იაპონელი მხატვარი ქალებს ყვავილებში ხატავს. ჰეი არაკავა: ყველგან, არსად

იაპონელი კლასიკური მხატვრობააქვს გრძელი და საინტერესო ამბავი. წარმოდგენილია იაპონიის სახვითი ხელოვნება სხვადასხვა სტილისდა ჟანრები, რომელთაგან თითოეული უნიკალურია თავისებურად. ბრინჯაოს დოტაკუს ზარებსა და ჭურჭლის ნატეხებზე აღმოჩენილი უძველესი მოხატული ფიგურები და გეომეტრიული მოტივები თარიღდება 300 წლით.

ხელოვნების ბუდისტური ორიენტაცია

კედლის მხატვრობის ხელოვნება საკმაოდ კარგად იყო განვითარებული იაპონიაში, მე-6 საუკუნეში განსაკუთრებით პოპულარული იყო გამოსახულებები ბუდისტური ფილოსოფიის თემაზე. იმ დროს ქვეყანაში შენდებოდა დიდი ტაძრები და მათ კედლებს ყველგან ამშვენებდა ფრესკები, რომლებიც ბუდისტური მითებისა და ლეგენდების სცენებზე იყო დახატული. კედლის მხატვრობის უძველესი ნიმუშები ჯერ კიდევ შემორჩენილია იაპონიის ქალაქ ნარას მახლობლად მდებარე ჰორიუჯის ტაძარში. ჰორიუჯის ფრესკები ასახავს სცენებს ბუდასა და სხვა ღმერთების ცხოვრებიდან. ამ ფრესკების მხატვრული სტილი ძალიან ახლოს არის ჩინეთში პოპულარულ ფერწერულ კონცეფციასთან სონგის დინასტიის დროს.

ტანგის დინასტიის ფერწერის სტილმა განსაკუთრებული პოპულარობა მოიპოვა ნარას პერიოდის შუა პერიოდში. ტაკამაცუზუკას სამარხში აღმოჩენილი ფრესკები თარიღდება დაახლოებით ჩვენს წელთაღრიცხვამდე VII საუკუნით ამ პერიოდიდან. მხატვრული ტექნიკა, რომელიც ჩამოყალიბდა ტანგის დინასტიის გავლენით, შემდგომში ჩამოყალიბდა კარა-ე ფერწერის ჟანრის საფუძველი. ამ ჟანრმა პოპულარობა შეინარჩუნა იამატო-ე სტილში პირველი ნამუშევრების გამოჩენამდე. ფრესკებისა და ნახატების უმეტესობა უცნობი ავტორებისაა, დღესდღეობით, იმ პერიოდის მრავალი ნამუშევარი ინახება სესოინის ხაზინაში.

ახალი ბუდისტური სკოლების მზარდმა გავლენამ, როგორიცაა ტენდაი, გავლენა მოახდინა უფრო ფართო რელიგიურ ორიენტაციაზე ვიზუალური ხელოვნებაიაპონია მე-8 და მე-9 საუკუნეებში. მე-10 საუკუნეში, რომელმაც განსაკუთრებული პროგრესი დაინახა იაპონურ ბუდიზმში, გაჩნდა რაიგოზუს ჟანრი, „მისასალმებელი ნახატები“, რომლებიც ასახავდნენ ბუდას ჩამოსვლას დასავლეთ სამოთხეში. ადრეული მაგალითებირაიგოზუ, რომელიც დათარიღებულია 1053 წლით, შეგიძლიათ ნახოთ ბედო-ინ ტაძარში, რომელიც შემორჩენილია კიოტოს პრეფექტურის ქალაქ უჯიში.

სტილის შეცვლა

ჰეიანის პერიოდის შუა ხანებში ჩინური კარა-ე სტილი შეიცვალა Yamato-e ჟანრით, რომელიც დიდი ხნის განმავლობაში იქცა იაპონური ფერწერის ერთ-ერთ ყველაზე პოპულარულ და მოთხოვნად ჟანრად. ახალი ფერწერული სტილი ძირითადად გამოიყენებოდა დასაკეცი ეკრანებისა და მოცურების კარების მოხატვაში. დროთა განმავლობაში იამატო-ე ასევე გადავიდა ჰორიზონტალურ ემაკიმონოს გრაგნილებზე. მხატვრები, რომლებიც მუშაობდნენ ემაკის ჟანრში, ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში გადმოეცათ არჩეული სიუჟეტის მთელი ემოციურობა. გენჯი მონოგატარის გრაგნილი შედგებოდა რამდენიმე ეპიზოდისგან, რომლებიც შეკრული იყო, იმდროინდელი მხატვრები იყენებდნენ ფუნჯის სწრაფ შტრიხებს და ნათელ, ექსპრესიულ ფერებს.

E-maki არის otoko-e-ის, წარმომადგენლობის ჟანრის ერთ-ერთი უძველესი და ყველაზე თვალსაჩინო მაგალითი. მამაკაცის პორტრეტები. ქალის პორტრეტები კლასიფიცირდება როგორც ცალკე ჟანრი, ონნა-ე. ამ ჟანრებს შორის, ფაქტობრივად, ისევე, როგორც მამაკაცებსა და ქალებს შორის, საკმაოდ მნიშვნელოვანი განსხვავებები ჩანს. ონნა-ე სტილი ფერადად არის წარმოდგენილი The Tale of Genji-ის დიზაინში, სადაც ნახატების ძირითადი თემებია. რომანტიკული ისტორიებისცენები სასამართლო ცხოვრებიდან. მამაკაცის სტილიოტოკო-ე უპირატესად მხატვრული გამოსახულებაისტორიული ბრძოლები და სხვა მნიშვნელოვანი მოვლენებიიმპერიის ცხოვრებაში.

კლასიკური იაპონური ხელოვნების სკოლა გახდა ნაყოფიერი ნიადაგი იდეების განვითარებისა და პოპულარიზაციისთვის თანამედროვე ხელოვნებაიაპონია, რომელშიც საკმაოდ ნათლად ჩანს პოპ კულტურისა და ანიმეს გავლენა. ჩვენი დროის ერთ-ერთ ყველაზე ცნობილ იაპონელ მხატვარს შეიძლება ეწოდოს ტაკაში მურაკამი, რომლის ნამუშევარი ეძღვნება ომისშემდგომ პერიოდში იაპონიის ცხოვრებიდან სცენების ასახვას და სახვითი ხელოვნების მაქსიმალური შერწყმის კონცეფციას.

კლასიკური სკოლის ცნობილ იაპონელ მხატვრებს შორის შეგვიძლია დავასახელოთ შემდეგი.

