Profesionálne hudobné umenie 19. storočia. Rysy ruskej hudby 19. storočia

Odoslanie dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

Uverejnené dňa http://www.site/

HistóriajaRuská hudobná kultúra XIX storočiaA

Historické črty ruskej hudobnej kultúry 19. storočia

Do dejín ruskej hudobnej kultúry vstúpilo 19. storočie ako obdobie jej úplného a komplexný rozvoj. V tomto období vytvorili svoje nesmrteľné diela M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, A.P. Borodin, M.P. Musorgskij, N. A. Rimskij-Korsakov, M. A. Balakirev, P. I. Čajkovskij. Ďalší vývoj ruštiny hudobná klasika spojené s menami A.K. Glazunová, A.K. Lyadova, S.I. Taneyeva, A.N. Skrjabin a S.V. Rachmaninov, ktorého významná časť tvorby siaha až do 20. storočia.

Proces etablovania ruskej hudobnej kultúry prebiehal rýchlo a násilne. Kráčal súčasne rôznymi smermi: v oblasti nových tvorivých úspechov v rôzne žánre, aktívne obohacovanie výrazových prostriedkov, v rozvoji hudobno-kritického a estetického myslenia.

Výdobytky prvej polovice 19. storočia pripravilo predchádzajúce obdobie, no mnohé boli úplne nové, spôsobené zmenami v samotnom živote. Obsahové a ideové a estetické smerovanie vývoja umenia určovala napätá a zložitá spoločensko-politická situácia, ktorá sa vyvinula nielen v Rusku, ale aj v r. západná Európa. Hospodársky a politický rozvoj mnohých európskych krajín brzdila agresívna politika Napoleona I., ktorý sa po porážke Francúzskej revolúcie stal cisárom Francúzska. koniec XVIII storočí. Vojenské ťaženie proti Rusku sa skončilo porážkou Napoleona. Vo vlasteneckej vojne v roku 1812 sa celý ruský ľud postavil na obranu vlasti. Tieto udalosti vyvolali veľký rozmach spoločnosti, spôsobili prejav zanieteného vlastenectva ľudí, rast ich občianskeho sebauvedomenia. Víťazstvo nad Napoleonom si zároveň vynútilo nový pohľad na situáciu más. Ľudová nespokojnosť rastie, roľnícke nepokoje sa zintenzívňujú, objavujú sa medzi nimi opozičné nálady najlepších reprezentantovšľachta, ktorá chápe strašný rozpor medzi mocnou hrdinskou silou ľudu a jeho bezmocným, utláčaným postavením v krajine. Dali to práve tieto udalosti silný tlak Decembristické hnutie, ktoré bolo v roku 1825 brutálne potlačené.

Decembristické povstanie znamenalo hlboký míľnik v dejinách ruského umenia. Ideológia Decembristov slúžila ako pôda, na ktorej vyrástlo dielo A.S. Puškin. V predvečer decembrového povstania napísal Pushkin prvú realistickú ľudovú tragédiu „Boris Godunov“, Griboedov napísal obviňujúcu komédiu „Beda vtipu“, decembristické roky spôsobili nebývalý rozkvet poetických žánrov.

Rozhodujúce zmeny nastali aj v oblasti hudby. Skladatelia začiatkom XIX storočia veľa pracujú v oblasti divadelných žánrov. Do skorého divadelné žánre patrí k rozprávkovým operám „Neviditeľný princ“ a „Ilya the Bogatyr“, vlasteneckej opere „Ivan Susanin“ od Kavosa, Kozlovského hudbe k tragédiám V.A. Ozerov „Oidipus v Aténach a Fingal“, „Debora“ od Shakhovského, oratórium od S.A. Degtyarev „Minin a Pozharsky“ alebo „Oslobodenie Moskvy“.

Vaudeville sa rozšírilo - ľahká komédia s hudobnými číslami. Za prvý ruský vaudeville sa považuje Shakhovského hra „Kozácký básnik“ s hudbou Kavosa.

Inštrumentálna tvorivosť ruských skladateľov sa spájala najmä s domácou hudbou. Z diel veľký tvar Vyniká koncertná predohra a jednovetová symfónia od A.A. Alyabyeva. A.L. sa ukázal ako autor klavírnych skladieb rôznych žánrov a charakteru. Gurilev. Najvýznamnejšie sú sonáta a „24 prelúdií a fúg“. Žáner variácií bol veľmi rozvinutý. Vznikajú aj kvartetá a iné diela pre inštrumentálne telesá. Obľúbenou sa stala najmä gitara, zakladateľom gitarovej školy bol A.O. Sihra.

Skladatelia A.N. prispeli k rozvoju ruského hudobného umenia. Verstovský, A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev.

Verstovský sa do dejín hudby zapísal ako divadelný skladateľ, autor romantické opery. Bol to Verstovský, kto oživil ruskú operu. Za 10 rokov nevzniklo ani jedno výrazné dielo v tomto žánri. Vo svojej najlepšej opere Askoldov hrob uviedol nové témy, obrazy a prostriedky hudobno-dramatického výrazu.

V 20. rokoch 20. storočia M.I. začal svoju tvorivú kariéru. Glinka. Uvažované obdobie možno nazvať Glinkovým. Mocný tvorivý človek Glinka pozdvihla ruskú hudbu na novú úroveň vývoja a zatienila takmer všetko, čo vytvorili jej predchodcovia. Tvorca ruskej klasickej opery a klasickej romance položil aj základy klasického ruského symfonizmu. Hlavnými kvalitami, ktoré ho vyzdvihujú medzi ostatných skladateľov, je jeho šírka pohľadu na svet, hlboké spojenie so svojou dobou a životom svojho ľudu.

V druhej polovici 30. rokov sa v ruskej hudbe presadilo nové meno - Dargomyžskij. Začiatok 19. storočia sa v Rusku niesol v znamení rýchleho rozvoja nového smeru, ktorý pokryl všetky európske krajiny – romantizmu. Romantizmus mal obrovský vplyv na osudy svetového umenia. Vyjadrovalo to nespokojnosť s novým mladšia generácia okolitá realita, protest proti nespravodlivosti sociálna štruktúra mier. Sny o slobode ľudskej osobnosti, slobodnom prejave duchovných síl človeka sa s neobyčajnou silou premietli do Byronovej tvorby. Najväčšie osobnosti umenia – Chopin a Mickiewicz, Hugo, Berlioz a Liszt – spájali svoje mená s ideológiou „militantného romantizmu“.

Osobitný význam pre rozvoj ruského umenia mala dôležitá tendencia romantizmu - boj o Národná identita umelecké formy, štýl a výrazové prostriedky. Romantici vyšli na obranu všetkého individuálneho, originálneho a charakteristického. Snažili sa vzbudiť záujem o život svojich rodákov, o ich historickú minulosť, o ľudové piesne, povesti a povesti. Práve tieto aspekty romantickej estetiky ovplyvnili predovšetkým tvorbu skladateľov Puškinova éra a pomohol im výrazne obohatiť jazyk a štýl ruskej hudby.

IN najlepšie dielaéra romantizmu, v romancach Glinku, Alyabyeva, v operách Verstovského, v temperamentných textoch Varlamova nájdeme živý odraz ľudového života, postáv a typov, túžbu hlboko preniknúť ľudská duša. Prekonaním extrémov romantickej estetiky – subjektivizmu, preháňania pocitov, túžby po „výnimočnom“ – ruskí skladatelia, podobne ako ich súčasníci – básnici, prechádzajú k skutočnejšej a komplexnejšej reprodukcii reality.

Puškin mal rozhodujúci vplyv na celý vývoj ruskej hudby. Puškinov koncept historickej drámy pripravil cestu Glinkovej ľudovo-hrdinskej opere Ivan Susanin. Puškinove diela „Ruslan a Lyudmila“ a „Rusalka“, hlboko ľudové v duchu a kompozícii, určovali ďalší vývoj ruskej klasickej opery Glinky a Dargomyzhského. Jeho lyrické básne sa stali základom ruskej klasickej romantiky.

Už v polovice 19 storočia poskytujú ruskí hudobní klasici príklad jednoty hlbokého obsahu a dokonalej umeleckej formy. Žáner opery sa výrazne zmenil. Nejde už o sieť jednotlivých hudobných čísel spojených jednou zápletkou, ale o ucelené hudobno-dramatické dielo s jednotnou tematickou koncepciou a jednoliatou formou. Jadrom dramatického vývoja je konflikt. Vo svojich operách Glinka nasadil obrazy národné dejiny(„Ivan Susanin“, 1836), epický epos („Ruslan a Lyudmila“, 1842). Jeho súčasník Dargomyžskij ukázal v opere „Rusalka“ drámu sociálnej nerovnosti, drámu obyčajného človeka.

Glinkova symfonická hudba, jeho „Kamarinskaya“ a „Španielska predohra“ položili základy programovej hudby. Rovnaké princípy symfonického vývoja implementovali jeho žiak Balakirev, Čajkovskij a skladatelia Mocnej hŕstky.

Proces rozvoja hudobnej kultúry v 19. storočí bol zložitý a plný rozporov. Začiatok 19. storočia je obdobím rozvoja romantického žánru. Ruská poézia, najmä tvorba A.S. Puškina, ovplyvnila ruskú romantiku. hudobná kultúra ruština

Ruská každodenná romantika tej doby sa stala akoby laboratóriom pre kreatívnu reintonáciu, vytvorenie nového hudobného štýlu. Ruské a ukrajinské melódie, ruské a západoeurópske tanečné rytmy, reč a deklamačné intonácie vo vokálnej hudbe, jednotlivé „talianizmy“ a bežné prejavy nemeckej a francúzskej hudby – to všetko možno nájsť v žánri každodennej romantiky.

Hlavné znaky hudby každodennej romantiky: hlavná úloha v melódii patrí šiestej intonácii: skok po šestke a skok po sekte na harmonický úvodný tón s následným rozuzlením; rozšírené používanie melodických retenčných techník; časté používanie nízkeho registra, ktorý dodáva hudbe zvláštny, patetický charakter; začlenenie recitatívnych a deklamačných fráz ako prostriedkov dramatizácie; prevaha harmonickej moll; časté odchýlky od blízkych tónin, porovnanie durových a molových na zobrazenie meniacich sa nálad, časté používanie zvýšeného stupňa IV; používanie rytmov každodenných tancov, najmä valčíka, mazurky, polonézy, serenády; spojenie s každodennou inštrumentálnou hudbou, vyjadrené použitím gitarových a harfových tvarov; ľúbostná forma je najčastejšie veršovaná; šírenie cigánskeho štýlu vystupovania.

V žánri balady sa objavili romantické trendy. Objavujú sa nádherné balady Verstovského, Alyabyeva, Varlamova. Balada, postavená vo voľnej forme rozšíreného dramatického monológu, sa vyznačovala zložitosťou svojej kompozície.

Verstovský je považovaný za tvorcu balady. Jeho balady „Black Shawl“ na slová A.S. sú všeobecne známe. Puškin, „Tri piesne Skald“, „Chudobný spevák“ na slová Žukovského. Jedným z najrozšírenejších žánrov v hudbe prvej polovice 19. storočia bola „ruská pieseň“, ktorá vznikla ako imitácia ľudovej hudby. Sú to piesne v ľudovom štýle. Tento žáner získal dôležitý význam od Alyabieva, Gurileva, Varlamova. Ich „ruské piesne“ sú bohaté a obsahovo rôznorodé.

V Puškinovej ére sa elégia stala obľúbeným typom kreativity básnikov aj hudobníkov – zvláštny typ romantiky, v ktorej prevláda kontemplácia, reflexia a hlboké myslenie. Puškinove elégie bohaté na filozofický a občiansky obsah zaujali mnohých skladateľov. Genishtova elégia k Puškinovým slovám „Hviezda dňa zhasla“ je dobre známa. Pozoruhodná je elégia mladej Glinky „Nepokúšajte“ na slová Baratynského. Osobitné miesto v ruskej vokálnej tvorivosti zaujímajú pijanské a pochodové piesne, ktoré sa dotýkajú hrdinských a vlasteneckých tém.

Dôkazom rozmachu ruskej hudobnej kultúry v druhej štvrtine 19. storočia bolo dielo Alyabyeva, Varlamova a Gurileva.

