Wielki Holender Rembrandt Harmenszoon van Rijn urodził się w 1606 roku w mieście Lejda. Po studiach jako praktykant, w wieku 19 lat zaczął pracować jako niezależny artysta.
W jego pierwszych kompozycjach biblijnych zauważalne są wpływy włoskiego baroku: w ostrych kontrastach światłocienia i dynamice kompozycji. Ale Rembrandt szybko znalazł swój styl w używaniu światłocienia do wyrażania emocji na portretach.
W 1632 roku malarz przeniósł się do Amsterdamu i poślubił bogatego patrycjusza. W tym okresie odnosił szczególne sukcesy, był sławny i szczęśliwy. A jego prace nasycone są bogatymi kolorami i tchną radością. Maluje duże kompozycje religijne, wiele portretów i autoportretów z ukochaną żoną.
Szczególnie Rembrandt zasłynął jako portrecista, pisząc w swojej karierze ponad sto portretów i dziesiątki autoportretów. To na obraz samego siebie artysta odważnie eksperymentował w poszukiwaniu szczególnej wyrazistości twarzy.
Rembrandt jako pierwszy rozwiązał problem nudnych portretów grupowych, łącząc portretowane osoby we wspólnym działaniu, co nadawało twarzom i postaciom naturalną swobodę.
Artysta został uwielbiony portretem zbiorowym zatytułowanym „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632), który przedstawia nawet nie rzędy pompatycznych twarzy, ale bohaterów fascynująca historia jakby przyłapany przez artystę w środku akcji.
Za ukoronowanie talentu Rembrandta jako portrecisty badacze uważają „Nocną straż” (1642) – wykonany na zamówienie portret społeczeństwa strzeleckiego. Jednak klienci nie zaakceptowali obrazu, odrzucając nowatorski pomysł, w którym zamiast ustawionych w rzędzie strzelców przedstawiono bohaterską kompozycję na temat walki wyzwoleńczej. Strzelcom, wśród których byli szlachcice, obrazy te wydawały się obce i politycznie nie na czasie.
To odrzucenie było pierwszym tragicznym akordem w życiu artysty. A kiedy zmarła jego ukochana żona, dzieło Rembrandta straciło swoje radosne nuty. Lata czterdzieste XVII wieku stają się okresem spokoju motywy biblijne, gdzie artysta coraz subtelniej odsłania odcienie przeżyć duchowych bohaterów. Światłocień gra jeszcze bardziej wdzięcznie w jego grafice, tworząc dramatyczną atmosferę.
W „Danae” (1647) artysta ujawnił swoje poglądy estetyczne na temat kobiece piękno sprzeciwiając się renesansowi. Jego naga Danae zdecydowanie odbiega od klasycznych ideałów, ale jest zmysłowa i ciepła, jak żywa kobieta.
Okres dojrzałości twórczej Rembrandta przypadł na lata pięćdziesiąte XVII wieku – czas trudnych prób życiowych. Jego majątek został sprzedany na licytacji za długi, ale malarz praktycznie nie realizował zamówień. Malował portrety bliskich, zwykli ludzie i starych ludzi. Szczególna uwaga artysty przy pomocy plam rozproszone światło koncentruje się na twarzach o bogatych, ale subtelnych emocjach i przepracowanych dłoniach.
Rembrandt interpretował biblijne obrazy po swojemu, wyraźnie „ugruntowując” legendy religijne, pozbawiając ich nieziemskiego. Często nadawał rysy twarzy świętym specyficzni ludzie który pozował mu do zdjęć.
Do połowy lat pięćdziesiątych XVII wieku malarz stał się prawdziwym mistrzem, umiejętnie podbijającym światło i kolor w celu emocjonalnej ekspresji obrazów. Ale przeżył swoje życie w biedzie i samotności, pochował swoją drugą żonę i syna. Ostatnie prace artysty poświęcone są refleksji nad zderzeniem w ludzka dusza zło dobrem. Końcowy akord był główne arcydzieło mistrzowie – „Powrót syn marnotrawny”, napisany w 1669 roku, roku śmierci artysty. Skruszony syn na kolanach wyraził całą tragedię ścieżka życia człowieka, a na obrazie ojca widać samą miłość i nieskończone przebaczenie.
Atrybucja obrazów Rembrandta opiera się na najnowszych badaniach grupy renomowanych naukowców na temat jego twórczości i jest aktualizowana w trakcie prowadzonych badań. „Rembrandt Research Project” powstał w 1968 roku i postawił sobie za cel weryfikację autentyczności i przynależności pędzli mistrza na podstawie szczegółowych badań każdego z nich, z wykorzystaniem najnowszych osiągnięć historii sztuki i techniki w tej dziedzinie.
Układ albumu i tłumaczenie - Konstantin (koschey)
Zawsze trudno jest mówić o tym, co naprawdę kochasz. Starannie dobierasz słowa, zwroty, nie wiesz od czego zacząć... Dlatego zacznę od małej rewelacji: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- mój ulubiony artysta, a poznałam go bardzo długo.
Jako dziecko - w Ermitażu, z opowieściami profesora-ojca. W młodości, na lekcje MHK w instytucie, ze starymi slajdami w ciemnej auli w długie grudniowe wieczory. W młodości - w niesamowitym Amsterdamie, radośnie śmiejąc się w promieniach zachodzącego sierpniowego słońca. Przeczytałem już setki wykładów o Rembrandcie, przeprowadziłem kilkanaście wycieczek, ale wciąż mam wrażenie, że teraz trzeba zanurzyć się w czymś nieznanym, ogromnym, niezrozumiałym.
To jak skok z pomostu do wód morza, gdzie byłeś pierwszy raz. Nie wiesz, czy woda jest tam zimna, ile jest kamieni na dnie. To oczekiwanie i zwątpienie sprawiają, że twoje ręce drżą nerwowo. Jest tylko jeden sposób, aby to pokonać - wyskoczyć z rozbiegu, czując łomot serca i jak w jednej chwili cały otaczający Cię świat zostaje porwany gdzieś w dal, a teraz zostajesz sam z czymś zupełnie nowym... Cóż , dobrze! Skaczmy, otwórzmy oczy i zobaczmy!
W wieku 27 lat miał wszystko, o czym mógł marzyć artysta. Sława, sława, pieniądze, ukochana kobieta, setki zamówień. Uznawany był za najlepszego portrecistę w jednym z najbogatszych miast swoich czasów, w perle północnej Europy - Amsterdamie.
Tak, nigdy na świecie nie było artysty, który byłby w stanie to stworzyć! Portret miał być doskonały, miał uwydatniać wszystkie wady człowieka, ale Rembrandt myślał inaczej. Jego portrety były żywe. Oddawali charakter, był w nich konflikt. Przed wami fragment portretu naczelnego poborcy podatkowego prowincji Holandia, Jana Wtenbogarta.
Przez ręce tego człowieka przeszło prawie całe państwo republiki. A jego ubranie - zwiewny koronkowy kołnierz, długie futro z rosyjskiego sobola - jednoznacznie świadczy o jego stanie. Teraz tylko spójrz w te oczy. Widzisz w nich smutek ... A płótno wielkiego poprzednika Rembrandta zostaje natychmiast zapamiętane -. Czyż apostoł nie patrzy na Chrystusa z takim samym wyrazem twarzy, kiedy wzywa go do siebie? Ten portret to historia bardzo bogatego, ale bardzo nieszczęśliwego człowieka, a holenderski malarz potrafił to pokazać w jednej zamrożonej chwili.
Wszyscy czas wolny Rembrandt Harmenszoon van Rijn spędził na badaniu mimiki twarzy. Stał godzinami przed lustrem i robił miny, które następnie przenosił węglem drzewnym na papier. Ważne było dla niego wychwytywanie najmniejszych odcieni emocji.
Twarz człowieka, według artysty, była zwierciadłem duszy, zdał sobie sprawę na długo przed Oscarem Wilde'em swoim „Portretem Doriana Graya”. Ale portrety to nie jedyna rzecz, w której Rembrandt celował. Jego duże płótna robią na nas nie mniejsze wrażenie. Gra światłocienia, którą tak rozwinął w swoim obraz Caravaggia, od naszego mistrza uzyskuje naprawdę gigantyczny zasięg.
Miał zaledwie 28 lat, kiedy stworzył swoje pierwsze absolutne arcydzieło. Ten obraz to „Zdjęcie z krzyża”. Obok tego obrazu w Ermitażu po prostu nie można przejść obojętnie. W jednej chwili artyście udało się oddać całą istotę chrześcijaństwa, opowiedzieć jedną z najwspanialszych ludzkich historii, tak szczerze i wzruszająco, jak to tylko możliwe, w sposób, jakiego nie dokonał nikt przed nim ani po nim.
