Rola muzyka zespołowa w realizacji zasad rozwojowej nauki gry na wiolonczeli.
Celem szkolenia w szkoły muzyczne i szkół artystycznych to w większości kształcenie muzyków-amatorów, którzy posiadają odpowiednie umiejętności twórczość muzyczna. Do takich umiejętności należą: samodzielna analiza utworu muzycznego, jego nauka, biegłość w posługiwaniu się instrumentem, umiejętność poprawnego czytania tekst muzyczny, umiejętność odróżniania melodii od akompaniamentu, umiejętność odczytywania jednocześnie kilku warstw informacyjnych tekstu: muzycznej, rytmicznej, dynamicznej i innych.
Gra w zespole to rodzaj wspólnego muzykowania, które można rozpocząć na każdym poziomie zaawansowania instrumentalnego.
Oczywiste jest, że problemy z nauką i twórczy rozwójściśle powiązane. Proces kreatywności, atmosfera poszukiwań i odkrywania na każdej lekcji sprawia, że dzieci chcą działać samodzielnie, dzieje się to szczerze i naturalnie. „Zapalić”, „zarazić” dziecko chęcią opanowania języka muzyki – główne z początkowych zadań nauczyciela.
Zespół to zbiorowa forma gry, podczas której kilku muzyków wspólnie ujawnia się za pomocą środków wykonawczych treści artystyczne Pracuje. Występowanie w zespole daje nie tylko możliwość wspólnego grania, ale ważne jest tu coś jeszcze – wspólne czucie i tworzenie. Praca w zespole jest oczywiście obarczona pewnymi trudnościami: nie jest łatwo nauczyć się czuć się częścią całości.
Granie w zespole niesie ze sobą wiele cennych rzeczy cechy zawodowe- dyscyplinuje w stosunku do rytmu, daje poczucie właściwego tempa, przyczynia się do rozwoju słuchu melodycznego, polifonicznego, harmonicznego, rozwija pewność siebie, pomaga osiągnąć stabilność w wykonaniu. Słabsi uczniowie zaczynają doganiać silniejszych, od dłuższej komunikacji ze sobą każdy staje się lepszy jako osoba, ponieważ wychowuje się takie cechy, jak wzajemne zrozumienie, wzajemny szacunek, poczucie kolektywizmu. Tak więc wiolonczelista, który nigdy nie grał w zespole, wiele traci, bo Korzyści płynące z tego typu aktywności są oczywiste. Takie działania pomagają dobre czytanie z arkusza, pomoc w utrwaleniu podstawowych umiejętności wydobycia dźwięku, rozwija słuch.
Tworzenie muzyki zespołowej ma ogromne możliwości rozwojowe. Na przykład gra w zespole najlepiej dyscyplinuje rytm, poprawia umiejętność czytania z kartki, rozwija umiejętności techniczne ucznia, a także sprawia mu ogromną przyjemność i radość, w przeciwieństwie do występów solowych. Muzykowanie zespołowe uczy słuchania partnera, uczy muzycznego myślenia: to sztuka prowadzenia dialogu z partnerem, tj. rozumieć się nawzajem, być w stanie dawać wskazówki na czas i ustępować z czasem. Jeśli tę sztukę, która daje niezrównaną radość ze wspólnej twórczości, pojmie dziecko w procesie nauki, to można śmiało powiedzieć, że z powodzeniem opanuje specyfikę gry na wiolonczeli.
Współpraca nauczyciela z uczniem pedagogika muzyczna rozumiana jako twórczość. Wspólne muzykowanie zespołowe jest idealnym środkiem do nawiązania wzajemnego kontaktu twórczego między nauczycielem a uczniem. Od samego początku nauki gry na instrumencie pojawia się wiele zadań: lądowanie, ustawianie rąk, metody wydobywania dźwięku, nuty, liczenie, pauzy, klawisze itp. Ale wśród mnóstwa zadań do rozwiązania ważne jest, aby nie przegapić głównego - w tym kluczowym okresie nie tylko zachować miłość do muzyki, ale także rozwinąć zainteresowanie lekcje muzyki.
Okres donacji jest ściśle związany z muzykowaniem zespołowym w duecie: nauczyciel - uczeń. Dzieci są zainteresowane, słyszą znajomą lub przyjemną melodię, chcą ją szybciej opanować, szybko opanowują zapis nutowy. Tekst poetycki pomaga zrozumieć najprostsze elementy formy muzycznej, a także nabyte umiejętności artykulacji - detal, legato, staccato.
Zespołowe muzykowanie umożliwia już od pierwszych kroków nauki włączenie uczniów w aktywność środowisko muzyczne. Dostają możliwość etap początkowy nauka wykonywania małych utworów zespołowych na wiolonczelę przed rówieśnikami.
Jeden z najważniejszych warunków udana praca to umiejętność krytycyzmu wobec siebie i swoich towarzyszy. Od dawna zauważono, że pochwały, nawet jeśli nie do końca zasłużone, pobudzają aktywność większości ludzi. Dziecko musi w siebie uwierzyć. Podstawowa zasada zespołu: „Jeden za wszystkich, wszyscy za jednego”.
