Filippo Brunellesco. 1377 – 1446. Dom Sierot (szpital) – Ospedale degli Innocenti we Florencji. 1421-44.
Brunellesco. Kaplica Pazzi we Florencji. Rozpoczęło się w 1429 r.
Leona Battisty Albertiego. 1404 – 1472.
Centralna postać renesansu wraz z Brunellesco.
Palazzo Rucellai we Florencji. 1446-51.
Albertiego. Fasada kościoła Santa Maria Novella we Florencji. 1456-70.
Rzeźba we Florencji
Donatello (Donato di Niccolo di Betti Bardi). 1386 – 1466.Stał na czele mistrzów, którzy zapoczątkowali rozkwit renesansu.
W sztuce swoich czasów zachował się jak prawdziwy innowator:
Tworzone przez niego obrazy są pierwszym ucieleśnieniem humanistycznego ideału wszechstronnie rozwiniętej osobowości.
Oparte na dokładnych badaniach natury.
Umiejętnie wykorzystano starożytne dziedzictwo.
Jako pierwszy z mistrzów renesansu rozwiązał problem stabilnego ustawienia figury.
Wskrzesił obraz nagości w rzeźbie rzeźbiarskiej.
Odlej pierwszy pomnik z brązu.
Próbowałem jako pierwszy rozwiązać problem grup wolnostojących.
Brał udział w dekoracji katedry Santa Maria del Fiore:
marmurowy posąg Dawida.
Lorenza Ghibertiego. 1378 – 1455.
Wschodnie drzwi Baptysterium we Florencji. 1425-52. Brąz złocony.
Ghibertiego.
Historia Józefa.
Ghibertiego. Wschodnie drzwi Baptysterium we Florencji. Noe i potop. 1425-52. Fragment.
Andrea Verocchio (Verocchio).
1435 – 1488.Dawid. Brązowy. 1476.
Malarstwo Florencji
Po rzeźbie nastąpił punkt zwrotny w malarstwie.Masaccio. 1401-1428.
Święty Piotr uzdrawiający chorych swoim cieniem. 1425-26.
Fra Filippo Lippi. 1406 – 1469.
Polaiolo, Antonio. 1429 – 1493. Herkules i Anteusz.
Andrea Mantegna. 1431 – 1506. Martwy Chrystus. 1490.
Mantegna. Lodovico Gonzago, książę Mantui i jego rodzina. Camera degli Sposi. Fragment ściany północnej. 1471-74.
Początek XV wieku przyniósł ogromne zmiany w życiu i kulturze Włoch. Od XII wieku mieszczanie, kupcy i rzemieślnicy Włoch toczyli bohaterską walkę z feudalną zależnością. Rozwijając handel i produkcję, mieszczanie stopniowo się bogacili, obalali władzę panów feudalnych i organizowali wolne państwa-miasta. Te wolne włoskie miasta stały się bardzo potężne. Ich obywatele byli dumni ze swoich podbojów. Ogromne bogactwo niezależnych miast włoskich było przyczyną ich tętniącego życiem dobrobytu. Włoska burżuazja patrzyła na świat innymi oczami, mocno wierzyła w siebie, w swoją siłę. Obce było im głoszone do tej pory pragnienie cierpienia, pokory i wyrzeczenia się wszelkich ziemskich radości. Wzrósł szacunek do ziemskiego człowieka, cieszącego się radościami życia. Ludzie zaczęli aktywnie podchodzić do życia, chętnie poznawać świat i zachwycać się jego pięknem. W tym okresie narodziły się różne nauki i rozwinęła się sztuka.
Włochy zachowały wiele zabytków sztuki Starożytny Rzym dlatego epoka starożytna ponownie zaczęła być czczona jako model, sztuka starożytna stała się przedmiotem kultu. Naśladowanie starożytności spowodowało nazwanie tego okresu w sztuce - renesans, co oznacza po francusku "Renesans". Oczywiście nie było to ślepe, dokładne powtórzenie starożytna sztuka, była to już sztuka nowa, ale oparta na starożytnych przykładach. Włoski renesans dzieli się na 3 etapy: VIII – XIV wiek – Okres przedrenesansowy (protorenesans lub trecento)-czy to.); XV wiek - wczesny renesans (Quattrocento); koniec XV - początek XVI wieku - Wysoki renesans.
W całych Włoszech było wykopaliska archeologiczne, szukałem starożytnych zabytków. Nowo odkryte posągi, monety, naczynia i broń zostały starannie zakonserwowane i zgromadzone w specjalnie utworzonych w tym celu muzeach. Artyści czerpali wiedzę z tych przykładów starożytności i malowali je z życia.
Trecento (przedrenesansowy)
Z nazwą wiąże się prawdziwy początek renesansu Giotto di Bondone (1266? - 1337). Uważany jest za twórcę malarstwa renesansowego. Florencki Giotto ma wielkie zasługi dla historii sztuki. Był odnowicielem, założycielem wszystkiego Malarstwo europejskie po średniowieczu. Giotto tchnął życie w sceny ewangeliczne, stworzył obrazy prawdziwi ludzie, duchowy, ale ziemski.
Giotto najpierw tworzy tomy za pomocą światłocienia. Uwielbia czyste jasne kolory chłodne odcienie: róż, perłowo-szary, blady fiolet i jasny liliowy. Ludzie na freskach Giotta są krępi i ciężko chodzą. Oni mają duże funkcje twarze, szerokie kości policzkowe, wąskie oczy. Jego osoba jest miła, uważna i poważna.
Z dzieł Giotta najlepiej zachowane są freski w świątyniach Padwy. Przedstawił tu historie ewangeliczne jako istniejące, ziemskie, realne. W tych utworach opowiada o problemach, które nurtują człowieka przez cały czas: o dobroci i wzajemnym zrozumieniu, oszustwie i zdradzie, o głębi, smutku, łagodności, pokorze i wiecznej, wszystko trawiącej miłości matczynej.
Zamiast odłączonych od siebie pojedynczych postaci, jak w średniowieczne malarstwo, Giotto udało się stworzyć spójna historia, cała historia o kompleksie życie wewnętrzne bohaterowie. Zamiast konwencjonalnego złotego tła mozaik bizantyjskich, Giotto wprowadza tło pejzażowe. A jeśli w malarstwie bizantyjskim postacie zdawały się unosić i wisieć w przestrzeni, to bohaterowie fresków Giotta znaleźli pod stopami solidny grunt. Dążenie Giotta do przekazania przestrzeni, plastyczności figur i ekspresji ruchu uczyniło jego sztukę całym etapem renesansu.
Jeden z znani mistrzowie Przedrenesansowy -
Simone Martini (1284 - 1344).
Jego obrazy zachowały cechy gotyku północnego: postacie Martiniego są wydłużone i z reguły na złotym tle. Ale Martini tworzy obrazy za pomocą światłocienia, nadaje im naturalny ruch i stara się przekazać pewien stan psychiczny.
Quattrocento (wczesny renesans)
Starożytność odegrała ogromną rolę w kształtowaniu się kultury świeckiej wczesnego renesansu. We Florencji zostaje otwarta Akademia Platońska, Biblioteka Laurentyńska zawiera bogatą kolekcję starożytnych rękopisów. Pojawiają się pierwsi muzea sztuki wypełnione posągami i gruzem starożytna architektura, marmury, monety, ceramika. W okresie renesansu wyłoniły się główne ośrodki życie artystyczne Włochy - Florencja, Rzym, Wenecja.
Jeden z największe ośrodki kolebką nowej, realistycznej sztuki była Florencja. W XV wieku mieszkało, studiowało i pracowało tu wielu znanych mistrzów renesansu.
Architektura wczesnorenesansowa
Mieszkańcy Florencji odznaczali się wysoką kulturą artystyczną, aktywnie uczestniczyli w tworzeniu miejskich pomników i dyskutowali o możliwościach budowy pięknych budynków. Architekci porzucili wszystko, co przypominało gotyk. Pod wpływem starożytności budynki zwieńczone kopułą zaczęto uważać za najdoskonalsze. Wzorem był tutaj rzymski Panteon.
Florencja to jedno z najpiękniejszych miast świata, miasto-muzeum. Zachował swoją architekturę ze starożytności w niemal nienaruszonym stanie, a najpiękniejsze budowle powstały głównie w okresie renesansu. Ponad dachami z czerwonej cegły starożytnych budynków Florencji wznosi się ogromny budynek miejskiej katedry. Santa Maria del Fiore, często nazywaną po prostu katedrą florencką. Jego wysokość sięga 107 metrów. Wieńczącą katedrę jest wspaniała kopuła, której smukłość podkreślają białe kamienne żebra. Kopuła jest imponujących rozmiarów (jej średnica wynosi 43 m), zwieńcza całą panoramę miasta. Katedra jest widoczna z niemal każdej ulicy Florencji, wyraźnie zarysowana na tle nieba. Ten wspaniały budynek został zbudowany przez architekta
Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).
Najwspanialszą i najsłynniejszą kopułową budowlą renesansu była Bazylika Świętego Piotra w Rzymie. Budowa trwała ponad 100 lat. Twórcami pierwotnego projektu byli architekci Bramantego i Michała Anioła.
