Jazz z Harlemu– określenie odnoszące się do muzyki wykonywanej przez zespoły i muzyków, których działalność związana była z okolicą Harlemu w Nowym Jorku, centrum rozwoju murzyńskiej sztuki jazzowej w drugiej połowie lat 20. i na początku lat 30. XX wieku. Tutaj powstał nowy sposób gry na fortepianie zwany „stride” – są to pianiści James P. Johnson, Fats Waller i inni.

pieśni ewangeliczne- monofoniczne duchowe hymny czarnych z Ameryki Północnej, które stały się powszechne w koniec XIXw i początku XX wieku w dużym przemyśle
ośrodki w USA Ich tematyka zapożyczona jest z Ewangelii, wykonywane są z towarzyszeniem fortepianu, organów, gitary lub bez akompaniamentu. „Królowa Ewangelii” – Mahelia Jackson.

„Brudne tony” (brudne tony)- termin ten oznacza specyficzny murzyński sposób wydobywania dźwięku, charakterystyczny dla jazzu, głównie na instrumentach dętych, wyrażony celowo nieczystą intonacją. Typowy dla murzyńskiego emocjonalnego stylu wykonania.

Dzban (dzban)- Prymitywny Murzyn instrument muzyczny, który rozpowszechnił się w tak zwanych „zespołach spazmowych”, gdzie pełnił funkcję instrumentu basowego.

Jazzowy rock (jazzowy rock)- styl współczesnego jazzu opracowany pod koniec lat 60. i reprezentujący syntezę elementów muzyki jazzowej i rockowej. Charakteryzuje się kolektywną improwizacją, stosowaniem skomplikowanych rytmów i powszechnym użyciem elektronarzędzi. Zespoły tego typu składały się z reguły z grupy rytmicznej wykorzystującej elementy rytmu
muzyki rockowej oraz melodyjnej grupy, która nadała kompozycjom jazzowego posmaku. W naszym kraju szeroko znany był zespół jazz-rockowy „Arsenal” pod kierownictwem Aleksieja Kozłowa (od 1973 r.).

jive (jive)- muzycy jazzowi często używają tego terminu zamiast pojęcia „swing”.

Skok- określenie określające charakter wykonania: grać w miarę szybko
tempo z ostrymi akcentami w akompaniamencie. Typowe dla wielu jazzów
sztuki grane przez big bandy w latach 30.

Jam session- niezobowiązujące twórcze spotkanie muzyków jazzowych w wąskim gronie kolegów i koleżanek, podczas którego improwizują na tematy znanych melodii dla własnej przyjemności, nie dążąc do celów komercyjnych, wymieniają się doświadczeniami i nowymi pomysłami, eksperymentują, demonstrują rozwój umiejętności wykonawczych i
pomysłowość. Na takich spotkaniach rodziły się koncepcje przyszłych kierunków jazzu, pojawiały się nowe zespoły.

Jitterbug (jitterbug) - Murzyn improwizowany szybki taniec z elementami akrobatyki, popularnej na przełomie lat 30. i 40. XX wieku.

Jubileusz (jubileusz)- forma wokalna muzyka religijna Murzynów z Ameryki Północnej
rozwinęła się w 2. poł. XIX w. z hymnów religijnych białych. Charakteryzuje się emocjonalnym śpiewem polifonicznym z akcentowanym rytmem.

Szafa grająca (szafa grająca)- szafę grającą, czyli odtwarzacz z kompletem płyt, który montowano w kawiarniach czy restauracjach. Pojawił się w modzie w latach 30. w USA, a później w Europie.

dixieland- nazwa zespołów jazzowych w stylu nowoorleańskim, które składały się z białych muzyków. To słowo pochodzi od zwykłego Amerykanina
folklorystyczne określenie Południa Stanów Zjednoczonych.

Prowadzić- określenie to oznacza energiczne wykonanie („z naciskiem”) przez muzyka lub orkiestrę dowolnego utworu jazzowego, osiągnięte przy użyciu
specyficzne rytmy metra, frazowanie itp.

Jazz ze wschodniego wybrzeża (jazz ze wschodniego wybrzeża)- kierunek we współczesnym jazzie, który rozwinął się w połowie lat pięćdziesiątych. i rozprzestrzenił się głównie wśród murzyńskich muzyków
Wschodnie wybrzeże Stanów Zjednoczonych, z centrum Nowego Jorku. Zawiera style
hard bop i soul jazz.

Calypso (calypso)- taniec wywodzący się z wyspy Trynidad (Indie Zachodnie). Rozmiar muzyczny - 4/4. W połowie lat pięćdziesiątych. zyskał popularność w Ameryce i Europie dzięki nagraniom na płycie dokonanym przez słynnego czarnoskórego piosenkarza i aktora filmowego Harry'ego Belafonte.

Kraj i western (kraj i western, C&W)- rodzaj muzyki ludowej białych mieszkańców południowo-zachodnich Stanów Zjednoczonych. Są to pieśni i tańce wiejskie (country) oraz folklorystyczne ballady kowbojskie z „Dzikiego Zachodu” (western). popularni artyści- Johnny Cash, Jimmy Rogers i
inni

Szybki krok (szybki krok)- Szybki taniec. Opracowany z fokstrota w połowie lat dwudziestych XX wieku. Rozmiar muzyczny - 4/4.

Cakewalk (sakewalk)- tańczyć w tempie szybkiego marszu. Ma ostry rytm synkopowany
do ragtime'u. Rozmiar muzyczny - 2/4. Powstał jako taniec ludowy Murzynów z Ameryki Północnej w drugiej połowie XIX wieku.

Kombinacja (kombinacja)- mały instrumentalny zespół jazzowy (do dziesięciu muzyków).
Termin powstał w latach 40. od słowa „kombinacja” (instrumentów).

Corus (refren) lub kwadrat jest improwizacją ten temat, upakowane w liczbę taktów tego tematu. Oznacza to, że „kwadrat” jest równy czasowi trwania tematu i jest oparty
na jej wykresie harmonicznym. Jest integralną częścią głównej formy improwizacji we współczesnej muzyce jazzowej.

Fajne fajne)- „cool” styl modern jazzu, który powstał na przełomie lat 40. i 50. XX wieku i rozpowszechnił się głównie wśród muzyków o kolejnym, wyższym poziomie intelektualnym. Aktywnie wykorzystano w nim elementy europejskiej techniki kompozytorskiej. charakterystyczna cecha fajny styl to spokojny sposób grania i
„zimna” metoda wydobycia dźwięku na instrumentach dętych, która wyklucza vibrato. Tutaj polifonia jest stosowana znacznie szerzej, w wyniku czego wzrosła rola aranżera.

Mambo (mambo)- taniec pochodzenia latynoamerykańskiego, rodzaj szybkiej rumby, format muzyczny 4/4. Powstał w latach czterdziestych XX wieku i zyskał popularność w Stanach Zjednoczonych i Europie w latach pięćdziesiątych.

Główny nurt (główny nurt)- prąd główny. Termin ten zaczął być używany w odniesieniu do okresu swingu, w którym wykonawcom udało się uniknąć utartych niegdyś w tym stylu klisz i kontynuować tradycje tonalnego jazzu murzyńskiego, wprowadzając do niego elementy improwizacji. Dotyczy to również powojennych wykonawców jazzowych, którzy pozostali wierni tym tradycjom i posługują się niektórymi środkami wyrazu charakterystycznymi dla jazzu nowoczesnego. Mainstream charakteryzuje się prostą, ale wyrazistą linią melodyczną, tradycyjną harmonią i wyraźnym rytmem z wyraźnym drivem.

Jazz modalny (jazz modalny), jest także modalny - kierunek we współczesnym jazzie, który rozwinął się na przełomie lat 50. .

Jazz nowoorleański (jazz nowoorleański)- historycznie pierwszy styl jazzu jaki powstał w Nowym Orleanie (patrz też "dixieland")

Poza rytmem (bez rytmu)- przesunięcie akcentu z mocne bity taktów (1. i 3.) do słabych (2. i 4.). Ta technika przyszła do jazzu z muzyki afrykańskiej i jest typowa głównie dla instrumentów melodycznych.

Progresywny- kierunek stylistyczny we współczesnym jazzie, który powstał w połowie lat 40. XX wieku. i charakteryzujący się eksperymentami z zakresu syntezy jazzu i europejskiej techniki kompozytorskiej, co znalazło odzwierciedlenie w twórczości niektórych big bandów (Stan Kenton, Boyd Rayburn).