AlyabyevA.A.(1787-1851)

Alexander Alexandrovič Alyabyev sa narodil v Tobolsku. Ako mnohí jeho veľkí súčasníci pochádzal zo šľachtickej rodiny a v detstve získal vynikajúce a pestré vzdelanie. Od mladosti prejavoval tvorivý talent. V roku 1812 dobrovoľne vstúpil do husárskeho pluku, zúčastnil sa mnohých bojov, bol ranený a ocenený objednávkami za vojenské zásluhy. Od roku 1823 žil v Moskve. Spolu s A.N. Verstovský a F.C. Scholz napísali hudbu prológu „Triumf múz“ na otvorenie Veľké divadlo. V roku 1825 bol falošne obvinený z vraždy a vyhnaný na Sibír, zbavený všetkých práv a šľachtického titulu. Dôvodom tvrdého rozsudku bola zrejme jeho blízkosť k decembristickým kruhom. V roku 1828 Alyabyev bol poslaný do Tobolska. Tu viedol symfonický orchester a zborovú skupinu, vystupoval ako dirigent a klavirista. Napriek zlému zdravotnému stavu veľa píše. S ním vstúpili do ruskej romantiky témy vlastenectva a lásky k slobode. Dôležitá bola pre neho komunikácia s A.S. Griboedov, decembristickí básnici, Dargomyzhsky.

Alyabyev významne prispel ku komornej inštrumentálnej hudbe. Napísal 3 sláčikové kvartetá, 2 klavírne triá, klavírne kvinteto, kvartetá a kvintetá pre dychové nástroje, skladby a cykly variácií pre rôzne nástroje, hudba k dramatickým predstaveniam, opery „Moonlit Night or Brownies“, „Búrka“, „Edwin a Oscar“, „Rybár a morská panna“, „Amalat-Bek“.

Súčasník Glinky a Dargomyžského Alyabyev sa vo svojich najlepších dielach približuje kreatívna metóda títo skladatelia. Mnohé z jeho opier neboli inscenované a zostali v rukopise. „Ruské piesne“ a romantické monológy zaujímajú v Alyabievovej tvorbe osobitné miesto. Autor slávneho „Slávika“ s textami Delviga Alyabyev vniesol do ruskej vokálnej hudby romantického ducha.

Je jedným z prvých skladateľov, ktorí napísali veľké množstvo romancí založených na slovách Puškina („Milujem ťa“, „Prebudenie“, „Zimná cesta“ atď.). Osobitné miesto zaujímajú romantické monológy súvisiace s témou osamelosti, exilu a ťažkého putovania: „Irtysh“, „Večerné zvony“. V dielach 40-tych rokov sa obracia k témam spoločenského významu: „Krčma“, „Chata“, „Dedinský strážca“ na slová N. P. Ogareva, „Žobráčka“ na slová Berangera, ktoré zobrazujú obrázky znevýhodnených. Tieto piesne pripravili prelomové diela Dargomyzhského („Horúčka“) a Musorgského („Kalistrat“, „Gopak“, „Trepak“).

Alyabyev sa snažil aktualizovať výrazové prostriedky. Rozvinul deklamačné prvky vokálnej melódie, zvýšil expresívny význam harmónie a textúry a dal nezávislý význam klavírna časť romantiky.

VarlamovA.E.(1801-1848)

Alexander Egorovič Varlamov je ruský skladateľ, spevák, pedagóg, spevák a dirigent. Hudobná výchova dostal v Petrohradskej dvornej kaplnke, kde bol spevákom a študoval u riaditeľa kaplnky D.S. Bortňansky.

V roku 1819 bol vymenovaný za učiteľa spevákov ruskej dvornej kaplnky v Holandsku. Tu sa začala jeho práca zborový dirigent, komorný spevák a gitarista. V roku 1823 sa vrátil do Petrohradu, pôsobil ako učiteľ spevu v r divadelná škola. V roku 1843 získal miesto „skladateľa hudby“ a asistenta kapelníka cisárskych divadiel.

V roku 1833 Vydal prvú zbierku romancí a piesní a prvú ruskú metodickú príručku o vokálnej pedagogike „Úplná škola spevu“. Sám bol talentovaným spevákom, majstrom kantilény a subtílnym a premysleným interpretom.

Varlamov sa zapísal do dejín ruskej hudby ako majster romantiky. Jeho romance odrážajú obraznú štruktúru ruskej ľudovej piesne, jej intonáciu a modálne črty. Pri tvorbe mu pomáhala jemná znalosť vokálneho umenia svetlé vzorky Ruská kantiléna, voľne plynúce melódie širokého dýchania. Varlamovov štýl bol výrazne ovplyvnený štýlom vystúpenia cigánskych spevákov.

Varlamov vytvoril asi 200 romancí a piesní na základe básní ruských básnikov M.Yu. Lermontov, A.N. Pleshcheeva, A.A. Feta, A.V. Koltsová a ďalší.

Medzi Varlamovovými „ruskými piesňami“ prevládajú dva žánre - lyrický ťahaný a rýchly tanec. V pretrvávajúcich piesňach je melodická veľkorysosť, plasticita vokálnej melódie, použitie techník ruských ľudových piesní - variantný vývoj spevu, vnútroslabičné spevy („Ach, čas, málo času“, „Prečo si skoro, trávička“) . Druhý typ zahŕňa piesne s aktívnym rytmom: „Po ulici sa valí snehová búrka“, „Lietajúci slávik“.

Vplyv mestského folklóru s typickými tanečnými rytmami sa premietol do romancí „Na úsvite, nebuď ju“, „Nespievaj, slávik“, „Nešij ma, mami, červený sarasran“ (slová Tsyganova). Spolu s „Zvonom“ od Gurileva a „Slávikom“ od Alyabyeva sa národným majetkom stala aj romantika „Nešij ma, matka, červený sarafán“.

Varlamovove romance „Loneliness“ a „Mountain Peaks“ majú blízko k elegickým textom M.I. Glinku a A.S. Dargomyzhského. Dramatický monológ „Pripomienka“, „Smútok“, balada „Osedlám koňa“, temperamentná romanca na slová Lermontova „The Lonely Sail Whitens“ si v ruských textoch vytvorili vlastnú tradíciu a našli v diele odozvu. z A.S. Dargomyžskij, P. I. Čajkovskij, S. V. Rachmaninov.

Hlavné diela: Balety „Zábava sultána alebo predavača otrokov“, „Prefíkaný chlapec a zlobr“, 200 romancí a piesní, vokálne súbory, zbory, hudba k dramatickým predstaveniam.

GurilevA.L.(1803-1858)

Alexander Ľvovič Gurilev - ruský skladateľ, huslista, pedagóg klaviristu. Syn poddaného hudobníka, narodený v Moskve. Hudbu študoval pod vedením svojho otca. Od mladosti hral na husle a violu v poddanskom orchestri. V roku 1831 dostal spolu s otcom slobodu. Preslávil sa ako skladateľ, klavirista a pedagóg. Ťažké materiálne podmienky a ťažká duševná choroba v posledných rokoch života mu to sťažovali tvorivá činnosť. Ale napriek tomu je im to napísané veľké množstvo Tvorba.

V Gurilevovom klavírnom dedičstve je široká škála žánrov – drobné skladby, koncertné fantázie na témy z Donizettiho opery „Lucrezia Borgia“, fantázie na témy z Glinkovej opery „Ivan Susanin“, variácie na témy z Alyabievových romancí „Slávik, môj slávik“. “, Varlamova „Na úsvite teba“ Nebuď ju,“ variácie na témy ruských ľudových piesní, polonéza, 2 valčíky, 5 mazuriek atď. Široká škála harmonických techník, plynulosť v technike písania na klavíri a virtuóz Rozsah dáva dôvod hovoriť o Gurilevovi ako o nadanom skladateľovi a ako o subtílnom hudobníkovi - interpretovi, ktorý vyniká na klavíri. Napísal mnoho romancí na slová Yu.Lermontova, A.N. Koltsov, I. Makarov, N. P. Grekov a ďalší básnici: Piesne „Bell“, „Swallow is Hovering“ sú presiaknuté elegickými náladami. Očarujúce obrázky dievčat sú uvedené v piesňach „Mother Dove“, „Sadness of a Girl“, „Sarafan“. Všetky sa vyznačujú žánrovým vymedzením a plynulým trojdobým pohybom vo valčíkovom rytme.

Gurilevove najlepšie romance odzrkadľujú texty Glinky a Dargomyžského. Glinkov vplyv nachádzame v intonačných vzorcoch, typických technikách vzostupného skoku a jeho vypĺňania, spievaní ústredného zvuku figúrami typu gruppetto atď.

Ale v najlepších románoch Gurilev odhaľuje najpríťažlivejšie stránky svojho lyrického talentu. Toto sú jeho romance „Nerozumieš môjmu smútku“, „Vnútorná hudba“, „Odlúčenie“. Zblíženie s Dargomyžským je viditeľné v romantike k slovám Lermontova „Nudné aj smutné“. Deklamačný štýl melódie, jej stlačený rozsah a výrazné rečové akcenty dodávajú hudbe charakter rozhovoru so sebou samým. Alyabyev, Varlamov, Gurilev do značnej miery predvídali a pripravovali budúcu cestu ruskej romantiky.

ruskýhudbaXVIIIAnajprvpolovicuXIXstoročí

Ruská hudba prešla vo svojom vývoji dlhú a slávnu cestu. Koľko veľkých skladateľov: Glinka, Dargomyžskij, Borodin, Musorgskij, Rimskij-Korsakov, Čajkovskij, Skrjabin, Rachmaninov, Glazunov a mnohí ďalší! Ich umenie oslavovalo našu vlasť. Ich hudba znie vo všetkých krajinách sveta a prebúdza v srdciach ľudí jasné, láskavé a čisté pocity. Rozkvet hudobnej kultúry v 19. storočí pripravil celý priebeh jej vývoja v Rusku. Po stáročia sa medzi ľuďmi hromadili vzácne pramene hudobného umenia. Ľudová poézia a hudba existovali v dávnych dobách a odrážali celý život a históriu ľudí: ich zvyky a rituály, ich prácu a boj za slobodu, ich nádeje a sny o lepší život. Medzi ľuďmi vzniklo veľa drsných, odvážnych piesní o Stepanovi Razinovi, Emelyanovi Pugachevovi a ďalších vodcoch roľníckych povstaní a vojen. Veľký ruský básnik A.S. Puškin vysoko ocenil piesne o Razinovi a Pugačevovi. Pushkin vo svojom príbehu „Kapitánova dcéra“ cituje pieseň „Nerob hluk, matka zelený dub“ a hovorí o nej ako o Pugačevovej obľúbenej piesni. Naši ruskí klasickí skladatelia starostlivo zbierali a študovali svoje pôvodné piesne. Niektorí z nich - Balakirev, Rimsky-Korsakov, Lyadov - zostavili zbierky ruských piesní pre hlas sprevádzaný klavírom. Vo svojich dielach často používali ruské melódie. A pri skladaní vlastných melódií do nich vnášali intonácie, spevácke vzory a melodické obraty charakteristické pre ruské piesne. Hudba Glinku a Čajkovského, Borodina a Musorgského je zrozumiteľná a prístupná širokému publiku práve preto, že je bohatá na krásne melódie a pesničkárstvo. V 18. storočí sa objavili domáce spotrebiče mestský pieseň, s akordickým harmonickým sprievodom, nový vo svojom výrazovom charaktere. Jednoduchšia mestská pieseň vznikla na melodickom základe starodávnej ľudovej piesne, ktorá sa často nazýva „sedliacka“. A takmer každá mestská pieseň v tej či onej miere využíva spevy, modálne a rytmické prvky starodávnej piesne. Tvorba ruských básnikov mala výrazný vplyv na vývoj mestskej piesne. Príkladom toho je skladba „Ako som ťa naštvala“. ľudových spevákov na mierne upravené slová slávneho ruského básnika 18. storočia A. Sumarokova. V 18. storočí sa objavili notový zápis záznamy Ruské ľudové piesne. Prvú zbierku ľudových piesní vydal spevák-guslista V. Trutovský; po nej nasledovala rozsiahla zbierka, ktorú zostavil slávny ruský básnik N. Ľvov v spolupráci s I. Prachom. Tieto zbierky obsahovali nielen ľudom najobľúbenejšie a najobľúbenejšie starodávne piesne, ale aj novšie mestské. Kolekcie predstavili milovníkom hudby krásne ruské melódie. Mnohé z piesní následne použili skladatelia v operách a inštrumentálnych dielach. V priebehu 18. storočia sa obvyklé melódie ľudových piesní čoraz častejšie ozývajú v rôznych inštrumentálnych skladbách, v hudbe až divadelné hry a v operách. Samozrejme, záujem o ľudové melódie nevznikol okamžite. Obyvatelia oboch ruských hlavných miest boli spočiatku spokojní s dielami zahraničných skladateľov. Na dvore v Petrohrade sa často pre úzky okruh poslucháčov konali honosné operné predstavenia. Oveľa dôležitejšie však boli aktivity malých operných súborov, ktoré od 30. rokov často navštevovali Petrohrad a Moskvu. Mierne ceny prispeli k verejnej dostupnosti predstavení. Išlo o talianske a francúzske vtipné komické opery podľa každodenných námetov, v ktorých sa spev často striedal s hovorenými dialógmi. Podľa vzoru hovorových opier sa postupom času najprv Rusi opery. Spočiatku to bolo jednoduché domáce komédie s hudobnými vložkami založenými na melódiách ruských piesní. Niektorí sa vysmievali zo života a zvykov rôznych vrstiev - obchodníkov, úradníkov (“Petrohradský Gostiny Dvor” od poddaného hudobníka M. Matinského). A to nepochybne odhalilo spojenie medzi prvými ruskými operami a vyspelou ruskou literatúrou (najmä s dielom Fonvizina). V tých rokoch bolo verejné „Ruské divadlo“ v Petrohrade veľmi známe. Na petrohradských a moskovských scénach vystúpili talentovaní ruskí umelci, ako napríklad E. Sandunova. Ozdobou Sheremetyevovho domáceho kina bola nádherná nevoľnícka herečka Parasha Zhemchugova (o jej mimoriadnom osude ľudia vytvorili pieseň „Je neskoro z lesa“). Osud talentovaných ruských hercov a hudobníkov v podmienkach feudálneho Ruska však často dopadol tragicky, mnohí z hudobníkov zomreli predčasne. Napriek ťažkej, bezmocnej situácii hudobníkov, v posl štvrťrok XVIII storočí už Rusko vyvinulo vlastnú školu kompozície. Mladí skladatelia vytvárajú expresívne romance a úpravy ruských piesní, klavírne a husľové skladby, symfonické predohry, hudbu k činohrám a napokon aj opery. Medzi nimi boli Dubyanskij, Berezovskij, Bortnyansky, Fomin, Khandoshkin a ďalší.