Wśród elementów, które łączą uczniów w jeden zespół, rytm metra zajmuje prawie główne miejsce. Rzeczywiście, co pomaga zespołom (a może ich być dwóch lub więcej) grać razem, aby sprawiać wrażenie, że gra jedna osoba. To jest poczucie rytmu metra. Zasadniczo pełni funkcje dyrygenta w zespole, uczucie każdego uczestnika mocne bity jest ten „ukryty dyrygent”. Z jednej strony wyczucie mocnych i słabych uderzeń taktu, z drugiej rytmicznej pewności „w takcie”. To jest podstawa, na której opiera się sztuka gry zespołowej. Jeśli przy niedokładności w wykonaniu pozostałych elementów zmniejsza się tylko ogólny wynik artystyczny, to w przypadku naruszenia rytmu metra zespół się rozpada. Ale nie tylko to jest znaczenie metrorytmu. Potrafi wpływać strona techniczna wykonanie. Rytmiczna pewność sprawia, że gra jest bardziej pewna, bardziej niezawodna technicznie. W zespole oczywiście mogą być wykonawcy, u których poczucie rytmu nie jest jednakowo rozwinięte. Konieczne jest, aby zespół miał wykonawców stabilnych rytmicznie. Wtedy pozostali członkowie zespołu zaczną wychodzić rytmicznie do silniejszych uczniów.
Ogólnie rzecz biorąc, gra w zespole pozwala z powodzeniem pracować nad rozwojem poczucia rytmu. Rytm jest jednym z głównych elementów muzyki. Kształtowanie poczucia rytmu jest najważniejszym zadaniem nauczyciela. Rytm w muzyce jest nie tylko kategorią mierzącą czas, ale także emocjonalną i ekspresywną, w przenośni poetycką, artystyczną i semantyczną.
Bawiąc się razem z nauczycielem, uczeń znajduje się w pewnych metrowo-rytmicznych ramach. Konieczność „trzymania” rytmu utrudnia przyswajanie różnych figur rytmicznych. Nie jest tajemnicą, że czasami uczniowie wykonują utwory ze znacznymi odchyleniami tempa, co może zniekształcić prawdziwy charakter oryginalnej części. Gra zespołowa nie tylko daje nauczycielowi możliwość dyktowania prawidłowego tempa, ale także kształtuje prawidłowe postrzeganie tempa u ucznia. Konieczne jest znalezienie najdokładniejszego rytmu, aby osiągnąć dokładność i przejrzystość wzoru rytmicznego. Definicja tempa zależy od wspólnie wybranej pojedynczej jednostki rytmicznej (wzory ogólny ruch). Ta formuła ma podczas gry w zespole bardzo ważne, dlatego podporządkowuje całość całości i przyczynia się do tworzenia jednolitego tempa wśród partnerów.
Grając w zespole, trzeba być oszczędnym w wydatkach środki dynamiczne mądrze nimi zarządzać. Musimy wyjść z tego, że bez względu na to, jak bogaty jest zespół w instrumenty o jasnej barwie, jedną z jego głównych rezerw, które nadają dźwiękowi elastyczność i wyrafinowanie, jest dynamika. Różne elementy tekstura muzyczna powinien brzmieć na różnych poziomach dynamiki. Nic z tego nie będzie, jeśli wszystko jest równa siła. Mając takie wyczucie dynamiki, członek zespołu będzie trafnie określał siłę brzmienia swojej partii w stosunku do innych. W przypadku, gdy wykonawca, w którego partii brzmi główny głos, zagrał trochę głośniej lub trochę ciszej, jego partner natychmiast zareaguje i odegra swoją rolę również trochę głośniej lub ciszej. Ważne jest, aby miara tych „trochę” była dokładna.
Określanie tempa utworu - ważny punkt w sztukach performatywnych. Prawidłowo dobrane tempo przyczynia się do prawidłowego oddania charakteru muzyki, niewłaściwe tempo w mniejszym lub większym stopniu zniekształca ten charakter. Chociaż istnieją autorskie wskazania tempa, aż do określenia tempa przez metronom, tempo jest „osadzone” w samej muzyce. Nawet Rimski-Korsakow przekonywał, że „muzyk nie potrzebuje metronomu, słyszy tempo z muzyki”. To nie przypadek, że Bach z reguły w swoich kompozycjach w ogóle nie wskazywał tempa. W obrębie jednego utworu tempo może się zmieniać. „Nie ma takiego wolnego tempa, przy którym nie byłoby miejsc wymagających przyspieszenia… i vice versa. W muzyce nie ma odpowiednich terminów, aby to zdefiniować, te oznaczenia muszą być ułożone w duszy ”(V. Tolba).
Synchroniczność brzmienia zespołu należy rozumieć jako dokładność zbieżności czasowej mocnych i słabych partii każdego taktu, najwyższą dokładność w wykonaniu najmniejszych czasów trwania przez wszystkich członków zespołu. Rozważając problem zsynchronizowanego wykonania, należy zwrócić uwagę na trzy kwestie: jak rozpocząć utwór razem, jak go razem zagrać i jak zakończyć utwór razem. Zespół musi mieć wykonawcę, który pełni funkcje dyrygenta, musi on czasami pokazywać wstępy, przeprowadzki, zwolnienia. Sygnałem wejścia jest niewielkie skinienie głową, na które składają się dwa momenty: ledwo zauważalny ruch w górę (auftact), a następnie wyraźny, dość ostry (jednorazowo) ruch w dół. Ten ostatni służy jako sygnał do przyłączenia się. Na próbie można policzyć pusty beat, mogą paść słowa: „Uwaga, szykujcie się, zaczęliśmy”, po słowie „zaczęliśmy” powinna nastąpić naturalna pauza (jak oddech). Wiele zależy od natury muzyki w osiąganiu synchroniczności w brzmieniu zespołu.
