Téma prednášky: Západná civilizácia v 1. polovici 20. storočia. Umenie a architektúra. Časť 1.

Materiálu je veľa, takže tému rozdelím na niekoľko príspevkov, sú veľmi objemné a je tam veľa grafiky, nepohodlné čítanie.

Hlavné smery umenia a kultúry v období medzi 1. a 2. svetovou vojnou:

Dadaizmus alebo dadaizmus - modernistické hnutie v literatúre, výtvarnom umení, divadle a kine. Vznikol počas Prvá svetová vojna V neutrálne Švajčiarsko, v Zürichu. Existoval v rokoch 1916 až 1922.

dadaizmus najjasnejšie vyjadrené v jednotlivých škandalóznych huncútstvach - plotových čmáraniach (korene moderného graffiti), pseudokresby, ktoré nemajú žiadny význam, kombinácie náhodných objektov. V 20. rokoch 20. storočia francúzsky dadaizmus zlúčený s surrealizmus, a v Nemecku - s expresionizmus.

Pôvod termínu

Zakladateľom hnutia je básnik Tristan Tzara našiel slovo v slovníku "Áno áno". „V jazyku černošského kmeňa Kru,“ napísal Tzara v manifeste z roku 1918, „to znamená chvost posvätnej kravy, v niektorých oblastiach Talianska to nazývajú matkou, môže to byť označenie pre dieťa. drevený kôň, mokrá sestra, dvojitý výrok v ruštine a rumunčine. Mohlo by ísť o „reprodukciu nesúvislého detského bľabotania. V každom prípade o niečo úplne nezmyselné, čo sa odteraz stalo najúspešnejším názvom celého hnutia“.

Charakteristický

dadaizmus vznikla ako reakcia na následky Prvá svetová vojna, ktorého krutosť podľa dadaisti, zdôraznené nezmyselnosť existencie. Racionalizmus a logika boli vyhlásené za jedného z hlavných vinníkov ničivých vojen a konfliktov. Na základe toho dadaisti(najmä A. Breton) veril, že moderné európskej kultúry musia byť zničené rozklad umenia(najmä umelecké slovo a jazyk).

Hlavný nápad dadaizmus bol dôsledné ničenie akejkoľvek estetiky. dadaisti vyhlásil: "Dadaisti nie sú nič, nič, nič, nepochybne nedosiahnu nič, nič, nič."

Základné princípy Áno áno bola tam iracionalita, popieranie uznávaných kánonov a štandardov v umení, cynizmus, sklamanie a nedostatok systému. Verí sa, že dadaizmus bol predchodcom surrealizmus, čo do značnej miery určovalo jeho ideológiu a metódy.

Hlavne dadaizmus prezentované v literatúre, ale do istej miery sa odzrkadlili aj v kine.

Predstavitelia dadaizmu

Hans Arp (1886-1966), Nemecko, Švajčiarsko a Francúzsko
Marcel Duchamp (1887-1968), Francúzsko
Max Ernst (1891-1976), Nemecko a USA
Otto Freundlich (1878-1943), Nemecko, Francúzsko
Philippe Soupault (1897-1990), Francúzsko
Tristan Tzara (1896-1963), Francúzsko
Hugo Ball (1886-1927), Nemecko
Raoul Hausmann (1886-1971), Nemecko
Kurt Schwitters (1887-1948), Nemecko

kubizmus(francúzsky kubizmus) - avantgardný smer vo výtvarnom umení, predovšetkým v maliarstve, ktoré vzniklo na začiatku 20. storočia a je charakteristické používaním dôrazne geometrizovaných konvenčných foriem, túžbou „rozdeľovať“ reálne predmety na stereometrické primitívy.

Vznik kubizmu

Vznik kubizmus tradične datovaný do rokov 1906-1907 a spojený s tvorivosťou Pablo Picasso A Georges Braque. Termín "kubizmus" sa objavil v roku 1908 po umeleckom kritikovi Louis Vaucelle pomenované nové obrazy Manželské „kubické výstrednosti“ (francúzsky: bizarreries cubiques).

Od roku 1912 v kubizmus vzniká nové odvetvie, ktoré kritici umenia nazývali "syntetický kubizmus". Jednoduché vyjadrenie hlavných cieľov a princípov kubizmus dosť ťažké dať; v maľbe možno rozlíšiť tri fázy tento smer, ktorý odráža rôzne estetické koncepty, a zvážte každý samostatne: Cézannove (1907-1909), analytické(1909-1912) a syntetický (1913-1914) kubizmus.

Hlavné úspechy

Najznámejšie kubistické diela začiatku 20. storočia boli maľby Picasso "Les Demoiselles d'Avignon", "Gitara", diela umelcov ako napr Juan Gris, Fernand Léger, Marcel Duchamp, sochy Alexandra Archipenko atď. kubizmus vyvinuté mimo Francúzska; obzvlášť plodné v Československu.

Cézannov kubizmus

Tak sa zvyčajne nazýva prvá fáza. kubizmus, ktorý sa vyznačuje sklon k abstrakcii a zjednodušovaniu tvarov predmetov. Podľa jedného z prvých výskumníkov súčasné umenie Andre Salmona, kubizmus bola reakciou na nedostatok formy v impresionizmus, a jeho rozvoj je vďaka nápadom postimpresionistov, najmä symbolistickí umelci, ktoré boli proti čisto malebným cieľom a záujmom impresionisti javy sémantického poriadku. Sledovanie transcendentalizmus koncom 19. storočia, tvrdili, že Skutočnou realitou je myšlienka a nie jej odraz v hmotnom svete.Úlohou umelca teda je vytvárať symbolické formy na stelesnenie myšlienok namiesto napodobňovania meniaceho sa vzhľadu vecí. Tento koncept sa stal dôvodom na analýzu prostriedkov, ktoré má umelec k dispozícii, objasnenie ich výrazových schopností a vytvorenie ideálu čisto expresívneho umenia, ako je hudba, málo závislého od vonkajšieho sveta. U Symbolisti experimenty v tejto oblasti sa týkali predovšetkým línií a farieb, ale takýto analytický prístup, keď sa aplikoval, nevyhnutne viedol k analýza tvaru.

Priamy vplyv na formáciu kubizmus experimentoval s formou v maľbe Paul Cezanne. V rokoch 1904 a 1907 sa v Paríži konali výstavy jeho diel. IN" PPortrét Gertrúdy Steinovej“, vytvorený Picasso v roku 1906 je už cítiť vášeň pre umenie Cezanne. Potom Picasso namaľoval obraz "Avignonské dievčatá", čo sa považuje za prvý krok k kubizmus. Pravdepodobne stelesňoval umelcov záujem o primitívne iberské a černošské sochárstvo. Počas roku 1907 a začiatkom roku 1908 Picasso naďalej vo svojich dielach používal formy černošského sochárstva (neskôr sa tento čas začal nazývať "černoch" obdobie vo svojej práci).

Na jeseň roku 1907 sa uskutočnili dve významné udalosti: retrospektívna výstava Cezanne a známosti Manželstvo A Picasso. Leto 1907 Manželstvo strávil v Estaque, kde sa začal zaujímať o maľbu Cezanne. Od konca roku 1907 Manželstvo A Picasso začal pracovať v kubistický štýl.

kubistov, ktoré boli silne ovplyvnené určitými formulovanými postulátmi Cezanne a zverejnené Emile Bernarda na jeseň 1907 hľadal identifikovať najjednoduchšie geometrické tvary pod objektmi. Aby plnšie vyjadrili myšlienky vecí, oni odmietol tradičnú perspektívu ako optickú ilúziu a snažil sa o nich podať ucelený obraz formové rozklady a kombinovanie niekoľkých jeho typov v rámci jedného obrázka. Zvýšený záujem o problémy formy viedol k diferenciácia v použití farieb: teplá - pre vyčnievajúce prvky, studená - pre vzdialené.

Analytický kubizmus

Analytický kubizmus, druhá fáza kubizmus, charakterizovaný miznutie obrazov predmetov a postupné stieranie rozdielov medzi formou a priestorom. V obrazoch tohto obdobia sa objavujú dúhové farby, priesvitné pretínajúce sa roviny, ktorých poloha nie je jasne definovaná. Usporiadanie foriem v priestore a ich vzťah k veľkým kompozičným hmotám sa neustále mení. V dôsledku toho existuje vizuálna interakcia formy a priestoru.

Prvky analytický kubizmus sa objavil v dielach Manželstvo už v roku 1909 a v prac Picasso- v roku 1910; silnejší impulz pre rozvoj tejto fázy štýlu však dal umelecký spolok "Zlatý pomer" , ktorá bola založená v roku 1912 Albert Gleizes, Jean Metzinger a bratia Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon A Jacques Villon. Kniha vyšla v tom istom roku Gleza A Metzinger "O kubizme" a v roku 1913 básnik Guillaume Apollinaire vydal knihu "kubistickí umelci". Načrtli hlavné princípy estetiky kubizmus, ktorá bola založená koncept dynamického, neustále sa meniaceho vesmíru Henri Bergson, ako aj objavy prírodných vied a matematiky uskutočnené na úsvite priemyselného veku. Umelec dostal úlohu tvorcu nového spôsobu videnia sveta.

Syntetický kubizmus

Syntetický kubizmus zaznamenal radikálnu zmenu v umeleckom vnímaní hnutia. Toto sa prvýkrát objavilo v dielach Juan Gris, ktorý sa stal aktívnym podporovateľom kubizmus od roku 1911. Syntetický kubizmus sa snažili obohatiť realitu vytváraním nových estetických predmetov, ktoré majú realitu v sebe, a nie sú len obrazom viditeľného sveta. Táto fáza štýlu sa vyznačuje popieranie dôležitosti tretieho rozmeru v maľbe A zvýraznenie obrazovej plochy. Ak v analytické A hermetický kubizmus všetky umelecké prostriedky museli slúžiť na vytvorenie obrazu formy, potom v syntetický kubizmus farba, povrchová štruktúra, vzor a čiara sa používajú na konštrukciu (syntetizáciu) nového objektu. Prvé náznaky tohto trendu sa objavili už v roku 1912, ale najkompletnejšie stelesnenie získal v kolážach z roku 1913. Na plátno boli nalepené útržky papiera rôznych tvarov a textúr - od novín a poznámok až po tapety. Umelci tvrdili, že povrch maľby nie je iluzórnou reprodukciou reality, ale sebestačným objektom. Čoskoro však kubistov opustil zariadenie nášivky, pretože, ako sa im zdalo, fantázia umelca môže vytvárať bohatšie kombinácie prvkov a textúr, ktoré nie sú obmedzené schopnosťami papiera.

Do 20. rokov 20. storočia kubizmus prakticky ukončila svoju existenciu, pričom mala citeľný vplyv na vývoj umenia 20. storočia.

Metafyzická maľba

Metafyzická maľba (taliansky: Pittura metafisica)- smer k talianska maľba začiatku 20. storočia.

De Chirico a vznik skupiny

Predok metafyzická maľba je Giorgio de Chirico, ktorý počas svojho pobytu v Paríži v rokoch 1913-1914 vytvoril púštne panorámy miest, predvídanie budúcej estetiky metafyziky; jeho séria "Piazzas d'Italia" dal fantastický rozmer konvenčnej taliančine klasický architektúru, ktorú znovu vytvoril vo svojich obrazoch. V roku 1915 vstúpilo Taliansko do prvej svetovej vojny, umelec bol nútený vrátiť sa do Ferrary, kde čakal na mobilizáciu. Vznik skupiny umelcov vyznávajúcich estetiku metafyziky, sa stalo v roku 1916, keď sa osudy zblížili v nemocnici vo Ferrare Giorgio De Chirico kto sa rozišiel s Futurizmus od Carla Carru, Filippo de Pisis a mladší brat De Chirico, Andrea ktorý si vzal pseudonym Alberto Savinio. V 20. rokoch sa k nim nakrátko pripojil Giorgio Morandi.

Estetika

IN metafyzická maľba metafora a sen sa stávajú základom myslenia, ktoré presahuje bežnú logiku, a kontrast medzi realisticky presne zobrazeným objektom a zvláštnou atmosférou, do ktorej bol zasadený, umocňoval neskutočný efekt.

Metafyzický pohyb sa zrodil na základe tohto nového prístupu k maľbe a v rokoch 1916-1922 združil umelcov a spisovateľov okolo časopisu "Valori Plastici" (Plastové hodnoty), v ktorej vyšla séria teoretických prác De Chirico A Savinio venovaný metafyzickej maľbe. V mojej práci "Anadyomene" od Alberta Savinio formuluje dva základné princípy metafyzickej poetiky: "strašidelnosť" a "irónia". Predmet "figurína", ktorý sa stáva leitmotívom obrazov De Chirico A Carra, sa tiež prvýkrát objavilo v záznamoch Savinio. Metafyzická maľba spoliehal na obrazy predchádzajúceho umenia a zahrnuté rôzne kultúrne prvky minulosti. Savinio A De Chirico boli jednoznačne ovplyvnené neoklasicistický maľovanie Arnold Böcklin; Carlo Carra, ktorý sa vzdialil od futuristických experimentov, sa vrátil k staroveku klasický tradície - Obrazy Trecento a Quattrocento(je to vidieť na jeho konštrukciách perspektívy v krajine). Slávny taliansky umelecký kritik Roberto Longhi raz vtipne poznamenal, že "Quattrocento sa stalo operným javiskom pre metafyzické bábky a kamenných hostí". Umelci sa snažili nájsť metafyzická čiara medzi svetom živého a neživého, teda vo svojich obrazoch živé veci vyzerajú ako neživé veci, A neživé predmety žijú svojim vlastným tajným životom. Vôbec "tajomstvo" - obľúbené slovo Giorgio De Chirico.

