Niesamowite zdjęcia. Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikowa

Ile potrzeba, aby zostać artystą? Może talent? A może możliwość nauczenia się czegoś nowego? A może dzika fantazja? Oczywiście, to wszystko niezbędne czynniki, ale co jest najważniejsze? Inspiracja. Kiedy artysta dosłownie wkłada swoją duszę w obraz, staje się on żywy. Magia kolorów czyni cuda, ale nie sposób odwrócić wzroku, chcesz poznać każdy najdrobniejszy szczegół...

W tym artykule przyjrzymy się 25 naprawdę genialnym i znane obrazy.

✰ ✰ ✰

„Trwałość pamięci”, Salvador Dali

Ten małe malowanie i przyniósł Dali popularność, gdy miał 28 lat. To nie jedyny tytuł obrazu, ma on także tytuł „ Miękki zegarek", "Trwałość pamięci", "Twardość pamięci".

Pomysł malowania przyszedł do artysty w momencie, gdy myślał o serze topionym. Dali nie pozostawił żadnej notatki na temat znaczenia i znaczenia obrazu, dlatego naukowcy interpretują go na swój sposób, opierając się na teorii względności Einsteina.

✰ ✰ ✰

„Taniec”, Henri Matisse

Obraz jest namalowany tylko w trzech kolorach - czerwonym, niebieskim i zielonym. Symbolizują niebo, ziemię i ludzi. Oprócz „Tańca” Matisse namalował także „Muzykę”. Zamówił je rosyjski kolekcjoner.

Nie ma na nim zbędnych detali, jedynie naturalne tło i sami ludzie, zamrożeni w tańcu. O to właśnie chodziło artyście – uchwycić udany moment, w którym ludzie jednoczą się z naturą i ogarnia ekstaza.

✰ ✰ ✰

„Pocałunek”, Gustav Klimt

„Pocałunek” to najsłynniejszy obraz Klimta. Pisał ją w „złotym” okresie swojej twórczości. Użył prawdziwego płatka złota. Istnieją dwie wersje biografii obrazu. Według pierwszej wersji obraz przedstawia samego Gustawa z ukochaną Emilią Flöge, której imię wypowiedział jako ostatnie w życiu. Według drugiej wersji pewien hrabia zamówił obraz, aby Klimt namalował jego i jego ukochaną.

Kiedy hrabia zapytał, dlaczego samego pocałunku nie ma na zdjęciu, Klimt stwierdził, że jest artystą i tak to widział. W rzeczywistości Klimt zakochał się w dziewczynie hrabiego i była to swego rodzaju zemsta.

✰ ✰ ✰

„Śpiący Cygan”, Henri Rousseau

Płótno odnaleziono zaledwie 13 lat po śmierci autora i od razu stało się jego najdroższym dziełem. Przez całe życie próbował sprzedać go burmistrzowi miasta, ale bezskutecznie.

Obraz przekazuje oryginalne znaczenie i głęboką ideę. Spokój, relaks – takie uczucia wywołuje „Śpiąca Cyganka”.

✰ ✰ ✰

„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch

Obraz jest największym ze wszystkich jego zachowanych dzieł. Obraz nie wymaga wyjaśnienia fabuły, wszystko jest jasne z tytułu. Sąd Ostateczny, apokalipsa. Bóg sądzi zarówno sprawiedliwych, jak i grzeszników. Obraz podzielony jest na trzy sceny. W pierwszej scenie jest raj, zielone ogrody, błogość.

W centralnej części znajduje się sam Sąd Ostateczny, podczas którego Bóg zaczyna sądzić ludzi za ich czyny. W prawa strona Piekło jest przedstawione tak, jak się wydaje. Straszne potwory, gorące piekło i potworne tortury grzeszników.

✰ ✰ ✰

„Metamorfozy Narcyza”, Salvador Dali

Za podstawę wzięto wiele historii, ale najważniejsza z nich to historia Narcyza – faceta, który tak bardzo zachwycił się swoją urodą, że umarł, bo nie mógł zaspokoić swoich pragnień.

Na pierwszym planie Narcyz siedzi zamyślony nad wodą i nie może oderwać się od własnego odbicia. W pobliżu znajduje się kamienna dłoń trzymająca jajko, symbol odrodzenia i nowego życia.

