Napisz wypracowanie na podstawie przeczytanego tekstu.

Sformułuj jeden z problemów postawionych przez autora tekstu.

Skomentuj sformułowany problem. Umieść w komentarzu dwa przykłady ilustracji z przeczytanego tekstu, które Twoim zdaniem są ważne dla zrozumienia problemu w tekście źródłowym (unikaj nadmiernego cytowania). Wyjaśnij znaczenie każdego przykładu i wskaż związek semantyczny między nimi.

Objętość eseju to co najmniej 150 słów.

Praca napisana bez oparcia się na przeczytanym tekście (nie na tym tekście) nie podlega ocenie. Jeśli esej jest parafrazą lub całkowitym przepisaniem tekstu źródłowego bez komentarza, wówczas taka praca jest oceniana na 0 punktów.

Napisz esej starannie, czytelny charakter pisma.

(1) Z mojego punktu widzenia twórczość artystyczna to nie tylko sposób wyrażania siebie. (2) Czasami może stać się zbawczą słomką, której czepianie się człowiek może przejść przez wiele trudnych prób i przetrwać. (3) A oto jeden z uderzających przykładów.

(4) Niesamowita kobieta, artystka-amatorka Evfrosinya Antonovna Kersnovskaya spędziła wiele lat w stalinowskim obozie, po czym zaczęła szkicować całe swoje życie od samego początku: jej dzieciństwo na Besarabii, jak została aresztowana w Rumunii, jak została zesłana na Syberię. (5) Przez wiele lat przedstawiała życie, detale i komentowała swoje rysunki.

(6) Oto, co pisze do swojej matki:

(7) „Rysowałem je dla ciebie, myśląc o tobie… (8) Zacząłem rysować tam, w Norylsku, zaraz po wyjściu z obozu. (9) Nadal nie było ani materaca, ani prześcieradła, nie było nawet kąta. (10) Ale już marzyłem o narysowaniu czegoś pięknego, przypominającego przeszłość - przeszłość

była nierozerwalnie związana z tobą, moja droga! (11) I jedyne, o czym mogłem pomyśleć, to narysować ... ”

(12) A teraz Euphrosyne tworzy w obrazach historię swojego życia, wszystkich swoich nieszczęść, aby uwolnić się od tych trudnych wspomnień, które ją otaczały po opuszczeniu dwunastoletniego piekła. (13) Rysowała czym musiała: kredkami, długopisem, czasem barwiła akwarelami.

(14) A te nieskomplikowane, ale tak szczegółowe, prawdziwe rysunki zadziwiają swoją perswazją i wewnętrzną swobodą. (15) W latach 60. ubiegłego wieku skomponowała i narysowała aż dwanaście zeszytów ogólnych. (16) W 1991 roku ukazały się one jako oddzielna książka zatytułowana „Malarstwo naskalne”. (17) I do dziś, patrząc na te rysunki, które narodziły się tak dawno temu, gdzieś w głębi duszy czuję, jak bardzo sztuka pomogła przetrwać temu niesamowitemu artyście i po prostu szlachetnej kobiecie.

(18) Oto inna historia. (19) Również artysta Boris Sveshnikov długi czas był w niewoli. (20) Jego albumy były rysowane bezpośrednio tam, w niewoli, ale nie były o obozie, nie o życiu, jakie wówczas prowadził - były fantastyczne. (21) Przedstawił jakąś fikcyjną rzeczywistość i niezwykłe miasta. (22) Cienkim piórkiem, najcieńszą, niemal przezroczystą srebrną kreską stworzył w swoich albumach równoległe, niewiarygodnie tajemnicze, ekscytujące życie. (23) A następnie te albumy stały się dowodem na to, że jego wewnętrzny świat, fantazja, kreatywność uratowały mu życie w tym obozie. (24) Przeżył dzięki kreatywności.

(25) Inny niezwykły artysta, Michaił Sokołow, rówieśnik Swiesznikowa, więziony za swój ekstrawagancki wygląd, także próbował w swojej twórczości szukać wolności i zbawienia. (26) Rysował kolorowymi kredkami, a czasem opaskami ołówków, małe obrazki trzy na trzy centymetry lub pięć na pięć centymetrów i chował pod poduszkę.

(27) A te małe fantastyczne rysunki Sokołowa, moim zdaniem, są w pewnym sensie wspanialsze niż niektóre ogromne obrazy namalowane przez innego artystę w jasnej i wygodnej pracowni.

(28) Jak widzisz, możesz przedstawiać rzeczywistość lub fantazję. (29) W obu przypadkach to, co przenosisz z głowy, z duszy, z serca, z pamięci na papier, uwalnia cię, wyzwala, nawet jeśli wokół są więzienne kraty. (30) Dlatego rola sztuki jest naprawdę wielka. (31) I nie ma znaczenia, co i jak to robisz: kreatywność nie zna granic, nie wymaga specjalnych narzędzi. (32) Szczera i prawdomówna po prostu żyje w człowieku, szuka wyjścia i zawsze jest gotowa bezinteresownie mu pomóc.

(według L.A. Tiszkowa*)

*Leonid Aleksandrowicz Tiszkow (ur. 1953) jest rosyjskim rysownikiem, zajmuje się również grafiką książkową.

Wyjaśnienie.

Przykładowy zakres zagadnień:

1. Problem znaczenia twórczości artystycznej w życiu samego artysty. (Jaka jest korzyść ze zbawczej mocy twórczości artystycznej? Czy twórczość artystyczna może pomóc człowiekowi przetrwać, ocalić człowieka?)

2. Problem zrozumienia takiego zjawiska. jako dzieło sztuki. (Czym jest twórczość artystyczna? Czy istnieją granice kreatywności? Gdzie rodzi się twórczość artystyczna?)

3. Problem realności i fantastyki w sztuce. (Na czym powinna opierać się twórczość artystyczna: rzeczywistość czy fantazja?)

1. Twórczość artystyczna to nie tylko sposób wyrażania siebie, może przynieść ogromne korzyści: wyzwala duchowo człowieka, nawet jeśli przebywa w więzieniu. pomaga pozbyć się złych wspomnień. pokonywania trudności, zanurza człowieka w innej rzeczywistości.

2. Kreatywność artystyczna to jest to. co człowiek przenosi z głowy, z duszy, z serca na papier. Kreatywność nie zna granic, nie wymaga specjalnych narzędzi. Prawdziwa kreatywność może narodzić się zarówno w jasnym warsztacie artysty, jak i na maleńkiej kartce papieru.

3. Dla twórczości artystycznej nie ma znaczenia, czy dana osoba przedstawia rzeczywistość, czy fantazję. Pozostaje kreatywny. Wielka moc który jest naprawdę nieograniczony.

ZASTOSOWANIE skład:

Czy kreatywność naprawdę pomaga człowiekowi przejść przez wiele trudnych prób i przetrwać? To właśnie pytanie jest w centrum uwagi rosyjskiego rysownika Leonida Aleksandrowicza Tiszkowa.

Ujawniając ten problem, autor omawia, w jaki sposób ważna rola kreatywność może odegrać rolę w życiu każdego z nas. Aby przekonać o tym czytelnika, podaje uderzające przykłady tego, jak umiejętność zwrócenia się ku sztuce w najtrudniejszych momentach życia wpłynęła na ... O dziwo, nawet w stalinowskich obozach, w więzieniach, w tajemnicy przed innymi, nasi bohaterowie pisali „coś pięknego, przypominającego przeszłość… fikcyjną rzeczywistość i niezwykłe miasta”. To nie przypadek, że autorka tak trafnie opisuje wszystko, co łączyło bohaterów ze sztuką i pomagało im przetrwać:..... To właśnie oni małe części pozwoliły nam zrozumieć: „nieważne co i jak robisz”, bo kreatywność nie wymaga specjalnych narzędzi i nie zna granic.

Stanowisko autora nie budzi wątpliwości. LA Tishkov jest przekonany, że rola sztuki jest naprawdę wielka. Artysta dochodzi do wniosku, że miłość do twórczości „żyje w człowieku”, że sztuka jest „gotowa bezinteresownie mu pomóc”.

Trudno nie zgodzić się ze stanowiskiem autora. Nie mogę nazwać się osobą kreatywną, ale nawet kiedy jest mi smutno w domu, przy pianinie jest mi łatwiej. Sztuka oczywiście jest w stanie oczyścić duszę człowieka i zachować go jako osobę.

Chciałbym uzasadnić swój punkt widzenia, odwołując się do epickiej powieści Lwa Tołstoja Wojna i pokój. Na przykładzie Nikołaja Rostowa jesteśmy przekonani, że bez względu na to, jak beznadziejna może być sytuacja, istnieje siła, która może pomóc człowiekowi. Tak stało się z bohaterem Tołstoja, który stracił czterdzieści trzy tysiące. Czytasz myśli bohatera i rozumiesz, że jedynym sposobem na uniknięcie hańby, jaki widzi Nikołaj Rostow, jest „kula w czoło”. Trudno sobie wyobrazić, jak potoczyłoby się życie młodego hrabiego, gdyby nie śpiew Nataszy, który usłyszał. A Dołochow, pieniądze, spór i złośliwość - wszystko to znika w tle, pozostaje prawdziwa - czysta i wysoka - sztuka.

