Artykuł z holenderskiej martwej natury z XVII wieku. Tonalna martwa natura

Niesamowite zjawisko w historii światowej sztuki pięknej miało miejsce na północy Europa XVII wiek. Nazywana jest holenderską martwą naturą i uważana za jedno z najwybitniejszych dzieł malarstwa olejnego.

Koneserzy i profesjonaliści tak mają głębokie przekonanieże w historii sztuki nie widziano nigdy tak wielu wspaniałych mistrzów, którzy posiadali najwyższą technologię i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na małym skrawku kontynentu europejskiego.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabył w Holandii początek XVII wieku, było skutkiem pojawienia się po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożnych chłopów. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym produktem na wschodzącym rynku.

W ziemie północne W Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi uczyniła z Holendrów martwą naturę głównym gatunkiem całych cechów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, w szczególności kalwini, zaprzeczali zbawiającemu duszę znaczeniu rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, a nawet wyrzucili muzykę ze środowiska kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływami katolickimi, sztuka rozwijały się według różnych praw, ale bliskość terytorialna powodowała nieuniknione wzajemne oddziaływanie. Naukowcy - historycy sztuki - odnajdują wiele, co łączy martwą naturę holenderską i flamandzką, zwracając uwagę na ich nieodłączne zasadnicze różnice i unikalne cechy.

Wczesna martwa natura kwiatowa

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, został przyjęty w Holandii specjalne formularze I symboliczne imię « spokojne życie" - nadalrówno. Holenderska martwa natura pod wieloma względami była odzwierciedleniem prężnej działalności Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadzała ze Wschodu niespotykane wcześniej w Europie luksusowe towary. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów i cebul tulipanów były tak zwanym produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. Są to najlepsze obrazy całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jacob de Geyn Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.

Nakrywamy stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło umknąć wpływom nowości public relations i rozwój gospodarczy. Holenderska martwa natura z XVII wieku opłacalny produkt organizowano duże warsztaty „produkcji” obrazów. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podłoże pod obrazy - deski lub płótno, gruntowali je, robili ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdym stosunkach rynkowych, prowadziła do podniesienia jakości martwych natur do bardzo wysokiego poziomu.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycja kwiatowa malowane były w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających nakryte stoły, jedzenie i gotowe dania. Takie obrazy mogą mieć różną skalę i charakter, od skomplikowanych i wielotematycznych po lakoniczne. Pojawiły się „Śniadania” - przedstawiające martwe natury holenderskich artystów różne etapy posiłki. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie, pełen aluzji i moralizujących symboli typowych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gilliesa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Roelofa Cootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pietera Claesa i Willema Claesa Hedy

Dla współczesnych symbole wypełniające tradycyjną holenderską martwą naturę były istotne i zrozumiałe. Treść obrazów przypominała wielostronicowe książki i za to je szczególnie ceniono. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, niesamowicie wyrafinowany kolor, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.

Cechy te są w pełni spójne z malarstwem dwóch czołowych mistrzów, których obrazy zaliczane są do najlepszych przykładów tonalnej martwej natury: Petera Claesa i Willema Claesa Heeda. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby obiektów, pozbawionych żywe kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.

Próżność

Temat kruchości życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazło to wyraz w obrazach przedstawiających sceny, w których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazywa się vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu osób Holenderscy mistrzowie tamtych czasów: Jacob de Gein Młodszy, David Gein, Harmen Steenwijk i inni Najlepszymi przykładami „vanitas” nie są proste opowieści grozy, nie budzą one nieświadomego przerażenia, ale spokojna i mądra kontemplacja, przepełniona myślami o tym, co najpiękniejsze ważne sprawy istnienie.

Malowidła sztuczek

Obrazy są od późnego średniowiecza najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą mogła sobie pozwolić rosnąca populacja miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli im na to pozwalały umiejętności, tworzyli „trompe l'oeil” lub „trompe l'oeil” z francuskiego trompe-l'oeil – złudzenie optyczne. Chodziło o to, żeby typowa holenderska martwa natura – kwiaty i owoce, martwe ptaki i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, przyrządy optyczne itp. – zawierały w sobie całkowitą iluzję rzeczywistości.Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazon, który chcesz trzasnąć - typowe historie za fałszywy obraz.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu trompe l'oeil – Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych – często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się masa najróżniejszych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w przekazywaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.

