Klasicizmus (z latinského classicus – príkladný) – umelecký štýl a smer v umení Európy v 17. – 19. storočí. Vychádza z myšlienok racionalizmu, ktorého hlavným cieľom je vzdelávať verejnosť na základe určitého ideálu, modelu, ktorý je podobný o. Ako príklad slúžila kultúra. staroveký svet. Pravidlá a kánony klasicizmu mali prvoradý význam; museli ich dodržiavať všetci umelci pracujúci v rámci tohto smeru a štýlu.

História pôvodu

Klasicizmus ako hnutie zahŕňal všetky druhy umenia: maľbu, hudbu, literatúru, architektúru.

Úplne opačný je klasicizmus, ktorého hlavným cieľom je výchova verejnosti na základe určitého ideálu a dodržiavanie všetkých všeobecne uznávaných kánonov, ktorý popieral všetky pravidlá a bol vzburou proti akejkoľvek umeleckej tradícii v akomkoľvek smere.

Vo svojom vývoji prešiel klasicizmus 3 etapami:

1. Raný klasicizmus(60. roky 18. storočia – začiatok 80. rokov 18. storočia);
2. Prísny klasicizmus(80. – 90. roky 18. storočia);
3. Neskorý klasicizmus, tzv. (prvých 30 rokov 19. storočia).

Na fotografii je Víťazný oblúk v Paríži - žiarivý príklad klasicizmu.

Štýlové funkcie

Klasicizmus sa vyznačuje jasným geometrické tvary, vysoko kvalitné materiály, ušľachtilá povrchová úprava a zdržanlivosť. Majestátnosť a harmónia, pôvab a luxus - to sú hlavné charakteristické črty klasicizmu. neskôr vystavené v minimalistických interiéroch.

Všeobecné vlastnosti štýlu:

• hladké steny s jemnými kvetinovými motívmi;
• prvky staroveku: paláce a stĺpy;
• štuk;
• vynikajúce parkety;
• látkové tapety na stenách;
• elegantný, elegantný nábytok.

Charakteristickým rysom ruského klasického štýlu boli pokojné obdĺžnikové tvary, zdržanlivé a zároveň rozmanité dekoratívny dizajn, presné proporcie, decentný vzhľad, harmónia a chuť.

Vonkajšie

Vonkajšie znaky klasicistickej architektúry sú zreteľne vyjadrené a dajú sa identifikovať na prvý pohľad na budovu.

• Dizajn: stabilné, masívne, pravouhlé a klenuté. Kompozície sú jasne naplánované, dodržiava sa prísna symetria.
• Tvary: jasná geometria, objem a monumentálnosť; sochy, stĺpy, výklenky, rotundy, pologule, štíty, vlysy.
• Linky: prísny; systém pravidelného plánovania; basreliéfy, medailóny, hladký vzor.
• Materiály: kameň, tehla, drevo, štuky.
• strecha: zložitý, zložitý tvar.
• Prevládajúce farby: sýta biela, zelená, ružová, fialová, nebeská modrá, zlatá.
• Charakteristické prvky: zdržanlivý dekor, stĺpy, pilastre, starožitné ornamenty, mramorové schodisko, balkóny.
• okno: polkruhové, obdĺžnikové, pretiahnuté nahor, skromne zdobené.
• Dvere: obdĺžnikové, obložené, často zdobené sochami (lev, sfinga).
• Dekor: rezba, zlátenie, bronz, perleť, intarzia.

Interiér

Interiér priestorov klasicizmu obsahuje noblesu, zdržanlivosť a harmóniu. Všetky interiérové ​​predmety však nevyzerajú ako muzeálne exponáty, ale zdôrazňujú iba jemný umelecký vkus a vážnosť majiteľa.

Izba má správna forma, naplnený atmosférou vznešenosti, pohodlia, tepla a nádherného luxusu; nie je preťažený detailmi.

Centrálne miesto vo výzdobe interiéru je obsadené prírodné materiály, hlavne cenné druhy dreva, mramoru, kameňa, hodvábu.

• stropy:ľahké, vysoké, často viacúrovňové, so štukami a ornamentami.
• Steny: zdobené tkaninami, svetlé, ale nie svetlé, pilastre a stĺpy, štuky alebo maľby sú možné.
• Podlaha: parkety z cenných drevín (merbau, camsha, teak, jatoba) alebo mramoru.
• osvetlenie: lustre z krištáľu, kameňa alebo drahého skla; pozlátené lustre s tienidlami v tvare sviečky.
• Povinné atribúty interiéru: zrkadlá, krby, útulné nízke kreslá, nízke čajové stolíky, svetlé koberce vlastnoručný, obrazy s antickými výjavmi, knihy, masívne podlahové vázy štylizované do antiky, stojany na kvety na statívy.

Vo výzdobe miestnosti sa často používajú starožitné motívy: meandre, festóny, vavrínové girlandy, šnúrky perál. Na dekoráciu sa používajú drahé textílie vrátane tapisérií, taftu a zamatu.

Nábytok

Nábytok z klasicizmu sa vyznačuje kvalitou a serióznosťou, vyrobený z drahých materiálov, najmä z hodnotného dreva. Je pozoruhodné, že textúra dreva pôsobí nielen ako materiál, ale aj ako dekoratívny prvok. Nábytkové predmety sú vyrábané ručne, zdobené rezbami, zlátením, intarziou, drahokamy a kovy. Ale forma je jednoduchá: prísne línie, jasné proporcie. Jedálenské stoly a stoličky sú vyrobené s elegantnými vyrezávanými nohami. Riad je porcelánový, tenký, takmer priehľadný, so vzorom a zlátením. Jeden z najdôležitejšie atribúty nábytok bol považovaný za sekretár s kubickým telom na vysokých nohách.

Architektúra

Klasicizmus sa vrátil k základom starodávna architektúra, s použitím nielen prvkov a motívov, ale aj vzorov v dizajne. Základom architektonického jazyka je poriadok s prísnou symetriou, proporcionalitou vytvorenej kompozície, pravidelnosťou usporiadania a jasnosťou objemovej formy.

Klasicizmus je úplným opakom so svojou honosnosťou a dekoratívnymi excesmi.

Vznikli neopevnené paláce a záhradné a parkové celky, ktoré sa stali základom francúzskej záhrady s narovnanými uličkami, upravenými trávnikmi v tvare šišiek a gúľ. Typickými detailmi klasicizmu sú akcentované schody, klasický starožitný dekor, kupola vo verejných budovách.

Neskorý klasicizmus (empírový štýl) získava vojenské symboly (vo Francúzsku „Arc de Triomphe“). V Rusku je to kánon architektonický štýl klasicizmus možno nazvať Petrohrad, v Európe - to sú Helsinki, Varšava, Dublin, Edinburgh.

Sochárstvo

V ére klasicizmu sa rozšírili verejné pamiatky stelesňujúce vojenskú odvahu a múdrosť štátnikov. Navyše, hlavným riešením pre sochárov bol obrazový model slávnych postáv na obraz starých bohov (napríklad Suvorov - v podobe Marsu). Stala sa populárnou medzi jednotlivcami na zákazku sochárov náhrobných kameňov zvečniť ich mená. Vo všeobecnosti sa sochy tejto doby vyznačujú pokojom, zdržanlivosťou v gestách, nezaujatým výrazom a čistotou línií.

Móda

Záujem o antiku v odievaní sa začal prejavovať v 80. rokoch 18. storočia. To sa prejavilo najmä v dámsky oblek. V Európe sa objavil nový ideál krásy, ktorý oslavoval prírodné formy a krásne ženské línie. Do módy sa dostali najjemnejšie hladké tkaniny svetlých farieb, najmä bielej.

Dámske šaty stratili rámy, vypchávky a spodničky a nadobudli podobu dlhých plisovaných tuník, na bokoch prestrihnutých a previazaných opaskom pod prsiami. Nosili sa cez pančucháče telovej farby. Ako obuv slúžili sandále so stuhami. Účesy sa kopírujú už od staroveku. Stále je v móde púder, ktorým sa zakrývala tvár, ruky, dekolt.

Doplnky obsahovali buď mušelínové turbany zdobené perím, turecké šatky alebo kašmírske šály.

Od začiatku 19. storočia sa začali šiť spoločenské šaty s vlečkami a hlbokým výstrihom. A v každodenných šatách bol výstrih pokrytý čipkovaným šálom. Účes sa postupne mení a púder sa nepoužíva. K móde patria nakrátko ostrihané vlasy, stočené do kučier, zviazané zlatou stuhou alebo ozdobené korunou kvetov.

Pánska móda sa vyvinula pod vplyvom Angličanov. Populárne sa stávajú anglické látkové fraky, redingotes (vrchné oblečenie pripomínajúce fusak), džaboty a manžety. V ére klasicizmu prišli do módy pánske kravaty.

čl

V maľbe sa klasicizmus vyznačuje aj zdržanlivosťou a prísnosťou. Hlavnými prvkami formy sú čiara a svetlo a tieň. Miestna farba zdôrazňuje plasticitu predmetov a postáv, oddeľuje územný plán maľby. Najväčší majster 17. storočia. – Lorraine Claude, známy svojimi „ideálnymi krajinami“. Občiansky pátos a lyrika sa spojili v „ dekoratívne krajinky» Francúzsky maliar Jacques Louis David (XVIII. storočie). Z ruských umelcov možno vyzdvihnúť Karla Bryullova, ktorý spojil klasicizmus s (19. storočie).

Klasicizmus v hudbe sa spája s takými veľkými menami ako Mozart, Beethoven či Haydn, ktorí určili ďalší vývoj hudobného umenia.

Literatúra

Literatúra klasickej éry propagovala rozum dobývajúci city. Konflikt medzi povinnosťou a vášňou je základom deja literárneho diela. V mnohých krajinách sa uskutočnili jazykové reformy a položili sa základy básnického umenia. Vedúcimi predstaviteľmi smeru sú Francois Malherbe, Corneille, Racine. Hlavným kompozičným princípom diela je jednota času, miesta a deja.

V Rusku sa pod záštitou osvietenstva rozvíja klasicizmus, ktorého hlavnými myšlienkami boli rovnosť a spravodlivosť. Väčšina svetlý predstaviteľ literatúre éry ruského klasicizmu - M. Lomonosov, ktorý položil základy versifikácie. Hlavným žánrom bola komédia a satira. V tomto smere pracovali Fonvizin a Kantemir.

„Zlatý vek“ sa považuje za éru klasicizmu divadelné umenie, ktorá sa veľmi dynamicky rozvíjala a zdokonaľovala. Divadlo bolo celkom profesionálne a herec na javisku nielen hral, ​​ale žil, prežíval, pričom zostal sám sebou. Divadelný štýl bol vyhlásený za umenie deklamácie.