Występowanie unisono wymaga absolutnej jedności - w rytmie metrycznym, dynamice, uderzeniach, frazowaniu. Z tego punktu widzenia unisono jest jak najbardziej skomplikowany kształt ensemble. Dowodem absolutnej jedności podczas gry unisono jest poczucie, że grając razem z innymi uczniami, Twoja partia nie jest słyszana jako samodzielna. Tymczasem w unisono kształtują się mocne umiejętności zespołu, poza tym unisono jest ciekawe wizualnie i scenicznie.
Gra zespołowa jest formą aktywności, która otwiera najkorzystniejsze możliwości wszechstronnego i szerokiego poznania literatura muzyczna. Przed muzykiem są dzieła różnych style artystyczne, autorzy, różne aranżacje oper i muzyka symfoniczna. Nagromadzenie zasobu jasnych, licznych reprezentacji dźwiękowych pobudza wyobraźnię artystyczną. Gra w zespole przyczynia się do intensywnego rozwoju wszystkich typów muzyczne ucho(wysokość, harmoniczna, barwa-dynamika).
Baw się dobrze z nauczycielem. Ale oczywiście dzieci uczą się większej uważności, koncentracji uwagi, odpowiedzialności, umiejętności słuchania siebie i innych, kiedy bawią się ze sobą w zespole (czyli uczeń-uczeń). Partnerzy są wybierani, jeśli to możliwe, dzieci w tym samym wieku i na tym samym poziomie wyszkolenia. W tej sytuacji powstaje coś w rodzaju cichej rywalizacji, która jest zachętą do dokładniejszej i uważniejszej gry. Od samego początku należy uczyć dzieci, aby jeden z graczy nie przestawał grać, gdy drugi się zatrzyma. To nauczy drugiego wykonawcę, jak szybko nawigować i ponownie wchodzić do gry. Przede wszystkim w zespołach studenckich uczymy synchroniczności wykonania. Synchroniczność brzmienia zespołowego rozumiana jest jako zbieżność z najwyższą dokładnością najmniejszych czasów trwania (dźwięków lub pauz) dla wszystkich wykonawców. Rezultatem jest synchronizacja istotne cechy zespół - wspólne rozumienie i wyczuwanie tempa i tętna rytmicznego przez partnerów. Synchroniczność jest jednym z wymagania techniczne wspólna gra. Jednoczesne wejście wszystkich odbywa się zazwyczaj niedostrzegalnym gestem jednego z członków zespołu. Tym gestem warto doradzić wykonawcom, aby w tym samym czasie wzięli oddech. Równoczesność końca jest nie mniej ważna. Synchronizacja wprowadzania i wycofywania dźwięku jest znacznie łatwiejsza, jeśli partnerzy poprawnie wyczują tempo jeszcze przed rozpoczęciem gry. Muzyka zaczyna się już w auftacie iw krótkich chwilach go poprzedzających, kiedy uczniowie wysiłkiem woli skupiają swoją uwagę na wykonaniu zadania plastycznego.
Zatem,
1. Muzykowanie zespołowe przyczynia się do intensywnego rozwoju wszystkich rodzajów słuchu muzycznego (wysokości, harmoniczne, polifoniczne, barwowo-dynamiczne).
2. Gra w zespole pozwala z powodzeniem pracować nad rozwojem czucia rytmicznego. Pomaga położyć elementarne podstawy rytmu, a także opanować bardziej złożone kategorie metrorytmiczne.
3. Zespołowe muzykowanie przyczynia się do rozwoju pamięci.
4. Intensywnie rozwija się praca nad zespołem wiolonczelowym kreatywne myslenie studentów i tworzenie uogólnionych koncepcje muzyczne.
5. Zabawa zespołowa pozytywnie wpływa na rozwój umiejętności gry.
6. Można włączyć grę zespołową Różne rodzaje aktywność studentów w klasie wiolonczeli (improwizacja, czytanie a vista, selekcja ze słuchu).
7. Muzyka zespołowa jest formą współpracy ucznia z nauczycielem. Pozwala na wiek i indywidualne cechy studenci. Działa jako działalność zbiorowa.
Kiedy uczeń po raz pierwszy odczuwa satysfakcję ze wspólnej pracy, odczuwa radość ze wspólnego impulsu, wzajemnego wsparcia – możemy przyjąć, że zajęcia w klasie dały fundamentalnie ważny wynik. Uczeń odczuwał oryginalność i zainteresowanie wspólnym wykonaniem.
Zabawa w zespole rozwija u dziecka poczucie kolektywizmu. Indywidualne kreatywne odtwarzanie każdej pojedynczej części jest łączone w jedną całość, możliwość ciągłego słuchania się nawzajem, łączenia dźwięku swojej części z inną. Możliwość połączenia sił w celu osiągnięcia wspólny cel, a także atmosfera zajęć grupowych stwarzają sprzyjające warunki do rozwoju umiejętności.