Praca Michaiła Bułhakowa „Mistrz i Małgorzata” pomaga zrozumieć, jak wielka jest rola kreatywności. Skupiono się na autorze powieści o Poncjuszu Piłacie. Z rozmowy Mistrza z sąsiadem profesora Strawińskiego w klinice dowiadujemy się o najszczęśliwszym okresie w życiu bohatera, który sam nazwał „złotym wiekiem”. Pacjent wspomina, jak pisał książkę rozdział po rozdziale, czytał ją ukochanej Małgorzacie i wierzył, że całe jego życie jest w tej powieści. Bohater przyznaje, że pod koniec książki jego życie straciło sens. Historia napisana przez M. Bułhakowa nie pozostawia wątpliwości, że twórczość może kształtować człowieka, być sensem jego życia.

L.N. Tołstoj, M.A. Bułhakow, L.A. Tishkin pomagają czytelnikowi zrozumieć, że zwracając się do kreatywności, sztuka pozwala przemyśleć wszystko, co dzieje się wokół, przetrwać w trudnych chwilach.

Tekst LA. Tiszkow

(1) Z mojego punktu widzenia twórczość artystyczna to nie tylko sposób wyrażania siebie. (2) Czasami może stać się zbawczą słomką, której czepianie się człowiek może przejść przez wiele trudnych prób i przetrwać. (3) A oto jeden z uderzających przykładów.
(4) Niesamowita kobieta, artystka-amatorka Evfrosinya Antonovna Kersnovskaya spędziła wiele lat w stalinowskim obozie, po czym zaczęła szkicować całe swoje życie od samego początku: jej dzieciństwo na Besarabii, jak została aresztowana w Rumunii, jak została zesłana na Syberię. (5) Przez wiele lat przedstawiała życie, detale i komentowała swoje rysunki.
(6) Oto, co pisze do swojej matki:
(7) „Rysowałem je dla ciebie, myśląc o tobie… (8) Zacząłem rysować tam, w Norylsku, zaraz po wyjściu z obozu. (9) Nadal nie było ani materaca, ani prześcieradła, nie było nawet kąta. (10) Ale już marzyłem o narysowaniu czegoś pięknego, przypominającego przeszłość - przeszłość, która była nierozerwalnie związana z tobą, moja droga! (11) I jedyne, o czym mogłem pomyśleć, to narysować ... ”
(12) A teraz Euphrosyne tworzy w obrazach historię swojego życia, wszystkich swoich nieszczęść, aby uwolnić się od tych trudnych wspomnień, które ją otaczały po opuszczeniu dwunastoletniego piekła. (13) Rysowała czym musiała: kredkami, długopisem, czasem barwiła akwarelami.
(14) A te nieskomplikowane, ale tak szczegółowe, prawdziwe rysunki zadziwiają swoją perswazją i wewnętrzną swobodą. (15) W latach 60. ubiegłego wieku skomponowała i narysowała aż dwanaście zeszytów ogólnych. (16) W 1991 roku ukazały się one jako oddzielna książka zatytułowana „Malarstwo naskalne”. (17) I do dziś, patrząc na te rysunki, które narodziły się tak dawno temu, gdzieś w głębi duszy czuję, jak bardzo sztuka pomogła przetrwać temu niesamowitemu artyście i po prostu szlachetnej kobiecie.
(18) Oto inna historia. (19) Przez długi czas więziony był także artysta Boris Sveshnikov. (20) Jego albumy były rysowane bezpośrednio tam, w niewoli, ale nie były o obozie, nie o życiu, jakie wówczas prowadził - były fantastyczne. (21) Przedstawił jakąś fikcyjną rzeczywistość i niezwykłe miasta. (22) Cienkim piórkiem, najcieńszą, niemal przezroczystą srebrną kreską stworzył w swoich albumach równoległe, niewiarygodnie tajemnicze, ekscytujące życie. (23) A następnie te albumy stały się dowodem na to, że jego wewnętrzny świat, fantazja, kreatywność uratowały mu życie w tym obozie. (24) Przeżył dzięki kreatywności.
(25) Inny niezwykły artysta, Michaił Sokołow, rówieśnik Swiesznikowa, więziony za swój ekstrawagancki wygląd, także próbował w swojej twórczości szukać wolności i zbawienia. (26) Rysował kolorowymi kredkami, a czasem opaskami ołówków, małe obrazki trzy na trzy centymetry lub pięć na pięć centymetrów i chował pod poduszkę.
(27) A te małe fantastyczne rysunki Sokołowa, moim zdaniem, są w pewnym sensie wspanialsze niż niektóre ogromne obrazy namalowane przez innego artystę w jasnej i wygodnej pracowni.
(28) Jak widzisz, możesz przedstawiać rzeczywistość lub fantazję. (29) W obu przypadkach to, co przenosisz z głowy, z duszy, z serca, z pamięci na papier, uwalnia cię, wyzwala, nawet jeśli wokół są więzienne kraty. (30) Dlatego rola sztuki jest naprawdę wielka. (31) I nie ma znaczenia, co i jak to robisz: kreatywność nie zna granic, nie wymaga specjalnych narzędzi. (32) Szczera i prawdomówna po prostu żyje w człowieku, szuka wyjścia i zawsze jest gotowa bezinteresownie mu pomóc.

(według L.A. Tiszkowa*)

Kształtowanie osobowości twórczej jest jednym z ważnych zadań teorii i praktyki pedagogicznej na obecnym etapie. Jego rozwiązanie powinno rozpocząć się już w wieku przedszkolnym. Bardzo skuteczny środek do tego - aktywność wizualna dzieci w placówce przedszkolnej.

W procesie rysowania, modelowania, aplikacji dziecko doświadcza różnych uczuć: raduje się piękny obraz, którego sam stworzył, denerwuje się, gdy coś nie wychodzi. Ale najważniejsze: tworząc obraz, dziecko zdobywa różnorodną wiedzę; jego poglądy na temat środowiska są wyjaśnione i pogłębione; w trakcie pracy zaczyna rozumieć cechy przedmiotów, zapamiętywać je cechy i detali, aby opanować drobne umiejętności i zdolności, uczy się ich świadomie używać. Nawet Arystoteles zauważył: rysunek przyczynia się do zróżnicowany rozwój dziecko. Pisali o tym wybitni nauczyciele przeszłości - Ya A. Komensky, I. G. Pestalozzi, F. Froebel - i wielu krajowych badaczy. Świadczą o tym ich prace: rysunek i inne rodzaje działań artystycznych tworzą podstawę pełnoprawnej, sensownej komunikacji między dziećmi i dorosłymi; wykonać funkcja terapeutyczna, odwracając uwagę dzieci od smutnych, smutnych wydarzeń, rozładowują napięcie nerwowe, lęki, wywołują radosny, podniosły nastrój, zapewniają pozytywny stan emocjonalny. Dlatego tak ważne jest szerokie włączanie w proces pedagogiczny różnorodnych działań artystycznych i twórczych. Tutaj każde dziecko może najpełniej wyrazić siebie bez presji ze strony dorosłego.

Kierowanie aktywnością wzrokową wymaga od pedagoga wiedzy, czym w ogóle jest twórczość, a zwłaszcza dziecięca, znajomości jej specyfiki, umiejętności subtelnego, taktownego wspierania inicjatywy i samodzielności dziecka, przyczyniania się do nabywania niezbędnych umiejętności i umiejętności i rozwój potencjału twórczego. Znany badacz A. Lilov wyraził swoje rozumienie kreatywności w następujący sposób: „... kreatywność ma swoje ogólne, jakościowo nowe cechy i cechy, które ją definiują, z których niektóre zostały już dość przekonująco ujawnione przez teorię. Te ogólne regularne momenty są następujące:
Kreatywność jest zjawiskiem społecznym
- jej głęboka istota społeczna polega na tym, że tworzy wartości społecznie konieczne i społecznie użyteczne, zaspokaja potrzeby społeczne, a zwłaszcza na tym, że jest najwyższą koncentracją transformacyjnej roli świadomego podmiotu społecznego (klasy, ludu, społeczeństwa) w jego interakcji z obiektywną rzeczywistością”.

Inny badacz, V. G. Zlotnikov, zwraca uwagę: twórczość artystyczna charakteryzuje się ciągłą jednością poznania i wyobraźni, działalności praktycznej i procesów umysłowych, jest to specyficzna działalność duchowa i praktyczna, której efektem jest szczególny produkt materialny – dzieło sztuki.

Czym jest sztuka dziecięca wiek przedszkolny? Nauczyciele domowi i psychologowie uważają kreatywność za tworzenie przez osobę obiektywnie i subiektywnie nowych rzeczy. Jest to subiektywna nowość, będąca efektem aktywności twórczej dzieci w wieku przedszkolnym i szkolnym. Poprzez rysowanie, wycinanie i wklejanie dziecko w wieku przedszkolnym tworzy dla siebie subiektywnie nową rzecz. Produkt jego twórczości nie ma uniwersalnej nowości i wartości. Ale jego subiektywna wartość jest znacząca.