დაძაბული Xubun

სიუბუნი მუშაობდა მე -15 საუკუნის დასაწყისში, დიდ დროს უთმობდა სონგის დინასტიის ჩინელი ოსტატების ნამუშევრების შესწავლას; ეს ადამიანი იდგა იაპონური ვიზუალური ჟანრის საწყისებზე. შუბუნი ითვლება სუმი-ე სტილის, მონოქრომული მელნით მხატვრობის ფუძემდებლად. მან დიდი ძალისხმევა გასწია ახალი ჟანრის პოპულარიზაციას, გადააქცია იგი იაპონური მხატვრობის ერთ-ერთ წამყვან მიმართულებად. სუბუნის სტუდენტები იყვნენ მრავალი მხატვარი, რომლებიც მოგვიანებით გახდნენ ცნობილი, მათ შორის სეშუ და ცნობილთა დამაარსებელი ხელოვნების სკოლაკანო მასანობუ. ბევრი პეიზაჟი მიეწერებოდა Xubun-ს, მაგრამ მისი ყველაზე ცნობილი ნამუშევარი ტრადიციულად ითვლება "კითხვა ბამბუკის ჭალებში".

ოგატა კორინი (1658-1716)

ოგატა კორინი არის ერთ-ერთი უდიდესი მხატვარი იაპონური მხატვრობის ისტორიაში, დამაარსებელი და ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი. მხატვრული სტილირიმპა. კორინი თამამად დაშორდა ტრადიციულ სტერეოტიპებს თავის ნამუშევრებში, ჩამოაყალიბა საკუთარი საკუთარი სტილი, რომლის ძირითადი მახასიათებლები იყო მცირე ფორმები და ნაკვეთის ნათელი იმპრესიონიზმი. კორინი ცნობილია ბუნების გამოსახვისა და აბსტრაქტულ ფერთა კომპოზიციებთან მუშაობის განსაკუთრებული ოსტატობით. "ქლიავის ყვავილი წითელი და თეთრი" ერთ-ერთი ყველაზე მეტადაა ცნობილი ნამუშევრებიასევე ცნობილია ოგატა კორინა, მისი ნახატები "ქრიზანთემები", "მაცუშიმას ტალღები" და მრავალი სხვა.

ჰასეგავა ტოჰაკუ (1539-1610)

ტოჰაკუ არის იაპონური ჰასეგავას ხელოვნების სკოლის დამფუძნებელი. ამისთვის ადრეული პერიოდიტოჰაკუს შემოქმედებას ახასიათებს იაპონური ფერწერის ცნობილი სკოლის გავლენა კანო, მაგრამ დროთა განმავლობაში მხატვარმა ჩამოაყალიბა საკუთარი უნიკალური სტილი. მრავალი თვალსაზრისით, ტოჰაკუს შემოქმედებაზე გავლენა მოახდინა აღიარებული ოსტატის სეშუს ნამუშევრებმა; ჰოსეგავა საკუთარ თავსაც კი თვლიდა ამ დიდი ოსტატის მეხუთე მემკვიდრედ. ჰასეგავა ტოჰაკუს ნახატი „ფიჭვები“ მიიღო მსოფლიო პოპულარობაცნობილია მისი ნაწარმოებები „ნეკერჩხალი“, „ფიჭვები და ყვავილოვანი მცენარეები“ და სხვა.

კანო ეიტოკუ (1543-1590)

კანოს სკოლის სტილი დომინირებდა იაპონიის ვიზუალურ ხელოვნებაში დაახლოებით ოთხი საუკუნის განმავლობაში და კანო ეიტოკუ ალბათ ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი და გამოჩენილი წარმომადგენლებიამ სამხატვრო სკოლაში. ეიტოკუს მხარს უჭერდა ხელისუფლება, არისტოკრატებისა და მდიდარი მფარველების მფარველობა ხელს არ უწყობდა მისი სკოლის გაძლიერებას და მისი ნამუშევრების პოპულარობას, ეჭვგარეშეა, ძალიან ნიჭიერი მხატვარი. რვა პანელიანი კვიპაროსის მოცურების ეკრანი, დახატული ეიტოკუ კანოს მიერ, არის ნამდვილი შედევრი და მონოიამას სტილის მასშტაბისა და ძალის ბრწყინვალე მაგალითი. არანაკლებ საინტერესო გამოიყურება ოსტატის სხვა ნამუშევრები, როგორიცაა "ოთხი სეზონის ჩიტები და ხეები", "ჩინური ლომები", "მღვდელმთავარი და ფერია" და მრავალი სხვა.

კაცუშიკა ჰოკუსაი (1760-1849)

ჰოკუსაი - უდიდესი ოსტატიუკიიო-ე ჟანრი (იაპონური ხის ჭრა). ჰოკუსაის შემოქმედება მიიღო გლობალური აღიარებამისი პოპულარობა სხვა ქვეყნებში არ არის შედარებული აზიელი მხატვრების უმრავლესობისას, მის ნამუშევრებს. დიდი ტალღაკანაგავაში“ გახდა იაპონური სახვითი ხელოვნების სავიზიტო ბარათი მსოფლიო ხელოვნების სცენაზე. საკუთარ თავზე შემოქმედებითი გზაჰოკუსაიმ გამოიყენა ოცდაათზე მეტი ფსევდონიმი, სამოცის შემდეგ მხატვარმა მთლიანად მიუძღვნა თავი ხელოვნებას და სწორედ ეს დრო ითვლება მისი შემოქმედების ყველაზე ნაყოფიერ პერიოდად. ჰოკუსაის ნამუშევრებმა გავლენა მოახდინა იმპრესიონიზმის დასავლელი ოსტატების მუშაობაზე და პოსტიმპრესიონისტულ პერიოდზე, მათ შორის რენუარის, მონესა და ვან გოგის შემოქმედებაზე.

იაპონური მხატვრობა აბსოლუტურად უნიკალური მოძრაობაა მსოფლიო ხელოვნებაში. ის არსებობდა უძველესი დროიდან, მაგრამ როგორც ტრადიცია არ დაუკარგავს პოპულარობა და გაოცების უნარი.

ყურადღება ტრადიციებზე

აღმოსავლეთი არ არის მხოლოდ პეიზაჟები, მთები და ამომავალი მზე. ეს ის ხალხია, ვინც შექმნეს მისი ისტორია. სწორედ ეს ხალხი მხარს უჭერდა იაპონური ფერწერის ტრადიციას მრავალი საუკუნის განმავლობაში, ავითარებდა და აძლიერებდა მათ ხელოვნებას. მათ, ვინც მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა ისტორიაში, იაპონელი მხატვრები არიან. მათი წყალობით, თანამედროვეებმა შეინარჩუნეს ტრადიციული იაპონური მხატვრობის ყველა კანონი.