Dva trendy

IN metafyzický pohyb vystupoval dva trendy: jeden je obzvlášť bohatý symbolické a literárne významy a reminiscencie (De Chirico, Savinio), druhá je menej doktrinárna, ale viac podmienená malebná fantázia (Carra, Morandi). Hnutie si nevytvorilo vlastnú školu alebo špecifickú skupinu, bolo skôr reakciou futurizmus, výraz jeho krízy a práve v tejto funkcii mal vplyv v Taliansku, kde v tom čase začali vyznávať podobnú estetiku niektorí iní umelci (Mario Sironi, Ardengo Soffici, Massimo Campigli, Atanasio Soldati), ako aj v celej Európe.

Koniec školy

Metafyzický pohyb zmizol zo scény pomerne rýchlo. Posledný obraz v tomto štýle De Chirico napísal v roku 1918, Morandi v roku 1920 a Carra v roku 1921. Avšak množstvo nápadov metafyzici boli vyzdvihnuté surrealistov. Metafyzický pohyb Dve veľké výstavy v Nemecku, ktoré sa konali v rokoch 1921 a 1924, boli venované maľbe.

Tvorba metafyzických umelcov plne zastúpené najmä v milánskych múzeách a súkromných zbierkach (zbierky Ucker, Toninelli, Mattioli); v Londýne (zbierka Rolanda Penrosa); v NYC (Múzeum moderného umenia); v Chicagu (Inštitút umenia); v Štokholme (Národné múzeum) a v Benátkach (Nadácia Peggy Guggenheimovej).


Skupina "Štýl"

expresionizmus (z latinčiny expressio, "výraz") - avantgardné hnutie v európskom umení, rozvinutý koncom 19. – začiatkom 20. storočia, charakterizovaný tendenciou vyjadrovať emocionálne charakteristiky obrazu (obrazov) (zvyčajne osoby alebo skupiny ľudí) alebo emocionálny stav samotného umelca. expresionizmus zastúpené v rôznych umeleckých formách vrátane maľby, literatúry, divadla, kina, architektúry a hudby.

"Expresionizmus, ako jedno z najvplyvnejších umeleckých hnutí 20. storočia, sa formoval najmä na nemeckej a rakúskej pôde. Vznikol vo výtvarnom umení (skupina Most, 1905; Modrý jazdec, 1912). svoje meno získala až v roku 1911 podľa názvu skupiny francúzskych umelcov, ktorý sa objavil na výstave Berlin Secession. V rovnakom čase pojem "expresionizmus" sa rozšírilo do literatúry, kina a príbuzných oblastí tvorivosti ako označeniesystém, v ktorom sa na rozdiel od naturalizmu a estetizmu presadzuje myšlienka priameho emocionálneho vplyvu, zdôrazňovaná subjektivita tvorivého aktu, zvýšená afektovanosť, zhusťovanie motívov bolesti, kriku, čím prevláda princíp výrazu nad obrázok."

Predpoklady pre vznik a vznik termínu

Verí sa, že expresionizmus pochádza z Nemecka a dôležitá úloha pri jeho formovaní zohral úlohu nemecký filozof Friedrich Nietzsche, ktorá upozornila na predtým nezaslúžene zabudnuté trendy v antickom umení. V knihe "Zrodenie tragédie alebo helenizmu a pesimizmu" (1871) Nietzsche predkladá svoju teóriu dualizmus, konštantný bojovať medzi dva druhy estetického zážitku, dva začiatky v starovekom gréckom umení, ktoré nazýva Apolónsky a dionýzovský . Nietzsche polemizuje s celou nemeckou estetickou tradíciou, ktorá optimisticky interpretovala starogrécke umenie s jeho svetlom, apolónsky v podstate začiatok. Prvýkrát hovorí o inom Grécku – tragickom, opojenom mytológiou, dionýzskej, a dáva paralely s osudmi Európy. Apolónsky začiatok predstavuje poriadok, harmóniu, pokojné umenie a dáva vznik plastickému umeniu (architektúra, sochárstvo, tanec, poézia), Dionýzsky začiatok - to je opojenie, zabudnutie, chaos, extatické rozpúšťanie identity v mase, zrod neplastického umenia (predovšetkým hudby). Apolónsky začiatok oponuje dionýzskej ako sa umelé stavia proti prirodzenému, odsudzuje všetko nadmerné a neprimerané. napriek tomu tieto dva princípy sú od seba neoddeliteľné, vždy konajú spoločne. Bojujú podľa Nietzsche, v umelcovi a oboje je vždy prítomné v akomkoľvek umeleckom diele.

Ovplyvnené myšlienkami Nietzsche Nemeckí (a po nich ďalší) umelci a spisovatelia sa obracajú chaos pocitov, do toho, že Nietzsche hovory "Dionýzsky začiatok". Vo svojej najvšeobecnejšej podobe termín "expresionizmus" odkazuje na diela, v ktorých umeleckými spôsobmi vyjadrené silné emócie, a to samo o sebe vyjadrenie emócií, komunikácia prostredníctvom emócií sa stáva hlavným cieľom tvorby diela.

Predpokladá sa, že samotný termín "expresionizmus" uviedol český historik umenia Antonín Matešek v roku 1910 na rozdiel od termínu "impresionizmus": „Expresionista chce predovšetkým vyjadriť sám seba...<Экспрессионист отрицает...>okamžitý dojem a buduje zložitejšie mentálne štruktúry... Dojmy a mentálne obrazy prechádzajú ľudskou dušou ako cez filter, ktorý ich oslobodzuje od všetkých povrchných vecí, aby odhalili ich čistú podstatu<...и>zjednocovať, kondenzovať do všeobecnejších foriem, typov, ktoré to<автор>prepisuje ich pomocou jednoduchých vzorcov a symbolov.“

Expresionizmus v architektúre

Najväčší predstavitelia - Erich Mendelsohn, Fíni Ero Saarinen A Alvar Aalto; kľúčové diela - Opera v Sydney (architekt Jorn Utzon) A olympijské centrum v Tokiu (architekt: Kenzo Tange).

Predstavitelia expresionizmu

umenie

Hans (Jean) Arp (1887-1966)
Alexander Archipenko (1887-1964)
Ernst Barlach (1870-1938)
Max Beckmann (1884-1950)
Georges Gros (1893-1959)
Otto Dix (1891-1969)
Heinrich Campendonk (1889-1957)
Wassily Kandinsky (1866-1944)
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)
Paul Klee (1879-1940)
Oskar Kokoschka (1886-1980)
Alfréd Kubín (1877-1959)
August Macke (1887-1914)
Franz Marc (1880-1916)
Amedeo Modigliani (1884-1920)
Edvard Munch (1863-1944)
Otto Müller (1874-1930)
Ernst Wilhelm Nye (1902-1968)
Emil Nolde (1867-1956)
Max Pechstein (1881-1955)
Christian Rolfs (1849-1938)
Georges Rouault (1871-1958)
Chaim Soutine (1893-1943)
Erich Heckel (1883-1970)
Ossip Zadkine (1890-1967)
Egon Schiele (1890-1918)
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976)
Alexey von Jawlensky (1864-1941)
Konrad Felixmuller (1897-1977)
Wilhelm Morgner (1891-1917)
Gustav Klimt (1862-1918)
Frida Kahlo (1907-1954)

kubizmus , obrazy moderných umelcov

Náhodné obrazy súčasných umelcov z našej galérie:

Svoju prácu môžete nezávisle pridať do našej galérie po registrácii na stránke.

kubizmus je hnutie v avantgardnom umení začiatku 20. storočia, ktoré sa radikálne zmenilo Európske maliarstvo a sochárstvo a tiež inšpirovalo zodpovedajúce hnutia v hudbe, literatúre a architektúre. Kubizmus je považovaný za najvplyvnejšie umelecké hnutie 20. storočia. Tento výraz bol široko používaný v súvislosti so širokou škálou umenia vyrábaného v Paríži (Montmartre, Montparnasse a Puteaux) v 10. a 20. rokoch 20. storočia.

Pôvodcami kubizmu boli Georges Braque a Pablo Picasso, neskôr sa k nim pridali Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger a Juan Gris. Hlavným faktorom, ktorý viedol k vytvoreniu kubizmu, bola myšlienka o trojrozmerný tvar V najnovšie diela Paul Cezanne. Na Salon d'Automne v roku 1904 bola retrospektíva Cézannových obrazov, súčasné diela boli prezentované na Salon d'Automne v rokoch 1905 a 1906 a potom dve spomienkové retrospektívy po jeho smrti v roku 1907.

Pablo Picasso Dievča s mandolínou (Fanny Tellier), 1910, olej na plátne, 100,3 x 73,6 cm, Múzeum moderného umenia, New York

V kubistických dielach sú objekty analyzované, rozložené a znovu zostavené v abstraktnej forme – namiesto zobrazenia predmetov z jedného uhla pohľadu umelec maľuje objekt z viacerých uhlov pohľadu, aby ho prezentoval vo väčšom kontexte.

Vplyv kubizmu bol ďalekosiahly a komplexný. Rýchlo sa rozšírila do celého sveta a vo väčšej či menšej miere rástla. Kubizmus bol v podstate východiskovým bodom evolučného procesu, ktorý vytvoril rozmanitosť; bol predchodcom rôznych umelecké hnutia.

Les Demoiselles d'Avignon ("Avignonské panny") Pabla Picassa z roku 1907 sa považuje za dôležitý krok pri zakladaní kubizmu.

Vo Francúzsku sa rozvinuli také odvetvia kubizmu ako orfizmus, abstraktné umenie a neskôr purizmus. Futurizmus, suprematizmus, dadaizmus, konštruktivizmus a neoplasticizmus vznikli v iných krajinách. Raný futurizmus, podobne ako kubizmus, spájal minulosť a súčasnosť, reprezentoval rôzne druhy simultánne zobrazenie objektu, nazývané aj viacnásobná perspektíva, simultánnosť alebo mnohopočetnosť, pričom konštruktivizmus bol ovplyvnený Picassovou technikou, ktorá spočívala v stavaní sochy z jednotlivých prvkov. Medzi ďalšie spoločné témy týchto rôznych hnutí patrí strihanie alebo zjednodušenie geometrické tvary a integrácia mechanizácie a moderného života.

Koncept a pôvod

Kubizmus vznikol v rokoch 1907-1911. Obraz Pabla Picassa z roku 1907 Les Demoiselles d'Avignon je často považovaný za protokubistické dielo. Domy Georgesa Braquea v Estac (a súvisiace diela) podnietili kritika Louisa Vaucellea, aby sa obrátil k bizarným kubickým kubikom (kubickým zvláštnostiam). Gertrude Stein citovala krajiny, ktoré namaľoval Picasso v roku 1909, ako napríklad „Reservoir (Reservoir at Horta de Ebro)“ ako prvé kubistické maľby. Prvá organizovaná skupinová výstava kubistov sa konala v Salon des Indépendants v Paríži na jar 1911 v miestnosti s názvom Salle 41; zahŕňala diela Jeana Metzingera, Alberta Gleizesa, Fernanda Légera, Roberta Delaunaya a Henriho Le Fauconniera, diela Picassa a Braquea ešte neboli vystavené.

Pablo Picasso, 1909-1910, Figure dans un Fauteuil (Sediaci akt), olej na plátne, 92,1 x 73 cm, Tate Modern, Londýn

V roku 1911 bol Picasso uznaný ako vynálezca kubizmu, zatiaľ čo dôležitosť a predchodca Braqueho vo vzťahu k jeho zaobchádzaniu s priestorom, objemom a hmotou v krajinách L'Estaque sa potvrdilo neskôr. Ale „táto vízia kubizmu je spojené s výrazne obmedzujúcou definíciou toho, ktorý z umelcov by sa mal správne nazývať kubistami“, napísal historik umenia Christopher Green: „Ignorovanie príspevkov umelcov, ktorí vystavovali na Salon des Indépendants v roku 1911...“

Historici rozdelili dejiny kubizmu na etapy. Podľa jednej verzie bola prvá etapa kubizmu, známa ako analytický kubizmus, fráza, ktorú vytvoril Juan Gris na základe skúseností, taká radikálna a vplyvná ako krátke, ale dôležité hnutie v umení v rokoch 1910-1912 vo Francúzsku. Druhá etapa, syntetický kubizmus, zostala relevantná až do roku 1919, kedy si získal popularitu surrealizmus. Anglický umelecký kritik Douglas Cooper navrhol inú verziu, ktorá vo svojej knihe „The Age of Cubism“ opísala tri štádiá kubizmu. Podľa Coopera bol „raný kubizmus“ (1906-1908) vtedy, keď sa hnutie rozvinulo v štúdiách Picassa a Braquea; druhá etapa sa nazývala „vysoký kubizmus“ (1909-1914), v tomto období sa objavil významný predstaviteľ kubizmu Juan Gris (po roku 1911); a na záver Cooper pomenoval „neskorý kubizmus“ (1914-1921) ako posledné štádium kubizmu ako radikálneho avantgardného hnutia. Douglas Cooper obmedzil používanie týchto výrazov na zdôraznenie diela Braquea, Picassa, Grisa (od roku 1911) a Légera (v menšej miere) tým, že implikoval úmyselný hodnotový úsudok.

