Twórcą gatunku symfonii jest J. Haydn. Symfonia – najwyższa forma muzykę instrumentalną, dającą kompozytorowi szerokie pole do ucieleśnienia najbardziej ambitnych tematów. Najważniejszą cechą muzyki symfonicznej jest to, że koncepcja ideowa dzieła – głęboka i znacząca – objawia się w szerokim i różnorodnym rozwinięciu, czasem sprzecznym, sprzecznym, intensywnie dramatycznym. Konflikt, energia i konceptualność pierwszej części symfonii równoważą się w zasadzie na dwa sposoby: albo poprzez zasadniczy kontrast „łatwego – złożonego” (po allegro sonatowym – taneczna część menueta lub wesołego ronda), albo poprzez wyczerpujący rozwój konfliktu.
Przez ponad jedną trzecią wieku tworzył symfonie (od końca lat 50. do połowy lat 90.). 28 symfonii programowych Haydna.
Haydn tworzył swoje symfonie od końca lat 50. do połowy lat 90. Pierwsze symfonie Haydna sięgają okresu kształtowania się europejskiego symfonizmu klasycznego i stanowiły ważne ogniwo w procesie kształtowania się zrębów stylistycznych dojrzałego symfonizmu szkoły wiedeńskiej. Późniejsze symfonie Haydna powstały, gdy istniały już wszystkie symfonie Mozarta, a młody Beethoven rozwijał zasady swojego myślenia symfonicznego w sonaty fortepianowe ach i zespoły kameralne, zbliżając się do powstania swojej pierwszej symfonii. Późne symfonie Haydna są przykładem dojrzałego symfonizmu klasycznego.
Ewolucja symfonii Twórczość Haydna i jest interesujący nie tylko dla studiowania ścieżki twórczej wielkiego kompozytora, ale także dla zrozumienia powstawania i rozwoju klasycznego symfonizmu XVIII wieku w ogóle. Wczesne symfonie Haydna nadal zasadniczo nie różnią się od muzyka kameralna(który pisał w tym samym czasie) i niemal nie wykraczają poza zwykłe gatunki rozrywkowe i codzienne dla tamtej epoki. Dopiero w latach 70. pojawiły się dzieła wyrażające głębszy świat obrazów („Symfonia żałobna”, „Symfonia pożegnalna” i inne). Stopniowo, w miarę ewolucji twórczej kompozytora, jego symfonie nasycają się głębszą treścią dramatyczną. O ile wiele wczesnych symfonii Haydna niewiele różniło się od suity nieco kontrastującym zewnętrznie układem części, głównie o charakterze tanecznym, to stopniowo dzieła symfoniczne zachodzi proces przezwyciężania niestosowności. Zachowując powiązania ze suitą, dojrzałe symfonie Haydna stają się jednocześnie dziełami integralnymi, których cztery części, odmienne w charakterze, stanowią różne etapy rozwoju jednego kręgu obrazów. Wszystko to udało się w pewnym stopniu osiągnąć zarówno w symfoniach „paryskich” Haydna z 1786 roku, jak i w poszczególnych symfoniach wcześniejszych. Ale najwyższym osiągnięciem symfonizmu Haydna jest 12 symfonii „londyńskich”.
Symfonie „londyńskie”. Z wyjątkiem jednej (c-moll) wszystkie „londyńskie” symfonie Haydna zostały napisane w główne klawisze. Chociaż główny lub skala niewielka samo w sobie nie może być kryterium ustalania treści dzieła muzycznego; w tym przypadku charakter główny zdecydowanej większości dzieł Haydna jest ważnym wyznacznikiem ich optymizmu, jasnego i radosnego sensu życia.
Każda z „londyńskich” symfonii Haydna (z wyjątkiem c-moll) rozpoczyna się krótkim, powolnym wprowadzeniem o charakterze uroczyście majestatycznym, zamyślonym, lirycznie zamyślonym lub spokojnie kontemplacyjnym (zwykle w tempie largo lub adagio). Powolne wprowadzenie ostro kontrastuje z następującym po nim allegro (będącym w istocie pierwszą częścią symfonii) i jednocześnie je przygotowuje. Nie ma jednak wyraźnego kontrastu figuratywnego pomiędzy tematami części głównej i pobocznej. Obydwa mają przeważnie charakter pieśni i tańca ludowego. Występuje jedynie kontrast tonalny: tonacja główna partii głównych kontrastuje z dominującą tonacją partii bocznych. Tam, gdzie część główna i poboczna różnią się materiałem tematycznym, są one w dużym stopniu podobne pod względem muzycznym i obrazowym.
Rozwój, który opiera się na izolacji motywów, znacząco rozwinął się w symfoniach Haydna. Z głównego tematu lub impreza boczna krótki, ale najbardziej aktywny segment jest oddzielany i poddawany dość długiemu niezależny rozwój(ciągłe modulacje w różnych tonacjach, przeprowadzane na różnych instrumentach i w różnych rejestrach). Nadaje to rozwojowi dynamiczny i aspiracyjny charakter.
Powolne części. Części drugie (powolne) mają inny charakter: czasem przemyślany liryczny, skupiony, czasem pieśniowy, czasem marszowy. Różnią się także kształtem. Najbardziej powszechne są złożone formy trzyczęściowe i wariacyjne.
Menuety. Trzecie części symfonii „londyńskich” nazywane są zawsze Menuetto (menuet). Ale menuety Haydna różnią się od prymitywnych i wytwornych menuetów dworskich, przy dźwiękach których tańczące pary kłaniały się i dygały. Wiele menuetów Haydna ma charakter tańców wiejskich z ich nieco ciężkim chodem, rozległą melodią, nieoczekiwanymi akcentami i zmianami rytmicznymi, często tworzącymi humorystyczny efekt. Tradycyjny menuet zachowuje trzytaktowy rozmiar, zmienia się jednak figuratywna i semantyczna treść muzyki: menuet traci swoje arystokratyczne wyrafinowanie i staje się demokratycznym, chłopskim tańcem.
Egzaminy końcowe. W finałach symfonii Haydna uwagę zwracają zazwyczaj obrazy gatunkowe, które także nawiązują do ludowej muzyki tanecznej. Muzyka finału pędzi wesoło i naturalnie w szybkim tempie, dopełniając całą symfonię, która w swej figuratywnej strukturze jest wesoła i w istocie gatunkowo-taneczna.
Formą finału jest najczęściej sonata lub sonata rondo. W niektórych finałach „londyńskich” symfonii Haydna szeroko stosowane są techniki wariacyjne i polifoniczne (imitacyjne) rozwinięcie, jeszcze bardziej podkreślające szybki ruch muzyki i dynamizujące całą tkankę muzyczną.
Orkiestra w symfoniach Haydna składa się ze zwykłego, sparowanego składu: 2 flety, 2 fagoty, 2 rogi, 2 trąbki, para kotłów, kwintet smyczkowy. Puzony po raz pierwszy w muzyka symfoniczna były używane tylko w finałach niektórych symfonii Beethovena. Spośród instrumentów dętych drewnianych nie wszystkie symfonie Haydna wykorzystują klarnety. Klarnet, wynaleziony w XVII wieku, został praktycznie wprowadzony do symfonii przez kompozytorów szkoły mannheimskiej. Przykładowo w symfonii G-dur („Wojna”) biorą udział jedynie w części drugiej. Jedynie w partyturach dwóch ostatnich londyńskich symfonii Haydna nr 103 i 104 znajdują się dwa klarnety oraz dwa flety, oboje i fagoty. Wiodącą rolę odgrywają pierwsze skrzypce, którym powierzono prezentację głównego materiału tematycznego, ale w jego prezentacji i rozwoju aktywnie uczestniczą także flety i oboje, albo dublując skrzypce, albo naprzemiennie z nimi w realizacji tematu lub jego intymny stosunek dwojga ludzi. Wiolonczele i kontrabasy grają na tej samej linii basu (kontrabasy są tylko o oktawę niżej od wiolonczel). Dlatego w partyturach Haydna ich partie zapisane są w tej samej linii. Rogi i trąbki pełnią na ogół bardzo skromną funkcję, miejscami podkreślając harmonię i rytm. W przypadku, gdy wszystkie instrumenty orkiestry (tutti) grają temat forte unisono, rogi i trąbki uczestniczą na równi z pozostałymi instrumentami. Najczęściej wiąże się to z motywami fanfarowymi. Jako przykład można podać część główną (wykonywaną przez całą orkiestrę, od 97 Symfonii C-dur).
Haydn jest twórcą gatunku symfonii klasycznej. Symfonia przeszła także długą drogę rozwoju w twórczości Haydna. I dopiero jego dojrzałe symfonie otrzymały najdoskonalszą, klasyczną formę – czteroczęściowy cykl o określonej kolejności części.
Wiele symfonii Haydna ma własne tytuły: „Poranek”, „Południe”, „Wieczór i burza”. Symfonie Haydna swoje nazwy zawdzięczają najczęściej części drugiej, w której kompozytor lubi coś naśladować: tak powstała Symfonia „Wojskowa”, gdzie w części drugiej słychać fanfary wojskowe i tak powstała Symfonia „Zegarowa” , gdzie część druga rozpoczyna się od „tykania”... Jest też symfonia „Niedźwiedź”, symfonia „Łowiecka” i symfonia „Kurczak”.
Pierwsza część Symfonii nr 48 z 1773 roku, nazwana na cześć austriackiej cesarzowej Marii Teresy, doskonale oddaje optymistyczną atmosferę muzyki Haydna, jej nieustającą radość i dowcip. Symfonia „Pożegnanie” (nr 45, 1772). Haydn wziął swoją nazwę od finału. W trakcie występu muzycy stopniowo schodzą ze sceny. Haydn zasugerował więc swojemu patronowi, księciu Mikołajowi, że muzycy czekają na wyjazd z letniej posiadłości Esterhazy do ciepłego Eisenstadt, a wyjazd zaplanowano na następny dzień po premierze. Finał Symfonii „Pożegnanie” wyraźnie ukazuje cechy charakterystyczne muzyki „epoki walecznej”.
12 londyńskich symfonii uzupełnia dzieło symfoniczne Haydna. W latach 1793-94, kiedy je utworzono, Haydn został ukoronowany chwałą, ciesząc się uznaniem szlachty, ale nadal niestrudzenie pracował, jak zawsze. Dokonał wszystkiego, do czego został powołany: londyńskie symfonie emanują zadowoleniem i spokojem, radością i światłem. Wyrażają filozoficzny optymizm i nieustanną chęć działania, tak charakterystyczną dla epoki oświecenia.
Symfonia nr 100, 1792, „Wojskowa”, część I. allegro sonatowe Najlepszym sposobem odzwierciedla kontrasty i zmienność istnienia, wyraża teatralność i skuteczność Oświecenia.