Jerozolima w tle pogrąża się w ciemności. Zbawiciel nie żyje. Na środku zdjęcia widzimy jego martwe ciało. To chwila największej rozpaczy, nikt jeszcze nie wierzy w zmartwychwstanie. Ludzie widzą tylko zwłoki człowieka, którego kochali i czcili jako boga, a Dziewica Maryja mdleje, jej skóra jest śmiertelnie blada - właśnie straciła jedynego syna.
Na tym płótnie jest jeden szczegół, który nie jest od razu widoczny. To jest oświetlenie. Źródłem światła jest latarnia w rękach chłopca, ale ciało Chrystusa i szata trzymającego go w ramionach apostoła odbijają światło jak lustro. I to przez światło opowiedziana jest tutaj prawdziwa historia, ujawniona znaczenie filozoficzne obrazy.
Światło latarni jest światłem wiary, a to, co widzimy na obrazie, jest wtajemniczeniem w jej tajemnicę. Odnosi się wrażenie, że samo ciało Zbawiciela staje się tu źródłem światła. Twarz Matki Bożej i całun, oświetlone słabym blaskiem świecy, wyróżniają się z ciemności, w którą powinno być owinięte ciało Chrystusa. Na tym płótnie Rembrandt po raz pierwszy zastosował technikę, która w ostatnich latach życia stała się główną w jego twórczości.
A teraz widzimy, jak osoba, która idealnie opanowała technikę pisania, spisała wszystko w najdrobniejszych szczegółach. postacie centralne na płótnie, ale w miarę oddalania się od światła twarze ludzi stawały się coraz bardziej rozmyte, prawie nie do odróżnienia. Wszystko jest bardzo proste - minęła ich tajemnica tego, co się dzieje.
Jednak na tym płótnie jest jeszcze jedna postać, której nie widać na pierwszy rzut oka. Pomimo tego, że jest w cieniu, Rembrandt przedstawia go bardzo wyraźnie. W prawym dolnym rogu płótna, z najciemniejszego miejsca, chowając się za łodygami ostu, patrzy na Ciebie Diabeł w postaci psa i jakby zadaje Ci pytanie:
– Czy jesteś zamieszany w to, co się dzieje?
Tak, Holenderski mistrz kadrów obrazu zawsze było mało, marzył, aby jego płótna stały się częścią tego świata, a widz był bezpośrednim uczestnikiem tego, co się dzieje. Ale właśnie to pragnienie strąciło go z wyżyn chwały w otchłań wieków zapomnienia.
Nieszczęście i zapomnienie przychodzą równie szybko jak szczęście i chwała. Rembrandt Harmenszoon van Rijn doświadczył tego z pierwszej ręki w 1642 roku. Oczywiście wcześniej były skargi: jego dzieci zmarły w niemowlęctwie. Przeżył tylko jeden syn, Tytus, urodzony w 1641 roku. Ale rok później jego ukochana żona Saskia odeszła z tego świata, z którą żył długie lata. I wraz z tą stratą szczęście odwróciło się także od artysty, odwróciło się w momencie, gdy stworzył jeden ze swoich najwspanialszych obrazów.
O Straży nocnej Rembrandta można mówić bez końca. To płótno jest tak obszerne w swojej treści, tak wyjątkowe w swojej budowie, że historia jego powstania jest warta osobnej książki, a nie artykułu. Ale, jak to często bywa w życiu, to właśnie ta kreacja, która następnie radykalnie zmieniła cały rozwój malarstwa światowego, została odrzucona przez współczesnych.
Klientom nie podobał się sposób, w jaki zostali przedstawieni, a wielu z nich odmówiło zapłaty za pracę artysty. Najsłynniejszy malarz Holandii nigdy nie doświadczył takiego upokorzenia. W ciągu jednego roku Rembrandt stracił ukochaną żonę i zawiódł w swoim najlepszym dziele. Wydawałoby się, że to wystarczy, ale nie, to był dopiero początek tragedii. Zakonów było coraz mniej (modny był klasycyzm i styl ceremonialnych portretów), wkrótce majątek artysty został sprzedany za długi. Z ogromnej rezydencji w samym centrum Amsterdamu zmuszony był przenieść się na obrzeża miasta, do Dzielnicy Żydowskiej, gdzie wraz ze swoim ukochanym synem Tytusem wynajmował kilka pokoi.
Najciekawsze jest to, że Rembrandt mógł łatwo dostosować się do najnowszych trendy w modzie w sztuce i znowu dostają duże pieniądze za swoje płótna. Ale malarz był przekonany, że musi stworzyć zupełnie nowy styl. Na jego portretach nie byli teraz bogaci ludzie, ale najzwyklejsi obywatele Amsterdamu. Takim przykładem jest „Portret starego Żyda”.
Rembrandta nie interesowało szczegółowe przedstawienie wszystkich elementów ubioru, dążył do większej abstrakcji, dążył do jak najdokładniejszego ukazania uczuć swoich bohaterów. Za wytrwałość otrzymywał tylko cierpienie i policzki. Stało się tak z jego obrazem „Spisek Juliusa Civilisa”.
Zamiast klasycznego, pompatycznego, wychodzącego naprzeciw patriotycznego wizerunku stary mistrz przedstawił to opinii publicznej.
Przed nami obraz barbarzyńskiej uczty, niegrzecznej, brzydkiej. To płótno wyprzedzało swoje czasy o prawie 300 lat, wyprzedzając malarstwo ekspresjonistyczne. Nic dziwnego, że arcydzieło mistrza zostało odrzucone, a jego imię zostało pokryte nieusuwalnym wstydem. Ale właśnie te ostatnie osiem lat jego życia, spędzone w absolutnej, nieprzeniknionej nędzy, są jednym z najbardziej owocnych okresów w twórczości Rembrandta.
Myślę, że o malarstwie z tego okresu, w tym o jego Powrocie syna marnotrawnego, napiszę w osobnym artykule. Teraz chcę porozmawiać o czymś innym. Zawsze byłem zdumiony, jak Rembrandt mógł pracować i rozwijać swój talent, gdy zewsząd spadały na niego ciosy losu. Długo tak nie mogło być, a artysta to przewidział.
Ostateczny cios zadaje się zawsze w najbardziej bolesne miejsce. Byli jedynym synem Tytusa - bardzo chorowitego chłopca, podobnego do zmarłej matki. To jego Rembrandt przedstawiał wówczas najczęściej: zarówno w postaci anioła na obrazie „Mateusz i anioł”, jak i czytającego, a także w różnych strojach. Być może malarz sądził, że przy pomocy swego talentu uda mu się jakoś odwlec to, co nieuniknione... Nie udało mu się...
Moim zdaniem „Portret Tytusa w zakonnej sutannie” to jeden z najbardziej uduchowionych obrazów Rembrandta. Przejawiła się w niej cała miłość ojca, cały talent malarza. W tych wszystkich szorstkich pociągnięciach, w tej ciemności nacierającej na młodzieńca z lewej strony, w roślinach już otaczających jego ciało, wyróżnia się jedno - blada twarz syna artysty o spuszczonych, pełnych pokory oczach.
Tytus zmarł w 1668 roku, Rembrandt przeżył go tylko o rok.
Umierał na obrzeżach Amsterdamu, zupełnie sam, mając wszystko w tym życiu i wszystko tracąc. Na długo zapomnieli o jego płótnach... Ale minęło 150 lat, a inni artyści już słyszeli, co mistrz próbował przekazać swoim współczesnym, wybierając własną, niepowtarzalną drogę zamiast sławy i pieniędzy.
„Flora” (1641, Drezno)
Przypowieść o bogaczu (1627, Berlin)
Powrót Judasza 30 srebrników (1629, kolekcja prywatna)
Autoportret (1629, Boston)
Jeremiasz opłakuje zniszczenie Jerozolimy (1630, Amsterdam)
Portret naukowca (1631, Ermitaż)
Anna prorokini (1631, Amsterdam)
Apostoł Piotr (1631, Izrael)
Burza na Morzu Galilejskim (1663, Boston)
Autoportret z Saskią (1635, Drezno)
Święto Baltazara (1638, Londyn)
Kaznodzieja i jego żona (1641, Berlin)
„Saskia w czerwonym kapeluszu” (1633/1634, Kassel)
Kamienny Most (1638, Amsterdam)
Portret Marii Trip (1639, Amsterdam)
Ofiara Manoy (1641, Drezno)
Dziewczyna (1641, Warszawa)
Straż nocna (1642, Amsterdam)
święta Rodzina(1645, Ermitaż)
Flora (1654, Nowy Jork)
Powrót syna marnotrawnego (ok. 1666-69, Ermitaż)
Saskia (1643, Berlin)
Spisek Juliusa Civilisa (1661, Sztokholm)
Młoda kobieta przymierzająca kolczyki (1654, Ermitaż)
Syndycy (1662, Amsterdam)
Żydowska panna młoda (1665, Amsterdam)
Portret Maerteny Soolmansy (1634, kolekcja prywatna)
Alegoria muzyki. 1626. Amsterdam.
autoportret
Marcin Loten
mężczyzna w strojach orientalnych
Portret Hendrickje Stofells
***
autoportret
Tobiasz podejrzewa żonę o kradzież. 1626. Amsterdam. 