Publikacje sekcji muzycznej

Jako pierwsi zagrali jazz

Muzyczny świat jazzu ukazany został przez spotkanie dwóch kultur – europejskiej i afrykańskiej. Na międzynarodowej fali na początku lat 20. XX wieku kierunek muzyczny wdarł się do Kraju Sowietów. Przypominamy wykonawców, którzy jako pierwsi grali jazz w ZSRR.

Valentin Parnakh z synem Aleksandrem. Zdjęcie: jazz.ru

Walentyna Parnacha. Zdjęcie: mkrf.ru

„Pierwsza w RFSRR ekscentryczna orkiestra zespołów jazzowych Valentina Parnacha” zadebiutowała na scenie w październiku 1922 roku. To nie była tylko premiera, ale premiera nowego kierunku muzycznego. Rewolucyjny dla ówczesnej muzyki zespół założył poeta, muzyk i choreograf, który przez sześć lat mieszkał w Europie. Parnach usłyszał jazz w paryskiej kawiarni w 1921 roku i był zszokowany tym nowatorskim kierunkiem muzycznym. Wrócił do związek Radziecki z zestawem instrumentów dla zespołu jazzowego. Trenowaliśmy tylko przez miesiąc.

W dniu premiery przyszły pisarz i scenarzysta Jewgienij Gabrilowicz, aktor i artysta Aleksander Kostomołecki, Mieczysław Kaprowycz i Siergiej Tizenhaizen zebrali się na scenie Centralnej Wyższej Szkoły Sztuk Teatralnych - obecnego GITIS. Gabrilovich siedział przy fortepianie: grał dobrze ze słuchu. Kostomołecki grał na perkusji, Kaprowycz grał na saksofonie, Tizengeizen grał na kontrabasie i bębnie nożnym. Mimo wszystko kontrabasiści wybijali rytm stopami - zdecydowali muzycy.

Na pierwszych koncertach Valentin Parnakh opowiedział publiczności o kierunku muzycznym oraz o tym, że jazz to połączenie tradycji różnych kontynentów i kultur w jedną „międzynarodową fuzję”. Praktyczna część wykładu spotkała się z entuzjastycznym przyjęciem. W tym Vsevolod Meyerhold, który nie wahał się zaproponować Parnakhowi skompletowania zespołu jazzowego na jego występ. Popularne fokstroty i shimmy pojawiły się w The Magnanimous Cuckold i D.E. Energetyczna muzyka przydała się nawet podczas manifestacji pierwszomajowej w 1923 roku. „Po raz pierwszy zespół jazzowy wziął udział w uroczystościach państwowych, co do tej pory na Zachodzie nie miało miejsca!” trąbiła sowiecka prasa.

Alexander Tsfasman: jazz jako zawód

Aleksander Tsfasman. Zdjęcie: orangesong.ru

Aleksander Tsfasman. Zdjęcie: muzperekrestok.ru

Twórczość Franciszka Liszta, Heinricha Neuhausa i Dymitra Szostakowicza harmonijnie współistniała z jazzowymi melodiami w twórczości Aleksandra Tsfasmana. Jeszcze jako student Konserwatorium Moskiewskiego, które później muzyk ukończył ze złotym medalem, stworzył pierwszy profesjonalny zespół jazzowy w Moskwie – AMA Jazz. Pierwszy występ orkiestry odbył się w 1927 roku w Klubie Artystycznym. Zespół od razu otrzymał zaproszenie z jednego z najmodniejszych wówczas miejsc – Ogrodu Ermitażu. W tym samym roku jazz po raz pierwszy pojawił się w sowieckim radiu. I wykonali go muzycy Tsfasman.

„Zmęczone słońce czule pożegnało się z morzem” zabrzmiało w 1937 roku z płyty nagranej przez zespół Aleksandra Tsfasmana już pod nazwą „Moscow Guys”.

Po raz pierwszy w Związku zabrzmiało znane tango polskiego kompozytora Jerzego Petersburskiego „Ostatnia niedziela” do słów poety Josepha Alveka w jazzowym opracowaniu. Solista Tsfasman Jazz Ensemble Paweł Michajłow jako pierwszy zaśpiewał o łagodnym pożegnaniu słońca i morza. OD lekka ręka hitem muzyków wszechczasów było kolejne nagranie z tej samej płyty - o nieudanej randce. „Więc jutro, w tym samym miejscu, o tej samej godzinie”, - cały kraj śpiewał po zespole jazzowym.

„Kto kiedykolwiek słuchał sztuki A. Tsfasmana, na zawsze zachowa w pamięci sztukę tego wirtuoza pianisty. Jego olśniewająca pianistyka, łącząca w sobie ekspresję i wdzięk, magicznie działała na słuchacza.

Aleksander Miedwiediew, muzykolog

Chociaż Alexander Tsfasman był zaangażowany w zespół jazzowy, nie opuścił programu solowego, działał jako pianista i kompozytor. Wraz z Dmitrijem Szostakowiczem Tsfasman pracował nad muzyką do epickiego filmu „Spotkanie nad Łabą”, a następnie na prośbę kompozytora wykonał swoją muzykę do filmu „Niezapomniany 1919”. Został także autorem muzyka jazzowa, co zabrzmiało w słynnej sztuce „Pod szelestem twoich rzęs” teatru lalek Siergieja Obrazcowa.

Leopolda Teplickiego. Klasyka jazzu

Leopolda Teplickiego. Zdjęcie: historia.kantele.ru

Leopold Teplitsky dyrygował orkiestrami symfonicznymi podczas pokazów filmów niemych w kinach Ermitaż i Lux w Petersburgu, będąc jeszcze studentem konserwatorium. W 1926 r. wysłano Komisariat Ludowy młody muzyk do Filadelfii, aby wystąpić Międzynarodowa wystawa. W Ameryce Teplitsky usłyszał jazz symfoniczny - muzykę tego kierunku wykonała orkiestra Paula Whitemana.

Kiedy Leopold Teplitsky wrócił do ZSRR, zorganizował „Pierwszy Koncert Jazz Band” złożony z profesjonalnych muzyków. Klasyka zabrzmiała w jazzowych aranżacjach - muzyka Giuseppe Verdiego, Charlesa Gounoda. Grał w zespole jazzowym oraz utwory współczesnych autorów amerykańskich - George'a Gershwina, Irvinga Berlina. Tak więc Leopold Teplitsky znalazł się w czołówce profesjonalnego leningradzkiego jazzu lat 30. Leonid Utyosov nazwał go „pierwszym z krajowych muzyków, który pokazał grę jazzową”.

Pierwszy występ jazzmanów odbył się w 1927 roku. Koncert poprzedził wykład „Jazz Band i Muzyka Przyszłości” muzykologa i kompozytora Iosifa Schillingera. Szczególne zainteresowanie Publiczność poruszyła także niezwykła jak na tamte lata muzyka, a solista – pop i wokalistka jazzowa z Meksyku Coretti Arle-Titz. Sukces zespołu nie trwał długo: w 1930 roku Leopold Teplitsky został aresztowany i skazany na podstawie artykułu „szpiegostwo”. Został zwolniony dwa lata później, ale Teplitsky nie został w Leningradzie - przeniósł się do Pietrozawodska.

Od 1933 roku muzyk pracował jako główny dyrygent Karelii Orkiestra symfoniczna, ale jazzu nie porzucił – grał z orkiestrą akademicką i programem jazzowym. Teplitsky wystąpił ze swoim nowym zespołem w Leningradzie w ramach Dekady Sztuki Karelskiej. W 1936 roku z udziałem muzyka pojawiła się nowa grupa Kantele, dla której Teplitsky napisał Preludium karelskie. Zespół został laureatem I Ogólnopolskiego Radiowego Festiwalu Sztuki Ludowej w 1936 roku. Leopold Teplitsky pozostał w Pietrozawodsku. Festiwal muzyki jazzowej „Stars and Us” jest poświęcony pamięci słynnego jazzmana.

Leonid Utesow. „Piosenka jazzowa”

Leonid Utesow. Zdjęcie: muzyka-fantasy.ru

Leonid Utesow. Zdjęcie: mp3stunes.com

Głośną premierą na przełomie lat 30. i 30. był Tea Jazz Leonida Utesova. Modny kierunek muzyczny lekką ręką sławnych artysta odmiany, który porzucił szkołę handlową dla muzyki, osiągnął skalę spektaklu teatralnego. Utyosow zainteresował się jazzem podczas trasy koncertowej do Paryża, gdzie Orkiestra Teda Lewisa zaimponowała radzieckiemu muzykowi „teatralizacją” w najlepszych tradycjach sali muzycznej.