Tak więc rola gry zespołowej w nauce gry na wiolonczeli jest bardzo ważna. Uczy wszystkiego: rytmu, świadomego podejścia do biznesu, odpowiedzialności, szybkiego opanowania zapisu nutowego i zrozumienia struktury form muzycznych. Poza tym dzieci bardzo to lubią, sprawia im to ogromną przyjemność.
Lista źródeł
1. Gottlieb A. Podstawy techniki zespołowej. - Leningrad: Mir, 1986.
2. Rizol N. Eseje o pracy w zespole. - M.: Muzyka, 1986.
3. Grigoryan A. Szkoła gry na wiolonczeli.- M.: Muzyka, 1999.
4. Timakin EM Edukacja pianisty. - Kazań: Edukacja, 1967.
5. Sapozhnikov R. Metody nauczania gry na wiolonczeli. - M.: Muzyka, 1995.
6. Cypin G.M. Nauka gry na pianinie - Kijów: Ukraina, 1987.
Irina Onkina
Gra zespołowa jako jeden ze sposobów wszechstronnego rozwoju dziecka
Gra zespołowa, W jaki sposób jeden ze sposobów na rozwój dziecka.
Twórczość zbiorowa we wszystkich jej przejawach zawsze zajmowała szczególne miejsce w życiu i sztuce kultura muzyczna wszystkich narodów i był z nim związany tradycyjny sposóbżycie. wspólny gra na instrumenty muzyczne nie zawsze była działalnością z zakresu sztuki, początkowo towarzyszyła człowiekowi w jego codziennych czynnościach. I tylko z czasem, w sumie zespoły, muzyka stopniowo nabyła stosunkowo niezależne znaczenie, a zespoły otrzymywały coraz bardziej przejrzystą strukturę i organizację.
Możliwości pedagogiczne ensemble instrumenty ludowe w musicalu rozwój przedszkolaka: - jest to rodzaj wspólnego muzykowania, który był praktykowany zawsze, przy każdej okazji i na każdym poziomie zaawansowania instrumentalnego i jest nadal praktykowany. Jaka jest korzyść muzyka zespołowa?
Gra zespołowa jest to forma aktywności, która otwiera ogromne możliwości wszechstronnego i szerokiego poznania muzyki. Gra zespołowa- to ciągła i szybka zmiana wrażeń, to ogromny rozrzut różnorodny informacje o muzyce. Oprócz Zespołowe muzykowanie przyczynia się do rozwoju słuchu muzycznego, poczucie rytmu, pamięć, zdolności motoryczne. Rytm jest jednym z głównych elementów muzyki. Kształtowanie poczucia rytmu jest najważniejszym zadaniem pedagogiki muzycznej. Zabawa z nauczycielem, uczeń znajduje się w ramach metrorytmicznych. Gra zespołowa nie tylko umożliwia dyktowanie właściwego tempa, ale także kształtuje u ucznia prawidłowe czucie tempa.
Dokładnie tak gra w zespole nabywane są umiejętności komunikacyjne, czyli komunikowanie się na żywo z innymi uczestnikami ensemble(rówieśnicy, rodzice, muzyczne ręce). grając w zespole, dziecko jest wyzwolone, a następnie ujawnia się jego kunszt, czuje wsparcie innych uczestników ensemble a jednocześnie czuć się integralną częścią ensemble. tj. zespół to świetny sposób na samorealizację dziecka. Gra w zespole, dzieci uczą się słuchać parteru, rozumieć się nawzajem, próbować przekazywać muzyczne sygnały w czasie lub ustępować w czasie. Podczas gry w zespół się rozwija myślenie muzyczne ponieważ uczestnik ensemble jednocześnie słucha muzyki, analizuje ją i odtwarza dźwięki w czasie zgodnie z tempem, charakterem i odcieniami dynamicznymi utworu.
Ensemble granie muzyki to nie tylko jedna z najlepszych form współpracy nauczyciela z uczniem, ale także doskonała forma interakcji rodziców z dziećmi. Jeszcze raz podkreślając dostępność występów na szumiących instrumentach muzycznych, na każdej z imprez, które możesz dyskretnie zorganizować zespół rodziców. Każdy rodzic wymyśli i odbierze lub naśladuje grę na instrumentach muzycznych, patrząc na dzieci lub dyrektor muzyczny. A dzieci przeżyją prawdziwą radość z faktu, że ich rodzice, jak się okazuje, też wiedzą, jak to zrobić bawić się, a ta nie udawana radość ze wspólnego muzykowania pomoże rodzicom oderwać się od zajęć i cieszyć się wspólną kreatywnością. Ta forma działalności przyczynia się do zdolności do pracy, wzmacnia osobistą inicjatywę, pomaga zmobilizować zespół, co jest bardzo ważne dla wdrożenia kreatywne zadania instytucje i wzmacnianie wartości rodzinnych.