Osobnosti

Medzi najjasnejších klasicistov možno vyzdvihnúť aj také mená ako:

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (architektúra);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovský, Michail Kozlovský (socha);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (maľba);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Khemnitser (literatúra).

Video recenzia klasicizmu

Záver

Nápady z éry klasicizmu sa úspešne používajú v modernom dizajne. Zachováva si noblesu a eleganciu, krásu a vznešenosť. Hlavnými znakmi sú nástenné maľby, závesy, štuky, nábytok z prírodného dreva. Dekorácií je málo, ale všetky sú luxusné: zrkadlá, obrazy, masívne lustre. Vo všeobecnosti štýl stále charakterizuje majiteľa ako úctyhodného, ​​ďaleko od chudobného človeka.

Neskôr sa objaví ďalšia, ktorá znamenala príchod novej éry – táto. sa stal spojením viacerých moderných štýlov, medzi ktoré patrí nielen klasický, ale aj barokový (v maliarstve), antická kultúra, či renesancia.

Úvod …………………………………………………………………………………………

Barok …………………………………………………………

Klasicizmus ………………………………………………….

Romantizmus …………………………………………………………

Realizmus ………………………………………………………………….

Bibliografia………………………………

Úvod.

Dejiny umenia sa vyznačujú zmenou rôznych štýlov a trendov.

Pod umelecký štýl chápať súhrn všetkých výtvarných výrazových prostriedkov, všetkých tvorivých techník, ktoré ako celok tvoria určitý obrazový systém.

Štýl ako jeden obrazový systém vychádza z jednoty ideového obsahu, z ktorej vzniká jednota všetkých prvkov umeleckej formy, všetkých výtvarných a výrazových prostriedkov. Slovo „štýl“ teda označuje tú viditeľnú, hmatateľnú originalitu, ktorá upúta predovšetkým pozornosť a podľa ktorej možno okamžite určiť rozdiel medzi jedným fenoménom v umení a inými.

Samotné tieto javy sú nekonečne rôznorodé: môžeme hovoriť o štýle jednotlivého diela alebo skupiny diel, o individuálnom štýle, autorovom, o štýle určitých krajín, národov a geografických oblastí.

Pojem „umelecký štýl“ sa však najčastejšie vzťahuje na veľké „historické“ štýly určitých období, keď jednota sociálno-historického obsahu určuje stabilnú jednotu umeleckých a obrazových princípov, prostriedkov a techník.

V oblasti umenia druhej polovice 17. storočia. nastal rozkvet štýlu barokový, ktorá bola úzko spätá s vtedajšou cirkvou a šľachtickou kultúrou. Ukazoval sklony k oslave života, celého bohatstva skutočnej existencie. Maliarstvo, sochárstvo, architektúra a baroková hudba oslavovali a vyzdvihovali panovníkov, cirkev a šľachtu.

V európskom umení a literatúre bol kanonizovaný iný druh estetiky, protiklad k umeleckým prostriedkom baroka klasicizmu. Klasicizmus, ktorý je úzko spojený s kultúrou renesancie, sa obrátil k starovekým normám umenia ako dokonalým príkladom; vyznačoval sa racionalistickou jasnosťou a prísnosťou.

Prvá polovica 19. storočia sa stalo obdobím intenzívneho rozvoja duchovnej kultúry. Medzi jeho rôznorodými prejavmi je najvýraznejší romantizmu, vyznačujúci sa výnimočnou všestrannosťou. Vo sfére umeleckej tvorivosti sa jednoznačne vtlačila ako hnutie do literatúry, výtvarného umenia, hudby a divadla. Romantizmus zároveň predstavoval určitý svetonázor: romantický smer sa rozvíjal v oblasti filozofických a estetických predstáv, historickej vedy, vznikol romantický typ osobnosti a správania.

V 30. a 40. rokoch ročníky XIX V. spolu s romantizmom v beletrii a maľbe, realizmus. Diela realistických spisovateľov Balzaca, Stendhala, Dickensa, Thackerayho a iných sa vyznačujú výnimočne širokým záberom reality a prevahou spoločenských tém. Život spoločnosti v jeho najrozmanitejších prejavoch, život, zvyky a psychológia ľudí patriacich do rôznych vrstiev ešte nikdy nedostali v literatúre taký mnohostranný odraz.

Historické a kultúrne procesy New Age - rozvoj kapitalizmu, vedecko-technický pokrok, spoločenský systém vybudovaný na princípoch liberálnej demokracie, myšlienky a hodnoty osvietenstva a pozitivizmu, estetika veľkých štýlov 17.– 19. storočie (baroko, rokoko, sentimentalizmus, klasicizmus, romantizmus, realizmus) – malo rozhodujúci vplyv na formovanie nášho moderného sveta.

barokový.

barokový (Talianske baroko – „zhubný“, „voľný“, „náchylný k prebytku“, port. perola barroca – „perla nie je správna forma"(doslova "perla s chybou"); existujú ďalšie predpoklady o pôvode tohto slova) - charakteristika európskej kultúry 17.-18. storočia, ktorej centrom bolo Taliansko. Barokový štýl sa objavil v r XVI-XVII storočia v talianskych mestách: Rím, Mantua, Benátky, Florencia. Obdobie baroka sa považuje za začiatok víťazného pochodu „západnej civilizácie“. Baroko je charakteristické kontrastom, napätím, dynamickými obrazmi, afektovanosťou, túžbou po vznešenosti a nádhere, po spojení reality a ilúzie, po splynutí umenia (mestské a palácové a parkové súbory, opera, náboženská hudba, oratórium); zároveň - tendencia k autonómii jednotlivých žánrov (concerto grosso, sonáta, suita v inštrumentálnej hudbe).

Ideologické základy štýlu vznikli v dôsledku šoku, ktorý nastal v 16. storočí. Reformácia a Kopernikovo učenie. Zmenila sa predstava sveta, zavedeného v staroveku, ako racionálnej a stálej jednoty, ako aj renesančná predstava človeka ako najinteligentnejšej bytosti. Človek sa začal uznávať ako „niečo medzi všetkým a ničím“, ako povedal Pascal, „niekoho, kto zachytáva iba zdanie javov, ale nedokáže pochopiť ani ich začiatok, ani koniec“.

Baroková éra vedie k obrovskému množstvu času na zábavu: namiesto pútí - promenáda (prechádzky v parku); namiesto rytierskych turnajov - „kolotoče“ (jazda na koni) a kartové hry; namiesto mysterióznych hier je tu divadlo a maškarný ples. Môžete tiež pridať vzhľad hojdačiek a „ohňovej zábavy“ (ohňostroj). V interiéroch nahradili ikony portréty a krajiny a hudba sa z duchovna zmenila na príjemnú zvukovú hru.

Baroková éra odmieta tradície a autority ako povery a predsudky. Všetko, čo je „jasne a zreteľne“ myslené alebo má matematické vyjadrenie, je pravda, hovorí filozof Descartes. Preto je barok aj storočím rozumu a osvietenstva. Nie je náhoda, že slovo „barokový“ sa niekedy používa na označenie jedného z typov záverov v stredovekej logike - baroka. Prvý európsky park sa objavuje vo Versailles, kde je myšlienka lesa vyjadrená mimoriadne matematicky: lipové aleje a kanály sa zdajú byť nakreslené pravítkom a stromy sú orezané na spôsob stereometrických obrazcov. Uniformované barokové armády po prvý raz veľká pozornosť Venujú pozornosť „vŕtaniu“ - geometrickej správnosti formácií na prehliadkovom ihrisku.

Barokový človek odmieta prirodzenosť, ktorá sa stotožňuje s divokosťou, bezobradnosťou, tyraniou, brutalitou a ignoranciou – všetko, čo by sa v ére romantizmu stalo cnosťou. Baroková žena si cení svoju bledú pokožku a nosí neprirodzený, prepracovaný účes, korzet a umelo rozšírenú sukňu s kosticou. Má opätky.

A z džentlmena sa stáva ideálny muž v dobe baroka – z angl. jemný: „mäkký“, „jemný“, „pokojný“. Spočiatku si radšej holil fúzy a bradu, nosil parfumy a nosil napudrované parochne. Načo je to sila, keď sa teraz zabíja stlačením spúšte muškety. V barokovej dobe je prirodzenosť synonymom brutality, divokosti, vulgárnosti a extravagancie. Pre filozofa Hobbesa je prírodný stav stavom charakterizovaným anarchiou a vojnou všetkých proti všetkým.

Barok sa vyznačuje myšlienkou zušľachťovania prírody na základe rozumu. Nie znášať potrebu, ale „ponúknuť ju pôvabne príjemnými a zdvorilými slovami“ (Honest Mirror of Youth, 1717). Podľa filozofa Spinozu pudy už netvoria obsah hriechu, ale „samotnú podstatu človeka“. Preto chuť do jedla nadobúda tvar v rafinovanom stolová etiketa(v baroku sa objavili vidličky a obrúsky); záujem o opačné pohlavie – o zdvorilé flirtovanie, hádky – o sofistikovaný súboj.

Baroko sa vyznačuje myšlienkou spiaceho Boha - deizmus. Boh nie je poňatý ako Spasiteľ, ale ako Veľký architekt, ktorý stvoril svet rovnako ako hodinár vytvára mechanizmus. Preto taká charakteristika barokového svetonázoru ako mechanizmus. Zákon zachovania energie, absolútnosť priestoru a času zaručuje Božie slovo. Keď však Boh stvoril svet, odpočinul si od svojej práce a žiadnym spôsobom nezasahoval do záležitostí vesmíru. K takémuto Bohu je zbytočné sa modliť – učiť sa môžeš len od Neho. Preto skutočnými strážcami osvietenstva nie sú proroci a kňazi, ale prírodovedci. Isaac Newton objavuje zákon univerzálnej gravitácie a píše základné dielo „Matematické princípy“. prírodná filozofia“ (1689) a Carl Linnaeus systematizuje biológiu vo svojom systéme prírody (1735). V európskych metropolách vznikajú akadémie vied a vedecké spoločnosti.

Rozmanitosť vnímania zvyšuje úroveň vedomia – niečo také hovorí filozof Leibniz. Galileo najprv namieri ďalekohľad na hviezdy a dokazuje rotáciu Zeme okolo Slnka (1611) a Leeuwenhoek objavuje pod mikroskopom drobné živé organizmy (1675). Obrovské plachetnice brázdia rozlohy svetových oceánov a vymazávajú biele miesta na geografických mapách sveta. Cestovatelia a dobrodruhovia sa stali literárnymi symbolmi éry: kapitán Gulliver a barón Munchausen.

