Ruská hudba 19. storočia. Hudobná kultúra Ruska v 19. storočí

V prvej polovici 19. storočia začala prekvitať ruská klasická hudba. Dielo Glinky a Dargomyzhského otvára obdobie rýchleho vzostupu národného hudobného umenia k výšinám svetovej kultúry. Rozvoj hudby bol súčasťou všeobecného procesu – vzostupu celého ruského umenia počas významného obdobia historického vývoja ruský štát. Vlastenecká vojna v roku 1812 a decembristické povstanie v roku 1825 spôsobili silný výbuch vlasteneckého cítenia a vzostup duchovných síl národa. „Dvanásty rok,“ napísal Belinsky, „šokoval celé Rusko od konca do konca, prebudil jeho spiace sily a objavil v ňom nové, dosiaľ neznáme zdroje sily...“

V tomto období sa formovala ruská klasická literatúra, hudba a maľba. Vedúca úloha patrila literatúre. Znakom éry bola práca Puškina, ktorú pripravili diela Žukovského, Karamzina, Batyushkova, Krylova. Puškin bol tvorcom ruského literárneho jazyka, čím definoval ďalšiu cestu rozvoj národnej literatúry. V rovnakom čase ako Puškin, Gribojedov, Rylejev, Vjazemskij, Delvig, Jazykov, Baratynsky tvorili svoje diela; neskôr začína tvorivý život Lermontova, Gogoľa, Koltsova, Belinského. Do polovice storočia sa objaví nová generácia spisovateľov - Dostojevskij, Tolstoj, Nekrasov, Turgenev, Gončarov a ďalší.

Prvá polovica 19. storočia znamenala začiatok ruského klasického maliarstva (obrazy Kiprenského, Tropinina, Venetsianova, Ščedrina, Bryullova, Ivanova, Fedotova) a sochárstva (Klodt a i.), architektúry (Voronichin, Zacharov, Beauvais, Gilardi, Rossi). ).

Ruské umenie prvých desaťročí 19. storočia bolo silne ovplyvnené novým európskym umeleckým hnutím – romantizmom. „Romantizmus je prvé slovo, ktoré ohlásilo Puškinovo obdobie,“ napísal Belinsky. Jeho charakteristická nezávislosť od umelcovej tvorivosti a pozornosti k vnútornému svetu človeka, záujem o život jeho domorodcov, ich históriu, piesne, rozprávky a legendy, vzpurnosť ducha a láska k slobode, vášeň a odvaha prejavu, nadšenie nadšenie sú stelesnené v dielach tejto doby. Prostredníctvom romantizmu, jeho zvýšenej emocionality a subjektivity ruské umenie smeroval k nastoleniu princípov umeleckého realizmu.

Hudobný život Ruska od začiatku 19. storočia začal nadobúdať nové črty. Významnými hudobnými centrami sa stávajú lýceá, internáty, univerzity, ale aj literárne a umelecké krúžky. Tieto kruhy spájali milovníkov umenia, spisovateľov, hercov, maliarov a hudobníkov. Hrali sa tu nové diela, diskutovalo sa o operných predstaveniach a koncertoch. Takéto stretnutia sa konali v Petrohrade v domoch Delviga, Odoevského, grófa Michaila Vielgorského, v Moskve - u Gribojedova, princeznej Zinaidy Volkonskej.

Koncertný život ožíva: v roku 1802 vznikol v Petrohrade prvý ruský koncert organizácia koncertov- „Filharmonická spoločnosť“, ktorá organizovala verejné symfonické koncerty. Koncerty komornej hudby sa konajú v súkromných domoch, vznešené a vznešené zhromaždenia a rôzne vzdelávacie inštitúcie, na ktorých sa zúčastňujú ruskí aj zahraniční hudobníci. Významnú úlohu naďalej zohrávajú zbory a symfonické orchestre poddanských hudobníkov, ktoré existovali na mnohých šľachtických panstvách.

Jedným z obľúbených žánrov symfonickej hudby v tomto období boli programové predohry k operám a dramatickým predstaveniam, ktoré zložili Kozlovský, Davydov, Alyabyev, Verstovsky. Znateľnými zmenami prechádza aj žáner hudobného divadla. Každodenná komická opera, obľúbená v 18. storočí, postupne ustupuje rozprávkovým operám („Neviditeľný princ“ a „Iľja Bogatyr“ od Kavosa, „Dneperská morská panna“ od Davydova) a romantickým operám („Askoldov hrob“ od Verstovský). Spolu s operou sa rozširuje aj vaudeville, hudba pre dramatické predstavenia („tragédie na hudbe“), ako aj balet, ktorý v Rusku prekvital vďaka dielu veľkého francúzskeho choreografa Charlesa Didelota.

Úspešný rozvoj týchto žánrov bol neoddeliteľný od formovania ruských interpretačných škôl v opere (E. Sandunova, O. Petrov, A. Petrova-Vorobyova), balete (A. Istomina, E. Kolosová, A. Glushkovsky), činohre ( E. Semenova, P. Mochalov, M. Shchepkin).

Každodenné domáce prehrávanie hudby sa stáva rozšíreným. Milovníci hudby sa po večeroch schádzali, hrali a spievali v sprievode gitary, harfy či klavíra. Repertoár v cene ľudové piesne- roľník, mestský, vojak. Mnoho skladateľov ich upravilo, najobľúbenejšie boli zbierky Kašina a Rupina. Zazneli ako sólové piesne, duetá a vo forme inštrumentálnych variácií a ansámblov. V tomto prostredí sa formoval a rozvíjal obľúbený žáner éry - romantika .

Romantika a pieseň

Romantická tvorba skladateľov prvej polovice 19. storočia sa formovala na základe ľudových sedliackych, mestských a ruských piesní. Práve v romantike sa formovali zvláštnosti ruského hudobného jazyka a národného hudobného štýlu. Jej rozvoj úzko súvisel s rozkvetom ruskej poézie v Puškinovej ére a dielom Žukovského, Vjazemského, Baratynského, Delviga, Batjuškova, Jazykova, samotného Puškina a ďalších básnikov. O. Kozlovský napísal svoje romance podľa ich básní,

A. Zhilin, bratia Titovovci, Mich. Vielgorskij, A. Verstovskij, A. Alyabyev, A. Varlamov, A. Gurilev, P. Bulachov, M. Glinka, A. Dargomyzhsky. V ich práci sa objavili hlavné žánre ruskej romantiky. Toto lyrická romanca - najbežnejšie v tejto dobe; "ruská pieseň" , ktorý vznikol ako imitácia ľudovej hudby; elégia - lyrická a filozofická reflexia; romantická balada , ktorého tvorcom v Rusku bol Verstovský; pijácka pieseň , zrodený z pochodových táborových piesní a ospevovania slobody, osvety a vlastenectva; lyrické romance o „vzdialených krajinách“ , v ktorom romantické obrazy Talianska, Španielska, Kaukazu, Východu, ako aj romance v tanečných rytmoch (valčík, polka, mazurka, polonéza, bolero a iné).

Zároveň sa formuje jedinečný ruský vokálny štýl, ktorý spája intonácie a tradície ľudového spevu so znakmi talianskej belcantovej vokálnej kultúry, tak populárnej v Rusku. Každá romanca vytvára svoj vlastný individuálny, ľahko zapamätateľný obraz, ktorý sa dotýka najcitlivejších strún v srdci poslucháča. Úprimnosť ruskej romantiky je jej zvláštnosťou, ktorá vychádza z úprimnosti autorovho vcítenia sa do jeho lyrického hrdinu, z vlastností ruskej duše.

A.A. Alyabyev

Osud Alexandra Alexandroviča Alyabyeva (1787-1851) bol dramatický, hoci prvá polovica jeho života neveštila utrpenia. Narodil sa v Tobolsku; jeho otec slúžil ako guvernér, bol považovaný za osvieteného a liberálneho muža a bol veľkým milovníkom hudby. Dieťa dostalo vážne domáce vzdelávanie, ktorého povinnou súčasťou bola hra na klavíri.

Keď sa jeho rodina presťahovala do Moskvy, Alexander začal vážne študovať hudbu a čoskoro sa objavili jeho prvé skladby - romance a klavírne skladby.

V prvých dňoch vlasteneckej vojny v roku 1812 sa Alyabyev dobrovoľne prihlásil do armády. Bojoval po boku legendárneho partizánskeho básnika Denisa Davydova, bol ranený a so svojim husárskym plukom odišiel až do Paríža; za statočnosť a vojenské zásluhy Alyabyev získal rozkazy a medailu.

Na konci vojny pokračoval vojenská služba, žije v Petrohrade a po odchode do dôchodku sa usadí v Moskve, kde sa zbližuje s umeleckým svetom, komunikuje s Gribojedovom, Krylovom, Bestuževom-Marlinským, Odoevským, Verstovským, bratmi Vielgorskými. Ako klavirista a spevák sa zúčastňuje amatérskych koncertov, skladá divadelnú hudbu (opery, vaudeville), komornú hudbu inštrumentálne diela, romance, ktoré sú u poslucháčov veľmi obľúbené.

Ale tento jasný tvorivý život bol prerušený smrteľným incidentom. V roku 1825 počas kartovej hry v Alyabyevovom dome došlo k veľkej hádke, po ktorej jeden z účastníkov náhle zomrel. Alyabyev bol zatknutý pre podozrenie z vraždy a po zdĺhavom procese, napriek chýbajúcim dôkazom o zločine, bol odsúdený na pozbavenie všetkých práv, šľachtického titulu a vyhnanstvo na Sibír.

Začalo sa Alyabyevovo dlhodobé putovanie. Exil trval viac ako 15 rokov; žil v Tobolsku na Kaukaze, v Orenburgu, Kolomna. Ale napriek ťažkým skúškam a osamelosti skladateľ pokračuje vo svojej aktívnej tvorivej práci. Ešte vo väzení komponoval romance (vrátane slávneho „The Nightingale“), ako aj inštrumentálne hry, hudbu pre estrády a balet „The Magic Drum“. V tobolskom exile organizuje vojenskú dychovku a zbor, diriguje ich vystúpenia, píše orchestrálnu hudbu a romance; také ako „Irtysh“, „ Zimná cesta“, „Večerné zvony“, súvisia s témou exilu a stali sa skladateľovou lyrickou spoveďou.

Počas cesty na Kaukaz, ktorá bola povolená na liečenie, bol Alyabyev uchvátený svojou prírodou, zvykmi a hudbou. Nahrával gruzínske, arménske, kabardské, azerbajdžanské ľudové melódie, ktorých rytmy a intonácie sa potom premietli do tvorby rôznych žánrov.

Až v roku 1843 s veľkými ťažkosťami dostal Alyabyev povolenie žiť v Moskve, ale pod policajným dohľadom a „bez práva vystupovať na verejnosti“. Vedie osamelý život, všetok svoj čas venuje písaniu. Životné skúšky skladateľa nezlomili. Jeho pozornosť pútajú básne demokratického básnika N. Ogareva, venované námetom a zápletkám zo života obyčajných ľudí. Objavujú sa romance „Tavern“, „Izba“, „Willage Watchman“, ako aj jedno z Alyabyevových majstrovských diel - „Žobrácka žena“ (verše od Berangera), v ktorej je téma „ mužíček“, téma sociálnej nerovnosti, anticipujúca diela Dargomyžského a Musorgského. Tieto skladby boli poslednými v skladateľovom živote.

Alyabyevova kreativita je rôznorodá, zahŕňa rôzne žánre- opery, balety, vaudeville, diela pre orchester, klavírne skladby, komorné súbory (triá, kvartetá), zborové diela. Najdôležitejšie miesto medzi jeho dielami však zaujímajú početné romance (viac ako 150). Jeden z najpopulárnejších je vytvorený v roku 1825 na základe básní Delviga "Slávik". Romanca patrí do žánru „ruská pieseň“ a je napísaná vo forme veršov s pokojným refrénom a rýchlym refrénom. Jemná, oduševnená melódia úzko súvisí s intonáciami ruských lyrických piesní, vyznačuje sa modálnou variabilitou pochádzajúcou z ľudovej hudby (D mol - F dur, C dur - A mol). Jej hladké, zaoblené štvortaktové frázy sú podporené skromným „gitarovým“ sprievodom:

Pomaly, s citom

Jasné a rýchle klavírne závery veršov zároveň výrazne kontrastujú s plastickou vokálnou kantilénou.

Následne vynikajúce romantické speváčky - Adeline Patti, Henrietta Sontag, Polina Viardot, ako aj mnohí ruskí speváci - naplnili vokálnu časť virtuóznymi pasážami a kadenciou. Obľúbenosť diela podporili jeho klavírne úpravy – Glinkove variácie a Lisztove transkripcie, ako aj husľová fantázia Henriho Vietanga.

A.E. Varlamov

Alexander Egorovič Varlamov (1801-1848) sa narodil v Moskve v rodine skromného úradníka. Chlapcova vášeň pre hudbu a jeho talent sa prejavili skoro: výberom ľudových piesní podľa sluchu sa naučil hrať na husle. Vďaka svojim mimoriadnym schopnostiam a krásnemu hlasu ho ako desaťročného prijali za speváka do Petrohradskej dvornej kaplnky. Tu Varlamov študoval pod vedením riaditeľa zboru, vynikajúceho skladateľa D. S. Bortnyanského. Úspech v speve mu umožnil stať sa čoskoro sólistom zboru; naučil sa hrať aj na gitare, klavíri a violončele.