Te wrażenia znalazły odzwierciedlenie w tworzeniu Tea Jazz. Utyosow zwrócił się do wirtuozowskiego trębacza, muzyka akademickiego Jakowa Skomorowskiego, który również wydawał się zainteresowany ideą orkiestry jazzowej. Gromadzenie muzyków z leningradzkich teatrów „Tea Jazz” w 1929 roku wystąpiło na scenie Leningradzkiej Małej Opery. Był to pierwszy skład zespołu, który nie działał długo i wkrótce przeniósł się do Leningradzkiego Radia w „Concert Jazz Orchestra”.

Utyosow zwerbował nową kompozycję „Tea Jazz” - muzycy wystawiali całe przedstawienia. Jeden z nich – „Sklep muzyczny” – później stał się podstawą słynny film, pierwszy radziecki komedia muzyczna. Malarstwo Grigorija Aleksandrowa Śmieszni chłopcy» z Lubowem Orłową w rola pierwszoplanowa został wydany w 1934 roku. Stała się popularna nie tylko w kraju, ale także za granicą. został zainspirowany muzyką jazzową w 1933 roku, kiedy usłyszał melodię „Dear Old South” Duke'a Ellingtona. Pod wrażeniem Lundstrem namalował aranżację, zebrał zespół i sam zasiadł do fortepianu. Dwa lata później muzyk podbił Szanghaj, w którym wówczas mieszkał. Tak zdecydowałem dalszy los: Za granicą Lundstrem studiował jednocześnie w Instytucie Politechnicznym i Wyższej Szkole Muzycznej. Jego orkiestra grała klasykę jazzu i muzykę sowieccy kompozytorzy w aranżacji jazzowej. Prasa nazwała Lundstrema „królem jazzu na Dalekim Wschodzie”.

W 1947 roku muzycy postanowili przenieść się do Związku Radzieckiego – w pełnym składzie, wraz z rodzinami. Wszyscy osiedlili się w Kazaniu, gdzie studiowali w Konserwatorium. Jednak rok później wydano uchwałę KC KPZR potępiającą „formalizm w muzyce”. Zespół wrócił do ojczyzny, aby stać się państwowym zespołem jazzowym Tatarskiej ASRR, ale muzycy zostali przydzieleni do orkiestr operowych i kinowych. Razem występowali tylko na rzadkich jednorazowych koncertach.

„Głębokie wnikanie w naturę wykonawstwa jazzowego, w jego klasyczne tradycje z jednej strony, a chęć współtworzenia tego gatunku, wykorzystując folklor narodowy, poprzez tworzenie i wykonywanie autorskich utworów i aranżacji jazzowych, z drugiej – to jest credo orkiestry”.

Olega Lundstrema

Dopiero odwilż przywróciła jazz na scenę. W roku swojego 60-lecia orkiestra Olega Lundstrema wpisana została do Księgi Rekordów Guinnessa jako najstarsza nieprzerwanie istniejąca orkiestra jazzowa na świecie. Muzyk miał też okazję spotkać się z autorem tego samego „Dear Old South”, kiedy Duke Ellington przyjechał do Moskwy w latach 70. Oleg Lundstrem trzymał płytę przez całe życie, co zaszczepiło w nim miłość do jazzu.

Jazz to gatunek muzyczny, który pojawił się na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Cechy charakteru jazz - improwizacja, polirytmia oparta na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonania faktury rytmicznej - swing.

Jazz to rodzaj muzyki, który powstał na bazie bluesa i spirytualności Afroamerykanów oraz afrykańskich rytmów ludowych, wzbogaconych o elementy europejskiej harmonii i melodii. Cechami charakterystycznymi jazzu są:
- ostry i elastyczny rytm oparty na zasadzie synkopy;
- szerokie zastosowanie instrumentów perkusyjnych;
- wysoko rozwinięty początek improwizacji;
-ekspresyjny sposób wykonania, charakteryzujący się dużą ekspresją, dynamiką i napięciem dźwiękowym, dochodzącym do ekstazy.

Pochodzenie nazwy jazz

Pochodzenie nazwy nie jest w pełni zrozumiałe. Jego współczesna pisownia – jazz – powstała w latach 20. XX wieku. Wcześniej znane były inne warianty: chas, jasm, gism, jas, jass, jaz. Istnieje wiele wersji pochodzenia słowa „jazz”, w tym następujące:
- z francuskiego jasera (rozmawiać, mówić łamańcem językowym);
- z angielskiego pościg (gonić, ścigać);
- z afrykańskiej jaiza (nazwa pewnego rodzaju brzmienia bębna);
- z arabskiego jazib (uwodziciel); od imion legendarnych muzyków jazzowych - chas (od Charles), jas (od Jasper);
- z onomatopei jass, która imituje dźwięk afrykańskich talerzy miedzianych itp.

Istnieją powody, by sądzić, że słowo „jazz” było używane już w połowie XIX wieku jako nazwa ekstatycznego, zachęcającego krzyku Murzynów. Według niektórych źródeł w latach 80. XIX wieku używali go kreolowie z Nowego Orleanu, którzy używali go w znaczeniu „przyspieszyć”, „przyspieszyć” – w odniesieniu do szybkiej muzyki synkopowanej.

Według M. Stearnsa w latach 1910-tych słowo to było powszechne w Chicago i miało „niezupełnie przyzwoite znaczenie”. W druku słowo jazz pojawia się po raz pierwszy w 1913 roku (w jednej z gazet w San Francisco). W 1915 roku wszedł on w nazwę orkiestry jazzowej T.Browna – TORN BROWN”S DIXIELAND JASS BAND, która występowała w Chicago, aw 1917 roku pojawiła się na płycie gramofonowej nagranej przez słynną nowoorleańską orkiestrę ORIGINAL DIXIELAND JAZZ (JASS) BAND.

style jazzowe

Archaiczny jazz (wczesny jazz, wczesny jazz, niemiecki archaischer jazz)
Jazz archaiczny – zbiór najstarszych, tradycyjne rodzaje jazz tworzony przez małe składy w procesie kolektywnej improwizacji na tematy bluesa, ragtime'u oraz pieśni i tańców europejskich.

Blues (blues, od angielskich niebieskich diabłów)
Blues to rodzaj murzyńskiej pieśni ludowej, której melodia opiera się na wyraźnym 12-taktowym schemacie.
Blues śpiewa o zawiedzionej miłości, o potrzebie, blues charakteryzuje się współczującym podejściem do samego siebie. Jednocześnie teksty bluesa nasycone są stoicyzmem, lekką kpiną i humorem.
W muzyce jazzowej blues rozwinął się jako instrumentalny utwór taneczny.

Boogie-woogie (boogie-woogie)
Boogie-woogie to bluesowy styl fortepianowy charakteryzujący się powtarzalną figurą basu, która określa rytmiczne i melodyczne możliwości improwizacji.

Ewangelia (z angielskiej Ewangelii - Ewangelii)
Ewangelie - melodie religijne Murzynów z Ameryki Północnej z tekstami opartymi na Nowym Testamencie.

Ragtime (Ragtime)
ragtime- muzyka fortepianowa, oparty na „uderzeniach” dwóch niedopasowanych linii rytmicznych:
- jakby zerwana (ostra synkopa) melodia;
-wyraźny akompaniament, utrzymany w stylu szybkiego kroku.

Dusza
Soul to murzyńska muzyka kojarzona z tradycją bluesową.
Soul - styl wokalny Czarna muzyka, która powstała po II wojnie światowej na gruncie tradycji muzyki rytmicznej i bluesowej oraz muzyki gospel.

Soul jazz (soul-jazz)
Soul jazz to rodzaj hard bopu, który charakteryzuje się nawiązaniem do tradycji bluesa i folkloru afroamerykańskiego.
Duchowy
Spiritual - archaiczny duchowy gatunek śpiewu chóralnego Murzynów z Ameryki Północnej; pieśni religijne z tekstami opartymi na Starym Testamencie.