Uverejnené na stránke

Podobné dokumenty

Identifikácia vyhliadok na rozšírenie rozsahu vzdelávacieho a interpretačného procesu s cieľom stimulovať záujem študentov o klavírnu hudbu ruských skladateľov. Analýza klavírneho diela Glinky a jeho súčasníkov: Alyabyev, Gurilev, Varlamov.

práca, pridané 13.07.2015


Druhá polovica 19. storočia je obdobím mohutného rozkvetu ruskej hudby. "The Mighty Handful" - tvorivá komunita ruských skladateľov, ktorý sa vyvinul koncom 50. a začiatkom 60. rokov 19. storočia. Michail Ivanovič Glinka ako zakladateľ ruskej klasickej hudby.

prezentácia, pridané 20.12.2014


Vlastnosti a smery formovania hudobnej kultúry v Rusku počas skúmaného historického obdobia, vzhľad a používanie organu, klavichordu, flauty, violončela. Cesta vývoja ruskej polyfónnej hudby v barokovej ére. Koncertný spev.

prezentácia, pridané 10.06.2014


Rysy poľskej hudby začiatku 19. storočia. Chopin, Glinka, Liszt sú zakladatelia hnutia za vytvorenie národných škôl. Chopin ako najvýznamnejší predstaviteľ poľskej hudobnej kultúry. Obraz Poľska a obrazy jeho majestátnej minulosti, ľudové piesne.

kurzová práca, pridané 6.12.2012


Rysy ruskej hudby 18. storočia. Baroko je epochou, v ktorej sa formovali myšlienky o tom, aká hudba by mala byť; tieto hudobné formy dnes nestratili svoj význam. Veľkí predstavitelia a hudobné diela barokovej éry.

abstrakt, pridaný 14.01.2010


Život a dielo V.F. Odoevského. Úloha V.F. Odoevsky v ruskej hudobnej kultúre. Analýza cirkevná hudba. Odborný rozbor špecifík výrazových prostriedkov hudby, črty Bachovej polyfónie. Znaky psychologizmu v hudbe.

abstrakt, pridaný 12.2.2013


História českej husľovej hudobnej kultúry od jej počiatkov do 19. storočia. Prvky ľudovej hudby v dielach významných českých skladateľov. Životopis a dielo českého skladateľa A. Dvořáka, jeho diela v žánri sláčikového kvarteta.

abstrakt, pridaný 19.05.2013


Štúdium histórie vzniku blues as hudobná forma a žánru na konci 19. storočia. Charakteristika a druhy jazzu. Žánre klasického šansónu. Výrazné znaky autorskej piesne alebo bardskej hudby. Základné prvky reggae a moderného rapu.

prezentácia, pridané 23.11.2015


Miesto rockovej hudby v masovej hudobnej kultúre 20. storočia, jej emocionálny a ideologický dopad na mládežnícke publikum. Súčasná situácia ruského rocku na príklade tvorby V. Tsoi: osobnosť a kreativita, záhada kultúrneho fenoménu.

kurzová práca, pridané 26.12.2010


Charakteristickým znakom uzbeckých súborov. Rastúci záujem ruských bádateľov o štúdium uzbeckej hudobnej kultúry v 20. rokoch 20. storočia. Predstavitelia vystupujúcej školy Buchara. História tvorby uzbeckých ľudových nástrojov.

Pre Rusko 19. storočie sa stalo obdobím formovania ruskej národnej hudobnej školy. V tomto storočí sa rozvinuli tradície opery, komornej vokálnej a symfonickej hudby. Proces bol ovplyvnený na jednej strane západoeurópskou kultúrou a na druhej strane ruským folklórom.

I POLOVINA 19. STOROČIA

Historické pozadie. Vláda Alexandra I., vojna s Napoleonom, povstanie dekabristov a takmer 30 rokov reakcie Mikuláša I. Obdobie spoločenského rozmachu je teda nahradené obdobím reakcie. Prejavuje sa to vo všetkých druhoch umenia, klasické trendy postupne nahrádzajú romantické.

V hudbe je prvých 20 rokov v tradíciách 18. storočia. V ére národného rozmachu sa úloha opery vždy zvyšuje. Hudobné divadlo tohto obdobia sa postupne rozvíja a v 20. rokoch už existujú rôzne žánre:

1) Dráma, alebo tragédia s hudbou (Kozlovský, Titov, Davydov).

2) Vaudeville (z čias Francúzskej revolúcie) je ľahká komédia s kupletmi (Alyabyev, Varlamov, Verstkovsky).

3) Historická opera (Talian Caterino Cavos napísal operu „Ivan Susanin“, ktorá sa hrala do polovice 30. rokov).

4) Rozprávkovo-fantastická opera („Lesta – morská panna Dneper“, Davydov, Kavos).

5) Balet. Hlavne so zahraničnými umelcami. Titov, Kavos, Davydov napísali.

Vrcholom 1. polovice 19. storočia je dielo Glinku, ktorý položil základy ruskej hudobnej klasiky. Zlatou kombináciou tejto éry je poézia Puškina a hudba Glinku.

Posledné obdobie (40-50 roky): Glinkina neskoršia tvorba. Rozkvet Dargomyžského kreativity je prvým vrcholom realizmu v ruskej hudbe. Glinka a Dargomyzhsky vyjadrili svojským spôsobom romantizmus svojej doby.

Verejný hudobný život.

1) Bol to rozkvet súkromných hudobných salónov v domoch ruských aristokratov (napríklad salón Odoevského, ktorý bol osvieteným hudobníkom a hlbokým hudobným kritikom; jeho salón navštevovali aj vynikajúci európski hudobníci na turné vrátane Liszta) .

2) Poddanské orchestre a divadlá naďalej existujú; Obľúbená je hudba Mozarta, Haydna, Rossiniho atď.

3) Galaxia ruských vystupujúcich hudobníkov sa rozrastá.

4) V roku 1802 bola otvorená prvá koncertná organizácia v Rusku - Filharmonická spoločnosť. Začína sa prvé obdobie rozkvetu RMK, keď sa dokončuje formovanie ruského klasického hudobného štýlu. Vrcholom tohto obdobia je dielo Glinky.

Ruský klasický hudobný štýl absorboval rôzne zdroje:

1) ruský a ukrajinský folklór;

2) duchovné tradície zborový spev;

3) ruská mestská pieseň a každodenná romantika (veľmi dôležitý je vplyv cigánskeho štýlu vystupovania);

4) tradičný záujem o hudobné kultúry iných národov: orientálna (orientalizmus), ako aj poľská a španielska hudba;

5) tradície Viedenskej symfonickej školy;

6) skúsenosť s talianskou operou.

E-70S XIX STOROČIA

1) Historické pozadie: Alexander II., porážka v krymskej vojne, kritika autokracie, národný rozmach a zrušenie nevoľníctva (1861). Vedúca úloha demokraticky zmýšľajúcej inteligencie.

6) Významní interpreti: bratia Rubinsteinovci; G. Wieniawski, L. Auer – husle. K. Yu.Davydov – dirigent a violončelista. E. F. Nápravník – skladateľ a dirigent. Osip Petrov, Yu. F. Platonova a ďalší.

7) Verejný hudobný život: od súkromných salónov až po masové a demokratické formy. filharmonickej spoločnosti. Dvorská kaplnka naďalej funguje. V roku 1859 bola otvorená RMO v Petrohrade a o rok neskôr v Moskve. Založil ju Anton Rubinstein. Zimné záhrady boli otvorené na základe RMO: v roku 1862 - v Petrohrade, v roku 1866 - v Moskve. Po prvýkrát v Rusku dostávajú hudobníci vyššie odborné vzdelanie. Na druhej strane Balakirev otvára (s pomocou Stasova a Lomakina) bezplatnú hudobnú školu pre masy a na organizovanie koncertov. Tieto 2 školy sú v opozícii (konzervatóriá podporuje cisár). Balakirev veľa vedie, a to aj v krajinách východnej Európy, čo posilňuje slovanské väzby. Do Ruska prichádzajú najväčší hudobníci Európy: Schumann, Liszt, Wagner, Berlioz. Skladatelia tohto obdobia s veľkým záujmom študujú RNP, spracovávajú a vydávajú zbierky (Balakirev, Rimskij-Korsakov, Čajkovskij).

8) Hlavné hudobné združenia a významní skladatelia:

· Balakirevsky kruh (nová ruština Hudobná škola- „Mocná hŕstka“). V Európe to nazývajú „päť“. Pokračovanie v tradíciách Glinky a Dargomyžského + záujem o ruskú históriu, folklór, ako aj demokratické myšlienky. Hlavní členovia Mocnej hŕstky: Balakirev, Musorgskij, Cui Rimsky-Korsakov, Borodin (dočasne sa pridali aj Gussakovsky, Ladyzhensky, Shcherbačov). Stasov je ideologickým inšpirátorom, vynikajúcim umeleckým kritikom. Pomáhal pri práci krúžku, podporoval mladých skladateľov, dodával im literárne a historické materiály pre prácu na operách.

· Kruh Antona Rubinsteina – RMS, konzervatóriá a profesori. Snažili sa priblížiť ruskú hudbu západoeurópskym tradíciám.

· Serov – skladateľ, publicista, analytik.

· Umelecký krúžok pod vedením N. Rubinsteina, dramatika Ostrovského, kritika Odoevského + umelcov Malého divadla. Pridal sa k nim mladý Čajkovskij. Napísal hudbu k hrám „The Thunderstorm“ a „The Snow Maiden“ (Moskva).

9) Základné hudobných žánrov: 1. Rozvíja sa pieseň a romantika, prehlbuje sa psychologizmus, hudobná reč sa stáva komplexnejšou, sociálne témy zaujímajú veľké miesto (Mussorgskij). 2. Opera: prevládajú 3 hlavné smery - historický, lyricko-psychologický a komický. 3. Balet zažíva v tvorbe Čajkovského znovuzrodenie. 4) Symfonická hudba – „The Mighty Handful“ rozvíja ľudový žáner a epický symfonizmus.

Lístok 2

1. Osemnáste storočie nie je len časom skvelých víťazstiev pre ruské zbrane, budovania luxusných palácov a parkov, vzniku ruského divadla a rozkvetu literatúry a umenia. Práve v tomto čase boli v plnej šírke stanovené úlohy výchovy vlasti. Ideológia ruských osvietencov - Kantemira, Trediakovského, Lomonosova a ďalších - bola založená na skúsenostiach osvieteného panovníka Petra I. a jeho „učeného oddielu“. V tejto dobe sa presadzujú humanistické ideály víťazstva rozumu, spoločenskej hodnoty človeka a dôležitosti jeho občianskej povinnosti. Ruský klasicizmus ako hlavné literárne hnutie tej doby hlásal myšlienky vlastenectva a služby vlasti. Práve v tomto období sa začali používať slová patriot a patriotizmus.