✰ ✰ ✰

„Masakra niewinnych”, Peter Paul Rubens

Obraz powstał na podstawie historii zaczerpniętej z Biblii, kiedy król Herod nakazał zabijanie wszystkich nowo narodzonych chłopców. Obraz przedstawia ogród w pałacu Heroda. Uzbrojeni wojownicy siłą wyrywają dzieci płaczącym matkom i zabijają je. Ziemia usiana jest trupami.

✰ ✰ ✰

„Numer 5 1948”, Jacksona Pollocka

Jacksonowi się podobało unikalna metoda nakładanie farby na obraz. Położył płótno na ziemi i obszedł je dookoła. Ale zamiast stosować pociągnięcia, wziął pędzle i strzykawki i spryskał nimi płótno. Metodę tę nazwano później „malowaniem akcji”.

Pollock nie posługiwał się szkicami, zawsze polegał wyłącznie na swoich emocjach.

✰ ✰ ✰

„Bal w Moulin de la Galette”, Pierre-Auguste Renoir

Renoir jest jedynym artystą, który nie namalował ani jednego smutnego obrazu. Renoir znalazł temat tego obrazu w pobliżu swojego domu, w restauracji Moulin de la Galette. Żywa i wesoła atmosfera panująca w placówce zainspirowała artystę do stworzenia tego obrazu. Do napisania pracy pozowali mu przyjaciele i ulubione modelki.

✰ ✰ ✰

„Ostatnia wieczerza”, Leonardo da Vinci

Obraz ten przedstawia ostatnią ucztę Chrystusa z uczniami. Powszechnie przyjmuje się, że ukazany jest moment, w którym Chrystus mówi, że jeden z jego uczniów Go zdradzi.

Da Vinci spędził dużo czasu na poszukiwaniu modeli. Najbardziej złożone były wizerunki Chrystusa i Judasza. W chórze kościelnym Leonardo zauważył młodego śpiewaka i narysował z niego wizerunek Chrystusa. Trzy lata później artysta zobaczył pijaka w rowie i zorientował się, że to właśnie tego szukał, i zaciągnął go do pracowni.

Kiedy skopiował obraz od pijaka, przyznał się mu, że trzy lata temu artysta sam zaczerpnął z niego wizerunek Chrystusa. Okazało się więc, że wizerunki Jezusa i Judasza zostały skopiowane od tej samej osoby, ale w różnych okresach życia.

✰ ✰ ✰

„Lilie wodne”, Claude Monet

W 1912 roku u artysty zdiagnozowano zaćmę podwójną i z tego powodu przeszedł operację. Po utracie soczewki w lewym oku artysta zaczął widzieć światło ultrafioletowe jako niebieskie lub fioletowy, dzięki temu jego obrazy zyskały nowe i żywe kolory. Malując ten obraz Monet widział lilie jako niebieskie, podczas gdy zwykli ludzie widzieli zwykłe białe lilie.

✰ ✰ ✰

„Krzyk”, Edvard Munch

Munch cierpiał na psychozę maniakalno-depresyjną i często nękały go koszmary senne i depresja. Wielu krytyków uważa, że ​​​​Munch przedstawił się na zdjęciu – krzycząc w panice i szalonym przerażeniu.

Sam artysta określił znaczenie obrazu jako „krzyk natury”. Opowiadał, że spacerował z przyjaciółmi o zachodzie słońca i niebo zrobiło się krwistoczerwone. Trzęsąc się ze strachu, rzekomo usłyszał ten sam „krzyk natury”.

✰ ✰ ✰

Matka Whistlera, James Whistler

Do obrazu pozowała matka artysty. Początkowo chciał, aby matka pozowała na stojąco, ale dla starszej kobiety okazało się to trudne.
Whistler zatytułował swój obraz Aranżacja w szarości i czerni. Matka artysty.” Jednak z biegiem czasu prawdziwe imię zostało zapomniane i ludzie zaczęli nazywać ją „Matką Whistlera”.

Pierwotnie było to zarządzenie członka parlamentu. która chciała, żeby artysta narysował córkę Maggie. Ale w trakcie porzuciła obraz, a James poprosił matkę, aby została modelką w celu dokończenia obrazu.

✰ ✰ ✰

„Portret Dory Maar”, Pablo Picasso

Dora weszła w twórczość Picassa jako „kobieta we łzach”. Zauważył, że nigdy nie byłby w stanie namalować jej uśmiechniętej. Głębokie, smutne oczy i smutek na twarzy - tutaj cechy portrety Maara. I oczywiście krwistoczerwone paznokcie – to szczególnie zachwyciło artystkę. Picasso często malował portrety Dory Maar i wszystkie są godne podziwu.