Wizualna aktywność dzieci, jako prototyp aktywności dorosłych, zawiera w sobie społeczno-historyczne doświadczenie pokoleń. Wiadomo, że doświadczenie to zostało wdrożone i zmaterializowane w narzędziach i produktach działania, a także w metodach działania wypracowanych przez praktykę społeczno-historyczną. Dziecko nie może nauczyć się tego doświadczenia bez pomocy osoby dorosłej. To dorosły jest nosicielem tego doświadczenia i jego przekaźnikiem. Przyswajając to doświadczenie, dziecko rozwija się. Jednocześnie sama czynność wizualna, jako typowo dziecinna, obejmująca rysowanie, modelowanie, aplikowanie, przyczynia się do wszechstronnego rozwoju dziecka.

Jak znani krajowi naukowcy definiują kreatywność dzieci? Jak określa się jego znaczenie dla kształtowania się osobowości dziecka?

Nauczyciel V.N. Szacka uważa, że ​​w warunkach ogólnej edukacji estetycznej twórczość artystyczna dzieci jest raczej postrzegana jako metoda najdoskonalszego opanowania określonego rodzaju sztuki i kształtowania estetycznie rozwiniętej osobowości niż jako tworzenie obiektywnych wartości artystycznych. .

Badacz twórczości dziecięcej E.A. Flerina ocenia to jako świadome odbicie dziecka otaczającą rzeczywistość w rysunku, modelowaniu, konstrukcji, refleksji, która opiera się na pracy wyobraźni, eksponowaniu własnych spostrzeżeń, a także wrażeń odbieranych poprzez słowo, obraz i inne formy sztuki. Dziecko nie kopiuje biernie otoczenia, lecz przerabia je w związku ze zgromadzonym doświadczeniem, stosunkiem do przedstawionego.

A. A. Volkova stwierdza: "Wychowanie kreatywności ma wszechstronny i złożony wpływ na dziecko. Umysł (wiedza, myślenie, wyobraźnia), charakter (odwaga, wytrwałość), uczucia (miłość do piękna, pasja do obrazu, myśl) biorą udział w twórczej działalności dorosłych.Musimy kształcić te same aspekty osobowości u dziecka, aby skuteczniej rozwijać w nim kreatywność.Wzbogacenie umysłu dziecka różnymi pomysłami, pewna wiedza oznacza obfite pożywienie dla kreatywności. Uczenie uważnego patrzenia, bycie uważnym oznacza przedstawianie pomysłów w sposób jasny, pełniejszy. Pomoże to dzieciom w bardziej żywym odtwarzaniu tego, co widzą w swojej pracy. "

I. Ya.Lerner tak definiuje cechy aktywności twórczej dziecka:
samodzielne przeniesienie zdobytej wcześniej wiedzy do nowej sytuacji;
wizja nowej funkcji obiektu (obiektu);
wizja problemu w standardowej sytuacji;
wizja struktury obiektu;
umiejętność alternatywnych rozwiązań;
łączenie dotychczas znanych metod działania z nowymi.

I. Ya. Lerner argumentuje: kreatywności można się nauczyć, ale to nauczanie jest szczególne, to nie to samo, co zwykle naucza się wiedzy i umiejętności.

O słuszności tego pomysłu przekonaliśmy się we własnej praktyce. Zauważmy jednak: samodzielne przenoszenie zdobytej wcześniej wiedzy do nowej sytuacji (pierwsza cecha według Lernera) może się u dzieci objawiać, jeśli nauczą się postrzegać przedmioty, przedmioty rzeczywistości, nauczą się rozróżniać ich formy, włączając w to proces ruch obu rąk wzdłuż konturu przedmiotu. (Innymi słowy, okrążając przedmiot, oglądając go, rysujemy - ołówkami, pędzlem, pisakami.) Tylko wtedy dzieci będą mogły samodzielnie posługiwać się tą metodą, tylko wtedy stopniowo nabędą swoboda przedstawiania dowolnych obiektów, nawet tych, które nie mają wyraźnie określonego kształtu, na przykład chmury, kałuże, pływające kry, nietopiony śnieg.

Druga cecha według Lernera – wizja nowej funkcji przedmiotu (obiektu) – objawia się, gdy dziecko zaczyna używać przedmiotów zastępczych, np. zamienia wycięte wąskie i szerokie paski na części przedmiotów lub przedmiotów; bawi się łyżkami, wyobrażając sobie, że gra w orkiestrze. Ta umiejętność wyodrębniania w procesie percepcji formy, części, które formujemy u dzieci, prowadzi je do wizji struktury przedmiotu, opanowania sposobów jej przekazywania w rysunku, modelowaniu i aplikacji. Dlatego polecamy zajęcia twórcze uwzględnij w planie pracy temat „Nauczyć tworzenia obrazów zwierząt, których kształtu i struktury się uczy”.

Wprowadzając dzieci w świat dzieł sztuki (plastyki, literatury, muzyki), tym samym wprowadzamy je w świat wzorców piękna, tj. realizujemy wyżej wymienione cele i zadania - zrozumienie wyrazistości środków i rozwiązań figuratywnych, różnorodności kolorystycznej i konstrukcji kompozycyjnej. Znając na przykład tajemnice Malarstwo Dymkowa, dziecko niewątpliwie z nich korzysta, tworząc obrazy bajecznych zwierząt, ptaków; rozumie cechy przedstawionych, zapamiętanych cech charakterystycznych.

Co charakteryzuje twórczość? B. M. Tepłow pisze w związku z tym: „Głównym warunkiem, który należy zapewnić w twórczości dzieci, jest szczerość. Bez niej wszystkie inne cnoty tracą znaczenie”.

Warunek ten oczywiście spełnia twórczość, „która rodzi się w dziecku samoistnie, z potrzeby wewnętrznej, bez celowej stymulacji pedagogicznej”. Ale systematyczna praca pedagogiczna, zdaniem naukowca, nie może opierać się wyłącznie na samodzielnie rodzącej się kreatywności, czego nie obserwuje się u wielu dzieci, choć te same dzieci przy swoim zorganizowanym zaangażowaniu w działalność artystyczną wykazują niekiedy wybitne zdolności twórcze.

Powstaje więc problem pedagogiczny – poszukiwanie takich bodźców do twórczości, które zrodziłyby w dziecku autentyczną, skuteczną chęć „komponowania”. Taką zachętę znalazł Lew Tołstoj. Rozpoczynając nauczanie chłopskich dzieci, wielki rosyjski pisarz zrozumiał już, jak ważne jest zadanie „rozwijania kreatywności dzieci”; jako jedno z możliwych rozwiązań zaproponował dzieciom wspólne kompozycje (zob. artykuł „Kto od kogo powinien uczyć się pisać?”). Jaka jest więc istota angażowania dzieci w twórczość artystyczną według Lwa Tołstoja? Pokaż nie tylko produkt, ale także sam proces tworzenia, pisania, rysowania itp. aby zobaczyć na własne oczy jak "to się robi". Następnie, jak pisze E. I. Ignatiew, krajowy badacz psychologii twórczości dziecięcej, dziecko „od prostego wyliczenia poszczególnych szczegółów na rysunku przechodzi do dokładnego przeniesienia cech przedstawionego przedmiotu. rola słowa w aktywność wizualna Słowo to coraz częściej nabiera znaczenia regulatora, który kieruje procesem wizerunkowym, steruje metodami i metodami wizerunkowymi.

W procesie rysowania, modelowania dziecko doświadcza różnorodnych uczuć; jak już zauważyliśmy, cieszy się pięknym obrazem, denerwuje się, gdy coś nie wychodzi, stara się osiągnąć satysfakcjonujący wynik lub wręcz przeciwnie, gubi się, rezygnuje, odmawia nauki (w tym przypadku wrażliwa , potrzebna jest uważna postawa nauczyciela, jego pomoc). Pracując nad obrazem, zdobywa wiedzę, klaruje i pogłębia swoje wyobrażenia o środowisku. Dziecko nie tylko opanowuje nowe umiejętności wizualne i zdolności, które poszerzają jego możliwości twórcze ale także uczy się świadomie z nich korzystać. Bardzo istotny czynnik pod względem rozwoju umysłowego. W końcu każde dziecko, tworząc obraz przedmiotu, przekazuje fabułę, zawiera swoje uczucia, zrozumienie, jak powinien wyglądać. To jest istota dziecka sztuki piękne, co przejawia się nie tylko wtedy, gdy dziecko samodzielnie wymyśla temat swojego rysunku, modelowania, aplikacji, ale także wtedy, gdy tworzy obraz na polecenie nauczyciela, ustalając kompozycję, roztwór koloru i innych środków wyrazu, dokonując ciekawych uzupełnień itp.
Analiza przepisów dotyczących twórczości dzieci znanych naukowców krajowych - G. V. Latunskaya, V. S. Kuzin, P. P. Pidkasistoy, I. Ya. Lerner, N. P. Sakulina, B. M. Teplov, E. A. Flerina - oraz nasze wieloletnie badania pozwalają sformułować roboczą definicję. Pod pojęciem twórczości artystycznej dzieci w wieku przedszkolnym rozumiemy tworzenie subiektywnie nowego (przede wszystkim istotnego dla dziecka) produktu (rysunek, modelarstwo, opowiadanie, taniec, piosenka, gra); kreacja (wynalazek) do znanych wcześniej nieużywanych detali, które w nowy sposób charakteryzują tworzony obraz (na rysunku, opowiadaniu itp.), różne opcje obrazy, sytuacje, ruchy, swój początek, koniec, nowe działania, cechy postaci itp.; wykorzystanie poznanych wcześniej sposobów przedstawiania lub środków wyrazu w nowej sytuacji (do przedstawiania przedmiotów o znanym kształcie - na podstawie opanowania mimiki, gestów, wariacji głosu itp.); wykazywać inicjatywę we wszystkim.