Symfonia nr 103 Es-dur rozpoczyna się kotłami tremolo i od tego wzięła się jej nazwa. Symfonia ma pogodny, wesoły charakter.
Utwór symfoniczny HAYDNAPierwsza grupa symfonii (ponad 40) = symfonie lat 50. i 60. = dywersje (lub „kasacje”) przeznaczone są dla mieszkańców Pałacu Esterhazy, kameralnego, rozrywkowego, blisko apartamentu i „symfonii Mannheimera” . Mannheimerowie (Jan Stamitz, Kannabich, Richter w Niemczech) opracowali ideę czteroczęściowej symfonii z menuetem. Część pierwsza (główna) opiera się na dwóch kontrastujących ze sobą tematach, bez rozwinięcia motywycznego. „Mannheim Rocket” to fanfara, która leci w górę lub w dół na triadzie tonicznej. „Mannheim wzdycha” Trwają drobne zatrzymania mocne uderzenie(na przykład es 2 -a 1 -b 1, gdzie dźwięk „A” to półnuta). „Mannheim crescendo” - stopniowy wzrost dźwięku). Mają 3-5 części, orkiestra ma 16 instrumentów, symfonie mają dużo polifonii, niektóre mają początek programowo-wizualny: na przykład „Zakochany nauczyciel”, „Królowa”, nr 6,7,8 - „Poranek”, „Południe”, „Wieczór” (w nr 6 Haydn pojawia się po raz pierwszy ze wstępem, a jego brzmienie rośnie od pianissimo do fortissimo, gdyż takty te malują obraz wschodzącego słońca). Symfonie programowe Haydn napisze później. Nr 44 – „Żałoba”, nr 45 – „Pożegnanie”, nr 49 – „Cierpienie”, nr 67 – „Skowronek”, nr 73 – „Polowanie” (finał zaczerpnął Haydn ze swojej opery „ Rewarded Loyalty”, gdzie muzyka przedstawiała scenę polowania), nr 82 – „Niedźwiedź”, nr 83 – „Kurczak”, nr 100 – „Wojsko” (część 2 na temat francuskiego romansu „Mała młoda Lisette ”, ale nagle przed kodą rozbrzmiewa sygnał trąbki, kotły tremolo i tutti (pełna orkiestra), nr 94 – „Niespodzianka” (w Andante temat prezentowany jest na fortepianie i pianissimo, w triadzie tonicznej podany jest fortissimo i tutti, w programie obecny (I grupa symfonii): Kwartet nr 2, kwartet „z menuetem dla czarownic”, „kwartet żabi”.
Druga grupa – symfonie lat 70-90. 48 symfonii = dojrzałość twórcza. Najlepsze: 6 symfonii paryskich - nr 82-87, wykonanych po raz pierwszy w Paryżu w 1786 r., 12 symfonii londyńskich. W tych symfoniach ostatecznie uformowała się SSC (sonata- cykl symfoniczny), a także strukturę formy sonatowej w części pierwszej, zarysowano strukturalną klarowność cyklu i jedność figuratywną w obrębie części, ukształtował się tematyczny typ gatunkowy, a wraz z nim pojawienie się nowy typ kontrast - gatunek. Ustalono skład par orkiestry z wyraźnym podziałem na grupy (w poprzednich składach orkiestry nie było wyraźnego podziału, był jedynie grupa ciągów, reszta ma dowolną kompozycję, podkreślono bas ciągły z nieutrwalonym głosem prowadzącym basso continuo, kwartet smyczkowy i pary instrumentów dętych. W nr 99-101, nr 103, nr 104 wprowadzono po raz pierwszy klarnety.
^ SYMFONIA nr 103 ES-DUR (Z TREMOLOC Timpani). 1795
Symfonia ma swoją nazwę, ponieważ zaczyna się od wprowadzenia do kotłów (wszystkie londyńskie symfonie mają wprowadzenie). W duchu charakterystycznego dla Haydna humoru wstęp jest obarczony efektem oszustwa, brzmi tajemniczo, groźnie, ale w Allegro nie było ani tajemnicy, ani dramatyzmu.
Adagio. Wprowadzenie opiera się na unisono realizacji tematu o strukturze dialogicznej, wkradającej się w bas kontrabasu i wiolonczeli oraz dodatkowych akordów instrumentów dętych drewnianych. Temat tematu jest epicki, narracyjny, pogłębiony, a jednocześnie ma w sobie powagę i majestat (typowy dla wstępu). Temat wprowadzający rozpoczyna się małą sekundą i temat wprowadzający ukazany jest w 6 taktach, następnie rozwinięcie jest motywiczno-tonalne, przy czym zarówno temat, jak i faktura są zróżnicowane (wraz z
Nie). Temat wstępu pojawia się jeszcze w fazie rozwoju i przed kodą, co rzadko zdarza się w przypadku allegra sonatowego.
W pierwszej części kontrast pomiędzy tematami jest bardzo złagodzony. GP i PP różnią się tematyką, ale podobnymi obrazami. Łączyła je metoda uogólniania przez gatunek – Ländler (określenie Alschwanga. Walc powstał z dwóch Tańce ludowe austriacki Lendler (nazwa pochodzi z regionu Lendl w Austrii) i drugi motyw prowansalski. Tradycja przedstawiania przejdzie od Haydna do Berlioza, Mahlera, Schuberta itd.)
GP to wyraźny powtarzający się czterosuwowy okres. Orkiestra ma smyczki pizzicato. Po przedstawieniu GP natychmiast rozpoczyna się fragmentacja tematu, wyodrębnianie poszczególnych motywów, sekwencyjny rozwój, aż w końcu wszystko zostaje sprowadzone do dominującej triady B-dur i po pauzie w tej samej tonacji PP zaczyna się. Powierzano go instrumentom dętym drewnianym i smyczkom. Od drugiego zdania rozpoczyna się rozwinięcie, które wprowadza część końcową (ZP).
Ekspozycja i rozwój Handla są w przybliżeniu równe (pod względem wielkości). Haydn jako pierwszy wprowadził do symfonii prawdziwą powtórkę tematyczną, jako samodzielny odcinek oparty na wyodrębnieniu motywów i dużym nabudowie dynamicznej: z tematu wyróżnia się krótki motyw, który zaczyna się aktywnie rozwijać.
Cechy Reprise. Nie ma SP (część łącząca), a GP i PP są w tym samym kluczu. Kod wygląda jak stretto z części 1 - powtarza temat ze wstępu, GP, PP, GP.
Część druga. Andante w C-dur. Podwójne wariacje (dwa tematy). Pomiędzy tymi dwoma tematami istnieje kontrast tempa, trybu i tonacji. Tematem pierwszym jest chorwacka melodia ludowa. Brzmienia na fortepianie c-moll z elementami trybu lidyjskiego (kwarta).
Temat drugi brzmi na forte w dur o tej samej nazwie w punkcie organów tonicznych. Tematy łączy powiązany charakter ruchu (wchodzenie z powrotem). Tematy różnią się intonacją, dynamicznie, każdy z tematów zmienia się dwukrotnie.
Część III. Menuet. Najbardziej poruszająca część. Menuet zapisano w formie da capa, składającej się z trzech części.
Część IV. Finał. Podsumowanie całego cyklu. Kluczem jest Es-dur (czyli taki sam jak w części pierwszej i trzeciej). Formą nawiązuje do sonaty, jednak z elementami polifonii.
^ SONATA HAYDNA
Zobacz Givetal vol. 2. Strona 176.
Haydn poświęcił klawiaturze prawie 40 lat swojej działalności. Napisał 52 sonaty, wiele fantazji, wariacji i rond. Sonaty mają wiele tekstów i mają charakter przedromantyczny, jakiego nie ma w symfoniach. Haydn był prekursorem sonat fortepianowych. Kilka jego sonat to fortepian, a nie clavier, świat figuratywny jest taki sam jak w symfoniach. Są technicznie doskonałe, chociaż Haydn nie był wirtuozem w tej dziedzinie. Wczesne sonaty są skromne pod względem skali, zabawne i bliskie rozrywce. Te późniejsze mają inną treść. Szarmancki temat znika całkowicie, menuet ustępuje miejsca Adajio i innemu materiałowi nietanecznemu. Zmniejszona ilość dekoracji. Większość dojrzałych sonat składa się z trzech części, są jednak wyjątki: nr 21 – 2 części (obie części są rondami), nr 39, 42,48 bez Allegro, z wariacjami.
Haydna, jednego z pierwszych klasyków wiedeńskich w muzyka klawiszowa Zaczęły kształtować się pewne rodzaje faktur, np. basy albertiańskie (na cześć Dominika Albertowa) - a 1 -e 2 -c 2 -e 1, pasaże wznoszące się i zstępujące - a-h-c-d.
EWOLUCJA SYMFONII W TWÓRCZOŚCI HAYDNA (1732 – 1809)
Oznaczający. Twórcze życie Haydna było długie i uznane za punkt zwrotny rozwój muzyczny Zachodnia Europa oraz epokę dojrzewania i pełnej dojrzałości wiedeńskiej szkoły klasycznej. W młodości dał się poznać jako współczesny „wojny bufonów”, rozkwitu gatunków opery komicznej i powstania szkoły mannheimskiej. Pod jego rządami toczyła się działalność synów Bacha, a pod jego rządami rozpoczęła się i zakończyła reforma Glucka. Całe życie Mozarta przeszło całkowicie w jego pamięci. Kultura muzyczna rewolucja Francuska powstał w tym samym czasie, gdy osiągnął swój najwyższy poziom dojrzałość twórcza. Za życia Haydna powstało sześć symfonii Beethovena. Rozpoczynając tworzenie w latach zmarłego Handla, Haydn zakończył pracę twórczą w przededniu pojawienia się „Eroicznej” Symfonii Beethovena i zmarł dopiero, gdy młody Schubert zaczął już komponować.
Na tej rozległej ścieżce twórczej, biegnącej jakby przez różne epoki sztuką muzyczną Haydn, który nigdy nie komponował żadnych oryginalnych programów, wykazywał się niesamowitą niezależnością. Zbliżyło go to w zasadzie do Bacha, Handla, Glucka i wyróżniło go na tle wczesnych symfonistów (do których grona został powołany), wyrażając, że nie tylko doskonale przyswajał sobie bliskie mu osiągnięcia artystyczne, ale także śmiało odsuwał na bok wszystko, co nadmierne. , czasem nawet odrzucał to, co odkrył, na rzecz wyższych celów muzycznych
Daleki od bycia polifonistą jak mistrzowie starszego pokolenia, nie poprzestał jednocześnie na elementarnym, homofonicznym stylu pisania, charakterystycznym dla punktu zwrotnego. Rozwijając koncepcję symfoniczną, pracując nad allegro sonatowym, chwilowo odrzucił ostry kontrast panujący wśród Mannheimerów i najwyraźniej nadal uniemożliwiał osiągnięcie jedności w pierwszej części cyklu. Jednocześnie Haydn stworzył nowy, wyższy typ symfonii w porównaniu ze wszystkimi swoimi poprzednikami.