2. Jedným z prvých architektov, ktorí pracovali v secesnom štýle, bol Belgičan Victor Horta. Vo svojich projektoch aktívne využíval nové materiály, predovšetkým kov a sklo. Nosným konštrukciám zo železa dal nevšedné tvary, pripomínajúce akési fantastické rastliny. Schodiskové zábradlie, lampy visiace zo stropu, dokonca aj kľučky dverí – všetko bolo starostlivo navrhnuté v rovnakom štýle. Vo Francúzsku myšlienky secesie rozvinul Hector Guimard, ktorý okrem iného vytvoril vstupné pavilóny parížskeho metra.

Po prvom objavení sa v Belgicku sa tento štýl v Nemecku nazýval Art Nouveau (správnejšie Jugendstil, nemecký jugendstil), v Rakúsku sa nazýval Secesia, vo Francúzsku - Art Nouveau atď. (pozri Art Nouveau). Pojem „secesia“ pochádza z názvu asociácií umelcov a architektov, ktoré sa objavili v Európe na konci 19. storočia, secesie. Preložené - „schizma“. Prvá takáto secesia vznikla v Mníchove v roku 1892 z iniciatívy Franza von Stucka, Wilhelma Trudnera a Fritza von Youdeho. Berlínska secesia vznikla v roku 1893 a Viedenská secesia, najznámejšia, v roku 1894.

Moderná architektúra je rôznorodá. Tento štýl absorboval prvky všetkých predchádzajúcich štýlov. Budovy v secesnom štýle môžu pripomínať maurské paláce, hrady a továrenské budovy. Na rozdiel od eklekticizmu, ktorý predchádzal moderne, však jeho autori odmietli priamo kopírovať formy renesancie a baroka. Koncom 19. stor. Louis Sullivan v Chicagu, Henrik Petrus Berlage v Amsterdame, Henri van de Velde v Belgicku a Otto Wagner vo Viedni súčasne vzniesli svoje požiadavky proti napodobňovaniu a ich protest proti historizmu nezostal bez odozvy.

Štýl sa vyvíjal a postupom času sa objavilo niekoľko smerov:

1. Novoromantizmus, kde sú použité prvky románsky štýl, gotika, renesancia a iné štýly. Príklad - Katolícka katedrála Francúzskeho veľvyslanectva v Petrohrade (L. N. Benois a M. M. Peretyatkovich), stavba s prvkami románskeho štýlu. V rámci novoromantizmu sa rozlišuje gotizmus, byzantizmus a množstvo ďalších tradícií.

2. Neoklasicizmus, príklad - Divadlo na Champs-Elysees v Paríži (O. Perret), Hotel Piccadilly v Londýne (N. Shaw), Banka Azov-Don na ulici Bolshaya Morskaya. v Petrohrade a pod.

3. Racionalizmus, smer s prevahou jednoduchších foriem. Treba poznamenať, že v Rusku sa pojem racionalizmus (architektúra) zvyčajne nepoužíva pre modernizmus, ale pre neskoršiu avantgardu.

4. Iracionalizmus, príkladom je obchod Samariten v Paríži (F. Jourdain).

5. Tzv tehlový štýl, kedy architekti upustili od omietky, a všetky ozdobné detaily stavby boli z tehál (jej zakladateľom v Rusku bol V. A. Schröter).

6. V niektorých veľkých mestách a regiónoch mala secesia svoje charakteristické črty. Takto sa objavili výrazy: viedenský, berlínsky, parížsky, v Rusku - Moskva, Petrohrad, Riga, provinciálny atď. V Škandinávii vzniklo architektonické hnutie, ktoré sa tam nazývalo „národný romantizmus“. V Rusku je tento štýl známy ako severná moderna, alebo fínsky a domy v tomto štýle možno vidieť v malom mestečku Vyborg.

Obdobie architektúry konca 19. - začiatku 20. storočia bolo hodnotené rôznymi spôsobmi. Niektorí ju úplne vymazávajú z dejín architektúry, iní ju považujú za obdobie úpadku a iní za prípravné obdobie rozvoja ďalšej architektúry. Svoje miesto však vo svete zaujal secesný štýl.

VSTUPENKA 3

1. Vek osvietenstva-(fr. Siècle des lumières, nemčina Aufklärung) - jedna z kľúčových epoch v dejinách európskej kultúry, spojená s rozvojom vedeckého, filozofického a sociálneho myslenia. Toto intelektuálne hnutie bolo založené na racionalizme a voľnomyšlienkárstve. Od Anglicka sa toto hnutie rozšírilo do Francúzska, Nemecka, Ruska a pokrylo ďalšie európske krajiny. Francúzski osvietenci boli obzvlášť vplyvní a stali sa „majstrami myslenia“. Osvietenské princípy tvorili základ americkej deklarácie nezávislosti a francúzskej deklarácie práv človeka a občana. Intelektuálne a filozofické hnutie tejto doby malo veľký vplyv na následné zmeny v etike a sociálny život Európa a Amerika, boj za národnú nezávislosť amerických kolónií európskych krajín, zrušenie otroctva, formovanie ľudských práv. Okrem toho to otriaslo autoritou aristokracie a vplyvom cirkvi na spoločenský, intelektuálny a kultúrny život.

fr. postimpresionizmus, z lat. post - after a impresionizmus), súbor trendov, ktoré vznikli v r francúzske umenie v druhej polovici 80. rokov 20. storočia a nahradil impresionizmus. Za začiatok postimpresionizmu sa považuje polovica 80. rokov 19. storočia, kedy sa uskutočnila posledná výstava impresionistov a vyšiel Manifest symbolizmu (1886) básnika Jeana Moreasa. Nové hnutia deklarovali svoj odmietavý postoj k estetike impresionizmu a realizmu. Spájala ich pripravenosť sprostredkovať vo svojich obrazoch nie momentálne, ale dlhodobé, podstatné životné stavy, materiálne aj duchovné. Hľadanie prebiehalo rôznymi spôsobmi: bol to pointelizmus (Georges Seurat, Paul Signac) a symbolika Paula Gauguina a skupiny Nabi (Maurice Denis, Paul Sérusier, Edouard Vuillard, Pierre Bonnard atď.) a vytvorenie lineárno-malebná štruktúra secesného štýlu (Henri de Toulouse-Lautrec a i.), a prienik do konštruktívneho základu námetu (Paul Cezanne), ba dokonca maľba Vincenta Van Gogha, ktorá predznamenala experimenty expresionizmu.
Označenie všeobecného smeru umelecké hnutia ktoré sa objavili po impresionizme. Umelci odmietali zobrazovať len viditeľnú realitu, ale snažili sa zobraziť jej základné, prírodné prvky. Široké spektrum postimpresionizmu obsahuje vznik názorov na objektívne zákony maľby (Cezanne), zobrazovanie imaginárnych procesov (Redon), surrealizmus (Van Gogh), primitívne pramene našej spoločnosti (Gauguin) či poéziu tzv. realita (Rousseau). Princípy umeleckých smerov a vizuálne prvky postimpresionizmu sa stali základom trendov modernej maľby.

VSTUPENKA 4

1. Romantizmus – (francúzsky romantizmus), ideové a umelecké hnutie v európskej a americkej duchovnej kultúre konca 18. – 1. pol. 19. storočia Odráža sklamanie z výsledkov Francúzskej revolúcie z konca 18. storočia, z ideológie osvietenstva a spoločenského pokroku. Romantizmus staval do protikladu utilitarizmus a nivelizáciu jednotlivca s ašpiráciami na bezhraničnú slobodu a „nekonečno“, smädom po dokonalosti a obnove a pátosom osobnej a občianskej nezávislosti. Bolestivý rozpor medzi ideálom a sociálnou realitou je základom romantického svetonázoru a umenia. Potvrdenie vnútornej hodnoty duchovného a tvorivého života jednotlivca, imidžu silné vášne, obraz silných vášní, zduchovnenej a liečivej povahy, pre mnohých romantikov - hrdinstvá protestu alebo boja koexistujú s motívmi „svetového smútku“, „svetového zla“, „nočnej“ stránky duše, oblečenej do foriem irónie, grotesknej poetiky dvoch svetov. Záujem o národnú minulosť (často jej idealizácia), tradície folklóru a kultúry vlastných a iných národov, túžba vytvárať univerzálny obraz sveta (predovšetkým história a literatúra), myšlienka syntézy umenia našiel výraz v ideológii a praxi romantizmu.

V Rusku sa romantizmus v rôznej miere prejavil v tvorbe mnohých majstrov – v maľbe a grafike A. O. Orlovského, ktorý sa presťahoval do Petrohradu, v portrétoch O. A. Kiprenského a čiastočne – od V. A. Tropinina. Výrazný vplyv na formovanie ruskej krajiny mal romantizmus (diela Silv. F. Ščedrina, M. N. Vorobjova, M. I. Lebedeva; diela mladého I. K. Ajvazovského). Rysy romantizmu sa rozporuplne spájali s klasicizmom v dielach K. P. Bryullova, F. A. Bruniho, F. P. Tolstého; Bryullovove portréty zároveň poskytujú jedno z najvýraznejších vyjadrení princípov romantizmu v ruskom umení. Romantizmus do určitej miery zasiahol do maliarstva P. A. Fedotova a A. A. Ivanova.

Jonathan Swift (1667-1745).

Anglo-írsky satirik, publicista, básnik a verejný činiteľ. Známy je najmä ako autor fantastickej tetralógie Gulliverove cesty, v ktorej vtipne zosmiešnil ľudské a spoločenské neresti. Žil v Dubline (Írsko), kde pôsobil ako dekan (rektor) Katedrály sv. Napriek svojmu anglickému pôvodu Swift energicky bránil práva obyčajných Írov a vyslúžil si od nich úprimný rešpekt.

Napríklad v popise Lilliput Swift vychádza z predpokladu, že liliputáni sú dvanásťkrát vyšší menšia výška Gulliver. Preto sa v tejto krajine plošné miery znížia 144-krát a objem 1728-krát. V krajine obrov, kde sa sám Gulliver stáva liliputánom, nájdeme opačný vzťah. Odtiaľ je veľa vtipných epizód. Autor podrobne rozpráva, akú neuveriteľnú prácu dali liliputánski krajčíri ušiť nový oblek pre Gullivera, koľko materiálu sa naňho spotrebovalo, aké drahé bolo udržať väzňa (zjedol takmer 2000 porcií naraz), ako bolo pre neho ťažké nájsť vhodný domov atď. Mimochodom, relativita veličín v nekonečne rozmanitom svete, obmedzené predstavy veľkých a malých sú predmetom Swiftových úvah v iných dielach, najmä v tzv. satirické pojednanie „O poézii“ (1723):

Od prvého do štvrtého dielu satira neustále rastie, stáva sa žierejšou a komplexnejšou.

Lodný lekár Lemuel Gulliver sa ocitne v krajine Lilliput, kde žijú malí ľudia, dvanásťkrát menší ako ľudia. Zajmú Gullivera a neskôr od neho miestny kráľ zloží vazalskú prísahu s prísľubom poslušnosti a prepustí ho.

V tejto časti tetralógie Swift sarkasticky opisuje prehnanú namyslenosť liliputánov a ich morálku, ktorá karikatúrne kopíruje tú ľudskú. Mnohé epizódy tu, rovnako ako v iných častiach knihy, satiricky odkazujú na Swiftove súčasné udalosti.

V druhej časti románu, ktorý opisuje Gulliverove dobrodružstvá v krajine obrov, Swift už nekalí jednotlivé nedostatky politického a verejný život Anglicko a nie jednotliví vládcovia, ale celý systém vlády a vláda ako celok. Ústredné miesto v druhej časti Cesty zaujíma Gulliverov rozhovor s kráľom obrov, ktorému Gulliver podrobne rozpráva o anglických zákonoch a zvykoch.

Rovnaké myšlienky, no v ešte dramatickejšej podobe ho nájdeme v tretej časti románu, ktorá opisuje Gulliverove cesty do iných fiktívnych krajín.

V štvrtej časti románu hrdina sa ocitne vo fantastickom štáte Houyhnhnms. Popisujúc Gulliverov pobyt v krajine koní sa Swift snaží svojim krajanom dokázať, že ich život je organizovaný neľudsky a škaredo, nerozumne a kruto.

Fakulta: "Automobilový a automobilový priemysel"

ABSTRAKT O KULTÚRNYCH ŠTÚDIACH
K TÉME: „Rozkvet ruskej hudobnej klasiky v 19. storočí“

Absolvoval študent skupiny 21-A/10 Valijev A.A.

Učiteľ: Makeev A.I.