Czas świetności i zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne typy martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ dobrobyt mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.

Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to osiągnąć, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia typowych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla pozytywnych emocji, aby zwiększyć komercyjną atrakcyjność fabuły.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reichals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzących czasów, gdy istotna stała się zwiększona dekoracyjność i tworzenie imponującego wrażenia.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, odeszła sama koncepcja złotego wieku, jaką znaliśmy. Malarstwo holenderskie. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.

Wraz z pejzaż Malarstwo martwej natury, które wyróżniało się intymnym charakterem, rozpowszechniło się w XVII-wiecznej Holandii. Holenderscy artyści wybierali do swoich martwych natur szeroką gamę obiektów, wiedzieli, jak je idealnie zaaranżować, ujawnić cechy charakterystyczne każdego przedmiotu i jego życie wewnętrzne nierozerwalnie związane z życiem człowieka.
XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claes (ok. 1597 - 1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne wersje „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, ciasta z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem na stole stół, z niesamowitym mistrzowskim oddaniem koloru, objętości, faktury każdego przedmiotu. Niedawna obecność danej osoby jest zauważalna w nieładzie, przypadkowości układu rzeczy, które właśnie jej służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest ściśle przemyślana i znaleziona. Powściągliwa szaro-złota, oliwkowa paleta tonalna łączy obiekty i nadaje szczególne brzmienie czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękkiego jedwabiu niebieskiej wstążki.
Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beyerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beyerena są surowe pod względem kompozycji, bogate emocjonalnie i kolorowe. Przez całe życie Willem Kalf malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i arystokratyczne martwe natury, dobierając wykwintne przedmioty szlachetne, pełne powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, filiżanki, muszle nasycone wewnętrznym spalaniem zabarwienie.
W dalszy rozwój martwa natura podąża tą samą drogą, co cała sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura staje się ozdobą domu wysoko postawionych klientów. Mimo całej swojej dekoracyjności i umiejętnego wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego.
Degeneracja społeczna i dobrze znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII w. dają początek tendencji do zbieżności z poglądami estetycznymi szlachty francuskiej i prowadzą do idealizacji obrazy artystyczne, ich szlifowanie. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy i wkracza w okres długotrwałego upadku. Poważnie wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i głównego ośrodka artystycznego.

Dzieło Fransa Halsa i holenderski portret pierwszego połowa XVII wiek.

Fransa Halsa(Holenderski Fransa Halsa, IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Antwerpia - 1666, Haarlem) – wybitny portrecista tzw. złotego wieku sztuki holenderskiej.

• 1 Biografia
• 2 Ciekawe fakty
• 3 Galeria
• 4 Uwagi
• 5 Literatura
• 6 Linków

Biografia

„Portret rodzinny Izaaka Massy i jego żony”

Hals urodził się około 1582-1583 jako syn flamandzkiego tkacza François Fransa Halsa van Mechelen i jego drugiej żony Adriantje. W 1585 roku, po upadku Antwerpii, rodzina Halsów przeniosła się do Haarlemu, gdzie artysta spędził całe życie.

W latach 1600-1603 młody artysta studiował u Karela van Mandera, choć wpływów tego przedstawiciela manieryzmu nie odnaleziono w kolejnych dziełach Halsa. W 1610 Hals został członkiem cechu św. Łukasza i rozpoczyna pracę jako konserwator w gminie miejskiej.

Hals stworzył swój pierwszy portret w 1611 roku, ale sława przyszła do Halsa po stworzeniu obrazu „Bankiet oficerów kompanii strzeleckiej św. Jerzego” (1616).

W 1617 ożenił się z Lisbeth Reyners.

„Wczesny styl Halsa charakteryzował się upodobaniem do ciepłych tonów i wyraźnego modelowania form za pomocą ciężkich, gęstych pociągnięć. W latach dwudziestych XVII wieku Hals malował wraz z portretami sceny rodzajowe i utwory o tematyce religijnej” („Ewangelista Łukasz”, „Ewangelista Mateusz”, ok. 1623-1625).

„Cygański” Luwr w Paryżu

W latach 1620-1630. Hals namalował kilka portretów przedstawiających pluskanie energia życiowa przedstawiciele zwyczajni ludzie(„Błazen z lutnią”, 1620-1625, „Towarzysz wesołego picia”, „Malle Babbe”, „Cygan”, „Mulat”, „Chłopiec rybak”; całość - około 1630 r.).