Jego dojrzałe symfonie różnią się od dzieł symfonicznych Mannheimerów większą indywidualizacją wyglądu każdego z nich ze względu na świeżość obrazów, często narodowość tematu tematycznego, a także w dużej mierze ze względu na możliwości i cechy rozwoju Allegro i cyklu jako całości. Wznosząc się ponad poziom wczesnej symfonii wiedeńskiej, kompozytor utrzymuje nawiązania do tematów codziennych, jednak całkowicie przezwycięża użytkowy, rozrywkowy charakter poprzedniej symfonii i wnosi nowe, istotne treści w swoje dojrzałe dzieła symfoniczne.
Haydn jako pierwszy z tak ścisłą konsekwencją wprowadził rozwojową zasadę rozwoju w allegro sonatowym, a szczególnie pogłębił rozumienie wariacji w odpowiednich partiach symfonii. Charakter jego obrazów, a co za tym idzie i wygląd jego tematyzmu, jest ściśle powiązany z zasadami rozwoju cyklu symfonicznego, czy to rozwoju w allegro, czy wariacji w części wolnej. Odmienne podejście tematyczne, odmienne kontrasty tematyczne nie dawałyby możliwości szerszego dalszego rozwoju przy zachowaniu jedności w pierwszej części cyklu. Jednocześnie ograniczanie rozwoju, kompresja go lub całkowite ignorowanie nie odpowiadałoby impulsom ruchu i efektywności, jakie płynęły z wystawy i wybranych tematów. Muzyka symfoniczna Haydna jest jednocześnie prosta, wyrastająca z ziemi, z obrazów życia, a jednocześnie wzniosła, ponieważ ucieleśnia i rozwija te obrazy w dużej, uogólniającej koncepcji.
W swoim duchowym wyglądzie Haydn jest artystą punktu zwrotnego, przedstawicielem nowej, młodej kultury Oświecenia, ograniczonej jednak starymi warunkami społecznymi. Prosty, bezpośredni, integralny, bez większej refleksji, nie przypomina takich postaci jak Handel czy Gluck, którzy bronią swoich zasad na szerszej arenie publicznej. Prowadząc wielkie wewnętrzne życie twórcze, on, w przeciwieństwie do Bacha, nie jest już tak głęboko w swoim duchowym świecie i jest znacznie mniej związany ze sferą muzyki sakralnej. Zawsze zwrócony do świata zewnętrznego, postrzegając go prosto i optymistycznie, on – z pozoru tak naiwny i na wskroś „ziemski” – nie zdając sobie z tego sprawy, w swoich koncepcjach twórczych może w istocie działać jak filozof, czego dowodem jest jego oratorium „Pory roku” „, o czym przekonują nas wyniki jego symfonii. Jego filozofia jest znacznie prostsza niż filozofia Bacha, jest bardziej wolna od idee religijne, jest mocno związana z codziennością, trzeźwa jak sama codzienność, ale jednocześnie afirmuje własne ideały, wywodzące się z życia i przez to niezwykle trwałe. Ostatnie oratoria Haydna podsumowały pewnego rodzaju dorobek twórczy w tym sensie i z największą kompletnością odsłoniły podstawy jego światopoglądu. Życie ludowe w zgodzie z naturą, praca jako jedyna prawdziwa cnota człowieka, umiłowanie życia takiego, jakie jest, poezja rodzimej przyrody z całym jej rocznym cyklem – to najlepszy „obraz życia” dla Haydna, to jego artystyczne uogólnienie i jednocześnie drogą do ideału.
Haydna i jemu współczesnych. Sztuka Haydna nawiązuje stylem do sztuki Gluk i sztuka Mozarta, ale zakres jego obrazów i koncepcji ma swoją własną charakterystykę. Wysoka tragedia, która zainspirowała Glucka, nie jest jego domeną. Antyczne próbki niewiele go przyciągają. Natomiast w sferze obrazów lirycznych Haydn styka się z Gluckiem. Wystarczy porównać arie pieśniowe Glucka (np. w „Ifigenii w Aulisie”) z pieśniami Haydna, tekstami Glucka i poważnym instrumentalnym Adagio Haydna. Obaj interesują się różnymi tematami, jakby różne stronyświata, ale tam, gdzie ich zainteresowania są zbieżne, środki wyrazu ujawniają pokrewieństwo, styl staje się podobny. Na uogólnioną zasadę tragiczności w dziele Glucka odpowiada na swój sposób uogólniona zasada codzienności w twórczości Haydna. Haydn i Mozart są bliżsi stylem, ale tutaj relacje jednostek twórczych są bardziej złożone, co najlepiej wyjaśnić na przykładzie Mozarta.
Świat obrazów Haydna to przede wszystkim świat nie tragicznych, nie heroicznych, ale innych, często zwyczajniejszych, ale zawsze poetyckich obrazów i uczuć. Wzniosłość nie jest jednak Haydnowi obca, choć nie odnajduje jej w sferze tragedii. Poważna myśl, szlachetna wrażliwość, poetyckie spojrzenie na życie, jego radości i trudności, odważny i ostry żart, poszukiwanie jasnego koloru gatunkowego, wyraz zdrowego i romantycznego uczucia do natury - wszystko to może stać się dla Haydna wzniosłe. Co więcej, można w nim odnaleźć, zwłaszcza w późniejszych utworach, niesamowitą, niemal romantyczną subtelność i swoistą barwność w przekazie lirycznych uczuć, delikatną, ale nie sentymentalną marzycielstwo. Świat jego obrazów jest nie tylko szeroki: przy całej swojej zewnętrznej prostocie jest świeży i nowy dla sztuki muzycznej i zupełnie nowy dla dużych gatunków instrumentalnych o ogólnym znaczeniu.
Twórcze dziedzictwo Haydna niezwykle rozległy. Spróbował niemal wszystkich istniejących wówczas gatunków i w większości z nich stworzył wiele dzieł: 104 symfonie, 83 kwartety smyczkowe, około 200 triów na różne kompozycje, 52 sonaty klawiszowe, 35 koncertów na różne instrumenty, ponad 20 opera działa różnych gatunków, 4 oratoria, 47 pieśni na głos z akompaniamentem, ponad 400 aranżacji pieśni szkockich, irlandzkich i walijskich, 14 mszy, wiele małych utworów instrumentalnych, zespoły wokalne, utwory na klawesyn, numery muzyczne do przedstawień dramatycznych.
Hierarchia gatunków. Nie wszystkie obszary twórczości Haydna są jednakowo istotne: jego muzyka instrumentalna jako całość jest bardziej interesująca i bardziej charakterystyczna dla jego twórczego wizerunku. Spośród najważniejszych dzieł wokalnych szczególnie wyróżniają się dwa ostatnie oratoria.
Opery Haydna, powstałe na przestrzeni wielu lat (1751 - 1791), pozostające w większości rękopisami w archiwach Esterházy, do niedawna nie były badane i mogłyby, jak się wydawało, obecnie doprowadzić do rewizji utartych ocen jego twórczości.
Zwłaszcza jeśli chodzi o pisma duchowe masa, wówczas na ich treść w pewnym stopniu nakładają się te same dzieła instrumentalne, które są najbardziej charakterystyczne dla kompozytora; muzyka kościelna Haydnowi jest nie tylko bliski jego świecki, ale ma z nim wiele wspólnego w charakterze obrazów i zakresie dominujących emocji. Nieważne, do kogo Haydn zwraca się – do ludzkości czy do bóstwa, nieważne, gdzie wykonywane są jego dzieła – na scenie koncertowej czy w świątyni, świat jest dla niego jeden i system jego obrazów ostatecznie jest ten sam. Oczywiście rytualne ramy mszy narzucały nieuniknione ograniczenia na kompozycję i tematyczny charakter części, ale jednocześnie pozostawał sobą.
Zdefiniowano historyczne znaczenie Haydna przede wszystkim za innowacyjność w tworzeniu formy sonatowo-symfoniczne. Niezależnie od tego, jak z biegiem czasu nasze wyobrażenia na temat jego twórczości zostaną uzupełnione o nowe dane (na przykład o konkretności jego obrazów, „potwierdzanych” muzyką słowami i czynami), stają się one tylko bogatsze, ale nie schodzą na boki. Symfonia, kwartet, sonata to główne obszary jego poszukiwań i osiągnięć. Haydn zaczął pisać kwartety nieco wcześniej niż symfonie i początkowo nazywał je kasacjami, dywersyfikacjami i nokturnami. Nie zrodziły się one jeszcze w jego umyśle z muzyki bezpośrednio używanej na co dzień. Wczesne symfonie Haydna są niemal w takim samym stopniu kojarzone z taką muzyką. Początkowo różnice gatunkowe między symfonią a kwartetem nie pojawiały się z taką klarownością, jaką można było osiągnąć później; rozróżnienie między gatunkami symfonicznymi i kameralnymi następowało właśnie w procesie ich powstawania i dalszego rozwoju.
W latach 1759-1795 Haydn napisał 104 symfonie. Oprócz nich przypisuje się mu ponad 60 symfonii, których autorstwo nie zostało w pełni ustalone. Przez 37 lat kompozytor pracował najkonsekwentniej, bez zauważalnych przerw, nad symfonią. Jest mało prawdopodobne, aby choć jeden rok minął bez nowej symfonii dla niego.
Chronologia symfonii. Haydn napisał szczególnie wiele symfonii w pierwszej dekadzie: około czterdziestu. Potem nie tylko komponował wolniej, ale stopniowo zagłębiał się w każde dzieło: w latach 70. XVIII wieku powstało ponad 30 symfonii, w latach 80. XVIII w. – 18, w latach 90. XVIII w. – 12 symfonii. Z biegiem czasu sama symfonia stała się dla niego inna, bardziej wymowna, obszerniejsza, bardziej indywidualna w każdym przypadku. Pomiędzy pierwszą symfonią, która ukazała się w 1759 r., a ostatnią (nr 103, 104), datowaną na rok 1795, kryje się właśnie historia tego gatunku, tak jak go stworzył Haydn, od jego początków aż do pełnej dojrzałości. Współcześni badacze wyróżniają co najmniej sześć różnych etapów na ścieżce symfonii Haydna, wyróżniając czasem cztery lata w odrębnym okresie.