ნახატების შესრულების წესი

ევროპისგან განსხვავებით, იაპონელი მხატვრები ამჯობინებდნენ გრაფიკასთან უფრო ახლოს ხატვას, ვიდრე ფერწერას. ასეთ ნახატებში ვერ ნახავთ იმპრესიონისტებისთვის დამახასიათებელ უხეშ, დაუფიქრებელ ზეთის შტრიხებს. როგორია ისეთი ხელოვნების გრაფიკული ბუნება, როგორიცაა იაპონური ხეები, კლდეები, ცხოველები და ფრინველები - ამ ნახატებში ყველაფერი დახატულია რაც შეიძლება ნათლად, მყარი და თავდაჯერებული მელნის ხაზებით. კომპოზიციის ყველა ობიექტს უნდა ჰქონდეს მონახაზი. კონტურის შიგნით შევსება ჩვეულებრივ ხდება აკვარელით. ფერი ირეცხება, სხვა ჩრდილები ემატება და სადღაც ქაღალდის ფერი რჩება. დეკორატიულობა არის ზუსტად ის, რაც განასხვავებს იაპონურ ნახატებს მთელი მსოფლიო ხელოვნებისგან.

კონტრასტები ფერწერაში

კონტრასტი არის კიდევ ერთი დამახასიათებელი ტექნიკა, რომელსაც იყენებენ იაპონელი მხატვრები. ეს შეიძლება იყოს განსხვავება ტონში, ფერში ან თბილი და ცივი ჩრდილების კონტრასტში.

მხატვარი მიმართავს ამ ტექნიკას, როდესაც სურს ხაზი გაუსვას საგნის რომელიმე ელემენტს. ეს შეიძლება იყოს ვენა მცენარეზე, ცალკე ფურცელი ან ხის ტოტი ცისკენ. შემდეგ გამოსახულია ობიექტის მსუბუქი, განათებული ნაწილი და მის ქვეშ არსებული ჩრდილი (ან პირიქით).

გადასვლები და ფერადი გადაწყვეტილებები

იაპონური ნახატების ხატვისას ხშირად გამოიყენება გადასვლები. ისინი შეიძლება იყოს განსხვავებული: მაგალითად, ერთი ფერიდან მეორეზე. წყლის შროშანებისა და პეონის ფურცლებზე შეგიძლიათ შეამჩნიოთ გადასვლა ღია ჩრდილიდან მდიდარ, ნათელ ფერზე.

გადასვლები ასევე გამოიყენება წყლის ზედაპირისა და ცის გამოსახულებაში. მზის ჩასვლიდან ბნელ, გაღრმავებულ ბინდიზე გლუვი გადასვლა ძალიან ლამაზად გამოიყურება. ღრუბლების დახატვისას ასევე გამოიყენება გადასვლები სხვადასხვა ჩრდილებიდან და რეფლექსებიდან.

იაპონური მხატვრობის ძირითადი მოტივები

ხელოვნებაში ყველაფერი ურთიერთკავშირშია რეალურ ცხოვრებასთან, მასში ჩართული ადამიანების განცდებთან და ემოციებთან. როგორც ლიტერატურაში, მუსიკაში და შემოქმედების სხვა ფორმებში, ფერწერაშიც არსებობს რამდენიმე მარადიული თემა. ეს ისტორიული საგნები, ადამიანებისა და ბუნების გამოსახულებები.

იაპონური პეიზაჟები მრავალი სახეობისაა. ხშირად ნახატებში არის აუზების გამოსახულებები - იაპონელებისთვის საყვარელი ავეჯი. დეკორატიული აუზი, რამდენიმე წყლის შროშანა და ბამბუკი - ასე გამოიყურება ჩვეულებრივი სურათი 17-18 სს.

ცხოველები იაპონურ ფერწერაში

ცხოველები ასევე ხშირად განმეორებადი ელემენტია აზიურ ფერწერაში. ტრადიციულად ეს არის მფრინავი ვეფხვი ან შინაური კატა. ზოგადად, აზიელებს ძალიან უყვართ და ამიტომ მათი წარმომადგენლები აღმოსავლური ხელოვნების ყველა ფორმაში გვხვდება.

ფაუნის სამყარო კიდევ ერთი თემაა, რომელსაც იაპონური მხატვრობა მისდევს. ჩიტები - წეროები, დეკორატიული თუთიყუშები, მდიდრული ფარშევანგი, მერცხლები, შეუმჩნეველი ბეღურები და მამლებიც კი - ყველა მათგანი აღმოსავლური ოსტატების ნახატებშია ნაპოვნი.

თევზები - არანაკლებ აქტუალური თემაიაპონელი მხატვრებისთვის. კოი კობრი ოქროს თევზის იაპონური ვერსიაა. ეს არსებები ცხოვრობენ აზიაში ყველა აუზში, თუნდაც პატარა პარკებსა და ბაღებში. კოი კობრი ერთგვარი ტრადიციაა, რომელიც კონკრეტულად იაპონიას ეკუთვნის. ეს თევზი სიმბოლოა ბრძოლა, განსაზღვრა და თქვენი მიზნის მიღწევა. ტყუილად არ არის გამოსახული ისინი ნაკადთან ერთად მცურავი, ყოველთვის დეკორატიული ტალღის ღეროებით.

იაპონური ნახატები: ადამიანების გამოსახვა

ადამიანები იაპონურ ფერწერაში განსაკუთრებული თემაა. მხატვრები ასახავდნენ გეიშებს, იმპერატორებს, მეომრებს და უხუცესებს.

გეიშები გამოსახულია ყვავილებით გარშემორტყმული, ყოველთვის ეცვათ დახვეწილი სამოსი მრავალი ნაკეცებითა და ელემენტებით.

ბრძენები გამოსახულნი არიან მჯდომარეში ან რაღაცას უხსნიან თავიანთ მოსწავლეებს. ძველი მეცნიერის გამოსახულება აზიის ისტორიის, კულტურისა და ფილოსოფიის სიმბოლოა.

მეომარი გამოსახული იყო როგორც ძლიერი, ზოგჯერ შემზარავი. გრძელები დეტალურად იყო დახატული და მავთულს ჰგავდა.

ჩვეულებრივ, ჯავშნის ყველა დეტალი ირკვევა მელნის გამოყენებით. ხშირად შიშველ მეომრებს ამშვენებს აღმოსავლეთის დრაკონის გამოსახული ტატუ. ეს არის იაპონიის ძლიერებისა და სამხედრო ძლიერების სიმბოლო.

მმართველები იმპერიული ოჯახებისთვის იყო გამოსახული. ულამაზესი სამოსი და დეკორაციები მამაკაცის თმაში არის ის, რაც უხვადაა ხელოვნების ასეთი ნაწარმოებები.