Przez kreatywność zrozumiemy sam proces tworzenia obrazów bajki, opowiadania, dramatyzacji gry w rysowanie itp., Poszukiwanie sposobów, sposobów rozwiązania problemu wizualnego, zabawnego, muzycznego w procesie działania .

Z naszego rozumienia twórczości artystycznej jest oczywiste, że aby rozwijać kreatywność, dzieci potrzebują pewnej wiedzy, umiejętności i zdolności, metod działania, których same, bez pomocy dorosłych, nie są w stanie opanować. Inaczej: rozmawiamy o celowym uczeniu się, rozwijaniu bogatego doświadczenia artystycznego.

Dla dziecka (młodsze grupy) kreatywność w tworzeniu obrazu może objawiać się zmianą wielkości przedmiotów. Wyjaśnię ten pomysł: jest lekcja, dzieci rzeźbią jabłka, a jeśli ktoś po wykonaniu zadania zdecyduje się samodzielnie ulepić jabłko mniejsze lub większe lub inny kolor (żółty, zielony), dla niego to jest już kreatywne rozwiązanie. Manifestacja twórczości młodsze przedszkolaki- to niektóre dodatki do modelowania, rysowania, powiedzmy, patyczka - ogonka.

W miarę opanowywania umiejętności (już w starszych grupach) kreatywne rozwiązanie staje się bardziej skomplikowane. Fantastyczne obrazy pojawiają się w rysunkach, modelowaniu, aplikacjach, baśniowi bohaterowie, pałace, magiczna natura, kosmos z latającymi statkami, a nawet astronautami pracującymi na orbicie. I w tej sytuacji pozytywne nastawienie Nauczyciel do inicjatywy i kreatywności dziecka jest ważnym bodźcem do rozwoju jego kreatywności. Nauczyciel zauważa i zachęca do twórczych odkryć dzieci, otwiera wystawę twórczości dzieci w grupie, w holu, holu, opracowuje placówkę z pracami uczniów.

W twórczości dziecka należy wyróżnić trzy główne etapy, z których każdy z kolei może być szczegółowy i wymaga od nauczyciela określonych metod i technik kierowania.

Pierwszym z nich jest pojawienie się, rozwój, świadomość i projektowanie idei. Temat nadchodzącego obrazu może określić samo dziecko lub zaproponować nauczyciel (o jego konkretnej decyzji decyduje tylko samo dziecko). Im młodsze dziecko, tym bardziej sytuacyjny i niestabilny jest jego zamiar. Z naszych badań wynika, że ​​początkowo trzyletnie dzieci mogą zrealizować swoje plany tylko w 30-40 procentach przypadków. Reszta w zasadzie zmienia pomysł i z reguły nazywa to, co chce narysować, a następnie tworzy coś zupełnie innego. Czasami pomysł zmienia się kilka razy. Dopiero pod koniec roku, a nawet wtedy, pod warunkiem systematycznego prowadzenia zajęć (w 70-80 proc. przypadków), pomysł i realizacja dzieci zaczynają się pokrywać. Jaki jest powód? Z jednej strony sytuacyjny charakter myślenia dziecka: najpierw chciał narysować jeden przedmiot, nagle w jego polu widzenia pojawia się inny, który wydaje mu się ciekawszy. Z drugiej strony, nazywając przedmiot obrazu, dziecko, mając jeszcze bardzo małe doświadczenie w działaniu, nie zawsze koreluje to, co zostało poczęte, ze swoimi możliwościami malarskimi. Dlatego biorąc ołówek lub pędzel do ręki i zdając sobie sprawę ze swojej niezdolności, odmawia pierwotna intencja. Im starsze dzieci, tym bogatsze są ich doświadczenia z aktywnością wzrokową, tym stabilniejsza staje się ich koncepcja.

Drugim etapem jest proces tworzenia obrazu. Temat zadania nie tylko nie pozbawia dziecka możliwości wykazania się kreatywnością, ale także kieruje jego wyobraźnią, oczywiście jeśli nauczyciel nie reguluje decyzji. Znacznie większe możliwości pojawiają się, gdy dziecko tworzy obraz według własnego planu, gdy nauczyciel wyznacza jedynie kierunek wyboru tematu, treści obrazu. Zajęcia na tym etapie wymagają od dziecka opanowania sposobów przedstawiania, środków wyrazu charakterystycznych dla rysunku, modelowania, aplikacji.

Trzeci etap – analiza wyników – jest ściśle powiązany z dwoma poprzednimi – jest to ich logiczna kontynuacja i uzupełnienie. Oglądanie i analiza tego, co stworzyły dzieci, odbywa się przy ich maksymalnej aktywności, co pozwala im pełniej zrozumieć rezultat własnych działań. Na koniec lekcji wszystko, co stworzyły dzieci, wystawiane jest na specjalnym stojaku, tj. każde dziecko ma możliwość obejrzenia prac całej grupy, zaznaczenia, uzasadniając swój wybór, tych, które najbardziej mu się spodobały. Taktowne, naprowadzające pytania nauczyciela pozwolą dzieciom zobaczyć twórcze znaleziska swoich towarzyszy, oryginalne i wyraziste rozwiązanie tematu.
Szczegółowa analiza dziecięcych rysunków, modeli lub aplikacji jest opcjonalna na każdej lekcji. Jest to określone przez funkcję i cel wygenerowane obrazy. Ale to, co jest ważne: omówienie prac, ich analizę, nauczyciel prowadzi za każdym razem w nowy sposób. Tak więc, jeśli dzieci wykonane ozdoby świąteczne, a następnie pod koniec lekcji wszystkie zabawki są zawieszone na futrzanej piękności. Jeśli stworzyłeś kompozycję zbiorową, to pod koniec pracy nauczyciel zwraca uwagę forma ogólna zdjęć i zaprasza do zastanowienia się, czy można panoramę uzupełnić, wzbogacić, a przez to ciekawiej. Jeśli dzieci udekorowały sukienkę lalki, to wszystkie najlepsze prace są „wystawione w sklepie”, aby lalka lub kilka lalek mogło „wybrać” to, co im się podoba.

Eksperci wyróżniają trzy grupy środków, których celem jest podniesienie poziomu edukacji estetycznej: sztuka we wszelkich formach, otaczające życie, w tym przyroda, działalność artystyczna i twórcza. Dzięki tym połączonym środkom dziecko aktywnie uczestniczy w doświadczaniu twórczej aktywności dorosłych. Skuteczne przywództwo jest jednak możliwe, jeśli nauczyciel zna i uwzględnia procesy umysłowe leżące u podstaw kreatywności dzieci, a co najważniejsze systematycznie je rozwija.

O jakich procesach umysłowych mówimy? Spośród wszystkich środków edukacji estetycznej, wszystkich rodzajów działalności artystycznej, wyróżniamy grupy ogólne które stanowią podstawę twórczości.

1. Postrzeganie przedmiotów i zjawisk rzeczywistości oraz ich właściwości, które ma indywidualne różnice. Wiadomo, że w swoich rysunkach, modelowaniu, aplikacjach dzieci odzwierciedlają wrażenia otrzymane z otaczającego ich świata. Oznacza to, że mają różne wrażenia na temat tego świata. Wyobrażenia o przedmiotach i zjawiskach powstają na podstawie ich percepcji. dlatego warunek zasadniczy kreatywność - rozwijanie percepcji dzieci (wzrokowej, dotykowej, kinestetycznej), tworzenie różnorodnych wrażeń zmysłowych.

Jak powinna przebiegać edukacja, aby dzieci się rozwijały niezbędna wiedza i występy? Psychologowie zauważają: synkretyzm, fuzja i brak wyrazistości obrazów percepcji są charakterystyczne dla dzieci w wieku przedszkolnym. Aby przedstawić przedmiot lub zjawisko, dziecko musi przedstawić wszystkie jego podstawowe właściwości i przekazać je w taki sposób, aby obraz był rozpoznawalny. Dla małego artysty jest to bardzo ważne.