2011

OBSAH

ÚVOD
1. Ruská hudobná kultúra prvej polovice 19. storočia
1.1 Vývoj hudobných žánrov
1.2 Kreatívny génius M.I. Glinka
2. Hudobné umenie obdobia po reforme (druhá polovica 19. storočia)
2.1 Dielo P.I. Čajkovského. Vrcholy hudobného romantizmu
3. Hudobná kultúra „strieborného veku“ (90. roky 19. storočia – 1917)
3.1 Nový smer v ruskej sakrálnej hudbe
3.2 Cesta k „tajomstvu“ A.N. Skriabin
ZÁVER
ZOZNAM POUŽITÝCH REFERENCIÍ

ÚVOD

Rozkvet hudobnej kultúry v 19. storočí pripravil celý priebeh jej vývoja v Rusku.
Ľudová poézia a hudba existovali v dávnych dobách a odrážali celý život a históriu ľudí: ich zvyky a rituály, prácu a boj za slobodu, nádeje a sny o lepší život.
Ruskí skladatelia starostlivo zbierali a študovali ľudové piesne. Balakirev, Lyadov, Rimsky-Korsakov zostavili zbierky ruských piesní pre hlas a klavírny sprievod.

Bohatstvo ruskej hudby je nezmerné. Viac ako desať storočí sa jeho tradície formovali a rozvíjali v úzkom kontakte s hudobnou kultúrou iných krajín a v neustálej interakcii s inými druhmi umeleckej tvorivosti. Preto, keď sa pozrieme na štúdium dejín ruského hudobného umenia cisárskej éry, je nevyhnutné spojiť niekoľko aspektov jeho úvah súčasne.
Ruská hudba je najdôležitejšou súčasťou ruskej kultúry. Rovnako ako ruská literatúra, poézia, maľba, divadlo, živo odráža všetky etapy spoločenského života, formovanie ruského filozofického a estetického myslenia. V jeho rozmanitých žánroch a formách boli stelesnené dejiny ľudí, ich oslobodzovací boj, charakter ruského človeka, originalita ruskej prírody a života.
Ruská hudba je zároveň veľkou stránkou svetovej kultúry, najdôležitejším článkom vo všeobecnom reťazci historického vývoja hudobného myslenia, pri zrode a zmene štýlových trendov v európskom hudobnom umení. Ani jeden viac či menej významný počin ruskej hudby nebol nikdy národne obmedzený, ale vždy mal hlboký medzinárodný význam. A v čase jej klasického rozkvetu sa samotná šírka medzinárodných spojení stala výraznou národnou črtou ruskej hudby, ktorá jej zabezpečila nielen svetové uznanie, ale aj vedúcu úlohu v globálnom rozvoji hudobnej kultúry.
Ruská hudba je jednou z popredných slovanských kultúr. Je spätá s kultúrou iných slovanských národov od čias svojho vzniku, vznikla ako všetky z hudby starých Slovanov. Preto sa tu obzvlášť zreteľne objavujú hlboké intonačné interakcie, o čom svedčí najmä od 17. storočia rozšírené používanie melódií ukrajinského, bieloruského folklóru, folklóru južných a západných Slovanov v dielach ruských skladateľov. proces formovania rôznych odborných žánrov.
Pojem „hudobná história“ má viacero zložiek. Jeho štúdium nemožno obmedziť len na úvahy o dielach skladateľov a hudobného folklóru. Významnú úlohu zohráva spoločenská funkcia hudobného umenia v živote štátu, stupeň rozvoja interpretačnej kultúry a vedeckého myslenia o hudbe, úroveň estetického vnímania hudobného umenia jednotlivými spoločenskými skupinami, stav hudobnej osvety a vzdelávanie.

1. Ruská hudobná kultúra prvej polovice 19. storočia

1.1 Vývoj hudobných žánrov

Prvá polovica 19. storočia bola rozkvetom mestských každodenných piesní a každodennej romantiky. Spolu s rastom miest a rozvojom sociálnej štruktúry mestského života sa obohacovala aj ruská mestská pieseň, ktorá absorbovala široký, rôznorodý obsah. Mal hlboký vplyv na tvorbu ruských skladateľov a našiel jedinečnú implementáciu v textoch majstrov ruskej romantiky - Glinku, Dargomyzhského, Alyabieva, Varlamova, Gurileva. V ľúbostnej piesni - najrozšírenejšej a najdostupnejšej zo všetkých hudobných žánrov - sa zreteľne prejavilo prepojenie skladateľa a ľudovej tvorivosti. Skladatelia prvej polovice 19. storočia čerpali materiál hojne z každodenných piesní. Zároveň ich vlastné piesne pevne vstúpili do každodenného života a stali sa populárnymi, ako napríklad „Červený Sarafan“ od Varlamova, „Nightingale“ od Alyabyeva, „Bell“ od Gurileva.
Mestská pieseň začiatku 19. storočia je obsahovo bohatá a žánrovo rôznorodá. Jeho tvorcovia boli citliví na všetko okolo: ani jedna významná udalosť v ruskej realite nezostala nepovšimnutá alebo sa neodrazila v skladbe. Vlastenecká vojna v roku 1812 dala vzniknúť množstvu nových piesní vojakov – hrdinských, pochodových, komických i satirických. Vyjadrili hlboký, bystrý postoj ľudí k veľkým udalostiam našej doby. Náborová pieseň sa stáva obzvlášť populárnou v krutom veku arakčeevizmu. Piesne o ťažkom údele vojakov, o odlúčení od rodiny, o neznámej smrti bojovníka v cudzine ladili s vtedajšou verejnou náladou. Dali priechod ťažkým myšlienkam a náladám decembristických rokov, myšlienkam o vynútenom osude ľudí a tragickom osude obyčajných ľudí.
Éra decembristov znamenala začiatok rozvoja revolučnej piesne v Rusku. Veľkú zásluhu v tomto smere majú postavy decembristického hnutia - Ryleev a Bestuzhev. Tradície revolučnej piesne, ktoré založili básnici decembristi, prevzali a rozvíjali ich súčasníci. Témy lásky k slobode a protestu, boja proti sociálnemu útlaku hlboko prenikli do každodenných piesní.
Na základe textov ľudových piesní vznikala a rozvíjala sa bohatá a rôznorodá ľúbostná tvorivosť skladateľov prvej polovice 19. storočia. Rovnako ako v predchádzajúcom storočí, aj vokálne texty začiatku 19. storočia boli citlivé na estetické potreby a požiadavky rôznych sociálnych skupín. Romantika „najvyššieho“ šľachtického kruhu (hlavne francúzskeho), romantika stredostavovského šľachtického salónu, romantika v kruhoch literárnej inteligencie a napokon piesňová romantika širokého heterogénneho demokratického prostredia má ďaleko od toho. homogénne javy. Ruská romantika, podobne ako ruská poézia, sa vyvinula pod vplyvom vyspelých myšlienok, ktoré živili ruskú kultúru. Už v prvej štvrtine 19. storočia prešla ľúbostná lyrika dlhú cestu vo vývoji - od sentimentálnej romance, ktorá sa ešte nezlomila s tradíciami 18. storočia (Kozlovský, Žilin, Kašin), až po hlboké, psychologicky bohaté diela. od Alyabyeva.
Pre rozvoj inštrumentálnej kultúry v prvej tretine 19. storočia je charakteristická jasná prevaha komorných tendencií, prejavujúcich sa v tvorivosti aj vo formách každodenného muzicírovania. Umenie komorného prednesu našlo úrodnú pôdu v podmienkach ruského života, keď vášeň pre hudbu začala podchytávať čoraz širšie vrstvy spoločnosti. K rozmachu a rozkvetu komornej hudby veľkou mierou prispeli amatérske hudobné večery, stretnutia kvartet, koncerty vo vzdelávacích inštitúciách a privátoch, pričom ťažšou úlohou bolo v tom čase samozrejme uvádzanie veľkých symfonických diel.
Počas prvej polovice 19. storočia sa v ruskej hudbe objavilo mnoho komorných súborov najrôznejších žánrov. Sú medzi nimi sláčikové kvartetá, sonáty pre sláčikové sláčiky alebo pre dychové nástroje so sprievodom klavíra, súbory pre sláčikové a dychové nástroje rôzneho zloženia (vrátane napríklad takého vzácneho typu súboru, akým je Alyabyevovo kvarteto pre štyri flauty, 1827). Nie všetky tieto diela sú autentické profesionálna úroveň, však najlepší z nich dláždi cestu k tvorbe ruskej komornej klasiky, k dielam Glinku, Čajkovského, Borodina.
Klavírna hudba nadobudla v hudobnom a spoločenskom živote iný význam. Úzko súvisí s podmienkami domáceho života, prístupný pre väčšinu široké kruhy milencov, pružnejšie reagovala na nové požiadavky vzrastajúcej národnej kultúry. Pri sledovaní vývoja ruskej klavírnej hudby v prvej polovici 19. storočia nemožno obmedziť jej úspechy na oblasť sólovej tvorby. Rozvoj klavírnej kultúry bol založený na interakcii všetkých žánrov komornej hudby, vrátane romantiky a komorného súboru. V úzkom spojení s vokálnou a piesňovou tradíciou sa sformovali také cenné vlastnosti klavírnej školy ako výrazová melodickosť, jemnosť a vrúcnosť lyrického tónu, veľkorysá melodická bohatosť textúry a tematickosti. V oblasti komorného súboru sa rozvíjali tradície brilantného, ​​virtuózneho koncertného štýlu. Treba poznamenať, že komorná hudba Glinkovho obdobia sa najjasnejšie prejavila v žánri klavírneho súboru (kde vedúca úloha spravidla patrila klaviristovi).
Symfonická hudba zaujímala osobitné miesto v tvorbe Glinkových starších súčasníkov. Rozvoj veľkých symfonických foriem v prvých desaťročiach 19. storočia zostáva úzko spojený s operou, divadelnou tradíciou. V podmienkach pomerne slabo rozvinutého koncertného života sa orchestrálna hudba, prirodzene, ešte nestihla vydať samostatnou cestou rozvoja. Svojím spôsobom však presvedčivo odrážal umelecký vývoj vtedajšieho ruského umenia. V žánri programovej predohry k opere alebo činohernému predstaveniu dokázali ruskí skladatelia realizovať zaujímavé, odvážne nápady. Živé v orchestrácii a expresívne v téme, predohry Kozlovského, Davydova, Alyabyeva a Verstovského pripravili Glinkove symfonické princípy. odráža v nich veľkou cestou, prešiel ruskou hudbou od klasicizmu 18. storočia cez „zúrivú romantiku“ až po realistický symfonizmus „Susanin“, „Kamarinskaya“ a „Ruslan“.