Zadanie dnia dzisiejszego placówki przedszkolne- ujawnienie osobistego potencjału każdego dziecko, aktywizacja inicjatywy i kreatywności dzieci. Konieczne jest stworzenie atmosfery, w której sam uczeń jest włączony proces twórczy. A dokładnie ensemble daje nam pedagogika ogromna szansa oraz sposoby do realizacji tych zadań. Ponieważ zespoły Instrumenty ludowe mają szczególnie bogate różnorodność repertuaru, unikalne techniki barwne i dźwiękowe.
Nie jest tajemnicą, że ludzie, którzy otrzymali nawet minimum edukacja muzyczna, w produkcji manifestują się jako więcej wykonalny, towarzyscy, artystyczni i błyskotliwi specjaliści. Ponadto chcę zauważyć, że umiejętności gry ensemble niezbędny nie tylko tym dzieciom, które później chcą związać swoje życie i pracę zawodową z muzyką. Umiejętności te są niezbędne dla Życie codzienne. Od umiejętności ensemble występ odnieść się: umiejętność pracy w zespole, towarzyskość, szybkość reakcji, umiejętność znajdowania kreatywność do niestandardowej sytuacji, być uważnym, skupionym i oddanym.
Dlatego trening ensemble gra jest bardzo ważną częścią ogólne wykształcenie w GBDOU.
Powiązane publikacje:
„Zabawa dydaktyczna jako środek rozwoju sensorycznego dziecka” « Gra dydaktyczna jako środek rozwoju sensorycznego dziecka” przedszkole- w celu zapewnienia jak najpełniejszego rozwoju uczniów z.
Podczas pracy z dziećmi wiek przedszkolny, a zwłaszcza młodszego wieku przedszkolnego, można zauważyć pewne trudności, jakie się w nich pojawiają.
Wykorzystanie TIK jako jednego ze sposobów interakcji między nauczycielem a rodzicami. 1 SLAJD Rozwój nowoczesne społeczeństwo nierozerwalnie związany z postęp naukowy i technologiczny. Technologia informacyjna i komunikacyjna mocno.
Konsultacje dla pedagogów „Klocki Lego sposobem na wszechstronny rozwój dzieci w wieku przedszkolnym” „Lego – budowa – sposobem na wszechstronny rozwój dzieci w wieku przedszkolnym” Każde dziecko jest wyjątkowe i każde się rodzi.
Konsultacje „Zabawa dydaktyczna jako środek rozwoju umysłowego dziecka” [Gra jest główną formą poznawania rzeczywistości przez dziecko. Mały człowiek ucieleśnia w nim wszystkie ciekawe rzeczy, które spotyka w życiu.
Konsultacje dla nauczycieli „Klocki Lego sposobem na wszechstronny rozwój dzieci w wieku przedszkolnym” „Lego – design – jako środek wszechstronnego rozwoju dzieci w wieku przedszkolnym” (SLAJD 1) Lego – design – najważniejsze.
Raport metodyczny
„Główne kierunki pracy z zespołem”
Troszyna Wiera Timofiejewna,
nauczyciel gry na gitarze w Dziecięcej Szkole Artystycznej
Rtiszczewo, obwód saratowski
Zespół to grupa wykonawców, którzy występują razem. Sztuka wykonawstwa zespołowego opiera się na zdolności wykonawcy do zrównoważenia swojej indywidualności artystycznej, stylu wykonawczego z indywidualnością wykonania partnera. Zespół jest zbiorową formą gry, podczas której kilku muzyków, poprzez środki wykonawcze, wspólnie ujawnia artystyczną treść utworu. Występowanie w zespole daje nie tylko możliwość wspólnego grania, ale ważne jest tu coś jeszcze – wspólne czucie i tworzenie. Praca w zespole jest niewątpliwie obarczona pewnymi trudnościami: nie tak łatwo nauczyć się czuć się częścią całości. Jednocześnie gra w zespole wykształca u wykonawcy szereg cennych cech zawodowych - dyscyplinuje rytm, daje poczucie właściwego tempa, przyczynia się do rozwoju słuchu melodycznego, polifonicznego, harmonicznego, rozwija pewność siebie i pomaga osiągnąć stabilność działania. Wiadomo więc, że gdy uczeń gra niepewnie w grze solowej, jąka się, grał w zespole, to już zaczyna grać pewniej. Słabsi uczniowie zaczynają doganiać silniejszych, od dłuższej komunikacji ze sobą każdy staje się lepszy jako osoba, jako osoba, ponieważ wychowuje się takie cechy, jak wzajemne zrozumienie, wzajemny szacunek, poczucie kolektywizmu. Z powyższego można wnioskować, że instrumentalista, który nigdy nie grał w zespole, wiele sobie pozbawia, bo korzyści z takiego zajęcia są oczywiste. Jednym z najważniejszych warunków udanej pracy jest umiejętność krytycznego podejścia do siebie i swoich towarzyszy. Wiadomo, że słowo „samokrytyka” łatwiej powiedzieć niż przekuć w czyn. Ale trzeba nie tylko ćwiczyć, ale także nie skąpić pochwał, umieć rozweselić, zainspirować. Od dawna zauważono, że pochwały, nawet jeśli nie do końca zasłużone, pobudzają aktywność większości ludzi. Dziecko musi w siebie uwierzyć. Podstawowa zasada zespołu brzmi: „Jeden za wszystkich, wszyscy za jednego”, „Sukces lub porażka jednego jest sukcesem lub porażką wszystkich”.