პეიზაჟები

ტრადიციული იაპონური პეიზაჟი- მთები. აზიელმა მხატვრებმა მიაღწიეს სხვადასხვა პეიზაჟების გამოსახვას: მათ შეუძლიათ ერთი და იგივე მწვერვალი გამოსახონ სხვადასხვა ფერებში, სხვადასხვა ატმოსფეროში. ერთადერთი, რაც უცვლელი რჩება, არის ყვავილების სავალდებულო ყოფნა. როგორც წესი, მხატვარი მთებთან ერთად წინა პლანზე გამოსახავს რაიმე სახის მცენარეს და დაწვრილებით ხატავს. მთები და ალუბლის ყვავილი ლამაზად გამოიყურება. და თუ ისინი დაცემულ ფურცლებს ხატავენ, სურათი აღფრთოვანებას იწვევს მისი სევდიანი სილამაზით. სურათის ატმოსფეროში კონტრასტი იაპონური კულტურის კიდევ ერთი შესანიშნავი თვისებაა.

იეროგლიფები

ხშირად იაპონურ ფერწერაში სურათის კომპოზიცია შერწყმულია დამწერლობასთან. იეროგლიფები ისეა მოწყობილი, რომ კომპოზიციურად ლამაზად გამოიყურებოდეს. ისინი, როგორც წესი, დახატულია ნახატის მარცხნივ ან მარჯვნივ. იეროგლიფებს შეუძლიათ წარმოადგინონ ის, რაც ნახატზეა გამოსახული, მისი სათაური ან მხატვრის სახელი.

იაპონია ერთ-ერთი ყველაზე მდიდარი ქვეყანაა ისტორიით და კულტურით. მთელ მსოფლიოში იაპონელები ზოგადად პედანტურ ადამიანებად ითვლებიან, რომლებიც ცხოვრების აბსოლუტურად ყველა გამოვლინებაში პოულობენ ესთეტიკას. მაშასადამე, იაპონური ნახატები ყოველთვის ძალიან ჰარმონიულია ფერში და ტონში: თუ არსებობს ზოგიერთი ჩანართები ნათელი ფერი- მაშინ მხოლოდ სემანტიკურ ცენტრებში. მაგალითად, აზიელი მხატვრების ნახატების გამოყენებით, შეგიძლიათ შეისწავლოთ ფერების თეორია, ფორმის სწორი წარმოდგენა გრაფიკისა და კომპოზიციის გამოყენებით. იაპონური ნახატების შესრულების ტექნიკა იმდენად მაღალია, რომ შეიძლება მაგალითი იყოს აკვარელებთან მუშაობისა და გრაფიკული ნამუშევრების „გარეცხვის“ შესასრულებლად.

აქვს ძალიან მდიდარი ისტორია; მისი ტრადიცია უზარმაზარია, იაპონიის უნიკალური პოზიციით მსოფლიოში დიდ გავლენას ახდენს იაპონელი მხატვრების დომინანტური სტილი და ტექნიკა. ცნობილი ფაქტიის, რომ იაპონია საკმაოდ იზოლირებული იყო მრავალი საუკუნის განმავლობაში, განპირობებულია არა მხოლოდ გეოგრაფიით, არამედ იაპონური კულტურული ტენდენციით იზოლაციისკენ, რამაც აღნიშნა ქვეყნის ისტორია. არსებობის საუკუნეების განმავლობაში, რასაც შეიძლება ვუწოდოთ " იაპონური ცივილიზაციაკულტურა და ხელოვნება განცალკევებით განვითარდა დანარჩენ მსოფლიოში. და ეს კი შესამჩნევია იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში. მაგალითად, ნიჰონგას ნახატები იაპონური ფერწერის პრაქტიკის მთავარ ნამუშევრებს შორისაა. იგი ეფუძნება ათას წელზე მეტ ტრადიციას და ნახატები ჩვეულებრივ იქმნება ფუნჯებით ან ვაშიზე (იაპონური ქაღალდი) ან ეგინაზე (აბრეშუმი).

თუმცა, იაპონურ ხელოვნებასა და ფერწერაზე გავლენა იქონია უცხოურმა მხატვრულმა პრაქტიკამ. პირველი, ეს იყო ჩინური ხელოვნება მე -16 საუკუნეში და ჩინური ხელოვნებადა ჩინური ტრადიციახელოვნება, რომელმაც განსაკუთრებული გავლენა მოახდინა რამდენიმე ასპექტში. მე-17 საუკუნიდან იაპონურ ფერწერაზეც გავლენა იქონია დასავლური ტრადიციები. კერძოდ, ომამდელ პერიოდში, რომელიც გაგრძელდა 1868 წლიდან 1945 წლამდე, იაპონურ ფერწერაზე იმპრესიონიზმისა და ევროპული რომანტიზმის გავლენის ქვეშ იყო. ამავდროულად, ახალი ევროპული მხატვრული მოძრაობები ასევე განიცდიდა იაპონურ გავლენას მხატვრული ტექნიკა. ხელოვნების ისტორიაში ამ გავლენას „იაპონიზმს“ უწოდებენ და განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია იმპრესიონისტებისთვის, კუბისტებისთვის და მოდერნიზმთან ასოცირებული მხატვრებისთვის.

გრძელი ამბავიიაპონური მხატვრობა შეიძლება ჩაითვალოს რამდენიმე ტრადიციის სინთეზად, რომლებიც ქმნიან აღიარებულ ნაწილებს იაპონური ესთეტიკა. უპირველეს ყოვლისა, ბუდისტური ხელოვნება და ფერწერის მეთოდები, ასევე რელიგიური მხატვრობა, მნიშვნელოვანი კვალი დატოვა იაპონური ფერწერის ესთეტიკაზე; პეიზაჟების წყლის მელნით დახატვა ჩინური ლიტერატურული მხატვრობის ტრადიციით არის კიდევ ერთი მნიშვნელოვანი ელემენტი, რომელიც აღიარებულია ბევრ ცნობილ იაპონურ ნახატში; ცხოველებისა და მცენარეების, განსაკუთრებით ფრინველებისა და ყვავილების მხატვრობა ჩვეულებრივ ასოცირდება იაპონურ კომპოზიციებთან, ისევე როგორც პეიზაჟები და სცენები. Ყოველდღიური ცხოვრების. დაბოლოს, უძველესი იდეები სილამაზის შესახებ ძველი იაპონიის ფილოსოფიისა და კულტურისგან დიდი გავლენა იქონია იაპონურ მხატვრობაზე. ვაბი, რაც ნიშნავს გარდამავალ და უხეში სილამაზეს, საბი (ბუნებრივი ქათმისა და დაბერების სილამაზე) და იუგენი (ღრმა მადლი და დახვეწილობა) განაგრძობენ გავლენას იდეალებზე იაპონური ფერწერის პრაქტიკაში.