Po štúdiu v kaplnke dostane Varlamov menovanie slúžiť v Holandsku ako regent ( Regent - riaditeľ a vokálny pedagóg zboru) Kostol ruského veľvyslanectva v Haagu. Roky strávené v zahraničí mali veľký vplyv na hudobný vývoj budúceho skladateľa: často navštevuje operu a koncerty, sám vystupuje ako spevák a gitarista.

Po návrate do Petrohradu Varlamov najprv vyučoval na Divadelnej škole a potom opäť vstúpil do Dvorskej speváckej kaplnky ako zborista a učiteľ spevu. V roku 1827 stretol Glinku; komunikácia s ním mala veľký význam pre tvorivé ašpirácie mladého hudobníka.

Prvé romániky a cirkevné zbory Varlamov sa datuje do konca 20. rokov 19. storočia, ale skutočný rozkvet jeho skladateľskej činnosti sa začal po jeho presťahovaní do Moskvy v roku 1932, kde získal miesto kapelníka a potom „skladateľa hudby“ cisárskych divadiel. Varlamov sa rýchlo zblížil s moskovským umeleckým svetom, spriatelil sa so skladateľmi Gurilevom a Verstovským, spisovateľom M. Zagoskinom, hercami M. Ščepkinom a P. Mochalovom, básnikom-hercom N. Tsyganovom, na ktorého básne vytvoril množstvo romancí. Všetkých spájali spoločné umelecké záujmy a láska k ruskej piesni.

Varlamov skomponoval veľa vokálnych diel, ktoré ho preslávili - sú to „Ach, ty, čas, málo času“, „Aké je to srdce“, „Horské štíty“, „Po ulici fúka snehová búrka“, „Nechoď zobudiť ju za úsvitu“, „Čo potrebujem?“ žiť a smútiť, „Osedlám koňa“ a iné. Jedným z najznámejších bol „Červený Sarafan“ (básne N. Tsyganova), ktorý podľa súčasníka „spievali všetky triedy – v obývačke šľachtica aj v roľníckej fajčiarskej chatrči“. Vzhľadom na povahu svojej služby Varlamov píše veľa divadelnej hudby pre tragédie, melodrámy, balety a tiež neustále vystupuje na koncertoch ako orchestrálny a zborový dirigent a spevák. Mal malého, ale krásneho tenora, jeho spev sa vyznačoval vynikajúcou hlasovou technikou a mimoriadnou úprimnosťou. V roku 1840 Varlamov vydal „Školu spevu“, ktorá sa stala prvou učebnicou vokálneho umenia v Rusku a zohrala dôležitú úlohu pri výcviku mnohých ruských spevákov.

Skladateľ prežil posledné roky v Petrohrade, kde bol jeho život veľmi ťažký. Široká sláva mu nepomohla znova získať službu v kaplnke a Varlamov a jeho rodina boli v ťažkej finančnej situácii. Jeho zdravotný stav sa zhoršil a v roku 1848 zomrel na konzumáciu.

Varlamov sa zapísal do dejín ruskej hudby ako autor romancí a piesní, vytvoril okolo 200 diel. Pri výbere básní sa obrátil na oboch ruských básnikov – Puškina, Žukovského, Delviga, Lermontova, Pleščejeva, Feta, Kolcova a ku Goethemu, Heinemu, Berangerovi. Hlavnými žánrami pre skladateľa boli „ruská pieseň“ a lyrická romantika. Jeho diela plné úprimnosti koexistujú s premysleným snívaním, náhlou romantickou túžbou a nadšením.

Varlamov bol jedným z prvých skladateľov, ktorí sa obrátili na Lermontovovu poéziu, ktorá bola v súlade s duchovnou atmosférou 30. – 40. rokov 19. storočia a sprostredkovala akútnu nespokojnosť s okolitým životom a „slobodomilnými snami“ ruského ľudu. V romantike "Osamelá plachta je biela" skladateľ dokázal tieto pocity a nálady reflektovať. V jeho hudbe počuť „smäd po búrke“ Lermontovovho hrdinu, jeho neústupčivosť a vzburu. Široká energická melódia na začiatku verša okamžite dosahuje svoj vrchol - zvuk soľ, ktorá je vrcholom pulzujúcej, expresívnej kantilény. Citové vzrušenie v romantike je zdôraznené akordovým sprievodom s razeným rytmom polonézy-bolero:

Stredne skoro

A.L. Gurilev

Alexander Ľvovič Gurilev (1803-1858) sa narodil v Moskve v hudobníckej rodine. Jeho otec L. S. Gurilev, slávny klavirista, skladateľ a dirigent, bol poddaným hudobníkom grófa V. Orlova. Chlapec začal študovať hudbu pod vedením svojho otca a potom chodil na hodiny klavíra a hudobnej teórie u J. Fielda a I. I. Genishtu, ktorí učili v grófskej rodine. Gurilev od mladosti hral na husle a violu v poddanskom orchestri, ktorý bol považovaný za jeden z najlepších v r. začiatkom XIX storočí.

V roku 1831, po smrti grófa Orlova, dostala rodina Gurilevovcov slobodu. Od tohto času sa začala Gurilevova skladateľská činnosť. Veľa koncertuje aj ako klavirista a vyučuje spev a klavír.

Jeho priateľstvo s Varlamovom malo veľký vplyv na formovanie Gurilevovho vokálneho štýlu; Spojila ich spoločná láska k ľudovej hudbe a cigánskemu spevu. Čoskoro si skladateľove diela začnú získavať na popularite. V svetských obývačkách zneli romance ako „V ťažkej chvíli života“, „Vlaštovka modrokrídla trepotá“, „Malý domček“, „Odlúčenie“, „Zvon“, „Sarafan“, „Smútok dievčaťa“. a v domoch úradníkov, obchodníkov, živnostníkov. Medzi Gurilevovými klavírnymi dielami najväčšia láska boli použité tanečné miniatúry a početné variácie na témy slávnych romancí a árií z opier.

Ale napriek uznaniu bol skladateľ neustále prenasledovaný potrebou, hoci niekedy prijal akúkoľvek prácu, aby zarobil peniaze. Ťažký osud Gurileva neušetril: v posledných rokoch života trpel ťažkou duševnou chorobou. Skladateľ zomrel v Moskve v roku 1858.

Gurilevova vokálna tvorba obsahuje asi 90 romancí a zbierku „47 ruských ľudových piesní“, upravených pre hlas a klavír. Rovnako ako Varlamov uprednostňoval žáner „ruskej piesne“ a lyrickú romantiku. Jeho hudbu charakterizuje jemná elegancia, zasnenosť a úprimná úprimnosť prejavu.

Pieseň "zvonček"(básne I. Makarova) je pre skladateľa príznačná premyslenou lyrickou náladou, spojenou s obrazmi ruskej prírody a dlhých ciest, tak hojne ospevovaných ruskou poéziou. Tu bola odhalená jedna z hlavných čŕt Gurilevových „ruských piesní“ - použitie elegantného valčíkového rytmu v kombinácii s jednoduchou a zdržanlivou melódiou, jej jemnou, dojímavou intonáciou:

Opakovanie rytmickej figúry sprievodu je občas podfarbené jemným zvukovo-obrazovým nádychom – jemným staccatom oktáv v hornom registri.

Románky a piesne Alyabieva, Varlamova, Gurileva mali veľký vplyv na prácu ich súčasníkov - Glinky a Dargomyzhského. Neskôr tradície ich textov a pozornosť k vnútornému svetu človeka nájdu svoje pokračovanie v brilantných románoch Čajkovského.

Otázky a úlohy

1. Aké udalosti mali vplyv na spoločenský a kultúrny život Ruska v prvej polovici 19. storočia?

2. Vymenuj skladateľov, spisovateľov, maliarov, architektov a sochárov tejto doby.

3. Aké zmeny nastali v hudobnom živote Ruska od začiatku 19. storočia?

4. Uveďte najobľúbenejšie hudobných žánrov tejto éry. Čo bolo obsahom hrania domácej hudby?

5. Vymenujte žánre ruskej romance prvej polovice 19. storočia a ich autorov – skladateľov a básnikov.

6. Povedzte nám o živote a diele Alyabieva, Varlamova, Gurileva.

Michail Ivanovič Glinka

1804 - 1857

Glinka je zakladateľom ruskej klasickej hudby a prvým ruským skladateľom svetového významu. Glinkovo ​​dielo zavŕšilo proces formovania národnej skladateľskej školy a zároveň otvorilo nové cesty ruskej hudbe, ktorá v 19. storočí zaujímala jedno z popredných miest v európskej kultúre. Vzostup ruskej národnej kultúry, vyvolaný udalosťami Vlasteneckej vojny v roku 1812, našiel svoje živé vyjadrenie v Glinkových dielach. Rovnako ako Puškin, aj Glinka vytvoril krásne a harmonické umenie, oslavujúce krásu a radosť zo života, triumf rozumu, dobra a spravodlivosti.

Vo svojej tvorbe sa Glinka venoval rôznym hudobným žánrom - opere, romantike, symfonické diela, komorné súbory, klavírne skladby a iné diela. Najdôležitejšie vlastnosti Glinkova hudba mala výraznosť a plastickosť melódií, jemnosť harmónie a súladu formy, eleganciu inštrumentácie. Jeho hudobný jazyk, ktorý absorboval osobitosti ruskej ľudovej piesne a talianskeho belcanta, viedenskej klasickej školy a romantického umenia, sa stal základom národného štýlu ruskej klasickej hudby.

Životopis

Detstvo a mladosť. Glinka sa narodila 20. mája (starý štýl) 1804 v dedine Novospasskoye, provincia Smolensk. Na panstve svojich rodičov bol obklopený láskou a starostlivosťou a jeho prvé detské dojmy spojené s ruskou prírodou, životom na dedine a ľudovými piesňami ovplyvnili celý jeho ďalší osud. Zvonenie zvonov a kostolný spev naplnili jeho dušu „najživším poetickým potešením“. Chlapec sa s profesionálnou hudbou zoznámil skoro, keď počúval domáce koncerty malého orchestra poddaných hudobníkov, ktorý patril jeho strýkovi, a často s nimi hrával podľa sluchu. Oveľa neskôr si skladateľ vo svojich „Poznámkach“ pripomenul:

„...Raz hralo Kruzelovo kvarteto (B. Krusell – fínsky skladateľ a virtuózny klarinetista, starší súčasník Glinky) s klarinetom; táto hudba na mňa zapôsobila nepochopiteľným, novým a rozkošným dojmom – zostal som potom celý deň v akomsi horúčkovitom stave, bol som ponorený do nevysvetliteľného, ​​bolestne sladkého stavu a na druhý deň na hodine kreslenia som bol roztržitý; na ďalšej hodine sa roztržitosť ešte zväčšila a učiteľ, ktorý si všimol, že už kreslím príliš neopatrne, ma opakovane pokarhal a napokon mi, hádajúc, o čo ide, jedného dňa povedal, že si všimol, že Myslel som len na hudbu: čo robiť?- Odpovedal som, - hudba- moja duša/»

V tom istom čase sa Glinka začína učiť hrať na klavír a potom na husle. Domáce vzdelávanie, typické pre šľachtické rodiny na začiatku 19. storočia, zahŕňalo rôzne predmety; mladá Glinka dobre kreslila, bola nadšená geografiou a cestovaním, študovala literatúru, históriu a cudzie jazyky(neskôr ovládal osem jazykov).

Udalosti vlasteneckej vojny z roku 1812 mali na chlapca nezmazateľný dojem. Počas napoleonskej invázie bola rodina Glinka nútená opustiť panstvo a presťahovať sa do Oryolu. Po návrate domov však príbehy, ktoré počul o hrdinstve ruského ľudu a vykorisťovaní partizánov zo Smolenskej oblasti, zostali v jeho pamäti po zvyšok jeho života.

Dom v obci Novospaskoye, kde sa narodila Glinka

Od roku 1818 sa Glinka vzdelával v jednej z najlepších vzdelávacích inštitúcií v Petrohrade - Šľachtickej internátnej škole pri Hlavnom pedagogickom inštitúte. Internátna škola bola známa svojimi progresívne uvažujúcimi učiteľmi a pokročilými vedcami, medzi ktorými svojím odvážnym talentom a originalitou vynikal vynikajúci ruský právnik A.P. Kunitsyn, jeden z Puškinových obľúbených učiteľov. Glinkin učiteľ na internátnej škole bol V.K. Kuchelbecker, Puškinov priateľ z lýcea, básnik a budúci decembrista. Komunikácia s ním prispela k rozvoju Glinkovej lásky k ľudovému umeniu a záujmu o poéziu. V tom istom čase sa Glinka zoznámila s Puškinom, ktorý Kuchelbeckera a jeho mladšieho brata Leva v penzióne často navštevoval.

Študijné roky prebiehali v atmosfére vášnivých literárnych a politických sporov s priateľmi, v ktorých sa odrážal alarmujúci duch doby. V Noble internátnej škole, ako aj v lýceu Tsarskoye Selo, sa sformovali osobnosti budúcich „rebelov“ - priamych účastníkov tragických udalostí zo 14. decembra 1825.

Počas pobytu v penzióne pokračoval rozvoj Glinkinho hudobného talentu. Absolvuje hodiny hry na klavíri a husliach, ako aj hudobnú teóriu od najlepších petrohradských pedagógov (vrátane niekoľkých hodín klavíra u J. Fielda), neustále navštevuje komorné a symfonické koncerty, operu a balet, zúčastňuje sa amatérskych predstavení a , konečne robí prvé kroky v komponovaní.