Budynki renesansowe zdobią kolumny, pilastry, głowy lwów i „putty”(nagie dzieci), gipsowe wianki z kwiatów i owoców, liście i wiele detali, których przykłady odnaleziono w ruinach starożytnych rzymskich budowli. Wrócił do mody łuk półkolisty. Bogaci ludzie zaczęli budować piękniejsze i wygodniejsze domy. Zamiast domów ściśle przylegających do siebie, pojawiły się luksusowe pałace - pałace.
Rzeźba wczesnorenesansowa
W XV wieku we Florencji były dwa znany rzeźbiarz -Donatello i Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- jeden z pierwszych rzeźbiarzy we Włoszech, który skorzystał z doświadczeń sztuki starożytnej. Stworzył jedno z najpiękniejszych dzieł wczesnego renesansu – posąg Dawida.
Według legenda biblijna, prosty pasterz, młody człowiek Dawid pokonał olbrzyma Goliata i w ten sposób ocalił mieszkańców Judei przed zniewoleniem, a później został królem. Dawid był jednym z ulubionych obrazów renesansu. Rzeźbiarz przedstawia go nie jako pokornego świętego z Biblii, ale jako młody bohater, zwycięzca, obrońca rodzinnego miasta. Donatello w swojej rzeźbie gloryfikuje człowieka jako ideał pięknej bohaterskiej osobowości, który powstał w okresie renesansu. Dawid zostaje ukoronowany wieńcem laurowym zwycięzcy. Donatello nie bał się wprowadzić takiego szczegółu jak kapelusz pasterski – znak jego prostego pochodzenia. W średniowieczu Kościół zabraniał przedstawiania nagiego ciała, uznając je za naczynie zła. Donatello był pierwszym mistrzem, który odważnie złamał ten zakaz. Twierdzi w ten sposób, że ciało ludzkie jest piękne. Posąg Dawida jest pierwszą okrągłą rzeźbą tamtej epoki.
Znana jest także inna piękna rzeźba Donatello – posąg wojownika , generał Gattamelaty. Był to pierwszy pomnik jeździecki renesansu. Pomnik ten, stworzony 500 lat temu, nadal stoi na wysokim cokole, zdobiąc plac w Padwie. Po raz pierwszy w rzeźbie uwieczniono nie boga, nie świętego, nie szlachetnego i bogatego człowieka, ale szlachetnego, odważnego i groźnego wojownika o wielka dusza, który zasłynął wielkimi czynami. Ubrany w antyczną zbroję Gattemelata (tak brzmi jego przydomek, oznaczający „cętkowanego kota”) siedzi na potężnym koniu w spokojnej, majestatycznej pozie. Rysy twarzy wojownika podkreślają zdecydowany, silny charakter.
Andrea Verrocchio (1436 -1488)
Najsłynniejszy uczeń Donatello, twórca słynnego pomnika konnego kondotiera Colleoniego, który wzniesiono w Wenecji na placu niedaleko kościoła San Giovanni. Najważniejszą rzeczą, która uderza w pomniku, jest wspólny energiczny ruch konia i jeźdźca. Wydaje się, że koń pędzi poza marmurowy cokół, na którym ustawiony jest pomnik. Colleoni, stojąc w strzemionach, wyciągnięty, z wysoko podniesioną głową, spogląda w dal. Na jego twarzy zamarł grymas złości i napięcia. W jego postawie widać wielką wolę, twarz przypomina drapieżnego ptaka. Obraz jest przepełniony niezniszczalną siłą, energią i surowym autorytetem.
Malarstwo wczesnorenesansowe
Renesans odnowił także sztukę malarską. Malarze nauczyli się dokładnie oddawać przestrzeń, światło i cień, naturalne pozy i różne ludzkie uczucia. Czasem akumulacji tej wiedzy i umiejętności był wczesny renesans. Obrazy z tamtych czasów są nasycone jasnym i optymistycznym nastrojem. Tło jest często zapisane jasne kolory a budynki i motywy naturalne zarysowane są ostrymi liniami, dominują czyste kolory. Wszystkie szczegóły wydarzenia są ukazane z naiwną starannością, postacie najczęściej są ułożone w szereg i oddzielone od tła wyraźnymi konturami.
Malarstwo wczesnego renesansu dążyło jedynie do perfekcji, jednak dzięki swojej szczerości porusza duszę widza.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, znany jako Masaccio (1401 - 1428)
Uważany jest za kontynuatora Giotta i pierwszego mistrza malarstwa wczesnego renesansu. Masaccio żył tylko 28 lat, ale przez całe życie krótkie życie pozostawił w sztuce ślad trudny do przecenienia. Udało mu się dokończyć rewolucyjne przemiany zapoczątkowane przez Giotta w malarstwie. Jego obrazy wyróżniają się ciemną i głęboką kolorystyką. Ludzie na freskach Masaccio są znacznie gęstsi i potężniejsi niż na obrazach epoki gotyku.
Masaccio jako pierwszy poprawnie rozmieścił przedmioty w przestrzeni, uwzględniając perspektywę; Zaczął przedstawiać ludzi zgodnie z prawami anatomii.
Umiał połączyć postacie i pejzaż w jedną akcję, dramatycznie, a jednocześnie całkiem naturalnie przekazując życie przyrody i ludzi - i to jest wielką zasługą malarza.
To jedna z nielicznych sztalugi prace sztalugowe Masaccio, zamówionej u niego w 1426 roku do kaplicy w kościele Santa Maria del Carmine w Pizie.
Madonna zasiada na tronie zbudowanym ściśle według praw perspektywy Giotta. Jej postać jest pomalowana pewnymi i wyraźnymi pociągnięciami, co stwarza wrażenie rzeźbiarskiej objętości. Jej twarz jest spokojna i smutna, jej oderwany wzrok jest skierowany donikąd. Otulona w ciemnoniebieski płaszcz Matka Boska trzyma w ramionach Dzieciątko, którego złota postać wyraźnie wyróżnia się na ciemnym tle. Głębokie fałdy płaszcza pozwalają artyście bawić się światłocieniem, co jednocześnie tworzy szczególny efekt wizualny. Dziecko zjada czarne winogrona – symbol komunii. Doskonale narysowane anioły (artysta doskonale znał anatomię człowieka) otaczające Madonnę nadają obrazowi dodatkowego wydźwięku emocjonalnego.
Jedyna tablica namalowana przez Masaccio do dwustronnego tryptyku. Po wczesna śmierć malarz, resztę dzieła, zamówionego przez papieża Marcina V dla kościoła Santa Maria w Rzymie, wykonał artysta Masolino. Przedstawiono tu dwie surowe, monumentalnie wykonane postacie świętych, całych ubranych na czerwono. Hieronim trzyma otwarta książka oraz model bazyliki z lwem leżącym u jego stóp. Jan Chrzciciel jest przedstawiony w swojej zwykłej postaci: jest bosy i trzyma w dłoni krzyż. Obie postacie zadziwiają anatomiczną precyzją i niemal rzeźbiarskim wyczuciem objętości.
Zainteresowanie człowiekiem i podziw dla jego piękna były w okresie renesansu tak duże, że doprowadziło to do powstania nowego gatunku w malarstwie – gatunku portretu.
Pinturicchio (wersja Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Pochodzi z Perugii we Włoszech. Przez pewien czas malował miniatury i pomagał Pietro Perugino w dekorowaniu freskami Kaplicy Sykstyńskiej w Rzymie. Zdobył doświadczenie w najbardziej złożonej formie dekoracyjnego i monumentalnego malarstwa ściennego. W ciągu kilku lat Pinturicchio stał się niezależnym muralistą. Pracował przy freskach w apartamentach Borgiów w Watykanie. Wykonał malowidła ścienne w bibliotece katedry w Sienie.
Artysta nie tylko przekazuje podobieństwo portretowe, ale stara się je odsłonić stan wewnętrzny osoba. Przed nami nastolatek, ubrany w surowy miejski strój. Różowy kolor, na głowie mała niebieska czapka. Brązowe włosy sięgają ramion, otaczając delikatną twarz, uważne spojrzenie brązowych oczu jest zamyślone, trochę niespokojne. Za chłopcem rozciąga się krajobraz Umbrii z cienkimi drzewami, srebrzystą rzeką i różowawym niebem na horyzoncie. Wiosenna czułość natury, będąca echem charakteru bohatera, współgra z poezją i urokiem bohatera.
Wizerunek chłopca podany jest na pierwszym planie, duży i zajmuje niemal całą płaszczyznę obrazu, a pejzaż jest namalowany w tle i bardzo mały. Stwarza to wrażenie ważności człowieka, jego dominacji nad otaczającą przyrodą i utwierdza w przekonaniu, że człowiek jest najpiękniejszym stworzeniem na ziemi.
Oto uroczysty wyjazd kardynała Capraniki na Sobór w Bazylei, który trwał prawie 18 lat, od 1431 do 1449, najpierw w Bazylei, a następnie w Lozannie. W orszaku kardynała znajdował się także młody Piccolomini. Grupa jeźdźców w towarzystwie paziów i służby ujęta jest w elegancką ramę o półkolistym łuku. Wydarzenie nie tyle realne i wiarygodne, ile rycersko wyrafinowane, wręcz fantastyczne. Na pierwszym planie przystojny jeździec na białym koniu, w luksusowej sukni i kapeluszu, odwraca głowę i patrzy na widza – to Eneasz Silvio. Artystka z przyjemnością maluje bogate stroje i piękne konie w aksamitnych kocach. Wydłużone proporcje postaci, lekko manieryczne ruchy, lekkie przechylenie głowy są bliskie dworskiemu ideałowi. Życie papieża Piusa II było pełne jasnych wydarzeń, a Pinturicchio opowiadał o spotkaniach papieża z królem Szkocji, z cesarzem Fryderykiem III.