Skraj ulicy (krzyk ulicy)
Krawędź ulicy - archaiczna gatunek ludowy; rodzaj miejskiej, solowej pieśni robotniczej ulicznych handlarzy, reprezentowanej przez wiele odmian.

Dixieland, dixie (dixieland, dixie)
Dixieland to zmodernizowany styl nowoorleański, charakteryzujący się kolektywną improwizacją.
Dixieland to jazzowa grupa (białych) muzyków, którzy przyjęli sposób wykonywania murzyńskiego jazzu.

Zong (z angielskiej piosenki - piosenka)
Zong - w teatrze B. Brechta - ballada wykonywana w formie przerywnika lub autorskiego (parodii) komentarza o charakterze groteskowym z plebejsko-włóczęgowym motywem bliskim jazzowej rytmice.

Improwizacja
Improwizacja - w muzyce - sztuka spontanicznego tworzenia lub interpretacji muzyki.

Kadencja (włoska kadencja, z łac. Cado - koniec)
Kadencja to swobodna improwizacja o charakterze wirtuozowskim, wykonywana w ramach koncertu instrumentalnego na solistę i orkiestrę. Czasami kadencje komponowali kompozytorzy, ale często pozostawiano to uznaniu wykonawcy.

Rozproszyć (rozpromienić)
Scat - w jazzie - rodzaj improwizacji wokalnej, w której głos utożsamiany jest z instrumentem.
Scat – śpiew instrumentalny – technika śpiewu sylabicznego (beztekstowego), oparta na artykulacji niepowiązanych znaczeniowo sylab lub kombinacji dźwiękowych.

Gorąco gorąco)
Hot - w jazzie - cecha muzyka wykonującego improwizację z maksymalną energią.

Jazzowy styl Nowego Orleanu
nowoorleański styl jazzu – muzyka charakteryzująca się wyraźnym rytmem dwutaktowym; obecność trzech niezależnych linii melodycznych, prowadzonych jednocześnie na kornecie (trąbce), puzonie i klarnecie, z towarzyszeniem grupy rytmicznej: fortepianu, banjo lub gitary, kontrabasu lub tuby.
W utworach nowoorleańskiego jazzu główny temat muzyczny powtarza się wielokrotnie w różnych wariacjach.

dźwięk (dźwięk)
Dźwięk to kategoria stylu jazzowego, która charakteryzuje indywidualną jakość brzmienia instrumentu lub głosu.
Dźwięk determinowany jest sposobem wydobycia dźwięku, rodzajem ataku dźwięku, sposobem intonacji i interpretacją barwy; dźwięk jest zindywidualizowaną formą manifestacji brzmienia idealnego w jazzie.

Huśtawka, huśtawka klasyczna (huśtawka; huśtawka klasyczna)
Swing - jazzowy, zaaranżowany na orkiestry wielobarwne i taneczne (big bandy).
Swing charakteryzuje się apelem trzech grup instrumentów dętych: saksofonów, trąbek i puzonów, tworząc efekt rytmicznego narastania. Wykonawcy swingu odrzucają kolektywną improwizację, muzycy towarzyszą improwizacji solisty z wcześniej napisanym akompaniamentem.
Swing osiągnął swój szczyt w latach 1938-1942.

Słodki
Słodki jest charakterystyczny dla rozrywkowej i tanecznej muzyki komercyjnej o charakterze sentymentalnym, melodyczno-lirycznym, a także pokrewnych form skomercjalizowanego jazzu i „ojazzowanej” muzyki popularnej.

jazz symfoniczny
Jazz symfoniczny to styl jazzowy, który łączy cechy muzyka symfoniczna z elementami jazzu.

Nowoczesny jazz (nowoczesny jazz)
Modern jazz to zbiór stylów i trendów jazzowych, które pojawiły się od końca lat 30. styl klasyczny i epoki swingu.

Jazz afro-kubański (niemiecki afrokubanischer jazz)
Afro-kubański jazz to styl jazzu, który rozwinął się pod koniec lat 40. XX wieku z połączenia elementów bebopu z kubańskimi rytmami.

Bebop, bop (bebop; bop)
Bebop to pierwszy styl nowoczesnego jazzu, który rozwinął się na początku lat trzydziestych XX wieku.
Bebop to kierunek murzyńskiego jazzu małych zespołów, który charakteryzuje się:
-swobodna improwizacja solowa, oparta na złożonej sekwencji akordów;
-wykorzystanie śpiewu instrumentalnego;
-modernizacja starego gorącego jazzu;
- spazmatyczna, niestabilna melodia z łamanymi sylabami i gorączkowo-nerwowym rytmem.

Kombinacja (kombinacja)
Kombo to mała orkiestra jazzu nowoczesnego, w której wszystkie instrumenty są solistami.

Fajny jazz (fajny jazz; fajny jazz)
Cool jazz - styl nowoczesnego jazzu, który pojawił się na początku lat 50., aktualizując i komplikując harmonie bopu;
W cool jazzie polifonia jest szeroko stosowana.

Progresywny (progresywny)
Progressive to kierunek stylistyczny w jazzie, który powstał na początku lat 40. XX wieku na bazie tradycji klasycznego swingu i bopu, związany z praktyką big bandów i dużych orkiestr typu symfonicznego. Szeroko wykorzystuje melodie i rytmy latynoamerykańskie.

Free jazz (wolny jazz)
Free Jazz to styl współczesnego jazzu kojarzony z radykalnymi eksperymentami w zakresie harmonii, formy, rytmu i technik improwizacji.
Free jazz charakteryzuje się:
- swobodna improwizacja indywidualna i grupowa;
- stosowanie polimetrii i polirytmii, politonalności i atonalności, techniki seryjnej i dodekafonowej, form swobodnych, techniki modalnej itp.

Hard bop (twardy bob)
Hard bop to styl jazzu, który wywodzi się z bebopu na początku lat 50. Hard bop jest inny:
- ponura szorstka kolorystyka;
- wyrazisty, mocno rytmiczny;
-zwiększenie harmonii elementów bluesowych.

Chicagowski styl jazzu (chicago-still)
Chicagowski styl jazzu jest odmianą stylu jazzowego Nowego Orleanu, który charakteryzuje się:
- bardziej rygorystyczna organizacja kompozycyjna;
- wzmocnienie improwizacji solowej (odcinki wirtuozowskie w wykonaniu różnych instrumentów).

Orkiestra Różnorodności
Variety band - rodzaj zespołu jazzowego;
zespół instrumentalny wykonujący muzykę rozrywkową i taneczną oraz utwory z repertuaru jazzowego,
towarzyszący wykonawcom popularnych piosenek i innym mistrzom gatunku pop.
Zwykle orkiestra różnorodna obejmuje grupę instrumentów stroikowych i blaszanych, fortepian, gitarę, kontrabas i zestaw perkusyjny.

Notka historyczna o jazzie

Uważa się, że jazz narodził się w Nowym Orleanie w latach 1900-1917. Znana legenda głosi, że z Nowego Orleanu jazz rozprzestrzenił się przez Mississippi do Memphis, St. Louis iw końcu do Chicago. Ważność tej legendy w ostatnie czasy była kwestionowana przez wielu historyków jazzu, a dziś panuje opinia, że ​​jazz narodził się w subkulturze murzyńskiej jednocześnie w różnych miejscach Ameryki, przede wszystkim w Nowym Jorku, Kansas City, Chicago i St. Louis. I nadal stara legenda widocznie nie daleko od prawdy.

Po pierwsze, jest to poparte świadectwami dawnych muzyków, którzy żyli w okresie powstawania jazzu poza murzyńskimi gettami. Wszyscy potwierdzają, że nowoorleańscy muzycy grali bardzo specyficzną muzykę, którą inni wykonawcy chętnie kopiowali. O tym, że Nowy Orlean jest kolebką jazzu, świadczą także płyty. Płyty jazzowe nagrane przed 1924 rokiem są tworzone przez muzyków z Nowego Orleanu.

Okres jazzu klasycznego trwał od 1890 do 1929 roku i zakończył się wraz z początkiem „ery swingu”. Zwyczajowo odwołuje się do jazzu klasycznego: stylu nowoorleańskiego (reprezentowanego przez nurt murzyński i kreolski), stylu nowoorleańsko-chicagońskiego (który powstał w Chicago po 1917 roku w związku z przeniesieniem się tu większości czołowych murzyńskich jazzmanów New Orleans), Dixieland (w odmianach nowoorleańskich i chicagowskich), szereg odmian jazzu fortepianowego (barrel house, boogie-woogie itp.), a także związane z tym samym okresem trendy jazzowe, które powstały w niektórych innych miastach południowej i środkowo-zachodniej części Stanów Zjednoczonych. Jazz klasyczny, wraz z pewnymi archaicznymi formami stylistycznymi, jest czasami określany jako jazz tradycyjny.