Pięć pierwszych symfonii Haydna(1759 - 1761?) pisane były dla niewielkiego składu (smyczki, 2 oboje, 2 rogi), a partie dęte mają drugorzędne znaczenie. Ogólna skala cyklu jest bardzo skromna: składa się z trzech (bez menueta) lub czterech (z menuetem) części. Tematyka jest wyraźnie zróżnicowana w powiązaniu z funkcjami części. Tematyka pierwszych części nie jest jeszcze jasna. Temat pierwszej części I symfonii, wznoszący się na crescendo, bliski jest typowym tematom pierwszych części z połowy stulecia Mannheimerów, we włoskiej uwerturze, a następnie Gosseca.
Pierwotnie skalowany temat drugiej symfonii również nie ma zbyt wiele indywidualności. W drugiej symfonii zarysowane są już dwa tematy allegro. W czwartej symfonii temat drugi zaprezentowany jest polifonicznie. W III i IV symfonii Haydn zmierza w stronę trzyczęściowego allegra sonatowego, wybierając swego rodzaju opcję „pośrednią”: temat I (T), temat II (D), I (D), elementy przetworzenia, I (T ), II (T). Jednak w wąskich ramach sonatowość jest już zdefiniowana. Obydwa tematy części pierwszej są wyraźniej uwydatnione w symfonii piątej. Na razie nie są to bynajmniej tematy „haydniowskie”, po czym będzie można później rozpoznać pojawienie się jego symfonizmu. Bardziej emocjonalne są drugie, powolne części tych wczesnych symfonii: Andante trzeciej z jej „westchnieniami Mannheima” i pełne wdzięku Andante czwartej z koncertowymi skrzypcami. W trzeciej i piątej symfonii finały są fugami. Ich żywiołowość, dynamika są już zarysowane ogólnie, ale nie ma w nich jeszcze haydniowskiej charakterystyki tego typu muzyki. Wszystkie pięć symfonii napisanych jest w tonacji durowej – i tak będzie aż do dwudziestej szóstej.
W 1761 r. ukazały się trzy symfonie Haydna z tytułami programowymi: „Poranek”, „Południe”, „Wieczór” (nr 6 - 8). Było to zgodne z duchem czasu. Znane są także koncerty Vivaldiego z cyklu „Pory roku”. Natomiast poprzednik Haydna sprawujący urząd w kaplicy Esterházy, G. I. Werner, stworzył swego czasu „Nowy i bardzo ciekawy muzyczny kalendarz instrumentalny... na dwoje skrzypiec i bas na dwanaście miesięcy w roku”. Haydn rozumiał programowanie w tych przypadkach bardziej ogólnie niż Vivaldi i oczywiście bez naiwnych szczegółów, które pojawiły się u Wernera. Jedynie wybór „zadeklarowanych” tematów ma charakter orientacyjny.
Oprogramowanie. Zwłaszcza dla Haydna programowanie, nawet w jego najogólniejszym rozumieniu, odegrało wówczas ważną rolę: obrazy stopniowo stawały się wyraźniejsze, tematyka stała się bardziej konkretna, techniki komponowania i skład orkiestry zostały nieco rozszerzone. W symfonii „Poranek” do dotychczasowej kompozycji orkiestrowej dołączono flet i fagot. Rozpoczyna się niewielkim wstępnym Adagio, które zaczyna się od pierwszych skrzypiec PP, a następnie w ciągu zaledwie pięciu taktów brzmienie wzrasta do ff – stopniowo wchodzą pozostałe instrumenty (przykład 154). Najwyraźniej miał reprezentować wschód słońca. Jako epizod obrazowy takie Adagio jest jeszcze bardzo naiwne, ale w zasadzie powolny wstęp wprowadzający później pierwszą część okazał się dla Haydna bardzo istotną cechą kompozycji – właśnie w jej sensie przenośnym. Partie dęte w tej symfonii usamodzielniły się (solówka fletu w I części, solo fagotu w menuecie). Symfonia „Południe” składa się z pięciu części cyklu. Ciekawostką jest tu druga, powolna część, w której Haydn swobodnie sięga po techniki muzyki dramatycznej: pasaże smyczków i harmonie obojów przerywa wyrazisty solowy „recytatyw” skrzypiec, do którego niczym w scena operowa, po czym dołącza rozbudowany „duet” skrzypiec i wiolonczeli. Symfonia „Wieczór” zarysowuje cechy pasterstwa. Jej zakończeniem jest „Burza”. Haydn kontynuuje dość stałą tradycję XVIII wieku ze swoimi „burzami” w operach i sztukach instrumentalnych – zarówno wizualnych, jak i w ogóle dynamicznych, czyli naturalnych właśnie w funkcji finału. „Burza” Haydna ma jeszcze skromną skalę, ale miejscami jest bardzo dynamiczna.
To doprecyzowanie obrazów symfonii było główną konsekwencją oryginalnego programu dzieła symfonicznego Haydna. Nie miał już wówczas ochoty nadawać tytułów programowych fragmentom symfonii ani ujawniać w innej formie ich zamysłu programowego. Jednocześnie stopniowa indywidualizacja każdego dzieła, związana zarówno z naturą obrazów, jak i cechami kompozycji, często prowadziła do tego, że jego symfonie otrzymywały własne „nazwy”, na przykład: „Filozof” ( nr 22), „Lamentacje” („Lamentatione”, nr 26), „Alleluja” (nr 30), „Na sygnał klaksonu” (nr 31). Nie wiadomo, kiedy i kto nadał te nazwy, ale były one mocno związane z tymi (i wieloma późniejszymi) symfoniami Haydna.
1760. Praca kompozytora nad symfonią w latach 1763-1766-1768 była niezwykle intensywna i intensywna, gdyż napisał ponad trzydzieści utworów. Bardzo szybko ruszył do przodu, szukał czegoś nowego różne kierunki, przeprowadzał jakieś eksperymenty, zatrzymywał coś, co znalazł, coś odrzucał, długo potwierdzał jedno, wielokrotnie sprawdzał drugie, a mimo to nie wziął tego za podstawę swoich środków wyrazu. Przed 31. Symfonią (1765) wahał się w kompozycji cyklu, „próbując” czasem czterech, czasem trzech części; potem zdecydowanie zdecydował się na czteroczęściową symfonię. W wielu przypadkach cykl rozpoczynał się od części powolnej (nr 11, 21, 22), której charakter determinował np. nazwę symfonii nr 22 – „Filozof”; czasami myślał o pierwszej części jako o uwerturze francuskiej (nr 15) lub po prostu przedstawiał ją jako fugę (nr 29). W allegro sonatowym Haydn albo wygładzał kontrasty między tematami, potem je podkreślał, a potem rozszerzał formę, albo ograniczał się do skromnych granic. Orkiestra zmieniała się z biegiem czasu zarówno pod względem składu, jak i interpretacji partii i grup instrumentów.
Najważniejsze na ogólnej drodze symfonii Haydna były poszukiwania kompozytora podejmowane w latach sześćdziesiątych XVIII w., mające na celu wzbogacenie sfery figuratywnej i tematycznej, a także do osiągnięcie skali cyklu i jego części. Dotyczący obrazy symfonii, wówczas powinniśmy mówić nie tylko o zagadnieniach tematycznych, ale także o charakterystycznych elementach wyrazowych, które mają pewne znaczenie gatunkowe. Na razie obaj istnieją jeszcze u Haydna, jakby osobno. Materiał tematyczny wczesnych symfonii nie ma oczywiście jeszcze wyraźnie indywidualnych, autorskich cech i nie jest szczególnie oryginalny. Pobrzmiewają w nim echa tematyzmu mannheimskiego i „włoskości” (Siciliana jako część druga w 27 symfonii), a nawet melodie chorału gregoriańskiego (w 26 i 30 symfonii). Towarzyszy temu swoista „przepowiednia” nowych bohaterskich i ludowych (austriackich, węgierskich czy słowiańskich) cech muzycznych, a także pierwsze przejawy własnej żartobliwej i figlarnej cierpkości. Kompozytor nie stroni od typowej dla swojej epoki gamy obrazów, starając się jedynie z czasem je zindywidualizować. Wybiera jednak stosunkowo niewiele i skupia się głównie na dwóch sferach figuratywnych: z jednej strony na obrazach poważnych, lirycznych, kontemplacyjnych i patetycznych, z drugiej zaś na obrazach dynamicznych, gatunkowych i kolorowych, bardziej obiektywnych. Pierwsza sfera, jak wiadomo z dojrzałych symfonii Haydna, nie straci już na znaczeniu, ale już wytrąci inne, bardziej dla nich charakterystyczne obrazy i tematy (nie mówiąc już o tym, że sama stanie się znacznie bardziej oryginalna). . Co do drugiego, będzie on jeszcze długo ewoluował, ale też nie straci swojej roli w cyklu symfonicznym, zwłaszcza w dwóch ostatnich jego częściach, przede wszystkim w finale.
Liryczne obrazy kontemplacyjne. Nie cała muzyka wczesnych symfonii Haydna jest postrzegana jako bogata ekspresyjnie: na początku jest wiele „neutralnych”, nietypowych, ogólnych form ruchu, śladów wciąż stosowanych celów. To właśnie pokonuje ze szczególną intensywnością kompozytor przez całe lata sześćdziesiąte XVIII wieku. Pierwsze w tym nurcie „pojawiają się” w swojej wyrazistości to poważnie liryczne obrazy w ich spokojnie kontemplacyjnej lub ekspresyjnie patetycznej „wariacji”. Stąd powolne pierwsze części symfonii: kontemplacyjne Adagio w nr 11, „ważne” i głębokie Adagio w Symfonii filozoficznej. Ale początek liryczny jest szczególnie charakterystyczny dla wolnych części cyklu (właściwie jego lirycznych ośrodków): Andante X Symfonii (z kontrastami dynamicznymi Mannheima), Andante IX Symfonii (o zabarwieniu elegijnym), Adagio cantabile Symfonia nr 24 (z fletem solo), Symfonia sycylijska nr 27 (koncepcja sielankowa), smyczki Adagio ma non troppo z 32 symfonii (poetycko subtelne tłumaczenie lirycznych snów), Andante z 33 symfonii (pełne intonacji wzdycha). Warto zauważyć, że w tamtych latach Haydn starał się lirycznie wypełnić pierwszą część cyklu, niekoniecznie spowalniając go. Szybka pierwsza część symfonii nie zawierała już obrazów liryczno-kontemplacyjnych, lecz patetycznych. Miało to miejsce po raz pierwszy w Symfonii nr 26, zwanej Lamentacjami. Jej pierwsza część nie jest zatem pozbawiona nawet dramaturgii. Należy zwrócić uwagę, że zarówno w tej, jak i w drugiej części cyklu kompozytor posłużył się melodią chorału gregoriańskiego: pierwsza z symfonii Haydna, napisana w tonacji molowej, z rysami patetycznymi w pierwszej części, także ją wyróżnia ta cecha . Najprawdopodobniej kompozytor poczuł swój punkt zwrotny: zbyt wiele się tu koncentruje, aby uzyskać nowy, poważny ton ogólny. Symfonia nr 30 także wykorzystuje chorał gregoriański (w części pierwszej) – stąd jej nazwa „Alleluja”. Część pierwsza 35. i 36. symfonii jest dramatyzowana w treści figuratywnej z akcentami heroicznymi i patetycznymi. Zamykająca ten okres IV Symfonia f-moll (jej numer seryjny nie odpowiada chronologii: powstała w 1768 r.) otrzymała przez współczesnych wyrazistą nazwę „Cierpienie” („La Passione”).