Rané obdobie tvorivosti. Po absolvovaní internátnej školy v roku 1822 strávil Glinka nejaký čas v Novospasskom, kde si s domovským orchestrom svojho strýka vyskúšal prácu dirigenta, ovládajúc umenie orchestrálneho písania. V lete budúceho roka podniká cestu na liečbu na Kaukaz, ktorá priniesla veľa živých dojmov. Potom niekoľko rokov žila Glinka v Petrohrade. Po krátkom pôsobení ako úradník v Rade železníc čoskoro rezignoval, aby sa mohol naplno venovať svojej hlavnej a obľúbenej zábave – hudbe.

Veľká hodnota za umelecká formácia Skladateľ sa zoznámil a neustále komunikoval s najväčšími básnikmi a spisovateľmi - Puškinom, Delvigom, Gribojedovom, Žukovským, Mitskevičom, Odoevským, ako aj s najlepšími hudobníkmi tej doby: Glinka sa často stretáva a hrá hudbu s Varlamovom, bratmi Vielgorskými. .

Anna Petrovna Kern, v ktorej dome Glinka často navštevovala, hovorila vo svojich spomienkach o skladateľovom hudobnom umení:

„Glinka...uklonil sa svojím výrazným, úctivým spôsobom a sadol si za klavír. Možno si to predstaviť, ale je ťažké opísať moje prekvapenie a potešenie, keď zazneli nádherné zvuky brilantnej improvizácie... Glinkine klávesy spievali z dotyku jeho malej ruky. Nástroj ovládal tak zručne, že dokázal presne vyjadriť všetko, čo chcel; nedalo sa neporozumieť tomu, čo spievajú klávesy pod jeho miniatúrnymi prstami... V zvukoch improvizácie bolo počuť ľudovú melódiu a nežnosť charakteristickú len pre Glinku, hravú veselosť a premýšľavý pocit. Počúvali sme ho, báli sme sa pohnúť a na konci sme zostali dlho v nádhernom zabudnutí.

Keď spieval... romance, tak sa nám dotkol duše, že si s nami robil, čo chcel: z jeho vôle sme plakali a smiali sa. Mal veľmi malý hlas, ale vedel mu dať extrémnu expresívnosť a sprevádzal ho s takým sprievodom, že sme ho počuli. V jeho románikoch bolo počuť dôsledné, zručné napodobňovanie zvukov prírody a reči o nežnej vášni, melanchólii a smútku, a sladkej, nepolapiteľnej, nevysvetliteľnej, no srdcu zrozumiteľnej.

Spolu s tým ctižiadostivý skladateľ venuje veľa času samoštúdium operná a symfonická literatúra. Po prvých nedokonalých experimentoch sa objavujú také bystré diela ako romance „Nepokúšaj“ (slová E. Baratynského), „Úbohá speváčka“ a „Nespievaj, kráska, v mojej prítomnosti“ (obe slová Puškina ), sonáta pre violu a klavír a iné inštrumentálne diela. V snahe rozvíjať a zlepšovať svoje zručnosti odišiel Glinka v roku 1830 do zahraničia.

Cesta k majstrovstvu. Počas štyroch rokov Glinka navštívila Taliansko, Rakúsko a Nemecko. Keďže bol od prírody láskavý, spoločenský a nadšený človek, ľahko vychádzal s ľuďmi. V Taliansku sa Glinka zblíži s takýmito talianskymi osobnosťami operné umenie, ako Bellini a Donizetti, stretáva Mendelssohna a Berlioza. Skladateľ dychtivo absorbuje rôzne dojmy, uchvátený krásou talianskej romantickej opery, skúmavo a vážne študuje. V komunikácii s prvotriednymi spevákmi s nadšením v praxi chápe veľké umenie belcanta.

V Taliansku Glinka naďalej veľa skladá. Z jeho pera vychádzajú diela rôznych žánrov: „Pathetique Trio“, sexteto pre klavír a sláčikové nástroje, romance „Benátska noc“ a „Víťaz“, ako aj množstvo klavírnych variácií na témy z populárnych talianskych opier. Čoskoro sa však v skladateľovej duši vynárajú ďalšie túžby, o čom svedčia „Zápisky“: „Všetky hry, ktoré som napísal, aby som potešil obyvateľov Milána... ma presvedčili len o tom, že nejdem vlastnou cestou a že úprimne nemôžem byť Talianom. Túžba po rodnej zemi mi postupne vnukla myšlienku písať po rusky.“

Po odchode z Talianska v lete 1833 Glinka najprv navštívil Viedeň, potom sa presťahoval do Berlína, kde si v zime 1833 - 1834 zdokonalil svoje vedomosti pod vedením slávneho nemeckého hudobného teoretika. Siegfried Dena.

Ústredné obdobie tvorivosti. Na jar roku 1834 sa Glinka vrátil do Ruska a začal realizovať svoj drahocenný plán, ktorý vznikol v zahraničí - vytvoriť národná opera na domácom príbehu. Touto operou bol Ivan Susanin, ktorá mala premiéru v Petrohrade 27. novembra 1836. Hudobný spisovateľ a kritik V.F. Odoevsky vysoko ocenil túto udalosť v ruskej hudbe: „V Glinkovej opere je niečo, čo sa v Európe dlho hľadalo a nenašlo – nový prvok v umení – a v jej histórii sa začína nové obdobie: obdobie r. ruská hudba. Takýto výkon, povedzme, ruku na srdce, nie je len záležitosťou talentu, ale aj génia!“

Úspech inšpiroval skladateľa a hneď po premiére „Ivan Susanin“ začal pracovať na novej opere „Ruslan a Lyudmila“. Glinka sa v mladosti naučila Puškinovu báseň a teraz túžila stelesniť živé rozprávkové obrazy do hudby. Skladateľ sníval o tom, že libreto napíše sám básnik, ale osud rozhodol inak. Smrť Puškina zničila Glinkove počiatočné plány a vytvorenie opery sa vlieklo takmer šesť rokov. Tvorivému procesu nepriali ani ďalšie životné okolnosti. V roku 1837 Mikuláš I. na podnet menoval Glinku na post dirigenta Dvorskej speváckej kaplnky. Táto služba, ktorá skladateľa spočiatku lákala tvorivou stránkou, ho postupne začala zaťažovať početnými úradníckymi povinnosťami a rezignoval. Glinkino manželstvo bolo neúspešné a skončilo sa rozvodovým konaním. Všetky tieto udalosti skladateľovi stále viac sťažovali život. Glinka preruší predchádzajúce známosti v sekulárnej spoločnosti a hľadá útočisko v umeleckom svete. Jeho najbližším priateľom sa stal známy spisovateľ a dramatik N. Kukolnik. Vo svojom dome Glinka komunikuje s umelcami, básnikmi, novinármi a nachádza úľavu od útokov a klebiet svojich priaznivcov z vysokej spoločnosti.

Skladateľ a hudobný kritik A. N. Serov vo svojich memoároch zanechal expresívny portrét Glinky, ktorý sa datuje do tejto doby:

„...Černovláska s bledou tmavou, veľmi vážnou, zamyslenou tvárou, lemovanou úzkymi, uhlovo čiernymi bokombradami; čierny frak sa zapína na gombík; Biele rukavice; slušné, hrdé držanie tela...

Ako všetci skutoční umelci, aj Glinka mala prevažne nervózny temperament. Najmenšie podráždenie, tieň niečoho nepríjemného by ho zrazu úplne vyviedlo z miery; v spoločnosti, ktorá nebola pre neho, on, aj keď sa nútil, bol absolútne neschopný hrať hudbu. Naopak, v kruhu ľudí, ktorí hudbu úprimne milovali, vrúcne s ňou sympatizovali... ďalej od konvenčnej, chladnej etikety a prázdnej ceremónie vysokých spoločenských salónov, Glinka voľne dýchal, slobodne sa celý venoval umeniu, uchvátil každého, pretože on sám bol unášaný, a čím ďalej, tým viac som bol unášaný, pretože som unášal iných.“

Zároveň v týchto ťažkých rokoch pri práci na „Ruslan“ skladateľ vytvoril mnoho ďalších diel; medzi nimi sú romance založené na slovách Puškina „Pamätám si nádherný okamih“ a „Night Zephyr“, vokálny cyklus„Rozlúčka s Petrohradom“ a romanca „Pochybnosti“ (obe s textom Bábkara), ako aj hudba k bábkarskej tragédii „Princ Kholmsky“, prvá verzia (pre klavír) „Waltz-Fantasy“. Glinkove aktivity speváka a učiteľa vokálu siahajú do rovnakého obdobia: prostredníctvom jeho etúd a cvičení a za jeho účasti sa speváci D. Leonov a S. Gulak-Artemovsky učili tajomstvám svojho remesla; O. Petrov a A. Petrova-Vorobyeva (prví účinkujúci v úlohách Susanin a Vanya) využili jeho rady.

Nakoniec bola opera „Ruslan a Ľudmila“ dokončená a 27. novembra 1842, presne šesť rokov po premiére „Ivan Susanin“, bola uvedená v Petrohrade. Táto premiéra priniesla Glinke veľa ťažkých skúseností. Cisár a jeho družina opustili sálu pred koncom predstavenia, čo určilo „názor“ aristokratického publika. Okolo novej opery sa v tlači rozprúdili búrlivé debaty. Skvelou odpoveďou Glinkovým neprajníkom bol článok V. F. Odoevského a riadky z neho: „Ó, verte mi! Na ruskej hudobnej pôde vyrástla luxusná kvetina - je to vaša radosť, vaša sláva. Nechajte červy vyliezť na jej stonku a zafarbiť ju - červy padnú na zem, ale kvet zostane. Postarajte sa o to: je to jemný kvet a kvitne len raz za storočie.“

„Ruslan a Lyudmila“ - „veľká magická opera“ (ako ju definuje autor) - sa stala prvou ruskou rozprávkovo-epickou operou. Zložito sa v nej prepletajú rôzne hudobné obrazy – lyrické a epické, fantastické aj orientálne. Opera presiaknutá slnečným optimizmom vyjadruje večné myšlienky víťazstva dobra nad zlom, vernosti povinnosti, triumfu lásky a ušľachtilosti. Glinka, podľa vedca a kritika B. Asafieva, „spievala Puškinovu báseň epickým spôsobom“, v ktorom je pokojný vývoj udalostí, ako v rozprávke, epos, postavený na kontraste farebných obrazov, ktoré sa navzájom nahrádzajú. Tradície Glinkovej „Ruslan a Lyudmila“ ďalej diverzifikovali ruskí skladatelia. Epickosť a malebnosť ožili novým spôsobom v opere „Princ Igor“ a „ Bogatyrská symfónia»Borodin a báječnosť pokračovala v mnohých dielach Rimského-Korsakova.

Javiskový život„Ruslana a Lyudmila“ neboli šťastné. Opera sa pre prudko stúpajúcu vášeň šľachtického publika pre taliansku operu začala uvádzať čoraz menej a po niekoľkých rokoch sa na dlhší čas vytratila z repertoáru.

Neskoré obdobie života a tvorivosti. V roku 1844 odišiel Glinka do Paríža, kde strávil asi rok. Umelecký život francúzskej metropoly mu imponuje skvelý dojem; stretáva sa s francúzskymi skladateľmi Giacomom Meyerbeerom, ako aj s Hectorom Berliozom, ktorý na svojich koncertoch úspešne uviedol fragmenty z Glinkových opier a publikoval pochvalný článok o ruskom skladateľovi. Glinka bol hrdý na prijatie v Paríži: „...Som prvý ruský skladateľ, ktorý predstavil parížskej verejnosti svoje meno a jeho diela napísané v Rusku a pre Rusko,“ napísal v liste svojej matke.

Na jar roku 1845, keď sa Glinka špeciálne naučila po španielsky, odišla do Španielska. Zostal tam dva roky: navštívil mnohé mestá a regióny, študoval zvyky a kultúru tejto krajiny, nahral španielske melódie od ľudových spevákov a gitaristov a dokonca sa naučil ľudové tance. Výsledkom cesty boli dve symfonické predohry: „Aragonese Jota“ a „Night in Madrid“. Súčasne s nimi sa v roku 1848 objavila slávna „Kamarinskaya“ - orchestrálna fantázia na témy dvoch ruských piesní. Z týchto diel pochádza ruská symfonická hudba.

Posledné desaťročie žila Glinka striedavo v Rusku (Novospasskoye, Petrohrad, Smolensk) a v zahraničí (Varšava, Paríž, Berlín). V týchto rokoch sa v ruskom umení objavili nové trendy spojené s rozkvetom, podľa definície V. Belinského, „prirodzenej“ (realistickej) školy v literatúre. Prenikajú do diel Turgeneva, Dostojevského, Ostrovského, Saltykova-Shchedrina, Tolstého a ďalších spisovateľov. Tento trend neušiel skladateľovej pozornosti – určil smer jeho ďalších umeleckých hľadaní.

M.I.Glinka so sestrou L.I.Shestakovou (1852)

Federálna agentúra pre vzdelávanie

Štátna akadémia ekonomiky a služieb v Ufe

Katedra cestovného ruchu a hotelierstva

KURZOVÁ PRÁCA

disciplínou" Svetová kultúra a umenie"

na tému: Ruská hudobná kultúra 19. storočia a jej celosvetový význam

dokončili: študent gr. SD-21

Michajlova I.V.

skontroloval: Ph.D., docent

Kotová T.P.