Nauczyciel celowo kształtuje wiedzę i wyobrażenia o środowisku. Są to zarówno obserwacje specjalne, jak i badanie przedmiotu podczas zabaw dydaktycznych. Nauczyciel kieruje percepcję dziecka na określone właściwości i cechy przedmiotów (zjawisk). W końcu nie wszystkie przedszkolaki przychodzą Przedszkole, mający bogate doświadczenie postrzegania otoczenia – figuratywne, estetycznie ubarwione, pozytywnie nacechowane emocjonalnie. Dla większości ogranicza się do rozdrobnienia, jednostronności, a często po prostu biedy. Aby rozwinąć percepcję estetyczną u dzieci, nauczyciel sam musi posiadać zdolność widzenia estetycznego. Nawet V. A. Sukhomlinsky podkreślał: „Nie można być nauczycielem bez opanowania subtelnej emocjonalnej i estetycznej wizji świata”.

Dzieci nie powinny tylko patrzeć na przedmiot, rozpoznawać i podkreślać jego właściwości: kształt, strukturę, kolor itp. Powinny dostrzegać jego walory artystyczne, które mają być zobrazowane. Nie każdy jest w stanie samodzielnie określić piękno przedmiotu. Nauczyciel je pokazuje. W przeciwnym razie pojęcie „piękne” nie nabierze w oczach ucznia określonego znaczenia, pozostanie formalne. Ale aby mógł zrozumieć, jak piękny jest ten lub inny przedmiot, to lub inne zjawisko, sam nauczyciel, powtarzamy, musi się czuć, widzieć piękno życia. Stale rozwija tę cechę w sobie i dzieciach.

Jak to zrobić? Dzień po dniu obserwujcie z dziećmi zjawiska przyrody – jak puchną pąki na drzewach, krzewach, jak stopniowo kwitną, pokrywając drzewo liśćmi. A jak różnorodne są szare chmury gnane wiatrem, jak szybko zmienia się ich kształt, położenie, kolor! Zwróć uwagę na piękno ruchu chmur, zmianę ich kształtu. Zobacz, jak pięknie niebo i otaczające obiekty są oświetlone promieniami zachodzącego słońca.

Takich obserwacji można dokonać m.in różne obiekty. Umiejętność kontemplowania piękna, cieszenia się nim jest bardzo ważna dla rozwoju kreatywności dzieci. Nie bez powodu w Japonii, gdzie kultura percepcji estetycznej jest tak wysoka, nauczyciele rozwijają u dzieci umiejętność obserwacji, umiejętność słuchania, zaglądania w otoczenie – wyłapywania różnic w szumie deszczu, widzenia i słyszenia jak ciężkie krople głośno pukają w szybę, jak radośnie lecący nagle letni „grzybek” dzwoni „deszczem”.

Obiekty do obserwacji znajdują się codziennie. Ich celem jest poszerzanie dziecięcych wyobrażeń o świecie, jego zmienności i pięknie. Język rosyjski jest tak bogaty w epitety, porównania, metafory, poetyckie wersy! Kiedyś zwrócił na to uwagę N. P. Sakulina.

L. S. Wygotski, mówiąc o roli treningu, podkreślał, że trening prowadzi do rozwoju. Jednocześnie zwracał uwagę: "Wychowanie może dać w rozwoju więcej niż to, co zawiera się w jego bezpośrednich efektach. Stosowane w jednym punkcie w sferze dziecięcej myśli modyfikuje i odbudowuje wiele innych punktów. Może mieć odległe, ale nie tylko natychmiastowe konsekwencje.

Właśnie o takim długotrwałym efekcie możemy mówić, jeśli chodzi o kształtowanie się przedstawień figuratywnych u dzieci w procesie nauczania czynności wzrokowych. Stwierdzenie nie jest przypadkowe. Dowodem na to jest praca E. A. Bugrimenko, A. L. Venger, K. N. Polivanova, E. Yu Sutkowa, której tematem jest przygotowanie dzieci do szkoły, diagnoza rozwoju umysłowego i jego korekta. Autorzy zauważają: „Jednym z nich jest niedostateczny poziom rozwoju przedstawień figuratywnych najczęstsze przyczyny trudności w nauce nie tylko w wieku sześciu lat, ale także znacznie później (aż do klas maturalnych). Jednocześnie okres ich najintensywniejszej formacji przypada na wiek przedszkolny i początek szkoły podstawowej. Dlatego jeśli dziecko wchodzące do szkoły ma problemy, to należy je jak najszybciej „zrekompensować” zajęciami wizualnymi i konstrukcyjnymi – w czas wolny stymulują rysowanie, rzeźbienie, aplikacje, projektowanie.

Charakteryzując myślenie dziecka, psychologowie zwykle rozróżniają etapy: wizualny, wizualno-figuratywny, logiczny. Wizualno-figuratywny opiera się na wizualnych reprezentacjach i ich transformacji jako środka do rozwiązania problemu psychicznego. Wiadomo, że wejście w nowy etap myślenia nie oznacza wyeliminowania poprzedniego. Zachowuje się w dziecku, pomaga w rozwoju myślenia na nowy etap, stanowi podstawę kształtowania różnorodnych aktywności i zdolności. Ponadto eksperci uważają, że ta forma myślenia jest niezbędna nie tylko dla kreatywności dzieci, ale także dla kreatywności osoby z dowolnego zawodu. Dlatego tak ważny jest rozwój kreatywne myslenie, a także wyobraźnia, pozytywne nastawienie emocjonalne, opanowanie metod obrazowych, ekspresyjnych środków rysunku, modelowania, aplikacji.

Dziennik " Edukacja przedszkolna" № 2, 2005

Autorem tego tekstu jest Leonid Aleksandrowicz Tiszkow, rosyjski rysownik. Proponowany do analizy tekst to refleksja autora na temat tego, czy istnieją granice dla prawdziwej sztuki.

Autorka jest przekonana, że ​​dzięki kreatywności można odnaleźć sens i wsparcie w życiu. Uważa, że ​​twórczość artystyczna to nie tylko sposób wyrażania siebie. Czasami może stać się zbawczą słomką, której trzymanie się pozwala człowiekowi przejść przez wiele i przetrwać. Wewnętrzny spokój, fantazjowanie, kreatywność uratowały wiele żyć w trudnym dla nich czasie. Leonid Tiszkow jest przekonany, że sztuka wyzwala, wyzwala, może dać człowiekowi poczucie wewnętrznej wolności, nawet jeśli w rzeczywistości jest jej pozbawiony.

Myślę, że Leonid Tiszkow ma rację. Sztuka pomaga przetrwać, pomaga zrozumieć sytuację, spojrzeć na rzeczy właściwie, czasami nawet nie podejrzewając jej prawdziwej mocy. Na poparcie tej tezy można przytoczyć wiele przykładów.

Stalingrad. Dochodzi do walk ulicznych. Jedna strona ulicy jest zajęta przez naszych bojowników, druga przez nazistów. Ogień nie gaśnie w dzień ani w nocy. Ale pewnego dnia wieczorem z drzwi domu wychodzi sierżant. Kieruje się na środek rozstaju dróg, gdzie wśród ruin stoi fortepian pokryty ceglanym pyłem, ale cudownie zachowany. Nasi żołnierze patrzą na sierżanta ze zdumieniem i niepokojem. W każdej chwili wszystko może się skończyć… Patrzą z oszołomieniem z drugiej strony.

Sierżant podchodzi do fortepianu, podnosi wieko i zaczyna grać. Ani jeden strzał nie przerywa ciszy. To wszystko wydaje się być jakąś niewiarygodną magią, jakimś cudem. Jak z długiego spokojnego życia do żołnierzy poleciał dźwięk „Walca” Fryderyka Chopina. Wszyscy słuchają jak zaczarowani. Maszyny milczały.

Okazuje się, że siła muzyki jest większa niż siła wojny. Ale czym jest ta siła? Jest wspaniałym symbolem pokoju i życia. To jest jej siła. Niech to będzie przez jakiś czas, ale Piękna muzyka przerwał walkę. Tak więc Fiodor Michajłowicz Dostojewski miał rację, kiedy powiedział, że piękno uratuje świat.

Sztuka wzbogaca świat duchowy człowieka i tym samym podnosi go na wyższy poziom. D. Lichaczow powiedział o: „Oświeca i jednocześnie uświęca życie człowieka. To czyni go milszym, a zatem szczęśliwszym”.

Nawet w najbardziej beznadziejnych czasach dzięki sztuce wraca do człowieka nadzieja. Taki jest cel i moc sztuki.

Waleria Gumowskaja©

MELIK-PASZAJEW A.A., doktor psychologii, główny pracownik naukowy Instytutu Psychologicznego Rosyjskiej Akademii Pedagogicznej, Redaktor Naczelny magazyn „Art in School”, Moskwa, Rosja.

O prewencyjnej wartości twórczości artystycznej

Autorka uważa twórczość za warunek i przejaw zdrowia psychicznego i duchowego człowieka oraz za normę w aksjologicznym znaczeniu tego słowa, czyli za zupełność urzeczywistnienia się realnie istniejących możliwości człowieka. Dar twórczości jako taki jest ogólną właściwością człowieka. W związku z tym twórcza deprywacja jest sprzeczna z naturą ludzką i dlatego obfituje w dzieci. niebezpieczne konsekwencje plan psychologiczny, psychosomatyczny i socjalny. Stawiana jest teza o potrzebie profilaktyki artystycznej w postaci powszechnej, ogólnodostępnej, kreatywnie ukierunkowanej edukacji artystycznej.