Athenais de Montespan

Barokový štýl v maľbe charakterizuje dynamickosť kompozícií, „plochosť“ a okázalosť foriem, aristokracia a originalita zápletiek. Najviac charakterové rysy Baroko - chytľavá floridita a dynamika; Pozoruhodným príkladom je dielo Rubensa a Caravaggia.

Michelangelo Merisi (1571-1610), ktorého prezývali Caravaggio podľa jeho rodiska pri Miláne, je považovaný za najvýznamnejšieho majstra talianskych umelcov, ktorí tvorili na konci 16. storočia. nový štýl v maľbe. Jeho maľby s náboženskou tematikou pripomínajú realistické výjavy autorovho súčasného života a vytvárajú kontrast medzi neskorou antikou a modernou dobou. Hrdinovia sú zobrazení v šere, z ktorého lúče svetla vytrhávajú expresívne gestá postáv, kontrastne načrtávajúce ich vlastnosti. Stúpenci a napodobňovatelia Caravaggia, ktorí sa spočiatku nazývali caravaggisti, a samotné hnutie karavaggizmus, ako Annibale Carracci (1560-1609) alebo Guido Reni (1575-1642), si osvojili aj násilie citov a charakteristický spôsob Caravaggia. ako jeho naturalizmus v zobrazovaní ľudí a udalostí.

Peter Paul Rubens (1577-1640) v začiatkom XVII V. študoval v Taliansku, kde sa naučil štýl Caravaggio a Carraci, hoci tam prišiel až po ukončení štúdia v Antverpách. S radosťou kombinoval Najlepšie vlastnosti maliarske školy Severu a Juhu, ktoré na svojich plátnach spájajú prírodné a nadprirodzené, realitu a fantáziu, učenosť a spiritualitu. Okrem Rubensa dosiahol medzinárodné uznanie ďalší majster flámskeho baroka van Dyck (1599-1641). S dielom Rubensa prišiel nový štýl do Holandska, kde ho prevzali Frans Hals (1580/85-1666), Rembrandt (1606-1669) a Vermeer (1632-1675). V Španielsku pracoval Diego Velazquez (1599-1660) spôsobom Caravaggia a vo Francúzsku - Nicolas Poussin (1593-1665), ktorý sa neuspokojil s barokovou školou, položil základy nového smeru vo svojej tvorbe - klasicizmu. .

Pre barokovú architektúru(L. Bernini, F. Borromini v Taliansku, B.F. Rastrelli v Rusku, Jan Christoph Glaubitz v Poľsko-litovskom spoločenstve) sa vyznačujú priestorovým rozsahom, jednotou a plynulosťou zložitých, zvyčajne krivočiarych foriem. Často sú tu veľkorozmerné kolonády, množstvo plastík na fasádach a v interiéroch, volúty, veľké množstvo ostení, oblúkové fasády so stužením v strede, rustikované stĺpy a pilastre. Kupujú sa kupole zložité tvary, často sú viacúrovňové, ako napríklad bazilika sv. Petra v Ríme. Charakteristické barokové detaily - telamon (Atlas), karyatída, maskarón.

V talianskej architektúre bol najvýznamnejším predstaviteľom barokového umenia Carlo Maderna (1556-1629), ktorý sa rozišiel s manierizmom a vytvoril si vlastný štýl. Jeho hlavným výtvorom je fasáda rímskeho kostola Santa Susanna (1603). Hlavnou postavou vo vývoji barokového sochárstva bol Lorenzo Bernini, ktorého prvé majstrovské diela vyhotovené v novom štýle pochádzajú približne z roku 1620. Bernini bol tiež architekt. Je zodpovedný za dizajn námestia Baziliky svätého Petra v Ríme a interiérov, ako aj ďalších budov. Významne prispeli D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Sicílii sa po veľkom zemetrasení v roku 1693 objavil nový neskorobarokový štýl – sicílsky barok.

Za kvintesenciu baroka, pôsobivé spojenie maliarstva, sochárstva a architektúry, sa považuje kaplnka Coranaro v kostole Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Barokový štýl sa rozšíril v Španielsku, Nemecku, Belgicku (vtedy vo Flámsku), Holandsku, Rusku, Francúzsku a Poľsko-litovskom spoločenstve. španielsky barok, alebo lokálne Churrigueresco (na počesť architekta Churriguera), ktorý sa rozšíril aj do Latinskej Ameriky. Jeho najobľúbenejšou pamiatkou je katedrála v Santiagu de Compostela, ktorá je zároveň jedným z najuctievanejších kostolov v Španielsku. V Latinskej Amerike je barok zmiešaný s miestnymi architektonickými tradíciami, toto je jeho najprepracovanejšia verzia a nazýva sa ultrabarokom.

Vo Francúzsku je barokový štýl vyjadrený skromnejšie ako v iných krajinách. Predtým sa verilo, že štýl sa tu vôbec nerozvinul a barokové pamiatky boli považované za pamiatky klasicizmu. Termín „barokový klasicizmus“ sa niekedy používa v súvislosti s francúzskou a anglickou verziou baroka. Za francúzsky barok sa teraz považuje Versaillský palác spolu s pravidelným parkom, Luxemburským palácom, budovou Francúzskej akadémie v Paríži a ďalšími dielami. Majú niektoré klasicistické črty. Charakteristickým znakom barokového štýlu je pravidelný štýl v záhradníctve, ktorého príkladom je Versaillský park.

Neskôr, začiatkom 18. stor. Francúzi vyvinuli svoj vlastný štýl, odrodu baroka - rokoka. Neprejavilo sa to vo vonkajšej úprave budov, ale iba v interiéroch, ako aj v dizajne kníh, odevov, nábytku, obrazov. Štýl bol rozšírený po celej Európe a Rusku.

V Belgicku je vynikajúcou barokovou pamiatkou súbor Grand Place v Bruseli. Rubensov dom v Antverpách, postavený podľa umelcovho vlastného návrhu, má barokové prvky.

V Rusku sa baroko objavilo v 17. storočí („Naryshkin baroque“, „Golitsyn baroque“). V 18. storočí za vlády Petra I. sa v Petrohrade a jeho predmestiach v diele D. Trezziniho začalo rozvíjať takzvané „petrínske baroko“ (zdržanlivejšie) a vrchol dosiahlo za vlády r. Elizabeth Petrovna v diele S. I. Čevakinského a B. Rastrelliho.

V Nemecku je pozoruhodnou barokovou pamiatkou Nový palác v Sans Souci (autori: I. G. Bühring, H. L. Manter) a tamojší letohrádok (G. W. von Knobelsdorff). Najväčšie a najznámejšie barokové súbory na svete: Versailles (Francúzsko), Peterhof (Rusko), Aranjuez (Španielsko), Zwinger (Nemecko), Schönbrunn (Rakúsko). V Litovskom veľkovojvodstve sa rozšíril sarmatský barok a vilniansky barok, najväčším predstaviteľom bol Jan Christoph Glaubitz. Medzi ním slávnych projektov- prestavaný kostol Nanebovstúpenia (Vilnius), Katedrála sv. Sofie (Polotsk) atď.

Carlo Maderna Kostol svätej Susanny, Rím

klasicizmus.

klasicizmus (francúzsky klasicizmus, z lat. classicus - vzorový) - umelecký štýl a estetický smer v európskom umení 17.-19.

Klasicizmus vychádza z myšlienok racionalizmu, ktoré sa formovali súčasne s rovnakými myšlienkami vo filozofii Descarta. Umelecké dielo z hľadiska klasicizmu by malo byť postavené na základe prísnych kánonov, čím sa odhalí harmónia a logika samotného vesmíru. Zaujímavosťou klasicizmu je len to večné, nemenné – v každom fenoméne sa snaží rozpoznať len podstatné, typologické črty, odvrhuje náhodné individuálne charakteristiky. Estetika klasicizmu pripisuje veľký význam spoločenskej a výchovnej funkcii umenia. Klasicizmus preberá mnohé pravidlá a kánony z antického umenia (Aristoteles, Horaceus).

Klasicizmus nastoľuje prísnu hierarchiu žánrov, ktoré sa delia na vysoké (óda, tragédia, epos) a nízke (komédia, satira, bájka). Každý žáner má prísne definované vlastnosti, ktorých miešanie nie je povolené.

Ako sa formoval istý smer vo Francúzsku, v 17. storočí. Francúzsky klasicizmus potvrdil osobnosť človeka ako najvyššiu hodnotu existencie, oslobodil ho od náboženského a cirkevného vplyvu. Ruský klasicizmus nielenže prevzal západoeurópsku teóriu, ale obohatil ju aj o národné charakteristiky.

Hlavným znakom architektúry klasicizmu odvolával sa na formy antickej architektúry ako na štandard harmónie, jednoduchosti, prísnosti, logickej jasnosti a monumentality. Architektúra klasicizmu ako celku sa vyznačuje pravidelnosťou usporiadania a jasnosťou objemovej formy. Základom architektonického jazyka klasicizmu bol poriadok, v proporciách a formách blízkych antike. Klasicizmus charakterizujú symetrické osové kompozície, zdržanlivosť dekoratívnej výzdoby a pravidelný systém urbanizmu.

Architektonický jazyk klasicizmu sformuloval na konci renesancie veľký benátsky majster Palladio a jeho nasledovník Scamozzi. Benátčania absolutizovali princípy starovekej chrámovej architektúry do takej miery, že ich uplatnili aj pri stavbe takých súkromných sídiel, ako je Villa Capra. Inigo Jones priniesol palladianizmus na sever do Anglicka, kde miestni palladiánski architekti nasledovali palladovské princípy s rôznou mierou vernosti až do polovice 18. storočia.

Najvýznamnejšie interiéry v klasicistickom štýle navrhol Škót Robert Adam, ktorý sa do vlasti vrátil z Ríma v roku 1758. Veľký dojem naňho zapôsobil ako archeologický výskum talianskych vedcov, tak aj architektonické fantázie Piranesi. Klasicizmus bol v Adamovej interpretácii štýlom, ktorý v prepracovanosti svojich interiérov sotva zaostával za rokokom, čím si získal obľubu nielen medzi demokraticky zmýšľajúcimi kruhmi spoločnosti, ale aj medzi aristokraciou. Rovnako ako jeho francúzski kolegovia, aj Adam hlásal úplné odmietnutie detailov zbavených konštruktívnej funkcie.

Francúz Jacques-Germain Soufflot pri stavbe kostola Sainte-Geneviève v Paríži preukázal schopnosť klasicizmu organizovať rozsiahle mestské priestory. Mohutná vznešenosť jeho návrhov predznamenala megalomániu napoleonského empírového štýlu a neskorého klasicizmu. V Rusku sa pohol rovnakým smerom so Soufflotom Baženov. Francúzi Claude-Nicolas Ledoux a Etienne-Louis Boullé zašli ešte ďalej smerom k rozvoju radikálneho vizionárskeho štýlu s dôrazom na abstraktnú geometrizáciu foriem. V revolučnom Francúzsku bol asketický občiansky pátos ich projektov málo žiadaný; Ledouxovu inováciu naplno ocenili až modernisti 20. storočia.