Gatunek muzyczny. W innym obszarze obrazów, bardziej charakterystycznym dla trzeciej i czwartej części cyklu, być może Haydn już wcześniej wykazywał tendencje do niezależności i odnalazł specyficzne dla nich środki wyrazu. Dotyczy to nawet tak prostej części cyklu, jak menuet. Zwykle zajmuje trzecie miejsce; wyjątkowo – w drugiej (32 symfonia). Często to właśnie dla menueta, zwłaszcza dla jego tria, Haydn zdaje się rezerwować jakiś efekt specjalny, który może być komiczny, barwny, folklorystyczny lub harmoniczny. Tym samym trio menuetowe w XIII Symfonii jest interesujące ze względu na wirtuozowski i kapryśny solo fletu. Począwszy od menueta III Symfonii, w tej części cyklu od czasu do czasu sięga się po techniki polifoniczne – w lekkim, wręcz komicznym duchu. W niektórych triach badacze zauważają wyraźnie cechy folklorystyczne: np. słowiańskie w symfonii nr 28 i 29. Notabene, w wolnej części tej samej symfonii nr 28 pojawiają się elementy węgiersko-cygańskie. Ale być może najbardziej charakterystyczną cechą Haydna jest lekko scherzo ostrość osiągnięta w menuecie 34 symfonii (ostre skoki ze zmianami w p i f), w trio 37 symfonii (drugie współbrzmienia na mocnych uderzeniach) , w trio 38 symfonii (skoki w partiach oboju ze zmianą rejestrów). Tutaj, w zalążku, zarysowane jest już to, co typowo haydniowskie, co jest charakterystyczne także dla symfonii londyńskich z lat 1791-1795. Przejawia się to stopniowo w charakterze finałów, np. w 25 symfonii.
Zakres poszczególnych części cyklu stopniowo się poszerza co ma specjalne znaczenie na allegro sonatowe. Jednak tutaj proces ten nie przebiega w linii prostej: w symfonii nr 24, 25, 35, 36 kontrast tematyczny ujawnia się wyraźnie i wyraziście, w symfonii nr 28 jest on nieznaczny. Skala i skład rozwoju są różne i nadal dalekie od rozwiniętego. Choć już w XI Symfonii rozwój staje się dynamiczny (wraz ze wzrostem dźwięczności), to w 37 Symfonii jest on bardzo skompresowany. W finałach symfonii dominują różnego rodzaju ronda, choć w 31 Symfonii finał to odmiany. Ten wielka symfonia notabene może służyć jako przykład włączenia kolorowych dźwięków życia codziennego w duży utwór instrumentalny, co było później charakterystyczne dla Haydna. Nieprzypadkowo otrzymał miano „Na sygnał rogu” lub „Na remis”: faktycznie wydaje (t. 9-15 części pierwszej) sygnał rogu myśliwskiego5, przecinając ekspozycję sonaty Allegro. W tym celu w partyturze wprowadzono cztery rogi, powszechnie stosowane we wszystkich pozostałych trzech częściach symfonii.
W tym okresie rozszerzono środki orkiestrowe i pogłębiają się głównie na skutek uruchomienia instrumentów dętych. Już w menuecie XI symfonii wyemancypowane są partie obojów i rogów, do partytury XIII symfonii wprowadzone zostają cztery rogi, a także kotły, symfonie nr 20 – trąbki i kotły, symfonie nr 22 - Rogi angielskie.
Lata 70. Od początku lat 70. XVIII w. rozpoczął się długi okres w rozwoju symfonizmu Haydna, zbyt długi, aby stał się punktem zwrotnym, a jednak punktem zwrotnym, sprzecznym, pełnym kontrastów w poszukiwaniach twórczych, prowadzącym ostatecznie do wspaniałej dojrzałości drugiej połowa lat 80-90-tych. W specjalnych współczesnych opracowaniach poświęconych symfoniom Haydna za granicą, a następnie w naszym kraju, wyraża się przekonanie, że po żałosnych, dramatycznych symfoniach Haydna na początku lat 70. XVIII w. przeżył on kryzys twórczy: nie wzniósł się już do tego poziomu w duchu epoki Sturm-und-Drang, ale wycofał się niejako do koncepcji mniej śmiałych i bardziej zwyczajnych, do dzieł, w których było więcej inwencji niż znaczenia.
Rzeczywiście, w symfoniach z 1772 r. i niektórych im bliskich (nr 45 „Pożegnanie”; nr 44 „Żałoba”; nawet nr 49 „Cierpienie”) motywy mollowo-żałosne i napięcie ogólnego rozwój na dość dużą skalę przyciąga szczególną uwagę . Takich symfonii jest jednak bardzo niewiele, są one w pewnym stopniu przygotowane przez patos Haydna ostatnich lat (począwszy od symfonii „Lamentacja”) i stanowią jedynie doprowadzenie tej linii jego figuratywnych poszukiwań do najwyższego punktu, po którym patos, a nawet romantyczne nastroje nie umykają muzyce Haydna i albo w jego symfoniach uciekają do obrazów i tematów o rodowodzie ludowym, albo koncentrują się w późniejszych kwartetach i sonatach. Dla dojrzałej symfonii Haydna, dla uogólniającego „obrazu świata” Haydna te obrazy i tematy pozostają konieczne, ale nie najważniejsze: taki jest jego system figuratywny, taki jest jego twórczy wygląd, taki jest jego indywidualny styl.
W latach siedemdziesiątych XVIII wieku Haydn, jakby testując żałosne możliwości symfonizmu, stworzył szereg pięknych dzieł, których znaczenie nie spadło jeszcze bardziej, ale nadal zostało przyćmione przez jego klasykę - symfonie drugiej połowy lat osiemdziesiątych XVIII wieku i londyńskie . W jednym rzędzie możesz umieścić drobne prace - nr 26, d-moll, „Lamentacje”, nr 49, f-moll, „Cierpienie” (lub „Pasja”), nr 44, e-moll, „Żałoba” , nr 45, fis-moll, „Pożegnanie” - i obejmują lata 1766 - 1772, a ich patos wyraźnie wzrośnie wraz z kulminacją w „Pożegnaniu”...
Dalej w symfoniach z lat 70. XVIII wieku - początku lat 80. XVIII wieku w molu-żałosny początek nie wysuwa się już na pierwszy plan, lecz pojawia się wielokrotnie w tej czy innej symfonii, z reguły jednak nie określając ich tematycznego charakteru w allegro sonatowym.
Są wyjątki: ogólny ton 78 symfonii jest dramatyczny, lekki patos w duchu Mozarta z pierwszych taktów części głównej ujawnia się w Presto 75 symfonii - poprzedza ją otwierający Grave (przykład 156 ). Z mniejszą lub większą pewnością w powolnych częściach szeregu dzieł pojawiają się od czasu do czasu momenty patetyczne. Jednak to właśnie w przypadku sonat allegro Haydn poszukuje innego podejścia tematycznego. Znamienne jest, że główna część cyklu, jego środek ciężkości, nie jest przez kompozytora traktowana jako wyraz zasady par Excellence patetycznej. Żałosne allegro sonatowe nie staje się typowe dla symfonizmu Haydna, co najlepiej ilustruje przykład najbardziej dojrzałych symfonii. Na przykładach twórczości symfonicznej Haydna do połowy lat osiemdziesiątych XVIII wieku można prześledzić, jak kompozytor doświadczał w pierwszych częściach symfonii różnych typów tematyzmu i różnych technik wyrazu. Jednocześnie łączy je jedno: stają się bardziej obiektywne niż liryczne czy liryczno-żałosne, choć ich zakres emocjonalny jest dość szeroki: świąteczność, bohaterstwo, radosna dynamika, lekki humor, błyskotliwość i wdzięk itp. Znaczenie przenośne symfonii nadal jest postrzegany jako jasny i konkretny: nadano im także imiona (nie autorskie!) - „Merkury” (nr 43), „Maria Teresa” (nr 48), „Majestic” (nr 53 ), „Nauczycielka” (nr 55), „Płomień” (lub Symfonia „Ognia”, nr 59), „Abstrakt” (nr 60), „Roxelana” (nr 63), „Laudon” (nr 69), „Polowanie” (nr 73).
Wpływ teatru na symfonię. Część z tych dzieł pochodzi z niektóre przypadki inne kojarzą się z twórczością teatralną Haydna. Pochodzenie symfonii Marii Teresy zostało już omówione. Możliwe, że nazwa „Feuersymphonie” powstała w związku z uroczystym pokazem sztucznych ogni w Eszterhazie, a symfonia „Laudon” jest w jakiś sposób związana z uhonorowaniem austriackiego feldmarszałka Gideona Ernsta de Laudona. W tym okresie Haydn napisał szczególnie wiele oper: w latach 1768–1783 stworzył jedenaście dzieł operowych, głównie z gatunku buffa. 60. Symfonia otrzymała nazwę „Abstrakcyjna”, ponieważ została wykonana jako muzyka teatralna podczas inscenizacji komedii J. F. Regnarda w Wiedniu w 1776 r.: pierwsza część symfonii pełniła funkcję uwertury, pozostałe części cykl wykonywany był w trakcie gry w formie przerw i wstawiania numerów. Ponieważ jednak tę samą komedię wystawiano w Eszterhazie już wcześniej, być może Haydn napisał wówczas muzykę do spektaklu, a następnie „skomponował” z niej symfonię: kompozycja cyklu była dla niego bardzo wyjątkowa – sześć części. Tak czy inaczej, jego dzieła symfoniczne z tamtych lat nie są odizolowane od teatru muzycznego. W symfonii Roxelany pierwszą częścią była uwertura do opery buffa Haydna „Pokój księżycowy” (1777).
Tutaj prawdziwa muzyka! To jest to, czym należy się cieszyć, to powinien być przyswajany przez każdego, kto chce kultywować zdrowo muzyczne uczucie, dźwięczny smak.