და ბოლოს, თუ კონცენტრირდებით ათი ყველაზე ცნობილი იაპონური შედევრის არჩევაზე, უნდა აღვნიშნოთ ukiyo-e, რომელიც ხელოვნების ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ჟანრია იაპონიაში, მიუხედავად იმისა, რომ იგი ეკუთვნის ბეჭდვას. ის დომინირებდა იაპონური ხელოვნებამე-17-მე-19 საუკუნეებიდან, ხოლო ამ ჟანრის მხატვრები ქმნიდნენ ხეზე და ნახატებს ისეთი საგნებით, როგორიცაა ლამაზი გოგოები, კაბუკის მსახიობები და სუმოისტები, ასევე სცენები ისტორიიდან და ხალხური ზღაპრებიმოგზაურობის სცენები და პეიზაჟები, ფლორა და ფაუნა და ეროტიკაც კი.

სიის შედგენა ყოველთვის რთულია საუკეთესო ნახატებიმხატვრული ტრადიციებიდან. ბევრი საოცარი ნამუშევარი გამოირიცხება; თუმცა, ამ სიაში წარმოდგენილია ათი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატი მსოფლიოში. ამ სტატიაში წარმოდგენილი იქნება მხოლოდ მე-19 საუკუნიდან დღემდე შექმნილი ნახატები.

იაპონურ მხატვრობას ძალიან მდიდარი ისტორია აქვს. საუკუნეების განმავლობაში განვითარდნენ იაპონელი მხატვრები დიდი რიცხვი უნიკალური ტექნიკადა სტილები, რომლებიც იაპონიის ყველაზე ღირებული წვლილია ხელოვნების სამყაროში. ერთ-ერთი ასეთი ტექნიკაა სუმი-ე. Sumi-e სიტყვასიტყვით ნიშნავს "მელნით ნახატს" და აერთიანებს კალიგრაფიას და მელნით მხატვრობას, რათა შექმნას ფუნჯით დახატული კომპოზიციების იშვიათი სილამაზე. ეს სილამაზე პარადოქსულია - უძველესი, მაგრამ თანამედროვე, მარტივი, მაგრამ რთული, თამამი, მაგრამ დამორჩილებული, უდავოდ ასახავს ხელოვნების სულიერ საფუძველს ზენ ბუდიზმში. ბუდისტმა მღვდლებმა მეექვსე საუკუნეში ჩინეთიდან იაპონიაში შეიტანეს მყარი მელნის ბლოკები და ბამბუკის ფუნჯები და ბოლო 14 საუკუნის განმავლობაში იაპონიამ შეიმუშავა მელნის ფერწერის მდიდარი მემკვიდრეობა.

გადადით ქვემოთ და ნახეთ იაპონური ფერწერის 10 შედევრი

1. კაცუშიკა ჰოკუსაი "მეთევზის ცოლის ოცნება"

ერთ-ერთი ყველაზე ცნობადი იაპონური ნახატია "მეთევზის ცოლის ოცნება". იგი დაიწერა 1814 წელს ცნობილი მხატვარიჰოკუსაი. მკაცრი განმარტებით, ჰოკუსაის ეს საოცარი ნამუშევარი არ შეიძლება ჩაითვალოს ნახატად, რადგან ის არის უკიიო-ე ჟანრის ხის კვეთა წიგნიდან ახალგაზრდა ფიჭვი (Kinoe no Komatsu), რომელიც სამტომიანი შუნგას წიგნია. კომპოზიციაში გამოსახულია ახალგაზრდა ამა მყვინთავი, რომელიც სქესობრივად არის გადახლართული რვაფეხას წყვილთან. ამ სურათმა დიდი გავლენა მოახდინა მე-19 და მე-20 საუკუნეებში. მუშაობამ მეტი გავლენა მოახდინა გვიანდელი მხატვრებიროგორიცაა ფელისიენ როპსი, ოგიუსტ როდენი, ლუი ოკოკი, ფერნანდ ნოპფი და პაბლო პიკასო.

2. ტესაი ტომიოკა „აბე ნო ნაკამარო წერს ნოსტალგიურ ლექსს მთვარის ყურებისას“

ტესაი ტომიოკა ცნობილი იაპონელი მხატვრისა და კალიგრაფის ფსევდონიმია. იგი ითვლება ბუნჯინგის ტრადიციის ბოლო მთავარ მხატვრად და ერთ-ერთ პირველს ძირითადი მხატვრებინიჰონგას სტილი. ბუნინგა იყო იაპონური მხატვრობის სკოლა, რომელიც აყვავდა გვიან ედო ეპოქაში მხატვრებს შორის, რომლებიც თავს ლიტერატორებად ან ინტელექტუალად თვლიდნენ. თითოეულმა ამ მხატვარმა, მათ შორის ტესაიამ, შეიმუშავა საკუთარი სტილი და ტექნიკა, მაგრამ ისინი ყველა დიდი გულშემატკივარი იყვნენ ჩინური ხელოვნებადა კულტურა.

3. Fujishima Takeji "მზის ამოსვლა აღმოსავლეთის ზღვაზე"

ფუჯიშიმა ტაკეჯი იყო იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია რომანტიზმისა და იმპრესიონიზმის განვითარებაში იოგას (დასავლური სტილის) ხელოვნების მოძრაობაში. გვიანი XIX- მე-20 საუკუნის დასაწყისი. 1905 წელს ის გაემგზავრა საფრანგეთში, სადაც მასზე გავლენა მოახდინა იმდროინდელმა ფრანგულმა მოძრაობებმა, განსაკუთრებით იმპრესიონიზმით, როგორც ეს ჩანს მის ნახატში „მზის ამოსვლის“ აღმოსავლეთის ზღვა“, რომელიც დაიწერა 1932 წელს.

4. კიტაგავა უტამარო „ქალის სახეების ათი ტიპი, მმართველი ლამაზმანების კოლექცია“

კიტაგავა უტამარო იყო გამოჩენილი იაპონელი მხატვარი, რომელიც დაიბადა 1753 წელს და გარდაიცვალა 1806 წელს. ის, რა თქმა უნდა, ყველაზე ცნობილია სერიით სახელწოდებით "ათი ტიპი ქალის სახეები. მმართველი ლამაზმანების კრებული, თემები Დიდი სიყვარულიკლასიკური პოეზია“ (ზოგჯერ „შეყვარებულ ქალებს“ ეძახიან, რომელშიც ცალკე გრავიურებია „შიშველი სიყვარული“ და „მოფიქრებული სიყვარული“). ის არის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი მხატვარი, რომელიც მიეკუთვნება ukiyo-e ხის ჭრის ჟანრს.

