dokładnie zastanawia się nad szkicem do obrazu. Zwykle szkic charakteryzuje się pewną niekompletnością, niekompletnością. Wynika to z faktu, że artysta najczęściej nie musi go kończyć, oto kolejne zadanie - opracowanie opcji kompozycji przyszłego obrazu, dopracowanie jego oryginalnego projektu. Dlatego szkic ma najczęściej charakter szkicu. Ale może to być również całkowicie ukończona, starannie narysowana praca, zwłaszcza gdy szkic jest przeznaczony do zatwierdzenia przez komisję selekcyjną, co widzieliśmy już na przykładzie szkicu sufitu dla teatru. Abai in Alma-Ata autorstwa Claudii Tutevol.Szkic, jeśli powstaje w trakcie pracy nad obrazem, jest także dziełem czysto pomocniczym, niedokończonym, nie rozrysowanym szczegółowo.
Jest pisany lub rysowany szybko, ale niedbale dobrzy artyści w nim nie zachodzi. Możesz szybko napisać, powiedzmy, głowę modelki, która później zamieni się w wspaniały gotowy portret, lub możesz zrobić szybki szkic jakiejś postaci, która może być później potrzebna do stworzenia kompozycji dużego obrazu, a szkic pozostanie dziełem niezależnym, interesującym dla kolekcjonerów i amatorów. Oto na przykład szkic V.G. Gremickiego „Taniec”:Jednak, jak widzieliśmy powyżej, szkice mogą być również całkowicie niezależne.
Szkic ma też zwykle charakter szkicu, ale szkic jest zasadniczo planem przyszłego obrazu, całą jego kompozycją, natomiast szkic do obrazu jest szybki szkic coś, co w zasadzie można uwzględnić w przyszłym obrazie.
O NIEKTÓRYCH WSPÓLNYCH TERMINACH W MALARSTWIE:
Kiedyś byłem bardzo zdziwiony, gdy dowiedziałem się, że kadrowanie to „obraz olejny bez wyraźnego rysunku postaci ludzi lub zwierząt”. W rzeczywistości sztafaż to małe figurki ludzi lub zwierząt, wpisane przez artystę w pejzaż, aby go ożywić.
Inny termin od pejzaż- kamerton. Jest to jasny punkt, kontrastujący z ogólnym tłem krajobrazu. Zwykle jest to jakiś rodzaj personelu. Przykładem jest praca artysty z Taszkentu
VM Kovinina” Krajobraz górski z postacią dziewczynki ubranej w jaskrawoczerwone stroje narodowe.
To dziwne, kiedy płótno nazywa się any obraz olejny, nawet niewielkich rozmiarów, a nawet napisanych na tekturze. „Len to gładka i gęsta tkanina lniana o najprostszym splocie; najcieńsze odmiany nazywano cambric, najgrubsze - płótno, płótno, równe itp. (Wikipedia). Tak więc płótno nie może być ani tekturą, ani płytą pilśniową, w odniesieniu do malarstwa jest to zdecydowanie płótno.
W malarstwie obrazy o dużych rozmiarach nazywane są płótnami i zwykle dotyczą jakiegoś epokowego tematu. Można więc powiedzieć, że spod pędzla Wasilija Surikowa wyszły tylko płótna, ale Konstantin Korovin zasłynął głównie ze swoich etiud. Jeśli „Dziewiątą falę” Aiwazowskiego można w pełni nazwać płótnem, to w odniesieniu do wspomnianego już małego dzieła „Fresh Cavalier” Fiedotowa będzie to po prostu śmieszne, mimo że jest również malowane na płótnie.
Trochę więcej o glebie: Co to jest gesso? Jest to specjalny podkład, również na bazie kredy, którym pokrywa się drewnianą deskę. Wcześniej w Zachodnia Europa na tablicach często pisano obrazy, po rusku ikony i zawsze. To wyjątkowo niewygodny materiał. Kiedyś w Holandii deski suszono przez 50 lat, dopiero potem zabrano je do pracy. Teraz artyści rzadko używają gesso, ponieważ farba wraz z grubą warstwą podkładu łatwo odpryskuje z czasem lub od lekkiego uderzenia. Tak, a współcześni malarze ikon używają go coraz rzadziej.
Podsumowując, podam jeszcze kilka ilustracji dla jasności:
Praca V.G. Gremickiego, który nazywa się „Etiuda”. W rzeczywistości jest to, jak sama nazwa wskazuje, pełnowymiarowy jednosesyjny portret gatunkowy robotnicy, namalowany bezpośrednio w jej miejscu pracy przy budowie elektrowni wodnej w Kujbyszewie.
A oto portret gatunkowy artysty z Taszkientu Valery'ego Kovinina:
Nie jest to z pewnością portret jednosesyjny, tutaj artysta wyraźnie zamęczył swojego kolegę, który służył mu jako model, liczbą sesji, co widać zarówno po starannym napisaniu pracy, jak i po jej wielkości. A jednak to portret męski nie obraz, ale wielosesyjne studium przyrodnicze, co w żaden sposób nie umniejsza jego wartości artystycznej.