A. Serow
Twórcza ścieżka J. Haydn – wielki austriacki kompozytor, starszy współczesny W. A. Mozartowi i L. Beethovenowi – żył około pięćdziesięciu lat, przekroczył historyczną granicę XVIII-XIX w., objął wszystkie etapy rozwoju wiedeńskiej szkoły klasycznej – od jego początki sięgają lat sześćdziesiątych XVIII wieku gg. aż do rozkwitu twórczości Beethovena na początku nowego stulecia. Intensywność procesu twórczego, bogactwo wyobraźni, świeżość percepcji, harmonijny i integralny sens życia zachowały się w sztuce Haydna aż do ostatnich lat jego życia.
Syn konstruktora powozów Haydn odkrył rzadkie zdolności muzyczne. W wieku sześciu lat przeprowadził się do Hainburga, śpiewał w chórze kościelnym, uczył się gry na skrzypcach i klawesynie, a od 1740 mieszkał w Wiedniu, gdzie pełnił funkcję chórmistrza w kaplicy katedry św. Szczepana (katedra wiedeńska) . Jednak w kaplicy docenili jedynie głos chłopięcy – górę o rzadkiej czystości i powierzyli mu wykonanie partii solowych; a rozbudzone w dzieciństwie skłonności kompozytora pozostały niezauważone. Kiedy głos zaczął mu się łamać, Haydn został zmuszony do opuszczenia kaplicy. Pierwsze lata samodzielnego życia w Wiedniu były szczególnie trudne – był biedny, głodny, tułał się bez stałego schronienia; Tylko sporadycznie udawało się znaleźć prywatne lekcje lub grę na skrzypcach w podróżującym zespole. Jednak pomimo zmienności losu Haydn zachował otwartość charakteru, poczucie humoru, które go nigdy nie zawiodło i powagę dążeń zawodowych – studiuje dzieła klawiszowe F. E. Bacha, samodzielnie studiuje kontrapunkt, zapoznaje się z twórczością dzieł największych niemieckich teoretyków, pobiera lekcje kompozycji u N. Porpora to znany włoski kompozytor i pedagog operowy.
W 1759 r. Haydn otrzymał od hrabiego I. Mortsina stanowisko kapelmistrza. Dla jego kaplicy dworskiej powstały pierwsze dzieła instrumentalne (symfonie, kwartety, sonaty clavier). Kiedy Morcin kasował kaplicę w 1761 r., Haydn zawarł kontrakt z P. Esterhazym, najbogatszym węgierskim magnatem i mecenasem sztuki. Do obowiązków wicekapelmistrza, a po 5 latach książęcego kapelmistrza należało nie tylko komponowanie muzyki. Haydn musiał prowadzić próby, utrzymywać porządek w kaplicy, odpowiadać za bezpieczeństwo nut i instrumentów itp. Wszystkie dzieła Haydna były własnością Esterhazy’ego; kompozytor nie miał prawa pisać muzyki na cudze zamówienie i nie mógł swobodnie opuszczać majątku książęcego. (Haydn mieszkał w majątkach Esterhazy – Eisenstadt i Esterhaz, okazjonalnie odwiedzał Wiedeń.)
Jednak wiele zalet, a przede wszystkim możliwość dysponowania znakomitą orkiestrą, która wykonała wszystkie dzieła kompozytora, a także względne bezpieczeństwo materialne i codzienne, przekonały Haydna do przyjęcia oferty Esterhazy'ego. Haydn pozostał w służbie dworskiej przez prawie 30 lat. W upokarzającej pozycji książęcego sługi zachował godność, wewnętrzną niezależność i chęć ciągłego twórczego doskonalenia. Żyjąc z dala od świata, niemal bez kontaktu z szerszym światem muzycznym, podczas służby u Esterhazy’ego stał się największym mistrzem na skalę europejską. Utwory Haydna były z powodzeniem wykonywane w największych stolicach muzycznych.
Tak więc w połowie 1780 r. Francuska publiczność poznała sześć symfonii, zwanych „paryskimi”. Z biegiem czasu kompozyty stawały się coraz bardziej obciążone pozycją zależną i coraz dotkliwiej odczuwały samotność.
Symfonie mniejsze – „Żałoba”, „Cierpienie”, „Pożegnanie” – zabarwione są nastrojami dramatycznymi, niespokojnymi. Finał „Pożegnania” dał wiele powodów do różnorodnych interpretacji – autobiograficznej, humorystycznej, lirycznej i filozoficznej – podczas tego niekończącego się Adagio muzycy opuszczają orkiestrę jeden po drugim, aż na scenę zostaje dwóch skrzypków, którzy cicho i delikatnie dokańczają melodię ...
Jednak zarówno w muzyce Haydna, jak i w jego poczuciu życia zawsze dominuje harmonijny i jasny obraz świata. Haydn wszędzie znajdował źródła radości - w przyrodzie, w życiu chłopów, w swojej twórczości, w komunikacji z bliskimi. W ten sposób zacieśniła się znajomość z Mozartem, który przybył do Wiednia w 1781 roku prawdziwa przyjaźń. Relacje te, oparte na głębokim wewnętrznym pokrewieństwie, zrozumieniu i wzajemnym szacunku, wpłynęły korzystnie na rozwój twórczy obu kompozytorów.
W 1790 roku A. Esterhazy, spadkobierca zmarłego księcia P. Esterhazy, dokonał kasaty kaplicy. Haydn, który został całkowicie zwolniony ze służby i zachował jedynie tytuł kapelmistrza, zgodnie z wolą starego księcia zaczął otrzymywać dożywotnią emeryturę. Wkrótce pojawiła się możliwość spełnienia wieloletniego marzenia – wyjazdu poza Austrię. W latach 90. XVIII w. Haydn odbył dwie podróże do Londynu (1791-92, 1794-95). Powstałych z tej okazji 12 symfonii „londyńskich” dopełniło rozwój tego gatunku w twórczości Haydna, potwierdziło dojrzałość wiedeńskiego symfonizmu klasycznego (nieco wcześniej, bo pod koniec lat 80. XVIII w. ukazały się 3 ostatnie symfonie Mozarta) i pozostało szczytowym fenomenem w historii muzyki symfonicznej. Symfonie londyńskie wykonywane były w niezwykłych i niezwykle atrakcyjnych dla kompozytora warunkach. Przyzwyczajony do bardziej zamkniętej atmosfery salonu dworskiego Haydn po raz pierwszy wystąpił na publicznych koncertach i poczuł reakcję typowo demokratycznej publiczności. Miał do dyspozycji duże orkiestry, przypominające składem współczesne symfonie. Angielska publiczność entuzjastycznie przyjęła muzykę Haydna. W Oxfood uzyskał tytuł doktora muzyki. Pod wrażeniem zasłyszanych w Londynie oratoriów G. F. Handla powstały 2 oratoria świeckie – „Stworzenie świata” (1798) i „Pory roku” (1801). Te monumentalne dzieła epicko-filozoficzne, potwierdzające klasyczne ideały piękna i harmonii życia, jedności człowieka i natury, godnie zwieńczyły drogę twórczą kompozytora.
Ostatnie lata życia Haydna spędził w Wiedniu i na przedmieściach Gumpendorf. Kompozytor był nadal pogodny, towarzyski, obiektywny i przyjazny w stosunku do ludzi, nadal ciężko pracował. Haydn zmarł w niepokojącym czasie, w środku kampanii napoleońskich, kiedy wojska francuskie zajęły już stolicę Austrii. Podczas oblężenia Wiednia Haydn pocieszał swoich bliskich: „Nie bójcie się, dzieci, gdzie jest Haydn, nic złego nie może się wydarzyć”.
Haydn pozostawił ogromny dziedzictwo twórcze- około 1000 utworów we wszystkich gatunkach i formach występujących w muzyce tamtych czasów (symfonie, sonaty, zespoły kameralne, koncerty, opery, oratoria, msze, pieśni itp.). Duże formy cykliczne (104 symfonie, 83 kwartety, 52 sonaty klawiszowe) stanowią główną, najcenniejszą część twórczości kompozytora i definiują go miejsce historyczne. O wyjątkowym znaczeniu dzieł Haydna w ewolucji muzyki instrumentalnej pisał P. Czajkowski: „Haydn uwiecznił się jeśli nie przez wynalezienie, to przez udoskonalenie tej doskonałej, idealnie wyważonej formy sonaty i symfonii, którą później Mozart i Beethoven wnieśli do świata ostatni stopień kompletności i piękna.”
Symfonia w twórczości Haydna przeszła długą drogę: od wczesnych przykładów bliskich gatunkom muzyki codziennej i kameralnej (serenada, Divertisement, kwartet), po symfonie „paryskie” i „londyńskie”, w których klasyczne wzorce gatunku ustalono (relację i kolejność części cyklu – Allegro sonatowe, część wolna, menuet, finał szybki), charakterystyczne typy techniki tematyczne i rozwojowe itp. Symfonia Haydna nabiera znaczenia uogólnionego „obrazu świata”, w którym różne aspekty życia - poważny, dramatyczny, liryczno-filozoficzny, humorystyczny - zostają zjednoczone i zrównoważone. Bogaty i złożony świat symfonii Haydna charakteryzuje się niezwykłymi cechami otwartości, towarzyskości i skupienia na słuchaczu. Ich główne źródło język muzyczny- intonacje gatunkowe - codzienne, pieśniowe i taneczne, czasem bezpośrednio zapożyczone ze źródeł folklorystycznych. Włączeni w złożony proces rozwoju symfonii, odkrywają nowe, pomysłowe, dynamiczne możliwości. Kompletne, idealnie wyważone i logicznie skonstruowane formy części cyklu symfonicznego (sonata, wariacja, rondo itp.) zawierają elementy improwizacji, a niezwykłe odchylenia i niespodzianki zwiększają zainteresowanie samym procesem rozwoju myśli, który jest zawsze fascynujący i pełen z wydarzeniami. Ulubione przez Haydna „niespodzianki” i „żarty” pomogły w odbiorze najpoważniejszego gatunku muzyki instrumentalnej, wywołując wśród słuchaczy specyficzne skojarzenia, które utrwaliły się w tytułach symfonii („Niedźwiedź”, „Kurczak”, „Zegar”, „Polowanie”, „ Nauczyciel szkolny" i tak dalej.). Tworząc typowe dla gatunku wzorce, Haydn odkrywa także bogactwo możliwości ich manifestacji, zarysowując różne ścieżki ewolucji symfonii w XIX-XX wieku. W dojrzałych symfoniach Haydna ustalony jest klasyczny skład orkiestry, obejmujący wszystkie grupy instrumentów (smyczkowe, dęte drewniane, blaszane, perkusyjne). Ustabilizowany jest także skład kwartetu, w którym wszystkie instrumenty (dwoje skrzypiec, altówka, wiolonczela) stają się pełnoprawnymi członkami zespołu. Dużym zainteresowaniem cieszą się sonaty klawiszowe Haydna, w których wyobraźnia kompozytora, wręcz niewyczerpana, za każdym razem otwiera nowe możliwości konstruowania cyklu, oryginalne sposoby projektowania i opracowania materiału. Ostatnie sonaty napisane w latach 90. XVIII w. wyraźnie skupiony na możliwościach ekspresyjnych nowego instrumentu – fortepianu.