Tvrdenie, že kubisti zobrazujú priestor, hmotu, čas a objem tým, že potvrdzujú (a nie popierajú) plochosť plátna, vyslovil Daniel-Henri Kahnweiler v roku 1920, no v 50. a 60. rokoch sa stalo predmetom kritiky, najmä Clementa. Greenberg. Moderné pohľady na kubizmus sú zložité, do určitej miery sa formujú v reakcii na kubistov z "Izby 41", ktorých metódy boli príliš odlišné od Picassa a Braquea a považujú sa len za druhoradé. Preto boli vyvinuté alternatívne interpretácie kubizmu. Medzi širšie pohľady na kubizmus patria: umelci, ktorí boli neskôr spojení s umelcami z „izby 41“, ako napríklad Francis Picabia; bratia Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon a Marcel Duchamp, ktorí začali koncom roka 1911 a tvorili jadro Zlatého rezu (alebo skupiny Puteaux); sochári Alexander Archipenko, József Csáki a Ossip Zadkine, ako aj Jacques Lipchitz a Henri Laurent; a takí maliari ako Louis Marcoussis, Roger de la Frenais, František Kupka, Diego Rivera, Leopold Survage, Auguste Herbin, Andre Lhote, Gino Severini (po 1916), Maria Blanchard (po 1916) a Georges Valmières (po 1918 G.). Ešte dôležitejšie je, že Christopher Green tvrdí, že výrazy Douglasa Coopera boli „následne spochybnené interpretáciami diela Picassa, Braquea, Legera a Grisa, ktoré zdôrazňujú ikonografické a ideologické problémy skôr než metódy reprezentácie“.

John Burger definuje podstatu kubizmu prostredníctvom mechanického diagramu. „Metaforický model kubizmu je diagram: diagram je viditeľná symbolická reprezentácia neviditeľných procesov, síl, štruktúr. Diagram sa nemusí vyhýbať určitým aspektom vzhľadu, ale aj tie budú vnímané ako znaky a nie ako kópie alebo znovu vytvorené výtvory.“

Technické a štylistické aspekty

Koncom 19. a začiatkom 20. storočia Európania objavili africké, polynézske, mikronézske a indiánske umenie. Umelci ako Paul Gauguin, Henri Matisse a Pablo Picasso boli fascinovaní a inšpirovaní neuveriteľnou silou a jednoduchosťou štýlov týchto cudzích kultúr. Okolo roku 1906 sa Picasso stretol s Matissom prostredníctvom Gertrúdy Steinovej, v čase, keď sa obaja umelci práve začali zaujímať o primitivizmus a iberské sochárstvo, africké umenie a africké kmeňové masky. Stali sa priateľskými súpermi a po celý život medzi sebou súperili, čo azda viedlo Picassa k novému obdobiu tvorivosti v roku 1907, ktoré bolo poznačené vplyvom gréčtiny, iberskej a africké umenie. Picassove maľby z roku 1907 sú definované ako protokubizmus, predchodca kubizmu, čo je zjavné najmä na obraze „Les Demoiselles d'Avignon“.

Jean Metzinger La Femme au Cheval ("Žena s koňom"), 1911-1912, Štátne múzeum umenia, Národná galéria Dánska. Vystavovala na Salóne nezávislých v roku 1912 a bola publikovaná v Apollinairovej knihe „Kubisti. Estetické úvahy“ v roku 1913. Pôvod: Jacques Nayral, Niels Bohr

Umelecký kritik Douglas Cooper tvrdí, že Paul Gauguin a Paul Cezanne „mali veľký vplyv na formovanie kubizmu a najmä na Picassove maľby z rokov 1906-1907“. Cooper hovorí: "" Avignonské panny“ sa všeobecne označuje ako prvý kubistický obraz. To je prehnané, pretože hoci to bol prvý veľký krok ku kubizmu, ešte to nie je kubizmus. Subverzívny, expresionistický prvok v ňom dokonca odporuje duchu kubizmu, ktorý sa na svet pozerá v odlúčenom, realistickom duchu. Les Demoiselles d'Avignon je však logická maľba akceptovaná ako východiskový bod kubizmu, pretože znamená zrod nového malebný štýl pretože v ňom Picasso násilne zničil zavedené zvyky a všetko, čo nasledovalo, z toho vyrástlo.“

Najvážnejšia námietka voči Les Demoiselles d'Avignon ako zdroju kubizmu s jeho zjavným vplyvom na maľbu primitívneho umenia je, že „takéto závery sú historicky nespoľahlivé,“ napísal umelecký kritik Daniel Robbins. Toto známe vysvetlenie „nezodpovedá rozmanitosti prosperujúceho umenia, ktoré existovalo pred a počas obdobia, v ktorom bol namaľovaný Picassov nový obraz. V rokoch 1905-1908 vedomé hľadanie nového štýlu spôsobilo rýchle zmeny v umení celého Francúzska, Nemecka, Holandska, Talianska a Ruska. Impresionisti používali dvojité hľadisko, zatiaľ čo Nabidi a symbolisti (ktorí tiež obdivovali Cézanna) sploštili rovinu obrazu a zredukovali objekty na jednoduché geometrické tvary. Ďalším dôležitým vplyvom boli neoimpresionistické štruktúry a témy, najvýraznejšie v dielach Georgesa Seurata (napr. Parade, Cancan a Circus). Paralely sú aj vo vývoji literatúry a sociálneho myslenia.

Okrem Seurata možno korene kubizmu hľadať v dvoch odlišných trendoch v neskorej Cézannovej tvorbe: prvým je rozdelenie obrazovej plochy na malé polyedrické oblasti, čím sa zdôrazňujú viaceré uhly pohľadu binokulárneho videnia, a druhý, záujem o zjednodušenie prírodných foriem na valce, gule a kužele. Kubisti však tento koncept preskúmali hlbšie ako Cezanne. Znázornili všetky povrchy zobrazených predmetov v jednej obrazovej rovine, akoby sa všetky strany predmetov stali viditeľnými súčasne. Tento nový typ obrazu radikálne zmenil spôsob, akým boli objekty vizualizované v maľbe a umení.

Historický výskum Kubizmus sa začal koncom 20. rokov 20. storočia, pričom čerpal z prvého zo zdrojov s obmedzenými údajmi, konkrétne z názorov Guillauma Apollinaira. Silne to záviselo aj od diela Daniela-Henriho Kahnweilera Der Weg zum Kubismus (Cesta ku kubizmu) (vydané v roku 1920), ktorý sa zameral na vývoj Picassa, Braqueho, Légera a Grisa. Pojmy „analytický“ a „syntetický“, ktoré sa objavili, sa následne v polovici 30. rokov 20. storočia stali všeobecne akceptovanými. Oba pojmy sú historicky zavedené a vznikli po faktoch, ktoré definujú. Ani jedna z týchto dvoch etáp nebola v tom čase ako taká založená súvisiace práce boli vytvorené. Daniel Robbins napísal: „Ak Kahnweiler vníma kubizmus ako Picassa a Braquea, naša jediná chyba spočíva v tom, že prácu iných kubistov podrobujeme prísnostiam tejto obmedzenej definície.“

Tradičná interpretácia „kubizmu“, ktorá sa neskôr vytvorila ako spôsob chápania diela Braquea a Picassa, ovplyvnila naše hodnotenie iných umelcov 20. storočia. Je ťažké konvertovať maliarov ako Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay a Henri Le Fauconnier, ktorých zásadné rozdiely od tradičného kubizmu prinútili Kahnweilera spochybniť ich právo byť vôbec nazývaní kubistami. Podľa Daniela Robbinsa: "Veriť, že jednoducho preto, že sa títo umelci vyvinuli inak alebo sa odklonili od tradičného štýlu, si zaslúžili byť odsunutí na vedľajšiu koľaj ku kubizmu, je hlboká mylná predstava."

História pojmu „kubizmus“ zvyčajne poukazuje na skutočnosť, že Matisse označoval „kocky“ v súvislosti s obrazom Braque v roku 1908 a že tento pojem dvakrát publikoval kritik Louis Vaucelle v podobnom kontexte. Slovo „kocka“ však v roku 1906 použil iný kritik, Louis Chassevain, pričom sa nevzťahoval na Picassa alebo Braquea, ale skôr na Metzingera a Delaunaya:

„Metzinger je mozaikár ako Signac, ale dáva väčšiu presnosť vyrezávaniu farieb kociek, ktoré sa zdajú byť vytvorené mechanicky...“

Kritické používanie slova „kocka“ sa datuje prinajmenšom do mája 1901, keď Jean Béral ​​pri analýze práce Henriho Edmonda Crossa o Independents v galérii Art et Littérature poznamenal, že „používa veľký a štvorcový pointilizmus, ktorý vytvára dojem mozaiky. . Dokonca sa čudoval, prečo umelec nepoužil rôznofarebné kocky: vytvorili by peknú krytinu“ (Robert Herbert, 1968, s. 221)

Pojem kubizmus sa začal všeobecne používať až v roku 1911, najmä vo vzťahu k Metzingerovi, Gleizesovi, Delaunayovi a Légerovi. V roku 1911 tento termín prijal básnik a kritik Guillaume Apollinaire v mene skupiny umelcov pozvaných vystavovať v Bruseli na výstave nezávislých. Nasledujúci rok, v rámci príprav na Salón zlatého rezu, Metzinger a Gleizes napísali a zverejnili manifest O kubizme v snahe rozptýliť zmätok, ktorý okolo tohto slova zúril, a ako hlavnú obranu kubizmu (ktorý spôsobil verejný škandál na „Salóne nezávislých“ v roku 1911 a „Jesennom salóne“ v roku 1912 v Paríži). Toto dielo, ktoré objasňuje ich ciele ako umelcov, bolo prvým teoretickým pojednaním o kubizme a zostáva najjasnejšie a najzrozumiteľnejšie. Výsledok, nielen spolupráce dvoch autorov, ukázal diskusie okruhu umelcov, ktorí sa stretli v Puteaux a Courbevoie. Odráža postoj „umelcov Passy“, medzi ktorými boli Picabia a bratia Duchampovci, ktorým bol pred jeho zverejnením prečítaný odsek manifestu. Rozvinula koncepciu pozorovania objektu súčasne z rôznych bodov v priestore a čase, t.j. akt pohybu okolo objektu s cieľom zachytiť ho z viacerých uhlov, ktoré sa spájajú do jedného obrazu (viaceré uhly pohľadu, mobilné perspektívy, simultánnosť alebo multiplicita) je uznávanou technikou používanou kubistami.

V roku 1913 po manifeste Metzingera a Gleizesa o kubizme z roku 1912 nasledovala zbierka kubistických umelcov: Úvahy o umení, zbierka obrazov a komentárov Guillauma Apollinaira. Od roku 1905 bol úzko spojený s Picassom a od roku 1907 s Braqueom, ale veľkú pozornosť venoval umelcom ako Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia a Duchamp.

Kubizmus pred rokom 1914

Medzi kubistami Kahnweiler a salónnymi kubistami je jasný rozdiel. Až do roku 1914 Braque, Picasso a Léger (v menšej miere) Gris dostával podporu jediného zainteresovaného obchodníka s umením v Paríži Daniela-Henriho Kahnweilera, ktorý im zaručoval ročný príjem za výhradné právo na nákup ich diel. Predával ich len úzkemu okruhu fajnšmekrov. Jeho podpora dala umelcom slobodu experimentovať v relatívnom súkromí. Picasso pracoval na Montmartri do roku 1912, zatiaľ čo Braque a Gris tam zostali až do konca prvej svetovej vojny. Léger sa usadil v Montparnasse.

Albert Gleizes Muž na balkóne (Portrét Dr. Théa Morinauda) („Muž na balkóne (Portrét Dr. Théa Morinauda)“), 1912, olej na plátne, 195,6 x 114,9 cm, Múzeum umenia Philadelphia. Dokončené v tom istom roku ako kniha Alberta Gleizesa O kubizme, ktorú napísal spolu s Jeanom Metzingerom. Vystavené na Salon d'Automne v Paríži v roku 1912 a na výstave Arsenal v New Yorku, Chicagu a Bostone v roku 1913.

Salónski kubisti si zároveň vybudovali reputáciu predovšetkým pravidelným vystavovaním na Salon d'Automne a Salon des Indépendants, hlavných neakademických salónoch v Paríži. Nevyhnutne si viac uvedomovali spätnú väzbu verejnosti a potrebu komunikácie. Už v roku 1910 sa začala formovať skupina, v ktorej boli Metzinger, Gleizes, Delaunay a Léger. Pravidelne sa stretávali v dielni Henriho Le Fauconniera neďaleko Boulevard de Montparnasse. Tieto večery často navštevovali spisovatelia ako Guillaume Apollinaire a André Salmon. Spolu s ďalšími mladými umelcami sa skupina chcela zamerať na skúmanie formy, na rozdiel od neoimpresionistov, ktorí zdôrazňovali farebné...

Louis Vauxcelles vo svojej recenzii na 26. Salon des Indépendants (1910) náhodne a vágne spomenul Metzingera, Gleizesa, Delaunaya, Légera a Le Fauconniera ako „neznalých geometrov, ktorí zredukovali ľudské telo na bledé kocky“. Na Salon d'Automne v roku 1910, o niekoľko mesiacov neskôr, Metzinger vystavoval extrémne zlomený akt (Nu à la cheminée), ktorý bol následne reprodukovaný v Apollinairovej knihe Kubističtí umelci: Úvahy o umení (1913).

Prvá spoločenská kontroverzia vyvolaná kubizmom vznikla v dôsledku salónnych výstav v Independents na jar 1911. Táto šou Metzingera, Gleizesa, Delaunaya, Le Fauconniera a Légera po prvý raz priviedla kubizmus do povedomia širokej verejnosti. Spomedzi kubistických diel vystavoval Robert Delaunay „Eiffelovu vežu“ (Múzeum Solomona Guggenheima, New York).

Na Salon d'Automne toho istého roku boli okrem skupiny nezávislých umelcov „Room 41“ vystavené diela André Lhoteho, Marcela Duchampa, Jacquesa Villona, ​​Rogera de la Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac a Františka Kupku. Recenzia výstavy vyšla 8. októbra 1911 v New York Times. Tento článok bol publikovaný rok po The Wild Men of Paris od Geletta Burgessa a dva roky pred výstavou Arsenal Exhibition, ktorá ohromila Američanov zvyknutých na realistické umenie, ako aj na experimentálne štýly európskej avantgardy, vrátane fauvizmu, kubizmu a futurizmu. .. Článok z roku 1911 v New York Times ilustroval diela Picassa, Matissa, Deraina, Metzingera a iných umelcov, ktoré maľovali pred rokom 1909; nebol vystavený na Salóne 1911. Dostala názov „Kubisti ovládajú Parížsky salón d'Automne“ a podtitul „Výstredná škola maľby zvyšuje popularitu na aktuálnej výstave umenia – o čo sa snažia jej nasledovníci“.