Filippo Lippi (1406 - 1469)
Powstały legendy o życiu Lippiego. Sam był mnichem, ale opuścił klasztor, został wędrownym artystą, porwał zakonnicę z klasztoru i zmarł otruty przez krewnych młodej kobiety, w której zakochał się na starość.
Malował obrazy Madonny z Dzieciątkiem, przepełnione żywymi ludzkimi uczuciami i przeżyciami. Na swoich obrazach przedstawiał wiele szczegółów: przedmioty gospodarstwa domowego, środowisko, więc jego tematy religijne były podobne do obrazów świeckich.
Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)
Malował nie tylko tematy religijne, ale także sceny z życia szlachty florenckiej, jej bogactwa i luksusu oraz portrety ludzi szlacheckich.
Przed nami żona bogatego Florentczyka, przyjaciela artysty. W tej niezbyt pięknej, luksusowo ubranej młodej kobiecie artysta wyraził spokój, chwilę bezruchu i ciszy. Wyraz twarzy kobiety jest zimny, obojętny na wszystko, wydaje się, że przewiduje rychłą śmierć: wkrótce po namalowaniu portretu umrze. Kobieta ukazana jest z profilu, co jest typowe dla wielu portretów z tamtych czasów.
Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)
Jedno z najważniejszych nazwisk w Malarstwo włoskie XV wiek. Dokonał licznych przemian w sposobach konstruowania perspektywy przestrzeni obrazowej.
Obraz namalowany został na desce topolowej temperą jajeczną – najwyraźniej do tego czasu artysta nie opanował jeszcze tajników obraz olejny, w technice, w której powstaną jego późniejsze dzieła.
Artysta uchwycił pojawienie się tajemnicy Trójcy Świętej w chwili Chrztu Chrystusa. Biała gołębica rozpościerająca skrzydła nad głową Chrystusa symbolizuje zstąpienie Ducha Świętego na Zbawiciela. Figury Chrystusa, Jana Chrzciciela i stojący w pobliżu wraz z nimi anioły są pomalowane w powściągliwych kolorach.
Jego freski są uroczyste, wzniosłe i majestatyczne. Francesca wierzyła w wzniosłe przeznaczenie człowieka i w jego dziełach ludzie zawsze dokonują cudów. Stosował subtelne, delikatne przejścia barw. Francesca jako pierwsza malowała w plenerze (w plenerze).
Federalna Agencja Edukacji
Państwowy Uniwersytet Architektury i Inżynierii Lądowej w Petersburgu
Katedra Historii
Dyscyplina: Kulturoznawstwo
Tytani i arcydzieła kultury renesansu
Grupa studencka 1 ES 2
E. Yu Nalivko
Kierownik:
ki sc., nauczyciel
I. Yu Lapina
Sankt Petersburg
Wprowadzenie…………………………………………………3
Sztuka wczesnego renesansu………………………..4
Okres wysokiego renesansu…………………………….5
Sandro Botticelli…………………………………….5
Leonardo Da Vinci…………………………………7
Michał Anioł Buonarroti …….………………………10
Raffaello Santi…………....……………………………….13
Zakończenie……………………………………………………………..15
Wykaz wykorzystanej literatury………………………....16
Wstęp
Renesans - ważny okres w kulturze światowej. Początkowo nowe zjawisko w Europie życie kulturalne wyglądało na powrót do zapomnianych osiągnięć kultury starożytnej w dziedzinie nauki, filozofii i literatury. Fenomen renesansu polega na tym, że dziedzictwo starożytne zamieniło się w broń do obalania kanonów i zakazów kościelnych. Zasadniczo musimy mówić o wielkiej rewolucji kulturalnej, która trwała dwa i pół wieku i zakończyła się stworzeniem nowego typu światopoglądu i nowego typu kultury. Nic takiego nie zaobserwowano wówczas poza regionem europejskim. Dlatego też temat ten wzbudził moje duże zainteresowanie i chęć głębszego zbadania tego okresu.
W moim eseju chcę się skupić na takich wybitni ludzie, jak Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Stali się najwybitniejszymi przedstawicielami głównych etapów włoskiego renesansu.
1. Sztuka wczesnego renesansu
W pierwszych dziesięcioleciach XV wieku nastąpił zdecydowany zwrot w sztuce włoskiej. Pojawienie się we Florencji potężnego ośrodka renesansu pociągnęło za sobą odnowę całej włoskiej kultury artystycznej.
Twórczość Donatello, Masaccio i ich współpracowników wyznacza zwycięstwo realizmu renesansowego, który znacząco różnił się od „realizmu detalu”, charakterystycznego dla sztuki gotyckiej późnego Trecenta. Dzieła tych mistrzów są przesiąknięte ideałami humanizmu. Bohaterizują i wywyższają człowieka, podnosząc go ponad poziom życia codziennego.
W walce z tradycją gotycką artyści wczesnego renesansu szukali oparcia w starożytności i sztuce prarenesansu. To, czego mistrzowie protorenesansu poszukiwali jedynie intuicyjnie, za pomocą dotyku, obecnie opiera się na precyzyjnej wiedzy.
Sztuka włoska XV wieku wyróżnia się dużą różnorodnością. Nowa sztuka, która zatriumfowała w rozwiniętej Florencji na początku XV wieku, nie od razu zyskała uznanie i rozprzestrzeniła się w innych regionach kraju. Podczas gdy Bruneleschi, Masaccio i Donatello pracowali we Florencji, tradycje sztuki bizantyjskiej i gotyckiej były wciąż żywe w północnych Włoszech, jedynie stopniowo wypierane przez renesans.
Głównym ośrodkiem wczesnego renesansu była Florencja. Kultura florencka pierwszej połowy i połowy XV wieku jest różnorodna i bogata. Od 1439 r., od soboru Kościoła ekumenicznego we Florencji, na który przybyli cesarz bizantyjski Jan Palaiolog i patriarcha Konstantynopola w towarzystwie wspaniałej orszaku, a zwłaszcza po upadku Bizancjum w 1453 r., kiedy wielu naukowców uciekających ze Wschodu znalazł schronienie we Florencji, miasto to staje się jednym z głównych ośrodków we Włoszech do nauki języka greckiego, a także literatury i filozofii Starożytna Grecja. A jednak wiodąca rola w życiu kulturalnym Florencji pierwszej połowy i połowy XV wieku niewątpliwie należała do sztuki. 1
2. Okres wysokiego renesansu
Okres ten stanowi apogeum renesansu. Był to krótki okres, bo trwał około 30 lat, ale ilościowo i jakościowo był to okres jak stulecia. Sztuka Wysoki renesans jest podsumowaniem dorobku XV wieku, ale jednocześnie stanowi nowy skok jakościowy, zarówno w teorii sztuki, jak i w jej realizacji. Niezwykłą „gęstość” tego okresu można wytłumaczyć faktem, że liczba genialnych artystów pracujących jednocześnie (w jednym okresie historycznym) jest swego rodzaju rekordem nawet w całej historii sztuki. Wystarczy wymienić takie nazwiska jak Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł.
3. Sandro Botticelli
Nazwisko Sandro Botticellego jest znane na całym świecie jako jeden z najwybitniejszych artystów włoskiego renesansu.
Sandro Botticelli urodził się w 1444 (lub 1445) w rodzinie garbarza, obywatela Florencji Mariano Filippepi. Sandro był najmłodszym, czwartym synem Filippepi. Niestety prawie nic nie wiadomo na temat tego, gdzie i kiedy Sandro odbył edukację artystyczną i czy, jak podają stare źródła, rzeczywiście najpierw studiował biżuterię, a potem zaczął malować. W 1470 roku posiadał już własny warsztat i samodzielnie wykonywał otrzymane zlecenia.
Urok sztuki Botticellego zawsze pozostaje nieco tajemniczy. Jego prace wywołują wrażenie, jakiego nie wywołują dzieła innych mistrzów.
Botticelli był gorszy od wielu artystów XV wieku, niektórzy pod względem odważnej energii, inni pod względem prawdziwej dokładności szczegółów. Jego obrazy (z bardzo nielicznymi wyjątkami) pozbawione są monumentalności i dramatyzmu, a ich przesadnie kruche formy są zawsze nieco konwencjonalne. Ale jak żaden inny malarz XV wieku Botticelli był obdarzony zdolnością do najbardziej subtelnego, poetyckiego rozumienia życia. Po raz pierwszy udało mu się przekazać subtelne niuanse ludzkich doświadczeń. Radosne podniecenie zastępuje w jego obrazach melancholijna senność, porywy zabawy – bolesna melancholia, spokojna kontemplacja – niepohamowaną namiętność.