Jedyny portret w pełna wysokość jest „Portret Willema Heythuissena” (1625-1630).

„W tym samym okresie Hals radykalnie zreformował portret zbiorowy, zrywając z konwencjonalnymi systemami kompozycji, wprowadzając do prac elementy sytuacji życiowych, zapewniając bezpośrednie połączenie obrazu z widzem („Bankiet oficerów karabinu św. Adriana kompanii”, ok. 1623-27; „Bankiet oficerów strzeleckich kompanii św. Jerzego”, 1627, „Portret zbiorowy kompanii strzeleckiej św. Adriana”, 1633; „Oficerowie kompanii strzeleckiej św. Jerzego”, 1639 ). Nie chcąc opuszczać Haarlemu, Hals odmówił wykonania rozkazów, jeśli oznaczało to wyjazd do Amsterdamu. Jedyny portret zbiorowy, który zaczął w Amsterdamie, musiał zostać dokończony przez innego artystę.

W latach 1620-1640, czyli w okresie największej popularności, Hals namalował wiele portretów podwójnych małżeństwa: mąż jest na lewym portrecie, a żona na prawym. Jedynym obrazem, na którym para jest przedstawiona razem, jest „Portret rodzinny Izaaka Massy i jego żony” (1622).

„Regenci Domu Seniorów”

W 1644 Hals został prezesem cechu św. Łukasz. W 1649 namalował portret Kartezjusza.

« Charakterystyka psychologiczna zagłębić się w portrety z lat czterdziestych XVII wieku. („Regenci szpitala św. Elżbiety”, 1641, portret młodzieńca, ok. 1642-50, „Jasper Schade van Westrum”, ok. 1645); W kolorystyce tych prac zaczyna dominować srebrnoszary ton. Później działa Khalsa są wykonywane w sposób bardzo swobodny i rozwiązywane w trybie zapasowym schemat kolorów, zbudowany na kontrastach tonacji czerni i bieli („Człowiek w czarnym ubraniu”, ok. 1650-52, „V. Cruz”, ok. 1660); niektórzy z nich okazali głęboki pesymizm („Regenci domu starców”, „Regenci domu starców”, oba 1664).

„Na starość Hals przestał przyjmować zamówienia i popadł w biedę. Artysta zmarł w przytułku w Haarlemie 26 sierpnia 1666 roku.”

Największa kolekcja obrazów artysty znajduje się w Muzeum Halsa w Haarlemie.