„Medzi všetkými obrazmi na výstave na parížskom jesennom salóne nič nepúta takú pozornosť ako mimoriadny výtvor takzvanej školy „kubizmu“. V skutočnosti správy z Paríža naznačujú, že tieto ľahká práca hlavnou črtou výstavy.

Napriek šialenej povahe teórií kubizmu je počet tých, ktorí ich vyznávajú, dosť významný. Georges Braque, Andre Derain, Picasso, Tschobel, Otho Friesz, Erben, Metzinger sú niektoré z mien, ktoré sa podpísali pod obrazy, ktorým sa Paris postavil, a teraz opäť stojí v úplnom úžase.

Čo si myslia? Rozlúčili sa zodpovední so zdravým rozumom? Je to umenie alebo šialenstvo? Kto vie?"

Následný Salon des Indépendants v roku 1912 sa niesol v znamení predstavenia Aktého zostupného schodiska č. 2 Marcela Duchampa, čo vyvolalo škandál aj medzi kubistami. V skutočnosti to odmietol výstavný výbor, v ktorom boli jeho bratia a ďalší kubisti. Dielo však bolo predvedené na Salóne zlatého rezu v októbri 1912 a na výstave Arsenalu v roku 1913 v New Yorku Duchamp nikdy neodpustil svojim bratom a bývalých kolegov za cenzúru jeho práce. Juan Gris, nová akvizícia salónnej spoločnosti, vystavoval Picassov portrét (Umelecký inštitút v Chicagu), zatiaľ čo dve Metzingerove výstavy zahŕňali Žena s koňom (La Femme au Cheval) 1911-12 (Národná galéria Dánska). Na výstave sa objavilo aj Delaunayovo monumentálne „Mesto Paríž“ (Múzeum moderného umenia, Paríž) a Légerova „Svadba“ (Múzeum moderného umenia, Paríž).

„Kubisti ovládajú Parížsky salón d'Automne“, New York Times, 8. októbra 1911. Picassova Sediaca žena z roku 1908 je vytlačená spolu s fotografiou umelca v jeho ateliéri (vľavo hore). Obraz Jeana Metzingera Baigneuses (Kúpajúci sa) (1908-1909) je vpravo hore. Prezentované sú aj diela Deraina, Matissa, Friesa, Herbena a fotografia Braquea.

Príspevok kubizmu do jesenného salónu v roku 1912 vyvolal škandál ohľadom používania vládne budovy, napríklad Veľký palác, na výstavu takýchto diel. Rozhorčený politik Jean-Pierre Philippe Lampier sa 5. októbra 1912 dostal na titulnú stranu Le Journal. Spor sa dostal až na parížsku mestskú radu, čo viedlo k diskusii v Poslaneckej snemovni o použití verejných prostriedkov na poskytnutie priestoru pre tento druh umenia. Kubistov sa zastal socialistický poslanec Marcel Samba.

Na tomto pozadí verejného hnevu napísali Jean Metzinger a Albert Gleizes knihu O kubizme (vydal Eugene Figier v roku 1912, preložené do angličtiny a ruštiny v roku 1913). Medzi vystavenými dielami boli: Le Fauconnierovo veľké dielo „Les Montagnards attaqués par des ours“ („Medvede útočia na horolezcov“), v súčasnosti v Rhode Island School of Design Museum, „Dve ženy“ od Józsefa Csáka (socha sa teraz stratila), spolu s vysoko abstraktná maľba Kupka „Amorpha“ (Národná galéria, Praha) a „Na jar“ od Picabia (Múzeum moderného umenia, New York).

Abstrakcia a ready-made

Väčšina extrémne formy kubizmus neboli tí, ktorí praktizovali Picasso a Braque, ktorí sa bránili úplnej abstrakcii, ale iní kubisti, najmä František Kupka, a tí, ktorých Apollinaire klasifikoval ako orfistov (Delaunay, Léger, Picabia a Duchamp), akceptujúc abstrakciu, úplne odstránili viditeľný predmet obrázok. Dva Kupkove exponáty na Jesennom salóne 1912 „Amorpha. Dvojfarebná fúga“ a „Amorpha. Chromatické teplo“ boli vysoko abstraktné (alebo nereprezentatívne) a metafyzicky orientované. Duchamp v roku 1912 a Picabia v rokoch 1912-1914 vyvinuli expresívnu a symbolickú abstrakciu zaoberajúcu sa zložitými emocionálnymi a sexuálnymi témami.

Robert Delaunay Simultaneous Windows on the City, 1912, 46 x 40 cm, Hamburg Kunsthalle, príklad abstraktného kubizmu.

Od roku 1912 namaľoval Delaunay sériu obrazov s názvom „Simultaneous Windows“, ktoré nasledovali po „okrúhlych formách“, a v ktorých kombinoval ploché štruktúry s jasnými prizmatickými odtieňmi; Na základe optických charakteristík kombinovaných farieb bol jeho odklon od reality v zobrazovaní obrazov takmer úplný. V rokoch 1913-1914 vytvoril Léger sériu s názvom Kontrasty foriem, kládol podobný dôraz na farbu, líniu a tvar. Jeho kubizmus, hoci abstraktný, sa spájal s témami mechanizácie a moderného života. Apollinaire podporil tieto rané výdobytky abstraktného kubizmu v diele The Cubist Painters (1913), kde písal o novom „čistom“ obraze, v ktorom bol predmet obrazu oslobodený. Ale napriek tomu, že použil termín orfizmus, tieto diela boli také odlišné, že vzdorovali pokusom zaradiť ich do rovnakej kategórie.

Inšpirovaný kubizmom, Marcel Duchamp, ktorého Apollinaire klasifikoval ako orfistu, bol zodpovedný aj za ďalšie extrémne hnutie. Readymade vzišiel z konsenzu, že samotné dielo bolo považované za exponát (rovnako ako obraz) a že využívalo materiálne fragmenty tohto sveta (ako koláž a papier-colle v kubistických asamblážových konštrukciách). Ďalším logickým krokom pre Duchampa bolo ukázať obyčajný predmet ako samostatné umelecké dielo, ktoré predstavuje len samého seba. V roku 1913 pripevnil na kuchynskú stoličku koleso bicykla a v roku 1914 si ako samostatne stojacu plastiku vybral sušičku fliaš.

Zlatý pomer

Zlatý rez, tiež známy ako Puteaux Group, založený najvýznamnejšími kubistami, bola skupina maliarov, sochárov a kritikov spojených s kubizmom a orfizmom, aktívna v rokoch 1911-1914 a preslávená kontroverznou výstavou Salon des Indépendants 1911 roku. Salón zlatého rezu v galérii La Boetie v Paríži v októbri 1912 bol azda najvýznamnejšou výstavou kubizmu pred prvou svetovou vojnou; demonštrovať kubizmus širšiemu publiku. Na výstave bolo viac ako 200 diel a skutočnosť, že mnohí z umelcov ukázali vývoj svojich diel od roku 1909 do roku 1912, jej dodávala čaro kubistickej retrospektívy.

Zdá sa, že skupina prijala názov „Golden Ratio“, aby sa odlíšila od úzkej definície kubizmu, ktorú Pablo Picasso a Georges Braque súčasne rozvíjali na Montmartre, a aby ukázala, že kubizmus už nie je izolovanou formou umenia, ale predstavuje pokračovanie. veľkej tradície (v skutočnosti zlatý rez fascinuje západných intelektuálov v rôznych kruhoch už najmenej 2400 rokov).

Jesenný salón 1912 sa konal v Paríži v r veľký palác od 1. októbra do 8. novembra. Socha Józsefa Csákiho Groupe de femmes ("Skupina žien") 1911-1912. vystavený vľavo, pred dvoma sochami od Amedea Modiglianiho. Zľava doprava sú prezentované ďalšie diela umelcov Zlatého rezu: František Kupka, Francis Picabia, Jean Metzinger a Henri Le Fauconnier.

Myšlienka „Zlatého rezu“ vznikla počas rozhovoru medzi Metzingerom, Gleizesom a Jacquesom Villonom. Názov skupiny navrhol Villon po prečítaní prekladu Josepha Péladana z roku 1910 rukopisov Leonarda da Vinciho s názvom Codex Urbinas.

Skutočnosť, že výstava v roku 1912 bola zorganizovaná s cieľom ukázať postupné etapy, ktorými kubizmus prešiel, a že pri tejto príležitosti vyšlo pojednanie O kubizme, svedčí o túžbe umelcov sprístupniť svoje diela širšiemu publiku (umeleckým kritikom, zberateľom, obchodníci s umením a široká verejnosť). Bez pochýb, ďakujem veľký úspech Na výstavách bol kubizmus uznávaný ako trend, žáner alebo štýl v umení so špecifickou celkovou filozofiou alebo cieľom: nové avantgardné hnutie.

Ašpirácie a interpretácie

Kubizmus Picassa, Braquea a Grisa nemal len technický alebo formálny význam, ale aj rôzne pohľady a zámery salónnych kubistov, ktorí vytvorili rôzne druhy kubizmu, a nie deriváty ich tvorby. Christopher Green napísal: „V každom prípade nie je vôbec jasné, do akej miery títo kubisti záviseli od Picassa a Braquea pri vývoji takých techník ako rezanie, kríženie a viacnásobná perspektíva; Možno prišli k tejto praxi s malými znalosťami „skutočného“ kubizmu, keďže sú v jeho raných štádiách a riadili sa predovšetkým tým, ako rozumeli Cézannovi.“ Dielo, ktoré títo kubisti vystavovali na Salóne v rokoch 1911 a 1912, presahovalo Cézannove zvyčajné témy – pózovanie modelov, zátišia a krajiny – ktoré obľubovali Picasso a Braque, a zahŕňalo rozsiahle témy moderného života. Tieto diela, zamerané na širokú verejnosť, kládli dôraz na využitie viacerých perspektív a zložitých plochých strihov na dosiahnutie expresívneho účinku pri zachovaní výrečnosti tém nabitých literárnym a filozofickým významom...

Metzinger a Gleizes vo svojom pojednaní O kubizme priamo spojili zmysel pre čas s viacerými perspektívami, čím symbolicky vyjadrili koncept „trvania“, ktorý navrhol filozof Henri Bergson, podľa ktorého je život subjektívne vnímaný ako súvislý s tokom času. minulosť do prítomnosti a prítomnosť do budúcnosti. Salónni kubisti používali fazetové spracovanie pevných predmetov a priestoru a efekt viacerých uhlov pohľadu na vyjadrenie fyzického a psychologického pocitu plynulosti vedomia, čím sa stierali rozdiely medzi minulosťou, prítomnosťou a budúcnosťou. Jedna z hlavných teoretických inovácií, ktorú salónni kubisti nezávisle od Picassa a Braqua vytvorili, sa zhodovala so „simultánnosťou“ a vo väčšej či menšej miere sa približovala k teóriám Henriho Poincarého, Ernsta Macha, Charlesa Henryho, Mauricea Princetona a Henriho Bergsona. Súčasne bol koncept oddelených priestorových a časových dimenzií úplne spochybnený. Lineárna perspektíva, vyvinutá počas renesancie, bola zrušená. Predmet obrazu sa už nepozeral z konkrétneho uhla pohľadu v konkrétnom časovom okamihu, ale bol skonštruovaný podľa súboru zorných uhlov, t. j. akoby sa naň pozeralo súčasne z viacerých uhlov (a vo viacerých dimenziách) pohľad voľne prechádzajúci z jedného na druhého.

Táto technika reprezentácie simultánnosti a rôznych uhlov pohľadu (alebo komplexného pohybu) viedla k vysoko komplexnému monumentálne dielo Glaiseho Le Dépiquage des Moissons (Mlátenie úrody), vystavené na Salon d'Or v roku 1912, Le Fauconnier's Abundance, predstavené v The Independents v roku 1911, a Delaunayovo Mesto Paríž, predstavené na Independents v roku 1912. Tieto rozsiahle diela patria medzi najväčšie obrazy v dejinách kubizmu. Légerova Le Marriage, vystavená aj na Salóne nezávislých v roku 1912, dala podobu konceptu simultánnosti, predstavujúc rôzne motívy vyskytujúce sa v rámci jedného časového obdobia, kde sa reakcie na minulosť a prítomnosť spájajú s kolektívnymi silami. Kombinácia takéhoto objektu zároveň ladí s kubistickým salónom rané maľby futurista, Umberto Boccioni, Gino Severini a Carlo Carra; vyrobené priamo v reakcii na raný kubizmus.

Kubizmus a moderné európske umenie boli predstavené Spojeným štátom na legendárnej výstave Arsenal Exhibition v roku 1913 v New Yorku, ktorá potom putovala do Chicaga a Bostonu. Na výstave Arsenal Pablo Picasso vystavoval okrem iných kubistických diel Žena s horčicovým hrncom (1910), sochu Hlava ženy (Fernanda) (1909-1910) a Dva stromy (1907). Jacques Villon predstavil sedem významných a veľkých rytín vyrobených technikou suchej ihly, jeho brat Marcel Duchamp šokoval americkú verejnosť obrazom „Akt zostupujúci po schodisku č. 2“ (1912). Francis Picabia ukázal abstrakcie „Tanec na jar“ a „Procesia, Sevilla“ (obe 1912). Albert Gleizes vystavoval Žena s Phloxom (1910) a Muž na balkóne (1912), dve vysoko štylizované a fazetované diela v kubistickom štýle. Ukážkami svojich kubistických diel prispeli aj Georges Braque, Fernand Léger, Raymond Duchamp-Villon, Roger de la Frenay a Alexander Archipenko...