Nowy kierunek artystyczny Botticellego znalazł swój skrajny wyraz w ostatnim okresie jego twórczości, w dziełach z lat 90. XIV i początku XVI wieku. Tutaj techniki przesady i dysonansu stają się niemal nie do zniesienia (np. „Cud św. Zenobiusza”). Artysta albo pogrąża się w otchłani beznadziejnego smutku („Pieta”), albo oddaje się oświeconemu uniesieniu („Komunia św. Hieronima”). Jego styl malarski jest uproszczony niemal do konwencji ikonograficznych, odznacza się pewnym naiwnym powściągliwością. Zarówno rysunek doprowadzony do granic prostoty, jak i kolor z ostrymi kontrastami lokalnych barw są całkowicie podporządkowane planarnemu linearnemu rytmowi. Obrazy zdają się tracić swą realną, ziemską powłokę, pełniąc rolę mistycznych symboli. A jednak w tym, na wskroś sztuka religijna element ludzki przedostaje się z wielką siłą. Nigdy wcześniej artysta nie włożył w swoje prace tak wielu osobistych uczuć, nigdy wcześniej jego obrazy nie miały tak wysokiego znaczenia moralnego.
Wraz ze śmiercią Botticellego kończy się historia malarstwa florenckiego wczesnego renesansu - prawdziwej wiosny włoskiej kultury artystycznej. Botticelli, współczesny Leonardo, Michałowi Aniołowi i młodemu Rafaelowi, pozostawał obcy ich klasycznym ideałom. Jako artysta należał całkowicie do XV wieku i nie miał bezpośrednich następców w malarstwie wysokiego renesansu. Jednak jego sztuka nie umarła wraz z nim. Była to pierwsza próba odsłonięcia duchowego świata człowieka, nieśmiała próba, która zakończyła się tragicznie, ale która przez pokolenia i stulecia znalazła swoje nieskończenie wieloaspektowe odbicie w twórczości innych mistrzów.
Sztuka Botticellego to poetyckie wyznanie wielkiego artysty, które podnieca i zawsze będzie podniecać serca ludzi. 2
4. Leonardo Da Vinci
Nie jest łatwo w historii ludzkości znaleźć drugą osobę tak błyskotliwą jak twórca sztuki wysokiego renesansu, Leonardo da Vinci (1452-1519). Kompleksowość działalności tego wielkiego artysty i naukowca stała się jasna dopiero po zbadaniu rozproszonych rękopisów pochodzących z jego spuścizny. Leonardowi poświęcono ogromną ilość literatury, a jego życie szczegółowo zbadano. A jednak znaczna część jego prac pozostaje tajemnicza i nadal ekscytuje ludzkie umysły.
Leonardo Da Vinci urodził się w wiosce Anchiano niedaleko Vinci, niedaleko Florencji. On był Nieślubnym synem bogaty notariusz i prosta wieśniaczka. Widząc niezwykłe zdolności malarskie chłopca, ojciec wysłał go do warsztatu Andrei Verrocchio. Na obrazie nauczyciela „Chrzest Chrystusa” postać uduchowionego blond anioła należy do pędzla młodego Leonarda.
Do jego wczesnych dzieł należy obraz „Madonna z kwiatem” (1472), wykonany w technice olejnej, wówczas rzadki we Włoszech.
Około 1482 roku Leonardo wszedł na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Mistrz polecał się przede wszystkim jako inżynier wojskowy, architekt, specjalista w dziedzinie hydrotechniki, a dopiero potem jako malarz i rzeźbiarz. Jednak najbardziej owocny okazał się pierwszy mediolański okres twórczości Leonarda (1482-1499). Mistrz stał się najsłynniejszym artystą we Włoszech, studiował architekturę i rzeźbę, zajął się freskami i obrazami ołtarzowymi.
Do dziś zachowały się obrazy Leonarda z okresu mediolańskiego. Pierwszą kompozycją ołtarzową okresu wysokiego renesansu była „Madonna w grocie” (1483-1494). Malarz odszedł od tradycji XV wieku: w którego obrazach religijnych dominowała uroczysta powściągliwość. W ołtarzu Leonarda znajduje się kilka postaci: kobieca Maria, Dzieciątko Chrystus błogosławiące małego Jana Chrzciciela i klęczący anioł, jakby wyglądający z obrazu. Obrazy są idealnie piękne, naturalnie powiązane z otoczeniem. To coś na kształt groty wśród ciemnych bazaltowych skał ze szczeliną w głębinach – ogólnie fantastycznie tajemniczy krajobraz typowy dla Leonarda. Postacie i twarze spowija zwiewna mgła, nadając im szczególną miękkość. Włosi nazwali tę technikę Leonardo sfumato.
Najwyraźniej w Mediolanie mistrz stworzył obraz „Madonna z Dzieciątkiem” („Madonna Lita”). Tutaj, w przeciwieństwie do „Madonny z kwiatem”, dążył do większego uogólnienia idealności obrazu. Ukazany jest nie konkretny moment, ale pewien długotrwały stan spokojnej radości, w którym zanurzona jest młoda piękna kobieta. Zimne, przejrzyste światło oświetla ją subtelnie miękka twarz z na wpół spuszczonym wzrokiem i lekkim, ledwo zauważalnym uśmiechem. Obraz namalowany jest temperą, co dodaje dźwięczności tonacji błękitnego płaszcza i czerwonej sukni Marii. Puszyste, ciemnozłote kręcone włosy Dziecka są niesamowicie ukazane, a jego uważne spojrzenie skierowane na widza nie jest dziecinnie poważne.
Kiedy Mediolan został zajęty przez wojska francuskie w 1499 r., Leonardo opuścił miasto. Rozpoczął się czas jego wędrówki. Przez pewien czas pracował we Florencji. Tam dzieło Leonarda zdawało się być oświetlone jasnym blaskiem: namalował portret Mony Lisy, żony bogatego florenckiego Francesco di Giocondo (około 1503). Portret znany jako „La Gioconda” stał się jednym z najsłynniejszych dzieł malarstwa światowego.
Mały portret młodej kobiety, spowitej zwiewną mgłą, siedzącej na tle niebiesko-zielonego krajobrazu, jest pełen tak żywego i delikatnego drżenia, że według Vasariego widać puls bijący w zagłębieniu Mony Szyja Lisy. Wydawałoby się, że obraz jest łatwy do zrozumienia. Tymczasem w obszernej literaturze poświęconej La Giocondzie ścierają się najbardziej przeciwstawne interpretacje obrazu stworzonego przez Leonarda.
W ostatnich latach życia Leonardo da Vinci niewiele pracował jako artysta. Otrzymawszy zaproszenie od króla francuskiego Franciszka I, w 1517 roku wyjechał do Francji i został malarzem nadwornym. Wkrótce Leonardo zmarł. Na autoportrecie (1510-1515) siwobrody patriarcha o głębokim, żałobnym spojrzeniu wyglądał na znacznie starszego niż na swój wiek.
Skalę i wyjątkowość talentu Leonarda można ocenić po jego rysunkach, które zajmują jedno z zaszczytnych miejsc w historii sztuki. Z rysunkami, szkicami, szkicami i diagramami Leonarda da Vinci nierozerwalnie związane są nie tylko rękopisy poświęcone naukom ścisłym, ale także prace z zakresu teorii sztuki. Dużo miejsca poświęcono zagadnieniom światłocienia, modelowania wolumetrycznego, perspektywy liniowej i powietrznej. Leonardo da Vinci jest właścicielem licznych odkryć, projektów i badań eksperymentalnych z zakresu matematyki, mechaniki i innych nauk przyrodniczych.
Sztuka Leonarda da Vinci, jego badania naukowe i teoretyczne, wyjątkowość jego osobowości przeszły przez całą historię światowej kultury i nauki i wywarły ogromny wpływ. 3
5. Michał Anioł Buonarroti
Wśród półbogów i tytanów wysokiego renesansu Michał Anioł zajmuje szczególne miejsce. Jako twórca nowej sztuki zasługuje na miano Prometeusza XVI wieku
Piękna marmurowa statua, zwana Pietą, do dziś pozostaje pomnikiem pierwszego pobytu w Rzymie i pełnej dojrzałości 24-lecia letni artysta. Najświętsza Dziewica siedzi na kamieniu, na Jej kolanach spoczywa martwe ciało Jezusa, zdjęte z krzyża. Podtrzymuje go ręką. Pod wpływem dzieł starożytnych Michał Anioł odrzucił wszelkie tradycje średniowiecza w przedstawianiu tematów religijnych. Nadał harmonię i piękno Ciału Chrystusa i całemu dziełu. Śmierć Jezusa nie powinna była wywołać przerażenia, a jedynie uczucie pełnego czci zaskoczenia dla wielkiego cierpiącego. Piękno nagiego ciała w dużym stopniu korzysta z efektu światła i cienia, jaki dają umiejętnie ułożone fałdy sukni Maryi. W obliczu Jezusa ukazanego przez artystę dostrzeżono nawet podobieństwa z Savonarolą. Wieczne przymierze walki i protestu, wieczny pomnik Pieta pozostała ukrytym cierpieniem samego artysty.