5. კავანაბე კიოსაი "ვეფხვი"

კავანაბე კიოსაი იყო ედო პერიოდის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარი. მის ხელოვნებაზე გავლენა მოახდინა ტოჰაკუს, მე-16 საუკუნის კანოს სკოლის მხატვრის ნამუშევრებმა, რომელიც იყო თავისი დროის ერთადერთი მხატვარი, რომელმაც ეკრანები მთლიანად მელნით დახატა ოქროს ფხვნილის დელიკატურ ფონზე. მიუხედავად იმისა, რომ კიოსაი ცნობილია როგორც კარიკატურისტი, მან დახატა ზოგიერთი ყველაზე ცნობილი ნახატი იაპონიის ისტორია მე -19 საუკუნის ხელოვნებასაუკუნეში. „ვეფხვი“ ერთ-ერთი იმ ნახატთაგანია, რომლის შესაქმნელად კიოსაიმ აკვარელი და მელანი გამოიყენა.

6. ჰიროში იოშიდა „ფუჯი კავაგუჩის ტბიდან“

ჰიროში იოშიდა ცნობილია, როგორც ერთ-ერთი ყველაზე დიდი ფიგურებიშინ-ჰანგას სტილი (შინ-ჰანგა არის ხელოვნების მოძრაობაიაპონიაში მე-20 საუკუნის დასაწყისში, ტაიშოსა და შოუას პერიოდებში, რომელიც აღორძინდა ტრადიციული ხელოვნებაუკიიო-ე, რომელმაც ფესვი გაიდგა ედოსა და მეიჯის პერიოდებში (XVII - XIX სს.)). ის ტრადიციით გაწვრთნილი იყო დასავლური მხატვრობანავთობი, რომელიც ნასესხები იყო იაპონიიდან მეიჯის პერიოდში.

7. ტაკაში მურაკამი “727”

ტაკაში მურაკამი ალბათ ჩვენი დროის ყველაზე პოპულარული იაპონელი მხატვარია. მისი ნამუშევრები ასტრონომიულ ფასებში იყიდება. ძირითადი აუქციონები, და შემოქმედებითობა უკვე შთააგონებს ხელოვანთა ახალ თაობას არა მხოლოდ იაპონიაში, არამედ მის ფარგლებს გარეთაც. მურაკამის ხელოვნება მოიცავს მედიუმების მთელ რიგს და, როგორც წესი, აღწერილია, როგორც სუპერბრტყელი. მისი ნამუშევარი ცნობილია ფერების გამოყენებით, იაპონური ტრადიციული და პოპულარული კულტურის მოტივებით. მისი ნახატების შინაარსს ხშირად აღწერენ, როგორც "საყვარელ", "ფსიქოდელიურ" ან "სატირულ".

8. იაიოი კუსამა "გოგრა"

იაოი კუსამა ასევე ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი იაპონელი მხატვარია. ის ქმნის სხვადასხვა ტექნიკამათ შორის ფერწერა, კოლაჟი, ქანდაკება, პერფორმანსი, ეკოლოგიური ხელოვნება და ინსტალაცია, რომელთა უმეტესობა ადასტურებს მის თემატურ ინტერესს ფსიქოდელიური ფერის, განმეორებისა და ნიმუშის მიმართ. Ერთ - ერთი ყველაზე ცნობილი სერიალიეს დიდი მხატვარი არის სერია "გოგრა". პოლკა წერტილებით დაფარული ჩვეულებრივი გოგრა კაშკაშა ყვითელში წარმოდგენილია წმინდა ფონზე. ერთობლივად, ყველა ასეთი ელემენტი ქმნის ვიზუალურ ენას, რომელიც უდავოდ შეესაბამება მხატვრის სტილს და განვითარდა და დაიხვეწა ათწლეულების განმავლობაში მტკივნეული წარმოებისა და რეპროდუქციის განმავლობაში.

9. Tenmyoya Hisashi “იაპონური სული No14”

Tenmyoya Hisashi არის თანამედროვე იაპონელი მხატვარი, რომელიც ცნობილია თავისი ნეონიჰონგას ნახატებით. მან მონაწილეობა მიიღო აღორძინებაში ძველი ტრადიციაიაპონური ფერწერა, რომელიც სრულიად საპირისპიროა თანამედროვე იაპონური ფერწერისა. 2000 წელს მან ასევე შექმნა თავისი ახალი სტილიბუტუჰა, რომელიც ავლენს მტკიცე დამოკიდებულებას ავტორიტეტის მიმართ მხატვრული სისტემამისი ნახატების მეშვეობით. „იაპონური სპირტი No14“-ის ფარგლებში შეიქმნა მხატვრული სქემა"BASARA", იაპონურ კულტურაში ინტერპრეტირებულია, როგორც ქვედა არისტოკრატიის მეამბოხე ქცევა მეომარი სახელმწიფოების პერიოდში, რათა უარი თქვან მიღწევების ძალაზე. იდეალური სურათიცხოვრება, აყვავებულ და მდიდრულ ტანსაცმელში ჩაცმა და თავისუფალი ნებით მოქმედება, არა მათი სოციალური კლასის შესაბამისად.

10. კაცუშიკა ჰოკუსაი "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა"

და ბოლოს, "დიდი ტალღა კანაგავას მიღმა" ალბათ ყველაზე ცნობადია იაპონური მხატვრობაოდესმე დაწერილი. ეს რეალურად ყველაზე მეტია ცნობილი ნამუშევარიიაპონიაში შექმნილი ხელოვნება. მასზე გამოსახულია უზარმაზარი ტალღები, რომლებიც ემუქრებიან ნავებს კანაგავას პრეფექტურის სანაპიროსთან. მიუხედავად იმისა, რომ ტალღას ზოგჯერ ცუნამში ცდება, როგორც ნახატის სათაური გვთავაზობს, სავარაუდოდ უბრალოდ ანომალია აქვს. უფრო დიდი სიმაღლე. ნახატი შესრულებულია უკიიო-ე ტრადიციით.

Ხელოვნება და დიზაინი

2702

01.02.18 09:02

დღევანდელი ხელოვნების სცენაიაპონია ძალიან მრავალფეროვანი და პროვოკაციულია: უყურებს ქვეყნიდან ოსტატების მუშაობას Ამომავალი მზე, თქვენ გადაწყვეტთ, რომ სხვა პლანეტაზე მოხვედით! ინოვატორების სახლი, რომლებმაც შეცვალეს ინდუსტრიის ლანდშაფტი გლობალური მასშტაბით. წარმოგიდგენთ 10 თანამედროვე იაპონელი მხატვრის ჩამონათვალს და მათ შემოქმედებას - დან წარმოუდგენელი არსებებიტაკაში მურაკამი (რომელიც დღეს აღნიშნავს დაბადების დღეს) კუსამას ფერად სამყაროში.