Rytm jako czynnik jedności zespołu
Wśród elementów, które łączą uczniów w jeden zespół, rytm metra zajmuje prawie główne miejsce. Rzeczywiście, co pomaga zespołom (a może ich być dwóch lub więcej) grać razem, aby sprawiać wrażenie, że gra jedna osoba. To uczucie metra. Pełni w istocie funkcje dyrygenta w zespole, każdy uczestnik mocnych uderzeń odczuwa to jako „ukrytego dyrygenta”, którego „gest” przyczynia się do zjednoczenia muzyków zespołu, a co za tym idzie, ich działań w jedną całość. Wyczucie mocnych i słabych uderzeń taktu z jednej strony i rytmiczna pewność „wewnątrz taktu” z drugiej są fundamentem, na którym opiera się sztuka gry zespołowej. Jedność, synchroniczność jego brzmienia to pierwsza z wielu ważne warunki. Jeśli przy niedokładności w wykonaniu pozostałych elementów zmniejsza się tylko ogólny wynik artystyczny, to w przypadku naruszenia rytmu metra zespół się rozpada. Ale nie tylko to jest znaczenie metrorytmu. Potrafi wpływać na techniczną stronę spektaklu. Rytmiczna pewność sprawia, że gra jest bardziej pewna, bardziej niezawodna technicznie. Poza tym uczeń grający nierytmicznie jest bardziej narażony na różnego rodzaju wypadki, a od wypadku, jak wiadomo, jest prosta droga do utraty równowagi psychicznej, do pojawienia się podniecenia. Jak zadbać o to, aby każdy z uczestników, wykonując swoją partię, wzmacniał podstawę rytmiczną całego zespołu? Konieczna jest systematyczna i wytrwała praca w tym kierunku. Oczywiście w zespole mogą być wykonawcy, którzy na różne sposoby rozwinęli poczucie rytmu. Musisz zacząć od kultywowania poczucia absolutnie precyzyjnego i „metronomowego” rytmu: stanie się on zasadą jednoczącą we wspólnym kolektywnym rytmie. Konieczne jest, aby zespół miał wykonawców stabilnych rytmicznie. Wtedy reszta zacznie docierać do tych, którzy są silniejsi rytmicznie.
Dynamika jako środek wyrazu
Grając w zespole, trzeba oszczędnie gospodarować zasobami dynamicznymi, mądrze nimi dysponować. Musimy wyjść z tego, że bez względu na to, jak bogaty jest zespół w instrumenty o jasnej barwie, jedną z jego głównych rezerw, które nadają dźwiękowi elastyczność i wyrafinowanie, jest dynamika. Różne elementy faktury muzycznej powinny brzmieć na różnych poziomach dynamiki. Jak w malarstwie, tak iw muzyce nic z tego nie wyjdzie, jeśli wszystko ma jednakową moc. W muzyce, podobnie jak w malarstwie, jest pierwszy plan i tło. Mając takie wyczucie dynamiki, muzyk zespołowy dokładnie określi siłę brzmienia swojej partii w stosunku do innych. W przypadku, gdy wykonawca, w którego partii brzmi główny głos, zagrał trochę głośniej lub trochę ciszej, jego partner natychmiast zareaguje i wykona swoją partię również trochę głośniej lub ciszej. Ważne jest, aby miara tych „trochę” była dokładna.
Jak praktycznie pracować nad dynamiką w zespole. Najpierw musisz nauczyć się grać w jednym lub drugim dynamiczny odcień absolutnie prosto. Na przykład możesz zaprosić wszystkich uczestników do zagrania jednej nuty lub skali na płaskim P (fortepian), a następnie na płaskim mf i tak powinieneś przejść przez wszystkie kroki dynamiczne. Oczywiście moc dźwięku nie jest pojęciem tak określonym, jak wysokość mf na gitarze nie jest równa mf na pianinie, f na bałałajce to nie to samo co f na akordeonie guzikowym. Wykonawca musi się kształcić rozwinięty słuch(mikrosłyszenie), uzupełniając dynamikę pojęciem mikrodynamiki, czyli zdolności rejestrowania najmniejszych odchyleń w kierunku zwiększania lub zmniejszania siły dźwięku.
Tempo jako środek wyrazu
Określenie tempa utworu jest ważnym momentem w sztukach performatywnych. Prawidłowo dobrane tempo przyczynia się do prawidłowego oddania charakteru muzyki, niewłaściwe tempo w mniejszym lub większym stopniu zniekształca ten charakter. Chociaż istnieją autorskie wskazania tempa, aż do określenia tempa przez metronom, tempo jest „osadzone” w samej muzyce. Nawet Rimski-Korsakow przekonywał, że „muzyk nie potrzebuje metronomu, słyszy tempo z muzyki”. To nie przypadek, że Bach z reguły w swoich kompozycjach w ogóle nie wskazywał tempa. W obrębie jednego utworu tempo może się zmieniać. „Nie ma takiego wolnego tempa, przy którym nie byłoby miejsc wymagających przyspieszenia… i vice versa. Aby to zdefiniować, w muzyce nie ma odpowiednich terminów, te oznaczenia muszą być ułożone w duszy ”(V. Tolba).