Michał Anioł powrócił do Florencji w 1501 roku, w trudnym dla miasta momencie, gdzie z ogromnej bryły marmuru karraryjskiego, z którego miał powstać kolosalny posąg biblijnego Dawida do dekoracji kopuły katedry, zdecydował się stworzyć kompletny i dzieło doskonałe, nie zmniejszając jego rozmiarów, a mianowicie Dawid. W 1503 roku, 18 maja, statua została zainstalowana na Piazza della Señoria, gdzie stała przez ponad 350 lat.
W długim i ponurym życiu Michała Anioła tylko jeden okres uśmiechał się do niego szczęście – był to czas pracy dla papieża Juliusza II. Michał Anioł na swój sposób kochał tego niegrzecznego papieża-wojownika, który wcale nie miał papieskich szorstkich manier. Grób papieża Juliusza nie okazał się tak wspaniały, jak zamierzał Michał Anioł. Zamiast katedry św. Piotra umieszczono ją w małym kościele św. Petra, gdzie nawet nie weszła w całości, a jej poszczególne części rozproszyły się po całej okolicy różne miejsca. Ale nawet w tej formie jest to słusznie jedno z najsłynniejszych dzieł renesansu. Jej centralną postacią jest biblijny Mojżesz, wyzwoliciel swego ludu z niewoli egipskiej (artysta miał nadzieję, że Juliusz wyzwoli Italię od zdobywców). Wszechogarniająca pasja, nadludzka siła obciążają potężne ciało bohatera, wola i determinacja, żarliwe pragnienie działania odbijają się na jego twarzy, jego wzrok skierowany jest w stronę ziemi obiecanej. Półbóg zasiada w olimpijskim majestacie. Jedna jego ręka opiera się potężnie na kamiennej tablicy na kolanach, druga spoczywa tu z niedbałością godną człowieka, któremu wystarczy ruch brwi, aby wszyscy byli posłuszni. Jak stwierdził poeta, „przed takim bożkiem naród żydowski miał prawo pokłonić się w modlitwie”. Według współczesnych „Mojżesz” Michała Anioła rzeczywiście widział Boga.
Na zlecenie papieża Juliusza Michał Anioł namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie freskami przedstawiającymi stworzenie świata. W jego obrazach dominują linie i bryły. 20 lat później na jednej ze ścian tej samej kaplicy Michał Anioł namalował fresk „ Sąd Ostateczny„- oszałamiająca wizja pojawienia się Chrystusa na Sądzie Ostatecznym, na fali którego grzesznicy wpadają w otchłań piekielną. Muskularny, herkulesowy olbrzym nie przypomina biblijnego Chrystusa, który poświęcił się dla dobra ludzkości, ale personifikację zemsty ze starożytnej mitologii.Fresk odsłania straszliwe otchłanie zdesperowanej duszy, duszy Michała Anioła.
Prace Michała Anioła wyrażają ból wywołany tragedią Włoch, zlewający się z bólem związanym z własnym smutnym losem.Michał Anioł w architekturze odnalazł piękno, które nie łączy się z cierpieniem i nieszczęściem. Po śmierci Bramantego Michał Anioł przejął budowę Bazyliki św. Piotra. Godny następca Bramantego, stworzył kopułę, która do dziś nie ma sobie równych ani pod względem wielkości, ani wielkości,
Michał Anioł nie miał uczniów ani tak zwanej szkoły. Ale pozostaje cały świat stworzony przez niego. 4
6. Rafał
Twórczość Raphaela Santiego to jedno z tych zjawisk kultury europejskiej, które nie tylko zyskały światową sławę, ale także nabrały szczególnego znaczenia – najwyższych punktów orientacyjnych w życiu duchowym ludzkości. Od pięciu wieków jego twórczość uznawana jest za jeden z przykładów estetycznej doskonałości.
Geniusz Rafaela objawił się w malarstwie, grafice i architekturze. Dzieła Rafaela stanowią najpełniejszy, żywy wyraz linii klasycznej, klasycznej zasady w sztuce wysokiego renesansu (załącznik 3). Rafael stworzył „uniwersalny obraz” osoby pięknej, doskonałej fizycznie i duchowo, ucieleśniającej ideę harmonijnego piękna istnienia.
Rafael (dokładniej Raffaello Santi) urodził się 6 kwietnia 1483 roku w mieście Urbino. Pierwsze lekcje malarstwa pobierał u swojego ojca, Giovanniego Santiego. Kiedy Raphael miał 11 lat, zmarł Giovanni Santi, a chłopiec pozostał sierotą (stracił chłopca 3 lata przed śmiercią ojca). Podobno przez następne 5-6 lat uczył się malarstwa u Evangelisty di Piandimeleto i Timoteo Viti, mniejszych mistrzów prowincjonalnych.
Pierwsze znane nam dzieła Rafaela powstały około 1500 - 1502 roku, gdy miał on 17-19 lat. Są to miniaturowe kompozycje „Trzy Gracje” i „Sen Rycerski”. Te naiwne, wciąż studenckie, nieśmiałe istoty charakteryzują się subtelną poezją i szczerością uczuć. Już od pierwszych kroków twórczości ujawnia się talent Rafaela w całej jego oryginalności i zarysowuje się jego własny temat artystyczny.
Do najlepszych dzieł wczesnego okresu należy Madonna Conestabile. Kompozycje przedstawiające Madonnę z Dzieciątkiem przyniosły Rafaelowi szeroką sławę i popularność. Kruche, ciche, marzycielskie Madonny z okresu Umbrii zostały zastąpione bardziej ziemskimi, pełnokrwistymi obrazami, ich wewnętrzny świat stał się bardziej złożony, bogaty w emocjonalne odcienie. Rafael stworzył nowy typ wizerunku Madonny z Dzieciątkiem – monumentalny, surowy i jednocześnie liryczny, nadający temu tematowi niespotykane dotąd znaczenie.
Gloryfikował ziemską egzystencję człowieka, harmonię sił duchowych i fizycznych w obrazach zwrotek (pokojów) Watykanu (1509-1517), osiągając nienaganne poczucie proporcji, rytmu, proporcji, eufonii kolorów, jedności postaci i majestat tła architektonicznego. Wiele wizerunków Matki Bożej („Madonna Sykstyńska”, 1515-19), zespołów artystycznych znajduje się na obrazach Willi Farnesina (1514-18) i loggiach Watykanu (1519, ze studentami). W portretach tworzy idealny wizerunek człowieka renesansu („Baldassare Castiglione”, 1515). Zaprojektowano katedrę św. Piotra, zbudował kaplicę Chigi w kościele Santa Maria del Popolo (1512-20) w Rzymie.
Malarstwo Rafaela, jego styl, zasady estetyczne odzwierciedlały światopogląd epoki. W trzeciej dekadzie XVI wieku sytuacja kulturowa i duchowa we Włoszech uległa zmianie. Rzeczywistość historyczna zniszczyła złudzenia renesansowego humanizmu. Odrodzenie dobiegało końca. 5
Wniosek
W okresie renesansu rozbudziło się zainteresowanie sztuką starożytnej Grecji i Rzymu, co zaowocowało zmianami w Europie, które wyznaczyły koniec średniowiecza i początek czasów nowożytnych. Okres ten był nie tylko czasem „odrodzenia” zamierzchłej przeszłości, był to czas odkryć i badań, czas nowych idei. Klasyczne przykłady zainspirowały nowe myślenie, ze szczególnym uwzględnieniem osobowości człowieka, rozwoju i manifestacji zdolności, a nie ich ograniczeń, co było charakterystyczne dla średniowiecza. Trening i Badania naukowe nie były już wyłącznie domeną Kościoła. Powstawały nowe szkoły i uniwersytety, prowadzono eksperymenty przyrodnicze i medyczne. Artyści i rzeźbiarze w swojej twórczości dążyli do naturalności, do realistycznego odtworzenia świata i człowieka. Badano klasyczne posągi i anatomię człowieka. Artyści zaczęli stosować perspektywę, porzucając płaskie obrazy. Przedmiotem sztuki było ciało ludzkie, tematyka klasyczna i współczesna, a także tematyka religijna. We Włoszech kształtowały się stosunki kapitalistyczne, a dyplomacja zaczęła być wykorzystywana jako narzędzie w stosunkach pomiędzy miastami-państwami. Odkrycia naukowe i technologiczne, takie jak wynalezienie druku, przyczyniły się do rozpowszechnienia nowych idei. Stopniowo nowe idee ogarnęły całą Europę.
(XIV-XVI/XVII wiek)...to wielki wkład w sztukę renesans.TYTANI WYSOKI RENESANS LEONARDO DA VINCIA Na koniec... jego wyjątkowy wkład w era Renesans i stworzył swój własny arcydzieła. W kultura XV-XVI wiek ...
Kultura era renesans renesans
Test >> Kultura i sztukaOsoba, która go lubi tytan, oddzielili go od... marmurowej kopii. OZNACZAJĄCY KULTURY WIECZNOŚĆ ODRODZENIE Zatem, próbując się dowiedzieć kultura renesans, tajemnice tego... Palce też są jednym z nich arcydzieła Simone Martini. Jego piękno...
europejski kultura era renesans (2)
Wykład >> Kultura i sztukaHumanizm. 3. Tytani era renesans. Tytanizm jako zjawisko kulturowe. 4. „Barok” – kultura luksus i zamęt... rzemiosło, zarówno w literaturze, jak i w kreatywność artystyczna. Klasyczny arcydzieła Leonardo, Michał Anioł, Brunalleschi, Tycjan, Rafael...
era renesans (11)
Streszczenie >> Kultura i sztukaCzas” (F. Engels). Najwspanialszy arcydzieło poeta, uwiecznił jego imię,... wynik rozwoju średniowiecza kultura i podejście do nowego kultura era renesans. Wiara w rzeczy ziemskie... brzmi w wierszu tego ostatniego tytan renesans, napisany w jego imieniu...