Veľkého divadla vo Varšave.

Hudba klasického obdobia alebo hudba klasicizmu, sa vzťahuje na obdobie vývoja európskej hudby približne medzi rokmi 1730 a 1820. Pojem klasicizmus v hudbe je stabilne spojený s dielom Haydna, Mozarta a Beethovena, nazývaných viedenskými klasikmi a ktorí určili smer ďalší vývoj hudobná kompozícia.

Impulz pre rozvoj klasického sochárstva v polovici 18. storočia Winckelmannove diela a archeologické vykopávky antických miest slúžili na rozšírenie vedomostí súčasníkov o antickom sochárstve. Vo Francúzsku takí sochári ako Pigalle a Houdon kolísali na hranici baroka a klasicizmu. Klasicizmus dosiahol najvyššie stelesnenie v oblasti plastiky v hrdinských a idylických dielach Antonia Canovu, ktorý čerpal inšpiráciu najmä zo sôch helenistickej éry (Praxiteles). V Rusku Fedot Shubin, Michail Kozlovský, Boris Orlovský a Ivan Martos inklinovali k estetike klasicizmu.

Verejné pamiatky, ktoré sa rozšírili v ére klasicizmu, poskytli sochárom príležitosť idealizovať vojenskú odvahu a múdrosť štátnikov. Vernosť starovekej predlohe vyžadovala, aby sochári zobrazovali modely nahé, čo bolo v rozpore s prijatými morálnymi normami. Na vyriešenie tohto rozporu boli moderné postavy spočiatku zobrazované klasicistickými sochármi v podobe nahých antických bohov: Suvorov ako Mars a Polina Borghese ako Venuša. Za Napoleona sa problém vyriešil prechodom k zobrazovaniu moderných postáv v starovekých tógach (ako sú postavy Kutuzova a Barclay de Tolly pred kazaňskou katedrálou).

Antonio Canova. Cupid a Psyche (1787-1793, Paríž, Louvre)

architektonický klasicizmus baroko urbanizmus

Charakteristiky každého rozvinutého štýlu nepredstavujú žiadne zvláštne metodologické ťažkosti. Analýza je iná vec bod otáčania medzi dvoma špecifickými štýlmi, protirečivými vo svojej podstate. Ako k takejto zlomenine dôjde? Zaujíma nás ani nie tak otázka, čo to spôsobuje vo všeobecnom zmysle, ale objasnenie základných zákonitostí pri zmene štýlov. Pri hľadaní takýchto vzorov si zámerne dovolíme polemickú ostrosť formulácií, aby sme jasnejšie odhalili navrhovaný uhol pohľadu. Prechod od baroka ku klasicizmu bol jedným z najrýchlejších v meniacich sa štýloch domácej architektúry. Koniec 50. rokov 18. storočia bol ešte obdobím rozkvetu baroka. Polovica 60. rokov 18. storočia bola už dobou rozšíreného klasicizmu. V extrémne krátkom období piatich až siedmich rokov nastáva úplná zmena estetického vkusu. Ruská baroková architektúra 18. storočia. bol historicky podmieneným, zložitým a originálnym fenoménom, ktorý absorboval mnohé tradície ruskej architektúry 17. storočia a množstvo čŕt ruskej architektúry bezprostredne predchádzajúceho obdobia - teda začiatku 18. storočia a vplyv tzv. hlavná súčasná architektúra európske krajiny. Tieto veľmi odlišné komponenty však tvorili odolnú zliatinu, ktorá mala vlastnosti jedinečnej originality. Oba smery ešte nepoznali svoje budúce mená, ale podstata štýlových rozdielov a ich hranice sú jasne viditeľné na príkladoch najlepších stavieb vytvorených alebo navrhnutých v takmer rovnakých rokoch. Dôrazne bohatá dekoratívnosť a dynamika barokových foriem je v kontraste s mierne suchou racionalistickou architektúrou raného klasicizmu. Najvýznamnejšie stavby ruského baroka - Zimný palác B. F. Rastrelliho a námorná katedrála svätého Mikuláša S. I. Chevakinskrgo, tak typická svojou prekypujúcou bravúrou, boli dokončené do roku 1762. Zároveň už v roku 1760 A. F. Kokorinov navrhuje Dom potešenia pri Oranienbaume - dielo, v ktorom dominujú princípy nového smeru v architektúre. Pôdorys, silueta a celý objem konštrukcie sú navrhnuté veľmi kompaktne, zdôrazňujúc dominanciu horizontálnych línií. Podrobnosti vyrobené v klasické formy ah a pomery. V tom istom roku A.F. Kokorinov spolu so Zh.B. M. Wallen Delamoth vytvára prvú verziu projektu Bolshoi Gostiny Dvor V Petrohrade. Táto verzia, ktorá sa stala základom pre konečné rozhodnutie o dva roky neskôr, už obsahovala myšlienku majestátnej obchodnej štruktúry vo svojej jednoduchosti s odmeraným rytmom dvojposchodových arkád, členených skromnými pilastrami toskánskeho rádu. V rokoch 1763-1764. Vyvíjajú sa projekty pre Akadémiu umení (A.F. Kokorinov a J.-B. Wallen Delamoth), sirotince v Moskve (K.I. Blank) a Petrohrade (Yu. M. Felten) - prvé budovy špeciálne navrhnuté na vzdelávacie účely. Z nich je budova Akadémie umení najlepšia práca počiatočné obdobie Ruský klasicizmus. Nachádza sa na kritickom mieste, s hlavnou fasádou orientovanou na hlavnú vodnú cestu hlavného mesta - rieku Neva, a prispieva k architektonickej organizácii významnej časti nábrežia. Plán budovy je založený na prísne premyslenom funkčnom procese pre školenie umelcov: hlavné pracovné priestory sú umiestnené pozdĺž vonkajšieho obvodu budovy a okolo obrovského kruhového nádvoria, čo zabezpečuje, že sú dobre osvetlené. Povrch stien je bohato členitý, ale delenia s jasne definovanými proporciami poriadku sú prevažne rovinného charakteru. Obdobie úpadku a postupnej degradácie nepredchádzalo zmene štýlu. Naopak, práve v momente najväčšieho rozkvetu sa barok ukázal ako nevhodný na riešenie nových problémov a okamžite sa s úžasnou rýchlosťou objavili stavby v štýle klasicizmu. Takáto rýchlosť pri zmene štýlov nie je typická. Je to, ako už bolo spomenuté, charakteristický znak tohto konkrétneho prelomového obdobia - od baroka po klasicizmus - a bol spôsobený všeobecnou situáciou, keď umelo pomalý historický vývoj začal intenzívne doháňať stratený čas. Koncepcia baroka ako holistického štýlu prestala nielen dominovať v architektúre, ale aj vo všeobecnosti výrazne ovplyvňovať jej ďalší vývoj. V určitých prvkoch stavieb raného klasicizmu sa síce istý čas objavovali určité znaky starého systému, boli to však len pozostatky, ktoré postupne zastarávali. Len v provinciách existovali barokové formy zo zotrvačnosti takmer do r koniec XVII ja V. K historickým predpokladom zmeny štýlu patria materiálne a ideologické faktory. Treba poznamenať tie najdôležitejšie: výrazné posilnenie ruskej vojenskej a politickej moci sprevádzané rýchlym rastom jeho ekonomického potenciálu.

Nemenej dôležitým predpokladom zmeny štýlu boli myšlienky osvietenstva, humanizmu a ideály prírodného človeka, charakteristické pre celé vyspelé myslenie 18. storočia. Volanie po rozume ako hlavné kritérium a meradlo všetkých úspechov bolo počuť čoraz hlasnejšie. Myšlienky racionalizmu prešli rozsiahlym rozvojom od druhej polovice storočia.

V architektúre všetky tieto faktory viedli k vážnym zmenám. Ekonomická prosperita krajiny spôsobila rýchly rast stavebníctva vo všetkých oblastiach. Zmeny v ideovom usporiadaní si vyžiadali výrazné rozšírenie architektonických tém a iný figurálny obsah. Neustále sa vynárali dovtedy nevídané témy a úlohy.

Medzitým sa baroková architektúra vyznačovala svojou tematickou úzkosťou. Rozsah architektúry ako umenia bol obmedzený najmä na palácové a náboženské stavby. Ak bolo potrebné vytvárať stavby na iné účely, potom sa rozvíjali v rovnakých slávnostných, vysoko ceremoniálnych formách, blízkych palácovým, ktorých príkladom je projekt Gostinyho dvora v Petrohrade, ktorý navrhol F. B. Rastrelli v r. 1757.

Vývoj barokových foriem na ceste ich ďalšej zložitosti by mohol pokračovať pomerne dlho, ale samotný rozsah použitia takýchto foriem sa nepodarilo rozšíriť. Možnosti štýlu sa dostali do rozporu s realitou. To určilo jeho osud.

Do polovice 18. storočia vznikla potreba vytvárať rôzne typy nových verejných budov alebo budov, ktoré v období baroka nemali. umeleckú hodnotu- napríklad priemyselné, skladové, obchodné budovy. Nové výzvy sa objavili aj v bytovej výstavbe. Napokon mesto ako celok ako spoločenský celok dostalo výrazne inú charakteristiku ako doteraz a v tomto smere si vyžadovalo iné plánovacie a objemové riešenie.

Celý tento rast dopytu sa odohrával v mierke obrovská krajina.

Tradičné kreatívne metódy sa s takýmito úlohami nedokázali vyrovnať. No podobné, aj keď jednoduchšie úlohy stáli pred architektmi už na začiatku 18. storočia. Architektúru doby Petra Veľkého charakterizujú jasné a praktické rozhodnutia založené na jasných racionalistických princípoch. Tradície racionalizmu sa v ruskej architektúre objavili začiatkom 18. storočia, samozrejme, nie po prvý raz. Tieto tradície existujú už dlho, ale boli obdobia, ktoré boli pre ich rozvoj obzvlášť priaznivé, a časy, keď racionalizmus v architektúre latentne existoval ako reziduálny fenomén predchádzajúceho obdobia. Ruský barok z druhej štvrtiny 18. storočia. neunikol ani vplyv petrovského staviteľstva, ktorý mu predchádzal, a racionalizmus tejto vstúpil s niektorými individuálnymi prvkami do štýlových znakov smeru, ktorý mu bol v podstate opačný.