✰ ✰ ✰

„Gwiaździsta noc” Vincenta Van Gogha

Obraz pokazuje nocny krajobraz, co artysta wyraził gęstymi, jasnymi kolorami i atmosferą nocnego spokoju. Najjaśniejszymi obiektami są oczywiście gwiazdy i księżyc; są one narysowane najwyraźniej.

Wysokie cyprysy rosną na ziemi, jakby marząc o przyłączeniu się do fascynującego tańca gwiazd.

Znaczenie obrazu jest interpretowane na różne sposoby. Niektórzy dopatrują się w nim nawiązań do Starego Testamentu, inni po prostu skłonni są wierzyć, że obraz powstał w wyniku długotrwałej choroby artysty. To właśnie podczas leczenia napisał „Gwiaździstą noc”.

✰ ✰ ✰

Olimpia, Edouard Manet

Zdjęcie było powodem jednego z najbardziej głośne skandale w historii. Przecież przedstawia nagą dziewczynę leżącą na białych prześcieradłach.
Oburzeni ludzie pluli na artystę, a niektórzy próbowali nawet zniszczyć płótno.

Manet chciał jedynie namalować „nowoczesną” Wenus, aby pokazać, że współczesne kobiety nie są gorsze od kobiet z przeszłości.

✰ ✰ ✰

„3 maja 1808”, Francisco Goya

Artysta głęboko przeżył wydarzenia związane z atakiem Napoleona. W maju 1808 roku tragicznie zakończyło się powstanie ludu madryckiego, co tak bardzo poruszyło duszę artysty, że 6 lat później przelał on swoje przeżycia na płótno.

Wojna, śmierć, strata - wszystko to jest przedstawione na obrazie tak realistycznie, że wciąż fascynuje umysły wielu.

✰ ✰ ✰

„Dziewczyna z perłą”, Jan Vermeer

Obraz miał inny tytuł: „Dziewczyna w turbanie”. Ogólnie o obrazie niewiele wiadomo. Według jednej wersji Jan namalował własną córkę Marię. Na zdjęciu dziewczyna zdaje się zwracać do kogoś, a wzrok widza skupia się na perłowym kolczyku w uchu dziewczynki. Blask kolczyka odbija się zarówno w oczach, jak i na ustach.

Na podstawie filmu powstała powieść, a później powstał film o tym samym tytule.

✰ ✰ ✰

„Nocna straż”, Rembrandt

Ten portret grupowy kompanie kapitana Fransa Banninga Koka i porucznika Willema van Ruytenburga. Portret namalowany został na zamówienie Towarzystwa Strzeleckiego.
Pomimo całej trudności treści obraz jest pełen ducha parady i powagi. To tak, jakby muszkieterowie pozowali dla artysty, zapominając o bitwie.
Później obraz został przycięty ze wszystkich stron, aby zmieścił się w nowej sali. Niektóre strzałki zniknęły z obrazu na zawsze.

✰ ✰ ✰

Las Meninas, Diego Velazquez

Na obrazie artysta maluje portrety króla Filipa IV i jego żony, których widać w odbiciu w lustrze. W centrum kompozycji znajduje się ich pięcioletnia córka, otoczona orszakiem.

Wielu wierzy, że Velázquez chciał przedstawić siebie w momencie twórczości – „malując i malując”.

✰ ✰ ✰

„Pejzaż z upadkiem Ikara”, Pieter Bruegel

Jest to jedyna zachowana praca artysty o tematyce mitów.

Główny bohater obrazu jest praktycznie niewidoczny. Wpadł do rzeki, z powierzchni wody wystawały mu jedynie nogi. Pióra Ikara, które wyleciały z upadku, są rozrzucone na powierzchni rzeki. A ludzie są zajęci swoimi sprawami, nikt nie przejmuje się upadłym młodzieńcem.

Wydawać by się mogło, że obraz jest tragiczny, bo przedstawia śmierć młodego mężczyzny, jednak obraz namalowany jest w spokojnych, przyćmionych barwach i zdaje się mówić: „nic się nie stało”.

✰ ✰ ✰

„Szkoła ateńska”, Rafael

Zanim " Szkoła Ateńska„Raphael nie miał dużego doświadczenia z freskami, ale, co zaskakujące, ten fresk okazał się znakomicie doskonały.