1.2 Kreatívny génius M.I. Glinka

Glinkovo ​​dielo malo osobitný význam pre rozvoj ruskej národnej kultúry: v jeho dielach sa objavili ruskí hudobní klasikovia. Glinka navždy zostane v histórii ako prvý ruský skladateľ svetového významu, a teda ako jedinečný, výnimočný, nenapodobiteľný fenomén.
Glinka sa stal zakladateľom novej éry ruského umenia. Pôsobil nielen ako koniec prejdenej etapy, ale aj ako otvárač nových ciest. Nielenže zhrnul najlepšie umelecké tradície minulosti, ale dal aj nový smer celému vývoju ruskej hudby.
Všetky Glinkove aktivity sú založené na efektívnej myšlienke vlastenectva, ktorá bola v podmienkach decembristického obdobia neoddeliteľne spojená s konceptom skutočnej národnosti. Glinka vstúpila do nášho povedomia predovšetkým ako speváčka ruského ľudu. Glinkovo ​​umenie bolo živené pôvodom ľudového umenia, prijalo najstaršie tradície ruskej zborovej kultúry a interpretovalo ho novým spôsobom. umelecké princípy Ruská skladateľská škola 18. a začiatku 19. storočia. Ruský monumentálny zborový štýl a cappella, raná ruská opera, každodenné romantické piesne a tradície ľudových piesní v žánroch inštrumentálnej hudby 18. storočia vedú ku Glinkovmu umeniu. Samozrejme, všetky tieto prvky Glinka pretavila do novej kvality pokročilejšieho, klasického štýlu. Ako prvý dal ruskej profesionálnej hudbe široký záber, silu ideového obsahu a dokonalosť umeleckých foriem. Nový obsah Glinkovho umenia je spojený predovšetkým s novým chápaním najdôležitejšieho princípu ruskej kompozičnej školy – princípu národnosti. Skladateľ napísal tieto úžasné slová: „...ľudia tvoria hudbu a my, umelci, ju iba aranžujeme. Glinkina národnosť je hlbokým a rôznorodým odrazom života ľudí, ich svetonázoru a charakteru, ich historickej skúsenosti.
V chápaní národnosti boli skladateľovi cudzie národné obmedzenia. Jeden z najpokročilejších, hlboko mysliacich umelcov éry romantizmu sa živo zaujímal o umenie rôznych národov, ich spôsob života a zvyky, ich jazyk. Jeho hudba vo veľkej miere odráža piesne východu, pôvab poľského tanca, temperamentný španielsky tanec a podmanivé zvonové spevy talianskych melódií. Takáto šírka vnímania v Glinkovej tvorbe je typickou črtou ruskej klasickej školy.
Problém národnosti v mysli Glinky bol neoddeliteľne spojený s požiadavkou na pravdivú reflexiu života, s realistickou metódou tvorivosti. A tu sa skladateľ povýšil o krok nad svojich predchodcov. Prekonaním každodenného realizmu 18. storočia dospel k estetickým princípom vysokej typizácie a poetickej generalizácie javov skutočnosti. Problém majstrovstva nadobúda osobitný význam v Glinkovej tvorivej metóde. Nikto z jeho predchodcov nevenoval toľko pozornosti otázkam výtvarnej formy, architektonických a kompozičných riešení. Akékoľvek dielo Glinky zaujme svojou celistvosťou a harmóniou formy, precíznosťou a čistotou hudobného prejavu.
Glinkovo ​​národné umenie nepatrí ani do klasicizmu, ani do romantizmu, rozhodne nejde o jednoduchý súhrn klasicistických a romantických prvkov. Absorboval výdobytky západoeurópskej hudobnej kultúry. Po dokonalom zvládnutí vysokej zručnosti vyvinul svoj vlastný systém estetických názorov založený na princípoch ruského umeleckého realizmu Puškinovej éry. Tomuto systému je podriadený Glinkin štýl.
Glinka zanechal svojim potomkom obrovské neoceniteľné dedičstvo - jeho diela, medzi ktoré patria opery „Ivan Susanin“ a „Ruslan a Lyudmila“; „Kamarinskaya“, „Waltz-Fantasy“ a iné symfonické diela; viac ako 70 románikov; komorné inštrumentálne súbory a klavírne diela.
Úloha Glinky v ruskom hudobnom umení je skvelá. Až s jeho tvorbou sa ruská hudba vydala cestou širokého, monumentálneho, národného umenia.

2. Hudobné umenie obdobia po reforme (druhá polovica 19. storočia)

Historické obdobie 60-80. 19. storočie sa zvyčajne nazýva postreformné - v roku 1861 bolo kráľovským dekrétom zrušené poddanstvo, čo znamenalo liberalizáciu ruského spoločenského života. Táto etapa bola poznačená vysokým rozkvetom umeleckej kultúry ako integrálneho a originálneho fenoménu. Vtedy sa v umení vytvoril určitý systém duchovných a estetických hodnôt, ktoré boli stelesnené v literatúre a divadle, maľbe a hudbe.
Hudobné umenie nezostalo bokom od pálčivých problémov našej doby. Populistické pozície sú charakteristické pre svetonázor mnohých skladateľov, ktorí verili v mesiášsku úlohu ruského ľudu, v triumf ich historického duchovného výkonu. Hudba odrážala celé spektrum intenzívnych morálnych hľadaní ruskej inteligencie tých rokov a stelesňovala ideály inšpirované časom v hudobných obrazoch. Niektorí majstri si idealizovali ruskú históriu a čistotu ľudového života, iní verili v sebazdokonaľovanie jednotlivca na základe zákonov ľudovej etiky, iní sa snažili do svojej tvorby včleniť určitý prototyp ľudovej kultúry, zrodený z odvekých živý zdroj - nedotknutá príroda.
Žánrová jedinečnosť ruskej hudby úzko súvisí s „literárno-centrizmom“ charakteristickým pre umeleckú kultúru poreformnej éry. Generovaný estetikou realizmu sa prejavil v prioritnej úlohe slova, umeleckej a publicistickej. Vedúcim hudobným žánrom v tejto dobe bola opera – historická, epická, lyrická, dramatická. Naďalej sa rozvíjajú ďalšie syntetické hudobné žánre – romantika, pieseň. Vokálna hudba dopĺňa „hudobnú encyklopédiu“ ruskej poézie a obohacuje ju o sociálne, obviňujúce a lyricko-psychologické obrazy.
Inštrumentálna hudba tejto doby tiež tiahne k realistickej zápletke, k špecifikám literárneho zdroja. To sa prejavilo najmä v tom, že zvláštny význam, ktorú od ruských skladateľov získava programová inštrumentálna hudba. Čerpá zo všetkej svetovej literatúry (od tradičných Puškinových textov až po Shakespearove diela), reinterpretuje ich z modernej perspektívy.
Vrcholom vývoja inštrumentálnej hudby bol vznik ruskej viacčlennej symfónie, svedčiacej o vysokej vyspelosti ruského symfonizmu – lyricko-dramatickej (P.I. Čajkovského), epickej (A.P. Borodina). Rozvinuli sa aj iné druhy symfonickej hudby - inštrumentálne koncerty (A.G. Rubinstein, P.I. Čajkovskij, N.A. Rimskij-Korsakov), predohry, fantasy, symfonické obrazy.
Znakom multižánrového rozkvetu hudby je zrod klasického ruského baletu, v ktorom sa symfonickými prostriedkami odhaľuje dramatická podstata deja.
Rozvoj hudobnej kultúry nemohol nereflektovať dva hlavné trendy, ktoré sú pre ruskú národnú mentalitu významné. Prvý z nich súvisí so zrýchlením tempa europeizácie hudobný život, s radikálnymi posunmi v koncertnej praxi, vystupovaní a vzdelávaní. Bola zorganizovaná Ruská hudobná spoločnosť (RMS) a prvé konzervatóriá boli otvorené v Petrohrade a Moskve.
Druhý trend ruskej hudobnej kultúry v období po reforme bol bližšie k „pôdnym“ názorom verejnosti. Centrom hudobného života Petrohradu sa tak stal okruh hudobníkov na čele s M.A. Balakirevom. Do histórie sa zapísala ako Nová hudobná škola alebo „Mocná hŕstka“. Krúžok tvorili začínajúci skladatelia, ktorí nezískali odborné vzdelanie a našli v M.A. Balakirev jeho hlavný mentor: Ts.A.Kui, A.P.Borodin, M.P. Musorgskij, N.A. Rimskij-Korsakov. Estetické pozície „kuchkistov“ sa formovali na základe radikálnych populistických myšlienok, podporených bohatými skúsenosťami s vývojom ruskej hudby v predchádzajúcich rokoch, dielom M. I. Glinka a A.S. Dargomyzhsky. Členovia „Mocnej hŕstky“ verili, že národné umenie vyrastá z ľudového umenia a cesta ruského skladateľa je spojená s realizáciou obrazu ľudí, ich histórie a morálnych ideálov v hudbe.

2.1 Kreativita P.I. Čajkovského

Vrcholy hudobného romantizmu.
Dielo P.I.Čajkovského absorbovalo a sústredilo komplexné informácie o človeku, o psychológii jeho pocitov, o dynamike vášní; zachytávala dialektiku prirodzených impulzov k šťastiu a nemožnosť zmeniť tragickú podstatu pozemského bytia.
Čajkovského génius sa sformoval v dobe po reforme. Bol svedkom vysokého vzostupu a úpadku populistického hnutia v ruskej kultúre a bol súčasníkom skladateľov „Mocnej hŕstky“.
Čajkovského hudobný štýl sa rozvíjal v kontexte skladateľových nekonvenčných predstáv o povahe národnej identity. Vo svojom výklade „národného“ a „ľudového“ išiel inou cestou ako prívrženci „kučkizmu“. Ruský folklór nebol pre neho univerzálnym zdrojom, základným základom hudobného jazyka. Pomocou zovšeobecnených, sprostredkovaných intonácií ľudových piesní Čajkovskij stelesnil národný obraz „ruskosti“, Ruska, ruskej reality v jej modernej všestrannosti. Skladateľ sa preto nesnažil v hudbe využívať špecifické žánre autentického sedliackeho folklóru, ale obrátil sa k „intonačnému slovníku“ mestského hudobného života, ktorý ho obklopuje. Známe mestské intonácie v kombinácii s emocionálnou otvorenosťou, úprimnosťou a melodikou urobili Čajkovského hudbu zrozumiteľnou a prístupnou najširšiemu publiku v Rusku aj v zahraničí. Preto si Čajkovského diela rýchlo získali sympatie Európanov a prispeli k medzinárodnému uznaniu ruskej hudby na celom svete.
Fenomén Čajkovského tvorby ako hlboko ruského fenoménu spočíva v tom, že skladateľ, stelesňujúci osobné, dokázal vyjadriť univerzálne významné, hovoriac rečou hudby o svojich citových zážitkoch – povzniesť sa na úroveň zovšeobecňovania filozofických a morálne myšlienky, ktoré sú kľúčové v kultúre Ruska. Je medzi nimi aj s bolesťou v srdciach a mysliach súčasníkov napísaná otázka, ktorú bravúrne sformuloval F.M. Dostojevskij: je človeku všetko dovolené(?), aj večné problémy života a smrti, dobra a zla, lásky a nenávisti. Čajkovského hudba má s ruskými kultúrnymi tradíciami spoločné nevtieravé „učenie“, súcit s ľuďmi vychádzajúcimi zvnútra, súcit s ich slabosťami a trápeniami, inými slovami, skutočný humanizmus vo svojom univerzálnom chápaní.
Čajkovského diela nemenej organicky zapadajú do výdobytkov európskeho umenia, do štýlu romantizmu. Čajkovskij veril, že „európska hudba je pokladnica, do ktorej každá národnosť prispieva niečím vlastným pre spoločný prospech“. Skladateľ vždy považoval za dôležitú úlohu priniesť „svoje“, nie cudzie „spoločnému“, nikdy sa špeciálne nestaral o vlastnú originalitu. Preto hovoril originálnym, no zároveň univerzálnym hudobným jazykom, romantizmus vnímal práve ako všeobecnú umeleckú myšlienku.
Romantický svetonázor otváral neobmedzené možnosti prejavu skladateľovho lyrického daru. Najlepšie stránky jeho skladieb sú maľované v emotívnych tónoch, vďaka čomu má hudba charakter spovednej výpovede.
Spektrum tvorivých záujmov skladateľa je nezvyčajne široké. Jeho pozostalosť zahŕňa desať opier (Eugene Onegin, Ondine, Kováč Vakula, Piková dáma atď.), tri balety (Labutie jazero, Spiaca krásavica, Luskáčik), sedem symfónií, viac ako desať orchestrálnych diel, inštrumentálne koncerty, zborové a klavírna hudba, komorná a vokálna tvorba. V každej oblasti bol Čajkovskij inovátorom, hoci sa nikdy nesnažil byť reformátorom. Pomocou tradičných žánrov našiel skladateľ príležitosti na ich aktualizáciu. Vytvoril lyricko-dramatickú operu, tragédiu symfóniu, obohatil jednočasťovú programovú predohru a symfonickú báseň, bol aj zakladateľom ruského symfonizovaného baletu a koncertnej symfónie.
Čajkovského tvorba mala obrovský vplyv na jeho súčasníkov. Jeho meno sa už spájalo s najväčšími predstaviteľmi ruskej kultúry. V nasledujúcich desaťročiach žiadny hudobník neunikol vplyvu mocnej Čajkovského symfónie a jeho operného štýlu. Umelecký a humanistický význam jeho hudby sa stal aktuálnym najmä v druhej polovici 20. storočia. Na pozadí globálnych ekologických katastrof, vojen, ničenia a duchovných kríz sa čoraz viac napĺňajú skladateľove slová: „Z celej sily svojej duše by som si želal, aby sa moja hudba šírila, aby sa počet ľudí, ktorí ju milujú a nájsť v ňom útechu a podporu.“

3. „Strieborný vek“ v ruskom hudobnom umení (90. roky 19. storočia – 1917)

Koniec 19. a začiatok 20. storočia sa pre ruskú hudbu niekedy vyznačoval nezvyčajne rýchlym, rýchlym rozvojom a nástupom nových síl a trendov, čo súviselo so všeobecným prehodnotením hodnôt, revíziou mnohých myšlienok a kritérií estetické hodnotenie zavedené v predchádzajúcej ére. Tento proces prebiehal v prudkých sporoch a stretoch medzi rôznymi, niekedy sa zbiehajúcimi, inokedy antagonistickými tendenciami, ktoré sa zdali byť nezmieriteľné a vzájomne sa vylučujúce. Ale práve táto rozmanitosť a intenzita hľadania určuje zvláštne bohatstvo tohto historického obdobia - jedného z najzaujímavejších a najplodnejších v ruskom umení. Výnimočné úspechy a objavy v rôznych oblastiach umeleckej tvorivosti, ktoré poznačili dobu, ju obohatili o nový obsah, nové formy a výrazové prostriedky.
Kultúrne trendy „strieborného veku“ hlboko zmenili tvár hudobného umenia. Medzi „tradicionalistami“, ktorých pohyb smerom k novému prebiehal bez prestávky s nahromadenými skúsenosťami, vynikajú mená predstaviteľov petrohradskej školy, najbližších nasledovníkov N.A. Rimského-Korsakova - A.K. Glazunov a A.K. Lyadov. Moskovskú školu dôstojne zastupuje S.I. Taneev, ako aj menej známi, ale nadaní autori - A.S. Arensky, V.S. Kalinnikov, M.M. Ippolitov-Ivanov.
Ale už v roku 1900. V ruskej hudbe sa objavuje skvelá generácia mladých skladateľov, ktorí patria k veľkým tvorcom „strieborného veku“. Ich umenie odzrkadľovalo obnovu svetonázoru, drámu a intenzitu vášní „doby prelomu storočí“, voľné vzlety vo svojej štýlovej polyfónii. Hudba hovorila obrazmi symbolizmu (A.N. Skriabin), neoklasicizmu (N.K. Medtner), novoromantizmu (S.V. Rachmaninov), neofolklorismu (I.F. Stravinskij), kubofuturizmu (S.S. Prokofiev), voľne kombinujúceho jazyk všetkých štýlov.
Hudobné umenie „strieborného veku“ bolo vo svojej podstate inovatívne. Objavy Skrjabina, Rachmaninova, Stravinského, Prokofieva v oblasti modu, harmónie a formy prispeli k formovaniu novej obraznosti a prostriedkov umeleckého vyjadrenia v hudbe 20. storočia.