Úvod

Historické pozadie

Vývoj ruskej piesňovej kultúry v 19. storočí

Ruská škola kompozície

Michail Ivanovič Glinka

Alexander Sergejevič Dargomyžskij

"Mocná hŕstka"

·Génius Piotr Iľjič Čajkovskij

Záver

Bibliografia

Aplikácie

Úvod

Bez hudbaživot by bol omyl. (Friedrich Nietzsche)

Hudba- to je inteligencia stelesnená v krásnych zvukoch. (Ivan Sergejevič Turgenev)

Hudba- prostredník medzi životom mysle a životom citov. (Ludwig van Beethoven)

ruské slovo„hudba“ má grécky pôvod. Zo všetkých umení má hudba najpriamejší vplyv na ľudské vnímanie a „infikuje emóciami“. Jazyk duše, tak je zvykom hovoriť o hudbe práve preto, že má silný vplyv na podvedomú úroveň v oblasti pocitov človeka, no nedá sa vylúčiť, že ovplyvňuje aj oblasť mysle. Dajte vyčerpávajúco presná definícia jav (alebo látka) nazývaný „hudba“ je nemožný.

Bohatstvo ruskej hudby je nezmerné. Viac ako desať storočí sa jeho tradície formovali a rozvíjali v úzkom kontakte s hudobnou kultúrou iných krajín a v neustálej interakcii s inými druhmi umeleckej tvorivosti.

Ruská hudba je najdôležitejšou súčasťou ruskej kultúry. Rovnako ako ruská literatúra, poézia, maľba, divadlo, živo odráža všetky etapy spoločenského života, formovanie ruského filozofického a estetického myslenia. V jeho rozmanitých žánroch a formách boli stelesnené dejiny ľudí, ich oslobodzovací boj, charakter ruského človeka, originalita ruskej prírody a života.

Vo svojej kurzovej práci som sa rozhodol ukázať hudobný vývoj Ruska v 19. storočí, ktorý sa odohrával na pozadí najvýznamnejších historické udalosti- Vlastenecká vojna, povstanie dekabristov, zrušenie poddanstva atď.

Cieľom práce je analyzovať stav hudobnej kultúry v Rusku v 19. storočí, identifikovať jej črty, hovoriť o skladateľoch tohto storočia a ich dielach, ako aj identifikovať význam ruskej hudby 19. storočia pre svetovú kultúru. .

Vaša práca v kurze bude zahŕňať také výskumné metódy, ako je štúdium a analýza literatúry a dokumentov, zovšeobecňovanie, analýza produktov činnosti, opis.

Pri štúdiu tejto témy budem používať literatúru: Encyklopédia "Around the World", ruská hudobná literatúra E. Smirnova, Nikitina L.D. História ruskej hudby atď.

Historické pozadie

skladateľ hudobnej piesňovej kultúry

19. storočie je v Rusku spojené s veľkými politickými a spoločenskými zmenami a veľkú úlohu v tom zohrala vojna v roku 1812 a zrušenie poddanstva. V literatúre, poézii, hudbe, maľbe sa téma vyostrila sociálnej nerovnosti.

Už v prvej polovici 19. storočia dosiahla ruská kultúra brilantný, oslnivo jasný rozkvet. Oslobodzuje sa od prvkov napodobňovania, nachádza originálne a originálne formy vyjadrenia pre najrozmanitejší, najširší obsah a vytvára veľké trvalé hodnoty univerzálneho významu. Dielo takých skvelých predstaviteľov ako Puškin, Lermontov, Gogol v literatúre, Glinka v hudbe je jedným z najvyššie vrchy nielen ruské, ale aj svetové umenie.

Vlastenecká vojna v roku 1812 dala silný impulz k vzostupu verejnej iniciatívy. Vlastenectvo ruského ľudu sa prejavuje v rastúcom záujme o spoločné dobro, v širokom povedomí o spoločných záujmoch národa, v túžbe pozdvihnúť úroveň národnej kultúry a blahobytu.

Povstanie dekabristov malo významný vplyv na rozvoj ruskej kultúry v 19. storočí. Všetky emócie, myšlienky, skúsenosti sa odrážajú v mnohých hudobných diel vtedy. Éra decembristov znamenala začiatok rozvoja revolučnej piesne v Rusku. Veľkú zásluhu v tomto smere majú postavy decembristického hnutia - Ryleev a Bestuzhev. Tradície revolučnej piesne, ktoré založili básnici decembristi, prevzali a rozvíjali ich súčasníci. Témy lásky k slobode a protestu, boja proti sociálnemu útlaku hlboko prenikli do každodenných piesní.

Ako sa myšlienky oslobodenia rozrastali a šírili, odpor vlády voči nim silnel. Už v druhej polovici vlády Alexandra I. sa určil tento reakčný kurz, ktorý sa prejavil v zničení univerzít a posilnení cenzúry. Dlhé obdobie bezprecedentne krutých, hluchých a nemilosrdných reakcií zavládlo v ruskom živote po potlačení povstania dekabristov spolu s nástupom na trón Mikuláša I. Existencia demokratickej žurnalistiky a ešte viac politických organizácií vykonávajúcich praktické revolučné činnosti, bolo v Rusku nemožné.

Za týchto podmienok sa literatúra stáva obzvlášť dôležitou, diela Puškina, Gogoľa a Lermontova sa stávajú hlavným hlásnym trúbkom myšlienky oslobodenia.

To všetko vytvára predpoklady pre formovanie klasických škôl ruskej národnej literatúry a umenia.

Vo vývoji ruskej hudby zohral Glinka v mnohých smeroch úlohu podobnú tej, ktorá patrí Puškinovi vo vývoji ruskej literatúry. Podobne ako Puškin, aj Glinka široko akceptoval a implementoval rôzne prvky súčasnej umeleckej kultúry. Osvojením si všetkého cenného a životaschopného z dedičstva svojich predchodcov Glinka prekonáva ich obmedzenia a dosahuje obrovské bohatstvo, úplnosť obsahu a dokonalosť. umelecké stelesnenie. Z hľadiska vnútornej rovnováhy, ideálnej harmonickej celistvosti a úplnosti sa Glinkovo ​​dielo ukázalo pre nasledujúce generácie tým istým nesporným vzorom a klasickou normou ako Puškinova poézia. Glinka svojou tvorbou položil základy jeho celosvetového vplyvu. Dargomyžskij vo svojej tvorbe sleduje Glinkinu ​​cestu. Do ruskej hudby vnáša prvky väčšej sociálnej ostrosti, každodennej a psychologickej charakterizácie, satiry a humoru a pripravuje mnohé z toho, čo dostane jasný výraz v tvorbe mladých. národná škola 60. roky. Glinka svojou tvorbou položil základy jeho celosvetového vplyvu.

Od tohto času sa v zahraničnej tlači začali čoraz častejšie objavovať správy o ruskej hudbe. Niekoľko mesiacov predtým, ako sa objavili Berliozove články o Glinkovi, písal slávny francúzsky muzikológ Fetis o ešte mladom Dargomyžskom ako o originálnom, nádejnom hudobnom talente v Rusku.

Historické obdobie 60-80. 19. storočie sa zvyčajne nazýva postreformné - v roku 1861 bolo kráľovským dekrétom zrušené poddanstvo, čo znamenalo liberalizáciu ruského spoločenského života. Táto etapa bola poznačená vysokým rozkvetom umeleckej kultúry ako integrálneho a originálneho fenoménu. Vtedy sa v umení vytvoril určitý systém duchovných a estetických hodnôt, ktoré boli stelesnené v literatúre a divadle, maľbe a hudbe.

Vývoj ruskej piesňovej kultúry v 19. storočí

„Bol to vek piesní“ - to povedal básnik G. R. o veku osvietenia. Derzhavin. Podoba vtedajšej piesňovej kultúry bola neobyčajne rôznorodá a dokonca viacjazyčná. V každodennom živote sa zložito prepletajú ruské a francúzske, cigánske a nemecké, sedliacke a mestské, amatérske i profesionálne piesne. Pieseň znela zo stránok literárnych diel a bol publikovaný v špeciálnych zbierkach „na potešenie mnohých milencov“, vykonávaných v domoch aristokratov.

V 19. storočí naďalej venoval veľkú pozornosť štúdiu folklóru. Ruskí skladatelia považovali ľudovú hudbu za zdroj inšpirácie. Zbierali ľudové piesne a často ich používali vo svojich dielach, pričom nestratili originalitu vlastného hudobného jazyka.

Vznikajú niektoré nové žánre, staré formy (piesne všedného dňa, piesne na tému potulky, satirické piesne) sa pod vplyvom nových životných obsahov vyvíjajú, mení sa charakter obrazov a intonačno-výrazových prostriedkov. Ľudová pieseň všedného dňa reaguje na významné politické a spoločenské udalosti celoštátneho významu.

Široko sa v nej odráža Vlastenecká vojna z roku 1812. Dostal sa k nám celý cyklus piesní o dvanástom ročníku, spojený s ústnou ľudovou tradíciou. Sú veľmi rôznorodé svojim obsahom i hudobnými a poetickými formami. Niekedy využívajú techniky zo starých tradičných typov ľudových piesní.

Vlastenecká vojna spôsobila aj vznik expresívnej lyriky

piesne, ktoré zachytávajú hlboký žiaľ, smútok a smútok ľudí spôsobených ťažkými katastrofami ich vlasti, devastáciou ich rodnej zeme a stratou blízkych.

Ruská ľudová pieseň sa začala tešiť mimoriadne veľkej obľube, šírila sa v mnohých rôznych úpravách – pre zbor, hlas so sprievodom aj jednotlivé nástroje. V rokoch 1806 až 1815 vychádzala Prachova zbierka v druhom a treťom vydaní. Na jej základe vznikli piesňové zbierky verejne prístupného typu.

Talentovaný ruský hudobník, pochádzajúci z nevoľníctva, Danila Kashin, bol všeobecne známy svojimi úpravami ľudových piesní. V rokoch 1833-1834. Jeho zbierka „Ruské ľudové piesne“ vyšla v troch častiach. Je charakteristický pre svoju dobu ako Pračova „zbierka“ pre prelom 18. a 19. storočia. Začiatkom 40. rokov sa objavilo druhé vydanie kolekcie Kashin, čo svedčilo o jej obľúbenosti a veľkom dopyte po nej. V Kashinových technikách spracovania je zreteľne zrejmá túžba po zvýraznenej citlivosti, niekedy trochu hysterickej povahy.

Tou istou cestou ako Kašin, prelínanie ľudových piesní a intonácií mestských romance nasledoval ďalší slávny zberateľ piesní, pôvodom nevoľník Ivan Rupin, ktorý bol tiež talentovaným spevákom a interpretom (jeho priezvisko jeho súčasníci vyslovovali napr. taliansky koniec - Rupini) a zostavovateľ zbierky populárnych piesní, vydanej v roku 1831

Popri rôznych každodenných refrakciách ruskej ľudovej piesne sa rozvinula lyrická sentimentálna romanca, ktorá sa tešila mimoriadnej obľube aj v najrozmanitejších vrstvách spoločnosti. Páči sa mi to " Ruská pieseň"Ruská romantika bola v 18. storočí z väčšej časti spojená so sférou domáceho muzicírovania. V hudobnom jazyku každodennej romantiky sa jednoduchosť prostriedkov spája s úprimnou spontánnosťou a úprimnosťou prejavu. Skladatelia Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky zohrali dôležitú úlohu vo vývoji ruskej romantiky 19. storočia (pozri prílohu 1).

Alexander Alexandrovič Alyabyev(1787-1851) sa narodil v starej šľachtickej rodine. V mladosti slúžil v armáde, zúčastnil sa na Vlastenecká vojna 1812 Následne odišiel z vojenskej služby a venoval sa tvorivej činnosti. Alyabyev je autorom slávnych romancí: „Milujem ťa“, „Zimná cesta“ (obe založené na básňach Alexandra Sergejeviča Puškina), „Slávik“ a ďalšie. " Slávikje jednou z Alyabyevových obľúbených a najrozšírenejších piesní. Všetko na ňom je skromné ​​a jednoduché. Skladbe predchádza živý klavírny úvod v duchu brnkania na gitare. Už od prvých intonácií vokálneho partu sa odvíja podmanivo jemná, premyslená melódia. Široký a hladko zaoblený okamžite zaujme a zaujme svojou strohou krásou.

Skladateľ Alexander Egorovič Varlamov(1801-1848) - autor populárnych romancí. Celkovo vytvoril asi dvesto diel tohto žánru, založených najmä na básňach ruských básnikov („Červené šaty“, „Po ulici sa valí snehová búrka“, „Na úsvite ju nezobudíš“, „Osamelý“. Plachta je biela“ atď.). Varlamov bol známy aj ako spevák, gitarista, dirigent a pedagóg. Napísal jednu z prvých ruských učebníc pre spevákov - „Kompletná škola spevu“ (1840).

Alexander Ľvovič Gurilev(1803-1858) bol synom poddanského hudobníka (v roku 1831 bol s otcom oslobodený). Skladateľ, klavirista, huslista, violista a pedagóg Gurilev sa preslávil ako spisovateľ piesní a romancí. Jeho najznámejšie piesne sú „Mother Dove“, „Bell“, „Sarafan“, „Swallow is Flying“ a romance „Separation“, „You Can’t Understand My Sadness“. Okrem vokálnych textov skladateľ pracoval v žánroch klavírnej hudby, zbieral a upravoval ľudové piesne.

Dielo Alyabyeva, Varlamova a Gurileva je cenným príspevkom do pokladnice ruskej hudby. Ich najlepšie piesne a romance sú zaradené do koncertného repertoáru spevákov a speváckych zborov, s láskou sa spievajú medzi ľuďmi našej doby.