Twórcą holenderskiego portretu realistycznego był Frans Hals (Hals) (ok. 1580-1666), którego dorobek artystyczny swoją ostrością i siłą uchwycenia wewnętrznego świata człowieka wykracza daleko poza narodową kulturę holenderską. Artysta o szerokim światopoglądzie, odważny innowator, burzył kanony portretu klasowego (szlacheckiego), które wyłoniły się przed nim w XVI wieku. Nie interesowała go osoba ukazana zgodnie ze swoim statusem społecznym, w majestatycznie uroczystej pozie i uroczystym stroju, ale osoba w całej jej naturalnej istocie, charakterze, z jej uczuciami, intelektem, emocjami. Na portretach Halsa reprezentowane są wszystkie warstwy społeczeństwa: mieszczanie, strzelcy, rzemieślnicy, przedstawiciele klas niższych; jego szczególne sympatie są po stronie tych ostatnich, a na ich wizerunkach ukazał głębię potężnego, pełnokrwistego talentu. Demokracja jego sztuki wynika z nawiązań do tradycji epoki rewolucji holenderskiej. Hals portretował swoich bohaterów bez upiększeń, z ich bezceremonialną moralnością i potężną miłością do życia. Hals poszerzył zakres portretu wprowadzając elementy fabuły, ujmując te ukazane w akcji, w konkretnej sytuacji życiowej, podkreślając mimikę, gesty, pozy, uchwycone błyskawicznie i trafnie. Artysta poszukiwał emocjonalnej intensywności i witalności cech portretowanych, przekazując ich niepohamowaną energię. Hals nie tylko zreformował portrety indywidualne, zamówione i zbiorowe, ale był twórcą portretu z pogranicza gatunku codziennego.
Hals urodził się w Antwerpii, następnie przeniósł się do Haarlemu, gdzie mieszkał przez całe życie. Był osobą pogodną, ​​towarzyską, życzliwą i beztroską. Osobowość twórcza Khalsy ukształtowała się na początku lat dwudziestych XVII wieku. Dużą popularność zyskały mu portrety grupowe oficerów kompanii strzeleckiej św. Jerzego (1627, Haarlem, Muzeum Fransa Halsa) i kompanii strzeleckiej św. Adriana (1633, tamże). Podczas święta prezentowane są silne, energiczne osoby, które brały czynny udział w walce wyzwoleńczej z hiszpańskimi zdobywcami. Wesoły nastrój z odrobiną humoru jednoczy funkcjonariuszy o różnych charakterach i manierach. Nie ma tu głównego bohatera. Wszyscy obecni są równorzędnymi uczestnikami uroczystości. Hals przezwyciężył czysto zewnętrzne powiązanie postaci, charakterystyczne dla portretów jego poprzedników. Jedność asymetrycznej kompozycji osiąga się dzięki żywej komunikacji, swobodnej swobodzie aranżacji figur, połączonych falowym rytmem.
Energiczny pędzel artysty rzeźbi wolumeny form z blaskiem i siłą. Strumienie światło słoneczneślizgają się po twarzach, błyszczą w koronkach i jedwabiu, błyszczą w okularach. Barwną paletę, w której dominują czarne garnitury i białe kołnierzyki, ożywiają dźwięczne oficerskie baldryty w kolorze złotożółtym, fioletowym, niebieskim i różowym. Pełni poczucia własnej wartości, a jednocześnie wolni i zrelaksowani, gestykulujący, holenderscy mieszczanie pojawiają się na portretach Halsa, przekazując natychmiastowo uchwycony stan. Oficer w kapeluszu z szerokim rondem, z ramionami podłożonymi pod boki, uśmiecha się prowokacyjnie (1624, Londyn, Wallace Collection). Urzeka naturalność i żywiołowość póz, ostrość charakteryzacji i najwyższa umiejętność wykorzystania w malarstwie kontrastu bieli i czerni.
Portrety Halsa są zróżnicowane pod względem motywów i obrazów. Ale portretowani są zjednoczeni wspólne cechy: integralność natury, miłość do życia. Hals to malarz śmiechu, pogodnego, zaraźliwego uśmiechu. Artysta z iskrzącą radością ożywia twarze zwykłych ludzi, gości karczm i ulicznych jeżowców. Jego bohaterowie nie zamykają się w sobie, kierują wzrok i gesty w stronę widza.
Obraz „Cygana” (ok. 1630 r., Paryż, Luwr) przepełniony jest tchnieniem wolności. Hals podziwia dumną pozycję jej głowy w aureoli puszystych włosów, uwodzicielski uśmiech, dziarski blask oczu i wyraz niezależności. Wibrujący zarys sylwetki, przesuwające się promienie światła, biegnące chmury, na tle których przedstawiona jest Cyganka, wypełniają obraz dreszczem życia. Portret Malle Babbe (pocz. lat 30. XVII w., Berlin – Dahlem, Galeria Sztuki), właścicielka tawerny, nieprzypadkowo nazywana „Czarownicą z Harlemu”, rozwija się w małą scenę rodzajową. Brzydka stara kobieta o płonącym, przebiegłym spojrzeniu, odwracając się ostro i uśmiechając się szeroko, jakby odpowiadała jednemu z bywalców swojej tawerny. Na jej ramieniu pojawia się złowieszcza sowa w ponurej sylwetce. Uderza ostrość, wizja, ponura siła i witalność stworzonego przez artystę obrazu. Asymetria kompozycji, dynamika i bogactwo kanciastego pociągnięcia pędzla wzmagają niepokój sceny.
W połowie XVII wieku zmiany, jakie zaszły w społeczeństwie holenderskim, były wyraźnie widoczne; W miarę umacniania się w niej pozycji burżuazji, która utraciła kontakt z masami, nabiera ona coraz bardziej konserwatywnego charakteru. Stosunek burżuazyjnych klientów do artyści realiści. Popularność stracił także Hals, którego demokratyczna sztuka stała się obca wynagradzającej się burżuazji, pędzącej po arystokratycznej modzie.
Afirmujący życie optymizm mistrza został zastąpiony głęboką myślą, ironią, goryczą i sceptycyzmem. Jego realizm stał się bardziej psychologicznie głęboki i krytyczny, a jego umiejętności bardziej wyrafinowane i doskonałe. Zmienił się również kolor Khalsy, nabierając większej powściągliwości; w dominującym srebrno-szarym, zimnym zakresie tonalnym, wśród czerni i bieli, małe, dokładnie odnalezione plamki różowawego lub czerwonego koloru nabierają szczególnego brzmienia. Poczucie goryczy i rozczarowania wyczuwalne jest w „Portrecie mężczyzny w czarnym ubraniu” (ok. 1660 r., Petersburg, Ermitaż), w którym najsubtelniejsze barwne odcienie twarzy wzbogacają się i ożywają obok powściągliwych, niemal monochromatyczne odcienie czerni i bieli.
Najwyższym osiągnięciem Halsa są jego ostatnie portrety zbiorowe regentów i regentów (powierników) domu opieki, wykonane w 1664 roku, na dwa lata przed śmiercią artysty, który ukończył samotnie ścieżka życia w schronisku. Pełni próżności, zimni i wyniszczeni, żądni władzy i aroganccy, za stołem zasiadają starzy zarządcy z grupy „Portret regentów domu opieki” (Harlem, Muzeum Fransa Halsa. Ręka starego artysty bezbłędnie trafnie stosuje swobodne, szybkie pociągnięcia.Kompozycja stała się spokojna i surowa.Niewielkość przestrzeni, układ figur, płynność rozproszone światło, jednakowo doświetlające wszystkie przedstawione, pomagają skupić uwagę na cechach charakterystycznych każdego z nich. Kolorystyka jest lakoniczna z przewagą odcieni czerni, bieli i szarości. Późne portrety Halsa stoją obok najwybitniejszych dzieł portretu światowego: w swojej psychologii bliskie są portretom największego z malarzy holenderskich – Rembrandta, który podobnie jak Hals doświadczył swojej życiowej sławy wchodząc w konflikt z elitą burżuazyjną społeczeństwa holenderskiego.