Aj v tvorbe popredného majstra baroka Rastrelliho možno badať prvky racionalizmu. Napríklad fantasticky bohatá a zložitá dekoratívna výzdoba palácových budov tohto architekta nezasahuje do jednoduchosti a jasnosti plánov.

V dielach D. V. Ukhtomského a S. I. Čevakinského sa racionalistické tendencie prejavujú ešte výraznejšie. Stojí za pripomenutie návrhu Invalidovne v Moskve, ktorú vytvoril Uchtomskij, alebo zvonice námornej katedrály sv. Mikuláša v Petrohrade, ktorej jasná jasnosť architektúry je taká odlišná od bujarej veselosti samotnej katedrále, že niektorí učenci ju ani nechceli uznať za dielo Čevakinského. Obaja architekti boli žiakmi I.K.Korobova, ktorého činnosť sa čiastočne prekrývala s obdobím baroka. Medzi majstrami tejto doby si však Korobov, jeden z Petrových slávnych dôchodcov, zachoval najracionalistickejšiu orientáciu svojej kreativity. Práve prostredníctvom Korobova sa v tradíciách racionalizmu pokračovalo v dielach jeho mnohých žiakov a v tvorbe najmladšieho z nich - A.F.Kokorinova - boli obnovené v inej umeleckej kvalite, premyslené v duchu úloh nového architektonický smer.

Hlavným faktorom formovania nového štýlu sa stal racionalizmus ako túžba po jasnosti, zrozumiteľnosti a konzistentnosti architektonického obrazu - celku a jeho jednotlivých komponentov. Jeho princípy vyžadovali obzvlášť harmonický, logicky integrálny umelecký koncept. Tento koncept bol vytvorený už skôr v klasických školách architektúry staroveku a renesancie. Architekti začali starostlivo študovať dedičstvo staroveku (v jeho rímskom výklade, ktorý bol v tom čase jediný dostupný) a renesanciu. Pozornosť ku klasike sa stala akoby druhotným faktorom pri formovaní architektúry raného ruského klasicizmu.

Prirodzene, v ruských podmienkach tých rokov sa štúdium klasických tradícií tvarovania mohlo uskutočňovať iba oboznámením sa s teoretickými prácami Vitruvia, Andrea Palladia, Vignola a s uvrazmi, ktoré obsahovali meracie výkresy alebo náčrty architektonických pamiatok. . Nevhodnosť tohto spôsobu oboznamovania sa ukázala veľmi rýchlo. Je príznačné, že ak mladý B. F. Rastrelli svojho času nevycestoval do zahraničia ďalej ako do Nemecka, kde sa len zoznámil so skúsenosťami zo súčasnej nemeckej architektúry, potom už v prvej polovici 50. rokov 18. storočia prišla myšlienka vyslať učiteľa na vznikla služobná cesta. veľké nádeje Gezel Kokorinov do Talianska študovať architektúru staroveku a renesancie. Od roku 1760 začala novozaložená Akadémia umení pravidelne vysielať svojich najlepších študentov do zahraničia a poverila ich oboznamovaním sa s pamiatkami architektonickej klasiky.

Napokon ďalším faktorom, ktorý ovplyvnil formovanie nového štýlu v Rusku, bolo prepojenie ruskej architektúry so súčasnou architektúrou iných krajín, medzi ktorými bolo Francúzsko v tom čase vedúcou krajinou vo všetkých oblastiach ideológie.

Pre ruskú architektúru spojenia s francúzska architektúra sa stal veľmi významným už v prvej štvrtine 18. storočia, keď J.-B.A. Leblon, pozvaný do Ruska, tu vytvoril nielen jeden zo základných plánovacích projektov pre Petrohrad, ale vyvinul aj typy vzorových domov, ktoré do značnej miery určovali fyziognómia mladého ruského hlavného mesta.

Racionalistické tendencie charakteristické pre túto vetvu francúzskej architektúry, ktorej predstaviteľom bol Leblon, sa zhodovali s hlavným smerom ruskej architektúry začiatku 18. storočia. Zmena orientácie architektúry v popetrínskom období viedla aj k zmene charakteru väzieb s francúzskou architektúrou. Začali sa tešiť z úspechu rokokových trikov, ktoré v samotnom Francúzsku v tom čase utrpeli vážnu porážku. Súťaž na návrh hlavnej fasády Kostola sv. Sulpicius v Paríži sa stal predzvesťou obratu vo vývoji architektonických predstáv. Práve na tejto súťaži sa preniesli princípy rokokového dekorativizmu najvyšší stupeň sofistikovanosť bola odmietnutá a prednosť dostala striktná a klasicky jasná kompozícia J. N. Servandoniho, ktorá sa potom realizovala najmä v rokoch 1733-1745.

rozvoj verejný život v 50. rokoch 18. storočia viedol ruskú architektúru k tomu, aby sa zamerala na pokročilé úspechy francúzskych architektov. Dôležitou etapou víťazstva klasicizmu vo Francúzsku bola súťaž na vytvorenie Place Louis XV v Paríži. Výsledkom niekoľkých po sebe nasledujúcich kôl súťaže (koniec 40. rokov - začiatok 50. rokov 18. storočia) zvíťazil projekt J. A. Gabriela, ktorý znamenal schválenie nových pohľadov na urbanistické princípy. Prvýkrát vo svetovej histórii bolo mestské námestie navrhnuté v korelácii a prepojení s celým priestorom mesta.

Čoskoro nasledoval úspech J.-J. Soufflot na súťaži návrhov na Kostol sv. Genevieve v Paríži a Gabrielova stavba komorného palácového sídla Petit Trianon vo Versailles už znamenali definitívne víťazstvo nového smeru vo francúzskej architektúre.

V Rusku sa so záujmom a pozornosťou študovali diela architektonických teoretikov M. A. Laugiera, J. F. Blondela a i.. Je príznačné, že práve Blondel bol poverený vypracovaním prvotného návrhu budovy Akadémie umení, určenej na výstavbu v r. Moskva (1758). Blondelov plán sa vyznačoval príliš zjavnou francúzskou národnou príchuťou a mal stále ďaleko od dôslednej implementácie klasických foriem, čo okrem iného zohralo úlohu pri odmietnutí projektu. Ale to už bola náhoda vo všeobecnom priebehu histórie. Od konca 50. rokov 18. storočia sa vyspelá francúzska architektúra stala z hľadiska cieľov a ašpirácií najbližšie k ruskej.

Na príklade prechodu od baroka ku klasicizmu sa môžeme pokúsiť odvodiť niektoré všeobecné zákonitosti v zmene architektonických štýlov.

Novovznikajúci štýl spĺňa nové požiadavky a v tomto zmysle je jeho cesta vždy originálna a neprebádaná. Čím inovatívnejší je tento nováčik, tým širšie musia byť tradície, z ktorých čerpá. No vznikajúci smer zároveň s pochopiteľným antagonizmom zaobchádza s metódami svojho predchodcu, ktoré v istom momente odhalili svoju nekonzistentnosť. Preto každý nový štýl hľadá oporu v tradíciách umenia nie bezprostredne predchádzajúceho obdobia, ale vzdialenejšej minulosti, a predovšetkým v tradíciách „starých otcov“. Koniec koncov, predchádzajúci štýl tiež poprel smer, ktorý existoval pred ním, vďaka čomu sa tradície „starého otca“ vždy stávajú hlavným zdrojom pôžičiek.

V skutočnosti: architektúra ruského baroka druhej tretiny 18. storočia je duchom oveľa bližšia stavbám Ruska na konci 17. storočia ako architektúre z obdobia Petra I.

Z rovnakého dôvodu našla v architektúre klasicizmu svoje samostatné pokračovanie aj túžba po osvietenstve, utilitarizmus a všeobjímajúci racionalizmus, príznačný pre Petrovu architektúru. Taká originálna budova pre komplex vedeckých inštitúcií, keďže Kunstkamera, koncipovaná za Petra I., sa v období baroka ako nový typ stavby nedočkala ďalšieho rozvoja, ba ani opakovaní, dokonca aj zjednodušených. Medzitým sa architektúra klasicizmu začala práve vytvorením štruktúry tohto druhu: budova Akadémie umení spájala najvyššie umelecké centrum, múzeum, vzdelávaciu inštitúciu „troch najušľachtilejších“ umení s internátom a dokonca s ním spojené divadlo, umelecké dielne a obytné byty pre pedagogických zamestnancov.

Petrovská doba nevenovala zvláštnu pozornosť palácové budovy, ale dal veľký významúžitková výstavba, povýšila ju na úroveň skutočnej architektúry. Admiralita v Petrohrade bola predstavovaná nielen ako priemyselný podnik kombinovaný s obrannou štruktúrou, ale ako pamätník ruskej námornej moci. Budova bola veľmi nízka a materiál - hrazdené drevo - nebol vôbec monumentálny, ale samotná myšlienka širokej, 400 metrov dlhej stavby, označenej v strede vežou s vežou, bola myšlienka skvelej architektúry.

Jeden z hlavných majstrov ruského baroka S.I. Chevakinsky vo svojej pozícii architekta vysokých škôl admirality navrhol a postavil mnoho úžitkových stavieb pre domácu flotilu. Ale medzi týmito jeho dielami nie sú žiadne budovy podobné Admiralite, významné svojim architektonickým riešením. Po vybudovaní námornej katedrály sv. Mikuláša vytvoril Čevakinskij pomocou prostriedkov architektúry radostný, jasajúci hymnus. Napriek tomu v utilitárnych štruktúrach doba od neho nevyžadovala nič iné ako trvanlivosť a užitočnosť.

Je príznačné, že na začiatku 60. rokov 18. storočia, po začatí projektu výstavby skladov dreva na ostrove New Holland v Petrohrade, Chevakinsky vyvinul Nová technológia lesného skladu, a vytvoril aj stavebný plán, ale nedokázal si poradiť s figurálnym riešením fasád a táto časť diela bola zverená architektovi nového smeru – Wallenovi Delamothovi.

Racionalizmus, ktorý tvorí základ koncepcie klasicizmu, tiež našiel ozvenu v tradíciách architektúry začiatku 18. storočia, hoci, ako už bolo uvedené, samotná ruská baroková architektúra do určitej miery používala tieto tradície.

Tu by som rád zdôraznil, že najdôležitejšie tradície nikdy nezomrú. Vyvíjajú sa vo vzostupnej špirále. S každou ďalšou revolúciou sa časť pohybu, relatívne povedané, odohráva v tieni. Dominantný štýl v tejto dobe len toleruje takúto „zatienenú“ tradíciu a často ju používa aj v opačnom zmysle.

Rozdiely medzi barokom a klasicizmom.