Osioł Valaama. 1626. Paryż. 
Samson i Dalila. 1628. Berlin. 
Młoda Saxia. 1633. Drezno. 
Saxia van Uylenburgh. 1634. Amsterdam. 
Portret Jana Utenbogarta. 1634. Amsterdam. 
Flora. 1633-34. Ermitaż. Sankt Petersburg. 
Porwanie Ganimedesa 1635. Drezno. 
Oślepienie Samsona.1636.Frankfurt nad Menem. 
ofiara Abrahama. 1635. Ermitaż. Sankt Petersburg 
Andromeda.1630-1640. Haga. 
Dawid i Jonofan.1642. Ermitaż. Sankt Petersburg. 
Młyn 1645. Waszyngton. 
Martwa natura z pawiem, lata 40. XVII wieku. Amsterdam. 
Portret starego wojownika. 1632-34. Los Angeles. 
Zuzanna i Starcy 1647. Berlin-Dahlem. 
Mężczyzna w złotym hełmie. 1650. Berlin-Dahlem. 
Arystoteles z popiersiem Homera. 1653. Nowy Jork. 
Batszeba. 1654. Luwr. Paryż. 
Portret Jana Sixta. 1654. Amsterdam. 
oskarżenie Józefa. 1655. Waszyngton. 
Hendrikje wchodzący do rzeki. 1654. Londyn. 
Błogosławieństwo Jakuba.1656. Kassel. 
Wyrzeczenie się Apostoła Piotra. 1660. Amsterdam. 
Hendrikje przy oknie.1656-57. Berlin. 
Ewangelista Mateusz i anioł. 1663. Luwr, Paryż. 
Fryderyk Riel na koniu 1663. Londyn. 
Portret starej kobiety. 1654. Ermitaż. Svnkt-Petersburg. 
Spisek batawski 1661-62. Sztokholm. 
Portret Jeremiaha Dekkera.1666. Ermitaż. Sankt Petersburg. 
Autoportret.1661. Amsterdam. Rembrandt Harmenszoon van Rijn(Rembrandt Harmensz van Rijn) (1606-1669), holenderski malarz, rysownik i rytownik. Dzieło Rembrandta, przepojone pragnieniem głęboko filozoficznego zrozumienia życia, wewnętrzny spokój człowieka z całym bogactwem jego duchowych przeżyć, wyznacza szczyt rozwoju Holendrów sztuka XVII wieku, jeden ze szczytów światowej kultury artystycznej. Dziedzictwo artystyczne Rembrandta jest wyjątkowo różnorodne: malował portrety, martwe natury, pejzaże, sceny rodzajowe, obrazy o tematyce historycznej, biblijnej, mitologicznej, Rembrandt był niedoścignionym mistrzem rysunku i akwaforty. Po krótkich studiach na uniwersytecie w Leiden (1620) Rembrandt postanowił poświęcić się sztuce i studiował malarstwo u J. van Swanenbürcha w Leiden (ok. 1620-1623) i P. Lastmana w Amsterdamie (1623); w latach 1625-1631 pracował w Leiden. Obrazy Rembrandta z okresu Lejdy naznaczone są poszukiwaniem niezależności twórczej, choć wciąż widać na nich wpływy Lastmana i mistrzów holenderskiego karawagizmu („Bringing to the Temple”, ok. 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). W obrazach „Apostoł Paweł” (ok. 1629-1630, Muzeum Narodowe, Norymberga) i „Symeon w świątyni” (1631, Mauritshuis, Haga) po raz pierwszy użył światłocienia jako środka wzmacniającego duchowość i emocjonalną ekspresję zdjęcia. W tych samych latach Rembrandt ciężko pracował nad portretem, studiując mimikę ludzkiej twarzy. W 1632 roku Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu, gdzie wkrótce ożenił się z zamożną patrycjuszką Saskią van Uylenburgh. Lata trzydzieste XVII wieku to okres rodzinnego szczęścia i wielkiego artystycznego sukcesu Rembrandta. Obraz „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632, Mauritshuis, Haga), w którym artysta w nowatorski sposób rozwiązał problem portretu grupowego, nadając kompozycji witalną swobodę i łącząc portretowanych w jednej akcji, przyniósł Rembrandtowi szeroka sława. W portretach malowanych licznymi zamówieniami Rembrandt van Rijn starannie oddawał rysy twarzy, ubrania, biżuterię (obraz „Portret burgrabiego”, 1636, Galeria Drezno).
Ale bardziej swobodne i różnorodne w kompozycji są autoportrety Rembrandta i portrety bliskich mu osób, w których artysta odważnie eksperymentował w poszukiwaniu ekspresji psychologicznej (autoportret, 1634, Luwr, Paryż; Uśmiechnięta Saskia, 1633, Galeria zdjęć, Drezno). Poszukiwania tego okresu dopełniły słynne „Autoportret z Saskią” czy „Wesołe Towarzystwo”; ok. 1635, Galeria Sztuki, Drezno), odważnie zrywający z kanonami artystycznymi, wyróżniający się żywą bezpośredniością kompozycji, swobodą maniery malarskiej, dużą, wypełnioną światłem, barwną rozpiętością.Kompozycje biblijne z lat trzydziestych XVII wieku („Ofiara Abrahama”, 1635, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg) noszą piętno wpływów malarstwa włoskiego baroku, co przejawia się w nieco wymuszonej dynamice kompozycji, ostrości kątów, kontrasty światła i cienia. Szczególne miejsce w twórczości Rembrandta z lat 30. XVII wieku zajmują sceny mitologiczne, w których artysta odważnie kwestionował klasyczne kanony i tradycje („Porwanie Ganimedesa”, 1635, Galeria Sztuki, Drezno).
Jasne wcielenie poglądy estetyczne monumentalna kompozycja „Danae” (1636-1647, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg), w której zdawał się wdawać w polemikę z wielkimi mistrzami renesansu, stała się artystą: naga postać Danae, daleka od klasycznej ideały realizował z odważną realistyczną bezpośredniością i zmysłowo-cielesnym, idealnym pięknem obrazów Włoscy mistrzowie kontrastowały z pięknem duchowości i ciepłem ludzkich uczuć. W tym samym okresie Rembrandt dużo pracował w technice akwaforty i grawerowania (Manneken Pis, 1631; Sprzedawca trucizn na szczury, 1632; Podróżująca para, 1634), tworząc odważne i uogólnione rysunki ołówkiem.
W latach czterdziestych XVII wieku narastał konflikt między twórczością Rembrandta a ograniczonymi wymaganiami estetycznymi współczesnego społeczeństwa. Wyraźnie objawiło się to w 1642 roku, kiedy to obraz „Straż nocna” (Rijksmuseum, Amsterdam) wywołał protesty klientów, którzy nie akceptowali głównej idei mistrza – zamiast tradycyjnego portretu grupowego stworzył on heroicznie wzniosłą kompozycję ze sceną występ gildii strzelców na alarm, tj. zasadniczo obraz historyczny, który przywołuje wspomnienia walki wyzwoleńczej Holendrów. Napływ zleceń od Rembrandta słabnie, na jego losy kładzie się cień śmierci Saskii. Dzieło Rembrandta traci swoją zewnętrzną popisowość i towarzyszące mu wcześniej nuty durowe. Maluje spokojne, ciepłe i intymne sceny biblijne i rodzajowe, ukazujące subtelne niuanse ludzkich przeżyć, uczuć duchowej, rodzinnej bliskości („Dawid i Jonatan”, 1642, „Święta Rodzina”, 1645, oba w Ermitażu, św. Petersburgu).
Najwspanialsza gra światłocienia, która tworzy szczególną, dramatyczną, emocjonalnie intensywną atmosferę, zyskuje coraz większe znaczenie zarówno w malarstwie, jak i grafice Rembrandta (monumentalna karta graficzna „Chrystus uzdrawiający” lub „Liść stu guldenów”, ok. 1646; pełen powietrza i dynamiki światła pejzaż „Trzy drzewa”, akwaforta, 1643). Lata pięćdziesiąte XVII wieku, wypełnione trudnymi próbami życiowymi dla Rembrandta, otwierają okres twórczej dojrzałości artysty. Rembrandt coraz częściej zwraca się ku gatunkowi portretowemu, przedstawiając najbliższe mu osoby (liczne portrety drugiej żony Rembrandta, Hendrickje Stoffels; „Portret starej kobiety”, 1654, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg; „Syn Tytus czytający”, 1657 w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu).