3.1 Nový smer v ruskej sakrálnej hudbe

Éra prelomu 19.-20. bola skutočná „duchovná renesancia“ ruskej cirkevnej hudby. Zborové diela vytvorené v období približne od polovice 90. rokov 19. storočia do roku 1917 patria v ruskom liturgickom hudobnom umení k takzvanému novému smeru. Tento smer reprezentovali skladatelia rôznych tvorivých schopností a postojov. Boli medzi nimi hudobníci z petrohradskej a moskovskej skladateľskej školy. Všetkých spájala jedna spoločná myšlienka - idealizácia pravých cirkevných melódií, ich premena na niečo rýdzo hudobne vznešené, silné svojou expresivitou a blízke ruskému srdcu svojou typickou národnosťou.
Podstatou Nového Smeru sa stáva apel na pôvod, na prax znamenitého spevu starovekej Rusi. Na prvý pohľad je taký cirkevný spev „neoklasicizmus“ v úplnom súlade s hlavnou líniou vývoja umenia tej doby, s túžbou oživiť modely minulých kultúr. Hudba Nového Smeru je však úplne zvláštnym odvetvím umeleckej tvorivosti „strieborného veku“, keďže plnila akúsi sprostredkovateľskú funkciu medzi liturgickou praxou s jej prísnym kánonom a svetským umením koncertných cieľov. Diela prívržencov tohto hnutia sa spájajú nielen s liturgickým textom (ktorý sa často vyskytuje v hudbe 20. storočia), ale so špecifickou bohoslužbou, ktorá umožnila zaradiť mnohé diela do bohoslužieb. Nový štýl sakrálnej hudby sa rýchlo a plodne rozvíjal. Skladatelia starostlivo študovali staroveké spevy a snažili sa na ich základe identifikovať princípy harmonizácie cirkevných melódií.
Predchodcami Nového Smeru boli N.A.Rimskij-Korsakov a P.I.Čajkovskij, ktorých sakrálna hudba pochádza z poreformného obdobia. Neskôr sa najvýznamnejšie sily hudobníkov sústredili medzi múrmi Moskovskej synodálnej školy, a preto sa cirkevná hudba „strieborného veku“ často nazýva „školou synodálnej školy“. Najväčšími predstaviteľmi tejto školy boli riaditeľ Synodálnej školy S.V. Smolensky, veľkňaz V.M. Metallov a tiež A.V. Preobraženskij. Medzi moskovských skladateľov, ktorí patrili k novému smeru, patria S.V. Rachmaninov, A.T. Grechaninov, A.D. Kastalsky a ďalší. V Petrohrade boli jej najväčšími predstaviteľmi N.N. Čerepnin a S.V. Pančenko.

3.2 Cesta k „tajomstvu“ A. N. Skrjabina

Jedným z najvýznamnejších predstaviteľov umenia „strieborného veku“ v čase jeho rýchleho rozkvetu bol Alexander Nikolaevič Scriabin. Po mnoho desaťročí ruská hudobná veda hodnotila jeho prácu nejednoznačne – úvahy o cenzúre neumožňovali výskumníkom odhaliť podstatné aspekty hudby ruského génia, oficiálne nazývaného „idealistický mystik“.
atď.................

Ruská hudba 19. storočia sa zvyčajne delí na dve obdobia: pred objavením sa veľkého skladateľa, teda približne do roku 1830-1840, a po ňom.

• Pred - érou raný romantizmus alebo „pred – Glinka“,
• po rusky prichádza hudba klasické obdobie.

Ruská hudba 19. storočia - „pre-Glinkova“ éra

Začiatkom storočia vládla v ruskej hudbe zmes dvoch štýlov – klasicizmu a romantizmu . V prvej polovici 19. storočia sa pre Rusko konali také rozsiahle udalosti ako napr Vlastenecká vojna, vzbura dekabristov; Myšlienky Veľkej francúzskej revolúcie, ktorá nastala krátko predtým, sa rozšírili do celej spoločnosti. To všetko nemohlo ovplyvniť kultúru krajiny. Objavte sa v literatúre, V.F. Odoevskij, v maľbe - V hudobnej kultúre Ruska 19. storočia zaznievajú aj ozveny, ktoré skutočne zmietajú krajinu s príchodom M.I. Glinka.

Hlavné žánre a smery

Najpopulárnejšie trendy v ruskej hudbe 19. storočia boli:

1. "mestská" pieseň. Nakoniec vznikla v 19. storočí. Najčastejšie sa takéto piesne zrodili od jednoduchej gitarovej improvizácie bezmenných amatérov až po básne básnikov (napríklad „Večerné zvony“, „Čo som ťa naštval“).
2. nahrávanie a spracovanie ľudových melódií. Koncom 18. storočia vydal V. Trutovský zbierku ruských ľudových piesní. Začali sa o ne zaujímať takmer všetci obyvatelia hlavného mesta, po čom mnohí hudobných diel v ľudovom štýle („Vlaštovka modrokrídla trepotá“).
3. komorná a vokálna hudba s prímesou ruského folklóru, vystupovala na večeroch hudobného domu. Pod vplyvom romantizmu sa objavila ruská romantika (obzvlášť populárne boli romance A.A. Alyabyeva („Slávik“) a A.E. Varlamova („Ach, ty, časovo obmedzený čas“, „Po ulici sa preháňa snehová búrka“)) a vytvorený na ňom vychádza z cigánskej romantiky, ktorá si nevyžadovala profesionála vokálny hlas a zložitým sprievodom (napríklad: „Vaše oči sú zelené“).

Tiež taký hudobný žáner ako vaudeville bol stále živý – ľahká hra s veršami. V hudobnej kultúre Ruska v období „pred Glinského“ boli vaudeville obzvlášť populárne:

• A.A. Shakhovsky („Nápoj lásky“, „Útek od svojej nevesty“)
• F.V. Bulgarin („Rozhovor v kráľovstve mŕtvych“, „Mitrofanushkine dobrodružstvá na Mesiaci“),

každý mladý šľachtic však považoval za svoju povinnosť skomponovať aspoň raz v živote vaudevillovú hru pre nejaký herecký benefičný výkon.

Divadlá uvádzali najmä talianske a francúzske opery. V ruskej opere prevládali epické motívy; bol však už badateľný vplyv romantizmu (A.N. Verstovskij vo svojich dielach často využíval napr. romantické príbehy- apel na epochálnu minulosť).

Začiatok klasického obdobia ruskej hudby - M.I. Glinka

Vystúpením Michaila Ivanoviča Glinku, zakladateľa kompozičnej školy v Rusku, sa začal skutočný vzostup ruskej hudby 19. storočia. Jeho hudobné diela sú presiaknuté ľudovými motívmi, obsahujú toho istého Puškinovho „ruského ducha“. Okrem nádherných vokálnych diel a symfónií vytvoril skladateľ dve opery (jedna z najvýznamnejších v dejinách hudby): „Život pre cára“ (1836) a „Ruslan a Lyudmila“ (1842). Obe tieto diela sú preniknuté najsilnejšími vlasteneckými a ruskými princípmi, pretože M.I. Glinka sám povedal:

"Hudba musí obsahovať intonácie a dokonca aj celé melódie ľudovej hudby národnosti, ku ktorej autor patrí."

Teda v opere „Život pre cára“ v postave jednoduchý roľník Ivana Susanina M.I. Glinka ukázala všetku silu a moc ruského ľudu. Najdôležitejšou inováciou opery bolo, že hlavnou postavou hudobného diela bol muž, nevoľník. Nie je prekvapujúce, že spoločnosť vysokej spoločnosti operu neocenila, ale mnohí klasici literatúry (napríklad) boli jej skutočnými fanúšikmi.

V epickom príbehu s jasnými romantickými motívmi „Ruslan a Lyudmila“ sa Glinka posunula ešte ďalej od tradícií francúzskych a talianskych opier, a preto toto hudobné dielo nebolo privítané s nadšením. Avšak práve po týchto dielach bola ruská hudba uznávaná po celom svete a M.I. Glinka je právom uznávaný ako zakladateľ klasickej hudby v Rusku.

Ruská hudba druhej polovice 19. storočia

V druhej polovici 19. storočia sa hudba stala prístupnejšou pre rôzne vrstvy populácia.

• Sú otvorené pobočky v Moskve a Petrohrade Imperial Russian Musical Society, ktoré neustále organizujú hudobné stretnutia prístupné pre každého,
• V Petrohrade vzniká bezplatná hudobná škola,
• Zakladajú sa konzervatóriá – najprv v hlavných mestách (na ich čele stáli bratia Rubinsteinovci), na konci storočia aj v iných mestách.

Nové hudobné žánre sa stávajú populárnymi - symfonické cykly, symfónie (prvú symfóniu (F dur) vytvoril A.G. Rubinstein v roku 1859, ale nezískal veľkú popularitu; známejšia je jeho Symfónia č. 2 C dur s názvom „Oceán“. Tento žáner dosiahol svoj skutočný rozkvet v ruskej hudbe v dielach Rimského-Korsakova a.

Kompozičné školy 19. storočia v Rusku

Aj v krajine v 19. storočí vznikli dve najväčšie kompozičné školy:

• Najprv - Nová ruská škola v Petrohrade, neskôr V.V. Stasov jej zavolá.

Hudobný život Pre toto obdobie boli charakteristické aj turbulencie udalostí a časté zmeny smerov, intenzívne hľadanie nových výrazových prostriedkov v hudobnom umení. Tieto vyhľadávania boli často spojené s hľadaním v iných formách umenia. Trendy zrodené v literatúre resp výtvarného umenia postupne preberal iné formy umenia, najmä hudbu.

Začína sa nové obdobie v hudbe pokroky symbolickej školy, iní ju nazývajú hudbou impresionizmu pre bohatosť a bizarné zmeny poltónov blízkych impresionistickým maľbám. Vznikol vo Francúzsku a jeho nasledovníci dali o sebe čoskoro vedieť v celej Európe. Symbolisti sa postavili proti všadeprítomne dominantnému akademizmu a novoromantizmu v duchu Wagnera. "Musíme hľadať cesty po Wagnerovi a nie nasledovať Wagnerove stopy," argumentoval Claude Debussy. Symbolisti sa obrátili k nerozvinutému bohatstvu hudobného folklóru Španielska, Ďalekého východu a škandinávskych národov, osviežili hudbu originálnymi rytmami a mimoriadnym zafarbením farby. V snahe prekonať mocný vplyv Wagnera rozvíjajú tradície 18. storočia. - Rameau a Mozart.

Symbolizmus(impresionizmus) sa predovšetkým deklaroval v klavírnych miniatúrach a romanciach 90. rokov. Claude Debussy. A predohra „Faunovo popoludnie“ (1894) sa považuje za manifest hudobnej symboliky (impresionizmu). Toto dielo je postavené na rozmarných asociáciách, vyznačuje sa jasnými exotickými farbami, množstvom jemných odtieňov, je úplne oslobodené od všetkých akademických konvencií. Keď sa impresionizmus objavil medzi umelcami, čoskoro zaujal sochárov a potom skladateľov a bol najstabilnejším hnutím konca 19. storočia.