Całe jego życie artystyczne było dla Haydna główne wsparcie i stałym źródłem wewnętrznej harmonii, równowagi psychicznej i zdrowia, miał nadzieję, że tak pozostanie dla przyszłych słuchaczy. „Tak niewielu jest na tym świecie ludzi radosnych i zadowolonych” – napisał siedemdziesięcioletni kompozytor – „wszędzie nawiedza ich smutek i zmartwienia; Być może Twoja praca będzie czasem źródłem, z którego osoba pełna zmartwień i obciążona sprawami będzie czerpać chwile spokoju i relaksu.”
Gatunek symfonii w twórczości HAYDNA
Józef Haydn – świetny przedstawiciel wiedeńska szkoła klasyczna. W historii sztuki muzycznej jest jednym z najzdolniejszych i najbardziej harmonijnych artystów. Haydn zyskał zasłużone uznanie na świecie, głównie w dziedzinie muzyki instrumentalnej, a jego twórczość kameralna i symfoniczna rozpoczęła się w latach 50. XVIII w. i przyczyniła się do powstania nowych gatunków i form w tej dziedzinie. Ostatnie kwartety i „Symfonie londyńskie” znakomity wynik długiej ewolucji twórczej kompozytora.
Był jednym z najodważniejszych i najbardziej niezależnych geniuszy. Żadna władza nie miała nad nim najmniejszej władzy. „Sztuka jest wolna i nie powinna ograniczać się do żadnych ograniczeń rzemieślniczych” – powiedział Haydn.
Każda nuta jego kompozycji błyszczy niewyczerpaną wyobraźnią i nieskończonym bogactwem. pomysły muzyczne. Był wielkim mistrzem, a pragnienie mistrzostwa nieustannie kierowało jego wysiłkami. Haydnowi radość sprawiała sama praca, poczucie jej "konsekwencja". To było prawdziwa pasja pracy twórczej i wiecznego poszukiwania artystycznej doskonałości.
Twórcze życie Haydna było długie i obejmowało punkt zwrotny w rozwoju muzycznym Europy Zachodniej – od początków aż do pełnego rozkwitu wiedeńskiej szkoły klasycznej. Kształtowanie się osobowości twórczej kompozytora wiąże się z drugą połową XVIII wieku. Począwszy od 1761 roku, przez prawie 30 lat Haydn służył księciu Esterhazy’emu, zwanemu „Wspaniałym”. W tych latach życie Haydna było niezwykle monotonne i pozbawione wydarzeń zewnętrznych. Ale jednocześnie cała jego uwaga była skierowana wyłącznie na dziedzinę muzyki. Obejmując stanowisko konduktora nadwornego, Haydn podpisał kontrakt, który nakładał na niego liczne obowiązki:
- kierować wykonawstwem muzycznym na dworze książęcym i w kościele
- szkolić śpiewaków
- dbajcie o dyscyplinę i porządek w kaplicy
- odpowiadać za bezpieczeństwo instrumentów i nut
- Ukazuj się księciu dwa razy dziennie po rozkazy.
A wśród tego nurtu spraw najważniejsze dla Haydna było komponowanie muzyki, jakiejkolwiek muzyki na zlecenie księcia. Rozrywki i uroczystości w majątku Esterhazy nie kończyły się tygodniami, a czasem miesiącami. Dlatego muzyka rozbrzmiewała nieustannie – miała tu jedno z honorowych miejsc. Wszystko to nakładało na kapelmistrza ogromny ciężar i odpowiedzialność.
Haydn oddał do całkowitej dyspozycji księcia swój talent. Skomponowana przez niego muzyka miała zadowolić gusta jego mistrza i przyczynić się do większej świetności majątku Esterhazy. Jednocześnie Haydn nie miał praw własności do swoich dzieł: należały one do księcia i mógł zostać wykonane lub opublikowane tylko za jego zgodą. Ponadto Haydn nie mógł bez pozwolenia opuścić majątku Esterhazy’ego, a całe jego życie podlegało ściśle ustalonym przepisom.
Ale choć kompozytor był całkowicie zależny od gustów księcia i oddał mu do całkowitej dyspozycji swój talent, to jednak sytuacja ta miała swoje pozytywne strony.
Haydn cenił przede wszystkim fakt, że miał możliwość komponowania. Oczywiście pisał głównie na zamówienie, ale to nie przeszkodziło mu w pisaniu z prawdziwą inspiracją. Jego wyobraźnia była gotowa działać w dowolnym kierunku, a zasoby pomysłów muzycznych były całkowicie niewyczerpane.
Prawa autorskie © Andreeva E. G.
Ponadto wszystko, co skomponował Haydn, było słyszalne natychmiast po narodzinach muzyki. A mając do dyspozycji dobrą kaplicę instrumentalną, Haydn miał okazję nie tylko wykonać gotowe dzieło, ale także spróbować eksperymentować w procesie samego dzieła. Dzięki temu stale doskonalił swoje umiejętności.
Nawet z faktu, że służba księcia Esterhazy'ego zmusiła Haydna do odosobnionego życia, geniusz kompozytora potrafił skorzystać. Haydn czerpał wyłącznie idee artystyczne własną wyobraźnię. Żadne uznane autorytety nie mogły na niego wywierać nacisku. W poszukiwaniu czegoś nowego Haydn w swojej twórczości polegał wyłącznie na własnym osądzie i własnym guście. Powiedział:
- „Byłem z dala od światła.
Nikt obok mnie nie mógł zachwiać mojego zaufania do moich planów.
Nikt nie był moim mentorem i musiałem iść własną drogą.
Cecha ta w dużej mierze zdeterminowała charakter twórczości Haydna. Najmniej troski okazywał, jak dobrze jego muzyka spełnia wymagania tego czy innego stylu. Pomimo całej zależności swojego stanowiska Haydn poszedł wyłącznie własną drogą, zachowując wolność i niezależność twórczego ducha.
Podczas swojej służby u Esterhazy'ego Haydn napisał zdecydowaną większość swoich dzieł. Ilość, jaką osiągnął w tych warunkach, wydaje się niewiarygodna i po prostu niesamowita. Ale jeszcze bardziej uderzająca jest wytrwałość i determinacja Haydna.
Podczas pobytu w Esterhazy House Haydn przeszedł drogę od początkującego kompozytora do pozycji głównego mistrza o światowym znaczeniu. Stworzył pierwsze przykłady klasycznych symfonii i kwartetów smyczkowych oraz położył podwaliny pod wiedeńską szkołę klasyczną .
Przez około 40 lat, od 1759 do 1795, Haydn skupiał się na symfonii. Drogę twórczą Haydna słusznie można nazwać historią symfonii. , ponieważ w dużej mierze zbiega się to z rozwojem tego gatunku .
Pierwsze symfonie Haydna powstały w okresie, gdy początki europejskiego symfonizmu dopiero zaczynały się kształtować. I w późny okres Haydn stworzył klasyczne przykłady cyklu symfonicznego.
Niezwykłą cechą osobowości twórczej Haydna było to, że pracując w gatunku symfonicznym, nie naśladował innych kompozytorów i nie dążył do typowy wyraziste środki. Szkoła wiedeńska nie mogła związać Haydna z ustalonymi tradycjami, gdyż one jeszcze nie powstały. Haydn nie miał takiej możliwości często słuchać muzyki współczesnej w Wiedniu, a ponadto do 1790 roku nigdy nie był za granicą.
Ale odosobnione życie w posiadłościach Esterhazy karmiło twórczą świadomość Haydna wieloma muzycznymi wrażeniami, które najwyraźniej przeszły przez wielu kompozytorów jego epoki. Na przykład Haydn, stale obserwując życie chłopskie, często się do niego zwracał ludowe pochodzenie. Muzyka jego symfonii obejmuje:
Melodie ludowe różnego pochodzenia,
Tańce chłopskie,
Kolor brzmienia instrumentów ludowych.
Tematyka i melodie ludowe bliskie folkowi nie były wówczas typowe dla muzyki wysoce profesjonalnej, a zwłaszcza muzyki symfonicznej. A dla Haydna taki kontakt z otaczającą rzeczywistością w pełni odpowiadał jego gustowi muzycznemu. Obrazy życie ludowe były mu bliskie, powiązane, organicznie rozumiane i nie zaprzeczały artystycznej koncepcji symfonii. To właśnie dzięki tematyce ludowej dojrzałe symfonie Haydna różnią się od dzieł mu współczesnych, zwłaszcza kompozytorów z Kaplicy Mannheimskiej, większą indywidualnością wyglądu każdej z nich.
Prawa autorskie © Andreeva E. G.
Zatem w porównaniu do swoich poprzedników Haydn stworzył nowy rodzaj symfonii. Jednak zauważalne rezultaty jego pracy nie pojawiły się od razu. Haydn przeszedł przez wiele ważnych dla niego etapów, zanim osiągnął dojrzałość twórczą. Każda dziesiąta rocznica jego twórczości to kolejny, nowy krok w jego wznoszeniu się na wyżyny mistrzostwa
lata 60- to jest czas formacji styl artystyczny kompozytor. W ciągu tych lat wytyczył się krąg obrazów charakterystycznych dla Haydna – jasnych, optymistycznych, ale już przesiąkniętych głębokim liryzmem.
Koniec lat 60. i początek 70- ważny kamień milowy w twórczości Haydna. W jego muzyce nagle pojawiają się nowe, pełne napięcia i ponure nastroje. W symfoniach tego okresu pojawił się nowy Haydn – zbuntowany i żałosny. Okres ten zbiegł się z początkiem ruchu „Sturm i Drang” w literaturze niemieckiej. Nowe obrazy znajdują odzwierciedlenie w wielu mniejszych symfoniach. Najjaśniejsze z nich są "Pożegnanie" I "Żałoba" Prace te wyróżniają się szczególną, subiektywną kolorystyką.
Najczęściej wykonywany na koncertach „Pożegnalna Symfonia”. Wynika to w dużej mierze z intrygującej koncepcji Finału, w zakończeniu którego Haydn zastosował dziwną technikę: muzycy na zmianę kończą swoje partie, gasią świece, zbierają instrumenty i wychodzą. Scena stopniowo pustoszeje. Wreszcie zostaje już tylko dwóch skrzypków, którzy w przyćmionym świetle jednej świecy kończą smutną melodię. Ta idea Haydna jest interpretowana na różne sposoby. Albo w sensie romantycznym – pożegnania z życiem, albo w sensie codziennym – jakby w ten sposób Haydn dał do zrozumienia księciu Esterhazy’emu, że muzycy mają już dość życia z dala od rodzin i czas dać im wakacje.