Ruská škola kompozície 19. storočia

Michail Ivanovič Glinka

Najvýraznejším predstaviteľom skladateľskej školy prvej polovice 19. storočia je bezpochyby Michail Ivanovič Glinka(1804-1857). Dielo Michaila Ivanoviča Glinku stojí pri počiatkoch ruskej skladateľskej školy a jeho diela, metódy práce, postoj k hudobným žánrom a tradíciám boli v 19. storočí vnímané ako príkladné. Po získaní seriózneho hudobného vzdelania v Európe bola Glinka prvou, ktorá hlboko pochopila zvláštnosti ruskej národnej hudby, a najmä vďaka tomuto majstrovi dostali európske žánre v Rusku originálnu interpretáciu. Glinkine dojmy z detstva sa odrazili v jeho tvorbe. Prvé roky života strávil na otcovom panstve medzi vidieckou prírodou Smolenskej oblasti. Tam sa naučil a zamiloval si ľudové piesne a počúval ich. Príbehy nevoľníckej pestúnky Avdotya Ivanovny, ktorá ho nežne a oddane milovala, sa hlboko zahĺbili do ovplyvniteľnej detskej duše malej Glinky.

Udalosti z roku 1812 urobili na Glinku obrovský dojem. Glinkina rodina utiekla pred inváziou napoleonskej armády z panstva. Chlapec počul veľa príbehov o hrdinstve partizánov a bol navždy naplnený láskou a úctou k ruskému ľudu, jeho mocnej sile a duchovnej kráse.

V domácom živote Glinkinej rodiny sa často hrala hudba. Strýko, ktorý býval neďaleko, mal dobrý orchester zložený z poddaných hudobníkov. Hudba na chlapca urobila úžasný dojem, po koncertoch chodil duchom neprítomný. „Hudba je moja duša,“ povedal raz. Poddaný orchester môjho strýka hral rôzne diela vrátane ľudových piesní. Glinka si pripomenul svoje dojmy z detstva a napísal: „...Možno tieto piesne, ktoré som počul ako dieťa, boli prvým dôvodom, prečo som následne začal rozvíjať prevažne ruskú ľudovú hudbu.“

Glinkove kompozičné schopnosti sa najjasnejšie prejavili v dvoch operách – “ Život pre cára"("Ivan Susanin") a " Ruslan a Ľudmila" Vytvoril ukážky národnej ruskej opery – hrdinsko-epickú operu a rozprávkovú operu. Ďalší vývoj týchto žánrov je spojený s princípmi, ktoré Glinka stanovila.

Opera „Život pre cára“ (v ZSSR v 30-80 rokoch bol prijatý názov „Ivan Susanin“; 1836) bola napísaná na historickom a vlasteneckom sprisahaní. Skladateľ sa obrátil k udalostiam začiatkom XVII V. - boj ruského ľudu proti poľským dobyvateľom. Dej diela - výkon Ivana Susanina - navrhol Glinkovi básnik Vasily Andreevich Zhukovsky.

"Život pre cára" je prvá ruská opera bez hovoreného dialógu; vychádza z neustáleho hudobného vývoja. Hudobné tkanivo diela prenikajú zborové výjavy. Najmä otvárajú (zbor „Moja vlasť“) a dotvárajú dielo (záverečný jubilant, víťazný zbor „Sláva“).

V strede opery je obraz ruského roľníka Ivana Susanina. Skladateľ zdôrazňuje morálnu silu hrdinu. Pre jeho hudobnú charakteristiku sa využívajú intonácie ľudových melódií. Antonida, Susaninina dcéra, je jasný a poetický („nežne pôvabný“, podľa samotného Glinky) obraz ruského dievčaťa. Sobinin, Antonidov snúbenec, je milicionár, odvážny, nebojácny muž Vanya, Susanin adoptívny syn, je podľa Glinky, trinásťročného chlapca, „jednoduchého srdca“. Obrazy mladých členov rodiny Susanin - Vanya, Antonida, Sobinin - sú nakreslené v tradíciách a intonáciách každodennej romantickej piesne.

Proti ruským snímkam stojí nepriateľský tábor Poliakov. Detailný choreografický obraz predstavuje „poľský akt“ opery – veľkolepý ples v starobylom zámku. Táto symfonická skladba vyjadruje lesk, pôvab a hrdosť šľachty - poľskej šľachty. Znie melódie a rytmy polonézy, mazurky a krakowiaku. Krása hudby je očarujúca, ale vo všeobecnosti je jednoduchosť a úprimnosť „ruských“ scén v kontraste s okázalou pompéznosťou „poľského zákona“.

Napokon sa oba tábory priamo zrazia – poľský oddiel prichádza do dediny Domnino k Susaninovi a žiada, aby ich zaviedol na miesto, kde sa nachádza cár Michail Romanov. Susanin scéna s Poliakmi v húštine lesa, kam ich zaviedol na smrť, je vrcholom opery. Koniec je tragický - hlavná postava dáva život za Rusko. V noci, v lese, Susanin prednáša svoj umierajúci monológ, recitatív „Cítia pravdu“, ktorý sa mení na áriovú modlitbu „Vstávaš, úsvit“, v ktorej hrdina prosí Boha o silu, aby prekonal poslednú hodinu. Vyjadruje hlboký smútok aj nádej. Hudba je pomalá v tempe, prísna a náladovo sústredená – pripomína kostolné hymny.

Opera „Život pre cára“ bola s veľkým úspechom uvedená 27. novembra 1836 na javisku Veľkého divadla v Petrohrade. Poprední ľudia ruskej spoločnosti ju vysoko ocenili.

Vedomie tvorivého víťazstva inšpirovalo skladateľa k novým nápadom a o niekoľko rokov neskôr sa objavila opera „Rozprávka“. Ruslan a Ľudmila“ (1842). Je napísaná na zápletke rovnomennej básne A. S. Puškina. Pomalý vývoj hudobnej akcie pripomína dávne eposy a legendy. Opera obsahuje ľudové rituálne scény, farebné obrazy prírody a fantastické obrazy. Svet ruských hrdinov (Ruslan, Ratmir), speváka Boyana, princa Vladimíra je proti rozprávkový svetčarodejníci - Černomor a Naina. Hrdinovia sú znázornení s epickou vážnosťou a majestátnosťou. Černomor a Naina (rovnako ako Ruslanov nešťastný rival Farlaf) sú nakreslení nespochybniteľnou dávkou humoru; autor akoby poslucháčovi hovoril: sú to len rozprávkové postavy, viac komické ako zlé. Hlavné charakteristikyČernomor, pán čarovného hradu, je napoly žartovný pochod. Veľkú úlohu pri vytváraní obrazov zohráva orchester. Skladateľ, ktorý zobrazuje kráľovstvo Černomor, používa intonácie východnej hudby. Pred poslucháčom sa predvádzajú turecké a arabské tance a lezginka. Opera „Ruslan a Lyudmila“ končí, ako každá rozprávka, víťazstvom dobra nad zlom a triumfom lásky.

Romance a piesne Glinka- pýcha ruských klasikov. Skladateľ ich písal po celý život. Glinkine lyrické romance sú akýmsi vyznaním jeho duše. Niektoré z nich zobrazujú obrazy ruskej prírody a života. Glinka vo svojich románoch zhrnul a rozvinul všetko najlepšie, čo vytvorili jeho predchodcovia a súčasníci - autori každodennej romantiky. veľa slávne romance, napríklad „Som tu, Inesilya“, „Pamätám si nádherný okamih“, napísané k básňam A. S. Puškina. Glinka sa obrátil aj na diela V. A. Žukovského, A. A. Delviga a ďalších ruských básnikov. Na slová vtedy populárneho básnika Nestora Vasiljeviča Kukolnika vytvoril skladateľ cyklus dvanástich romancí „Rozlúčka s Petrohradom“ (1838), ako aj slávnu romancu „Pochybnosti“, ktorú miloval vynikajúci ruský spevák Fjodor Ivanovič Chaliapin. hrať.

Pre orchester napísal Glinka jednu súkromnú symfonickú fantasy predohru. Jeho najlepšie diela v tomto žánri sú „Camarina“ (1848), „Aragonese Jota“ (1845) a „Noc v Madride“ (1851). „Kamarinskaya“, podľa všeobecného názoru ruských skladateľov, položila základ ruskej symfonickej hudbe. „Španielske“ predohry „Aragonese Jota“ a „Night in Madrid“ sú skvelým príkladom Glinkinho majstrovstva v intonáciách a štýle španielskej hudby. Skladba pre orchester „Waltz Fantasy“ (1856) pripravila na vznik symfonických valčíkov P. I. Čajkovského.

Vďaka práci Michaila Ivanoviča Glinku, Rus Hudobná škola dosiahli uznanie v Európe. Nasledujúce generácie skladateľov a jednoducho milovníci hudby si vždy vysoko cenili majstrovský príspevok k ruskej kultúre.

Alexander Sergejevič Dargomyžskij (1813-1869)

Dargomyzhsky je mladší súčasník a nasledovník Glinky. Do dejín ruskej hudby sa zapísal ako „veľký učiteľ hudobnej pravdy“, odvážny inovátor.

Dargomyžského názory sa formovali v období 30-40. XIX storočia, čas rýchleho rozvoja ruskej kultúry. Citlivo reagoval na všetko pokrokové a pokrokové v ruskom umení. Vo svojej tvorbe mal blízko k demokratickým spisovateľom a umelcom Ruska. Spojenie medzi vokálnou hudbou Dargomyžského a Puškinom, Gogolom a Lermontovom je obzvlášť blízke. Nie je náhoda, že najlepšie diela Dargomyžského sú založené na básňach Puškina a Lermontova.

V dielach Dargomyzhského romance a opery zaujímajú ústredné miesto. Komornú vokálnu hudbu komponoval skladateľ celý život: napísal vyše sto romancí, piesní, vokálne súbory. Tieto žánre boli pre Dargomyžského akýmsi tvorivým laboratóriom – formoval sa v nich jeho hudobný jazyk. Najznámejšie romance sú „Milujem ťa“ (na verše A. S. Puškina), „Znudený aj smutný“, „Som smutný“ (založený na verše Michaila Jurijeviča Lermontova). Sú presiaknuté jemnou lyrikou. a nálada osamelosti.

V diele A. S. Dargomyzhského sa objavil nový žáner vokálnych textov - satirická pieseň. Živými príkladmi takýchto diel sú piesne „Worm“ a „Titular Advisor“ (obe 50. roky). Recitatívnym prístupom k prirodzenej reči skladateľ maľoval expresívne spoločenské portréty.

Medzi najlepšie diela Dargomyzhského patrí opera "Rusalka"(1855). Na základe textu rovnomennej nedokončenej hry A. S. Puškina napísal libreto sám skladateľ. „Rusalka“ je prvou ruskou operou v podobe psychologickej, každodennej hudobnej drámy. Hlavnou úlohou, ktorú si skladateľ stanovil, je reflexia duchovný svet hrdinov, ich skúsenosti a postavy.

V 60. rokoch Dargomyzhsky získal široké verejné uznanie. Premiéry jeho opier mali veľký úspech, skladateľa zvolili za člena výboru petrohradskej pobočky Ruskej hudobnej spoločnosti.

"Mocná hŕstka"

Druhá polovica 19. storočia – poreformné časy, zrušenie poddanstva, liberalizácia verejného života, rozkvet revolučných nálad v ruskej spoločnosti. Táto etapa bola poznačená vysokým rozkvetom umeleckej kultúry ako integrálneho a originálneho fenoménu. Vtedy sa v umení vytvoril určitý systém duchovných a estetických hodnôt, ktoré boli stelesnené v literatúre a divadle, maľbe a hudbe.

Hudobné umenie nezostalo bokom od pálčivých problémov našej doby. Populistické pozície sú charakteristické pre svetonázor mnohých skladateľov, ktorí verili v mesiášsku úlohu ruského ľudu, v triumf ich historického duchovného výkonu. Hudba odrážala celé spektrum intenzívnych morálnych hľadaní ruskej inteligencie tých rokov a stelesňovala ideály inšpirované časom v hudobných obrazoch. Niektorí majstri si idealizovali ruskú históriu a čistotu ľudového života, iní verili v sebazdokonaľovanie jednotlivca na základe zákonov ľudovej etiky, iní sa snažili do svojej tvorby včleniť určitý prototyp ľudovej kultúry, zrodený z odvekých živý zdroj - nedotknutá príroda.

Žánrová originalita Ruská hudba je úzko spätá s „literárnym centrizmom“, charakteristickým pre umeleckú kultúru poreformnej éry. Generovaný estetikou realizmu sa prejavil v prioritnej úlohe slova, umeleckej a publicistickej. Vedúcim hudobným žánrom v tejto dobe bola opera – historická, epická, lyrická, dramatická. Naďalej sa rozvíjajú ďalšie syntetické hudobné žánre – romantika, pieseň. Vokálna hudba dopĺňa „hudobnú encyklopédiu“ ruskej poézie a obohacuje ju o sociálne, obviňujúce a lyricko-psychologické obrazy.

Druhá polovica 19. storočia je obdobím vzniku partnerstva, ktoré dostalo ľahkú ruku od kritika V.V. Stašová, meno "Mocná hŕstka". Zahŕňal M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, M.P. Musorgskij, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin.