Frans Hals urodził się około 1581 roku w Antwerpii w rodzinie tkackiej. Jako młody człowiek przybył do Haarlemu, gdzie mieszkał niemal nieprzerwanie aż do śmierci (w 1616 odwiedził Antwerpię, a w połowie lat trzydziestych XVII wieku – Amsterdam). Niewiele wiadomo o życiu Hulse'a. W 1610 r. wstąpił do cechu św. Łukasza, a w 1616 r. wstąpił do izby retorów (aktorów amatorów). Bardzo szybko Hals stał się jednym z najbardziej znanych znani portreciści Haarlem.
W XV–XVI w. w malarstwie niderlandzkim istniała tradycja malowania portretów wyłącznie przedstawicieli kręgów rządzących, sławni ludzie i artyści. Sztuka Halsa jest głęboko demokratyczna: w jego portretach widzimy arystokratę, zamożnego obywatela, rzemieślnika, a nawet człowieka z samego dołu. Artysta nie stara się idealizować przedstawionych osób, najważniejsza jest dla niego ich naturalność i niepowtarzalność. Jego szlachta zachowuje się równie zrelaksowana, jak przedstawiciele niższych warstw społeczeństwa, którzy na obrazach Khalsa są przedstawiani jako ludzie pogodni i niepozbawieni poczucia własnej wartości.
Wspaniałe miejsce Portret grupowy zajmuje miejsce w twórczości artysty. Najlepsze prace Gatunkiem tym stały się portrety oficerów kompanii strzeleckiej św. Jerzego (1627) i kompanii strzeleckiej św. Adriana (1633). Każda postać na obrazach ma swoją odrębną osobowość, a jednocześnie dzieła te wyróżniają się integralnością.
Hals malował także na zamówienie portrety przedstawiające zamożnych mieszczan i ich rodziny w zrelaksowanych pozach („Portret Izaaka Massy”, 1626; „Portret Hethuisena”, 1637). Obrazy Hals są żywe i dynamiczne, sprawia wrażenie, jakby postacie na portretach rozmawiały z niewidzialnym rozmówcą lub zwracały się do widza.
Przedstawiciele popularnego środowiska na portretach Khalsa wyróżniają się żywą ekspresją i spontanicznością. W obrazach chłopców ulicy, rybaków, muzyków i bywalców tawerny można wyczuć sympatię i szacunek autora. Jego „Cygan” jest niezwykły. Uśmiechnięta młoda kobieta sprawia wrażenie zaskakująco żywej, jej chytry wzrok skierowany jest na rozmówcę, niewidocznego dla widzów. Hals nie idealizuje swojego modela, ale wizerunek wesołej, rozczochranej Cyganki zachwyca dziarskim urokiem.
Bardzo często portrety Hulse'a zawierają elementy sceny rodzajowej. Są to wizerunki dzieci śpiewających lub grających na instrumentach muzycznych („Śpiewający chłopcy”, 1624–1625). W tym samym duchu wykonano słynną „Malle Babbe” (początek lat trzydziestych XVII w.), przedstawiającą znaną właścicielkę tawerny w Haarlemie, którą odwiedzający za jej plecami nazywali Czarownicą z Haarlemu. Artysta niemal groteskowo przedstawił kobietę z ogromnym kuflem do piwa i sową na ramieniu.
W latach czterdziestych XVII w. W kraju widać oznaki punktu zwrotnego. Od zwycięstwa rewolucji minęło zaledwie kilkadziesiąt lat, a burżuazja przestała już być klasą postępową opartą na tradycjach demokratycznych. Prawdziwość obrazów Hulse'a nie przyciąga już zamożnych klientów, którzy chcą widzieć siebie na portretach lepiej, niż są w rzeczywistości. Ale Hulse nie porzucił realizmu, a jego popularność gwałtownie spadła. W malarstwie tego okresu pojawiają się nuty smutku i rozczarowania („Portret mężczyzny w kapeluszu z szerokim rondem”). Jego paleta staje się bardziej rygorystyczna i spokojniejsza.
W wieku 84 lat Hulse stworzył dwa swoje arcydzieła: portrety grupowe regentów (powierników) i regentów domu opieki (1664). Te ostatnie prace Prace holenderskiego mistrza wyróżniają się emocjonalnością i wyrazistą indywidualnością jego obrazów. Wizerunki regentów – starców i kobiet – emanują smutkiem i śmiercią. To uczucie podkreśla także kolorystyka w czerni, szarości i bieli.
Hals zmarł w 1666 roku w głębokiej biedzie. Jego prawdziwa, afirmująca życie sztuka wywarła ogromny wpływ na wielu holenderskich artystów.