Słowa kluczowe: twórczość, twórczość artystyczna, norma statystyczna i wartościowa, wewnętrzna aktywność duszy, profilaktyka artystyczna.

Powszechnie uważa się, że twórczość wiąże się z pewnymi odchyleniami od normy psychicznej. Jednak autor artykułu uważa twórczość właśnie za normę, za warunek zdrowia psychicznego, a nawet psychicznego jednostki i za jego przejaw. Ale nie chodzi tu o normę statystyczną, według której coś jest normalne, jeśli się z tym spotyka dość często w danych warunkach, ale normą aksjologiczną, która oznacza „najlepsze z tego, co można osiągnąć”, całkowitą aktualizację realnie istniejących zdolności człowieka. W artykule stwierdza się, że szeroko rozumiany dar twórczy, rozumiany jako „wewnętrzny aktywność duszy” (V.V. Zenkovsky), nie jest elitarną, lecz ogólną cechą człowieka. Taka interpretacja twórczości opiera się na różnych źródłach: od antropologii biblijnej po psychologię humanistyczną oraz praktykę terapeutyczną i pedagogiczną. ta wewnętrzna energia, twórcza deprywacja, która jest szeroko rozpowszechniona zwłaszcza w tradycyjnej edukacji szkolnej, jest sprzeczna z samą naturą człowieka i przez to może powodować niebezpieczne konsekwencje dla zdrowia psychicznego i psychosomatycznego dzieci (depresja, depersonalizacja, poczucie bezsensu życia) oraz spychanie ich w tzw. „strefy ryzyka” (narkomania, alkoholizm, przestępczość nieletnich, skłonności samobójcze).

Wskazuje się, że optymalnym sposobem zapoznania się wczesnych dzieci z doświadczeniem twórczym, z generowaniem i realizacją własnych pomysłów, jest twórcza produkcja w takiej czy innej formie sztuki.

Autor przedstawia dane, które dowodzą, że właściwy udział w twórczości artystycznej zapewnia skuteczną ochronę przed wieloma dewiacjami psychicznymi i społecznymi złem. Stwierdza się, że obok arteterapii, z której korzystają osoby już potrzebujące pomocy terapeutycznej, należy rozwijać profilaktykę artystyczną jako powszechną, ogólnodostępną, kreacyjną edukację artystyczną.

Słowa kluczowe: twórczość, twórczość artystyczna, norma statystyczna i aksjologiczna, wewnętrzna aktywność duszy, profilaktyka artystyczna

Wiele lat temu w jednym z przemówień słynnego pediatry F. Bazarnego zabrzmiała chwytliwa formuła: „człowiek jest albo kreatywny, albo chory”. Można to postrzegać jako paradoks: w końcu wielu uważa kreatywność za sprawiedliwą w odwrotny sposób jako pewnego rodzaju odstępstwo od normy psychicznej. Nie będę teraz kwestionował ani omawiał przyczyn utrzymywania się tego uprzedzenia, ale postaram się, zgodnie z tematem artykułu, uzasadnić rozumienie twórczości w ogóle, a twórczości artystycznej w szczególności jako warunku i przejawu zdrowia w psychologicznym, a nawet duchowym sensie tego słowa.

Ale najpierw musimy się zgodzić - oczywiście nie co do tego, „czym jest kreatywność” (to byłoby przesadne twierdzenie!), Ale co do tego, jak nazwiemy to słowo w kontekście dalszego rozumowania. W końcu pod kreatywnością różni autorzy oznaczają różne rzeczy: od obejścia spełniania tabu pragnień po stworzenie czegoś nowego, czego wcześniej nie było. Drugi punkt widzenia jest najczęstszy i na pierwszy rzut oka nie budzi zastrzeżeń. Ale po bliższym zbadaniu psycholog z trudem uznaje to za całkowicie zadowalające.

Aby uniknąć dewaluacji tego terminu, sami zwolennicy takiego rozumienia twórczości muszą zastrzec, że twórczość nie jest wytworem jakiejś „nowej”, a jedynie takiej, która ma obiektywne znaczenie kulturowe i społeczne. Zastrzeżenie jest niewątpliwie konieczne, ale równie oczywiste jest, że kryteria tej obiektywnej ważności są nieokreślone i zmienne.

Nieuchronnie pojawia się kolejne pytanie: wprowadzenie do życia czegoś nowego, a ponadto „obiektywnie znaczącego”, może być zarówno konstruktywne, jak i destrukcyjne. Czy aureola wartościowa związana z pojęciem „twórczości” pozwala nam ignorować tę różnicę i nazywać twórczość jakimkolwiek przejawem ludzkiej aktywności? A może powinniśmy mówić o kreatywności ze znakiem plus i minus, o kreatywności i „antykreatywności”?

Zastanawiało się nad tym wielu myślicieli i naukowców. Dlatego Paweł Florenski uznał za niesatysfakcjonujące zdefiniowanie kultury jako „ stworzone przez człowieka”, ponieważ w rzeczywistości zrównuje wielkie dzieło ludzkiego geniuszu i, na przykład, klucz główny złodzieja: jedno i drugie trzeba uznać za fakt kulturowy.

Dotykając tego problemu, psycholog V.N. Druzhinin proponuje rozróżnienie między adaptacyjną a transformacyjną działalnością człowieka; podczas gdy drugie może być zarówno twórcze, czyli twórcze, jak i dezadaptacyjne, destrukcyjne, które nie tworzy nowego środowiska, ale niszczy istniejące. Ale praktycznie niemożliwe jest rozdzielenie tych dwóch aspektów manifestacji ludzkiej działalności: w każdym stworzeniu nowego można dostrzec aspekt dobrowolnego lub mimowolnego niszczenia starego. Z mojego punktu widzenia omawiana kwestia jest zasadniczo nierozwiązywalna w ramach rozumienia twórczości jako „tworzenia czegoś nowego”. (Wyznaję z góry: kwestia sama w sobie nie znika nawet przy zrozumieniu twórczości, co postaram się poniżej uzasadnić).

Dalej. Jeśli nie każde „tworzenie nowego” można nazwać twórczością, to nie każda twórczość jest tworzeniem obiektywnie nowego. To nie przypadek, że w psychologii pedagogicznej powstały takie pojęcia, jak twórczość subiektywna, czy – w innym kontekście naukowym – quasi-badawcza aktywność studenta. Potrzebne były one do oznaczenia tego, co nie jest stworzeniem lub odkryciem czegoś nowego dla ludzkości, ale jest takim subiektywnie, dla samego dziecka. Najjaśniejszy przykład w historii nauki: nastolatek Blaise Pascal samodzielnie odkrył na nowo szereg aksjomatów starożytnego geometra Euklidesa. Dokonawszy tego, nie powiedział niczego, czego ludzkość nie wiedziała, ale odkrył to, czego on sam nie wiedział, a co najważniejsze, odkrył w sobie źródło twórczego geniuszu.

Podsumowując: kryterium obiektywnej nowości produktu nie jest kryterium psychologicznym. Jest to uzasadnione z punktu widzenia historii sztuki, nauki lub innej dziedziny działalność kulturalna. Psycholog natomiast powinien rozważyć przede wszystkim wewnętrzną stronę aktu twórczego, to, co dzieje się w duszy ludzkiej i wyraża się w formach i skutkach tej lub innej działalności.

W żadnym wypadku nie można powiedzieć, że naukowcy nie próbują wniknąć w tę wewnętrzną sferę procesu twórczego. Istnieje wiele badań, w których empirycznie, na podstawie korelacji z osiągnięciami osoby w jakiejkolwiek działalności, indywidualnej cechy psychiczne cecha osoby kreatywnej. Takich jak na przykład „androgynia”, „tolerancja niepewności”, przywiązanie do niestandardowych rozwiązań, niezależność ocen i osądów (nonkonformizm) itp.

Interesujące są empiryczne uogólnienia dotyczące etapów procesu twórczego (od postawienia problemu do weryfikacji rozwiązania uzyskanego w wyniku wglądu), roli świadomości i nieświadomości w tych różne etapy itp.

Uznając wagę takich badań, przywołuję jednocześnie głęboką myśl wyrażoną przez kogoś, że są dwa rodzaje wiedzy: można wiedzieć „o czymś” i można wiedzieć „coś”. Wiedza pierwszego rodzaju jest zaskakująco obszerna i użyteczna w taki czy inny sposób, ale pozostaje zewnętrzna iw tym sensie powierzchowna; istotę tego, co poznawalne (czy to będzie osoba, zjawisko natury, wydarzenie historyczne, fakt kultury) pozostaje dla poznającego rodzajem „rzeczy samej w sobie”, której istnienia może nie podejrzewać.

A poznawać coś znaczy poznawać od wewnątrz, przez komunię, odkrywając coś zarówno w przedmiocie poznania, jak iw sobie.

Z tego punktu widzenia wszystko, co zostało powiedziane powyżej, należy przypisać wiedzy pierwszego typu. Są to swego rodzaju etykiety, identyfikujące przejawy talentu twórczego lub procesu twórczego, kojarzone z nimi raczej korelacyjnie niż znaczeniowo. Wyglądają całkiem wiarygodnie, należy je brać pod uwagę, ale wydaje mi się, że nie pomagają zrozumieć siły, która generuje twórczość i jej egzystencjalnego znaczenia dla samego człowieka.