Artystę coraz bardziej pociągają wizerunki zwykłych ludzi, starych ludzi, którzy służą jako ucieleśnienie mądrość życiowa i duchowym (tzw. „Portret żony brata artysty”, 1654, Państwowe Muzeum sztuki piękne, Moskwa; „Portret starca w czerwieni”, 1652-1654, Ermitaż, Petersburg). Rembrandt skupia się na twarzy i dłoniach, wyrwanych z ciemności miękkim rozproszonym światłem, subtelna mimika odzwierciedla złożony ruch myśli i uczuć; czasem lekkie, czasem pastowate pociągnięcia pędzla tworzą powierzchnię obrazu, opalizującą kolorowymi i jasnymi i cienistymi odcieniami.
W połowie lat pięćdziesiątych XVII wieku Rembrandt nabył dojrzałego warsztatu malarskiego. Elementy światła i koloru, niezależne, a nawet częściowo przeciwstawne we wczesnych pracach artysty, teraz łączą się w jedną połączoną całość. Gorąca czerwono-brązowa, to migocząca, to blednąca, rozedrgana masa świetlistej farby potęguje emocjonalną ekspresję dzieł Rembrandta, jakby ocieplając je ciepłym ludzkim uczuciem. W 1656 r. Rembrandt ogłosił upadłość, cały jego majątek został sprzedany na aukcji. Przeniósł się do żydowskiej dzielnicy Amsterdamu, gdzie spędził resztę życia w skrajnie ciasnych warunkach. Kompozycje biblijne stworzone przez Rembrandta w latach sześćdziesiątych XVII wieku podsumowują jego refleksje nad znaczeniem życie człowieka. W epizodach wyrażających zderzenie ciemności i światła w duszy ludzkiej („Assur, Haman i Estera”, 1660, Muzeum Puszkina, Moskwa; „Upadek Hamana” lub „Dawid i Uriasz”, 1665, Państwowe Muzeum Ermitażu, St. . Petersburg), bogaty zakres ciepła, elastyczny impastowy styl pisania, intensywna gra cienia i światła, złożona faktura barwnej powierzchni służą ujawnieniu złożonych zderzeń i przeżyć emocjonalnych, afirmacji triumfu dobra nad złem.
Historyczny obraz „Spisek Juliusa Civilisa” („Spisek Batawów”, 1661) jest nasycony surowym dramatem i heroizmem, zachował się fragment, Muzeum Narodowe, Sztokholm). W ostatnim roku życia Rembrandt stworzył swoje główne arcydzieło - monumentalny obraz „Powrót syna marnotrawnego” (ok. 1668-1669, Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu), który zawierał wszystkie kwestie artystyczne, moralne i etyczne późna twórczość artysta. Ze zdumiewającą wprawą odtwarza w nim całą gamę złożonych i głębokich ludzkich uczuć, zniewoleń środki artystyczne odsłaniając piękno ludzkie zrozumienie, współczucia i przebaczenia. Punktem kulminacyjnym przejścia od napięcia uczuć do rozwiązania namiętności są ucieleśnione w rzeźbiarsko-ekspresyjnych pozach, wrednych gestach, w emocjonalnej strukturze koloru, który jasno rozbłyskuje w centrum obrazu i zanika w zacienionej przestrzeni tła. Wielki holenderski malarz, rysownik i rytownik Rembrandt van Rijn zmarł 4 października 1669 roku w Amsterdamie. Wpływ sztuki Rembrandta był ogromny. Wpłynęło to nie tylko na pracę jego bezpośrednich uczniów, z których Karel Fabritius był najbliższy zrozumienia nauczyciela, ale także na sztukę każdego mniej lub bardziej znaczącego Holenderski artysta. Sztuka Rembrandta wywarła głęboki wpływ na późniejszy rozwój całej światowej sztuki realistycznej.
Nazwa: Rembrandt (Rembrandt Harmenszoon van Rijn)
Wiek: 63 lata
Działalność: artysta, grawer, najliczniejszy przedstawiciel złoty wiek Malarstwo holenderskie
Status rodziny: wdowiec
Rembrandt: biografia
Rembrandt Harmenszoon van Rijn - słynny malarz, rytownik i rysownik „złotego wieku”. Powszechne uznanie i sława, gwałtowny upadek i bieda – tak można scharakteryzować biografię wielkiego geniusza sztuki. Rembrandt starał się przekazać duszę osoby poprzez portrety; plotki i domysły wciąż krążą wokół wielu dzieł artysty, owianych tajemnicą.
Początek XVII wieku był spokojny dla państwa holenderskiego, które w czasie rewolucji uzyskało niepodległość jako republika. Kraj się rozwinął produkcja przemysłowa, rolnictwa i handlu.
W starożytnym mieście Leidin, położonym w prowincji Holandia Południowa, Rembrandt, urodzony 15 lipca 1607 r., Dzieciństwo spędził w domu nad Wedeshteg.
Chłopiec dorastał w dużej rodzinie, w której był szóstym dzieckiem. Ojcem przyszłego artysty był Harmen van Rijn bogaty człowiek który był właścicielem młyna i słodowni. Między innymi Van Rein miał w swojej posiadłości jeszcze dwa domy, a także otrzymał znaczny posag od swojej żony Kornelii Neltier, więc duża rodzinażył w obfitości. Matka przyszłego artysty była córką piekarza i znała się na gotowaniu, tzw stół rodzinny pełne pysznego jedzenia.
Mimo bogactwa rodzina Harmenów żyła skromnie, przestrzegając surowych katolickich zasad. Rodzice artysty nawet po rewolucji holenderskiej nie zmienili swojego stosunku do wiary.
Autoportret Rembrandta w wieku 23 lat Rembrandt przez całe życie był dobry dla swojej matki. Wyraża to portret namalowany w 1639 roku, przedstawiający mądrą staruszkę o życzliwym i nieco smutnym spojrzeniu.
Rodzina była obca wydarzeniom towarzyskim i luksusowe życie bogaci ludzie. Rozsądnie jest przypuszczać, że van Rijnowie zbierali się wieczorami przy stole i czytali książki oraz Biblię: tak właśnie postępowała większość obywateli Holandii w okresie Złotego Wieku.
Wiatrak należący do Harmena stał nad brzegiem Renu: przed wzrokiem chłopca otworzył się piękny krajobraz lazurowej rzeki, którą oświetlają promienie słońca wpadające przez małe okienko budynku i przechodzące przez przez mgłę pyłu mąki. Być może wspomnienia z dzieciństwa. przyszły artysta nauczył się umiejętnie opanowywać kolory, światło i cień.
Jako dziecko Rembrandt dorastał jako spostrzegawczy chłopiec. Ogromne ulice Leidin były źródłem inspiracji: na rynkach handlowych można było spotkać niepodobnych do siebie ludzi różne narodowości i nauczyć się szkicować ich twarze na papierze.
Początkowo chłopiec chodził do szkoły łacińskiej, ale nie był zainteresowany nauką. Młody Rembrandt nie lubił nauki ścisłe preferuje rysunek.
Dzieciństwo przyszłego artysty było szczęśliwe, ponieważ rodzice widzieli hobby syna, a gdy chłopiec miał 13 lat, został wysłany na studia do Holenderski artysta Jakuba van Swanenburga. Niewiele wiadomo z biografii pierwszego nauczyciela Rembrandta; przedstawiciel późnego manieryzmu nie miał ogromnego dorobku artystycznego, dlatego prawie niemożliwe jest prześledzenie wpływu Jakuba na kształtowanie się stylu Rembrandta.
W 1623 roku młody człowiek udał się do stolicy, gdzie malarz Peter Lastman został jego drugim nauczycielem, który przez sześć miesięcy uczył malarstwa i grawerowania Rembrandta.
Obraz
Trening z mentorem zakończył się sukcesem, pod wrażeniem obrazów Lastmana młody człowiek szybko opanował technikę rysowania. Jasne i nasycone kolory, gra cienia i światła, a także skrupulatne opracowanie nawet najdrobniejszych szczegółów flory - to przekazał Piotr wybitnemu uczniowi.
W 1627 Rembrandt wrócił z Amsterdamu do rodzinne miasto. Ufny w swoje możliwości artysta wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otwiera własna szkoła malarstwo, które krótki czas zyskał popularność wśród Holendrów. Lievens i Rembrandt byli na równi ze sobą, czasem młodzi ludzie starannie pracowali nad jednym płótnem, wkładając w rysunek część własnego stylu.