Malarstwo Rembrandta.

Rembrandta Harmensa van Rijna(Holenderski Rembrandta Harmenszoona van Rijna[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) – holenderski artysta, rysownik i rytownik, Wielki mistrzświatłocień, największy przedstawiciel złoty wiek malarstwa holenderskiego. Udało mu się ucieleśnić w swoich pracach całe spektrum ludzkich przeżyć z takim bogactwem emocjonalnym, jakiego sztuka piękna nie znała wcześniej. Dzieła Rembrandta, niezwykle różnorodne przynależność gatunkowa, otwierają przed widzem ponadczasowy, duchowy świat ludzkich przeżyć i uczuć.

• 1 Biografia
• 1.1 Lata praktyki
• 1.2 Wpływ Lastmana i karawagistów
• 1.3 Warsztaty w Lejdzie
• 1.4 Wyjście własny styl
• 1.5 Sukces w Amsterdamie
• 1.6 Dialog z Włochami
• 1.7 „Nocna straż”
• 1.8 Okres przejściowy
• 1.9 Późny Rembrandt
• 1.10 Najnowsze prace
• 2 Problemy z atrybucją
• 3 uczniów Rembrandta
• 4 Pośmiertna sława
• 5 W kinie
• 6 Notatki
• 7 Linków

Biografia

Lata praktyki

Rembrandt Harmenszoon („syn Harmena”) van Rijn urodził się 15 lipca 1606 roku (według niektórych źródeł w 1607 roku) w wielodzietnej rodzinie bogatego właściciela młyna Harmena Gerritszoona van Rijna w Lejdzie. Rodzina matki pozostała wierna nawet po rewolucji holenderskiej Religia katolicka.

„Alegoria muzyki” z 1626 r. – przykład wpływu Lastmana na młodego Rembrandta

W Lejdzie Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale największe zainteresowanie wykazał zainteresowanie malarstwem. W wieku 13 lat został wysłany na studia sztuk pięknych w Lejdzie malarz historyczny Jacob van Swanenburch, katolik z wiary. Dzieła Rembrandta z tego okresu nie zostały zidentyfikowane przez badaczy, a kwestia wpływu Swanenbuercha na rozwój jego stylu twórczego pozostaje otwarta: zbyt mało dziś wiadomo o tym leidenskim artyście.