Claude Debussy (1862-1918)

Zakladateľom impresionizmu v hudbe bol teda francúzsky skladateľ Claude Debussy(1862-1918). Debussyho tvorivé dedičstvo nie je príliš rozsiahle. Začínal dielami, v ktorých bolo cítiť vplyv ruskej školy Musorgského a Rimského-Korsakova. Ale v dielach ako „Faunovo popoludnie“, „Nokturná“ (1899), „Obrazy“, opera „Pelléas et Mélisande“ (1902), klavírne skladby, pôsobí ako jasný inovátor.

Tri symfonické skladby pod spoločným názvom "nokturno" pre husle a orchester boli napísané pre slávneho belgického huslistu Eugena Ysayeho, symfonická verzia bola dokončená v roku 1899. K prvému uvedeniu v roku 1900 autor napísal komentár, kde zdôraznil, že nokturnom nemyslíme obvyklú formu, ale dojmy a vnemy zo svetla. K obsahu prvej skladby z cyklu „Oblaky“ skladateľ napísal: „Toto večný obraz obloha s pomaly a melancholicky plávajúcimi oblakmi, umierajúcimi v sivom opare, jemne zatienená bielym svetlom.“ (Charles Baudelaire má rovnomennú prozaickú báseň, veľmi blízku hudbe Debussyho.) Druhá hra – „Slávnosti“ – je pohyb, tanečný rytmus atmosféry s náhlymi zábleskami. jasné svetlo, tu je aj epizóda sprievodu (oslňujúca a strašidelná vízia), ktorý prechádza sviatkom a splýva s ním; ale pozadie zostáva celý čas - toto je sviatok, toto je zmes hudby so svietiacim prachom, ktorý je súčasťou celkového rytmu. Tretia hra – „Sirény“ – je more a jeho nekonečne rozmanitý rytmus; Medzi mesiacmi postriebrenými vlnami sa objavuje tajomný spev sirén, ktorý sa smiechom rozmetá a mizne. Z týchto skladateľových vysvetlení je zrejmé, že Debussy vytvoril hudbu rafinovaných obrazov, ktorá sa vyznačuje poltónmi nálad a sofistikovanosťou harmónií. Harmónia jeho hudby vznikla z úplne iného zvukového vnemu, ako je harmónia predchádzajúcej hudby.

Maurice Ravel (1875-1937)

Druhým pozoruhodným predstaviteľom impresionistickej hudby bol francúzsky skladateľ Maurice Ravel(1875-1937). Jeho hudba sa vyznačuje väčšou energiou a dynamikou ako Debussyho. Nie nadarmo sú jeho úspechy v žánri baletu také veľké. Hovoria tomu "Bolero" a "Waltz" symfonické básne tanec.

Dve charakteristické črty Ravelovho diela sa odrazili v „Bolero“: láska k tancu a hlboký záujem o španielsku hudbu. "Bolero" je jeden reťazec nepretržitého dynamického rastu. S. Prokofiev nazval toto baletné dielo „zázrak skladateľskej zručnosti“.

Vyfarbovanie témy nekonečne sa meniacimi farbami, prezentovať ju v "Tisíce rôznych odevov"(S. Prokofiev), Ravel majstrovsky využil možnosti moderného orchestra a vytvoril oslnivé inštrumentálne dielo.

Groteskný princíp sa prejavil v takých dielach Ravela, ako je buffa opera „The Spanish Hour“ (1907) a choreografická báseň „Waltzes“ (1920). To približuje Ravela k expresionistom.

Ravelovi sa ho podarilo nájsť individuálnym spôsobom výroky, ďalej rozširovať zvukové a vizuálne koloristické schopnosti hudby. Farebnosť a malebnosť jeho hudby nikdy nezatienila obsah. Jeho hudba sa líšila od snovej a poetickej hudby Debussyho oslnivým jasom a chytľavými farbami španielskeho folklóru. Jedným z vrcholov jeho tvorivosti bol balet „Daphnis a Chloe“, napísaný v roku 1909 na objednávku S. Diaghileva pre predstavenia ruského baletného súboru v Paríži.

Modernizmus v hudbe

Hudobné krajiny impresionistov zostávajú neprekonané v jemnosti a sofistikovanosti farieb, ktoré sú v podstate charakteristické pre Francúzska umelecká kultúra.

generácie francúzskych skladateľov, ktorí pôsobili po impresionistoch (po 1. svetovej vojne) - A. Honegger, D. Milhaud, J. Oic, F. Poulenc a iní - sa odvrátili od svojich predchodcov, ich kultivovanosť a kultivovanosť sa ukázala ako nevhodná pre nové čas. A v roku 1918 vyšla kniha Jeana Cocteaua „The Rooster and the Harlekýn“. Jej autorom bol známy francúzsky básnik, výtvarník a hudobný kritik- napísal: „...Dosť bolo mrakov, hmly, akvárií a vôní noci, potrebujeme pozemskú hudbu, každodennú hudbu!...“ Niektorí považujú tento rok za rok narodenia modernizmus v hudbe.

Predtým modernistické trendy sa prejavili v tvorbe nemeckých expresionistických skladateľov – predstaviteľov nov viedenská škola(viac o tom nižšie). V mnohom sa proti romantickej tradícii postavil aj najväčší skladateľ tej doby Richard Strauss(1864-1949). V Straussovej hudbe sú badateľné črty naturalizmu. Prehnane sa zaujímal o životosprávu a priamu imitáciu, onomatopoju. V jeho hudobných drámach Salome (1905) a Electra (1909, podľa Hofvansthalovej poviedky) cítiť vplyv dekadencie. Ale v roku 1911 sa objavila veľkolepá komická opera Der Rosenkavalier. Ako riaditeľ berlínskej opery do roku 1918 skladateľ urobil veľa pre aktualizáciu jej repertoáru.

Klasické tradície v hudbe

Klasické beethovenovské tradície našli svoj rozvoj v diele rakúskeho symfonika Gustáv Mahler(1860-1911), ktorý bol vynikajúcim dirigentom a v rokoch 1897-1907. riadil Viedenskú operu.

V rokoch 1888 až 1909 Mahler vytvoril 10 symfónií, z ktorých každá sa stáva udalosťou v hudobnom živote Európy. Prudko pozdvihol verejný zvuk hudobných diel, oživil tradície na novom základe filozofická symfónia-spoveď. Mahler vo svojich symfóniách odvážne využíval vokálne a zborové prvky a dosiahol harmonickú jednotu najzložitejších hudobných tém s jednoduchými melódiami folklóru. Mahler vychádzal z tradícií Beethovena a Schuberta, symbolické a naturalistické záľuby mu boli cudzie.

Naturalizmus v hudbe

Naturalizmus sa vyvinul aj v talianskej hudbe pod názvom verizmus. Jeho nasledovníci tu boli

• Giacomo Puccini (1858-1924),
• Pietro Mascagni (1863-1945),
• Reggio Leoncavallo (1857-1919).

Ako spisovatelia viery venovali svoje hudobné drámy životu chudobných ľudí, odvážne uvádzaným prozaické hudobné situácie. V hudbe upustili od vokálnych „perkusných čísel“ a priklonili sa k deklamácii, využívaniu imitácie ruchov, spevu vtákov, zvukom surfovania atď. „La Bohème“ (1896) a „Tosca“ (1900) od Pucciniho položili základ komornej lyrická dráma v operných domoch.na javisku. Tento žáner našiel svoje najvyššie stelesnenie v Cio-Cio-San (1904).

Expresionizmus v hudbe

Veristami realizovaná operná reforma preukázala svoju plodnosť v ďalšom vývoji hudobné a dramatické umenie v Európe.

Hlavná choroba 20. storočia. došlo k strate pozitívneho ideálu. Tak ako v umení a hudbe, obrazy zla a ničenia sú často zobrazené živšie ako sily dobra a stvorenia. To ovplyvnilo kreativitu a Gustáv Mahler, ktorá mala silný vplyv na umenie 20. storočia. Jedným z jeho najpozoruhodnejších diel je vokálno-symfonická „Pieseň zeme“, plná hlbokého beznádejného smútku, smútku z rozlúčky so životom. Prvá veta, ktorá by sa mohla stať epigrafom, je orientačná: „Život je temný, rovnako aj smrť.“ Na začiatku 20. stor. Nemeckí skladatelia sa vyznačovali vášňou expresionizmus- túžba po zvýšenej, prehnanej expresívnosti. V tejto oblasti pátrali Arnold Schoenberg (1874-1951), Alban Berg (1885-1935), Anton von Webern (1883-1945) a ďalší predstavitelia novej viedenskej školy.

„Smútok sa stáva záhubou, depresia, zúfalstvo sa mení na hystériu, texty vyzerajú ako rozbitá sklenená hračka, humor sa stáva groteskným... Hlavným smerom je extrémna bolesť,“ – takto charakterizoval situáciu v hudbe nemecký skladateľ Hans Eisler(študent Schoenberga), ktorý svoj talent venoval nemeckému a medzinárodnému robotníckemu hnutiu. Schoenberg a Berg vytvorili veľké umelecké hodnoty kritického charakteru, ktoré majú význam verdiktu nad realitou.

Schoenberg, otec hudobnej moderny, vytvoril novú hudobnú techniku, ktorá odmietala úplne modálny hudobný základ, tzv dodekafónia(z gréčtiny dodeka - dvanásť a telefón - zvuk) - metóda hudobná kompozícia, v ktorom sú modálne spojenia (gravitácia) medzi zvukmi popreté a každý z 12 tónov chromatickej stupnice (zvuky v rámci oktávy) sa považuje za rovnocenné bez rozlíšenia tónov na stabilné a nestabilné.

Schoenbergova práca a učenie spôsobili revolúciu v stáročnej praxi kompozície. Reforma hudobného jazyka po prvý raz odmietla kontinuitu s hudbou minulosti. Schoenberg a jeho nástupcovia sa úplne rozišli s režimovo-tónovým systémom. Skladanie hudby je podľa Schoenberga čisto špekulatívna konštrukcia, podobná riešeniu problémov matematickej logiky.

Počas prvej svetovej vojny vytvoril Berg operu "Wozzeck" o osude mladého vojaka (od šikany v kasárňach až po psychózu a zločin). Táto práca sa zvažuje vrchol expresionistickej tvorivosti, stojí na rovnakej úrovni ako protivojnové diela Remarqua a Hemingwaya. Po prvej svetovej vojne sa skladatelia obrátia k hľadaniu strateného ideálu.

Avantgarda v hudbe

Ešte väčší odklon od tradícií klasického hudobného dedičstva poznačený avantgardné hnutie, na princípoch novo-venskej školy so zavedením ďalších prvkov kompozície. Avantgardní umelci zahrnuli do zvukovej štruktúry svojich diel rôzne druhy ruchov a zvukov elektronických syntetizátorov, všimnime si to pri pohľade dopredu.

Jednou z odrôd hudobného avantgardizmu sa stala aleotorika(lat. alea - kocky, náhoda) - hnutie v modernej hudbe, ktoré vzniklo v 50. rokoch. XX storočia v Nemecku a Francúzsku; založené výlučne na uplatnení princípu náhody tak v procese tvorby diela, ako aj pri jeho realizácii. V chaotických zvukových kombináciách používali avantgardisti princíp zvučnosti(lat. sonorus – zvučný, zvučný, hlučný) – kompozičná technika založená na využití farebných harmónií.

Neoklasicizmus v hudbe

Predstavitelia neoklasicizmu sú považovaní za ruských Igor Stravinskij a Nemec Paul Hindemith(1895-1963). Títo významní skladatelia 20. storočia poskytovali podporu pre ich tvorivé hľadania. hľadali v hudbe predbachovských a bachovských čias. Stravinského balety a Hindemithova opera „The Artist Matisse“ (1938) právom vstúpili do zlatého fondu hudby 20. storočia.

závery

Na záver poznamenávame, že hudba najbystrejšieho inovátora Schoenberga, ktorý úplne obrátil tradičnú myšlienku hudobného jazyka naruby, sa dnes takmer nepočuje a je zaujímavá ako historický míľnik vo vývoji techník kompozičného písania. a hudba Rachmaninova, ktorý písal staromódnym spôsobom, dnes znie široko a predstavuje neoddeliteľnú súčasť súčasného umenia. Keď sa impresionizmus objavil medzi umelcami, čoskoro zaujal sochárov a potom skladateľov a bol najstabilnejším hnutím konca 19. storočia.