Charakterystyka porównawcza uprawy epoki
Streszczenie >> Kultura i sztuka... era Augusta stała się ospała dzieło historyczne Tyta Libia... Brane są pod uwagę całe światy arcydziełaświat kultura. Zabytki architektury i budownictwa era wczesno... miejskie średniowiecze kultura. Nazwa jest warunkowa: pojawiła się w era renesans i to oznaczało...
Uwalniając się od ograniczających je treści religijnych i mistycznych, malarstwo zwraca się ku życiu, ku realnym obrazom rzeczywistości, ku człowiekowi. Obok zachowanych wizerunków mitologii chrześcijańskiej i starożytności, obiektem przedstawień artystów są obecnie także żywi ludzie, bohaterowie naszych czasów. Pokonując gotycką abstrakcję obrazów, rozwijając najlepsze cechy malarstwa Giotta, artyści XV wieku natknęli się na szeroka ścieżka realizm. Monumentalne freski przeżywają niespotykany dotąd rozkwit.
Masaccio. Reformatorem malarstwa, który odegrał tę samą rolę, co w rozwoju architektury Brunelleschiego, a Donatello w rzeźbie, był florencki Masaccio, żyjący zaledwie 27 lat (1401-1428), który stworzył cykl fresków, który posłużył za wzór przez kilka pokoleń włoskich artystów, w których odnajdywali ciągłe poszukiwania uogólnionego heroicznego obrazu osoby, prawdziwego przedstawienia otaczającego ją świata. Podążając za tradycją Giotta, artysta Masaccio skupia się na wizerunku człowieka, wzmacniając jego surową energię i aktywność, humanizm obywatelski. Masaccio robi zdecydowany krok w łączeniu postaci i krajobrazu, przedstawiając się po raz pierwszy perspektywa powietrzna. Na freskach Masaccio płytką platformę – scenę akcji z obrazów Giotta – zastępuje obraz prawdziwej głębokiej przestrzeni; Plastikowe modelowanie światła i cienia postaci staje się bardziej przekonujące i bogatsze, ich konstrukcja jest mocniejsza, a ich charakterystyka bardziej zróżnicowana. A poza tym Masaccio zachowuje ogromną siłę moralną obrazów, która urzeka Giotta w sztuce.
Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, które przedstawiają epizody z legend o św. Piotrze oraz dwie sceny biblijne – „Upadek” i „Wypędzenie z raju”.
Do niekwestionowanych dzieł Masaccio należy fresk „Wypędzenie z raju”. Na tle oszczędnie naszkicowanego krajobrazu wyraźnie wyłaniają się postacie Adama i Ewy wyłaniające się z bram raju, nad którymi szybuje po niebie anioł z mieczem. Fresk ten stanowi uderzający kontrast z malarstwem późnego Trecenta, którego tradycje nadal dominowały we Florencji w momencie jego powstania. Odrzucając bałagan postaci i przedmiotów oraz drobne detale, Masaccio skupia się na dramatycznej treści fabuły, inscenizacji i plastycznym rzeźbieniu postaci. Po raz pierwszy w historii malarstwa renesansowego Masaccio potrafił przekonująco wyrzeźbić nagie ciało, nadając mu prawidłowe proporcje, mocno i stabilnie osadzona na ziemi, gdzie po raz pierwszy w malarstwie renesansowym ukazane są nagie postacie, silnie modelowane bocznym światłem. Szczególnie udała mu się postać szeroko kroczącego Adama, który ze wstydem spuścił głowę i zakrył twarz rękami. Odrzucona do tyłu głowa płaczącej Ewy z zapadniętymi oczami i ciemną plamą szeroko otwartych ust ukazana jest w zadziwiająco odważny i ogólny sposób.
Nieco inne wrażenie wywołuje zestawiony fresk „Upadek”. To prawda, tutaj też Ogólny plan Wyróżnia się lakonizmem, postacie są wyrzeźbione plastycznie. Akcja rozwija się tu jednak powolnie i jest zupełnie pozbawiona wewnętrznego napięcia, charakterystycznego dla twórczości Masaccio, postacie nie są inscenizowane z taką pewnością siebie, jak w „Wypędzeniu z raju” i sprawiają wrażenie statyczności. Możliwe, że fresk ten namalował Masolino, naśladując dzieła swojego bardziej zaawansowanego i utalentowanego młodszego brata.
Freski Masaccia w kaplicy Brancaccich są przepojone trzeźwym racjonalizmem. Opowiadając o cudach dokonanych przez św. Piotra Masaccio pozbawia przedstawiane przez siebie sceny jakiegokolwiek odcienia mistycyzmu. Jego Chrystus, Piotr i apostołowie są ludźmi ziemskimi, ich twarze są zindywidualizowane i naznaczone piętnem ludzkich uczuć, ich postępowanie podyktowane jest naturalnymi ludzkimi impulsami. Dokonywane przez nie cuda są zatem postrzegane jako wynik wysiłku ludzkiej woli, a nie interwencji Bożej Opatrzności.
Kompozycje Masaccio wyróżniają się wyraźnym rozwojem akcji. Na fresku „Cud z podatkiem” centralne miejsce zajmuje początkowy moment historii, kiedy Chrystusa i Jego uczniów zatrzymał u bram miasta celnik, który zażądał zapłaty pieniędzy za wjazd. W tej grupie można wyraźnie wyróżnić trzy główne postacie a - Chrystus, Piotr i celnik. Kolekcjoner malowany jest przez artystę od tyłu, stojąc twardo na ziemi, blokując drogę Chrystusowi i apostołom. To uosobienie brutalnej siły. Przeciwstawia mu się Chrystus, spokojny i majestatyczny. Wskazując na przepływającą w pobliżu rzekę, każe Piotrowi wyjąć monetę z pyska ryby, aby zapłacić podatek. Sam moment cudu spychany jest przez artystę na dalszy plan. Po lewej stronie, w głębi, kucając i pochylając się nad rzeką, Piotr z wysiłkiem otwiera pysk wystającej z wody ryby i wyjmuje monetę. Po prawej stronie Piotr podaje monetę strażnikowi. Cała kompozycja napisana jest z jednego punktu widzenia, głowy bohaterów znajdują się na linii horyzontu. Postacie rozmieszczone są jedna po drugiej w przestrzeni i ukazane są na tle górzystego krajobrazu, dobrze z nimi skorelowanego zarówno pod względem skali, jak i kolorystyki. Masaccio posługuje się tu nie tylko środkami perspektywy linearnej, ale także powietrznej, stopniowo zmiękczając kolory w miarę wchodzenia w głębię.
Masaccio zinterpretował także odcinki „Jałmużna”, „Uzdrowienie przez cień” i „Chrzest nawróconych” w prosty i realistyczny sposób. Twarze przedstawionych bohaterów są zindywidualizowane, wiele z nich to podobno portrety. Z dużą uwagą ukazane są poszczególne postacie, np. nagi młodzieniec drżący z zimna w scenie „Chrztu”.
Masaccio zerwał z trendami zdobniczymi i narracyjnymi, które dominowały w malarstwie drugiej połowy XIV wieku. Zrobił zdecydowany krok w łączeniu postaci i pejzażu, po raz pierwszy nadał perspektywę powietrzną i naturalną linię horyzontu. W obrazach i freskach artysty zamiast pompatycznej dekoracyjnej barwności pojawiła się powściągliwa i harmonijna kolorystyka.
Castaño. Wśród zwolenników Masaccia wyróżniał się Andrea del Castagno (ok. 1421-1457), który wykazywał zainteresowanie nie tylko plastyczną formą i strukturami perspektywicznymi charakterystycznymi dla ówczesnego malarstwa florenckiego, ale także problematyką koloru. Najlepsze z stworzonych wizerunków tego szorstkiego, odważnego, nierównego z natury artysty wyróżniają się heroiczną siłą i niepohamowaną energią. Są to bohaterowie malowideł z Willi Pandolfini (ok. 1450 r., Florencja, kościół Santa Apollonia) – przykład rozwiązania tematu świeckiego. Na zielonym i ciemnoczerwonym tle wyróżniają się postacie wybitnych postaci renesansu, wśród nich kondotierowie florenccy: Farinata degli Uberti i Pippo Spano. Ten ostatni stoi twardo na ziemi, z szeroko rozstawionymi nogami, odziany w zbroję, z odkrytą głową, z dobytym mieczem w dłoniach; jest osobą żywą, pełną szaleńczej energii i wiary w swoje możliwości. Mocne modelowanie czarno-białe nadaje obrazowi siłę plastyczną, wyrazistość i podkreśla ostrość Cechy indywidulane, żywy portret, jakiego wcześniej nie widziano w malarstwie włoskim.