W 1623 roku Rembrandt studiował w Amsterdamie u Pietera Lastmana, który odbył staż we Włoszech i specjalizował się w zagadnieniach historycznych, mitologicznych i historie biblijne. Wracając do Lejdy w 1627 roku, Rembrandt wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otworzyli własny warsztat i rozpoczęli rekrutację studentów. W ciągu kilku lat zyskał znaczną sławę.

Najpopularniejszymi „holenderskimi martwymi naturami” pozostały martwe natury kwiatowe. Zainspirowały widza do myślenia o tematyce moralnej i religijnej. Złożony z pięknych i różnorodnych kwiatów (tulipany, irysy, róże, ostróżki, fiołki - „ bratki„, goździki, maki, zawilce, hiacynty, żonkile, dzwonki, konwalie, niezapominajki, stokrotki, orliki, tacety), bukiet był malowniczym hymnem na cześć piękna boskiego stworzenia, a poprzez niego – mądrość i hojność Pana, który pozwolił, aby to piękno zostało uchwycone na zawsze.

Na pierwszy rzut oka bukiety sprawiają wrażenie namalowanych z natury, jednak po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że składają się z roślin kwitnących w inny czas. Wrażenie naturalności i iluzjonistycznego podobieństwa do życia powstaje dzięki temu, że wizerunki poszczególnych kolorów opierają się na indywidualnych studiach z natury. Była to zwykła metoda pracy malarzy martwych natur kwiatowych. Artyści wykonali staranne rysunki akwarelą i gwaszem, czerpiąc kwiaty z życia, m.in różne kąty i przy różnym oświetleniu, a rysunki te służyły im potem wielokrotnie – powtarzali je w obrazach. Jako materiał roboczy wykorzystano także rysunki innych artystów, ryciny ze zbiorów drukowanych i atlasy botaniczne.

Jana Baptiste’a von Fornenbrucha. Sered. XVII wiek

Balthasara van der Asta. „Tulipan”.1690. Paryż.

Gerarda van Spaendo. "Bukiet".


Jakub Morrel. „Dwa tulipany”

Tulipany.
http://picasaweb.google.com/manon.and.gabrielle/m NpGmI#

Klienci, szlachta i mieszczanie, w martwych naturach doceniali to, że przedstawiane kwiaty „jak gdyby były żywe”. Ale te obrazy nie były naturalistyczne. Są romantyczne i poetyckie. Natura w nich jest przekształcana poprzez malowanie.

„Portrety” kwiatów, malowane na pergaminie akwarelą i gwaszem, powstały do ​​albumów florystycznych, w których ogrodnicy starali się uwiecznić dziwne rośliny. Szczególnie liczne są obrazy tulipanów. Prawie każda holenderska martwa natura zawiera tulipany. W XVII wieku W Holandii był prawdziwy boom tulipanowy, czasami za rzadką cebulkę tulipana zastawiano dom.
Tulipany przybyły do ​​Europy w 1554 roku. Do Augsburga wysłał ich ambasador Niemiec na dworze tureckim Busbeck. Podczas swoich podróży po kraju był zafascynowany widokiem tych delikatnych kwiatów. Wkrótce tulipany rozprzestrzeniły się na Francję i Anglię, Niemcy i Holandię. Właścicielami cebul tulipanów w tamtych czasach byli naprawdę bogaci ludzie – ludzie królewskiej krwi lub ich bliscy. W Wersalu odbyły się specjalne uroczystości na cześć rozwoju nowych odmian.
Nie tylko holenderska szlachta, ale także zwykli mieszczanie mogli sobie pozwolić na posiadanie pięknych martwych natur. Liczba holenderskich martwych natur kwiatowych jest ogromna, ale to ich nie umniejsza wartość artystyczna. Po aukcjach, gdy sytuacja gospodarcza Holandii stała się niezbyt doskonała, malownicze zbiory z domów mieszczańskich trafiały do ​​pałaców europejskiej szlachty i królów.
Chęć artystów, aby urozmaicić kompozycję swoich bukietów, zmusiła ich do podróży różne miasta i twórz rysunki życia w ogrodach miłośników kwiatów w Amsterdamie, Utrechcie, Brukseli, Haarlemie i Lejdzie. Artyści musieli także poczekać na zmieniające się pory roku, aby uchwycić upragniony kwiat.