Obraz ten przedstawia Akademię założoną przez Platona w Atenach. Spotkania Akademii odbywały się pod na wolnym powietrzu, jednak artysta uznał, że bardziej błyskotliwe pomysły biorą się ze świetnie wykonanego zabytkowego budynku i dlatego przedstawia uczniów nie na tle natury. Rafael przedstawił się także na fresku.

✰ ✰ ✰

„Stworzenie Adama”, Michał Anioł

To czwarty z dziewięciu fresków na suficie Kaplica Sykstyńska na temat stworzenia świata. Michał Anioł nie uważał się za wielkiego artystę; pozycjonował się jako rzeźbiarz. Dlatego ciało Adama na zdjęciu jest tak proporcjonalne i ma wyraziste rysy.

W 1990 roku odkryto, że anatomicznie precyzyjna struktura została zaszyfrowana na obraz Boga ludzki mózg. Michał Anioł mógł dobrze znać anatomię człowieka.

✰ ✰ ✰

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Mona Lisa do dziś pozostaje jedną z najbardziej znanych tajemnicze obrazy w świecie sztuki. Krytycy wciąż spierają się, kto jest na nim faktycznie przedstawiony. Wielu jest skłonnych wierzyć, że Mona Lisa jest żoną Francesco Giocondy, który poprosił artystę o namalowanie portretu.

Główną tajemnicą obrazu jest uśmiech kobiety. Wersji jest wiele – począwszy od ciąży kobiety i uśmiechem ujawniającym ruchy płodu, a skończywszy na tym, że jest to w rzeczywistości autoportret artystki w kobiecy wizerunek. Cóż, pozostaje tylko zgadywać i podziwiać niesamowite piękno obrazy.

✰ ✰ ✰

„Narodziny Wenus”, Sandro Botticelli

Obraz przedstawia mit o narodzinach bogini Wenus. Bogini narodziła się z piany morskiej wcześnie rano. Bóg wiatru Zefir pomaga bogini dopłynąć w jej skorupie do brzegu, gdzie spotyka ją bogini Ora. Obraz uosabia narodziny miłości, wywołuje poczucie piękna, bo na świecie nie ma nic piękniejszego niż miłość.

✰ ✰ ✰

Wniosek

Staraliśmy się uwzględnić w tym artykule tylko niektóre z najbardziej popularne obrazy na świecie. Ale jest wiele innych, równie interesujących arcydzieł. Dzieła wizualne. Jakie obrazy uważasz za popularne?

Wśród pokojowych pastorałów, szlachetnych portretów i innych dzieł sztuki wywołujących wyłącznie pozytywne emocje, pojawiają się obrazy dziwne i szokujące. Zebraliśmy 15 obrazów, które budzą przerażenie u widzów. Co więcej, wszystkie należą do pędzli światowej sławy artystów.

„Guernica”

Jeden z najbardziej znane prace„Guernica” Pabla Picassa to opowieść o tragedii wojny i cierpieniu niewinnych ludzi. Dzieło to zyskało uznanie na całym świecie i stało się przypomnieniem okropności wojny.

„Niepowodzenie umysłu w materii”

„Utrata umysłu na rzecz materii” – obraz namalowany w 1973 roku Austriacki artysta Otto Rappa. Przedstawił rozkład ludzka głowa, umieszczonego na klatce dla ptaków zawierającej kawałek mięsa.

„Dante i Wergiliusz w piekle”

Inspiracją dla obrazu Adolphe'a Williama Bouguereau Dante i Wergiliusz w piekle była krótka scena walki dwóch potępionych dusz z Piekła Dantego.

„Wiszący żywy Murzyn”

To makabryczne dzieło Williama Blake'a przedstawia czarnego niewolnika powieszonego na szubienicy z hakiem przewleczonym przez żebra. Utwór oparty jest na historii holenderskiego żołnierza Steadmana, naocznego świadka tak brutalnej masakry.

"Piekło"

Malowanie „Piekło” Niemiecki artysta Hansa Memlinga, napisana w 1485 roku, jest jedną z najstraszniejszych kreacje artystyczne swoich czasów. Miała popychać ludzi ku cnocie. Memling wzmocnił przerażający efekt tej sceny, dodając podpis: „W piekle nie ma odkupienia”.