„Mocná hŕstka“ je výnimočný fenomén ruského umenia. Zanechala hlbokú stopu v mnohých sférach kultúrneho života v Rusku – a nielen v Rusku. V ďalších generáciách hudobníkov - až do našej doby - existuje veľa priamych dedičov Musorgského, Borodina, Rimského-Korsakova, Balakireva. Myšlienky, ktoré ich spájali, ich pokrokové názory, sa stali vzorom pre popredných umelcov vo svete. dlhé roky.

Hlavou a vodcom „Mocnej hŕstky“ bol Milij Alekseevič Balakirev(1836/37-1910). Je jedným zo zakladateľov (1862) a riaditeľa (1868-73 a 1881-1908) Slobodnej hudobnej školy. Od roku 1867 do roku 1869 - dirigent Ruskej hudobnej spoločnosti a od roku 1883 do roku 1894 manažér Dvornej speváckej kaplnky. Jeho najznámejšie diela sú Predohra na témy troch ruských piesní (1858), symfonické básne „Tamara“ (1882), „Rus“ (1887), „V Čechách“ (1905) a orientálna fantázia pre klavír „Islamey“ (1869), romance, úpravy ruských ľudových piesní atď.

Medzi skladateľmi „Mocnej hŕstky“ Modest Petrovič Musorgskij(1839-1881) bol najvýznamnejším predstaviteľom hudby revolučné demokratické myšlienky60. roky gg. XIX storočia. Bol to Musorgskij, viac ako kedykoľvek predtým, kto dokázal komplexne, s veľkou obžalobou, odhaliť v hudbe krutú pravdu o živote ruského ľudu, aby znovu vytvoril, ako povedal V. V. Stasov, „celý oceán ruského ľudu, život, postavy, vzťahy, nešťastie, neznesiteľné bremeno, poníženie.“ . Čokoľvek Musorgskij napísal: opery, piesne, zbory, všade pôsobí ako nahnevaný a vášnivý vyhlasovateľ sociálnej nespravodlivosti.

V roku 1863 skladateľ začal skladať operu „Salammbô“ (podľa rovnomenného románu francúzskeho spisovateľa Gustava Flauberta) av roku 1868 operu „Manželstvo“ (na základe nezmeneného textu komédie N. V. Gogola). Obe diela zostali nedokončené, no pripravili Musorgského na vznik opery Boris Godunov (1869), ktorá sa stala výrazným fenoménom ruskej hudby.

Plná sila Musorgského talentu sa prejavila v opera "Boris Godunov"podľa Puškinovej tragédie. V tejto tragédii Musorgského priťahovala príležitosť ukázať v opere prebúdzanie moci ľudu, čo vedie k otvorenej nespokojnosti a nakoniec k spontánnemu povstaniu. Hlavnou myšlienkou opery je konflikt medzi zločineckým cárom Borisom a ľudom, ktorý vedie k povstaniu. Skladateľova pozornosť sa sústredila na odhalenie hlavnej myšlienky: stret medzi kráľom a ľudom. Ľudia v Musorgského opere sú hlavnými postavami. Napriek veľkému významu davových scén sa hlavná pozornosť v opere venuje charakterizácii vnútorného sveta postáv. V popredí je samozrejme obraz Borisa, ktorý sa odkrýva prostredníctvom rozsiahlych monológových scén. Brilantné zvládnutie techniky recitatívu, Musorgskij vyjadruje v hudbe stav mysle hrdina - neurčitá úzkosť, smútok a depresia, bolestivé trápenie svedomia, strach a dokonca aj halucinácie. Orchester v opere je veľmi zložitý. Pružne sleduje hlas, pridáva dôležité psychologické nuansy do vokálneho partu. Táto opera je duchom blízka revolučno-demokratickým náladám, ktoré existovali v ruskej spoločnosti v 60-70 rokoch. XIX storočia.

V roku 1872 skladateľ začal pracovať na opere „Khovanshchina“, ktorú sám nazval „ľudová hudobná dráma“. Zároveň napísal dielo úplne iného typu - lyricko-komediálnu operu „Sorochinskaya Fair“ podľa príbehu N. V. Gogola (zostala nedokončená).

Podľa súčasníkov bol Musorgskij vynikajúci klavirista. Ako poctu svojmu obľúbenému nástroju vytvoril veľkú klavírnu suitu s desiatimi skladbami "Obrázky na výstave"(1874). Nápad na suitu bol inšpirovaný posmrtnou výstavou diel jeho priateľa, výtvarníka a architekta Viktora Aleksandroviča Hartmanna. Cyklus začína úvodom, ktorý sa stáva leitmotívom diela. Autor ju nazval „Prechádzka“ z nejakého dôvodu: sprostredkúva pohyb návštevníka po výstavných sieňach. Potom nasledujú jednotlivé „obrázky“: „Gnome“, „ starý zámok““, „Tuileries Garden“, „Dobytok“, „Balet nevyliahnutých kurčiat“ atď. Úvodná hudba sa periodicky opakuje a vďaka tomu cyklus získava jednotu a je vnímaný ako celistvá kompozícia.

Musorgskij je autorom známych piesní a romancí. Prvá zverejnená pieseň „Kde si, hviezdička...“ (slová básnika a prekladateľa Nikolaja Porfiryeviča Grekova) dala vznik lyrická téma V vokálna kreativita skladateľ, ktorý dosiahol vrchol vo fantasy romantike „Noc“ (slová A. S. Puškina). Vtipné náčrty ruského rodinného života sú prezentované v románoch „Ale keby som ťa mohol stretnúť“ (slová básnika Vasilija Stepanoviča Kurochkina) a „Svetik Savishna“ a „Seminarist“ (slová skladateľa).

Musorgskij je skutočne ľudový skladateľ, ktorý celú svoju prácu venoval príbehu o živote, smútku a nádeji ruského ľudu. Jeho kreativita bola taká originálne a inovatívne, ktorá má stále silný vplyv na skladateľov z rôznych krajín.

Alexander Porfirievich Borodin (1833-1887) -jedinečný skladateľ. V hudbe v mnohých smeroch pokračoval v tradíciách Glinky. Borodin vo svojej hudbe stelesnil veľkosť a silu ruského ľudu, hrdinské charakterové črty ruského ľudu, majestátne obrazy národného eposu. A spolu s tým sú v Borodinovej práci lyrické, úprimné obrazy plné vášne a nehy.

Borodin je jedným z tvorcov ruštiny klasickej symfónie(2.,“ Bogatyrskaja“, 1876, ktorý otvoril hrdinsko-epický smer v ruskom symfonizme; symfonický obraz „V strednej Ázii“, 1980), ruská klasika sláčikové kvarteto. Majster vokálnej lyriky („Za brehy vzdialenej vlasti“); vniesol do romantiky obrazy hrdinského eposu, stelesnil myšlienky oslobodenia 60. rokov. 19. storočie („Spiaca princezná“, „Pieseň temného lesa“).

Nádherné dielo starej ruštiny literatúra XII storočia - „Príbeh Igorovej kampane“ - zaujala Borodina, uchvátila ho a inšpirovala k vytvoreniu opery. Lai rozprávali o neúspešnej kampani statočného kniežaťa Igora proti Polovcom. Autor vyzval kniežatá, aby sa zjednotili a táto vlastenecká orientácia diela obsahovala jeho pokrokovú úlohu. Na základe tejto zápletky vytvoril Borodin svoju veľkú operu "Princ Igor"(dokončil Rimsky-Korsakov v roku 1890).

„Princ Igor“ je lyricko-epická opera v 4 dejstvách s prológom. Hudba opery je z veľkej časti založená na intonáciách ľudových piesní – ruských a východných. Svetlé farby Maľovali sa ľudové výjavy, ruské aj orientálne. V tomto bol Borodin nasledovníkom Glinky, ktorý tiež našiel umelecky presvedčivé vlastnosti na zobrazenie tábora nepriateľov.

Nikolaj Andrejevič Rimskij-Korsakov (1844-1908).Medzi skladateľmi The Mighty Handful zaujíma Rimsky-Korsakov osobitné miesto. S jeho tvorbou ruská hudba rozkvitla naplno. rozprávka. Celý jeho život je nezištnou a nezištnou službou umeniu, vernosťou svojim ideálom.

Spektrum tém a zápletiek, ktoré Rimskij-Korsakov zosobňuje, je široké a pestré. Ako všetci „kuchkisti“ sa skladateľ obrátil k ruskej histórii, obrazom ľudového života, obrazom východu, dotkol sa aj oblasti každodennej drámy a lyricko-psychologickej sféry. Talent Rimského-Korsakova sa však najviac prejavil v dielach súvisiacich so svetom fantázie a rôznymi formami ruštiny. ľudové umenie. Rozprávka, legenda, epos, mýtus, rituál určujú nielen tému, ale aj ideový význam väčšiny jeho diel. Odhalenie filozofické implikácie folklórnych žánrov, Rimsky-Korsakov odhaľuje svetonázor ľudí: ich večný sen o lepšom živote, šťastí, stelesnený v obrazoch svetlých rozprávkových krajín a miest (kráľovstvo Berendee v meste „The Snow Maiden“, mesto z Lollipop v „Príbehu cára Saltana“); jeho morálne a estetické ideály, zosobnené na jednej strane podmanivo čistými a jemnými hrdinkami opier (princezná v „Kashchei nesmrteľný“), na strane druhej - legendárnych spevákov(Lel, Sadko), tieto symboly nevädnúceho ľudového umenia; jeho obdiv k životodarnej sile a večnej kráse prírody; nakoniec, nevykoreniteľná viera ľudí vo víťazstvo síl svetla, spravodlivosti a dobra je zdrojom optimizmu, ktorý je vlastný dielu Rimského-Korsakova.

Znaky skladateľovho štýlu a umeleckej metódy sa naplno prejavili v r operná kreativita. 15 opier Rimského-Korsakova predstavuje mimoriadnu pestrosť žánrových, dramatických, kompozičných a štýlových riešení. Patria medzi ne diela, ktoré smerujú k štruktúre čísel („Májová noc“, „Snehulienka“, „Cárova nevesta“) a neustálemu vývoju („Mozart a Salieri“, „Kashchei nesmrteľný“, „Legenda o neviditeľnom“. Mesto Kitezh, „Zlatý kohút“); opery so širokým davové scény(„Pskovská žena“, „Májová noc“, „Snehulienka“, „Mlada“, „Sadko“, „Kitezh“ a bez nich („Mozart a Salieri“, „Vera Sheloga“, „Kashchei nesmrteľný“) s rozšírené kompletné súbory ("Cárova nevesta") a bez súborov ("Mozart a Salieri", "Zlatý kohútik").V každom konkrétnom prípade sú výber žánru, princípy dramatického a štýlového riešenia určené dejovými premisami. . „Nikdy som neveril a neverím,“ zdôraznil Rimskij-Korsakov, „v jedinej skutočnej opernej forme, veriac, že ​​toľko zápletiek, koľko je na svete, by malo byť toľko (takmer toľko) zodpovedajúcich nezávislých operných foriem.. Rimskij-Korsakov potvrdzoval pohľad na operu ako na dielo predovšetkým hudobné, zároveň však kládol vysoké nároky na jej poetický základ, jednotu a konzistentnosť literárneho štýlu. Aktívne riadil tvorbu libretistov. Skladateľ sám napísal množstvo operných libriet.

Symfonická tvorba Rimského-Korsakova nie je v porovnaní s operou taká rozsiahla a rôznorodá. Do tejto oblasti však výrazne a originálne prispel. Nápaditá konkrétnosť hudobného myslenia skladateľa predurčila jeho príklon k programovému (hlavne obrazovému, výtvarnému) a žánrovému (spojenému s ľudovou piesňou a tematikou tanca) symfonizmu. Odtiaľ charakteristický výber žánrov a foriem - predohra (fantasy), symfonický obraz, suita a určitý štýlový smer - tendencia k variácii, ornamentálnosti vo vývoji materiálu, osobitný dôraz na koloristické možnosti harmónie a orchestrácie.

Rimsky-Korsakov zanechal obrovské tvorivé dedičstvo takmer vo všetkých hudobných žánroch. Jeho diela sú obsahovo rôznorodé, no ich hlavnou črtou je hlboký prienik do života a spôsobu života ľudí, ich myšlienok a túžob.

Génius Piotr Iľjič Čajkovskij (1840-1893)

Medzi ruskými klasickými skladateľmi vyniká meno Čajkovskij. Je drahý milovníkom hudby na celom svete. Jeho diela rovnako uchvacujú a vzrušujú všetkých ľudí – profesionálnych hudobníkov i širokú verejnosť. Čajkovskij zasvätil svoje dielo človeku, láske k vlasti a ruskej prírode, túžbe po šťastí a odvážnemu boju proti temným silám zla. Skladateľova hudba obsahuje celý život človeka s jeho radosťou, smútkom, nádejami, bojom, zúfalstvom. A nech už Čajkovskij hovorí o čomkoľvek, vždy je pravdivý a úprimný.

Čajkovského hudobný štýl sa rozvíjal v kontexte skladateľových nekonvenčných predstáv o povahe národnej identity. Vo svojom výklade „národného“ a „ľudového“ išiel inou cestou ako prívrženci „kučkizmu“. Ruský folklór nebol pre neho univerzálnym zdrojom, základným základom hudobného jazyka. Pomocou zovšeobecnených, sprostredkovaných intonácií ľudových piesní Čajkovskij stelesnil národný obraz „ruskosti“, Ruska, ruskej reality v jej modernej všestrannosti. Skladateľ sa preto nesnažil v hudbe využívať špecifické žánre autentického sedliackeho folklóru, ale obrátil sa k „intonačnému slovníku“ mestského hudobného života, ktorý ho obklopuje. Známe mestské intonácie v kombinácii s emocionálnou otvorenosťou, úprimnosťou a melodikou urobili Čajkovského hudbu zrozumiteľnou a prístupnou najširšiemu publiku v Rusku aj v zahraničí. Preto si Čajkovského diela rýchlo získali sympatie Európanov a prispeli k medzinárodnému uznaniu ruskej hudby na celom svete.