Jazz w Rosji

Pierwsza orkiestra jazzowa w sowiecka Rosja został założony w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza, postać teatralną Valentina Parnacha i nosił nazwę „Pierwsza ekscentryczna orkiestra jazzowa Valentina Parnacha w RFSRR”. Za urodziny rosyjskiego jazzu tradycyjnie uważa się 1 października 1922 r., Kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy.

Stosunek władz sowieckich do jazzu był niejednoznaczny. Początkowo krajowi wykonawcy jazzowi nie byli zakazani, ale ostra krytyka jazzu i kultury zachodniej była powszechna. Pod koniec lat 40., w czasie walki z kosmopolityzmem, zespoły jazzowe wykonujący muzykę „zachodnią” byli prześladowani. Wraz z nadejściem „odwilży” represje wobec muzyków ustały, ale krytyka trwała nadal.

Pierwsza książka o jazzie w ZSRR została opublikowana przez Leningradzkie wydawnictwo Academia w 1926 roku. Został opracowany przez muzykologa Siemiona Ginzburga na podstawie tłumaczeń artykułów zachodnich kompozytorów i krytyków muzycznych, a także własnych materiałów i nosił tytuł „Jazz Band and nowoczesna muzyka» Kolejna książka o jazzie ukazała się w ZSRR dopiero na początku lat 60. Został napisany przez Walerego Mysowskiego i Władimira Feyertaga, zatytułowany „Jazz” i był zasadniczo kompilacją informacji, które można było uzyskać z różnych źródeł w tamtym czasie. W 2001 roku petersburskie wydawnictwo „Skifia” opublikowało encyklopedię „Jazz. XX wiek. Podręcznik encyklopedyczny. Książkę przygotował autorytatywny krytyk jazzowy Vladimir Feiertag.

Po tym, jak Krzysztof Kolumb odkrył nowy kontynent i osiedlili się tam Europejczycy, statki handlarzy ludźmi coraz częściej podążały za brzegami Ameryki.

Wyczerpany ciężką pracą, tęskniący za domem i cierpiący okrutna postawa strażnicy, niewolnicy znajdowali ukojenie w muzyce. Stopniowo Amerykanie i Europejczycy zainteresowali się niezwykłymi melodiami i rytmami. Tak narodził się jazz. Czym jest jazz i jakie są jego cechy, rozważymy w tym artykule.

Cechy kierunku muzycznego

Jazz odnosi się do muzyki pochodzenia afroamerykańskiego, która opiera się na improwizacji (swing) i specjalnej konstrukcji rytmicznej (omdlenie). W przeciwieństwie do innych dziedzin, w których jedna osoba pisze muzykę, a inna wykonuje, muzycy jazzowi są również kompozytorami.

Melodia powstaje spontanicznie, okresy pisania, wykonania oddzielone są minimalnym odstępem czasu. Tak powstaje jazz. orkiestra? Jest to zdolność muzyków do przystosowania się do siebie. W tym samym czasie każdy improwizuje po swojemu.

Wyniki spontanicznych kompozycji są przechowywane w zapisie nutowym (T. Cowler, G. Arlen „Happy all day long”, D. Ellington „Don't you know what I love?” itp.).

Z czasem muzyka afrykańska została zsyntetyzowana z europejską. Pojawiły się melodie łączące w sobie plastyczność, rytm, melodyjność i harmonię dźwięków (CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece itp.).

Kierunki

Istnieje ponad trzydzieści kierunków jazzu. Rozważmy niektóre z nich.

1. Bluesa. W tłumaczeniu z angielskiego słowo to oznacza „smutek”, „melancholię”. Blues był pierwotnie solową piosenką liryczną Afroamerykanów. Jazz-blues to dwunastotaktowy okres odpowiadający trzywierszowej formie wersetu. Bluesowe kompozycje są wykonywane w wolnym tempie, w tekstach można doszukać się niedopowiedzeń. blues - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith i inni.

2. Ragtime. Dosłowne tłumaczenie nazwy stylu to zepsuty czas. Na języku terminy muzyczne„reg” oznacza dźwięki, które są dodatkowe między uderzeniami taktu. Kierunek pojawił się w USA, po tym jak za oceanem porwała ich twórczość F. Schuberta, F. Chopina i F. Liszta. Muzyka europejskich kompozytorów została wykonana w stylu jazzu. Później pojawiły się oryginalne kompozycje. Ragtime jest charakterystyczny dla twórczości S. Joplina, D. Scotta, D. Lamba i innych.

3. Boogie-woogie. Styl pojawił się na początku ubiegłego wieku. Właściciele niedrogich kawiarni potrzebowali muzyków do grania jazzu. Akompaniament muzyczny wymaga oczywiście obecności orkiestry, ale zaproszenie dużej liczby muzyków było kosztowne. dźwięk różne instrumenty pianiści rekompensowali to tworząc liczne kompozycje rytmiczne. Funkcje boogie:

• improwizacja;
• technika wirtuozowska;
• specjalny akompaniament: lewa ręka wykonuje ruchową konfigurację ostynacyjną, przerwa między basem a melodią wynosi dwie lub trzy oktawy;
• ciągły rytm;
• wyłączenie pedału.

Boogie-woogie grał Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery i inni.

legendy stylu

Jazz jest popularny w wielu krajach na całym świecie. Wszędzie są gwiazdy, które są otoczone armią fanów, ale niektóre nazwiska stały się prawdziwą legendą. Są znani i kochani na całym świecie.Do takich muzyków należy w szczególności Louis Armstrong.

Nie wiadomo, jak potoczyłyby się losy chłopca z biednej murzyńskiej dzielnicy, gdyby Louis nie trafił do obozu poprawczego. Tutaj przyszła gwiazda została nagrana w orkiestrze dętej, jednak zespół nie grał jazzu. i jak to jest wykonywane, młody człowiek odkrył znacznie później. światowa sława Armstrong nabył dzięki pracowitości i wytrwałości.

Billie Holiday (prawdziwe nazwisko Eleanor Fagan) jest uważana za twórcę śpiewu jazzowego. Piosenkarka osiągnęła szczyt popularności w latach 50. ubiegłego wieku, kiedy to zamieniła sceny klubów nocnych na scenę.

Życie nie było łatwe dla właścicielki zakresu trzech oktaw, Elli Fitzgerald. Po śmierci matki dziewczynka uciekła z domu i prowadziła niezbyt przyzwoity tryb życia. Początek kariery piosenkarza był występem w konkurs muzyczny noce amatorskie.

George Gershwin jest znany na całym świecie. Kompozytor stworzył utwory jazzowe na podstawie muzyka klasyczna. Nieoczekiwany sposób wykonania urzekł słuchaczy i współpracowników. Koncertom niezmiennie towarzyszył aplauz. Najbardziej znane dzieła D. Gershwina to „Rapsodia w bluesie” (współautorstwo z Fredem Grofem), opery „Porgy and Bess”, „Amerykanin w Paryżu”.

Popularnymi wykonawcami jazzowymi byli i pozostają Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis itp.

Jazz w ZSRR

Pojawienie się tego nurtu muzycznego w Związku Radzieckim wiąże się z nazwiskiem poety, tłumacza i widza teatralnego Valentina Parnacha. Pierwszy koncert zespołu jazzowego prowadzonego przez wirtuoza odbył się w 1922 roku. Później A. Tsfasman, L. Utyosov, Y. Skomorovsky utworzyli kierunek teatralnego jazzu, łącząc wykonawstwo instrumentalne i operetkę. E. Rozner i O. Lundstrem zrobili wiele dla popularyzacji muzyki jazzowej.

W latach 40. ubiegłego wieku jazz był szeroko krytykowany jako fenomen kultury mieszczańskiej. W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych ustały ataki na wykonawców. Zespoły jazzowe powstały zarówno w RFSRR, jak iw innych republikach związkowych.

Dziś jazz jest wykonywany bez przeszkód sale koncertowe i w klubach.