V ére klasicizmu, ktorá nasledovala po barokovom období, sa úloha polyfónnej polyfónie znížila a dostala sa do popredia homofónna polyfónia
( z gréčtiny "homos" - "jeden" a "fone" - "zvuk", "hlas")

Na rozdiel od polyfónia, kde sú si všetky hlasy rovné, v homofónna polyfónia vyčnieva jeden, predvádzanie Hlavná téma a zvyšok zohráva úlohu sprevádzanie(sprievod). Sprievodom býva sústava akordov (harmónií). Odtiaľ pochádza názov nového spôsobu skladania hudby – homofónno-harmonické.

V hudbe je menej ornamentov a dekorácií. Diela sa stali harmonickejšie, jasnejšie v štruktúre, najmä tie, ktoré sú napísané sonátovú formu.

V ére barokový v hudobnom diele sa každá časť sústredila na výraz a odhalenie jeden, jasne nakreslený pocity,čo sa rozhodlo pomocou prezentácie jedna téma, ktorá sa zmenila (rôzne) počas celého obdobia a počas éry klasicizmu v jednej časti diela bolo odhalené veľa emócií, ktoré boli vyjadrené prezentáciou a vývojom dve alebo viac témy rôzneho obrazového obsahu.

Hudba raného baroka (1600 – 1654)

Vývoj talianskej opery od talianskeho skladateľa možno považovať za konvenčný prechod medzi obdobím renesancie a baroka Claudio Monteverdi (1567-1643).

Skladateľ sa narodil v talianskom meste Cremona v rodine lekára. Monteverdi sa v mladosti vyvinul ako hudobník. Písal a predvádzal madrigaly; hral na organ, violu a iné nástroje. Monteverdi študoval komponovanie hudby od známych skladateľov tej doby. V roku 1590 bol ako spevák a hudobník pozvaný do Mantovy na dvor vojvodu Vincenza Gonzagu; neskôr viedol dvornú kaplnku. V roku 1612 opustil Monteverdi svoje služby v Mantove a od roku 1613 sa usadil v Benátkach. Predovšetkým vďaka Monteverdimu bolo v Benátkach v roku 1637 otvorené prvé verejné operné divadlo na svete. Tam skladateľ viedol kaplnku katedrály San Marco. Pred svojou smrťou prijal Claudio Monteverdi sväté príkazy.

Po štúdiu operného diela renesančných skladateľov Periho a Cacciniho vytvoril Monteverdi svoje vlastné operné diela. Už v prvých operách - "Orfeus" (1607) a "Ariadne" (1608) - sa skladateľovi podarilo sprostredkovať hlboké a vášnivé pocity prostredníctvom hudobných prostriedkov, vytvoriť intenzívne dramatická akcia. Monteverdi bol autorom mnohých opier, ale zachovali sa len tri – Orfeus, Návrat Odyssea do vlasti (1640; podľa starogréckej epickej básne Odysea) a Korunovácia Poppey (1642).

Monteverdiho opery harmonicky spájajú hudbu a text. Opery sú založené na monológ – recitatív (z talianskeho recitare – „recitovať“), v ktorom recitoval každé slovo a hudba flexibilne a jemne sprostredkúva odtiene nálady. Monológy, dialógy a zborové epizódy plynulo prechádzajú do seba, akcia sa vyvíja pomaly (v Monteverdiho operách sú tri-štyri dejstvá), ale dynamicky. Dôležitá úloha skladateľ ju dal orchestru. Napríklad v Orfeovi použil takmer každý vtedy známy nástroj. Orchestrálna hudba nielenže sprevádza spev, ale sama vypovedá o dianí na javisku a zážitkoch postáv. Prvýkrát sa objavil v "Orpheus" predohra(Francúzska ouvertúra alebo latinsky apertura - "otvorenie", "začiatok")- inštrumentálny úvod k hlavnému hudobnému dielu. Opery Claudia Monteverdiho mali významný vplyv na benátskych skladateľov a položili základy benátskej opernej školy .

Monteverdi napísal nielen opery, ale aj sakrálnej hudby, náboženský A svetské madrigaly. Stal sa prvým skladateľom, ktorý nestaval do kontrastu polyfónne a homofónne postupy – zborové epizódy jeho opier obsahujú polyfonické postupy.
V Monteverdiho tvorbe sa spájalo nové so starým – tradície renesancie.

TO začiatkom XVIII V. sa vyvinula operná škola v Neapole. Zvláštnosťou tejto školy je zvýšená pozornosť spevu a dominantná úloha hudby. Práve v Neapole vznikol vokálny štýl Bel Canto(to. belcanto- "krásny spev"). Bel Canto je známe svojou mimoriadnou krásou zvuku, melódie a technickou dokonalosťou. Belcantový umelec musí byť schopný reprodukovať mnoho odtieňov hlasového zafarbenia, ako aj majstrovsky sprostredkovať početné rýchle sekvencie zvukov prekrývajúce hlavnú melódiu. - koloratúra (talianska koloratúra - „dekorácia“).

V 18. storočí opera sa v Taliansku stala hlavnou formou hudobného umenia, k čomu prispela vysoká profesionálna úroveň spevákov vyškolených v r zimné záhrady(Talianske konzervatórium, err lat. šetriť - "chrániť") - vzdelávacie inštitúcie, ktoré školili hudobníkov. V centrách talianskeho operného umenia - Benátkach a Neapole sa dovtedy vytvorili štyri konzervatóriá. Obľúbenosť žánru podporili aj vernisáže v rôznych mestách Operné domy v krajine sú prístupné pre všetky vrstvy života. Talianske opery sa uvádzali v divadlách vo veľkých európskych metropolách a skladatelia z Rakúska, Nemecka a iných krajín písali opery na talianske texty.

Významnou osobnosťou raného baroka, ktorá sa postavila na stranu katolicizmu, vystupujúceho proti silnejúcemu ideologickému, kultúrnemu a sociálnemu vplyvu protestantizmu, bol Giovanni Gabrieli (1555-1612). Jeho diela patria do štýlu " Vrcholná renesancia"(rozkvet renesancie). Niektoré z jeho inovácií v oblasti prístrojového vybavenia (účel konkrétny nástroj vlastné, špecifické úlohy) jasne naznačujú, že bol jedným zo skladateľov, ktorí ovplyvnili vznik nového štýlu.

Jednou z požiadaviek kladených cirkvou na kompozíciu sakrálnej hudby bola tá texty v dielach s vokálom boli vyberavý. To si vyžadovalo odklon od polyfónie k hudobným technikám, kde sa do popredia dostávali slová. Vokály sa v porovnaní so sprievodom stali komplexnejšími a pestrejšími.

Veľkou mierou prispel aj k šíreniu nových techník. nemecký skladateľ Heinrich Schutz (1585-1672), vyučený v Benátkach.Je najznámejším nemeckým skladateľom pred Johannom Sebastianom Bachom a jedným z najvýznamnejších skladateľov raného baroka spolu s D. Gabrielim a C. Monteverdim. Počas pôsobenia ako zbormajster v Drážďanoch využíval vo svojich dielach nové techniky.

Hudba zrelého baroka (1654-1707)

Obdobie centralizácie najvyššej moci v Európe je často tzv Absolutizmus. Absolutizmus dosiahol svoj vrchol za francúzskeho kráľa Ľudovíta XIV. Pre celú Európu bol Louisov dvor vzorom. Vrátane hudby hranej na súde. Zvýšená dostupnosť hudobné nástroje(hlavne pre klávesnice) dal impulz vývoju komora hudba (z talianskej kamery - "izba"), vykonávané v malých priestoroch alebo doma.

Zrelý barok je iný od skorého rozšíreného rozšírenia nového polyfónneho štýlu ( voľné písanie) a zvýšené delenie hudobných foriem najmä v opere. Rovnako ako v literatúre, možnosť mať veľký obeh vytlačiť hudobné diela viedli k rozšíreniu publika; zintenzívnila sa výmena medzi centrami hudobnej kultúry.

V hudobnej teórii je zrelý barok definovaný zameraním skladateľov na harmóniu a pokusmi o vytvorenie koherentných systémov hudobnej výučby.
V nasledujúcich rokoch to viedlo k vzniku mnohých teoretická Tvorba Pozoruhodným príkladom takejto činnosti je dielo z obdobia neskorého baroka – „Gradus ad Parnassum“ (rusky: Kroky k Parnasu), vydané v roku 1725 Johannom Josephom. Fuchs(nem. Johann Joseph Fux) (1660-1741), rakúsky teoretik a skladateľ. Táto práca systematizovala teóriu kontrapunktu takmer do bodky koniec XIX storočia bol najdôležitejším nástrojom pre štúdium kontrapunktu.

Vynikajúcim predstaviteľom dvorných skladateľov dvora Ľudovíta XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptiste). Už ako 21-ročný získal titul „dvorný skladateľ inštrumentálnej hudby“. Kreatívna práca Lully bola od začiatku úzko spätá s divadlom. Po organizácii súdu komorná hudba a skladaním „airs de cour“ (dvorných árií) začal písať baletnú hudbu. Ja sám Ľudovít XIV tancovali v baletoch, ktoré boli vtedy obľúbenou zábavou dvorskej šľachty. Lully bola vynikajúca tanečnica. Mal možnosť zúčastniť sa inscenácií, tancovať s kráľom. Je známy svojím kĺb spolupracoval s Molierom, ku ktorého hrám napísal hudbu. Ale hlavnou vecou v Lullyho práci bolo stále písanie opery. Lully vytvoril prekvapivo ucelený typ francúzskej opery; takzvaná lyrická tragédia vo Francúzsku (francúzsky tragedie lyrique) a nepochybnú tvorivú zrelosť dosiahol hneď v prvých rokoch svojho pôsobenia v opere. Lully často využíval kontrast medzi majestátnym zvukom orchestrálnej sekcie a jednoduchými recitatívmi a áriami. Lullyho hudobný jazyk nie je príliš zložitý, ale určite áno Nový: jasnosť harmónie, rytmická energia, jasnosť rozdelenia formy, čistota textúry hovoria o víťazstve princípov homofónneho myslenia. K úspechu mu do značnej miery prispela aj schopnosť vyberať hudobníkov do orchestra a práca s nimi (sám dirigoval skúšky). Neodmysliteľnou súčasťou jeho tvorby bola pozornosť venovaná harmónii a sólovému nástroju.

Skladateľ a huslista Arcangelo Corelli(1653-1713) známy svojou prácou na rozvoji žánru concerto grosso (concerto grosso - "veľký koncert"). Corelli bol jedným z prvých skladateľov, ktorých diela boli publikované a uvádzané v celej Európe. Podobne ako operné diela J. B. Lullyho, aj žáner concerta grossa je postavený na kontrastnom porovnaní zvuku malých sólových orchestrálnych skupín a zvuku plného orchestra. Hudba je postavená na ostrých prechodoch od hlasno znejúcich častí k tichým, rýchle pasáže sú kontrastované s pomalými. Medzi nasledovníkov Arcangela Corelliho patril Antonio Vivaldi, ktorý neskôr zložil stovky diel napísaných v Corelliho obľúbených formách: triové sonáty a koncerty.