Duch wody

Uważany jest za artystę Alfreda Kubina największy przedstawiciel symbolizmu i ekspresjonizmu i jest znany ze swoich mrocznych fantazji symbolicznych. „Duch wody” to jedno z takich dzieł, ukazujące bezsilność człowieka wobec żywiołów morza.

„Nekronom IV”

To straszny twór sławny artysta Inspiracją był Hans Rudolf Giger słynny film"Nieznajomy". Giger cierpiał na koszmary senne i wszystkie jego obrazy inspirowane były tymi wizjami.

„Oskórowanie Marcii”

Stworzony przez artystę tamtych czasów Włoski renesans Obecnie można oglądać obraz Tycjana „Oskórowanie Marsjasza”. Muzeum Narodowe w Kromeriz w Czechach. Dzieło sztuki przedstawia scenę z mitologia grecka, gdzie satyr Marsjasz zostaje obdarty ze skóry za to, że odważył się rzucić wyzwanie bogu Apollinowi.

"Krzyk"

Płacz jest najsłynniejszy obraz Norweski ekspresjonista Edvard Munch. Obraz przedstawia rozpaczliwie krzyczącego mężczyznę na tle krwistego nieba. Wiadomo, że inspiracją dla Krzyku był spokojny wieczorny spacer, podczas którego Munch był świadkiem krwistoczerwonego zachodzącego słońca.

„Smalec z Gallowgate”

Obraz ten to nic innego jak autoportret szkockiego autora Kena Currie, specjalizującego się w mrocznym, socrealistycznym malarstwie. Ulubionym motywem Curry'ego jest mrok życie miasta Szkocka klasa robotnicza.

„Saturn pożerający swego syna”

Jedno z najsłynniejszych i złowrogich dzieł hiszpańskiego artysty Francisco Goyi zostało namalowane na ścianie jego domu w latach 1820–1823. „Saturn pożerający swego syna” oparty jest na grecki mit o Tytanie Chronosie (w Rzymie – Saturn), który obawiał się, że zostanie obalony przez jedno ze swoich dzieci i zjadł je zaraz po urodzeniu.

„Judyta zabijająca Holofernesa”

Egzekucję Holofernesa przedstawiali tak wielcy artyści, jak Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach Starszy i wielu innych. NA obraz Caravaggia, napisany w 1599 roku, przedstawia najbardziej dramatyczny moment tej historii – ścięcie.

"Koszmar"

Obraz „Koszmar” szwajcarskiego malarza Heinricha Fuseli został po raz pierwszy pokazany na dorocznej wystawie Akademii Królewskiej w Londynie w 1782 roku, gdzie zaszokował zarówno zwiedzających, jak i krytyków.

„Masakra niewinnych”

Ten wybitne dzieło sztuka Petera Paula Rubensa, składająca się z dwóch obrazów, powstała w 1612 roku, najprawdopodobniej będąca pod wpływem dzieł słynnego Włoski artysta Caravaggia.

Jeśli obrazy wydają się zbyt ponure, aby powiesić je w domu, możesz wykorzystać jeden z nich.

) w swoich wyrazistych, rozległych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla i płynne kołysanie statku na falach.

Jej obrazy zadziwiają głębią, objętością, bogactwem, a fakturą jest taka, że ​​nie sposób oderwać od nich wzroku.

Ciepła prostota Walentina Gubariewa

Artysta prymitywista z Mińska Walentin Gubariew nie goni za sławą i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest niezwykle popularna za granicą, ale jego rodakom jest prawie nieznana. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Zdjęcia, które, wydawałoby się, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „ skromny urok nierozwinięty socjalizm” przypadł do gustu europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.

Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikowa

Siergiej Marshennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły realistycznej malarstwo portretowe. Bohaterkami jego płócien są kobiety delikatne i bezbronne w swojej półnagości. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.

Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa

W era nowożytna kino wysoka rozdzielczość i powstanie hiperrealizmu, twórczość Philipa Barlowa od razu przyciąga uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak właśnie postrzegają świat bez okularów i szkła kontaktowe osoby cierpiące na krótkowzroczność.

Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parseliera

Malarstwo Laurenta Parceliera jest niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz u niego ponurych i deszczowych zdjęć. Jest dużo światła, powietrza i żywe kolory, które artysta stosuje charakterystycznymi, rozpoznawalnymi pociągnięciami. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysiąca promieni słońca.