Jazz ma swoje korzenie w mieszance europejskich i afrykańskich kultur muzycznych, zapoczątkowanej przez Kolumba, który odkrył Amerykę dla Europejczyków. Kultura afrykańska, reprezentowana przez czarnych niewolników przewożonych z zachodnich wybrzeży Afryki do Ameryki, dawała jazzową improwizację, plastyczność i rytm, kultura europejska – melodię i harmonię dźwięków, standardy molowe i durowe.

Nadal toczy się dyskusja na temat tego, gdzie po raz pierwszy wykonano muzykę jazzową. Niektórzy historycy uważają, że ten kierunek muzyczny narodził się na północy Stanów Zjednoczonych, gdzie misjonarze protestanccy nawrócili czarnych na wiarę chrześcijańską, a oni z kolei stworzyli szczególny rodzaj pieśni duchowych „spirituals”, które wyróżniały się emocjonalnością i improwizacją . Inni uważają, że jazz pojawił się na południu Stanów Zjednoczonych, gdzie afroamerykański folklor muzyczny zdołał zachować swoją oryginalność, tylko dlatego, że katolickie poglądy Europejczyków zamieszkujących tę część kontynentu nie pozwalały im współtworzyć obcej kultury, która traktowali z pogardą.

Mimo różnic w poglądach historyków, nie ulega wątpliwości, że jazz narodził się w Stanach Zjednoczonych, a zamieszkany przez wolnomyślicieli awanturników Nowy Orlean stał się centrum muzyki jazzowej. 26 lutego 1917 roku właśnie tutaj, w studiu Victora, zarejestrowano pierwszą płytę fonograficzną zespołu Original Dixieland Jazz Band z muzyką jazzową.

Po tym, jak jazz mocno zadomowił się w umysłach ludzi, zaczęły pojawiać się jego różne kierunki. Dziś jest ich ponad 30.
Niektórzy z nich:

duchowni

Jednym z założycieli jazzu jest Spirituals (English Spirituals, Spiritual music) – duchowe pieśni Afroamerykanów. Jak kształtował się gatunek duchowości w ostatnich latach tercji XIX stulecia w USA jako zmodyfikowane pieśni niewolników wśród Murzynów z amerykańskiego Południa (w tamtych latach używano terminu „jubilizować”).
Źródłem murzyńskich duchowości są duchowe hymny przywiezione do Ameryki przez białych osadników. Tematem spirytualistów było historie biblijne dostosowane do konkretnych warunków Życie codzienne i życia codziennego Murzynów i zostały poddane obróbce folklorystycznej. Łączą w sobie charakterystyczne elementy afrykańskich tradycji wykonawczych (zbiorowa improwizacja, charakterystyczny rytm z wyrazistą polirytmią, glissandowe dźwięki, nietemperowane akordy, szczególna emocjonalność) z cechami stylistycznymi amerykańskich hymnów purytańskich, które powstały na gruncie anglo-celtyckim. Duchowni mają strukturę pytanie-odpowiedź, wyrażoną w dialogu kaznodziei z parafianami. Spirituals znacząco wpłynęli na powstanie, powstanie i rozwój jazzu. Wiele z nich jest wykorzystywanych przez muzyków jazzowych jako tematy do improwizacji.

Blues

Jednym z najpowszechniejszych jest blues, który wywodzi się ze świeckiego muzykowania amerykańskich Murzynów. Słowo „niebieski”, oprócz najbardziej znanego znaczenia „niebieski”, ma wiele opcji tłumaczeń, które w pełni charakteryzują cechy stylu muzycznego: „smutny”, „melancholia”. „Blues” ma związek z angielskim wyrażeniem „blue devils”, oznaczającym „kiedy koty drapią ich dusze”. Muzyka bluesowa jest niespieszna i niespieszna, a teksty zawsze niosą ze sobą niedopowiedzenia i dwuznaczności. Dziś blues jest najczęściej używany wyłącznie w formie instrumentalnej, jako jazzowe improwizacje. To właśnie blues stał się podstawą wielu znakomitych występów Louisa Armstronga i Duke'a Ellingtona.

Ragtime

Ragtime to kolejny specyficzny kierunek muzyki jazzowej, który pojawił się pod koniec XIX wieku. Sama nazwa stylu jest tłumaczona jako „rozdarty czas”, a termin „szmata” oznacza dźwięki, które pojawiają się między uderzeniami taktu. Ragtime, jak każdy jazz, jest kolejnym Europejczykiem muzyczne hobby, który został przejęty przez Afroamerykanów i wykonany na swój własny sposób. Modny jest w tym czasie w Europie romantyzm szkoła fortepianowa, którego repertuar obejmował Schuberta, Chopina, Liszta. Ten repertuar zabrzmiał w USA, ale w interpretacji czarnoskórych Afroamerykanów nabrał więcej skomplikowany rytm, dynamizm i intensywność. Później improwizowany ragtime zaczęto przekształcać w nuty, a jego popularności dodawał fakt, że każda szanująca się rodzina musiała posiadać pianino, także mechaniczne, które jest bardzo wygodne do grania skomplikowanej melodii ragtime. Miasta, w których ragtime był najpopularniejszym miejscem muzycznym, to St. Louis i Kansas City oraz miasto Sedalia w stanie Missouri w Teksasie. W tym stanie było najwięcej znany wykonawca i kompozytor ragtime Scott Joplin. Często występował w Maple Leaf Club, od którego pochodzi nazwa słynnego ragtime'u "Maple Leaf Rag", napisanego w 1897 roku. Inni znani autorzy a wykonawcami ragtime'u byli James Scott, Joseph Lamb.

Huśtać się

Na początku lat 30. kryzys gospodarczy w Stanach Zjednoczonych doprowadził do rozpadu dużej liczby zespołów jazzowych, pozostawiając głównie orkiestry grające pseudo-jazzową komercyjną muzykę taneczną. ważny krok w rozwoju stylistycznym nastąpiła ewolucja jazzu w nowy, oczyszczony i wygładzony kierunek, zwany swingiem (od angielskiego „swing” – „swing”). Podjęto więc próbę pozbycia się ówczesnego slangowego słowa „jazz”, zastępując je nowym „swingiem”. Główna cecha swing stał się jasną improwizacją solisty na tle złożonego akompaniamentu.

Wielcy jazzmani o swingu:

„Swing jest dla mnie prawdziwym rytmem”. Louis Armstrong.
„Swing to uczucie przyspieszenia tempa, mimo że wciąż grasz w tym samym tempie”. Benny'ego Goodmana.
„Orkiestra kołysze się, gdy jej zbiorowa interpretacja jest rytmicznie zintegrowana”. Johna Hammonda.
„Swing ma być odczuwalny, to uczucie, które można przekazać innym”. Glenna Millera.

Swing wymagał od muzyków dobrej techniki, znajomości harmonii i zasad organizacji muzycznej. Główna forma takie muzykowanie – wielkie orkiestry czy big bandy, które w drugiej połowie lat 30. zyskały niesamowitą popularność wśród szerokiej publiczności. Skład orkiestry stopniowo nabierał standardowej formy i liczył od 10 do 20 osób.

Boogie Woogie

W dobie swingu szczególną popularność i rozwój zyskała specyficzna forma wykonania bluesa na fortepianie, którą nazywa się „boogie-woogie”. Ten styl powstał w Kansas City i St. Louis, a następnie rozprzestrzenił się na Chicago. Boogie-woogie zostało przyjęte przez południowych pianistów od banjo i gitarzystów. Pianiści wykonujący boogie-woogie charakteryzują się połączeniem „chodzącego” basu, wykonywanego lewą ręką oraz improwizacji dla bluesowej harmonii. prawa ręka. Styl sięga drugiej dekady tego stulecia, kiedy grał na nim pianista Jimmy Yancey. Prawdziwą popularność zyskała jednak wraz z pojawieniem się przed publicznością trzech wirtuozów „Mid Lux” Lewisa, Pete'a Johnsona i Alberta Ammonsa, którzy zmienili boogie-woogie z tańca na muzykę koncertową. Dalsze wykorzystanie boogie-woogie miało miejsce w gatunku orkiestr swingowych, a następnie rytmicznych i bluesowych i w dużej mierze wpłynęło na pojawienie się rock and rolla.