IN Anglicko zrelý barok poznačený brilantnou genialitou Henry Purcell(1659-1695). Zomrel mladý, vo veku 36 rokov, písal veľké množstvo diela a stal sa známym už počas svojho života. Purcell poznal dielo Corelliho a ďalších talianskych skladateľov barokovej éry. Počas svojho krátkeho života napísal Purcell množstvo vokálnych, inštrumentálnych, hudobných a divadelných diel, z ktorých najvýznamnejšia bola opera "Dido a Aeneas"(1689). Toto je prvá angličtina národná opera. Objednal si ju učiteľ tanca z internátu pre vznešené panny. Súkromný charakter zákazky ovplyvnil podobu diela: na rozdiel od monumentálnych opier Monteverdiho či Lullyho, Purcellova skladba malých rozmerov, akcia sa rýchlo rozvíja. Libreto opery (autor Nicholas Tait) bolo napísané podľa hrdinský epos„Aeneida“ od rímskeho básnika Vergília.

Vo Vergíliu sa jeden z obrancov Tróje, Aeneas, vydáva na potulky po páde mesta. Búrka obmýva jeho loď k brehom Afriky; tu stretáva Dido, kráľovnú Kartága. Dido sa zamilovala do Aeneasa a keď ju hrdina na príkaz bohov opustil, vzala si život. V Purcellovej opere nie je posol, ktorý oddeľuje hrdinov, poslaný bohmi, ale lesnými čarodejnicami ( obľúbené postavy anglický folklór). Aeneas si pomýlil podvod s posvätnou povinnosťou voči bohom a zničil to najcennejšie – lásku.

Výrazná vlastnosť Purcellova kreativita - harmónia. Skladateľ mal úžasný dar vytvárať dokonalé melódie - pokojné, majestátne a bezchybné vo forme. Po Henry Purcell v anglickej hudbe až do 20. storočia. Sotva je možné menovať rovnako skvelých majstrov.

Na rozdiel od vyššie uvedených skladateľov Dietrich Buxtehude (1637-1707) nebol dvorným skladateľom. Buxtehude pracoval organista, najprv v Helsingborgu (1657-1658), potom v Elsinore (1660-1668) a potom, počnúc rokom 1668, v kostole sv. Márie v Lubecku. Peniaze si neprivyrábal vydávaním svojich diel, ale ich predvádzaním, a radšej ako mecenášstvom šľachty uprednostňoval komponovanie hudby pred cirkevnými textami a predvádzanie vlastných organových skladieb.Jeho diela pre organ sa vyznačovali bohatou fantáziou, výdatnosťou nečakaných a farebných prirovnaní a hlbokej drámy. Žiaľ, nie všetky jeho diela tohto skladateľa prežili. Buxtehudeova hudba je z veľkej časti postavená na mierke jeho plánov, bohatosti a slobode predstavivosti, sklonu k pátosu, dráme a trochu oratorickej intonácii. Jeho tvorba mala silný vplyv na takých skladateľov ako J. S. Bach a G. F. Telemann.

Hudba neskorého baroka (1707-1760)

Presná hranica medzi zrelým a neskorým barokom je predmetom diskusie; ona klame niekde medzi tým 1680 a 1720. Zložitosť jeho definície je do značnej miery spôsobená tým, že v rôznych krajinách sa štýly menili asynchrónne; inovácie, ktoré už boli na jednom mieste akceptované ako pravidlo, boli na inom mieste novými objavmi. Taliansko, vďaka Arcangelovi Corelli a jeho študentov Francesca Geminianiho a Pietra Locatelliho sa stáva prvou krajinou, v ktorej Baroko prechádza z zrelého do neskorého obdobia. Za dôležitý míľnik možno považovať takmer absolútny prvenstvo tonality, ako štruktúrny princíp pre komponovanie hudby. Je to badateľné najmä v teoretických dielach Jeana Philippa Rameaua, ktorý zaujal Lullyho miesto hlavného francúzskeho skladateľa. V rovnakom čase sa objavilo hlavné dielo Johanna Josepha Fuchsa „Degree ad Parnassum“ (1725), venované polyfónii. prísny štýl, svedčil o prítomnosti v hudbe dvaštýly písania - homofónno-harmonické a polyfónne.

Formuláre, otvorený predchádzajúcim obdobím, dosiahol zrelosť a veľká variabilita; koncert, suita, sonáta, concerto grosso, oratórium, opera a balet už nemali jasne definované národné charakteristiky. Všade sú zavedené všeobecne uznávané vzory diel: opakovaná dvojdielna forma (AABB), jednoduchá trojdielna forma (ABC) a rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- taliansky skladateľ, narodený v Benátkach.
V roku 1703 bol vysvätený za katolíckeho kňaza. Prvého decembra toho istého roku sa stal maestrom di violino v benátskom sirotinci „Pio Ospedale della Pieta“ pre dievčatá. Vivaldiho sláva nepochádzala z koncertné vystúpenia alebo spojenie na dvore a publikovanie jeho diel, ktoré zahŕňali jeho triové sonáty, husľové sonáty a koncerty. Boli publikované v Amsterdame a distribuované po celej Európe. Je to počas týchto inštrumentálne žánre, v tom čase ešte stále sa rozvíjajúceho, (baroková sonáta a barokový koncert), sa najvýraznejšie pričinil Vivaldi. Vivaldiho hudbu charakterizujú určité techniky: trojdielna cyklická forma pre concerto grosso a použitie ritornella v rýchlych pohyboch. Vivaldi zložil viac ako 500 koncertov. Niektorým svojim dielam dal aj programové názvy, napríklad slávne „Ročné obdobia“. Vivaldiho kariéra ukazuje zvýšenú príležitosť pre skladateľa existovať nezávisle: z príjmu koncertná činnosť a publikovanie ich diel.

Domenico Scarlatti(1685-1757) bol jedným z popredných klávesových skladateľov a interpretov svojej doby. Svoju kariéru začal ako dvorný skladateľ; najprv v Portugalsku a od roku 1733 v Madride, kde strávil zvyšok svojho života. Jeho otec Alessandro Scarlatti je považovaný za zakladateľa neapolskej opernej školy. Domenico komponoval aj opery a cirkevná hudba, no slávu (po smrti) mu zabezpečil jeho funguje pre klávesnice. Niektoré z týchto diel napísal pre svoje potešenie a niektoré pre svojich ušľachtilých zákazníkov.

Najznámejším dvorným skladateľom barokovej éry bol George Frideric Händel(1685-1759). Narodil sa v Nemecku, tri roky študoval v Taliansku, no v roku 1711 odišiel z Londýna, kde začal svoju brilantnú a obchodnú kariéru. úspešnú kariéru nezávislý operný skladateľ vykonávajúci objednávky pre šľachtu. Handel, ktorý mal neúnavnú energiu, neustále prerábal materiál iných skladateľov prerobený ich vlastné kompozície. Napríklad je známy tým, že toľkokrát prepracoval slávne oratórium „Mesiáš“, že v súčasnosti neexistuje verzia, ktorú by bolo možné nazvať originálom. Hoci jeho finančné bohatstvo rástlo a ubúdalo, jeho sláva rástla vďaka publikovaným dielam pre klávesové nástroje, slávnostnú hudbu, opery, concerta grossa a oratóriá. Po jeho smrti bol uznávaný ako popredný európsky skladateľ a študovali ho hudobníci klasickej éry. Počas svojho života Händel písal o 50 opery („Almira“, „Agrippina“, „Rinaldo“, „Julius Caesar“ atď.), 23 oratóriá („Mesiáš“, „Samson“, „Judas Macovei“, „Hercules“), nespočetné množstvo cirkevných zborov, organových koncertov, ako aj množstvo zábavných diel („Vodná hudba“, „Hudba pre kráľovský ohňostroj“).

Jeden z najväčších skladateľov Baroková éra - Johann Sebastian Bach narodil sa
21. marca 1685 v meste Eisenach v Nemecku. Počas svojho života skomponoval viac ako 1000 diel rôznych žánrov, okrem opery. Ale počas svojho života nedosiahol žiadny výrazný úspech. Bach sa mnohokrát sťahoval a vystriedal jednu nie veľmi vysokú funkciu za druhou: vo Weimare bol dvorným hudobníkom weimarského vojvodu Johanna Ernsta, potom sa stal správcom organu v Kostole sv. Bonifáca v Arnstadte, o niekoľko rokov neskôr prijal miesto organistu v Kostole sv. Blasia v Mühlhausene, kde pôsobil len asi rok, po ktorom sa vrátil do Weimaru, kde nastúpil na miesto dvorného organistu a organizátora koncertov. V tejto funkcii zotrval deväť rokov. V roku 1717 Leopold, vojvoda z Anhalt-Köthenu, najal Bacha ako kapelníka a Bach začal žiť a pracovať v Köthene. V roku 1723 sa Bach presťahoval do Lipska, kde zostal až do svojej smrti v roku 1750.

J. S. Bach bol v Nemecku známy už počas svojho života ako skladateľ, interpret, učiteľ a otec mladšieho Bacha, predovšetkým Carla Philippa Emmanuela. Ale v posledných rokoch jeho života a po Bachovej smrti začala jeho sláva ako skladateľa upadať: jeho štýl bol v porovnaní s rozmáhajúcim sa klasicizmom považovaný za staromódny.

V roku 1802 vydal Johann Nikolai Forkel prvý najúplnejší životopis Johanna Sebastiana Bacha. V roku 1829, 79 rokov po smrti J. S. Bacha, uviedol Felix Mendelssohn v Berlíne Bachove Matúšove pašie. Úspech tohto koncertu oživil záujem o dielo J. S. Bacha a stal sa dôvodom vzniku enormného záujmu o Bachovu hudbu v Nemecku, a potom v celej Európe.

Teraz je J. S. Bach jedným z najpopulárnejších skladateľov všetkých čias: napríklad v hlasovaní „Najlepší skladateľ milénia“ na Cultureciosque.com sa Bach umiestnil na prvom mieste.