20-letni młody artysta zyskał sławę dzięki swoim szczegółowym wczesnym pracom, które obejmują:
- „Ukamienowanie Świętego Apostoła Szczepana” (1625),
- „Palamedea przed Agamemnonem” (1626),
- „Dawid z głową Goliata” (1627),
- „Porwanie Europy” (1632),
Młody człowiek nadal czerpie inspiracje z ulic miasta, spacerując po placach, by spotkać przypadkowego przechodnia i uchwycić jego portret dłutem na drewnianej desce. Rembrandt wykonuje również serię rycin z autoportretami i portretami licznych krewnych.
Dzięki talentowi młodego malarza Rembrandt został zauważony przez poetę Konstantina Heygensa, który podziwiał płótna van Rijna i Lievensa, nazywając ich obiecującymi artystami. „Judasz zwraca trzydzieści srebrników”, napisany przez Holendra w 1629 r., Porównuje ze słynnymi płótnami włoskich mistrzów, ale znajduje wady w rysunku. Dzięki koneksjom Konstantyna Rembrandt szybko zyskuje bogatych wielbicieli sztuki: za pośrednictwem Haygensa Książę Orański zamawia u artysty kilka dzieł religijnych, m.in. Przed Piłatem (1636).
Prawdziwy sukces artysty przypada na Amsterdam. 8 czerwca 1633 Rembrandt poznaje córkę bogatego mieszczanina Saskię van Uylenbürch i zdobywa silną pozycję w społeczeństwie. Artysta większość płócien namalował podczas pobytu w stolicy Holandii.
Rembrandt inspiruje się urodą swojej ukochanej, dlatego często maluje jej portrety. Trzy dni po ślubie van Rijn namalował srebrnym ołówkiem kobietę w kapeluszu z szerokim rondem. Saskia pojawiła się na obrazach Holendra w przytulnym rodowisko domowe. Wizerunek tej pulchnej kobiety pojawia się na wielu płótnach, na przykład tajemnicza dziewczyna na obrazie „Nocna straż” bardzo przypomina ukochaną artysty.
W 1632 r. Rembrandt został uwielbiony obrazem „Lekcja anatomii doktora Tulpa”. Faktem jest, że van Rijn odszedł od kanonów standardowych portretów grupowych, które przedstawiano twarzami zwróconymi w stronę widza. Niezwykle realistyczne portrety lekarz i jego uczniowie rozsławili artystę.
Napisany w 1635 r sławny obraz oparty na biblijnej historii „Ofiara Abrahama”, która została doceniona w świeckim społeczeństwie.
W 1642 roku van Rijn otrzymał zlecenie od Towarzystwa Strzeleckiego na wykonanie portretu grupowego, który miał udekorować płótnem nowy budynek. Obraz został błędnie nazwany „Nocna straż”. Został poplamiony sadzą i dopiero w XVII wieku badacze doszli do wniosku, że akcja rozgrywająca się na płótnie odbywa się w ciągu dnia.
Rembrandt dokładnie przedstawił każdy szczegół poruszających się muszkieterów: jakby w pewnym momencie czas się zatrzymał, gdy milicja opuściła ciemny dziedziniec, tak że van Rijn uchwycił ich na płótnie.
Klientom nie spodobało się odejście holenderskiego malarza od kanonów, które ukształtowały się w XVII wieku. Następnie ceremonialne były portrety grupowe, a uczestnicy byli portretowani całą twarzą bez żadnych zakłóceń.
Według naukowców obraz ten był przyczyną bankructwa artysty w 1653 roku, ponieważ odstraszał potencjalnych klientów.
Technika i obrazy
Rembrandt uważał, że prawdziwym celem artysty jest studiowanie natury, więc wszystkie obrazy malarza okazały się zbyt fotograficzne: Holender starał się przekazać każdą emocję przedstawionej osoby.
Podobnie jak wielu utalentowanych mistrzów epoki Złotego Wieku, Rembrandt ma motywy religijne. Na płótnach van Rijna rysowane są nie tylko uchwycone twarze, ale całe wątki z własną historią.
Na obrazie „Święta rodzina”, namalowanym w 1645 roku, twarze postaci są naturalne, Holender jakby chciał za pomocą pędzla i farb przenieść widza w kameralną atmosferę prostego rodzina chłopska. W pracach van Rijna nie można prześledzić pewnej pompatyczności. powiedział, że Rembrandt namalował Madonnę w postaci holenderskiej wieśniaczki. Rzeczywiście, artysta przez całe życie czerpał inspirację z otaczających go ludzi, możliwe, że na płótnie kobieta, skopiowana z pokojówki, usypia niemowlę.
Święta Rodzina Rembrandta, 1646 Jak wielu artystów, Rembrandt jest pełen tajemnic: po śmierci twórcy badacze długo zastanawiali się nad tajemnicami jego obrazów.
Na przykład nad obrazem „Danae” (lub „Egina”) van Rijn pracował przez 11 lat, począwszy od 1636 roku. Płótno przedstawia młodą dziewczynę po przebudzeniu ze snu. Fabuła opiera się na starożytny grecki mit o Danae, córce króla Argos i matce Perseusza.
Badacze płótna nie rozumieli, dlaczego naga dziewczyna nie wygląda jak Saskia. Jednak po prześwietlenie stało się jasne, że początkowo Danae był namalowany na obrazie Eilenbürch, ale po śmierci żony van Rijn wrócił do obrazu i zmienił rysy twarzy Danae.
Również wśród krytyków sztuki toczyły się spory o bohaterkę przedstawioną na płótnie. Rembrandt nie podpisał tytułu obrazu, a interpretację fabuły utrudniał brak według legendy złotego deszczu, w postaci którego Zeus ukazał się Danae. Zaniepokojeni byli także naukowcy pierścionek zaręczynowy na palec serdeczny dziewczyny, które się nie zgadzały starożytna mitologia grecka. Arcydzieło Rembrandta Danae jest w środku rosyjskie muzeum Pustelnia.
„Żydowska panna młoda” (1665) – kolejna tajemniczy obraz van Rijn. Taką nazwę nadano płótnu na początku XIX wieku, ale nadal nie wiadomo, kto jest przedstawiony na płótnie, ponieważ młoda dziewczyna i mężczyzna ubrani są w antyczne stroje przypominające stroje biblijne. Popularny jest także obraz „Powrót syna marnotrawnego” (1669), którego stworzenie zajęło 6 lat.
Fragment „Powrotu syna marnotrawnego” Rembrandta Jeśli mówimy o stylu pisania obrazów Rembrandta, to artysta użył minimum kolorów, jednocześnie sprawiając, że obrazy „żyją” dzięki grze światła i cienia.
Van Rijnowi udaje się również z powodzeniem przedstawić mimikę twarzy: wszyscy ludzie na płótnach wielkiego malarza wydają się być żywi. Na przykład na portrecie starca – ojca Rembrandta (1639) widoczna jest każda zmarszczka, mądre i smutne spojrzenie.
Życie osobiste
W 1642 roku Saskia zmarła na gruźlicę, ukochana miała syna Tytusa (troje innych dzieci zmarło w niemowlęctwie), z którym Rembrandt utrzymywał przyjazne stosunki. Pod koniec 1642 roku artysta spotyka się z młodym specjalnym Gertierem Dirksem. Rodzice Saskii byli zaniepokojeni sposobem, w jaki wdowiec radził sobie z posagiem, żyjąc w luksusie. Dirks później pozywa swojego kochanka za złamanie obietnicy, że się z nią ożeni. Od drugiej kobiety artysta miał córkę Kornelię.
Obraz Rembrandta „Saskia na obrazie bogini Flory” W 1656 roku Rembrandt z powodu trudności finansowych ogłosił bankructwo i wyjechał do odosobnionego domu na obrzeżach stolicy.
Życie Van Rijna nie wzrosło, wręcz przeciwnie, podupadło: szczęśliwe dzieciństwo, bogactwo i uznanie zostały zastąpione przez zmarłych klientów i żebraczą starość. Nastrój artysty można prześledzić na jego płótnach. Tak więc, mieszkając z Saskią, pisze radośnie i obrazy słoneczne, na przykład „Autoportret z Saskią na kolanach” (1635). Na płótnie van Rijn śmieje się szczerym śmiechem, a promienne światło oświetla pokój.
Jeśli wcześniej obrazy artysty były szczegółowe, to na etapie późnej twórczości Rembrandt stosuje szerokie pociągnięcia, a promienie słoneczne zastępuje ciemność.