Rovnako ako v maľbe, aj kubistické sochárstvo má svoje korene v redukcii maľovaných objektov Paulom Cézannom na zložené roviny a geometrické telesá (kocky, gule, valce a kužele). A podobne ako v maľbe sa stal všadeprítomným vplyvom a výrazne prispel ku konštruktivizmu a futurizmu.

Pablo Picasso, 1909-1910, „Hlava ženy“. Bočný pohľad, bronzová socha, vytvorený podľa podoby Fernandy Olivierovej. Čelný pohľad na ten istý bronzový odliatok, 40,5 x 23 x 26 cm. Tieto fotografie boli uverejnené v Uměleckom Mĕsíčníku ("Umelecký mesačník") za rok 1913.

Kubistické sochárstvo sa rozvíjalo paralelne s kubizmom v maliarstve. Na jeseň roku 1909 Picasso vytvoril „Hlavu ženy (Fernanda)“ s pozitívnymi črtami využívajúcimi negatívny a pozitívny priestor. Ako uvádza Douglas Cooper: „Prvou skutočnou kubistickou sochou bola Picassova pôsobivá Hlava ženy, modelovaná v rokoch 1909-10, trojrozmerný ekvivalent mnohých podobných analytických a fazetových hláv na jeho obrazoch tej doby.“ Tieto pozitívne/negatívne zmeny ambiciózne využila Alexandra Archipenko v rokoch 1912-1913, napríklad vo filme „Chodiaca žena“. József Csáky bol po Archipenkovi prvým parížskym sochárom, ktorý sa pridal ku kubistom, u ktorých od roku 1911 vystavoval svoje diela. Po nich nasledoval Raymond Duchamp-Villon a potom v roku 1914 Jacques Lipchitz, Henri Laurent a Ossip Zadkine.

Kubistická výstavba bola skutočne rovnako vplyvná ako akákoľvek umelecká inovácia v kubistickom štýle. Stala sa impulzom na pozadí protokonštruktivistických diel Nauma Gaba a Vladimira Tatlina, a teda východiskom celého konštruktívneho hnutia modernistického sochárstva 20. storočia.

1914-1918

Významná zmena v kubizme medzi rokmi 1914 a 1916 naznačila osobitný dôraz na veľké prekrývajúce sa geometrické roviny a aktivitu na plochom povrchu. Podobné zoskupenie maliarskych a sochárskych štýlov, obzvlášť významné v rokoch 1917-1920, praktizovali viacerí umelci; najmä tých, ktorí boli viazaní dohodou s obchodníkom s umením a zberateľom Léonce Rosenbergom. Kompresia kompozícií, čistota a zmysel pre poriadok, ktorý sa v týchto dielach odráža, viedli kritika Mauricea Raynala k tomu, aby to nazval „čistým“ kubizmom. Otázky, ktoré zaujímali kubistov pred vypuknutím prvej svetovej vojny, ako štvrtá dimenzia, dynamika moderného života, okultizmus a koncepcia trvania Henriho Bergsona, boli teraz opustené a nahradené čisto formálnym systémom viery.

Jean Metzinger, 1914-1915, Soldat jouant aux échecs („Vojak hrá šach“), olej na plátne, 81,3 x 61 cm, Smart Art Museum, University of Chicago

„Čistý“ kubizmus a s ním spojené zlaňovanie à l“ordre (výzva k poriadku) boli spojené s impulzom – tých, ktorí slúžili v ozbrojených silách a tých, ktorí zostali v civilnom sektore – uniknúť realite prvej svetovej vojny. , počas a bezprostredne po konflikte. Vo francúzskej spoločnosti a kultúre sa „očista“ kubizmu od roku 1914 do polovice 20. rokov 20. storočia s jeho súdržnou jednotou a vlastnými obmedzeniami spájala s oveľa širšou ideologickou transformáciou smerom ku konzervativizmu.

Kubizmus po roku 1918

Pred rokom 1914 bolo najinovatívnejšie obdobie kubizmu. Po prvej svetovej vojne sa vďaka podpore obchodníka Léonce Rosenberga vrátil kubizmus medzi umelcov do popredia a zostal tam až do polovice 20. rokov 20. storočia, kedy jeho avantgardný status začal spochybňovať vznik geometrického abstrakcie a surrealizmu v Paríži . Mnohí kubisti, vrátane Picassa, Braquea, Grisa, Légera, Gleizesa a Metzingera, vyvinuli iné štýly a pravidelne sa vracali ku kubizmu, dokonca aj po roku 1925. Kubizmus sa znovu objavil v 20. a 30. rokoch v tvorbe Američana Stuarta Davisa a Angličana Bena Nicholsona. Vo Francúzsku však okolo roku 1925 zaznamenal kubizmus úpadok. Leonce Rosenberg vystavoval nielen umelcov, ktorých Kahnweiler opustil v exile, ale aj ďalších: Laurensa, Lipchitza, Metzingera, Gleizesa, Chakiho, Erbena a Severiniho. V roku 1918 Rosenberg predstavil sériu kubistických výstav vo svojej galérii „L“ Effort Moderne („Modern Endeavour“) v Paríži. Louis Vaucelles sa pokúšal tvrdiť, že kubizmus je mŕtvy, ale tieto výstavy spolu s dobre organizovanou kubistickou výstavou „Salón nezávislých“ v roku 1920 a oživenie Salónu zlatého rezu v tom istom roku ukázali, že stále žije.

Oživenie kubizmu sa zhodovalo s objavením sa, okolo roku 1917-1924, teoretických spisov Pierra Reverdyho, Mauricea Raynala a Daniela-Henriho Kahnweilera a medzi umelcami Grisa, Légera a Gleizesa. Periodický návrat ku klasicizmu – figuratívnej tvorbe, či už výlučne, alebo popri kubizme –, s ktorým sa v tomto období stretávali mnohí umelci (tzv. neoklasicizmus), bol spojený s tendenciou vyhýbať sa vojnovej realite, ako aj kultúrnou dominanciou obrazu klasické alebo latinské Francúzsko počas vojny a bezprostredne po nej. Kubizmus, po roku 1918 vo francúzskej spoločnosti a kultúre, možno považovať za súčasť širokého ideologického posunu smerom ku konzervativizmu. Rozvinul sa však samotný kubizmus, a to ako v tvorbe jednotlivých umelcov ako Gries a Metzinger, tak aj v tvorbe umelcov, ktorí sa od seba odlišovali: Braque, Léger a Gleizes. Kubizmus, ako verejne diskutované hnutie, sa stal pomerne jednotným a otvoreným definícii. Jeho teoretická čistota z neho urobila štandard, s ktorým sa dali porovnávať tak rôznorodé trendy ako realizmus či naturalizmus, dadaizmus, surrealizmus a abstrakcia.

Kubizmus v iných oblastiach

Vplyv kubizmu sa rozšíril aj do iných oblastí umenia, okrem maľby a sochárstva. V literatúre diela Gertrúdy Steinovej používali opakovanie a opakované frázy ako stavebné kamene v pasážach a celých kapitolách. Táto technika je použitá vo väčšine spisovateľových dôležitých diel, vrátane The Making of Americans (1906-1908). Gertrude Steinová a jej brat Leo, ktorí boli prvými významnými patrónmi kubizmu, mali veľký vplyv aj na kubizmus. Na druhej strane Picasso výrazne ovplyvnil literárna tvorivosť Stein.

V oblasti americkej fantastiky možno As I Lay Dying (1930) Williama Faulknera interpretovať ako angažovanie sa kubistickou metódou. Román obsahuje správy o rôznych skúsenostiach 15 postáv, ktoré spolu vytvárajú jeden dej.

Pablo Picasso Traja hudobníci, 1921, Múzeum moderného umenia. „Traja hudobníci“ sú klasickým príkladom syntetického kubizmu.

Medzi básnikov bežne spájaných s kubizmom patria: Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon a Pierre Reverdy. Kenneth Rexroth ako americký básnik vysvetľuje, že kubizmus v poézii „je vedomá, zámerná disociácia a rekombinácia prvkov do nového umelecká organizácia, ktorá sa osamostatnila vďaka prísnej architektúre. To je úplne odlišné od slobodnej spoločnosti surrealistov a kombinácie nevedomého prejavu a politického nihilizmu dadaistov.“ Vplyv kubistických básnikov na kubizmus a neskoršie hnutia dada a surrealizmus bol však hlboký; Louis Aragon, jeden zo zakladateľov surrealizmu, povedal, že pre Bretona, Soupaulta, Eluarda a jeho samotného bol Reverdy „naším najbližším starším, príkladným básnikom“. Hoci si títo básnici nepamätajú tak dobre ako kubistickí umelci, naďalej ovplyvňujú a inšpirujú; Americkí básnici John Ashbery a Ron Padgett nedávno vytvorili nové preklady Reverdyho diela. Autor knihy Trinásť spôsobov, ako vidieť kosa, Wallace Stevens, tiež povedal, že demonštruje, ako možno viaceré perspektívy kubizmu previesť do poézie.

„Je takmer nemožné preceňovať význam kubizmu. Urobil takú veľkú revolúciu vo výtvarnom umení ako v ranej renesancii. Jeho vplyv na neskoršie umenie, na filmy a architektúru je už taký veľký, že si ho takmer nevšimneme.“ (John Berger)

História kubizmu v maliarstve siaha až do „Les Demoiselles d’Avignon“ od Pabla Picassa, namaľovaného v roku 1907 pod vplyvom afrického sochárstva a diela Paula Cézanna...

Začiatkom dvadsiateho storočia nastala v maľbe (nielen) globálna revolúcia: umelci, ignorujúc konvencie akademickej školy a realizmu, voľne experimentovali s formou, farbou, aplikáciou a inými výrazovými prostriedkami. ktoré vzniklo množstvo modernistických hnutí vo výtvarnom umení. Jedným z nich je kubizmus.

“Portrét Anny Achmatovovej”, Nathan Altman, 1914, Štátne ruské múzeum, Petrohrad

Príbeh kubizmus v maľbe pochádza z „Les Demoiselles d'Avignon“ od Pabla Picassa, napísaného v roku 1907 pod vplyvom afrického sochárstva a diela Paula Cézanna.

"Les Demoiselles d'Avignon", Pablo Picasso, 1907 (243,9 x 233,7, olej na plátne), Múzeum moderného umenia, New York

Postavy dievčat na obraze sú znázornené obrysovo, chýba šerosvit ani perspektíva, pozadie rozdrvené na úlomky rôznych tvarov.

Potom, v roku 1907, sa Pablo Picasso stretol s mladými, ale už sa ukázal dobré výsledky vo fauvizme (ďalšie modernistické hnutie zo začiatku dvadsiateho storočia), od umelca Georgesa Braquea. Spoločne sa stávajú zakladateľmi nového smeru v maľbe - kubizmus organizovať pravidelné stretnutia, diskusie a vymieňať si poznatky.

„Tanier a miska s ovocím“, Georges Braque, 1908, súkromná zbierka (46x55, olej na plátne)

Názov " kubizmus“ sa objavil v roku 1908, keď umelecký kritik Louis Vassel nazval Braqueove nové obrazy „bizarreries cubiques“, čo v preklade z francúzštiny znamená „kubické zvláštnosti“.

K novému smeru sa pridali umelci Juan Gris, Marie Laurencin, Fernand Leger. Už niekoľko rokov vo veľkom štýle kubizmus Robert Delaunay, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Jean Metzinger, Francis Picabia a ďalší začínajú pracovať.

“Gitara na stole”, Juan Gris, 1915, Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo, Holandsko, (73x92)

Paul Cézanne a jeho úloha pri vzniku kubizmu

Prvé obdobie kubizmus nazývaný „Cézanne“, ako kubistickí umelci pokračovali v experimentoch Paula Cézanna (1839-1906) s formou, perspektívou a hľadaním nových kompozičných riešení.

„Pierrot a Harlekýn“, Paul Cezanne, 1888, Puškinovo múzeum im. A.S. Puškin, Moskva

Obraz „Pierrot a Harlekýn“ namaľoval Paul Cézanne v roku 1888, teda 19 rokov predtým. kubizmus ako samostatný smer. Toto dielo ukazuje umelcovo vypracovanie geometrických tvarov (kruhy, ovály a kosoštvorce), smerovanie čiar kresby k určitému bodu, ako aj neštandardný uhol pohľadu: divák sa pozerá na postavy akoby mierne nad a doľava. Perspektíva je zobrazená nesprávne: zdá sa, že Pierrot a Harlekýn sú iní priestorové rozmery. Originálne kompozičné riešenie vytvára efekt lomených, mechanických a bábkových pohybov postáv napriek tomu, že ide o živé postavy so živou tvárou.

Paul Cézanne v liste umelcovi Emile Bernardovi (okolo roku 1904) napísal: „Potrebujeme sa vrátiť ku klasicizmu cez prírodu, inými slovami, cez senzáciu. V prírode sa všetko formuje na báze gule, kužeľa a valca. Kresba a farba sú neoddeliteľné, ako píšete, kreslíte: čím je farba harmonickejšia, tým je kresba presnejšia. Keď farba dosiahne najväčšie bohatstvo, formulár sa stáva úplným. Kontrasty a tonálne vzťahy sú celým tajomstvom kreslenia a modelovania.“

Etapy [fázy] kubizmu

V teórii umeleckej kritiky existujú Stupeň III[fázy] kubizmu:

I. etapa: Cézannov kubizmus(1907 - 1909) - zvýrazňovanie geometrických tvarov postáv a predmetov, oddelenie formy od priestoru/roviny.