Čajkovskij písal takmer vo všetkých žánroch a v každom z nich povedal svoje nové slovo ako geniálny umelec. Ale možno bol jeho obľúbený žáner opera.V ňom sa Čajkovskij ukázal ako skutočný reformátor. Skladateľ si operu predstavoval ako najdemokratickejší žáner. „Opera,“ napísal, „a je to len opera, ktorá vás zbližuje s ľuďmi, robí vašu hudbu bližšou skutočnému publiku...“ Operná akcia je založená na silných ľudských pocitoch a zážitkoch. Čajkovskij venoval veľkú pozornosť obsahu svojich opier a vždy uprednostňoval zápletku z ruského života, pretože to bol ruský ľud, ktorého skutočne dobre poznal a rozumel.

Jedno z najlepších diel Čajkovského opera "Eugene Onegin".Dlho predtým, ako sa Čajkovskij rozhodol napísať operu podľa deja „Eugena Onegina“, sa začal vášnivo zaujímať o Puškinove básne. Jednou z jeho obľúbených častí poetického románu bol Tatianin list Oneginovi a skladateľ sníval o zhudobnení týchto slov. Prvé uvedenie opery na želanie skladateľa uskutočnili študenti moskovského konzervatória pod vedením N. Rubinsteina 17. marca 1879.

Čajkovskij nazval svoju operu „lyrickými scénami“. Skladateľ sústredil všetku svoju pozornosť na odhaľovanie vnútorného, ​​duchovného sveta svojich postáv.

Opera „Eugene Onegin“ je jedným z najvyšších úspechov ruského operného umenia. Pravdivé obrazy Puškinovho románu pomohli vyriešiť problém vytvorenia „intímnej, ale silnej drámy“, ktorej postavy boli „skutoční žijúci ľudia“. Na pozadí sa odvíja osobná dráma postáv domáce obrazy. Rôzne každodenné scény dodávajú opere zvláštne čaro.

Inovácia „Labutieho jazera“ - jeho nezvyčajnosť a odlišnosť od všetkého, čo bolo predtým - aj keď nebola úplne pochopená naraz, bola okamžite zaznamenaná verejnosťou aj kritikmi, hoci niekedy spôsobila zmätok medzi osvietenými milovníkmi hudby. Niektorí skladateľovi vyčítali chudobu jeho tvorivej fantázie, jednotvárnosť tém a melódií a istú jednotvárnosť. Iní si mysleli, že hudba je krásna, v skutočnosti až príliš dobrá na balet. Napriek tomu mala premiéra baletu v moskovskom Veľkom divadle (20. februára 1877) úspech a predstavenie zostalo na repertoári až do roku 1883, kedy kulisy pre túto inscenáciu úplne schátrali.

Prvá recenzia v tlači, kde ocenili vznik nového baletu, patrila G.A. Laroche: „Po hudobnej stránke je „Labutie jazero“ najlepší balet, aký som kedy počul... Melódie, jedna plastickejšia, melodickejšia a podmanivejšia ako druhá, plynú ako z roh hojnosti; Valčíkový rytmus, ktorý prevláda medzi tanečnými číslami, je stelesnený v takej rozmanitosti ladných a podmanivých vzorov, že melodický obraz nadaného a všestranného skladateľa nikdy neobstál v brilantnejšej skúške...“

V rovnakom čase dôležité miesto Symfonická hudba zaberá miesto aj v Čajkovského tvorbe. Napísal 6 symfónií a programová symfónia„Manfred“, tri koncerty pre klavír a orchester, jeden pre husle a množstvo orchestrálnych suít. Zo symfonických jednovetových hier vyniká najmä fantasy „Francesca da Rimini“ a programové hry podľa Shakespearových námetov (predohra-fantasy „Rómeo a Júlia“, fantasy „Búrka“).

Spektrum tvorivých záujmov skladateľa je nezvyčajne široké. Jeho pozostalosť zahŕňa desať opier (Eugene Onegin, Ondine, Kováč Vakula, Piková dáma atď.), tri balety (Labutie jazero, Spiaca krásavica, Luskáčik), sedem symfónií, viac ako desať orchestrálnych diel, inštrumentálne koncerty, zborové a klavírna hudba, komorná vokálna tvorba. V každej oblasti bol Čajkovskij inovátorom, hoci sa nikdy nesnažil byť reformátorom. Pomocou tradičných žánrov našiel skladateľ príležitosti na ich aktualizáciu.

„Z celej sily svojej duše by som chcel, aby sa moja hudba šírila,“ napísal Čajkovskij, „aby sa zvýšil počet ľudí, ktorí ju milujú, ktorí v nej nachádzajú útechu a podporu.“. Skladateľovo želanie sa splnilo.

Čajkovského dielo je vrcholom svetovej hudobnej kultúry 19. storočia – večne živým a vzácnym prameňom, z ktorého neprestávajú čerpať inšpiráciu skladatelia 20. storočia a naši súčasníci.

Záver

19. storočie dalo ruskej a svetovej hudbe nádherné diela. „Ruslan a Ľudmila“ a „Ivan Susanin“, „Eugene Onegin“ a „Labutie jazero“ sú pýchou ruskej kultúry. Do zlatého fondu ruskej hudby patria diela od Borodina, romance od Balakireva, Rimského-Korsakova, Borodina, Cui.

Ruskí skladatelia začali cestovať do zahraničia. Tam komunikovali s významnými majstrami hudobného umenia, a čo je najdôležitejšie, získali európske hudobné vzdelanie. Rusko vzbudilo obojstranný záujem v Európe a počas storočia veľa vynikajúcich hudobníkov koncertovalo v Moskve a Petrohrade. Úvod do európskej kultúry nielen zvýšil intelektuálnu a profesionálnu úroveň ruských skladateľov a interpretov, ale pomohol im aj lepšie pochopiť tradície národnej hudby a lepšie spoznať samých seba.

Kto je v súčasnosti obľúbeným americkým ruským skladateľom? Samozrejme, Čajkovskij. Mnoho Američanov dokonca považuje Pyotra Iľjiča za amerického skladateľa. Svoje diela dirigoval v Amerike, keď ho pozvali na otvorenie slávnej Carnegie Hall v New Yorku. Jeho hudba znie v Amerike takmer denne z rádií, najmä 4. a 6. symfónia a 1. klavírny koncert. Obľúbeným americkým baletom je Luskáčik.

Dielo klasických skladateľov Glinku, Dargomyžského, Borodina, Rimského-Korsakova, Čajkovského je skutočným pokladom ruskej kultúry 19. storočia. Ich tradície našli uplatnenie a rozvoj v dielach skladateľov konca 19. a začiatku 20. storočia – Taneyeva a Glazunova, Lyadova a Arenskyho, Kalinikova, Skrjabina a Rachmaninova. Všetky - dôstojných nástupcov ich veľkí predchodcovia.

Vo svojej kurzovej práci som ukázal hudobný vývoj Ruska v 19. storočí, analyzoval stav hudobnej kultúry, identifikoval jej črty, hovoril o skladateľoch tohto storočia a ich dielach a odhalil aj význam ruskej hudby 19. storočia pre svetovú kultúru.

Ruská hudobná kultúra 19. storočia splývaním s európskou kultúrou, svojou premenou, nadobudla pôvodné osobitosti a začala ju výrazne ovplyvňovať, rozvíjajúcu sa dodnes.

Bibliografia

1.Veľký Sovietska encyklopédia

2. Levashova O., Keldysh Y. História Ruská hudba - M.,1980

Encyklopédia po celom svete

Smirnova E. Ruská hudobná literatúra - M., 2001

Nikitina L.D. História ruskej hudby-M., 1999

Rapatskaya L.A. História ruskej hudby: Od starovekého Ruska po „strieborný vek“ - M., 2001

7.www.rimskykorsakov.ru

Príloha 1

Gurilev, Varlamov, Alyabyev, Verstovsky

Fedor Ivanovič Glinka

Náčrt Svetozarovho kroja. Opera "Ruslan a Lyudmila"

Dodatok 2

Peter Iľjič Čajkovskij

Balet „Luskáčik“ za účasti hercov Veľkého divadla

Doučovanie

Potrebujete pomôcť so štúdiom témy?

Naši špecialisti vám poradia alebo poskytnú doučovacie služby na témy, ktoré vás zaujímajú.
Odošlite žiadosť s uvedením témy práve teraz, aby ste sa dozvedeli o možnosti konzultácie.

Úvod

Pre Rusko sa 19. storočie stalo obdobím formovania národnej hudobnej školy

V tomto storočí sa rozvinuli tradície opery, komornej vokálnej a symfonickej hudby. Tento proces bol rozhodujúcim spôsobom ovplyvnený jednak tým západoeurópska kultúra a na druhej strane ruský folklór.

Michail Ivanovič Glinka

Po získaní vážneho hudobného vzdelania v Európe bol prvým, kto hlboko pochopil zvláštnosti ruskej národnej hudby. Glinkine kompozičné schopnosti sa najjasnejšie prejavili v dvoch operách - „Život pre cára“ („Ivan Susanin“) a „Ruslan a Lyudmila“

Scéna z opery Ivan Susanin»Glinka

"Ruslan a Lyudmila" Glinka

Opera-rozprávka „Ruslan a Lyudmila“ bola napísaná na základe deja rovnomennej básne A.S. Puškin. Veľkú úlohu pri vytváraní obrazu zohráva orchester.

Čajkovskij Peter Iľjič

Kreativita P.I. Čajkovskij je svetlou stránkou v dejinách nielen domáceho, ale aj zahraničného hudobného umenia. Tvorivé dedičstvo skladateľa zahŕňa 6 symfónií

Najznámejšie diela sú Prvý klavírny koncert (1875), Husľový koncert (1878) a Variácie na rokokovú tému (1876)

Scéna z baletu" Labutie jazero„Čajkovskij. 1876

Scéna z baletu "Luskáčik" od Čajkovského. 1892

Scéna z baletu „Šípková Ruženka“ od Čajkovského. 1889

Modest Petrovič Musorgskij
(1839-1881)

Opera „Boris Godunov“ (1869), „Khovanshchina“ (1872), „Sorochinskaya Fair“ - sa stali významným fenoménom ruskej hudby.

Scéna z opery "Boris Godunov" od Musorgského. 1869

Alexander Sergejevič Dargomyžskij. (1813-1869)

Medzi najlepšie Dargomyžského diela patrí opera „Rusalka“ (1855) a nedokončená opera „Kamenný hosť“ (1866-1869). Romance zaujímajú v skladateľovej tvorbe ústredné miesto. (Vyše 100 románikov.). Najznámejší

- „Miloval som ťa (k veršom A.S. Puškina), „A je to nudné a smutné“, „Som smutný“ (k veršom

M.Yu Lermontov).

Nikolaj Andrejevič Rimskij - Korsakov (1844 - 1908)

Základom tvorivého dedičstva boli opery, z ktorých mnohé boli napísané na základe diel ruských spisovateľov

"The Snow Maiden" (1881 podľa Ostrovského hry)

„Snehulienka“ (1881 podľa Ostrovského hry) Rimskij – Korsakov

Scéna z opery "Šeherezáda" Rimsky - Korsakov

ZÁPADNÁ EURÓPSKA HUDBA

XIX storočia - storočie rozkvetu hudobnej kultúry západnej Európy. Objavujú sa nové spôsoby hudobného vyjadrenia, ktoré odhaľujú hlboký individuálny potenciál skladateľov

Diela romantických skladateľov, sprostredkúvajúce bohatstvo sveta ľudských emocionálnych zážitkov a odtiene jeho osobných pocitov, tvoria základ moderného koncertného repertoáru. Romantizmus nie sú len texty, ale dominancia citov, vášní, duchovných prvkov, ktoré sú známe len v zákutiach vlastnej duše.

Franz Peter Schubert

Rakúsky skladateľ, jeden z najväčších predstaviteľov viedenskej klasickej hudobnej školy a jeden zo zakladateľov romantizmu v hudbe

Ave Maria. Schubert

Robert Schumann (1810-1856)

Rovnako ako Robert Schumann je tvorcom nového žánru nemeckej piesne Lied

Frederic Chopin (1810-1849)

Chopina sa raz opýtali, aké slovo môže definovať hlavnú náladu jeho hudby. Skladateľ odpovedal, že v jeho rodnom poľskom jazyku existuje také slovo - toto<<жаль>> (zal)

Richard Wagner (1813 - 1883)

Jeden z najvýznamnejších nemeckých skladateľov, geniálny hudobník, ktorého dielo zanechalo najhlbšiu stopu v dejinách európskeho hudobného umenia.

Strauss, Johann (otec)
(1804-1849 )

Rakúsky skladateľ, huslista a dirigent. Právom sa považuje za predka hudobná dynastia Straussov. Jeho traja synovia - Johann, Joseph a Eduard - sa tiež stali slávnymi skladateľmi. Skladateľov odkaz zahŕňa 251 diel (vrátane 152 valčíkov!)