Obraz „Spisek Juliusa Civilisa”, napisany w 1661 r., nie został opłacony przez klientów, ponieważ twarze uczestników spisku nie zostały skrupulatnie opracowane, w przeciwieństwie do poprzednie prace van Rijn.
Obraz Rembrandta „Portret syna Tytusa” Tuż przed śmiercią, żyjąc w nędzy, w 1665 roku Rembrandt namalował autoportret w postaci Zeuksisa. Zeukis to starożytny grecki malarz, który zmarł ironiczną śmiercią: artysta był rozbawiony portretem Afrodyty, który namalował w postaci starej kobiety, i umarł ze śmiechu. Na portrecie, śmieje się Rembrandt, artysta nie wahał się umieścić na płótnie części czarnego humoru.
Śmierć
Rembrandt pochował swojego syna Tytusa, który zmarł na dżumę, w 1668 roku. To smutne wydarzenie gwałtownie pogorszyło stan umysłu artysty. Van Rijn zmarł 4 października 1669 roku i został pochowany w niderlandzkim kościele Westerkerk w Amsterdamie.
Pomnik Rembrandta na Rembrandtplein w Amsterdamie W ciągu swojego życia artysta namalował około 350 płócien i 100 rysunków. Ludzkość potrzebowała dwóch wieków, aby docenić tego wielkiego artystę.
Resmbrandt urodził się w Leiden jako syn dość zamożnego właściciela młyna. Najpierw studiował w szkole łacińskiej, potem krótko na uniwersytecie w Leiden, ale zostawił go, by studiować malarstwo, najpierw u mało znanego miejscowego mistrza, a potem u amsterdamskiego artysty Petera Lastmana.
Po krótkiej nauce Rembrandt wyjeżdża do rodzinnego miasta, aby samodzielnie malować we własnym warsztacie. To czas formacji artysty, kiedy lubił twórczość Caravaggia. W tym okresie maluje wiele portretów członków swojej rodziny - matki, ojca, siostry oraz autoportretów. Już w tym czasie zwraca szczególną uwagę na oświecanie i przekazywanie duchowych doświadczeń swoich modeli. Młoda artystka uwielbia ubierać je w przeróżne stroje, drapować pięknymi tkaninami, doskonale oddającymi ich fakturę i kolor.
W 1632 roku Rembrandt wyjechał do Amsterdamu, centrum kultury artystycznej Holandii, co w naturalny sposób przyciągnęło młodego artystę. Tu szybko zdobywa sławę, ma wiele zleceń. Jednocześnie z zapałem kontynuuje doskonalenie swoich umiejętności. Lata 30. to czas największej świetności, do której drogę malarzowi otworzył wielkoformatowy zamówiony obraz „Lekcja anatomii”. Wszystkie pozy i działania na obrazie są naturalne, ale pozbawione nadmiernego naturalizmu.
W 1634 Rembrandt żeni się z dziewczyną z bogata rodzina- Saskia van Uylenborch - i od tego czasu obraca się w kręgach patrycjuszowskich. Najbardziej szczęśliwy czasżycie artysty: wzajemna namiętna miłość, dobrobyt materialny, dużo zamówień. Malarz często pisze do swojej młodej żony: „Flora”, „Autoportret z Saskią na kolanach”. Ale szczęście nie trwało długo. Saskia zmarła w 1642 roku, pozostawiając małego synka Tytusa.
Depresja moralna i pasja kolekcjonerska, które opanowały Rembrandta, doprowadziły go stopniowo do ruiny. Sprzyjała temu także zmiana gustów publiczności, która zafascynowała się starannie malowanym światłem. Rembrandta, który nigdy nie ulegał gustom swoich klientów, interesowały kontrasty światła i cienia, pozostawiając światło w jednym punkcie, reszta obrazu była w cieniu iw półcieniu. Zamówienia stawały się coraz mniejsze. Nowa dziewczyna swojego życia, Hendrickje Stoffels i jego syn Titus założyli firmę zajmującą się handlem obrazami i antykami, aby pomóc artyście. Ale ich wysiłki poszły na marne. Sytuacja się pogarszała. Na początku lat 60. XVII wieku zmarł Hendrickje, a kilka lat później Tytus.
Jednak mimo wszystko artysta nadal pracuje. W tych szczególnie trudnych latach tworzy szereg wspaniała praca: „Sindiki”, „Powrót syna marnotrawnego”, uderzający wewnętrzny dramat.
Największy artysta zmarł w skrajnej nędzy 4 października 1669 roku. Współcześni chłodno zareagowali na tę stratę. Potrzeba było prawie dwustu lat, aby potęga realizmu Rembrandta, głęboka psychologia jego płócien i zdumiewający kunszt malarski wydobyły jego nazwisko z zapomnienia i umieściły w gronie największych nazwisk świata.
Flora to włoska bogini kwiatów i młodości. Kult Flory jest jednym z najstarszych kultów rolniczych we Włoszech, zwłaszcza u Sabinów. Rzymianie utożsamiali Florę z greckim Chloris i obchodzili na jej cześć wiosną tzw. floralia, podczas których odbywały się wesołe zabawy, przybierające niekiedy nieokiełznany charakter. Ludzie ozdabiali siebie i zwierzęta kwiatami, kobiety zakładały jaskrawe suknie.
W sztuce starożytnej Flora była przedstawiana jako młoda kobieta trzymająca kwiaty lub rozrzucająca kwiaty.
Całe płótno jest przesiąknięte szczerą radością! Autoportret przedstawia małżonków na wesołej uczcie. Rembrandt, ogromny w porównaniu ze swoją szczupłą żoną, trzyma ją na kolanach i unosi kryształowy kielich z pieniącym się winem. Wydają się być zaskoczeni, w kameralnej, tętniącej życiem atmosferze.
Rembrandt w bogatym wojskowym garniturze ze złoconą baldachimem i rapierem na boku wygląda jak jakiś dandys-raiter zabawiający się z dziewczyną. Nie wstydzi się, że taką rozrywkę można uznać za oznakę złego smaku. Wie tylko, że jego żona jest kochana, a zatem piękna w swoim luksusowym bukiecie, jedwabnej spódnicy, wspaniałym nakryciu głowy i cenny naszyjnik i żeby wszyscy ją podziwiali. Nie boi się wyglądać ani wulgarnie, ani zarozumiale. Żyje w krainie marzeń i radości, z dala od ludzi i nie przychodzi mu do głowy, że można go winić. A wszystkie te uczucia wyraża prostoduszny wyraz promiennej twarzy samego artysty, który, jak się wydaje, osiągnął wszelkie ziemskie błogosławieństwa.
Obraz wyraża radość życia, świadomość młodości, zdrowia i dobrego samopoczucia.
Po śmierci Saskii w życiu Rembrandta pojawiła się kolejna kobieta, skromna służąca Hendrickje Stoffels, która rozjaśniła samotność pana. Często do niej pisał, ale w tytułach prac, w których występowała jako modelka, nigdy nie wymienił jej imienia.
Historia biblijnego patriarchy Józefa jest opisana w Księdze Rodzaju.
Także w dom rodzinny Jakub i Rachela, ich ukochany syn Józef, jawi się jako marzyciel. Ojciec wyróżnia Józefa spośród braci, a oni, zazdrośni o jego szczególną pozycję i piękne szaty, sprzedają Józefa w niewolę karawanom zmierzającym do Egiptu.
W Egipcie Józef służy jako niewolnik bogatego szlachcica Potyfara, szefa straży przybocznej faraona. Potyfar powierza Józefowi cały swój dom, ale żona Potyfara narusza jego czystość, a Józef ucieka, zostawiając swoje ubrania w rękach kobiety. Żona Potyfara, zakochana w Józefie i nie osiągając wzajemności, oskarża go o gwałt.
W więzieniu, do którego wysłano Józefa, jest z nim piekarz i podczaszy króla. Józef interpretuje ich sny, według których piekarz zostanie stracony, a podczaszy otrzyma przebaczenie po trzech dniach. Proroctwo Józefa się spełnia, a podczaszy wspomina go, gdy kapłanom egipskim trudno jest zinterpretować sen faraona o siedmiu tłustych krowach pożartych przez siedem chudych i o siedmiu dobrych kłoskach pożartych przez chude. Wezwany z więzienia Józef interpretuje sen jako zapowiedź tego, że po kolejnych siedmiu latach dobrych zbiorów nadejdzie siedem lat dotkliwych nieurodzajów. Doradza faraonowi wyznaczenie zaufanej osoby do stworzenia zapasów na czas głodu.
Faraon mianuje Józefa powiernikiem, obdarza go swoim pierścieniem, nadaje mu egipskie imię, a jego żoną jest Egipcjanka Asenet, córka kapłana z Heliopolis.