Bop

Na początku lat czterdziestych wielu kreatywnych muzyków zaczął dotkliwie odczuwać stagnację w rozwoju jazzu, która powstała w związku z pojawieniem się ogromnej liczby modnych orkiestr taneczno-jazzowych. Nie starali się oddać prawdziwego ducha jazzu, lecz wykorzystali powielone preparaty i techniki najlepszych zespołów. Próbę wyjścia z impasu podjęli młodzi, przede wszystkim nowojorscy muzycy, wśród których znaleźli się saksofonista altowy Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, perkusista Kenny Clarke, pianista Thelonious Monk. Stopniowo w ich eksperymentach zaczął wyłaniać się nowy styl, który lekką ręką Gillespiego otrzymał nazwę „bebop” lub po prostu „bop”. Według jego legendy nazwa ta powstała z połączenia sylab, którymi nucił charakterystyczny dla bopu interwał muzyczny - bluesową kwintę, która pojawiała się w bopie obok bluesowych tercji i septymy. Główną różnicą nowego stylu była skomplikowana i zbudowana na innych zasadach harmonia. Superszybkie tempo występu zostało wprowadzone przez Parkera i Gillespiego, aby powstrzymać nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Złożoność budowania fraz w porównaniu ze swingiem polega przede wszystkim na początkowym uderzeniu. Improwizowana fraza w bebopie może zaczynać się od synkopowanego rytmu, może od drugiego taktu; często fraza już się rozegrała słynny temat lub siatka harmoniczna (antropologia). Między innymi szokująca postawa stała się znakiem rozpoznawczym wszystkich bebopitów. Zakrzywiona trąbka „Dizzy” Gillespiego, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp. Rewolucja, jaką zrobił bebop, okazała się bogata w konsekwencje. Na wczesnym etapie swojej pracy brano pod uwagę boperów: Errolla Garnera, Oscara Petersona, Raya Browna, George'a Shearinga i wielu innych. Spośród założycieli bebopu tylko los Dizzy'ego Gillespiego był pomyślny. Kontynuował swoje eksperymenty, zapoczątkował styl kubański, spopularyzował jazz latynoski, otworzył świat na gwiazdy jazzu latynoamerykańskiego – Arturo Sandoval, Paquito DeRivero, Chucho Valdes i wielu innych.

Uznając bebop za muzykę wymagającą instrumentalnej wirtuozerii i znajomości złożonych harmonii, instrumentaliści jazzowi szybko zdobyli popularność. Komponowali melodie, które zmieniały się zygzakiem i obracały się zgodnie ze zmianami akordów. zwiększona złożoność. Soliści w swoich improwizacjach używali dysonansowych w tonacji nut, tworząc bardziej egzotyczną muzykę o ostrzejszym brzmieniu. Atrakcyjność synkopy doprowadziła do bezprecedensowych akcentów. Bebop najlepiej nadawał się do gry w małych zespołach, takich jak kwartet i kwintet, co okazało się idealne zarówno ze względów ekonomicznych, jak i artystycznych. Muzyka kwitła w miejskich klubach jazzowych, do których publiczność przychodziła raczej po to, by posłuchać pomysłowych solistów niż potańczyć do ulubionych przebojów. Krótko mówiąc, bebopowi muzycy uczynili jazz takim właśnie forma sztuki, która zwróciła się może trochę bardziej do intelektu niż do uczuć.

Wraz z erą bebopu pojawiły się nowe gwiazdy jazzu, w tym trębacze Clifford Brown, Freddie Hubbard i Miles Davis, saksofoniści Dexter Gordon, Art Pepper, Johnny Griffin, Pepper Adams, Sonny Stitt i John Coltrane oraz puzonista JJ Johnson.

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych bebop przeszedł kilka mutacji, w tym hard bop, cool jazz i soul jazz. mały format Grupa muzyczna(combo), które zwykle składało się z jednego lub więcej (zwykle nie więcej niż trzech) instrumentów dętych, fortepianu, kontrabasu i perkusji, do dziś pozostaje standardową kompozycją jazzową.

jazzu progresywnego

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek – jazz progresywny, czy po prostu progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć odejścia od zamrożonej kliszy big bandów i przestarzałych, wysłużonych technik tzw. jazz symfoniczny wprowadzony w latach dwudziestych przez Paula Whitemana. W przeciwieństwie do bopperów, twórcy progressive nie dążyli do radykalnego porzucenia rozwijających się wówczas tradycji jazzowych. Starali się raczej zaktualizować i udoskonalić wzorce fraz swingowych, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia europejskiego symfonizmu w zakresie tonacji i harmonii.

Największy wkład w rozwój koncepcji „progresywnej” wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Jazz progresywny początku lat 40. wywodzi się właściwie z jego pierwszych utworów. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie Rachmaninowowi, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. Jednak gatunkowo najbliżej mu do symphojazzu. Później, podczas tworzenia słynna seria jego albumy „Artistry”, elementy jazzu przestały już pełnić rolę kreującą kolor, ale były już organicznie wplecione w materiał muzyczny. Wraz z Kentonem jest to zasługa jego najlepszego aranżera, Pete'a Rugolo, ucznia Dariusa Milhauda. Nowoczesne (jak na tamte lata) brzmienie symfoniczne, specyficzna technika staccato w grze saksofonów, odważne harmonie, częste sekundy i bloki, a także politonalność i jazzowa pulsacja rytmiczna – to cechy charakterystyczne tej muzyki, z którą Stan Kenton na wiele lat wszedł do historii jazzu, jako jeden z jego innowatorów, który znalazł wspólną platformę dla europejskiej kultury symfonicznej i elementów bebopu, szczególnie widocznych w utworach, w których instrumentaliści solowi zdawali się przeciwstawiać dźwiękom reszty orkiestra. Należy również zauważyć, że Kenton przywiązywał dużą wagę do improwizowanych partii solistów w swoich kompozycjach, w tym światowej sławy perkusisty Shelley Maine, kontrabasisty Eda Safransky'ego, puzonisty Kay Winding, June Christie, jednej z najlepszych wokalistek jazzowych tamtych lat . Stan Kenton przez całą swoją karierę był wierny wybranemu gatunkowi.

Oprócz Stana Kentona, również przyczynił się do rozwoju gatunku ciekawe aranżacje oraz instrumentaliści Boyd Ryburn i Bill Evans. Za swoistą apoteozę rozwoju muzyki progresywnej, obok wspomnianej już serii „Artistry”, można uznać także serię albumów nagranych przez big band Billa Evansa wspólnie z zespołem Milesa Davisa w latach 50.-60. XX wieku, m.in. , „Mile do przodu”, „Porgy i Bess” oraz „Rysunki hiszpańskie”. Krótko przed śmiercią Miles Davis ponownie zwrócił się ku temu gatunkowi, nagrywając stare aranżacje Billa Evansa z Quincy Jones Big Band.

twardy bop

Mniej więcej w tym samym czasie, gdy na Zachodnim Wybrzeżu zakorzeniał się fajny jazz, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli opracowywać ostrzejsze, cięższe wariacje na temat starej formuły bebopu, nazwanej Hard bop lub hard bebop. Hardbop z lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych, bardzo przypominający tradycyjny bebop w swojej agresywności i wymaganiach technicznych, był mniej oparty na standardowych formach piosenek i zaczął kłaść większy nacisk na elementy bluesa i rytmikę. Zapalające waleczność solowa lub improwizacyjna, wraz z silnym poczuciem harmonii, były atrybutami nadrzędnymi dla muzyków dętych, perkusja i fortepian stały się bardziej widoczne w sekcji rytmicznej, a bas nabrał bardziej płynnego, funkowego charakteru.