ფუტურისტული სამყაროებიდან წერტილოვან თანავარსკვლავედებამდე: თანამედროვე იაპონელი მხატვრები

ტაკაში მურაკამი: ტრადიციონალისტი და კლასიკა

დავიწყოთ შემთხვევის გმირით! ტაკაში მურაკამი არის იაპონიის ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული თანამედროვე მხატვარი, რომელიც მუშაობს ნახატებზე, ფართომასშტაბიან ქანდაკებებზე და მოდურ ტანსაცმელზე. მურაკამის სტილზე მანგასა და ანიმეს გავლენაა. ის არის მოძრაობის Superflat-ის დამფუძნებელი, რომელიც მხარს უჭერს იაპონურ მხატვრულ ტრადიციებს და ქვეყნის ომის შემდგომ კულტურას. მურაკამმა ბევრი თავისი თანამემამულე დააწინაურა და დღესაც შევხვდებით ზოგიერთ მათგანს. ტაკაში მურაკამის „სუბკულტურული“ ნამუშევრები წარმოდგენილია მოდისა და ხელოვნების ხელოვნების ბაზრებზე. მისი პროვოკაციული "ჩემი მარტოსული კოვბოი" (1998) გაიყიდა ნიუ-იორკში 2008 წელს Sotheby's-ში რეკორდულ 15,2 მილიონ დოლარად. მურაკამი თანამშრომლობდა მსოფლიოში ცნობილ ბრენდებთან Marc Jacobs, Louis Vuitton და Issey Miyake.

მშვიდად აშიმა და მისი სიურეალისტური სამყარო

ხელოვნების მწარმოებელი კომპანიის Kaikai Kiki და Superflat მოძრაობის წევრი (ორივე დაარსებული ტაკაში მურაკამის მიერ), ჩიჩო აშიმა ცნობილია თავისი ფანტასტიკური ქალაქური პეიზაჟებითა და უცნაური პოპ არსებებით. მხატვარი ქმნის დემონებით, მოჩვენებებით, ახალგაზრდა ლამაზმანებით დასახლებულ სურეალისტურ სიზმრებს, რომლებიც გამოსახულია უცნაური ბუნების ფონზე. მისი ნამუშევრები, როგორც წესი, ფართომასშტაბიანია და იბეჭდება ქაღალდზე, ტყავზე და პლასტმასზე. 2006 წელს ეს თანამედროვე იაპონელი მხატვარიმონაწილეობა მიიღო ლონდონის Art on the Underground-ში. მან შექმნა 17 ზედიზედ თაღი პლატფორმისთვის - ჯადოსნური პეიზაჟი თანდათანობით გადაიზარდა დღისით ღამით, ქალაქიდან სოფლად. ეს სასწაული აყვავდა მეტროსადგურ Gloucester Road-ზე.

ჩიჰარუ შიმა და გაუთავებელი ძაფები

კიდევ ერთი მხატვარი, ჩიჰარუ შიოტა, მუშაობს ფართომასშტაბიან ვიზუალურ ინსტალაციებზე კონკრეტული ღირშესანიშნაობებისთვის. იგი დაიბადა ოსაკაში, მაგრამ ახლა ცხოვრობს გერმანიაში - ბერლინში. მისი შემოქმედების ცენტრალური თემებია დავიწყება და მეხსიერება, ოცნებები და რეალობა, წარსული და აწმყო, ასევე შფოთვის დაპირისპირება. ჩიჰარუ შიოტას ყველაზე ცნობილი ნამუშევრებია შავი ძაფის შეუღწევადი ქსელები, რომლებიც ფარავს სხვადასხვა საყოფაცხოვრებო და პირად ნივთებს, როგორიცაა ძველი სკამები, Საქორწილო კაბა, დამწვარი ფორტეპიანო. 2014 წლის ზაფხულში, შიოტამ ერთიანად შეკრა ფეხსაცმელი და ჩექმები (რომლებიც 300-ზე მეტი იყო) წითელი ძაფის ძაფებით და დაკიდა კაუჭებზე. ჩიჰარუს პირველი გამოფენა გერმანიის დედაქალაქში 2016 წელს ბერლინის ხელოვნების კვირეულზე გაიმართა და სენსაცია გამოიწვია.

ჰეი არაკავა: ყველგან, არსად

ჰეი არაკავა შთაგონებულია ცვლილების მდგომარეობებით, არასტაბილურობის პერიოდებით, რისკის ელემენტებით და მისი ინსტალაციები ხშირად სიმბოლოა მეგობრობისა და გუნდური მუშაობის თემებზე. თანამედროვე იაპონელი მხატვრის კრედო განისაზღვრება პერფორმატიული, განუსაზღვრელი "ყველგან, მაგრამ არსად". მისი შემოქმედება მოულოდნელ ადგილებში ჩნდება. 2013 წელს არაკავას ნამუშევრები გამოიფინა ვენეციის ბიენალეზე და იაპონური თანამედროვე ხელოვნების გამოფენაზე მორის ხელოვნების მუზეუმში (ტოკიო). ინსტალაცია Hawaiian Presence (2014) იყო ერთობლივი პროექტინიუ-იორკელ მხატვარ კარისა როდრიგესთან ერთად და მონაწილეობა მიიღო უიტნის ბიენალში. ასევე 2014 წელს, არაკავამ და მისმა ძმამ ტომუმ, რომლებიც ასრულებდნენ დუეტს, სახელად United Brothers, შესთავაზეს სტუმრებს Frieze London-ში თავიანთი „ნამუშევარი“ „This Soup Taste Ambivalent“ „რადიოაქტიური“ Fukushima daikon-ის ძირეული ბოსტნეულით.

კოკი ტანაკა: ურთიერთობები და გამეორებები

2015 წელს კოკი ტანაკა "წლის არტისტად" აღიარეს. ტანაკა იკვლევს კრეატიულობისა და წარმოსახვის საერთო გამოცდილებას, ხელს უწყობს პროექტის მონაწილეებს შორის გაცვლას და მხარს უჭერს თანამშრომლობის ახალ წესებს. მისი ინსტალაცია 2013 წლის ვენეციის ბიენალეზე იაპონიის პავილიონში შედგებოდა ობიექტების ვიდეოებისგან, რომლებიც სივრცეს აქცევდნენ მხატვრული გაცვლის პლატფორმად. კოკი ტანაკას ინსტალაციები (არ აგვერიოს მის სრულფასოვან მსახიობთან) ასახავს ობიექტებსა და მოქმედებებს შორის ურთიერთობას, მაგალითად, ვიდეო შეიცავს ჩვეულებრივი საგნებით შესრულებული მარტივი ჟესტების ჩანაწერებს (ბოსტნეულის დაჭრის დანა, ჭიქაში ლუდის ჩასხმა). , ქოლგის გახსნა). არაფერი მნიშვნელოვანი არ ხდება, მაგრამ აკვიატებული გამეორება და ყურადღება უმცირეს დეტალებამდედააფასოს მაყურებელი ამქვეყნიური.