Samson uwielbiał wędrować po kraju i pewnego dnia wylądował w mieście Timnaf. Tam zakochał się w okazałej Filistynce i zapragnął się z nią ożenić. Pobiegł do domu i poprosił rodziców, aby zabiegali o względy ukochanej. Starcy z przerażeniem chwycili się za głowy: ich syn już sprawił im wiele przykrości, a teraz, oprócz wszystkiego, postanowił poślubić cudzoziemkę, córkę Filistyna. Samson jednak nie ustępował. Rodzice nie mieli co robić – wzdychając ciężko, spełniali zachcianki ekscentrycznego syna. Samson został panem młodym i od tej pory często odwiedzał rodziców panny młodej.
Pewnego dnia, gdy Samson szedł żwawo ścieżką między winnicami, młody ryczący lew zagrodził mu drogę. Mocarz rozdarł lwa na strzępy i jakby nic się nie stało, udał się do Timnath, nie mówiąc nikomu o swojej przygodzie. Wracając do domu ze zdziwieniem zauważył, że w paszczy martwego lwa zagnieździł się rój pszczół i zebrało się już dużo miodu. Samson przyniósł plastry miodu swoim rodzicom, nie mówiąc ani słowa, skąd je wziął.
W Fimnaf swatanie poszło dobrze, odbyła się wielka uczta, wszyscy pogratulowali nowożeńcom, a dzień ślubu został ustalony. Zgodnie ze zwyczajem filistyńskim uroczystość ślubu trwa siedem dni.
Na uczcie rodzice panny młodej, obawiając się niezwykłej siły Samsona, wyznaczyli mu trzydziestu młodych, silnych Filistynów na towarzyszy małżeństwa. Samson, patrząc z uśmiechem na „strażników”, zaproponował rozwiązanie zagadki. Trzeba było go rozwiązać do końca wesela, siódmego dnia.
Zagadka brzmiała tak: „Z pożeracza wyszło coś do jedzenia, az mocarza wyszło coś słodkiego”. Oczywiście nikt nie potrafił rozwiązać tej zagadki, bo nikt tego nie wiedział rozmawiamy o pszczołach jedzących nektar (pszczoły „jedzą”), o miodzie („jedzą”) io silnym lwie. W tym samym czasie Samson postawił warunki: jeśli zostanie rozwiązany, otrzymają 30 koszul tyle samo z górnej sukienki, a jeśli nie, zapłacą mu tyle samo.
Oszołomieni Filistyni rozważali tę dziwną zagadkę przez trzy dni. Zdesperowani udali się do jego młodej żony i zagrozili, że jeśli nie pozna od męża odpowiedzi na zagadkę, spalą zarówno siebie, jak i dom jej ojca. Filistyni naprawdę nie chcieli płacić Samsonowi tak dużej sumy.
Dzięki przebiegłości i dobroci żona dowiedziała się od męża odpowiedzi na zagadkę, a Filistyni następnego dnia podali poprawną odpowiedź. Rozwścieczony Samson nie miał nic innego do roboty, jak tylko spłacić umówiony dług, a jego rodzice byli bardzo biedni. Potem zabił 30 Filistynów i dał ich ubrania jako dług. Samson, zdając sobie sprawę z tego, co zdradziła jego żona, trzasnął drzwiami i wrócił do rodziców.
Artemida (Artemida) - córka Zeusa i Leto, siostra Apolla. Pierwotnie czczona jako bogini zwierząt i flora. Jest „panią zwierząt”, Tawropol (obrońca byków), Limnatis (bagno), niedźwiedź (w tej postaci była czczona w Bavron). Później - bogini łowów, gór i lasów, patronka kobiet rodzących.
Artemida błagała Zeusa o wieczne dziewictwo. Sześćdziesiąt oceanidów i dwadzieścia nimf było jej stałymi towarzyszami polowań, uczestnikami jej zabaw i tańców. Jej główną funkcją jest ochrona ustalonych zwyczajów, ofiar składanych bogom, za naruszenie których surowo karze: wysyła strasznego dzika do królestwa kalidońskiego, śmiercionośne węże do łoża małżeńskiego króla Admeta. Ona strzeże i świat zwierząt, wzywając Heraklesa, który zabił łanię Kerinean ze złotymi rogami, i żąda krwawej ofiary w zamian za świętą łanię zabitą przez Agamemnona – jego córkę Ifigenię (na ołtarzu ofiarnym Artemida potajemnie zastąpiła księżniczkę łanią, a Ifigenia przeniesiony do Taurydy, czyniąc ją swoją kapłanką).
Artemida jest obrońcą czystości. Patronuje Hipolitowi, który gardzi miłością, Akteona, który przypadkowo ujrzał nagą boginię, zamienia w jelenia rozszarpanego przez jego własne psy, a nimfę Kalipso, która złamała przysięgę, w niedźwiedzia. Ma determinację, nie toleruje rywalizacji, używa swoich celnych strzał jako narzędzia kary. Artemida wraz z Apollo zniszczyła dzieci Niobe, która była dumna ze swoich siedmiu synów i siedmiu córek przed matką bogów Leto; jej strzała trafiła Oriona, który odważył się konkurować z boginią.
Jako bogini roślinności Artemida utożsamiana jest z płodnością.Kult ten szczególnie rozpowszechnił się w Efezie ( Azja Miniejsza), gdzie na jej cześć zbudowano świątynię Artemidy Efeskiej (jeden z „siedmiu cudów świata”), spaloną przez Herostratusa. Artemida była tu czczona jako bogini-pielęgniarka, „pracowita”; Jest patronką Amazonek.
Artemida była również czczona jako bogini wojny. W Sparcie przed bitwą składano bogini kozę, aw Atenach co roku w rocznicę bitwy pod Maratonem (wrzesień-październik) składano na ołtarzach pięćset kozłów.
Artemida często zbliżała się do bogini miesiąca (Hekate) lub bogini pełni księżyca (Selene). Znany jest mit o Artemidzie-Selene, zakochanej w przystojnym Endymionie, który pragnął wiecznej młodości i nieśmiertelności i przyjął je w głębokim śnie. Każdej nocy bogini zbliżała się do groty Carian Mount Latm, gdzie młodzieniec spał i podziwiał jego piękno.
Atrybutem bogini jest kołczan za plecami, w dłoniach łuk lub pochodnia; towarzyszy jej jeleń lub sfora psów myśliwskich.
W Rzymie Artemida utożsamiana jest z miejscowym bóstwem Dianą.
Artysta przedstawił Saskię, swoją żonę, jako Juno. Junona to starożytna rzymska bogini małżeństwa i narodzin, macierzyństwa kobiet i kobiecej siły wytwórczej. Patronka małżeństw, opiekunka rodziny i dekretów rodzinnych. Głównym atrybutem tej bogini jest welon, diadem, paw i kukułka. Rembrandt ma pawia w lewym dolnym rogu obrazu.
W mitologii biblijnej Baltazar był ostatnim królem babilońskim, z jego imieniem związany jest upadek Babilonu. Pomimo oblężenia stolicy, podjętego przez Cyrusa, król i wszyscy mieszkańcy, mając obfite zapasy żywności, mogli beztrosko oddawać się przyjemnościom życia.
Z okazji jednego drobnego święta Baltazar urządził wspaniałą ucztę, na którą zaproszono nawet tysiąc szlachciców i dworzan. Miski stołowe były cennymi naczyniami zabranymi przez babilońskich zdobywców między innymi z różnych podbitych ludów oraz kosztownymi naczyniami ze świątyni jerozolimskiej. Jednocześnie, zgodnie ze zwyczajem starożytnych pogan, uwielbiono babilońskich bogów, którzy okazali się zwycięzcami i zawsze będą zwyciężać, pomimo wszelkich wysiłków Cyrusa i jego tajemnych sprzymierzeńców, Żydów, z ich Jehową .
Ale teraz, w środku uczty, na ścianie pojawił się ludzka ręka i powoli zaczął pisać kilka słów. Widząc ją, „król zmienił oblicze, jego myśli pomieszały się, więzy lędźwi osłabły, a jego kolana zaczęły z przerażeniem uderzać jedno o drugie”. Wezwani mędrcy nie przeczytali i nie wyjaśnili napisu. Następnie, za radą królowej, zaprosili sędziwego proroka Daniela, który zawsze wykazywał niezwykłą mądrość. I naprawdę przeczytał inskrypcję, która krótko brzmiała po aramejsku: „Mene, tekel, uparsin” To znaczyło: „Mene – Bóg policzył twoje królestwo i położył mu kres; tekel – zważyłeś się i znalazłeś się bardzo lekki; uparsin – twoje królestwo jest podzielone i przekazane Medom i Persom”.