Wśród fresków kościoła Santa Apollonia wyróżnia się rozmachem obrazu i ostrością jego cech.” Ostatnia Wieczerza„(1445-1450). Tę scenę religijną – posiłek Chrystusa w otoczeniu uczniów – malowało wielu artystów, którzy zawsze trzymali się określonego typu kompozycji. Castagno nie odbiegał od tego typu konstrukcji, jasny charakter obrazów, narodowość typów apostołów i Chrystusa, głęboki dramatyczny wyraz uczuć, podkreślona jest bogata i kontrastowa kolorystyka.
Fra Beato Angelico. Wczesne prace Fra Beato są stylistycznie zbliżone do miniatur późnogotyckich i wyróżniają się słabym rozwojem relacji przestrzennych, wydłużeniem i krzywizną figur, starannym wykończeniem detali, bogactwem złota i lokalnych barw. Dzieła Fra Beato przepojone są uczuciami religijnymi, pozbawione są jednak surowej ascezy średniowiecza. Stworzone przez niego obrazy Chrystusa, Maryi i świętych mają charakter liryczny i poetycki, otaczająca przyroda nie jest już wroga człowiekowi, lecz objawia się mu w całym swym pięknie.
Obraz „Sąd Ostateczny” (Florencja, Muzeum San Marco), namalowany przez artystę po 1524 r., w porównaniu z freskami Masaccia nadal wydaje się bardzo gotycki. Nie ma w nim jedności przestrzeni, ogólna konstrukcja podporządkowana dawnemu schematowi ikonograficznemu. A jednak przebija się renesansowe poczucie realności i piękna świata, zwłaszcza w przedstawieniu okrągłego tańca błogosławionych tańczących na usianej kwiatami trawie Ogrodów Edenu. Co ciekawe, w tym obrazie Fra Beato próbował zastosować perspektywę linearną, nie udało mu się jednak zachować zasady przestrzennej we wszystkich partiach kompozycji.
Fra Beato Angelico nie pozostał obcy artystycznej reformie Masaccio. Zrobiłem dla mojego długie życie wielka ewolucja, w której jest mistrzem później działa sposób przekazania objętości i przestrzeni i przechodzi do bardziej uogólnionego sposobu malowania. Znalazło to częściowo odzwierciedlenie w jego dużym cyklu fresków w klasztorze San Marco we Florencji, ale w jeszcze większym stopniu w malowidłach kaplicy św. Mikołaja w Watykanie, ostatni dobra robota mistrzowie
Paolo Uccello. Na początku swojej kariery Paolo Uccello (1397-1475) był także związany ze sztuką zmarłego Trecenta, który następnie z pasją zainteresował się nowymi problemami sztuki, zwłaszcza teorią perspektywy linearnej i problematyką ukazywania postaci z złożone kąty.
Był asystentem w warsztacie Ghibertiego, gdy jeszcze pracował przy północnych drzwiach baptysterium. Najwcześniejszym znanym nam dziełem Uccello jest fresk przedstawiający kondotiera Johna Gokwooda w katedrze we Florencji (1436). W przeciwieństwie do pierwszego z tych dzieł – fresku Simone Martini w Siena Palazzo Publico, wykonanego sto lat wcześniej, Paolo Uccello nie tylko przedstawia kondotiera jadącego na koniu, ale zdaje się imitować pomnik jeździecki. Konstruując go, Uccello umiejętnie wykorzystuje perspektywę linearną, sprawiając wrażenie, że widz patrzy na pomnik niejako od dołu do góry. Malowany monochromatycznie, w sposób lakoniczny, uogólniony, fresk ten w zamyśle artysty miał niejako zastąpić pomnik rzeźbiarski.
Uccello jest również znany jako autor pierwszego w historii Sztuka zachodnioeuropejska monumentalne sceny batalistyczne. Uccello trzykrotnie urozmaicał kompozycje epizodami z bitwy pod San Romano, z entuzjazmem przedstawiając wielokolorowe konie i jeźdźców w szerokiej gamie cięć perspektywicznych i odwróceń. Oprócz dobrze znanej archaicznej maniery ujawniają także zamiłowanie artysty do perspektywy i kątów, które dochodzi do przesady.
Nie mniej orientacyjne są pod tym względem słabo zachowane freski Uccello w kościele Sita Maria Novella, w których niewielka, miniaturowa technika i bogactwo szczegółów łączą się z zainteresowaniem przedstawieniem przestrzeni i odważnym rozwiązaniem kątów .
Domenico Veneziano. W sztuce Florencji pierwszej połowy XV wieku wyróżnia się Domenico Veneziano (ok. 1410-1461). Pochodzący z Wenecji, najwyraźniej w młodości zetknął się z miniaturami holenderskimi, co wzbudziło jego zainteresowanie problematyką koloru, światła i oddania faktury rzeczy. Bliżej mu było do archaicznej sztuki Angelico niż do Masaccia. Jego figurom brakuje struktury, a konstrukcje perspektywiczne nie zawsze są prawidłowe. Ale jednocześnie dzieła Veneziano są pokryte subtelnym liryzmem i przesiąknięte poezją światła i koloru. Kolor odgrywa w jego obrazach wiodącą rolę, za jego pomocą przekazuje przestrzeń, powietrze, formę i światło, jednoczy postacie z otoczeniem. Jako jeden z pierwszych we Włoszech zastosował technikę malarstwa olejnego. Do jego najlepszych dzieł należą „Pokłon Trzech Króli” (Berlin, Dahlem), „Madonna i święci” (Florencja, Uffizi).
W XV wieku gatunek portretu zyskał na znaczeniu. Upowszechniła się kompozycja profilu, inspirowana starożytnymi medalikami, pozwalająca na uogólnienie i gloryfikację wizerunku portretowanej osoby. Precyzyjna linia zarysowuje ostry profil w „ Portret kobiety„(połowa XV w., Berlin-Dahlem, Galeria Sztuki). Artysta osiąga żywe, bezpośrednie podobieństwo, a jednocześnie subtelną jedność kolorystyczną w harmonii jasnych, lśniących kolorów, przezroczystych, zwiewnych, łagodzących kontury.
Filippo Lippi. Fra Filippo Lippi (ok. 1406-1469) osiąga dzieła niezwykłej subtelności wykonania, bardzo powściągliwej kolorystyki i świeckiego charakteru. typowy przedstawiciel wczesnego renesansu, który zamienił szatę klasztorną na niespokojny zawód wędrownego artysty. W czułych, lirycznych obrazach – „Madonnie w zasłonie” (ok. 1465 r., Florencja, Uffizi) malarz i zbiegły mnich Filippo Lippi uchwycił wzruszająco kobiecy wygląd swojej ukochanej Lukrecji Buti podziwiającej pulchne dziecko.
Malarstwo florenckie. Malarstwo wczesnorenesansowe rozwinęło się we Florencji w sposób złożony w ostatniej tercji XV wieku, w którym wieloaspektowe problemy realizmu renesansowego otrzymały różnorodne rozwiązania - od monumentalno-epickiego, heroicznego po narrację gatunkową, wzniośle poetycką i liryczną. Rosnące zainteresowanie motywami życia codziennego i szczegółami sytuacji nadaje kompozycjom malarskim cechy gatunkowe. Sylwetki ludzi zyskują większe smukłe proporcje i elastyczność.
Ghirlandaio. Dzieła Domenico Ghirlandaio (1449-1494), a przede wszystkim jego freski, podsumowują poszukiwania artystów wczesnego renesansu; jawi się w nich jako uważny pisarz życia codziennego patrycjatu florenckiego, który zachował duchową jasność i spokojne, uważne spojrzenie na świat. Malowane na zlecenie rodziny Medyceuszy i bliskich im osób freski mają charakter narracyjny, który łączy się z powagą i dekoracyjnością, zainteresowaniem części gospodarstwa domowego, transmisja światła i przestrzeni. Często zawierają portrety klientów.
Tradycjonalizm sztuki Ghirlandaio objawia się w obrazie kościoła Ognissanti „Ostatnia wieczerza” (1480). Powtarzając kompozycję zawartą przez poprzedników, łączy postacie apostołów w grupy, wyraźniej ujawnia konfliktowy charakter sytuacji i zwraca uwagę na charakterystykę sceny. Głównym dziełem Ghirlandaio są freski kościoła Santa Maria Novella (1485-1490) przedstawiające sceny z życia Marii i Jana Chrzciciela.
Umieszczone jedna nad drugą na kilku poziomach, w jego interpretacji stają się zasadniczo uroczyste codzienne sceny współczesne życie mieszkańców miasta. Akcja rozgrywa się albo na ulicy, albo we wnętrzu bogatego domu. Na fresku „Narodziny Marii” wśród tych, którzy przybyli odwiedzić rodzącą, przedstawiono florenckie damy ubrane zgodnie z ówczesną modą, prowadzone przez córkę patrycjusza Tornabuoni.
Ghirlandaio wyróżnia się między innymi delikatnym człowieczeństwem i ciepłem w „Portrecie starca z wnukiem” (Paryż, Luwr), gdzie dziecięca naiwność i wdzięk przeciwstawia się przemijającej starości, przemienionej przez głęboką czułość i troskę o dziecko.