W 1955 roku perkusista Art Blakey i pianista Horace Silver utworzyli The Jazz Messengers, najbardziej wpływową grupę hardbopową. Ten stale doskonalący się i rozwijający się septet, który działał z powodzeniem do lat 80-tych, sprowadził do jazzu wielu czołowych wykonawców gatunku, takich jak saksofoniści Hank Mobley, Wayne Shorter, Johnny Griffin i Branford Marsalis, a także trębacze Donald Bird, Woody Shaw , Wyntona Marsalisa i Lee Morgana. Wykonano jeden z największych hitów jazzowych wszechczasów, utwór Lee Morgana „The Sidewinder” z 1963 roku, choć nieco uproszczony, ale zdecydowanie w solidnym bebopowym stylu tanecznym.

soulowy jazz

Bliski krewny hardbopu, soul jazz, jest reprezentowany przez małe, oparte na organach mini-kompozycje, które pojawiły się w połowie lat pięćdziesiątych i były wykonywane do lat siedemdziesiątych. Soul jazz oparty na bluesie i gospel pulsuje afroamerykańską duchowością. Większość wielkich organistów jazzowych pojawiła się na scenie w epoce soul jazzu: Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard „Groove” Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff i Jimmy „Hammond” Smith. Wszyscy prowadzili własne zespoły w latach 60., często grając w małych klubach jako trio. Tenorsaksofon był również wybitną postacią w tych zespołach, dodając swój własny głos do miksu, podobnie jak głos kaznodziei ewangelii. Luminarze tacy jak Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie „Tetanus” Davis, Huston Pearson, Hank Crawford i David „Dump” Newman, a także członkowie zespołów Ray Charles Późne lata pięćdziesiąte i sześćdziesiąte są często uważane za reprezentatywne dla stylu soul jazz. To samo dotyczy Charlesa Mingusa. Podobnie jak hardbop, soul jazz różnił się od jazzu z Zachodniego Wybrzeża: muzyka przywoływała pasję i silne poczucie wspólnoty, a nie samotność i emocjonalny chłód jazzu z Zachodniego Wybrzeża. Szybkie melodie soul jazzu, dzięki częstemu wykorzystywaniu ostinato basowych figur i powtarzalnych sampli rytmicznych, sprawiły, że muzyka ta stała się bardzo przystępna dla szerokiej publiczności. Do hitów zrodzonych z soulu należą na przykład The In Crowd (1965) pianisty Ramseya Lewisa i Compared To What (1969) Harrisa-McCaina. Soul jazzu nie należy mylić z tym, co jest obecnie znane jako „muzyka soul”. Mimo częściowych wpływów gospel, soul jazz wyrósł z bebopu, a korzenie muzyki soul sięgają prosto do popularnego od początku lat 60. rytmu i bluesa.

Fajny jazz (fajny jazz)

Samo określenie cool pojawiło się po wydaniu albumu „Birth of the Cool” (nagranego w latach 1949-50) słynnego muzyka jazzowego Milesa Davisa.
Pod względem produkcji dźwięku, harmonii, cool jazz ma wiele wspólnego z jazzem modalnym. Charakteryzuje się powściągliwością emocjonalną, tendencją do zbliżania się do muzyki kompozytora (wzmocnienie roli kompozycji, formy i harmonii, polifonizacja faktury), wprowadzeniem instrumentów orkiestry symfonicznej.
Wybitnymi przedstawicielami cool jazzu są trębacze Miles Davis i Chet Baker, saksofoniści Paul Desmond, Jerry Mulligan i Stan Getz, pianiści Bill Evans i Dave Brubeck.
Do arcydzieł fajnego jazzu należą takie kompozycje jak „Take Five” Paula Desmonda, „My Funny Valentine” Gerry'ego Mulligana, „Round Midnight” Theloniousa Monka Milesa Davisa.

jazz modalny

Modal jazz (angielski modal jazz), kierunek, który powstał w latach 60. XX wieku. Opiera się na modalnej zasadzie organizowania muzyki. W przeciwieństwie do jazzu tradycyjnego, w jazzie modalnym podstawa harmoniczna jest zastępowana przez tryby - skale dorycką, frygijską, lidyjską, pentatoniczną i inne, zarówno pochodzenia europejskiego, jak i pozaeuropejskiego. W związku z tym w jazzie modalnym rozwinął się szczególny rodzaj improwizacji: bodźców rozwojowych muzycy szukają nie w zmianie akordów, ale w podkreślaniu cech trybu, w wielomodalnych nakładkach itp. Kierunek ten reprezentują tacy znakomici muzycy jak Thelonious Monk, Miles Davis, John Coltrane, George Russell, Don Cherry.

wolny jazz

Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z nadejściem free jazzu, czyli „New Thing”, jak go później nazwano. Podczas gdy w środku istniały elementy free jazzu struktura muzyczna jazz na długo przed samym terminem, najbardziej oryginalny w „eksperymentach” takich innowatorów jak Coleman Hawkins, Pee Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec lat 50. dzięki wysiłkom takich pionierów jak saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor, kierunek ten ukształtował się jako styl niezależny.

To, czego dokonali ci dwaj muzycy, wraz z innymi, w tym Johnem Coltrane'em, Albertem Aylerem i społecznościami takimi jak Sun Ra Arkestra i grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble, polegało na różnych zmianach strukturalnych i wyczuciu muzyki. Wśród innowacji wprowadzonych z wyobraźnią i wielką muzykalnością była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna fundamentalna zmiana została znaleziona w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metrum i groove nie były już istotnym elementem takiego odczytania jazzu. Inne kluczowy składnik kojarzyła się z atonalnością. Teraz powiedzenie muzyczne nie opierało się już na zwykłym układ tonalny. Przenikliwe, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat. Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak u zarania jego powstania.

Boj

Funk to kolejny popularny styl jazzu w latach 70-tych i 80-tych. Założycielami stylu są James Brown i George Clinton. W funku różnorodny zestaw idiomów jazzowych zostaje zastąpiony prostymi frazami muzycznymi, na które składają się bluesowe okrzyki i jęki zaczerpnięte z saksofonowych solówek takich wykonawców jak King Curtis, Junior Walker, David Sanborn, Paul Butterfield. Słowo funk zostało uznane za slangowe i oznacza tańczyć tak, aby się bardzo zmoczyć. Często używali tego jazzmani, odnosząc się do publiczności jako prośby do tańca i aktywnego poruszania się przy akompaniamencie ich muzyki. W ten sposób słowo „funk” zostało przypisane do stylu muzycznego. Kierunek taneczny funku określa jego cechy muzyczne, takie jak stonowany rytm i wyraźny wokal.

Powstanie gatunku miało miejsce w połowie lat 80-tych i jest związane z modą na wykorzystywanie sampli z jazz-funku lat 70-tych wśród DJ-ów grających w nocnych klubach w Wielkiej Brytanii. Za jednego z trendsetterów gatunku uważana jest DJ Jills Peterson, której często przypisuje się autorstwo nazwy „acid jazz”. W Stanach Zjednoczonych termin „acid jazz” prawie nigdy nie jest używany, bardziej powszechne są terminy „groove jazz” i „club jazz”.

acid jazz (kwaśny jazz)

Acid jazz osiągnął szczyt popularności w pierwszej połowie lat 90. W tym czasie oprócz syntezy muzyka taneczna a jazz obejmował jazz-funk lat 90. (Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics), hip-hop z elementami jazzu (nagrany z udziałem muzyków na żywo lub sampli jazzowych) (US3, Guru, Digable Planets), jazzowe eksperymenty muzycy z muzyką hip-hopową (Doo Bop Milesa Davisa, Rock It Herbiego Hancocka) itp. Po latach 90. popularność acid jazzu zaczęła spadać, a tradycje gatunku były później kontynuowane w nowym jazzie.

Jego bezpośrednim psychodelicznym przodkiem jest Acid Rock.

Uważa się, że termin „acid jazz” został ukuty przez Gillesa Pettersona, londyńskiego DJ-a i założyciela tytułowej wytwórni płytowej. Pod koniec lat 80. termin ten był popularny wśród brytyjskich didżejów grających podobną muzykę, którzy używali go jako żartu, sugerując, że ich muzyka była alternatywą dla popularnego wówczas acid house'u. Zatem termin ten nie ma bezpośredniego związku z „kwasem” (czyli LSD). Według innej wersji autorem terminu „acid jazz” jest Anglik Chris Bangs (Chris Bangs), znany jako jeden z członków duetu „Soundscape UK”.

Jazz to styl improwizacji. Najważniejszym rodzajem muzyki improwizowanej jest folklor, ale w przeciwieństwie do jazzu ma charakter zamknięty i ma na celu zachowanie tradycji. Dominuje jazz. kreatywność, co w połączeniu z improwizacją dało początek wielu stylom i nurtom. Tak więc piosenki ciemnoskórych afroamerykańskich niewolników przybyły do ​​​​Europy i przekształciły się w złożone utwory orkiestrowe w stylu bluesa, ragtime'u, boogie-woogie itp. Jazz stał się źródłem pomysłów i metod, które aktywnie wpływają na prawie wszystkie inne rodzaje muzyki popularnej i komercyjnej do muzyki akademickiej naszego stulecia.

Artykuł zawiera fragment artykułu "O Jazzie" - Klub Związku Kompozytorów oraz fragmenty z Wikipedii.