Techniki osiągania synchroniczności brzmienia zespołowego
Synchroniczność brzmienia zespołu należy rozumieć jako dokładność zbieżności czasowej mocnych i słabych partii każdego taktu, najwyższą dokładność w wykonaniu najmniejszych czasów trwania przez wszystkich członków zespołu. Rozważając problem zsynchronizowanego wykonania, należy zwrócić uwagę na trzy kwestie: jak rozpocząć utwór razem, jak go razem zagrać i jak zakończyć utwór razem. Zespół musi mieć wykonawcę, który pełni funkcje dyrygenta, musi on czasami pokazywać wstępy, przeprowadzki, zwolnienia. Sygnałem wejścia jest niewielkie skinienie głową, na które składają się dwa momenty: ledwo zauważalny ruch w górę (auftact), a następnie wyraźny, dość ostry (jednorazowo) ruch w dół. Ten ostatni służy jako sygnał do przyłączenia się. Kiwnięcie głową nie zawsze odbywa się w ten sam sposób, wszystko zależy od charakteru i tempa wykonywana praca. Kiedy utwór zaczyna się od uderzenia, sygnał jest w zasadzie taki sam, z tą różnicą, że jeśli w pierwszej wersji była pauza podczas podnoszenia głowy, to w tym przypadku jest ona wypełniona dźwiękiem uderzenia. Na próbie można policzyć pusty beat, mogą paść słowa: „Uwaga, szykujcie się, zaczęliśmy”, po słowie „zaczęliśmy” powinna nastąpić naturalna pauza (jak oddech). Wiele zależy od natury muzyki w osiąganiu synchroniczności w brzmieniu zespołu. Zauważono, że w zabawach o charakterze aktywnym, wolicjonalnym cecha ta osiągana jest szybciej niż w zabawach o spokojnym, kontemplacyjnym charakterze. To samo można powiedzieć o „początku”.
Nie trzeba chyba podkreślać, jak ważne jest wspólne dokończenie pracy w tym samym czasie:
a) ostatni akord - ma określony czas trwania - każdy z muzyków zespołu liczy "do siebie" udziały metryczne i usuwa akord dokładnie na czas.
b) akord – nad którym znajduje się fermata, której czas trwania należy określić. Wszystko to jest dopracowywane podczas próby. Punktem odniesienia dla usunięcia może być również ruch - skinienie głową.
Jeśli synchroniczność wykonawcy jest cechą niezbędną w każdym zespole, to tym bardziej jest potrzebna w takiej różnorodności jak unisono. Rzeczywiście partie unisono się nie uzupełniają, lecz powielają, jednak czasem w różnych oktawach, co nie zmienia istoty sprawy.
Dlatego niedociągnięcia zespołu w nim są jeszcze bardziej zauważalne. Występowanie unisono wymaga absolutnej jedności – metrorytmii, dynamiki, uderzeń, frazowania. Z tego punktu widzenia unisono jest najbardziej złożoną formą zespołu. Dowodem absolutnej jedności podczas gry unisono jest poczucie, że grając razem z innymi uczniami, Twoja partia nie jest słyszana jako samodzielna. Niestety, w praktyce edukacyjnej tej formie gry zespołowej poświęca się niewiele uwagi. Tymczasem w unisono kształtują się mocne umiejętności zespołu, poza tym unisono jest ciekawe wizualnie i scenicznie.
Kiedy uczeń po raz pierwszy czerpie satysfakcję ze wspólnej pracy, odczuwa radość ze wspólnego impulsu, wzajemnego wsparcia – możemy założyć, że zajęcia na sali przyniosły fundamentalnie ważny rezultat. Chociaż wykonanie to jest jeszcze dalekie od doskonałości, nie powinno to wprawiać nauczyciela w zakłopotanie, wszystko można wyprostować przy dalszej pracy. Cenne jest coś innego, przełamana została granica dzieląca solistę i zespołowca, uczeń poczuł oryginalność i zainteresowanie wspólnym wykonaniem.
Spis wykorzystanej literatury
1. N. Rizol. Eseje o pracy w zespole. - 1986. - Moskwa.
2. A. Gotlib. Pierwsze lekcje zespołu.
3. P. Agafonin. szkolna zabawa trwa gitara sześciostrunowa. - Moskwa. - 1983.
Rozwój metodologiczny na temat: Rola muzyki zespołowej w rozwój muzyczny i edukacji uczniowie szkół muzycznych
To opracowanie przyda się nauczycielom dziecięcych szkół muzycznych, dziecięcych szkół artystycznych. Ponadto materiał zainteresuje studentów kolegiów pedagogicznych i wyższych instytucje edukacyjne zainteresowanych metodologią edukacja muzyczna dzieci.
Cel: ujawniając zrozumienie, że rola kolektywnego instrumentalnego muzykowania w proces edukacyjny Szkoła muzyczna dla dzieci ma największe znaczenie w procesie edukacyjnym, zarówno od strony twórczej, jak i edukacyjnej.
Zadanie: rozwijanie zainteresowania grą w zespole.