Etapa II: analytický kubizmus(1909-1912) - drvenie foriem na hrany a rezy, budovanie kompozície pomocou koláže pretínajúcich sa rezov a rovín, stieranie hraníc medzi formou a priestorom, vizuálna interakcia formy a priestoru.

“Husle a svietnik”, Georges Braque, 1910, San Francisco Museum of Modern Art (61x50, olej na plátne, réžia “ analytický kubizmus”).

Stupeň III: syntetický kubizmus(1913 - 1914) - pomocou geometrických foriem a ich fragmentov sa konštruujú nové objekty, ktoré majú v sebe realitu, a nie sú obrazom viditeľného sveta. Koláže vznikajú okrem iného aj pomocou aplikácií, ktoré najčastejšie predstavujú fragmenty listu novín vlepené do kompozície.

“Le Jour”, Georges Braque, 1929, Národná galéria umenia, Washington (115 x 146,7, olej na plátne, smer “ syntetický kubizmus”)

Kubisti teda objekt rozložili na geometrické prvky a oddelili ho od priestoru, tvar objektov bol zobrazený v rezoch, ohyboch, z rôznych uhlov pohľadu, v nesystematických replikáciách a iných modifikáciách.

Počnúc Francúzskom, kubizmus sa stal populárnym v rôznych krajinách sveta vrátane Ruska. Najvýraznejším (najvýraznejším) predstaviteľom kubizmus v maliarstve patria Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Léger, Juan Gris.

Následne začali kubistickí umelci rozvíjať nové smery a približne od roku 1925 kubizmus bude postupne upadať, čím významne prispeje k rozvoju maliarstva.

Pred kubizmom bol problém životnej podoby vždy jedným z hlavných problémov európskeho umenia. Umenie sa niekoľko storočí vyvíjalo bez toho, aby túto úlohu spochybňovalo. Aj impresionisti, ktorí otvorili novú kapitolu v dejinách maľby, venovanej svetlu, zachyteniu prchavého dojmu, riešili aj otázku: ako zachytiť tento svet na plátno.

Impulzom pre rozvoj nového jazyka umenia bola možno otázka: prečo kresliť? Do začiatku 20. storočia. základy „správneho“ kreslenia by sa mohol naučiť takmer každý. Fotografia sa aktívne rozvíjala a bolo jasné, že jej doménou sa stanú pevné, technické obrázky. Umelci čelili otázke: ako môže umenie zostať živé a relevantné vo svete, kde figuratívne obrázky Stávajú sa dostupnejšie a ľahšie replikovateľné? Picassova odpoveď je mimoriadne jednoduchá: v arzenáli maľby sú len jej vlastné špecifické prostriedky - rovina plátna, čiara, farba, svetlo, a nemusia nutne slúžiť prírode. Vonkajší svet len ​​dáva podnet na vyjadrenie individuality tvorcu. Odmietnutie hodnoverne napodobňovať objektívny svet otvorilo umelcom neuveriteľne široké možnosti. Tento proces prebiehal v niekoľkých smeroch. V oblasti „oslobodzovania“ farieb bol možno lídrom Matisse, zatiaľ čo Braque a Picasso, zakladatelia kubizmu, sa viac zaujímali o formu.

Spočiatku Picasso, ovplyvnený čiastočne iberským a africkým umením, čiastočne myšlienkami Cezanna, začal hrubovať a zjednodušovať obrysy postáv a predmetov (toto je obdobie raného kubizmu, 1906/07-1909). Príkladom sú diela z roku 1908. Postavy vo filmoch „Sedliacka pani“, „Dryáda“, „Tri ženy“ a „Priateľstvo“ sa ľahko izolujú v kontexte plátna, no zároveň sú redukované na určitú kombinácia objemov prenášaných farbou. Cezanne povedal: "Všetky prírodné formy sa dajú zredukovať na gule, kužele a valce. Na základe týchto jednoduchých základných prvkov sa dá vyrobiť čokoľvek." Celkom „Cézannove“ je v tomto zmysle dielo „Dve nahé postavy“, kde sú ľudské telá prirovnávané k podobám okolitého sveta, prakticky s ním splývajú. Cezanne povedal: "Človek by nemal reprodukovať prírodu, ale reprezentovať ju, ale akými prostriedkami zobrazenia? Prostredníctvom formujúcich farebných ekvivalentov." Picasso ho opakuje: "Kubizmus nikdy nebol ničím iným ako maľbou pre samotnú maľbu, v ktorej sú vylúčené všetky koncepty nepodstatnej reality. Farba hrá rolu len do tej miery, do akej pomáha zobrazovať objemy."

Na mnohých zátišiach z roku 1909 možno vidieť hry s uhlom pohľadu predmetov: napríklad na plátne „Chlieb a misa s ovocím na stole“ je pohľad na vázu a ovocie nasmerovaný zhora, obrátený pohár je pri pohľade zboku a mierne zospodu, pretože nevidíme jeho dno . Majster manipuluje s prostriedkami reprezentácie stále voľnejšie, teraz si s nimi môže robiť „čo chce“.

Začína sa obdobie „analytického“ kubizmu (1909/10-1912). Tento spôsob môžeme vidieť na portréte Ambroise Vollarda, na ktorom Picasso pracoval v roku 1910. Marchandova tvár má prirodzenú farbu, takže ľahko vyčnieva zo zmesi hrán, útržkovitých foriem, línií (v portréte Daniela Henriho Kahnweilera , tvár nie je takmer zvýraznená farbou a práca pôsobí formálnejšie a chladnejšie). Farba v dielach tohto obdobia len zvýrazňuje objemy a umožňuje odhaliť plastickú podstatu obrazového objektu. Picasso o rozklade formy pevného predmetu na malé heterogénne detaily povedal: „Divák vidí obraz len po častiach, vždy len fragmenty naraz: napríklad hlavu, ale nie telo, ak ide o portrét; alebo oko, ale nie nos alebo ústa. V dôsledku toho je všetko vždy v poriadku."

Diela syntetického kubizmu z rokov 1912-1914 často využívali techniku ​​koláže, zahŕňali do umenia dovtedy „cudzie“ prvky (noviny, látky, zrnká piesku, zeminu) a menili sa na akési umelecké predmety, súčasti ktoré len naznačovali podobnosti, korešpondencie , dávalo divákovi obrazu určité usmernenia, ale neukazovalo námet v jeho „danosti“ (ako príklad môžeme uviesť diela „Gitara“ z roku 1913 a „Kompozícia s strapcom hrozna“. a rezaná hruška“ z roku 1914).

Narastajúci rozklad a skresľovanie foriem (najmä obdobie analytického kubizmu) však viedlo k tomu, že diváci začali vnímať kubistické diela ako abstraktné, čo Picassovi nevyhovovalo. Bolo pre neho dôležité, aby divák po prvé emocionálne reagoval na plátno a po druhé, aby pochopil autorovo posolstvo vložené do diela a - najlepšie - poslúchol ho. S čistou abstrakciou to nie je vždy možné. Kubizmus, ktorý otváral výtvarnému umeniu množstvo nových možností, tak postupne prestal zaujímať majstra, ktorý ho vytvoril.

Kubistické maľby. Kubistický štýl.

kubizmus(kubizmus), modernistické hnutie v maliarstve (a v menšej miere aj v sochárstve) 1. štvrtiny 20. storočia. Kubistický štýl sa datuje do roku 1907 a je spojený s dielom Picassa a Braquea, najmä s obrazom Picassa „Les Demoiselles d’Avignon“, ktorý zobrazuje zdeformované, zhrubnuté postavy bez perspektívy alebo šerosvitu.

Obrazy kubizmu znamenali úplný rozchod realistické zobrazenie prírody, ktorá v Európe prevládala od renesancie. Cieľom Picassa a Braquea je postaviť trojrozmernú formu na rovine a rozdeliť ju na geometrické prvky. Obaja kubistickí umelci inklinovali k jednoduchým, hmatateľným formám, nekomplikovaným zápletkám, čo je charakteristické najmä pre rané obdobie kubizmu, takzvaný „cezanský“ (1907-1909), ktorý sa rozvíjal pod vplyvom afrického sochárstva a diel Cézanna. . Zdá sa, že na plátne sú rozložené silné objemy, farba zvýrazňuje objem (Picasso „Tri ženy“, 1909).

Nasledujúce obdobie (1910-1912) sa nazýva „analytický kubizmus“: objekt je rozdrvený na malé okraje, ktoré sú od seba zreteľne oddelené, tvar objektu sa na plátne akoby rozmazáva, prakticky neexistuje žiadna farba ako taká (Braque "Na počesť I.S. Bacha", 1912). V druhom, známom ako syntetický kubizmus, sa maľby premieňajú na farebné ploché panely (Picassova „krčma“, 1913-1914), formy sa stávajú dekoratívnejšími, do kresby sa zavádzajú šablóny písmen a rôzne nálepky, čím sa vytvárajú koláže. Juan Gris píše týmto spôsobom spolu s Braquem a Picassom. Prvá svetová vojna ukončila spoluprácu medzi Braquem a Picassom, ale ich práca mala veľký vplyv na ďalšie hnutia, vrátane futurizmu, orfizmu, purizmu a vorticizmu.

Analytický kubizmus
Analytický kubizmus, druhá fáza kubizmu, sa vyznačuje miznutím obrazov predmetov a postupným stieraním rozdielu medzi formou a priestorom.

Syntetický kubizmus
Syntetický kubizmus sa snažil obohatiť realitu vytváraním nových estetických predmetov, ktoré majú realitu v sebe, a nie sú len obrazom viditeľného sveta. Táto fáza štýlu je charakteristická popretím významu tretieho rozmeru v maľbe a dôrazom na obrazovú plochu.

kubizmus:
kubistické maľby
kubizmus picasso
kubizmus v umení
kubistický štýl
kubistických umelcov
prezentačný kubizmus
predstavitelia kubizmu
kubizmus v architektúre
smerový kubizmus
kubizmus fauvizmus
kubizmus v maľbe
Picasso maluje kubizmus
kubizmus v rusku
futurizmus a kubizmus
ruský kubizmus
kubizmus pablo picasso
od kubizmu k suprematizmu
zakladateľ kubizmu
kubizmus malevič
zakladateľ kubizmu
kubistické zátišie
kubizmus v literatúre
portrétny kubizmus
obrázky kubizmu
francúzsky kubizmus
manželský kubizmus
moderný kubizmus
analytický kubizmus
kubizmus obrazy na stiahnutie zadarmo
syntetický kubizmus
kubizmus v sochárstve
fotka kubizmu
esej o kubizme
kubizmus v interiéri
Picasso, zakladateľ kubizmu
zakladateľ kubizmu v umení
druhy kubizmu
český kubizmus

V Rusku sa kubizmus spájal s prvkami talianskeho futurizmu (kubo-futurizmus).

Zvyčajne sa tak nazýva prvá fáza kubizmu, ktorá sa vyznačuje sklonom k ​​abstrakcii a zjednodušovaniu tvarov predmetov.

kubizmus

(francúzsky kubizmus) - avantgardné hnutie v, predovšetkým v, ktoré vzniklo na začiatku 20. storočia a vyznačuje sa používaním dôrazne geometrizovaných konvenčných foriem, túžbou „rozdeľovať“ skutočné objekty na stereometrické primitívy.

Vznik kubizmu sa tradične datuje do rokov 1906-1907 a spája sa s dielom Pabla Picassa a Georgesa Braquea. Pojem „kubizmus“ sa objavil v roku 1908 po tom, čo umelecký kritik Louis Vaucelles nazval Braqueove nové obrazy „kubické zvláštnosti“ (francúzsky: bizarreries cubiques).
Počnúc rokom 1912 sa v kubizme objavila nová vetva, ktorú historici umenia nazvali „syntetický kubizmus“.

Umelecké smery, ktoré sa objavili v 20. storočí a ktoré sa vyznačovali odporom k predchádzajúcim tvorivým tradíciám vyjadreným polemickou formou, ako aj k okolitým spoločenským stereotypom vo všeobecnosti, sa nazývali avantgardy.
Rovnako ako trendy modernizmu, ktoré mu predchádzali, aj avantgarda smerovala k radikálnej premene ľudského vedomia prostredníctvom umenia, k estetickej revolúcii, ktorá by zničila duchovnú zotrvačnosť existujúcej spoločnosti, pričom jej umelecká a utopická stratégia a taktika bola oveľa rozhodnejšia, anarchickejšia a rebelantská.
Avantgarda, ktorá sa neuspokojila s vytváraním nádherných „ohnisk“ krásy a tajomstva, postavila sa proti základnej materialite existencie, vniesla do svojich obrazov drsnú hmotu života, „poetiku ulice“, chaotický rytmus moderného mesta, prírody, obdarenej mocnou tvorivo-deštruktívnou silou, vo svojich dielach viackrát deklaratívne zdôrazňoval princíp „antiumenia“, čím odmietal nielen doterajšie, tradičnejšie štýly, ale aj ustálenú koncepciu umenia vôbec. Avantgardu neustále priťahovali „čudné svety“ novej vedy a techniky, z ktorých si zobral nielen dejové a symbolické motívy, ale aj mnohé vzory a techniky. Na druhej strane umenie čoraz viac zahŕňalo „barbarský“ archaizmus, starovekú mágiu, primitívnosť a folklór (vo forme výpožičiek z umenia černochov v Afrike resp. populárna populárna tlač, z iných „neklasických“ sfér tvorivosti, predtým mimo rámca výtvarného umenia). Avantgarda dala bezprecedentnú naliehavosť globálnemu dialógu kultúr.