Aby spróbować spojrzeć na problem twórczości od wewnątrz, należy przede wszystkim ustalić, jak rozumiemy istotę człowieka. Rzeczywiście, u podstaw każdej koncepcji psychologicznej, bez względu na to, jak racjonalnie może wyglądać, można znaleźć aksjomat, logicznie nie do udowodnienia i eksperymentalnie, ale domniemany pomysł na to, czym, a raczej kim jest Człowiek. Lub, jak mawiali w przeszłości, „kim jesteśmy, skąd pochodzimy i Gdzie idziemy? Reprezentacja ta z góry określa wektor, możliwości i granice możliwości tego kierunku badań. Może nie zostać zrealizowany przez samego autora, naśladując coś oczywistego i jedynego możliwego, lub można na nim polegać świadomie i odpowiedzialnie.

Wyjdziemy z faktu, że człowiek jest z natury stwórcą. Jak powiedziano, pierwotny aksjomat nie podlega dowodom, ale różne źródła świadczą o jego prawdziwości.

• Antropologia biblijna i patrystyczna: człowiek jest nie tylko stworzony, ale ożywiony duchem stwórczym i na tym właśnie polega jego podobieństwo do Stwórcy.
• Psychologia humanistyczna, która w samorealizacji, czyli w pełnym ujawnieniu potencjału człowieka, widzi zadanie osoby i gwarancję zdrowia jednostki i społeczeństwa.
• Nowoczesna psychoterapia (w szczególności różne gałęzie arteterapii) i jej kierunek jako twórcza terapia autoekspresji: twórczość w różnych postaciach daje siłę do życia i przywraca zdrowie.
• Najlepsza Praktyka Nauczania różne rodzaje plastyka (być może i nie tylko plastyka): w sprzyjających warunkach psychologicznych i pedagogicznych prawie wszyscy uczniowie szkoły ogólnokształcące przejdź do poziomu kreatywności:
  - Tworzenie pełnoprawnych obrazów artystycznych. W pedagogice rosyjskiej przykładem jest nauczanie sztuk pięknych według systemu B.M. Niemensky, literatura
  - wg Z.N. Novlyanskaya i G.N. Kudina, wiele praktyk teatralnych, pedagogicznych itp. (Powyższe nie oznacza równości dzieci w ten szacunek, ale to inne pytanie).

Ogólne psychologiczne uzasadnienie tezy o twórczej naturze człowieka znajduję w fundamentalnym dziele wybitnego naukowca, a później także nauczyciela, teologa i duchownego V.V. Zenkowskiego, wydaną ponad sto lat temu. W pracy tej Autor pokazuje, że wbrew pozorom życie wewnętrzne osoba nie podlega logice przyczynowej; jest kierowany nie przez pewne obiektywne, niezależne czynniki, na które człowiek reaguje i do których się przystosowuje, ale przez wrodzoną mu wewnętrzną aktywność, czyli wewnętrzną energię duszy, która działa teleologicznie, selektywnie przekształcając materiał wszelkich obiektywnych wpływów i wrażeń .

Ta wewnętrzna energia charakteryzuje osobę jako twórczą istotę, która, jak mówi wielki kaznodzieja naszych czasów, metropolita Antoni Suroż, potrzebuje „żyć od wewnątrz”, a nie tylko reagować na zewnętrzne wpływy.

Podkreślam: nie mówimy o jednostkach prominentni ludzie, ale o osobie jako takiej, w ogólnym tego słowa znaczeniu. Innymi słowy, kreatywność, twórcza samorealizacja jest normą istota ludzka. Wydaje się, że temu stwierdzeniu beznadziejnie przeciwstawiają się dane z badań testowych, które zbiorczo ograniczają liczbę „ kreatywni ludzie» znikomy odsetek całej próby. Nie będę teraz omawiał zasadności metod ani kryteriów oceny wyników tych badań. Bardziej fundamentalne jest pytanie, co jest uważane za normalne.

Zwykle normę rozumie się statystycznie, gdy mówiąc najprościej, za normalne uważa się to, co dość często występuje w rzeczywistych warunkach. Wychodzę jednak z fundamentalnie innego, opartego na wartościach rozumienia normy, w której za normalność uznaje się najwyższą możliwą pełnię możliwości człowieka. (Pozwolę sobie przypomnieć, w związku z tym, co zostało powiedziane powyżej, powyższe dane o dokonaniach twórczych „zwykłych” dzieci w odpowiednich warunkach psychologiczno-pedagogicznych.)

Pojmowanie twórczej samorealizacji jako normy życia człowieka ostro stawia pytanie o to, co dzieje się z nami, a zwłaszcza z dziećmi, kiedy manifestacja energia wewnętrzna dusze, jak to często bywa w tradycyjnych środowiskach szkolnych. Wspomniany na początku artykułu V. Bazarny mówi, że bez twórczej inspiracji dzieci znajdują się w szponach przytłaczających, niemal nie do zniesienia doświadczeń pustki, bezsensu życia i nieznośnej plastyczności czasu. Rozwój tej sytuacji jest możliwy w dwóch kierunkach, jeden gorszy od drugiego. Pierwszą można porównać do śmierci kiełków trawy toczonych pod asfaltem i nie mających siły go rozbić. Konsekwencją tego jest brak sensu życia, poczucie nierzeczywistości siebie w świecie, depersonalizacja, depresja, tendencje samobójcze.

Obraz drugiego kierunku to wrzący, szczelny czajnik, który w pewnym momencie eksploduje. Konsekwencje – zachowania dewiacyjne, przestępcze, autodestrukcyjne, tzw. zbrodnie nieumotywowane, „kompleks Herostratusa”, który nie znajduje innego sposobu na udowodnienie, że żył na ziemi, jak zniszczyć to, co stworzyli inni. Biorąc to wszystko pod uwagę, można zmodyfikować podany na początku artykułu aforyzm W. Bazarnego i powiedzieć: osoba pozbawiona kreatywności jest albo potencjalnym pacjentem, albo potencjalnym przestępcą.

Mówiąc o twórczości jako formie koniecznej i uzdrawiającej ludzka egzystencja Mam na myśli oczywiście nie tylko twórczość artystyczną. Jak zostało powiedziane wielki filozof ALE. Łosskiego potencjał twórczy tkwiący w człowieku ma początkowo „superjakość”, czyli charakter uniwersalny. To nie przypadek, że wspomniana przez nas metoda kreatywnej autoekspresji została opracowana i z powodzeniem praktykowana przez M.E. Stormy'ego i jego zwolenników rozciąga się na prawie wszystkie sfery naszej aktywności, komunikacji i wypoczynku, w każdej z których możliwa jest aktualizacja „wewnętrznej energii duszy”.

Ale w dzieciństwie sztuka ma niezaprzeczalny priorytet, jako dziedzina, w której dziecko może wcześnie iz największym powodzeniem zdobywać doświadczenie twórczości jako takiej: generowanie, ucieleśnianie i prezentowanie własnych pomysłów. Na czym opiera się to twierdzenie?

Mówiliśmy już, że w sprzyjających warunkach nauki potencjał artystyczny i twórczy w mniejszym lub większym stopniu ujawnia się u prawie wszystkich dzieci. Dodajmy do tego, że w żadnej innej dziedzinie dziecko w wieku przedszkolnym i wczesnoszkolnym nie tworzy czegoś, co byłoby uznane za wartościowe, a nawet nie próbowało być częściowo zaadaptowane przez elitę zawodową, jak dzieje się to w sztuce od ponad stu lat. lata. I nie chodzi o to, że dzieci są postrzegane jako przyszli profesjonaliści, którzy wniosą coś wartościowego do kultury artystycznej ludzkości – tak po prostu może nie być – ale o to, że to, co tworzą, ma już niewątpliwą, choć naznaczoną wiekiem oryginalność, wartość artystyczną.

Ta osobliwość wiąże się z innym argumentem przemawiającym za prymatem sztuki w starożytności twórczy rozwój dzieci. Osiągnięcia małych (ale wciąż bliższych adolescencja) dzieci w dowolnej dziedzinie naukowej pociąga fakt, że wyprzedzają swój wiek i myślą w zasadzie tak samo jak dorośli naukowcy. Nie ma „nauki dla dzieci” i sztuka dziecięca istnieje, a osoba mająca choćby niewielkie doświadczenie pedagogiczne z wystarczającą dokładnością określi wiek autora rysunku lub eseju. (Przekonujący przykład: wszyscy powiedzą, że autor genialnego czterowierszu dla dzieci „Niech zawsze świeci słońce!” ma około czterech lat.)

To połączenie pełnoprawnego kunsztu i wiekowej oryginalności mówi z mojego punktu widzenia o maksymalnej „przyjazności dla środowiska” tego typu twórczości dla małych dzieci.

Powyższe pozwala stwierdzić, że wczesna inicjacja w doświadczenia artystyczne i twórcze jest niemal niezbędnym warunkiem i najlepszym środkiem wychowania psychologicznie, moralnie i społecznie pomyślnych pokoleń. I jest na to wiele potwierdzeń.