Dynamika miejska w twórczości Jeremy’ego Manna

Olej na panelach drewnianych Amerykański artysta Jeremy Mann maluje dynamiczne portrety współczesnej metropolii. „Abstrakcyjne kształty, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakiego doświadcza się w tłumie i zgiełku miasta, ale może także wyrazić spokój, jaki można odnaleźć w kontemplacji cichego piękna.” mówi artysta.

Iluzoryczny świat Neila Simona

Na obrazach Brytyjski artysta Neil Simone (Neil Simone) nie wszystko jest takie, jak się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie otaczający mnie świat to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i ze sobą powiązane. Granice się zacierają, a historie przenikają się.

Dramat miłosny Josepha Lorasso

Współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso, Włoch z urodzenia, przenosi na płótno podpatrywane przez siebie tematy Życie codzienne zwykli ludzie. Uściski i pocałunki, namiętne wybuchy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.

Życie na wsi Dmitrija Levina

Dmitry Levin to uznany mistrz rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego twórczości jest przywiązanie do natury, którą kocha czule i namiętnie i której czuje się częścią.

Jasny Wschód – Walery Błochin

Na Wschodzie wszystko jest inne: inne kolory, inne powietrze, inne wartości życiowe a rzeczywistość jest dziwniejsza niż fikcja - w to wierzy współczesny artysta

Niektóre dzieła sztuki zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Niektóre wciągają w zamyślenie i w poszukiwaniu warstw znaczeń, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicą i mistyczne zagadki, a niektóre zaskakują wygórowaną ceną.

Edvard Munch „Krzyk”

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91×73,5cm

Galeria Narodowa, Oslo

„Krzyk” się liczy istotne wydarzenie ekspresjonizm i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.
„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii obrazu opowiadał Edvard Munch.
Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał 4 wersje „Krzyku”, istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 × 374,6 cm

Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Głęboko obraz filozoficzny postimpresjonista Paul Gauguin został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo, ponieważ „Wierzę, że ten obraz nie tylko przewyższa wszystkie moje poprzednie i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze 5 lat i tak się stało.
Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „ staruszka, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwne biały ptak... reprezentuje daremność słów.”

Pablo Picasso „Guernica”

1937, olej na płótnie. 349×776 cm

Muzeum Reiny Sofii w Madrycie

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc - w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już na pierwszych szkicach było widać główny pomysł. To jest jeden z najlepsze ilustracje koszmar faszyzmu, a także ludzkie okrucieństwo i żal.
Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Jan van Eyck „Portret pary Arnolfinich”

1434, drewno, olej. 81,8×59,7cm

Londyn Galeria Narodowa, Londyn

Portret rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę jest jednym z najbardziej znanych prace złożone Zachodnia szkoła malarstwa północnego renesansu.
Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż po podpis „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił go nie tylko dziełem sztuki, ale dokument historyczny, potwierdzające prawdziwe wydarzenie, na którym artysta był obecny.
W Rosji ostatnie lata Obraz zyskał dużą popularność dzięki podobieństwu portretu Arnolfiego do Władimira Putina.

Michaił Vrubel „Siedzący demon”

1890, olej na płótnie. 114×211cm

Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny, długowłosy facet wcale nie przypomina powszechnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i bolesny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”. To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby wciśniętego pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”

1871, olej na płótnie. 127×197cm

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale nie malował wojen i bitew, bo je kochał. Wręcz przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Któregoś dnia Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Więcej obrazy batalistyczne Nie będę pisać – to wszystko! Zbyt głęboko biorę do serca to, co piszę, płaczę (dosłownie) nad żalem każdego rannego i zabitego.” Prawdopodobnie efektem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, który przedstawia pole, wrony i górę ludzkich czaszek.
Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy nigdy więcej tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.
Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Grant Wood „Amerykański gotyk”

1930, olej. 74×62cm

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w Sztuka amerykańska XX wiek, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.
Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staroświeckie stroje nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniu rolnika powtarzające kształt wideł, a zatem zagrożenie skierowane do wszystkich kto wkracza. Możesz patrzeć na te wszystkie szczegóły bez końca i wzdrygać się z dyskomfortu.
Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „Gothic” za „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie oburzeni przez Wooda za ukazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

Rene Magritte „Kochankowie”

1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są w biały materiał, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwego oblicza, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.
Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia. Magritte zawsze mówi o zwodniczości tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie dostrzegamy.