Le style c"est l"homme(„štýl je osoba“). Túto zásadu, vďaka Buffonovi, možno prirovnať k matematickému výrazu spájajúcemu dve premenné. Nezávislá premenná, argument, je osoba a štýl, ako nejaká usporiadaná postupnosť výrazových postupov, je funkcia. Aký je človek, taký má štýl. Napriek univerzálnosti tejto definície je potrebné vziať do úvahy historický kontext okamihu jej objavenia - vek osvietenstva s jeho konceptom „prirodzeného človeka“. To posledné, ako vieme, je priamym vývojom myšlienok 17. storočia, začiatku New Age, a jeho charakteristických štýlov - klasicizmu a baroka. Dá sa povedať, že tieto štýly, ich kombinácie, obsahujú projekt celého New Age až po súčasnosť.

Samotný koncept štýl(z lat. stylus- palica) a súvisiaci pojem podnet(z lat. podnet, lit. - špicatá palica, ktorou sa poháňali zvieratá) etymologicky dokonale zapadá do zásad klasicizmu. Pre karteziánsky racionalizmus je charakteristická preferencia priamej línie pred akoukoľvek inou. Kruh stratil svoj ontologický status spolu s aristotelizmom a ustúpil nekonečnému, nekvalitnému, absolútne spočítateľnému. „Boh,“ tvrdí Descartes, je jediným tvorcom všetkých pohybov existujúcich vo svete, pokiaľ vôbec existujú a pokiaľ sú priamočiare. Rôzne polohy hmoty však menia tieto pohyby na nepravidelné a krivočiare. Rovnakým spôsobom nás teológovia učia, že Boh je autorom všetkých našich činov, pokiaľ existujú a pretože je v nich niečo dobré, ale rôzne sklony našej vôle môžu spôsobiť, že tieto činy sú zlé“ ( Descartes R. Diela: V 2 sv. M.: Mysl, 1989. T.1. S.205). Takéto vyhlásenie by sa nemalo brať ako pokus nasadiť masku ortodoxnej teológie na Galileov inerciálny princíp. Nie náhodou sa Descartes dotýka základnej otázky problému zla a slobodnej vôle a robí to úplne v súlade s názormi sv. Augustína. Podľa A.-I. Marru, „nič nesvedčí lepšie o primárnom mieste, ktoré Augustín zaujímal vo francúzskom povedomí 17. storočia, ako úloha, ktorú zohral vo vývoji karteziánstva“ ( Marru A.-I. Svätý Augustín a augustinianizmus. Dolgoprudny: Westcom, 1999. S. 185). Takže medzi rigoróznosťou „vnútorného človeka“ sv. Augustína, ktorý je mysticky a intelektuálne nasmerovaný k Bohu najkratšou cestou, počas ktorej sa nenechá rozptyľovať, a prísnosť „vnútorného človeka“ Descartesa je spoločná. Spočíva v prvom rade v neustálej potrebe prekonávať pochybnosti rozumom, vedený Všemohúcim. Descartova téza „Boh nie je podvodník“ zaručuje pravdivosť Metódy. Po druhé, cieľ je možné dosiahnuť len približne. Pre sv. Pre Augustína to bolo chápanie Boha, pre Descarta dosiahnutie nadvlády nad prírodou prostredníctvom dizajnu. Vzniká tak množstvo možných možností a pravdepodobnosti kartezianizmus ( Gaidenko P. Dejiny modernej európskej filozofie v spojení s vedou. M.: Univerzitná kniha, 2000. S. 130). Niet pochýb o tom, že najzreteľnejším príkladom realizácie karteziánskeho projektu nadvlády nad prírodou môže byť usporiadanie parku Versailles od A. Le Nôtre ( Lichačev D.S. Vybrané diela: V 3 sv. M.: Umelec. lit., 1987. T.3. S.488). Toto je človekom vytvorený raj a zároveň viditeľné stelesnenie lakonickej formulky absolutizmu, ktorá patrila Františkovi I.: „Un roi, une foi, une loi“. Triáda „jeden kráľ, jedna viera, jeden zákon“ sa ukazuje ako v súlade s trojlúčovou parkovou kompozíciou, ako aj s princípom jednoty času, miesta a deja z „Poetického umenia“ N. Boileaua s prísnym hierarchia žánrov.

Dlhé spolužitie klasicizmu a baroka možno len ťažko považovať za náhodu. Takáto synchronicita naznačuje ich vzájomnú prepojenosť, ktorá, prirodzene, neodstraňuje výrazné rozdiely v črtách a genéze oboch štýlov. Barok bol priamym dedičom renesancie, no jednoznačne sklamaným dedičom. Toto píše napríklad A.F. Losev o Montaigne: „Jeho „skúsenosti“ sú bez akéhokoľvek systému,<…>posiaty starodávnymi citátmi, hoci zo staroveku mu boli blízki najskôr len stoici a potom už len skeptici“ ( Losev A.F. Renesančná estetika. M.: Mysl, 1978. S.597). Montaigne bol predchodcom Descarta, ale tu stojí za zmienku zmienka o stoicizme a skepticizme, ktorý priamo súvisí s barokovým štýlom. Ak klasicizmus vychádzal z augustianizmu v podobe sekularizovaného dualizmu medzi prírodou a človekom, ktorý by mal byť odstránený monizmom podriadenosti určitej jednotnej (nie však jedinej možnej) forme, potom barok vychádzal z univerzality stoického Logosu. , jednota v podobe organizmu nasýteného dychom pneumy. V kontexte toho istého augustinianizmu kládol dôraz na psychickú komplexnosť individuálnej osobnosti. V jeho pohľade na svet namiesto rigidnej monofónnej hierarchie univerzalizmu, ktorá je vlastná klasicizmu, vznikol polyfónny univerzalizmus plasticity, deklarujúci možnosť viacerých variácií tej istej formy či témy. Nepretržitý chod Bachovej fúgy sprevádza „faustovského“ človeka. Historický barok ako fenomén predchádzal klasicizmu, no z hľadiska budúcich perspektív meniacich sa štýlov by sa mal považovať skôr za dediča než predchodcu klasicizmu. Je všeobecne známe, že vznik baroka je spojený s koreformáciou. Kánony a ciele jezuitského rádu našli svoje vyjadrenie v barokovom štýle. Stačí si pripomenúť hlavný jezuitský chrám Il Gesu v Ríme (1568-1584), postavený podľa projektu G. Vignolu. Toto môže byť prvé štandardná projekt v dejinách architektúry, realizovaný v oblastiach od Paraguaja po Livónsko. Hlavná črta baroka - jeho klamnosť a simulatívnosť - mu dala príležitosť premeniť sa na svojich fanúšikov a nepriateľov „Ježišových vojakov“ – protestantov, s ich neodmysliteľným kultom práce. „Baroko – ako poznamenáva J. Deleuze – vymýšľa nekonečnú produkciu alebo nekonečný proces práce. Problém nie je, ako záhyb dokončiť, ale ako v ňom pokračovať, prekročiť ním strop, nasmerovať ho do nekonečna“ ( Deleuze J. Fold, Leibniz a Barok. M.: Logos, 1997. S.63). Zložité formy a kontrapunkt, za ktorými sa skrýva symetria čísel a funkcií, preto dokázali osláviť prednosti puritánov (napríklad oratórium G. F. Händela „Judas Maccabee“). Apel na starozákonné námety je typický aj pre barokovú literatúru. „Stratený raj“ od J. Miltona a „Najväčšie monštrum na svete“ od P. Calderona. Tragickému žánru doby dominuje téma katastrofy vyplývajúcej zo stretu slobodnej vôle a zákona. Zároveň je chápanie Zákona veľmi eklektické: môže byť starozákonné, gnostické a racionalistické. V druhom prípade sa odhalí zhoda s klasicizmom. Gnostické črty baroka našli svoj prejav vo vášni pre astrológiu a alchýmiu, o čom svedčí nielen dobová literatúra. I. Kepler sa teda nikdy netajil svojou angažovanosťou v astrológii, dokonca mu slúžila ako spôsob zárobku. I. Newton v tejto veci, ako aj o svojom antitrinitárstve radšej mlčal. Newtonovský program fyziky je však presiaknutý nielen matematikou (v jej racionalistickom karteziánskom chápaní), ale aj duchom alchýmie, z ktorej jeho tvorca dokázal veľa vyťažiť. vedecké myšlienky (Dmitriev I.S. Neznámy Newton. Silueta na pozadí éry. Petrohrad: Aletheya, 1999). Jeho slávna odpoveď na absolútne spravodlivé výčitky karteziánov za oživenie magického princípu – „Nevymýšľam si hypotézy“ – nie je nič iné ako pravda.

Túžba po kontraste a vonkajšej vierohodnosti využívaním rôznych technológií, charakteristických pre baroko, pramení z jeho najhlbšieho pesimizmu. „Bez ohľadu na to, aká krásna je komédia v ostatných častiach,“ napísal Pascal, „posledné dejstvo je vždy krvavé. Hodia ti zem na hlavu – a to bude navždy koniec!“ ( Pascal B. Myšlienky. M.: REFL-book, 1994. S.256). Preto vášeň pre zátišie a prehnaná láska k životu v Rubensových aktoch. Irónia a pokušenie umeliny sa z nej snažia šibalským spôsobom vykúzliť smrť a zmocniť sa jej moci nad svetom. V tomto zmysle naša moderna so svojou vášňou pre kontrast a syntetiku (dokonca aj klonovanie) pokračuje v trende baroka. „Štukatúru možno považovať,“ poznamenáva J. Baudrillard, „ako triumfálny vzostup vedy a techniky, ale je tiež a predovšetkým spojený s barokom.<…>Tu je už zakomponovaná všetka technika a technokracia – predpoklad ideálneho falšovania sveta, ktorý nachádza výraz vo vynáleze univerzálnej substancie a v univerzálnej kombinatorike substancií“ ( Baudrillard J. Symbolická výmena a smrť. M.: Dobrosvet, 2000. S.116).

Spojenie pevných princípov klasicizmu a flexibilného baroka možno vidieť vo všetkých nasledujúcich štýloch. Dominanciu niektorých nad ostatnými určujú len taktické úvahy, ktoré by mali zabezpečiť najväčšiu efektivitu. „Vieš,“ hovorí Balzacov Vautrin, tento „Napoleon tvrdej práce“, ktorý oslovil mladého Rastignaca, „ako sa sem dostali? Táto ľudská masa musí byť zasiahnutá delovou guľou alebo preniknutá ako mor.“ Klasicizmus možno prirovnať k prvému, barok k druhému. Obaja boli nástrojmi New Age na sformovanie Nového Človeka. Dominantu klasicizmu tak možno vidieť v moderne s projektmi futuristov a Le Corbusiera, jeho pátos vážneho. Postmoderna dáva prednosť barokovým technikám. Prepne do jazyka binárnych kódov a deterministického chaosu. Prejavuje záujem o životné prostredie a pokrýva svet sieťou informačných sietí, simulujúcich „neznesiteľnú ľahkosť bytia“.