Na dowód tego ostatniego twierdzenia rozważ słynny kobiecy portret „Dziewczyna w słońcu”. Jego kuzynka Maria Simonowicz V.A. Sierow malował z natury przez całe lato 1888 roku, chwytając każdy słoneczny dzień (w pochmurne dni malował pejzaż „Zarośnięty staw”). Wstępny projekt (powiedzieliśmy powyżej sławny artysta też był nieobecny, po prostu chciał, jak sam powiedział, „napisać coś zachęcającego”.
Mamy tu więc do czynienia z niczym innym, jak typowym wielosesyjnym studium przyrodniczym, pisanym pod wpływem kaprysu, na nagłą potrzebę. Na szczęście dla P.M. Tretiakow, który kupił tę pracę, nie wiedział jeszcze, że „Studium - w sztukach pięknych - jest szkicem przygotowawczym do przyszłej pracy”. (Wikipedia) Tak, a Valentin Serov wykazał się skrajnym nieprofesjonalizmem, wydając na jakieś dwa szkice przygotowawcze - portret dziewczyny i krajobraz ze stawem, aż 90 dni!
Podobnych przykładów można by przytoczyć znacznie więcej, ale obawiam się, że już bardzo zmęczyłem czytelnika. Mam nadzieję, że mimo wszystko udało mi się wnieść swój skromny wkład w wyjaśnienie szerokiej publiczności niektórych z najczęściej używanych terminów artystycznych, w których czasami, szczerze mówiąc, gubią się nawet sami artyści.
Aleksandra Gremickiego
Na awatarze: V.M. Kovinina „Na niedzielny bazar. Karakalpakstan”. olej na płótnie 98x178. 1971 (Jest to typowy obraz wielkogatunkowy)
Słowo „etiuda” często pojawia się w książkach o sztuce, na wystawach, w galerie sztuki. Oznacza dzieło stworzone z natury. Dzieła wizualne zwykle niewielkich rozmiarów. Zwykle szkic jest tworzony w celu dokładnego zbadania natury - jej kształtu, koloru, projektu, relacji z otaczającymi obiektami. Artysta rozwija w nim szczegóły przyszłego malarstwa, rzeźby, ilustracja książki. Pamiętaj o słynnych szkicach do obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom” A. A. Iwanowa lub szkicom I. E. Repina do „Łowców barek na Wołdze”, V. I. Surikowa do „Boyaryny Morozowej”, V. M. Vasnetsova do „Alyonushka”, P. D. Koriny do obraz „Odchodząc z Rusi”, E. E. Moiseenko za obraz „Matki, siostry”.
Kiedy artysta maluje obraz w pracowni, szkic jest tym „żywym” materiałem, który pomaga mu osiągnąć prawdziwość i żywotność dzieła. Szkic jest jednak potrzebny nie tylko jako odniesienie na wypadek, gdyby malarz lub rzeźbiarz zapomniał o jakimś szczególe. Konieczne jest doskonalenie się już od pierwszego etapu szkolenia doskonałość zawodowa(Nie bez powodu „etiuda” oznacza po francusku „studium”). Studium wykonywane jest olejem, gwaszem, akwarelą, temperą, pastelą i wieloma innymi materiałami. Najczęściej jest to pejzaż, portret, wnętrze, martwa natura.
Ale czasami etiudy nabierają zupełnie niezależnego znaczenia. Dlatego w galerie sztuki a na wystawach zajmują miejsce na równi z obrazami, czasem nawet korzystnie od nich różniąc się świeżością, perswazją w przekazywaniu formy i koloru. Niektórzy artyści malują głównie szkice, ale rozwiązują je jak obrazy, co wyraża się w kompozycyjnej kompletności, wyrazistości formy i koloru.
W przeciwieństwie do szkicu, szkic jest najczęściej tworzony przez wyobraźnię, ale w oparciu o obserwacje natury. Robi się to ołówkiem farby akwarelowe, pastele olejne. W szkicu artysta rozwiązuje problemy kompozycyjne: szuka najbardziej udanego formatu dla przyszłego obrazu, centrów kompozycyjnych i semantycznych, rytmu, natury oświetlenia, schemat kolorów itp. Opracowuje też poszczególne elementy: gest postaci, pochylenie głowy. Inne szkice to tylko kilka szorstkich linii, ale niektóre zbliżają się do gotowego obrazu.
Pracując nad obrazem, artysta tworzy niekiedy ogromną liczbę szkiców, stopniowo odrzucając wszystko, co zbędne, dopracowując kompozycję, uzyskując wyrazistość całej sceny i poszczególnych aktor osobno. Są to szkice braci S. P. i A. P. Tkaczowa do obrazu „Chleb Republiki dla dzieci” i A. A. Plastova do „Siana”.
Praca nad szkicami łączy się ze szkicami: wzajemnie się uzupełniają, wyobraźnię i pamięć artysty wzmacnia studium natury. Często artysta, znajdując na szkicu dokładne miejsce dla swoich bohaterów, wskazując ich działania, charakteryzując każdego z nich, szuka wśród otaczających go osób podobnych do nich, aby namalować ich z natury, uzyskując autentyczność życiową. Ale dzieje się to również w drugą stronę: osoba, którą spotykasz, podsuwa pomysł stworzenia obrazu; artysta przedstawia tę osobę, a następnie nadaje jej nowe cechy, które odpowiadają planowi i są dopracowywane w wielu szkicach.