Marc Chagall „Spacer”

1917, olej na płótnie

Państwowa Galeria Trietiakowska

Zwykle niezwykle poważny w swoim malarstwie, Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana wznosi się w przestworza i wkrótce wciągnie stojącego niepewnie na ziemi Chagalla do lotu, jakby dotykał jej jedynie czubkami butów. Chagall ma cycka w drugiej ręce - jest szczęśliwy, ma w rękach zarówno cycka (zapewne swój obraz), jak i ciasto na niebie.

Hieronim Bosch „Ogród rozkoszy ziemskich”

1500-1510, drewno, olej. 389×220 cm

Prado, Hiszpania

"Ogród ziemskie przyjemności„- najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęcony jest grzechowi zmysłowości. Do chwili obecnej żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną słuszną.
Niezmienny urok, a zarazem niezwykłość tryptyku polega na sposobie, w jaki artysta poprzez wiele szczegółów wyraża główną myśl. Obraz wypełniony jest przezroczystymi postaciami, fantastycznymi konstrukcjami, potworami, halucynacjami, które nabrały ciała, piekielnymi karykaturami rzeczywistości, na którą patrzy badawczym, niezwykle bystrym wzrokiem. Część naukowców chciała zobaczyć w tryptyku przedstawienie życia ludzkiego przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemska miłość, inne - triumf zmysłowości. Jednak prostota i pewien dystans, z jakim interpretowane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek władz kościelnych do tego dzieła, budzą wątpliwości, czy jego treścią mogła być gloryfikacja przyjemności cielesnych.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”

1905, olej na płótnie. 180×180 cm

Galeria Narodowa Sztuka współczesna, Rzym

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne i smutne. Historia życia kobiety zapisana jest w nim w trzech postaciach: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w schemat życia, stara się od niego wyróżnia. Staje się kontrastem pomiędzy stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem starej kobiety znaczenie symboliczne: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia – niezmienną stałość i konflikt z rzeczywistością.
Płótno nie odpuszcza, przenika do duszy i skłania do refleksji nad głębią przesłania artysty, a także głębią i nieuchronnością życia.

Egon Schiele „Rodzina”

1918, olej na płótnie. 152,5×162,5cm

Galeria Belvedere w Wiedniu

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał czegoś nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego twórczości jest sporo tego, co można by nazwać pornografią, najróżniejszych wypaczeń, naturalizmu i zarazem bolesnej rozpaczy.
„Rodzina” jest jego Ostatnia praca, w którym rozpacz dochodzi do skrajności, mimo że jest to jego najmniej dziwnie wyglądający obraz. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym jak jego ciężarna żona Edith zmarła na hiszpańską grypę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edytie, malując ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.

Frida Kahlo „Dwie Fridy”

Fabuła ciężkie życie Meksykański artysta Frida Kahlo stała się powszechnie znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek Wiodącą rolę. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.
Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycje narodowe i jest ściśle powiązany z mitologią indyjską z okresu przedhiszpańskiego.
W jednym z najlepsze obrazy- „Dwie Fridy” – wyraziła pierwiastki męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krwionośnym, demonstrując jej integralność.

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”

1899, olej na płótnie

Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Oglądając obraz z bliskiej odległości, widz nie widzi nic poza płótnem, na którym często jest grubo uderzenia olejem. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna. Najpierw zaczynają pojawiać się przed nami niezrozumiałe półkola, przechodząc przez środek obrazu, następnie widzimy wyraźne kontury łodzi i oddalając się na odległość około dwóch metrów, wszystkie łączące je prace są ostro rysowane przed nas i ułożone w logiczny łańcuch.

Jackson Pollock „Numer 5, 1948”

1948, płyta pilśniowa, olej. 240×120 cm

Dziwność tego obrazu polega na tym, że płótno amerykańskiego przywódcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował rozlewając farbę na rozłożony na podłodze kawałek płyty pilśniowej, jest najbardziej drogie malowanie na świecie. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacono za niego 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.
„Nadal odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztaluga, paleta i pędzle. Preferuję patyki, miarki, noże i płynącą farbę lub mieszankę farby i piasku, rozbite szkło albo coś innego. Kiedy jestem w obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmian i zniszczenia obrazu, ponieważ obraz żyje własnym życiem własne życie. Po prostu jej pomagam. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, robi się brudny i niechlujny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.”