Okres ten w twórczości Haydna nie był jednak długi i pod koniec 1772 roku przezwyciężono nieoczekiwany wybuch nastrojów buntowniczych.
Połowa i druga połowa lat 70 To czas intensywnego gromadzenia doświadczeń i mistrzostwa.
Lata 80-te- czas na dojrzałość. W ciągu tych lat Haydn był już uznanym mistrzem. W tym czasie zaczął tworzyć dzieła kompletne artystycznie we wszystkich głównych gatunkach twórczości. W tym czasie pojawiają się późne sonaty. Haydn wykazuje wysokie umiejętności w dziedzinie kwartetu smyczkowego.
W tych latach cykl symfoniczny osiągnął swój szczyt. Symfonie wyznaczały główny świat obrazów Haydna – gatunek folkowy. To właśnie te tematy stały się głównymi wykładnikami myśli kompozytora.
Cechy stylu dojrzałego najwyraźniej ujawniły się w sześciu Symfonie paryskie (nr 82 do nr 87). Zostały napisane na zamówienie Paryża do wykonania w „Koncerty duchowe” i po raz pierwszy wykonano tam w 1786 roku pod dyrekcją François Gosseca. Wszystkie sześć symfonii odzwierciedla świętość i powagę koncertów paryskich. Partytury symfonii ukazują klasyczny skład orkiestry:
Rogi
Kotły
I kwartet smyczkowy.
Symfonie paryskie przyniósł Haydnowi wielką sławę. W tym czasie sława Haydna rozprzestrzeniła się daleko poza Wiedeń. Publikowano jego dzieła, pisano o nim artykuły w gazetach niemieckich i angielskich. Otrzymywał zamówienia na komponowanie muzyki z różnych krajów. Zapraszany był na koncerty do Paryża i Londynu. Ale Haydn był mocno przywiązany do majątku książęcego. Mógł by tylko czasami jeździ do Wiednia.
Prawa autorskie © Andreeva E. G.
To właśnie w tym czasie w Wiedniu często spotykał się z Mozartem. Wieczory, podczas których wspólnie grali muzykę, pozostały w pamięci Haydna jako najszczęśliwsze w jego życiu. Przyjaźń z Mozartem okazała się twórczo owocna. Tym samym pod wpływem Mozarta melos Haydna wzbogacił się – nabrał większej elastyczności, melodyjności i plastyczności.
Z kolei Mozart zapożyczył od Haydna swoją najmocniejszą stronę metoda twórcza– opanowanie opracowania tematycznego.
lata 90- Ten Nowa scena w życiu i najwyższy punkt kulminacyjny Twórczość Haydna. W 1790 r. umiera książę Miklos Esterhazy. W testamencie zapisano, że przyzna Haydnowi dożywotnią emeryturę. Następca księcia, Anton Esterhazy, rozwiązał kaplicę, pozostawiając jedynie Haydna i najlepszego skrzypka. Wydarzenie to przyniosło kompozytorowi wolność, którą wykorzystał podczas swojej pierwszej trasy koncertowej. A pod koniec 1790 roku Haydn wyjechał do Londynu. Była to jego pierwsza podróż, która trwała do 1792 roku.
Haydn po raz pierwszy poczuł się wolnym i niezależnym artystą. W Anglii otaczała go entuzjastyczna uwaga. W 1791 roku Uniwersytet Oksfordzki nadał mu honorowy tytuł doktora muzyki. Na tę uroczystą uroczystość Haydn napisał 92 Symfonię G-dur, tzw „Oksford”.
Druga podróż do Londynu odbyła się w latach 1794-1796. W tym czasie Haydn odniósł wielki sukces w głównych gatunkach swojej twórczości - symfoniach, kwartetach i sonatach. Wrażenia z dwóch podróży do Londynu doprowadziły do powstania dwóch zeszytów symfonii: od nr 93 do nr 104. Nazywano je - "Londyn".
Pod koniec lat 800. geniusz Haydna nieoczekiwanie ujawnił się w nowym gatunku.W tym czasie powstały dwa oratoria dydaktyczne - „Stworzenie świata” na podstawie wiersza Johna Miltona i "Pory roku" na podstawie wiersza Johna Thomsona. Pomysł sięgnięcia po ten gatunek zrodził się pod wpływem wrażeń z festiwali Haendla, które Haydn obserwował w Anglii. Występy tych oratoriów w Wiedniu otoczyły nazwisko Haydna aurą sławy.
CECHY SYMFONIZMU HAYDNA
(na przykładzie symfonii londyńskich)
Najważniejszą rzeczą w twórczości Haydna była zawsze symfonia. To właśnie w tym gatunku miał uwiecznić swoje imię.
Historycznie gatunek symfonie rozpoczął swój rozwój w oparciu o język włoski uwertura operowa i początkowo powtórzył swój cykliczny wzór:
Szybko - Wolno - Szybko. Dlatego w pierwszych etapach rozwoju gatunku symfonie były przeważnie 3-częściowe.
Powyżej Symfonia Haydna pracował dłużej niż którykolwiek z jego współczesnych. Stopniowo w jego pracy stało się jasne możliwości ekspresyjne twórczość orkiestrowa – rola zespołów i poszczególnych instrumentów, ich udział w partiach symfonii, typowe techniki gry i wiele innych. Już w latach 80 „Symfonie paryskie” Haydn prawie użył "skończone" klasyczny skład orkiestry – z kwartetem smyczkowym i parą instrumentów dętych. W jego orkiestrze nie ma obecnie klarnetów, pojawią się one dopiero w drugim zeszycie „Symfonie londyńskie”.
Symfonia Haydna powstawała stopniowo – poszukiwania trwały, wybierano to, co konieczne, a to, co znaleziono, poprawiano.
Prawa autorskie © Andreeva E. G.
Kompozytor intensywnie pracował nad materiałem tematycznym, poszukiwał sposobów jego opracowania i wyznaczał schematy tonalne. Pod tym względem Haydn przywiązywał dużą wagę do formy sonatowej
Równolegle trwały prace nad całym cyklem symfonicznym. Wszystko, co nowe, zostało przetestowane i wybrane w codziennej praktyce. Dla Haydna było to niezwykle ważne:
Zrozumienie funkcji każdej części pętli
Związek części ze sobą
I struktura ogólna cykl
Początkowo główna uwaga Haydna skupiała się na pierwszej części cyklu symfonicznego, która niezmiennie posługiwała się formą sonatową. Bo sam Haydn był ważny tematyzm symfonie, z największą ekspresją. Dużo uwagi Haydn zapłacił głowne tematy symfonie – GP i PP, zdolne do przekazania nowych treści w ramach Ekspozycji. Stopniowo wyłoniły się formy najlepiej odpowiadające charakterowi głównych tematów.
Ale w końcu Haydn się zainteresował sposoby rozwoju, co mogłoby ujawnić ukryte możliwości głównych tematów symfonii. Pod tym względem druga część formy sonatowej – Rozwój – uległa poważnym zmianom jakościowym.Główną metodą rozwoju Haydna było motywacyjne rozwinięcie tematów lub zasada izolacja motywu.
Krótkie motywy uniezależniły się od tematu głównego. Zabrzmiały one w Rozwoju w różnych tonacjach i głosach orkiestry, przeplatały się ze sobą w nieoczekiwanych kombinacjach i otrzymały nową melodyczną kontynuację lub uzupełnienie. Motywyczną technikę opracowania wzbogacono także o techniki polifoniczne – imitacje i kontrapunkty. Wszystko to nadało rozwojowi rozwoju sonaty niespotykaną dotychczas efektywność.
I chociaż dzieło motywacyjne odnajdywano nie tylko w muzyce Haydna, to właśnie w jego twórczości technika ta stała się uniwersalna. Rozwój motywacji poprawia się z roku na rok. W znaczący sposób pogłębiła symfonię i zasadniczo oddzieliła ją od gatunków i form muzyki codziennej.
Wyniki wielu lat pracy na polu symfonii doprowadziły do tego, że w twórczości Haydna:
Ulepszanie allegro sonatowe
Tworzy się cykl symfoniczny
Cała ta tytaniczna praca miała na celu najważniejsze - symfonia stopniowo odchodził od muzyki codziennej. Z muzyki rozrywkowej przekształciła się w dzieło o głębokim znaczeniu, które wymagało dokładnego zrozumienia. Stopniowo symfonie Haydna ujawniały cechy stylistyczne charakterystyczne dla dzieł makro przeznaczonych do sal koncertowych.
Szczytem rozwoju symfonizmu Haydna było utworzenie 12 symfonii londyńskich. Różnią się one wyraźnie od innych dzieł pisanych w gatunku symfonicznym. Wyróżnia je idealna czystość stylu, wyważenie treści i najściślejsze wyczucie proporcji. „London Symphonies” skupia specyficzność plan, pomysł artystyczny, projekt cyklu i charakter części. Daje to podstawy do mówienia o pewnym typie symfonii, który powstał w jej wyniku kreatywne zadania Haydna. W " Symfonie londyńskie„odzwierciedla charakterystyczne techniki jego techniki i stylu kompozytorskiego. W każdej z symfonii tego cyklu od razu wyczuwalna jest ręka wielkiego mistrza.
Dlatego konieczne jest szczegółowe omówienie wszystkich charakterystycznych cech charakterystycznych dla późnego Haydna
Prawa autorskie © Andreeva E. G.
W wszystkie symfonie bez wyjątku zachowują 4-częściowy cykl z określoną sekwencją części:
Cechy wspólne tych 12 symfonii są tak oczywiste, że w pierwszej chwili wręcz przesłaniają oryginalność każdej z symfonii. Na przykład z dwunastu symfonii
– jedenaście zapisanych jest w tonacji durowej, a tylko jeden – nr 95 – tak klucz drugorzędny - c-moll.
– jedenastka rozpoczyna się powolnym wstępem przed Allegro. Jedynie w 95. symfonii nie ma wprowadzenia c-moll.
Dlatego najczęściej symfonie londyńskie zaczynają się od krótkiego powolne wprowadzenie o charakterze uroczystym lub kontemplacyjnym, najczęściej w tempie Adagio lub Largo. Wprowadzenie ostro kontrastuje z późniejszym Allegro. Ten rodzaj wstępu jest ściśle powiązany z pierwszą częścią Grave'a - francuską uwerturą operową Lully'ego. W podobny sposób rozpoczynały się także niektóre Concerto Grossi i suity z epoki baroku.
Zazwyczaj powolne Introdukcje londyńskich symfonii Haydna nie są powiązane tematycznie z kolejnym Allegro. Aby wzmocnić kontrast między Wstępem a Allegro sonatowym, Haydn czasami używa we wstępie równoległego molla. Przykładem tego rodzaju jest początek 104 Symfonii.