Botticellego. O ile w twórczości Ghirlandaio można dostrzec związek z tradycją holistycznego malarstwa światopoglądowego z początku XV wieku, o tyle cechy wzniosłej poezji, wyrafinowania i arystokratycznego wyrafinowania znajdują swoje najżywsze ucieleśnienie w twórczości Sandro Botticellego (1445-1510). Poetycki urok jego obrazów i ich głęboka duchowość łączą się w późniejszych pracach z tragiczną postawą i bolesnym załamaniem.
Wczesne dzieła Botticellego wyróżniają się miękkim liryzmem i spokojem. Obok kompozycji religijnych maluje portrety pełne życia wewnętrznego, duchowej czystości i uroku. Jego najsłynniejsze dojrzałe obrazy - „Wiosna” (ok. 1480 r.) i „Narodziny Wenus” (ok. 1484 r., oba - Florencja, Uffizi) - inspirowane są poezją nadwornego poety Medyceuszy A. Poliziano i odznaczają się oryginalnością interpretacji wątków i obrazów starożytnych mitów, przełożonych poprzez głęboko osobisty, poetycki światopogląd.
W obrazie „Narodziny Wenus” Botticelli osiąga organiczne połączenie zmysłowego piękna i wysublimowanej duchowości. Wzmacniając walory dekoracyjne, wprowadza konwencjonalną technikę złocenia włosów bogini, splecionych w złożony liniowy wzór. Błyszczące złoto wzbogaca wykwintną kolorystykę obrazu, łącząc się z zielonkawymi przezroczystymi odcieniami morza, ciemnymi, bogatymi odcieniami roślin i błękitem nieba. Szybkość liniowego rytmu, czystość i delikatność zimnych tonów powodują poczucie kruchości, niestabilności pięknego ideału. Zarówno latające zefiry, jak i nimfa rozwijająca swój płaszcz przed Wenus, czy sama bogini o zamyślonej, smutnej twarzy, przez którą prześlizgują się ukryte ruchy uczuć, odbierane są jako obrazy uduchowiające naturę.
Subtelne wdzięczne cechy typu kobiecego, odnalezione przez Botticellego w Wenus i Wiosnie, można rozpoznać także w stworzonych przez artystę wizerunkach Madonn. Najbardziej znanym z nich jest Magnificat (Madonna w chwale, 1481, Florencja, Uffizi), przedstawiana w otoczeniu koronujących ją aniołów. Kompozycja wpisana w okrąg nawiązuje liniami do kadru. Botticelli znajduje najbardziej złożone muzyczne rytmy liniowe w konstrukcji kompozycji; Dla niego linia jest głównym środkiem emocjonalnej ekspresji. Jednocześnie, w przeciwieństwie do większości malarzy florenckich, Botticelli doskonale wyczuwa i przekazuje piękno wykwintnych połączeń kolorystycznych.
Malarstwo wczesnego renesansu przechodzi tę samą ewolucję co rzeźba. W okresie renesansu powstało wiele znanych na całym świecie zabytków architektury. Wczesny renesans(XIV-XV w.) w sztuce Włoch kojarzona jest przede wszystkim z Florencją, gdzie Medyceusze patronowali humanistom i wszelkiej sztuce. Ogromną rolę, jaką Brunelleschi odegrał w architekturze wczesnego renesansu, a Donatello w rzeźbie, miał Masaccio (1401-1428) w malarstwie.
Na początku XV wieku. Szkoła florencka jest awangardą sztuki humanistycznej renesansu. Stąd duch porządku i miary, tak charakterystyczny dla sztuki renesansu. Wątki pogańskie i chrześcijańskie przeplatają się i przekształcają, nadając kulturze renesansu szczególnie złożony charakter.
Jeśli w prarenesansie artysta działał w oparciu o intuicję, to wczesny renesans wysunął na pierwszy plan precyzyjne wiedza naukowa. Pierwszym teoretykiem malarstwa i architektury był Leon Battista Alberti (1404-1472). Sztuka renesansu, której głównym tematem był ludzki bohater, stopniowo rozprzestrzeniła się po całych Włoszech.
Katedra Santa Maria del Fiore
Imię Alberti słusznie uważane jest za jedno z pierwszych wśród wielkich twórców kultury włoskiego renesansu. Jego prace teoretyczne, jego praktyka artystyczna, jego idee i wreszcie sama jego osobowość jako humanisty, odegrały niezwykle ważną rolę w powstaniu i rozwoju sztuki wczesnego renesansu.
Tradycje bizantyjskie i wpływy gotyku przez długi czas dominowały w sztuce Wenecji. Wpływ twórczości Donatello na rozwój sztuki włoskiego renesansu był ogromny. Surowa i odważna sztuka Masaccio wywarła ogromny wpływ kultura artystyczna Renesans, w szczególności na twórczości Piero della Francesca i Michała Anioła.
Sztuka Botticellego, w przeciwieństwie do większości mistrzów wczesnego renesansu, opierała się na osobistych doświadczeniach. Historia stylów w sztuce i ubiorze. W XV wieku Włoski renesans wkracza w okres Quattrocento, kiedy dominują podstawowe zasady „nowego stylu”. Wczesny renesans charakteryzuje się pojawieniem się i powstaniem różnych obszarów terytorialnych szkoły artystyczne, ich aktywna interakcja i walka.
Katedra Świętego Pawła
Duch wczesnego renesansu przejawiał się także w zainteresowaniu starożytnością, jej ideami i obrazami, tematyką mitologii pogańskiej, do której odwoływanie się było zabronione w średniowieczu.
Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Nie mniej realistyczna jest interpretacja sceny „Wygnanie z raju”, w której po raz pierwszy w malarstwie renesansowym ukazane są nagie postacie, silnie modelowane bocznym światłem. Następnie idee renesansu rozprzestrzeniły się w całej Europie.
To dzieło Brunelleschiego wywarło ogromny wpływ na dalszy rozwój architektury nie tylko w samych Włoszech, ale w całej Europie. Kolejnym rozpoznawalnym arcydziełem architektury renesansowej jest Katedra Florencja. Znajduje się w nim także wiele zabytków i dzieł sztuki, w tym słynna Pieta Michała Anioła.
Pojawia się nowe kryterium oceny piękna, oparte na podobieństwie do natury i poczuciu proporcjonalności. W sztuce szczególną uwagę zwraca się na plastyczne opracowanie form i rysunek. W XV wieku artyści włoscy rozwiązali także problem perspektywy prostoliniowej, który dojrzał w sztuce Trecenta.
Sandro Botticellego
Jednak wpływ antyku nakłada się na wielowiekowe i silne tradycje średniowiecza, na sztukę chrześcijańską. Sztuka zaczęła pełnić rolę uniwersalnej wiedzy o otaczającym świecie. W XV wieku Ukazało się wiele traktatów naukowych o sztuce.
Opracował teorię perspektywy liniowej, prawdziwy portret głębia przestrzeni na zdjęciu. Marzenia humanistów o „mieście idealnym” stały się podstawą nowych zasad urbanistyki i architektury. W budynkach z tego okresu na pierwszy plan wysuwa się poczucie harmonii. Założycielem architektury renesansowej we Włoszech był Filippo Brunelleschi (1377-1446), architekt, rzeźbiarz i naukowiec, jeden z twórców naukowej teorii perspektywy.
Kopuła katedry Santa Maria del Fiore stała się poprzedniczką wielu kopułowych kościołów we Włoszech i innych krajach europejskich. Brunelleschi był jednym z pierwszych we włoskiej architekturze, który twórczo zrozumiał i oryginalnie zinterpretował starożytny system porządku i położył podwaliny pod budowę kopułowej świątyni opartej na starożytnym porządku. Jedno z głównych osiągnięć architektury włoskiej XV wieku. było powstanie nowego typu pałaców miejskich, które posłużyły za wzór dla budynków użyteczności publicznej w czasach późniejszych.
Leon Battista Alberti (1404-72) zajmuje szczególne miejsce w historii architektury włoskiej. W północnych Włoszech rozwój sztuki renesansowej przebiegał różnymi drogami. Lombardo i Coducci zbudowali także budynki sakralne w Wenecji. W XV wieku Rozkwita rzeźba włoska, która nabrała samodzielnego, niezależnego od architektury znaczenia. Do praktyki życia artystycznego zaczęto włączać zamówienia zamożnych kręgów rzemieślniczych i kupieckich na dekorację budynków użyteczności publicznej; odbywają się konkursy plastyczne.
Jeden z najbardziej wyedukowani ludzie swoich czasów, pierwszy historyk sztuki włoskiej, genialny rysownik, Ghiberti poświęcił swoje życie jednemu rodzajowi rzeźby – płaskorzeźbie. Za główną zasadę swojej sztuki Ghiberti uważał równowagę i harmonię wszystkich elementów obrazu. Pracownia Ghibertiego stała się szkołą dla całego pokolenia artystów, w szczególności pracował w niej słynny Donatello, wielki reformator rzeźby włoskiej.
Quattrocento (lub wczesny renesans) stał się czasem eksploracji eksperymentalnej. Trzeci tom Powszechnej Historii Sztuki jest w całości poświęcony sztuce renesansu. Szczególne miejsce w malarstwie wczesnego renesansu zajmuje Sandro Botticelli (1445-1510), współczesny Leonardo da Vinci i młodemu Michałowi Aniołowi.