W ostatnie czasy wzrost zainteresowania grą zespołową. Zespół to nie tylko umiejętność „wspólnego grania”. O wiele ważniejsze jest tu coś innego – wspólne odczuwanie i tworzenie, na równi z wczuwaniem się w ideę i intencję utworu muzycznego.
Możliwe i konieczne jest rozpoczęcie rozwijania umiejętności gry zespołowej wczesny etap uczenie się. Gra w zespole rozwija słuch dziecka, poszerza muzyczne horyzonty, a także rozbudza zainteresowanie lekcjami muzyki. Podczas gry w zespole uczeń aktywnie zapoznaje się z nowymi utworami, szybko i sprawnie się ich uczy, uzupełniając tym samym swój repertuar i opanowując różne style muzyczne. Gra w zespole, budząca ducha rywalizacji, pozytywnie wpływa na rozwój kreatywność i umiejętności techniczne uczniów. Ważne jest również to, że silniejszy partner jest w stanie wpłynąć na rozwój muzyczny i techniczny mniej zaawansowanego partnera.
Wyruszać nauka zespołowa lepiej z duetem "nauczyciel - uczeń". Młody wykonawca, czując wsparcie nauczyciela, chętnie włącza się w proces wspólnego muzykowania i jest świadomy swojej równorzędnej roli w zespole. Pedagog pełni w tej sytuacji rolę wrażliwego partnera i uważnego mentora, który stara się rozwijać w swoim podopiecznym najważniejsze umiejętności gry zespołowej. Wspólne muzykowanie pomaga przezwyciężyć różne stresy psychiczne – zaciski, które pojawiają się u dziecka podczas solowego występu. Gra zespołowa pomaga uczniowi utrwalić umiejętności nabyte na lekcjach w specjalności, rozwija dobre poczucie rytmu, słuch harmoniczny oraz przyczynia się do rozwoju środków muzyczna ekspresja. Zróżnicowany repertuar zespołowy wzbogaca twórcze myślenie i gust muzyczny młody muzyk.
Wspólne występy zespołowe ucznia z nauczycielem pozwalają dziecku już na wczesnym etapie nauki poczuć się jak artysta, pozostają w pamięci na długo, stymulują dalsze lekcje gry na instrumencie, a w rodzicach wzbudzają szacunek i zaufanie do mentora.
Dzieci lubią bawić się w zespole z nauczycielem, ale więcej uważności, koncentracji, odpowiedzialności, umiejętności słuchania siebie i innych dzieci uczą się, bawiąc się ze sobą w zespole, czyli w zespole uczeń-uczeń. Wybierane są dzieci w tym samym wieku, równe szkolenie muzyczne i opanowania instrumentu. Na początku członkowie zespołu uczą się słuchać melodii, drugiego głosu i akompaniamentu. Musisz nauczyć się słuchać nie tylko tego, co sam grasz, ale jednocześnie tego, co gra twój partner, czyli ogólnego brzmienia partii.
Świetny trening a wzajemne zrozumienie wymaga synchroniczności wykonania utworu muzycznego. Ważne jest, aby osiągnąć synchronizację nie tylko na początku utworu, ale także w trakcie grania utworu i na końcu.
Wśród elementów, które łączą uczniów w jeden zespół, jedno z głównych miejsc zajmuje metrorytm. Dlatego kształtowanie poczucia rytmu jest ważnym zadaniem pedagogiki muzycznej.
W procesie pracy z zespołem nie należy zapominać o dynamice wykonania. Umiejętne jej użycie pozwala ujawnić ogólny charakter muzyki, zawartość emocjonalną oraz cechy konstrukcji dzieła. Członkowie zespołu muszą dokładnie i jasno przedstawiać ogólny plan dynamiczny utworu. Konieczne jest określenie jego punktu kulminacyjnego, stopniowego zwiększania lub zmniejszania objętości. Tworzenie jednolitej dynamiki — wymagany warunek wspólna gra.
Od pierwszych taktów występ w zespole wymaga od uczestników stosowania tych samych technik wydobywania dźwięku, od których zależy cechy stylu wykonywana praca od zawartość muzyczna i charakter wykonywana muzyka.
Pierwsze kroki utwór muzyczny, nauczyciel musi dać główny pomysł o charakterze treści muzycznej. W tym celu należy odtworzyć cały utwór lub odsłuchać go w nagraniu. Następnie musisz porozmawiać o znaczeniu i funkcji każdej ze stron. Studentów należy również zapoznać z autorem, epoką, treścią, formą i stylem studiowanej pracy.
Ważny w praktyce edukacyjnej ma repertuar, a nauczyciele zawsze starali się go urozmaicać. Celem jest zwiększenie zainteresowania uczniów zespołowym graniem muzyki, wspólna twórczość. Jednym z rozwiązań tego problemu jest zaangażowanie się w repertuar zespołu dzieła współczesne. Mogą to być piosenki z filmów, piosenki wykonywane przez współczesnych zespoły muzyczne, pod warunkiem oczywiście, że dzieła te mają znany wartość artystyczna. Wykonywanie znanych i popularnych materiał muzyczny potrafi wzbudzić największe zainteresowanie członków zespołu.
Gra zespołowa to ciągła zmiana nowych percepcji, wrażeń, odkryć, intensywny napływ bogatych i różnorodnych informacji muzycznych.