Transformácie pokrývali všetky typy kreativity, ale výtvarné umenie neustále iniciovalo nové pohyby. Majstri postimpresionizmu predurčili najdôležitejšie smery avantgardy; Jeho raný front sa niesol v znamení skupinových vystúpení predstaviteľov fauvizmu a kubizmu.
Kubizmus je modernistické hnutie vo výtvarnom umení (najmä maliarstve), ktoré vzniklo v 1. štvrtine 20. storočia. Vznik kubizmu sa datuje od roku 1907, keď P. Picasso namaľoval obraz „Les Demoiselles d'Avignon“ (obraz je momentálne v Múzeu moderného umenia v New Yorku), nezvyčajný vo svojej akútnej grotesknosti: zdeformované, zhrubnuté postavy sú tu zobrazený bez prvkov šerosvitu a perspektív, ako kombinácia objemov rozložených do roviny. V roku 1908 sa v Paríži vytvorila skupina „Batolavoir“ („raft boat“), do ktorej patrili Picasso, J. Braque, Španiel X. Gris, spisovatelia G., Apollinaire. G. Stein a ďalší.V tejto skupine sa rozvíjali a dôsledne vyjadrovali základné princípy kubizmu. Ďalšia skupina, ktorá vznikla v roku 1911 v Puteaux pri Paríži a sformovala sa v roku 1912 na výstave „Section d'or“ („Zlatá sekcia“), zahŕňala popularizátorov a interpretov kubizmu – A. Glez, J. Metsenger, J. Villon. , A. Le Fauconnier a umelci, ktorí len čiastočne prišli do kontaktu s kubizmom - F. Léger, R. Delaunay, Čech F. Kupka. Slovo „kubisti“ prvýkrát použil v roku 1908 Francúz. kritik L. Vaucel ako posmešná prezývka pre umelcov, ktorí zobrazujú objektívny svet vo forme kombinácií pravidelných geometrických objemov (kocka, guľa, valec, kužeľ).

Kubizmus znamenal rozhodujúci rozchod s tradíciami realistického umenia. Tvorba kubistov mala zároveň charakter výzvy k štandardnej kráse salónneho umenia, nejasným alegóriám symbolizmu a nestálosti neskorej impresionistickej maľby. Minimalizujúc a často snažiac sa stavať svoje diela z kombinácie elementárnych, „primárnych“ foriem, sa predstavitelia kubizmu obrátili na konštrukciu objemovej formy v rovine, rozdeľujúc skutočný objem na geometrické telesá, posúvané, pretínajúce sa, vnímané z rôznych uhly pohľadu. Kubizmus, ktorý vstúpil do okruhu mnohých modernistických hnutí, medzi nimi vynikal svojou príťažlivosťou k drsnej askéze farieb, k jednoduchým, ťažkým, hmatateľným formám, k elementárnym motívom (ako dom, drevo, riad atď.). To platí najmä pre skoré štádium kubizmus, ktorý sa rozvinul pod vplyvom maliarskej tvorby P. Cezanna (jeho posmrtná výstava sa konala v Paríži v roku 1907). V tomto „cézannovskom“ období kubizmu (1907-09) geometrizácia foriem zdôrazňuje stabilitu a objektivitu sveta; silné fazetové zväzky sa zdajú byť tesne rozložené na povrchu plátna a tvoria určitý druh reliéfu; farba, zvýrazňujúca jednotlivé fazety objektu, zároveň zvýrazňuje a fragmentuje objem (P. Picasso, „Tri ženy“, 1909, J. Braque „Estaque“, 1908). V ďalšej, „analytickej“ etape kubizmu (1910 - 12) sa objekt rozpadá, rozdeľuje na malé okraje, ktoré sú od seba zreteľne oddelené: forma objektu sa zdá byť rozprestretá na plátne (P. Picasso, „ A. Vollard“, 1910, J. Brak, „Na počesť J. S. Bacha“, 1912). V poslednej, „syntetickej“ etape (1912-14) víťazí dekoratívny princíp a obrazy sa menia na farebné ploché dosky (P. Picasso, „Gitara a husle“, 1913; J. Braque, „Žena s gitarou“ ); Záujem je o všetky druhy textúrovaných efektov - nálepky (koláže), púdre, trojrozmerné štruktúry na plátne, čiže odmietnutie zobrazenia priestoru a objemu je akoby kompenzované reliéfnymi materiálovými štruktúrami v reálnom priestore.

České mláďa.

Zároveň sa objavilo kubistické sochárstvo s geometrizáciou a posunmi formy, priestorové konštrukcie na rovine (nefiguratívne kompozície a asambláže - plastiky z heterogénnych materiálov od Picassa, diela A. Laurenta, R. Duchampa-Villona, ​​geometrizované reliéfy a figúry od O. Zadkina, J. Lipchitza, konkávne protireliéfy od A. P. Archipenka). V roku 1914 začal kubizmus ustupovať iným hnutiam, no naďalej ovplyvňoval nielen francúzskych umelcov, ale aj talianskych futuristov, ruských kubo-futuristov (K. S. Malevich, V. E. Tatlin), nemeckých umelcov Bauhausu (L. Feininger, O. Schlemmer) . Neskorý kubizmus sa priblížil abstraktné umenie("abstraktný kubizmus" od R. Delaunaya), zároveň niektorí významní majstri 20. storočia, ktorí sa usilovali o rozvoj moderného, ​​lakonického, expresívneho umeleckého jazyka, prešli vášňou pre kubizmus, prekonávajúc jeho vplyv, - Mexičan D. Rivera, Česi B. Kubista, E Filla, Talian R. Guttuso, Poliak Yu, T. Makovsky a ďalší.

Kubizmus v umení Picassa

„Keď sme začali kubisticky maľovať, naším zámerom nebolo vymýšľať kubizmus. Chceli sme len vyjadriť, čo v nás je.“ Tieto slová patria Pablovi Picassovi. Práve jeho diela dali impulz vzniku nového modernistického hnutia kubizmu.

Až do roku 1906 bol Picasso spontánny, zostal ľahostajný k čisto plastickým problémom a zdalo sa, že umelec neprejavuje takmer žiadny záujem o hľadanie. moderná maľba. Od roku 1905, pravdepodobne už pod vplyvom Cézanna, sa snaží dať formám jednoduchosť a význam, v menšej miere sa však odráža v jeho prvých sochárskych prácach („Šašek“, 1905) ako v dielach z obdobia helenizácie. („Chlapec, vedie koňa“, New York, Múzeum moderného umenia). K odmietnutiu dekoratívnej honosnosti jeho ranej tvorby však došlo počas cesty v lete 1906 do Andorry, do Gosolu, kde sa prvýkrát obrátil k „primitivizmu“, zmyselnému a formálnemu, ktorý rozvíjal počas celej svojej tvorivej kariéry. Po návrate Picasso dokončil portrét „Gertrude Stein“ (New York, Metropolitné múzeum umenia) a namaľoval hrozné „barbarské akty“ (New York, Múzeum moderného umenia). Potom Picasso začne maľovať Les Demoiselles d'Avignon. Začiatkom roku 1907 bol obraz dokončený.

Pred nami je ďalší nový Picasso. Akoby sa púšťal do prvotných, primitívnych základov existencie, ktoré ešte neprekonali chaos, kde dobro nie je oddelené od zla, škaredosť od krásy. Je nepravdepodobné, že sám Picasso vtedy vedel, kam ide; jeho vášeň experimentátora, túžba vyjadriť svoju éru, svoju dobu v plastických formách.

A bez ohľadu na to, ako sa snažia oddeliť „skutočného“ Picassa od „falošných“ počas „modrého“ a „ružového“ obdobia, niet pochýb o tom, že práve vtedy boli základné morálne princípy jeho umenia, morálne kritériá, formovali sa humanistické ideály a globálne témy tvorivosti. Aj keby Picasso po roku 1907 nič nevytvoril, zostal by veľkým umelcom dvadsiateho storočia. Rozchod s tradičnými kánonmi, iniciovaný Pablom Picassom v roku 1907, keď sa pod jeho rozhodným štetcom objavili jasné postavy „Les Demoiselles d'Avignon“, znamenal zrod nového poriadku a dôsledky tejto revolúcie sa odzrkadlili v modernom reality. S Picasso, rozvoj nového vnímania, nové pohľady a hodnotenia, iná, aktualizovaná vízia sveta a nás vlastnú históriu. Zrodením tohto obrazu sa zrodilo nové modernistické hnutie vo výtvarnom umení – kubizmus.
O prepojení súčasného umenia a iných aspektov reality v modernom svete niet pochýb. Blízkosť nového umenia moderného Picassa k histórii si prvýkrát uvedomil, keď namaľoval Les Demoiselles d'Avignon, a bude sa naďalej posilňovať vďaka odvážnemu hľadaniu hŕstky skutočných, veľkých umelcov.

“Smrť na dobrý vkus!” - Picasso vyhlásil a ponáhľal sa realizovať v „Les Demoiselles d'Avignon“ odvážny plán, aký možno dejiny umenia nepoznali. Pri vytváraní obrazu zistil, že sa stávajú odrazom tej stránky života, ktorá bola po stáročia odsúdená na nemosť, pretože mali ďaleko od sofistikovanosti a luxusu, od elegancie a vonkajšej nádhery. kubizmus: kubizmus maľby kubizmus Picasso kubizmus vo výtvarnom štýle kubizmus kubizmus umelci prezentácia kubizmus predstavitelia kubizmu kubizmus v architektúre smer kubizmus kubizmus kubizmus v maľbe Picassovo maľby kubizmus kubizmus v Rusku a kubizmus ruský kubizmus Pablo Picasso kubizmus od kubizmu k suprematizmu zakladateľ kubizmu Mal
zakladateľ kubizmu kubizmus kubizmus v literatúre kubizmus kubizmus obrázky
francúzsky kubizmus manželstvo kubizmus moderný kubizmus analytický kubizmus kubizmus na stiahnutie obrazy syntetický kubizmus kubizmus kubizmus v sochárstve kubizmus foto abstrakt na tému kubizmus
kubizmus v interiéri Picasso zakladateľ kubizmu zakladateľ kubizmu v umeleckých druhoch kubizmu
České mláďa.

Toto kategorické popretie dobrého vkusu čoskoro prevzali futuristi, expresionisti a iní. To však urobil predovšetkým Picasso. A nie v siahodlhých manifestoch a programoch, ale v nespútanej kompozícii „Les Demoiselles d’Avignon“, v obraze, ktorého samotná existencia je odvážnejšia ako všetky slovné nadávky avantgardných umelcov celého storočia.

"Les Demoiselles d'Avignon" - zovšeobecnenie neúnavné hľadanie, ktorý možno vysledovať v Picassových experimentoch s ľudskou postavou počas roku 1906; Označujú odmietnutie minulosti a očakávajú novú éru - túto skupinu úžasných žien nahliadajúcich do nových horizontov.

„Les Demoiselles d’Avignon“ svedčili o tom, že prišiel jarný deň prehodnotenia predchádzajúcich hodnôt. Odteraz bude každá tvár niesť pečať podobnosti s postavami na tomto obrázku. A tiež s tvárou ich tvorcu, keďže si bez váhania vybral svoju tvár na experimenty, rozobral ju a po energickom pretrepaní a premiešaní opäť poskladal, čo ovplyvňuje podobu týchto piatich patetických postáv na obraze.
Mnohých prekvapila v „Autoportréte umelca s paletou“ blízka podobnosť s dvoma ústrednými postavami, ktorých pohľady zdieľajú aj ostatní účastníci kompozície „Les Demoiselles d’Avignon“. Rovnaký výraz, rovnaké oči, podobné tváre, podobné farebné tóny. Je ťažké vyhnúť sa porovnávaniu. Ak bolo Picassovým cieľom zničiť starý obraz, potom umelec hľadal v prvom rade svoju vlastnú tvár, aby namaľoval obraz, ktorý bol spočiatku vnímaný ako ťažká urážka a neskôr bol nazývaný predzvesťou novej éry v histórii ľudstvo. Picasso si neváhal vybrať svoju tvár, aby vyvolal reakciu, ktorú si želal. Pri uskutočňovaní tohto veľkého experimentu bolo sotva možné nájsť niečo známejšie a bližšie ako vlastnú nezničiteľnú tvár odrazenú v zrkadle. Picasso sa tak stáva súčasťou histórie neustálym popieraním minulosti, ako aj obrovskej priepasti, ktorú Les Demoiselles d'Avignon vytvoril a naďalej sa otvára v kontúrach budúcnosti. Picasso sa nemilosrdne pozrel na svoju minulosť, na svoju vlastnú tvár, rovnako ako rýchlo vyrovnal účty s kypiacim, násilným prúdom histórie. Picasso bol neúnavným hľadačom, ktorý rozbíjal rutinné výkladné skrine minulosti, aby ich potom mohol použiť na rozbité sklo vytvárať nové obrázky a nové kompozície. Vo veľkolepých líniách „Les Demoiselles d'Avignon“ zanechal obraz, ktorého hlavné črty budú časom podobné črtám všetkých zjavov.

V snahe dosiahnuť hyperrealitu, o ktorú sa snažil vo svojom umení, sa Picasso obrátil na rôzne techniky. Niekedy napríklad zobrazoval predmety s takou detailnou presnosťou, že fotografie sa v porovnaní zdajú byť rozmazané a približné. Inokedy kládol dôraz na kontrasty svetla a tieňa až k veľkolepému dramatickému efektu. Ale zvyčajne sa mu podarilo dosiahnuť „skutočnejšie ako samotná realita“ prostredníctvom expresívneho skreslenia: zmenil sa prirodzený vzhľad predmety, najmä ľudské telo, od ktorých diváka odtrhnú tradičným spôsobom vnímanie a tlačenie k novému, vyššiemu povedomiu o viditeľnom svete. V žiadnej z tém jeho diel to nie je zjavnejšie ako v trante najtradičnejšej témy – aktu. ženské telo. kubizmus: kubizmus maľby kubizmus Picasso kubizmus vo výtvarnom štýle kubizmus kubizmus umelci prezentácia kubizmus predstavitelia kubizmu kubizmus v architektúre smer kubizmus kubizmus kubizmus v maľbe Picassovo obrazy kubizmus kubizmus v Rusku a kubizmus ruský kubizmus Pablo Picasso kubizmus od kubizmu k suprematizmu zakladateľ kubizmu Mal
zakladateľ kubizmu kubizmus kubizmus v literatúre kubizmus kubizmus obrázky
francúzsky kubizmus manželstvo kubizmus moderný kubizmus analytický kubizmus kubizmus na stiahnutie obrazy syntetický kubizmus kubizmus kubizmus v sochárstve kubizmus foto abstrakt na tému kubizmus
kubizmus v interiéri Picasso zakladateľ kubizmu zakladateľ kubizmu v umeleckých druhoch kubizmu
České mláďa.