Arteterapia jako rozgałęziona dziedzina korekcji zaburzeń psychicznych jest zbyt dobrze znana, aby po raz kolejny potwierdzić jej znaczenie. Ale warto wspomnieć o faktach, które wykraczają poza zwykłe wyobrażenia o jego możliwościach.

Wszyscy zgodzą się, że śpiew chóralny jest rzeczą pożyteczną zarówno z fizycznego, jak i psychicznego, psychologicznego punktu widzenia. Ale są na przykład dowody na to, że w jednej z chińskich kolonii komisarz policji zaczął leczyć uzależnienie od narkotyków regularnym śpiewem chóralnym. I uzyskał wynik 10-krotnie wyższy niż ten, który osiągnął w specjalnych zakładach przy pomocy środków farmakologicznych i specjalnych psychotechnik, iw rzeczywistości zbliżał się do stu procent. Oczywiście wymaga to weryfikacji w innych warunkach, ale położę nacisk na słowo wymaga.

A oto dowody ze sfery kryminalnej. Wybitny nauczyciel V.V. Suchomlinsky napisał: „Im poważniejsza zbrodnia, tym więcej nieludzkości, okrucieństwa, głupoty, tym uboższe są intelektualne, estetyczne, moralne interesy rodziny”. I dalej: „Żaden z tych, którzy popełnili zbrodnię, nie mógł wymienić ani jednego dzieła muzyki symfonicznej, operowej czy kameralnej”. Ale tutaj również odgaduje się odwrotną zależność, co potwierdzają dane naukowe. W naszych czasach amerykański naukowiec M. Gardiner badał doświadczenia życiowe tysięcy młodych ludzi zarejestrowanych na policji. I przekonał się, że im aktywniej nastolatek zajmuje się muzyką, tym mniej ma tarć z prawem, a spośród tych, którzy potrafią grać z kartki, nikt nie zwrócił na siebie uwagi policji. Autor konkluduje, że lekcje poważnej muzyki u dziecka „całkowicie wykluczają doświadczenie kryminalne”

Inicjatywa wenezuelskiego muzyka i osoba publiczna HA. Abreu, który angażuje dzieci od drugiego roku życia na lekcje muzyki – nie w poszukiwaniu maniaków, ale w celu społecznej adaptacji milionów dzieci z najbardziej upośledzonych grup społecznych i nazywa ten ruch programem zbawienia narodowego.

Można podać przykłady równie dobroczynnego wpływu teatru i innych rodzajów twórczości artystycznej, ale to, co zostało powiedziane, wystarczy, by w ramach podsumowania powrócić do myśli wyrażonej w tytule artykułu.

Kiedy dziecko osiągnęło wyczerpanie nerwowe, straciło sen, popadło w depresję lub nie daj Boże myśli samobójcze, czyli gdy jest już chore, zwracamy się do arteterapii i przyciągamy na pomoc siły sztuki i twórczości artystycznej. Ale czy warto czekać na kłopoty? Dlaczego nie zaangażować się w arttrofilaksję, która wymaga tylko tego, co, wydawałoby się, powinno już istnieć w szkole: uniwersalnej, ogólnodostępnej, pełnoprawnej, kreatywnie zorientowanej edukacji artystycznej?

Co więcej, jak widzimy, może nie tylko ostrzegać problemy psychologiczne o różnym nasileniu, ale także po to, by uchronić dorastające dziecko przed wpadnięciem w te kręgi autodestrukcyjnego i przestępczego piekła, które słusznie nazywamy „strefami ryzyka”. Bo nie działa bezowocnymi i okrutnymi zakazami, ograniczeniami i karami (pamiętajcie o zalutowanym czajniku!), ale od dzieciństwa otwiera pozytywne, społecznie akceptowane wyjście z zamkniętej „wewnętrznej energii duszy” dorastającego człowieka.

Bo pozwala poczuć się jak autor, który jest naprawdę obecny na tym świecie, który ma prawo go twórczo zmieniać, ale też ponosi autorską odpowiedzialność za to, co swobodnie, z własnej inicjatywy tworzy. Wszystko to ma sens życie codzienne człowieka i czyni w sposób oczywisty nieciekawym i nieatrakcyjnym wszystko, co może go tylko zniszczyć.

Można powiedzieć znacznie więcej, a wielokrotnie mówiono o nieodzownej roli edukacji artystycznej i twórczości w kształtowaniu osobowości dziecka, a co za tym idzie, w życiu społeczeństwa. Jest to rozwój tak istotnej dla dzieci sfery sensorycznej, która pozostaje nieodzyskana w warunkach jednostronnie zracjonalizowanej edukacji. Jest to rozwój duchowej responsywności i zaznajomienie się z trwałymi wartościami ludzkości, bez których wszelka wiedza i „kompetencje” mogą być łatwo obrócone na szkodę. Jest to wzrost ogólnych zdolności umysłowych, aktywności intelektualnej i bardziej pomyślny rozwój innych dyscyplin szkolnych, który obserwuje się w każdej placówce oświatowej, w której sztuka ma należne jej miejsce. Jednak wieloletnie doświadczenie pokazuje, że z trudnych do wyjaśnienia przyczyn te dość znane fakty nie prowadzą do zmiany polityki kulturalno-oświatowej państwa, które z uporem spycha sztukę na margines edukacji ogólnej, a właściwie bardziej a więcej sprowadza to do zera.

Ale edukacja artystyczna daje też możliwości, których nie można zmarnować i to na nie zwracam uwagę. Wprowadzenie do sztuki jest potężnym środkiem zapobiegania wielu katastrofom społecznym i zaburzeniom psychicznym, których narastanie wśród nowych pokoleń stanowi ogromne zagrożenie dla kultury narodowej, aw dającej się przewidzieć przyszłości dla samego istnienia społeczeństwa, narodu i państwa.

Lista wykorzystanych źródeł:

1. Florenski PA Z dziedzictwa teologicznego. / Prace teologiczne. Wydanie 9. M.: Wydanie Patriarchatu Moskiewskiego, 1972. s. 85-248.
2. Druzhinin VN Psychodiagnostyka ogólnych zdolności. M.: Akademia, 1996, 216 S.
3. Maslow A. Dalekie granice ludzkiej psychiki. Petersburg: Eurazja, 1997.
4. Praktyczny przewodnik po kreatywnej terapii ekspresyjnej. wyd. JA. Burzliwy. M.: Projekt naukowy OPPP, 2002.
5. Zenkowski V.V. Problem przyczynowości umysłowej. Kijów, 1914.
6. Slobodchikov V.V. Teoria i diagnostyka rozwoju w antropologii psychologicznej. // Psychologia uczenia się, 2014, nr 1, s. 3-14.
7. Bazarny V.F. Zmęczenie neuropsychiczne uczniów w tradycyjnym środowisku szkolnym. - Siergijew Posad.: Min. arr. RF, 1995.
8. Bazarny V.F. Wywiad. " sowiecka Rosja", 23.10.2004.
9. Suchomliński V.V. Wybrane prace pedagogiczne. Tom 1. 1979.
10. Kirnarskaja D.K. Zdolność muzyczna. - M.: Talenty-XX wiek, 2004

TRANSLITERACJA ZASOBÓW:

1. Florenskij P.A. Z bogoslovskogo naslediya. / Bogoslovskie trudyi. Vip.9. iVf: Izdanie Moskovskoy patriarhii, 1972. str. 85-248.
2. Drużynin V.N. Psychodiagnostika obschih sposobnostey. Moskwa: Akademiya, 1996, 216 S.
3. Maslou A. Dalnie predelyi chelovecheskoy psihiki. SPb.: Evraziya, 1997.
4. Prakticheskoe rukovodstvo po terapii tvorcheskim samcrvyirazheniem. Pod czerwonym. JA. Burno. M.: Akademiczeskij projekt OPPP, 2002.
5. Zenkowski V.V. Problema psihicheskoy prichinnosti. Kijów, 1914.
6. Slobodckikov V.V. Teoriya i diagnostika razvitiya v psihologicheskoy antropologii. // Psychologia obucheniya, 2014, #1, s. 3-14.
7. Bazarnyj V.F. Nervno-psihicheskoe utomlenie uchaschihsya v traditsionnoy shkolnoy srede. - Siergijew Posad.: Min.obr.RF", 1995.
8. Bazarnyj V.F. Wywiad. „Sowieckaja Rossija”, 23.10.2004.
9. Suhomlinskiy V.V. Izbrannyie pedagogicheskie sochineniya. Tom 1.1979.
10. Kirnarskaja D.K. Muzyikalnyie sposobnosti. - M.; Talantyi-HH Vek, 2004.

Melik-Paszajew, A.A. O prewencyjnym znaczeniu twórczości artystycznej / A.A. Melik-Pashaev // Numer tematyczny „Międzynarodowa lektura psychologiczno-pedagogiczna Chelpanivska”, - K .: Gnosis, 2016. - 354 s. - T. 3. - VIP. 36. - S. 20-28. - 0,8 pl – ISBN 978-966-2760-34-7.