Tej samej nocy, kontynuuje biblijna historia, Belsazar, król Chaldejczyków, został zabity.
Tobiasz - Izraelita, wyróżniający się prawością w swoim ojczyzna i nie opuścił pobożnego rządu asyryjskiego i ogólnie przeżył szereg prób, w tym ślepotę, która zakończyła się dla niego i jego potomstwa pełnym błogosławieństwem Bożym. Jego syn, Tobiasz, uzdrowił z pomocą anioła.
Bóg ukazał się Abrahamowi i jego żonie Sarze w postaci trzech podróżników, trzech pięknych młodzieńców (Bóg Ojciec, Bóg Syn i Bóg Duch Święty). Starsze małżeństwo udzieliło im hojnej gościny. Przyjąwszy poczęstunek, Bóg zapowiedział małżonkom cud: mimo głębokiej starości będą mieli syna, a z niego wyjdzie wielki i silny naród, w którym będą błogosławione wszystkie narody świata.
Jeden z najbardziej tajemniczych epizodów Starego Testamentu.
Kiedy Jakub zostaje sam, pojawia się Ktoś (zwykle uważa się go za anioła) i walczy z nim całą noc. Aniołowi nie udaje się pokonać Jakuba, po czym dotyka ścięgna na udzie i uszkadza je. Jednak Jakub przeżywa próbę i otrzymuje nowe imię – Izrael, co oznacza „ten, który walczy z Bogiem i zwycięża ludzi”.
Dlatego poniekąd postawy Jakuba i anioła, obejmujące się, a nie walczące, są naturalne i uzasadnione.
Fabuła pochodzi z Ewangelii, ale artysta przedstawia jak wygląda życie zwykłych ludzi. Dopiero anioły schodzące w mrok ubogiego mieszkania przypominają nam, że nie jest to zwykła rodzina. Gest ręki matki, odrzucenie baldachimu, by spojrzeć na śpiące dziecko, skupienie się na postaci Józefa – wszystko jest głęboko przemyślane. Prostota życia i wygląd ludzi nie czynią obrazu przyziemnym. Rembrandt wie, jak widzieć w codziennym życiu nie to, co drobne i zwyczajne, ale to, co głębokie i trwałe. Spokojna cisza żywotność z tego płótna emanuje świętość macierzyństwa.
Żydowski król Seul chciał zniszczyć młodego Dawida, obawiając się, że zasiądzie na tronie. Ostrzeżony przez przyjaciela, księcia Jonatana, zwycięzcę Goliata, Dawid żegna się z Jonatanem przy kamieniu Azail (hebr. oznacza rozstanie, rozstanie). Jonatan jest surowy i powściągliwy, jego twarz wyraża żałobę. Dawid w rozpaczy przywiera do piersi przyjaciela, jest niepocieszony.
Według Biblii Batszeba była kobietą niezwykłej urody. Król Dawid, chodząc po dachu swojego pałacu, zobaczył w dole kąpiącą się Batszebę. Jej mąż, Uriasz, przebywa w tym czasie poza domem, służąc w armii Dawida. Batszeba nie próbowała uwieść króla. Ale Dawid dał się uwieść pięknu Batszeby i kazał ją sprowadzić do pałacu. W wyniku ich związku zaszła w ciążę i urodziła syna Salomona. Później Dawid napisał do dowódcy armii, w której walczył Uriasz, list, w którym nakazał umieścić Uriasza tam, gdzie „będzie najsilniejsza bitwa, i wycofać się od niego, aby został powalony i umarł”.
Rzeczywiście tak się stało, a następnie Dawid poślubił Batszebę. Ich pierwsze dziecko żyło zaledwie kilka dni. Dawid później żałował swojego czynu.
Z całym twoim wysoka pozycja Batszeba, najbardziej ukochana z żon Dawida, zajęła miejsce w cieniu i zachowywała się godnie. Dawid koronował Salomona, syna Batszeby, na króla. Batszeba była mądrą kobietą i zawsze pokładała nadzieję w Bogu. W stosunku do Dawida stała się wierną i kochającą żoną oraz dobrą matką dla swoich dzieci – Salomona i Natana.
Jeden z ostatnich obrazów Rembrandta. To głęboki dramat psychologiczny. Na płótnie z ogromną mocą rozbrzmiewa wezwanie do głębokiego człowieczeństwa, afirmacja duchowej wspólnoty ludzi, piękno miłości rodzicielskiej.
Na zdjęciu tutaj historia biblijna o rozpustnym synu, który po długich tułaczkach wrócił do domu ojca. Cały pokój pogrążony jest w ciemności, tylko ojciec i syn są jasno oświetleni. Syn z ogoloną głową skazańca, w łachmanach, z gołym obcasem, z którego spadł dziurawy but, padł na kolana i przytulił się do ojca, chowając twarz w piersiach. Stary ojciec, zaślepiony żalem w oczekiwaniu na syna, czuje go, rozpoznaje i przebacza, błogosławiąc.
Artysta naturalnie i zgodnie z prawdą przekazuje pełnię mocy ojcowskiej miłości. W pobliżu stoją odrętwiałe postacie widzów wyrażających zdziwienie i obojętność - to członkowie tego społeczeństwa, które najpierw zepsuło, a potem potępiło syna marnotrawnego. Ale miłość ojcowska triumfuje nad ich obojętnością i wrogością.
Płótno stało się nieśmiertelne dzięki wyrażonym w nim uniwersalnym uczuciom – bezdennej miłości rodzicielskiej, goryczy rozczarowania, straty, upokorzenia, wstydu i skruchy.
Ten najlepsza praca Lata 30. Rembrandta.
Obraz jest dedykowany wieczny temat miłość. Fabuła była mitem córki króla Acrisiusa Danae. Wyrocznia przepowiedziała Akryzjuszowi, że umrze z rąk wnuka.Następnie król uwięził swoją córkę na zawsze w wieży.Ale wszechmocny Zeus zamienił się w złoty deszcz iw tej postaci wszedł do Danae i został jej kochankiem. Urodził się ich syn Perseusz, a potem ponownie, na rozkaz Arixiusa, Danae wraz z synem w skrzyni zostali wrzuceni do morza. Ale Danae i jej syn nie umarli.
Artysta przedstawia moment radosnego oczekiwania Danae na Zeusa. Stara panna odsuwa zasłonę swojego łóżka i do pokoju wlewa się złota poświata. Danae w oczekiwaniu na szczęście wstaje na spotkanie ze złotym deszczem. Zasłona opadła i odsłoniła niemłode już, ciężkie ciało, z dala od praw klasyczne piękno. Mimo to urzeka żywotną prawdziwością, miękką krągłością form. I choć artysta podejmuje temat z starożytna mitologia, obraz jest wyraźnie napisany w duchu realizmu.
Rembrandt pisał obszernie na te tematy historie biblijne, a wszystkie były na swój sposób zaktualizowane pod względem treści. Często malował obrazy wbrew logice - światło, kolory, wszystko było tylko jego własnym pomysłem. Tę samą niezależność artysta wykazuje w sposobie ubierania swoich postaci. Ubrał ich w dziwne szaty - Saskię, Juno i innych...
To samo z parą na zdjęciu „Żydowska panna młoda”. Nazwa jest dziwna, ponieważ płótno przedstawia małżeństwo, a żona jest w ciąży.
Na tle niewyraźnej zieleni odgaduje się fragment wielkiego muru i krajobraz miejski. Para ubrana w czerwień i złoto stoi przed pilastrem. Mężczyzna o dwóch twarzach i czterech ramionach pochyla się nad kobietą, której wzrok skierowany jest na siebie, na jej myśli. Jej prawa ręka trzymająca kwiaty spoczywa na brzuchu. Na twarzy - ufna powaga żony, zajęta jedynie obecnością w sobie innego życia. Mężczyzna obejmuje ją lewym ramieniem. Prawa ręka spoczywa na sukience na wysokości klatki piersiowej, gdzie styka się z nią lewa ręka kobiety. Palce dotykają się nawzajem. Lekki dotyk. Mężczyzna patrzy na dłoń kobiety dotykającą jego własnej.
Na obrazie Rembrandt całkowicie porzucił klasyczny ideał nagiej postaci kobiecej. Tutaj przedstawił Hendrickje, swoją drugą żonę, rozbierającą się przed kąpielą, wbrew wszelkim kanonom piękna. Na brzegu leży złota szata, a słodka młoda kobieta, nieśmiało unosząc koszulę, wchodzi do zimnej wody. Wydaje się, że wyłania się z brunatnej ciemności, jej nieśmiałość i skromność wyczytane są zarówno w lekko pomalowanej twarzy, jak iw dłoniach podtrzymujących koszulę.