Picasso sa zmenil na deformáciu už vo svojom rané práce, v skečoch, ktoré často obsahujú karikatúrne zveličenia, ktoré predvádzal pre vlastné potešenie. V tom istom čase objavil svoj talent ako zázračné dieťa, robil úplne neakademické štúdiá v r umeleckých škôl ktoré navštívil. Ale až v roku 1906, teda po období, keď Picasso študoval umenie klasickej antiky a otvorene priznával jeho vplyv na svoju tvorbu, sa deformácie v jeho kompozíciách ľudí dostali do takého extrému, že sa stali v istom zmysle téma jeho umenia.
Vrcholným dielom tohto obdobia formálneho experimentovania a skúmania bol obraz „Two Offended“, popravený v Paríži v roku 1906. Zdá sa, že tu Picassovo umenie podlieha dvom protichodným impulzom. Na jednej strane sú postavy zobrazené ako prehnane nemotorné, s takými mohutnými a nemotornými hlavami a trupmi, že ich treba špeciálne podopierať. Zároveň došlo k pokusu zdôrazniť a potvrdiť dvojrozmernosť maliarskej roviny, ktorá sa stala charakteristickou črtou mnohých najvyspelejších maliarskych diel neskorej doby. XIX storočia: nahé postavy sa zdajú byť posunuté dopredu, rozprestreté po plátne. Hoci obraz má zobrazovať dve ženy, bližší pohľad naznačuje, že sa pozeráme na tú istú postavu, prezentovanú dvakrát z diametrálne odlišných uhlov pohľadu, takže divák dostáva informácie o modeli, ktoré nie sú obmedzené na jeden statický bod obrazu.

Obraz „Žena s Madonou“ ukazuje, že umelkyňa je tak slobodná voči prírode, že dochádza k deformáciám, ktoré znamenajú zmenu alebo vytesnenie akceptovaných vizuálnych noriem, zdá sa, že hostia s tým nemajú nič spoločné: tu sa naturalistické pretvára v úplne nový spôsob a v tomto procese sa rodí nový obrazový jazyk.

kubizmus: kubizmus maľby kubizmus Picasso kubizmus vo výtvarnom štýle kubizmus kubizmus umelci prezentácia kubizmus predstavitelia kubizmu kubizmus v architektúre smer kubizmus kubizmus kubizmus v maľbe Picassovo obrazy kubizmus kubizmus v Rusku a kubizmus ruský kubizmus Pablo Picasso kubizmus od kubizmu k suprematizmu zakladateľ kubizmu Mal
zakladateľ kubizmu kubizmus kubizmus v literatúre kubizmus kubizmus obrázky
francúzsky kubizmus manželstvo kubizmus moderný kubizmus analytický kubizmus kubizmus na stiahnutie obrazy syntetický kubizmus kubizmus kubizmus v sochárstve kubizmus foto abstrakt na tému kubizmus
kubizmus v interiéri Picasso zakladateľ kubizmu zakladateľ kubizmu v umeleckých druhoch kubizmu
České mláďa.

Vidno, že v prácach 1909-1910. dominovali koncepty geometrického zjednodušenia tvarov ľudského tela; V budúcnosti sa však analýza jeho komponentov stávala čoraz zložitejšou a bolo čoraz ťažšie dosiahnuť ju z dôvodu množstva hľadísk, ktoré sa stali základným prvkom vo forme Picassa. Kompozíciu načrtáva ako lineárny diagram, ktorý naznačuje obrys postavy a jej vnútorné obrysy. Táto zložitá, ale voľná lineárna skica bola použitá ako pár, okolo ktorého vyrástla sada priehľadných pohyblivých a interagujúcich rovín. Táto totalita hovorí o nadradenosti ľudskej postavy a jej neoddeliteľnosti od priestoru, ktorý ju obklopuje a obklopuje.
Kritici na začiatku storočia rýchlo našli paralely s niektorými filozofickými a vedecké myšlienky tej doby a teórie relativity a štvrtej dimenzie. A aj keď, samozrejme, Picasso sa rozhodol konkrétne ilustrovať tieto koncepty, ale ako všetci veľkí umelci, jeho práca nevedome odrážala a niekedy anticipovala intelektuálnu atmosféru a objavy svojej doby.

O dva roky neskôr, koncom roku 1912, v rámci štýlu, ktorý možno jasne charakterizovať ako kubizmus, sa v Picassovej vízii a prístupe objavila ďalšia radikálna inovácia, ktorá zahŕňala vytváranie síce tematicky založených, ale úplne antinaturalistických obrazov a použitie koncepcia formy priestoru vyvinutá počas predchádzajúcich rokov.
Porovnanie dvoch vyššie diskutovaných diel ukazuje Picassovu cestu, ktorá sa začala pomerne blízkym obrazom, ktorý sa stáva čoraz geometrickejším a abstraktnejším, pretože bol podrobený čoraz zložitejšej analýze alebo pitve vo svetle nového postoja kubistov k objemom. a priestor, ktorý ich obklopuje.
Umelcova séria aktov, vykonaných počas Druhého moru, využíva niektoré zo základných princípov jeho raného kubického štýlu. Vznikajú obrazy, ktoré v strachu z uzavretých priestorov a krutosti pripomínajú niektoré z najznepokojujúcejších a najstrašidelnejších vízií z konca 20. a začiatku 30. rokov 20. storočia.

kubizmus: kubizmus maľby kubizmus Picasso kubizmus vo výtvarnom štýle kubizmus kubizmus umelci prezentácia kubizmus predstavitelia kubizmu kubizmus v architektúre smer kubizmus kubizmus kubizmus v maľbe Picassovo obrazy kubizmus kubizmus v Rusku a kubizmus ruský kubizmus Pablo Picasso kubizmus od kubizmu k suprematizmu zakladateľ kubizmu Mal
zakladateľ kubizmu kubizmus kubizmus v literatúre kubizmus kubizmus obrázky
francúzsky kubizmus manželstvo kubizmus moderný kubizmus analytický kubizmus kubizmus na stiahnutie obrazy syntetický kubizmus kubizmus kubizmus v sochárstve kubizmus foto abstrakt na tému kubizmus
kubizmus v interiéri Picasso zakladateľ kubizmu zakladateľ kubizmu v umeleckých druhoch kubizmu
České mláďa.

Picassov neskorý štýl päťdesiatych a šesťdesiatych rokov sa vyznačuje extrémnou materialitou, zmyslom pre zbesilú energiu a vytrvalosťou, ktorá je u človeka každého veku prekvapivá, ba aj trochu nepravdepodobná. Picasso bol stále posadnutý obrazom ženy, ale teraz je to pestrá prehliadka umenia a života, ktorá sa stala spoločnou témou jeho umenia - rozsiahla panoráma, zahŕňajúca minulosť a súčasnosť, v ktorej historické postavy, umelci a filozofi Stretnite sa a prelínajte sa s obrazmi a modelmi, ktoré obývali Picassove obrazy sedemdesiat rokov.

Analytický kubizmus (nový systém maľby, ktorý vytvorili Picasso a Georges Braque okolo roku 1909) spočíva v súčasnom zobrazení viacerých strán jedného objektu na plátne, akoby viditeľných z rôznych bodov. Rovnaké analytické kritérium možno použiť na akúkoľvek realitu a dokonca aj na myslenie. Keď Picasso spojil prednú stranu a profil do jedného portrétu, urobil vlastne presne to, čo robil v období 1910-1912, keď na plátne reprodukoval priestorové rozrezanie pohárov, riadu s ovocím či gitár; a pri zobrazovaní tvárí z rôznych uhlov pohľadu sa ukázali rôzne nejasné stránky tohto premenlivého amalgámu - človeka.

Všetky tieto aspekty sú spojené do jedinej a jedinečnej formy alebo symbolu, ale každá z nich poskytuje kľúč k interpretácii, každá ponúka špeciálne „čítanie“ obrazu.
V rokoch 1907-1914. Picasso pracoval v takej úzkej spolupráci s Braqueom, že nie je vždy možné určiť jeho príspevok k rôznym štádiám kubickej revolúcie. Picasso venuje osobitnú pozornosť premene foriem na geometrické bloky, zväčšuje a láme objemy, člení ich na roviny a hrany, pokračuje v priestore, ktorý sám považuje za pevné teleso, nevyhnutne obmedzené rovinou obrazu. Perspektíva sa vytráca, paleta inklinuje k monochrómii, a hoci pôvodným cieľom kubizmu bolo reprodukovať zmysel pre priestor a ťažkosť más presvedčivejšie než pomocou tradičných techník, Picassove maľby sú často redukované na nepochopiteľné hádanky. Na obnovenie kontaktu s realitou Picasso a Braque zaviedli do svojich obrazov typografické písma, prvky „trikov“ a hrubé materiály - tapety, kúsky novín, škatuľky od zápaliek.

Ten istý obraz súčasne predstavuje nielen niekoľko rôznych uhlov pohľadu, ale aj niekoľko rôznych „právd“, z ktorých každá nie je o nič menej „pravdivá“ ako ostatné. Takže práve táto neistota, tento vnútorný rozpor skresľuje a ničí postavu a potom ju svojou vnútornou štruktúrou znovu vytvára v súlade s jej vlastnou pravdou.
Všetko, čo ide do hĺbky, zasahuje do našej vízie optická ilúzia a v dôsledku toho sa otvára cesta emocionálnej reakcie vrátane predstavivosti, pamäti a pocitov.

Práve túto cestu chcel uzavrieť kubizmus so svojou novou a tvrdou objektivitou. Picasso aj Braque riešia problém tretieho rozmeru pomocou naklonených a zakrivených línií, čím premieňajú objekty, ktoré majú hĺbku alebo reliéf, na rovný povrch. Tu vstupuje do hry mentálny faktor, predstavy, ktoré mozog o predmetoch dostáva (a to je typický karteziánsky aspekt kubizmu, ktorý ho jednoznačne zaraďuje do rámca základného racionalizmu francúzskej kultúry).

Z toho vyplýva, že hoci empiricky nemôže byť jeden objekt súčasne na dvoch rôznych miestach, v čisto mentálnej realite priestoru (t. j. v usporiadanej, štruktúrovanej realite v mentálnej reprezentácii) ten istý objekt môže existovať v rôznych formách a, prirodzene, na rôznych miestach.

Prvá svetová vojna ukončila prácu mnohých kubistov. Na front boli mobilizovaní najvýraznejší zástancovia kubizmu: Braque, Léger, Metsenger, Gleizes, Villon a Lot. Lafresne, ktorý bol oslobodený od vojenskej služby, a Marcoussis, pôvodom Poliak, išli na front ako dobrovoľníci. Mnohí z nich sa, samozrejme, čoskoro vrátia z frontu a pokračujú v práci až do konca vojny. Jazyk kubistov si zároveň osvojí nová generácia umelcov (Hayden Valmier, Maria Blanchard), no do predvojnovej doby sa už nikto nevráti. Picasso, Gris a Delaunay budú pokračovať v práci spôsobom vytvoreným skôr, ale okolo roku 1917 sám Picasso ukázal príklad nevery kubizmu, keď vytvoril kulisy pre balet Parade v „pompejskom štýle“.

To mnohých zmiatlo: inovátor, ktorý zviedol toľko umelcov, sa vrátil k tradícii. V tlači sa objavili kritické poznámky o „chameleónskom umelcovi“. Čoskoro sa Metsenger Herbin a Lafresne vrátia k figurálnym formám a Gino Severini, najkubistický medzi futuristami, sa verejne zriekne kubizmu vydaním knihy „Od kubizmu ku klasicizmu“ („Du Cubisme au classicisme“ J. Povolozky Paris, 1921) , kompletný ostrá kritika moderné metódy maľovania. Iní kubisti by sa uberali rôznymi smermi: Duchamp a Picabia k dadaizmu, Mondrian k úplnej abstrakcii, Léger Marcoussis, Gleizes Le Fauconnier a Villon k viac. individuálnym spôsobom. Jedine Gris ostane absolútne verný kubizmu a dovedie ho k dokončeniu. Nebolo by prehnané povedať, že po vojne sa síce objavili jednotlivé kubistické diela, ale kubizmus ako historický fenomén prakticky skončil.

kubizmus: kubizmus maľby kubizmus Picasso kubizmus vo výtvarnom štýle kubizmus kubizmus umelci prezentácia kubizmus predstavitelia kubizmu kubizmus v architektúre smer kubizmus kubizmus kubizmus v maľbe Picassovo obrazy kubizmus kubizmus v Rusku a kubizmus ruský kubizmus Pablo Picasso kubizmus od kubizmu k suprematizmu zakladateľ kubizmu Mal
zakladateľ kubizmu kubizmus kubizmus v literatúre kubizmus kubizmus obrázky
francúzsky kubizmus manželstvo kubizmus moderný kubizmus analytický kubizmus kubizmus na stiahnutie obrazy syntetický kubizmus kubizmus kubizmus v sochárstve kubizmus foto abstrakt na tému kubizmus
kubizmus v interiéri Picasso zakladateľ kubizmu zakladateľ kubizmu v umeleckých druhoch kubizmu
České mláďa.