Joan Miró „Mężczyzna i kobieta przed stertą ekskrementów”

1935, miedź, olej, 23×32 cm

Fundacja Joana Miró, Hiszpania

Dobre imię. I kto by pomyślał, że to zdjęcie opowiada nam o okropnościach wojen domowych.
Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku. Zdaniem Mira, jest to wynik próby przedstawienia tragedii Wojna domowa w Hiszpanii. Miro powiedział, że jest to obraz o okresie niepokoju. Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę wyciągających ręce, by się objąć, ale bez ruchu. Powiększone genitalia i złowieszczy kolor zostały opisane jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

Jacek Yerka „Erozja”

Polski neosurrealista jest znany na całym świecie ze swojej twórczości niesamowite obrazy, w którym rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać pojedynczo jego niezwykle szczegółowe i w pewnym stopniu wzruszające prace, ale taki jest format naszego materiału i musieliśmy wybrać jedno, które zobrazuje jego wyobraźnię i umiejętności. Zalecamy przeczytanie.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.
Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.
Artysta zapewniał, że obraz przedstawia go w wieku pięciu lat, że drzwi są przedstawieniem linii podziału pomiędzy prawdziwy świat i świat snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.
Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smitha, który został wówczas po prostu zasypany listami od przerażające historie i żąda spalenia obrazu.

Dziś chcielibyśmy opowiedzieć Wam trochę o tych ludziach, którzy naszym zdaniem są jednymi z najbardziej niezwykłych artystów naszych czasów. Stosują niestandardowe techniki niezwykłe pomysły, inwestując całą swoją kreatywność i talent w swoje unikalne dzieła.

1. Lorenzo Duran

Jego sposób tworzenia obrazów opiera się na badania historyczne cięcie papieru w Chinach, Japonii, Niemczech i Szwajcarii. Zbiera liście, myje je, suszy, tłoczy i starannie rzeźbi na nich swoje obrazy.

2. Nina Aoyama

Na pierwszy rzut oka może się wydawać, że ta młoda Francuzka nie robi nic specjalnego – po prostu wycina papier. Ale przykleja swoje wycięcia na tkaninie lub szkle i efekt jest po prostu piękny!

3. Claire Morgan

Brytyjska artystka Claire Morgan tworzy niezwykłe instalacje, które zastygają w powietrzu. Materiałami roboczymi artysty są suche rośliny, zboża, owady, pluszaki i świeże owoce. Tysiące szczegółów instalacji jest przymocowanych do cienkiej żyłki z niezwykłą precyzją. Powietrzne rzeźby Claire Morgan są poświęcone Ziemi i całemu życiu, które na niej żyje.

4. Mike Stilkey

Mike Stilkey tworzy obrazy z grzbietów książek. Buduje całą ścianę z książek i maluje swoje obrazy na ich grzbietach. Mikrofon przez długi czas Marzyłam o wydaniu albumu z moimi obrazami, jednak żadne wydawnictwo się tym nie podjęło. Jego malarstwo nie znalazło odzewu wśród krytyków. Wtedy artysta postanowił, że o swojej twórczości opowiedzą książki.

5. Jim Denevan

Jim rysuje wzory na piasku z niespotykaną matematyczną precyzją. Jim maluje głównie na plażach, ale w Ostatnio zaczął malować na pustyniach. „Nie mam tyle czasu na plaży, co na pustyni” – mówi. „W końcu ocean bardzo szybko wszystko zmywa”.

6. Vhils

Jego prace są niezwykłe, ponieważ wydrapuje je na starym tynku.

7. Bruce’a Munro

W swojej twórczości pracuje ze światłem. Nie tak dawno temu otwarto w nim instalację kolejnego pola światła Angielskie miasto Baht. Jest to pole usiane lampami na cienkich plastikowych łodygach. Wygląda jak zestaw do filmu Avatar.

8. Jasona Meciera

Problem narkomanii jest poważny na całym świecie. Próbując przyciągnąć uwagę opinii publicznej, utalentowany amerykański artysta Jason Mecier stworzył portrety gwiazd z tabliczek. Najciekawsze jest to, że artysta jako materiał do swoich obrazów używał wyłącznie tabletek, które wydawane były według specjalnej recepty, której nie mógł legalnie zdobyć. Można powiedzieć, że Jason dopuścił się czynu nielegalnego, ale czyniąc to zwrócił uwagę na nielegalną dystrybucję narkotyków.

9. Jennifer Maestre