მარიკო მორი და გამარტივებული ფორმები

კიდევ ერთი თანამედროვე იაპონელი მხატვარი, მარიკო მორი, მულტიმედია ობიექტებს „აგონებს“ ვიდეოებს, ფოტოებსა და საგნებს. მას ახასიათებს მინიმალისტური ფუტურისტული ხედვა და დახვეწილი სურეალისტური ფორმები. მორის შემოქმედებაში განმეორებადი თემაა დასავლური ლეგენდის შეხამება დასავლური კულტურა. 2010 წელს მარიკომ დააარსა Fau Foundation, საგანმანათლებლო კულტურული არაკომერციული ორგანიზაცია, რისთვისაც მან შექმნა თავისი არტ-ინსტალაციების სერია ექვსი დასახლებული კონტინენტის პატივსაცემად. სულ ახლახან, ფონდის მუდმივი ინსტალაცია "ბეჭედი: ერთი ბუნება" რიო-დე-ჟანეიროს მახლობლად მდებარე თვალწარმტაცი ჩანჩქერის თავზე დაიდგა.

Ryoji Ikeda: ხმის და ვიდეოს სინთეზი

რიოჯი იკედა არის ახალი მედია მხატვარი და კომპოზიტორი, რომლის ნამუშევრები ძირითადად ეხება ჟღერადობას სხვადასხვა „ნედლი“ მდგომარეობებში, სინუსური ტალღებიდან დაწყებული, ადამიანის სმენის ზღვარზე არსებული სიხშირეების გამოყენებით. მისი იმერსიული ინსტალაციები მოიცავს კომპიუტერის მიერ გამომუშავებულ ბგერებს, რომლებიც ვიზუალურად გარდაიქმნება ვიდეო პროექციებად ან ციფრულ შაბლონებად. იკედას აუდიოვიზუალური ხელოვნება იყენებს მასშტაბს, შუქს, ჩრდილს, მოცულობას, ელექტრონულ ხმებს და რიტმს. მხატვრის ცნობილი სატესტო ობიექტი შედგება ხუთი პროექტორისგან, რომლებიც ანათებენ ტერიტორიას 28 მეტრი სიგრძისა და 8 მეტრი სიგანის. კონფიგურაცია აკონვერტებს მონაცემებს (ტექსტი, ხმები, ფოტოები და ფილმები) შტრიხკოდებად და ერთებისა და ნულების ორობით ნიმუშებად.

Tatsuo Miyajima და LED მრიცხველები

თანამედროვე იაპონელი მოქანდაკე და ინსტალაციის მხატვარი ტაცუო მიაჯიმა თავის ხელოვნებაში იყენებს ელექტრო სქემებს, ვიდეოებს, კომპიუტერებს და სხვა გაჯეტებს. მიაჯიმას ძირითადი კონცეფციები შთაგონებულია ჰუმანისტური იდეებითა და ბუდისტური სწავლებებით. LED მეტრიმისი პარამეტრები განუწყვეტლივ ანათებს 1-დან 9-მდე განმეორებით, რაც სიმბოლოა მოგზაურობის ცხოვრებიდან სიკვდილამდე, მაგრამ თავს არიდებს საბოლოოობას, რომელიც წარმოდგენილია 0-ით (ნული არასოდეს ჩანს ტაცუოს ნამუშევრებში). ბადეებში, კოშკებსა და დიაგრამებში გავრცელებული რიცხვები გამოხატავს მიაჯიმას ინტერესს უწყვეტობის, მარადისობის, კავშირის და დროისა და სივრცის ნაკადის იდეებით. ცოტა ხნის წინ მიაჯიმას „დროის ისარი“ აჩვენეს საინაუგურაციო გამოფენაზე „ნიუ-იორკში ხილული დაუმთავრებელი აზრები“.

ნარა იოშიმოტო და ბოროტი ბავშვები

ნარა იოშიმოტო ქმნის ბავშვებისა და ძაღლების ნახატებს, ქანდაკებებსა და ნახატებს - საგნებს, რომლებიც ასახავს ბავშვობის მოწყენილობისა და იმედგაცრუების გრძნობას და სასტიკ დამოუკიდებლობას, რომელიც ბუნებრივად მოდის პატარებისთვის. იოშიმოტოს შემოქმედების ესთეტიკა ტრადიციულს მოგვაგონებს წიგნის ილუსტრაციები, არის დაუღალავი დაძაბულობისა და არტისტის სიყვარული პანკ როკის ნაზავი. 2011 წელს ნიუ-იორკში აზიის საზოგადოების მუზეუმმა უმასპინძლა იოშიმოტოს პირველ პერსონალურ გამოფენას, სახელწოდებით „იოშიტომო ნარა: არავის სულელი“, რომელიც მოიცავდა თანამედროვე იაპონელი მხატვრის 20-წლიან კარიერას. ექსპონატები მჭიდროდ იყო დაკავშირებული გლობალურ ახალგაზრდულ სუბკულტურებთან და მათ გაუცხოებასთან. პროტესტი.

Yayoi Kusama და სივრცე იზრდება უცნაურ ფორმებში

საოცარი შემოქმედებითი ბიოგრაფიაკუსამას იაიოი შვიდ ათწლეულს მოიცავს. ამ დროის განმავლობაში საოცარმა იაპონელმა ქალმა მოახერხა ფერწერის, გრაფიკის, კოლაჟის, ქანდაკების, კინოს, გრავიურის, გარემოს ხელოვნების, ინსტალაციის, ასევე ლიტერატურის, მოდის და ტანსაცმლის დიზაინის დარგების შესწავლა. კუსამამ შეიმუშავა დოტ ხელოვნების ძალიან გამორჩეული სტილი, რომელიც მის საფირმო ნიშნად იქცა. 88 წლის კუსამას ნამუშევრებში წარმოდგენილი ილუზორული ხილვები (როდესაც სამყარო გაფანტულივითაა დაფარული უცნაური ფორმები), არის ჰალუცინაციების შედეგი, რომელიც მას ბავშვობიდან განიცდიდა. ოთახები ფერადი წერტილებით და „უსასრულობის“ სარკეებით, რომლებიც ასახავს მათ მტევანებს, ცნობადია და არ შეიძლება მათი აღრევა სხვაგან.