Johann Strauss (syn)
(1825-1899)

Nazývaný „Kráľ valčíka“. Jeho tvorba je dokonale presiaknutá duchom Viedne s jej dlhoročnou, tradičnou láskou k tancu. Nevyčerpateľná inšpirácia spojená s najvyššou zručnosťou urobila zo Straussa skutočnú klasiku tanečnej hudby. Vďaka nemu prekročil viedenský valčík 19. storočie. a stal sa súčasťou dnešného hudobného života.

Scéna z opery Netopier» Strauss (syn)

Gioachino Antonio Rossini (1792-1868)

Rossini bol predovšetkým skladateľom komických opier, takzvaných operných buffov, z ktorých niektoré sa dodnes hrajú na operných scénach.

Manželský účet

Zvláštny prípad

Hodvábne schodisko

kameň úrazu

Tanec "Tarantella". Rossini

Giuseppe Verdi (1813-1901).

Posledný veľký klasik v tristoročnej histórii talianskej opery. Na svete neexistuje hudobné divadlo, ktoré by neinscenovalo Verdiho opery

Scéna z Verdiho opery La Traviata

Záver

XIX storočia - storočie triumfu klavírnej „literatúry“. Zdokonaľuje sa nielen dizajn klavíra, ale aj technika hry, jeho schopnosť vytvárať spevácku kantilénu a výrazné melodické linky. Rytmus skladateľov sa oslobodil od „okov“ cezúr a prísnej pravidelnosti tanečných figúr. Romantické kompozície sú naplnené improvizačnou ľahkosťou, keď melódia sleduje premenlivosť pohybov pocitov tak, ako to autor zamýšľal a ako je interpret schopný precítiť. Zvyšuje sa úloha nuansy a úloha hudobného výkonu

Zoznam zdrojov

http://www.richard-wagner.ru/

Http://www.krugosvet.ru/articles/htm

Http://ru.wikipedia.org/wiki/

http://fchopin.ru/

Ďakujem za tvoju pozornosť!

Pre Rusko 19. storočie sa stalo obdobím formovania ruskej národnej hudobnej školy. V tomto storočí sa rozvinuli tradície opery, komornej vokálnej a symfonickej hudby. Proces bol ovplyvnený na jednej strane západoeurópskou kultúrou a na druhej strane ruským folklórom.

I POLOVINA 19. STOROČIA

Historické pozadie. Vláda Alexandra I., vojna s Napoleonom, povstanie dekabristov a takmer 30 rokov reakcie Mikuláša I. Obdobie spoločenského rozmachu je teda nahradené obdobím reakcie. Prejavuje sa to vo všetkých druhoch umenia, klasické trendy postupne nahrádzajú romantické.

V hudbe je prvých 20 rokov v tradíciách 18. storočia. V ére národného rozmachu sa úloha opery vždy zvyšuje. Hudobné divadlo tohto obdobia sa postupne rozvíjalo a v 20. rokoch už existovalo rôzne žánre:

1) Dráma, alebo tragédia s hudbou (Kozlovský, Titov, Davydov).

2) Vaudeville (z čias Francúzskej revolúcie) je ľahká komédia s kupletmi (Alyabyev, Varlamov, Verstkovsky).

3) Historická opera (Talian Caterino Cavos napísal operu „Ivan Susanin“, ktorá sa hrala do polovice 30. rokov).

4) Rozprávkovo-fantastická opera („Lesta – morská panna Dneper“, Davydov, Kavos).

5) Balet. Hlavne so zahraničnými umelcami. Titov, Kavos, Davydov napísali.

Vrcholom 1. polovice 19. storočia je dielo Glinku, ktorý položil základy ruskej hudobnej klasiky. Zlatou kombináciou tejto éry je poézia Puškina a hudba Glinku.

Posledné obdobie(40.-50. roky): Glinkina neskoršia tvorba. Rozkvet Dargomyžského kreativity je prvým vrcholom realizmu v ruskej hudbe. Glinka a Dargomyzhsky vyjadrili svojským spôsobom romantizmus svojej doby.

Verejný hudobný život.

1) Bol to rozkvet súkromných hudobných salónov v domoch ruských aristokratov (napríklad salón Odoevského, ktorý bol osvieteným hudobníkom a hlbokým hudobným kritikom; jeho salón navštevovali aj vynikajúci európski hudobníci na turné vrátane Liszta) .

2) Poddanské orchestre a divadlá naďalej existujú; Obľúbená je hudba Mozarta, Haydna, Rossiniho atď.

3) Galaxia ruských vystupujúcich hudobníkov sa rozrastá.

4) V roku 1802 bola otvorená prvá koncertná organizácia v Rusku - Filharmonická spoločnosť. Začína sa prvé obdobie rozkvetu RMK, keď sa dokončuje formovanie ruského klasického hudobného štýlu. Vrcholom tohto obdobia je dielo Glinky.

Ruský klasický hudobný štýl absorboval rôzne zdroje:

1) ruský a ukrajinský folklór;

2) duchovné tradície zborový spev;

3) ruská mestská pieseň a každodenná romantika (veľmi dôležitý je vplyv cigánskeho štýlu vystupovania);

4) tradičný záujem o hudobné kultúry iných národov: orientálna (orientalizmus), ako aj poľská a španielska hudba;

5) tradície Viedenskej symfonickej školy;

6) skúsenosť s talianskou operou.

E-70S XIX STOROČIA

1) Historické pozadie: Alexander II., porážka v krymskej vojne, kritika autokracie, národný rozmach a zrušenie nevoľníctva (1861). Vedúca úloha demokraticky zmýšľajúcej inteligencie.

6) Významní interpreti: bratia Rubinsteinovci; G. Wieniawski, L. Auer – husle. K. Yu.Davydov – dirigent a violončelista. E. F. Nápravník – skladateľ a dirigent. Osip Petrov, Yu. F. Platonova a ďalší.

7) Verejný hudobný život: od súkromných salónov až po masové a demokratické formy. filharmonickej spoločnosti. Dvorská kaplnka naďalej funguje. V roku 1859 bola otvorená RMO v Petrohrade a o rok neskôr v Moskve. Založil ju Anton Rubinstein. Zimné záhrady boli otvorené na základe RMO: v roku 1862 - v Petrohrade, v roku 1866 - v Moskve. Po prvýkrát v Rusku dostávajú hudobníci vysokoškolské vzdelanie odborné vzdelanie. Na druhej strane Balakirev otvára (s pomocou Stasova a Lomakina) bezplatnú hudobnú školu pre masy a na organizovanie koncertov. Tieto 2 školy sú v opozícii (konzervatóriá podporuje cisár). Balakirev veľa vedie, a to aj v krajinách východnej Európy, čo posilňuje slovanské väzby. Do Ruska prichádzajú najväčší hudobníci Európy: Schumann, Liszt, Wagner, Berlioz. Skladatelia tohto obdobia s veľkým záujmom študujú RNP, spracovávajú a vydávajú zbierky (Balakirev, Rimskij-Korsakov, Čajkovskij).

8) Významné hudobné združenia a významných skladateľov:

· Balakirevsky kruh (Nová ruská hudobná škola - „Mighty Handful“). V Európe to nazývajú „päť“. Pokračovanie v tradíciách Glinky a Dargomyžského + záujem o ruskú históriu, folklór, ako aj demokratické myšlienky. Hlavní členovia Mocnej hŕstky: Balakirev, Musorgskij, Cui Rimsky-Korsakov, Borodin (dočasne sa pridali aj Gussakovsky, Ladyzhensky, Shcherbačov). Stasov je ideologickým inšpirátorom, vynikajúcim umeleckým kritikom. Pomáhal pri práci krúžku, podporoval mladých skladateľov, dodával im literárne a historické materiály pre prácu na operách.

· Kruh Antona Rubinsteina – RMS, konzervatóriá a profesori. Snažili sa priblížiť ruskú hudbu západoeurópskym tradíciám.

· Serov – skladateľ, publicista, analytik.

· Umelecký krúžok pod vedením N. Rubinsteina, dramatika Ostrovského, kritika Odoevského + umelcov Malého divadla. Pridal sa k nim mladý Čajkovskij. Napísal hudbu k hrám „The Thunderstorm“ a „The Snow Maiden“ (Moskva).

9) Hlavné hudobné žánre: 1. Rozvíja sa pieseň a romantika, prehlbuje sa psychologizmus, hudobná reč sa stáva komplexnejšou, sociálne témy zaujímajú veľké miesto (Mussorgskij). 2. Opera: prevládajú 3 hlavné smery - historický, lyricko-psychologický a komický. 3. Balet zažíva v tvorbe Čajkovského znovuzrodenie. 4) Symfonická hudba – „The Mighty Handful“ rozvíja ľudový žáner a epický symfonizmus.

Lístok 2

1. Osemnáste storočie nie je len časom skvelých víťazstiev pre ruské zbrane, budovania luxusných palácov a parkov, vzniku ruského divadla a rozkvetu literatúry a umenia. Práve v tomto čase boli v plnej šírke stanovené úlohy výchovy vlasti. Ideológia ruských osvietencov - Kantemira, Trediakovského, Lomonosova a ďalších - bola založená na skúsenostiach osvieteného panovníka Petra I. a jeho „učeného oddielu“. V tejto dobe sa presadzujú humanistické ideály víťazstva rozumu, spoločenskej hodnoty človeka a dôležitosti jeho občianskej povinnosti. Ruský klasicizmus ako hlavné literárne hnutie tej doby hlásal myšlienky vlastenectva a služby vlasti. Práve v tomto období sa začali používať slová patriot a patriotizmus.

2. Jedným z prvých architektov, ktorí pracovali v secesnom štýle, bol Belgičan Victor Horta. Vo svojich projektoch aktívne využíval nové materiály, predovšetkým kov a sklo. Nosným konštrukciám zo železa dal nevšedné tvary, pripomínajúce akési fantastické rastliny. Schodiskové zábradlie, lampy visiace zo stropu, dokonca aj kľučky dverí – všetko bolo starostlivo navrhnuté v rovnakom štýle. Vo Francúzsku myšlienky secesie rozvinul Hector Guimard, ktorý okrem iného vytvoril vstupné pavilóny parížskeho metra.

Po prvom objavení sa v Belgicku sa tento štýl v Nemecku nazýval Art Nouveau (správnejšie Jugendstil, nemecký jugendstil), v Rakúsku sa nazýval Secesia, vo Francúzsku - Art Nouveau atď. (pozri Art Nouveau). Pojem „secesia“ pochádza z názvu asociácií umelcov a architektov, ktoré sa objavili v Európe na konci 19. storočia, secesie. Preložené - „schizma“. Prvá takáto secesia vznikla v Mníchove v roku 1892 z iniciatívy Franza von Stucka, Wilhelma Trudnera a Fritza von Youdeho. Berlínska secesia vznikla v roku 1893 a Viedenská secesia, najznámejšia, v roku 1894.

Moderná architektúra je rôznorodá. Tento štýl absorboval prvky všetkých predchádzajúcich štýlov. Budovy v secesnom štýle môžu pripomínať maurské paláce, hrady a továrenské budovy. Na rozdiel od eklekticizmu, ktorý predchádzal moderne, však jeho autori odmietli priamo kopírovať formy renesancie a baroka. Koncom 19. stor. Louis Sullivan v Chicagu, Henrik Petrus Berlage v Amsterdame, Henri van de Velde v Belgicku a Otto Wagner vo Viedni súčasne vzniesli svoje požiadavky proti napodobňovaniu a ich protest proti historizmu nezostal bez odozvy.

Štýl sa vyvíjal a postupom času sa objavilo niekoľko smerov:

1. Novoromantizmus, kde sú použité prvky románsky štýl, gotika, renesancia a iné štýly. Príklad - Katolícka katedrála Francúzskeho veľvyslanectva v Petrohrade (L. N. Benois a M. M. Peretyatkovich), stavba s prvkami románskeho štýlu. V rámci novoromantizmu sa rozlišuje gotizmus, byzantizmus a množstvo ďalších tradícií.

2. Neoklasicizmus, príklad - Divadlo na Champs-Elysees v Paríži (O. Perret), Hotel Piccadilly v Londýne (N. Shaw), Banka Azov-Don na ulici Bolshaya Morskaya. v Petrohrade a pod.

3. Racionalizmus, smer s prevahou viac jednoduché tvary. Treba poznamenať, že v Rusku sa pojem racionalizmus (architektúra) zvyčajne nepoužíva pre modernizmus, ale pre neskoršiu avantgardu.

4. Iracionalizmus, príkladom je obchod Samariten v Paríži (F. Jourdain).

5. Tzv tehlový štýl, kedy architekti upustili od omietky, a všetky ozdobné detaily stavby boli z tehál (jej zakladateľom v Rusku bol V. A. Schröter).

6. V oddelených Hlavné mestá a regiónoch, secesia mala svoje charakteristické črty. Takto sa objavili výrazy: viedenský, berlínsky, parížsky, v Rusku - Moskva, Petrohrad, Riga, provinciálny atď. V Škandinávii vzniklo architektonické hnutie, ktoré sa tam nazývalo „národný romantizmus“. V Rusku je tento štýl známy ako severná moderna, alebo fínsky a domy v tomto štýle možno vidieť v malom mestečku Vyborg.

Obdobie architektúry konca 19. - začiatku 20. storočia bolo hodnotené rôznymi spôsobmi. Niektorí ju úplne vymazávajú z dejín architektúry, iní ju považujú za obdobie úpadku a iní za prípravné obdobie rozvoja ďalšej architektúry. Svoje miesto však vo svete zaujal secesný štýl.

VSTUPENKA 3

1. Vek osvietenstva-(fr. Siècle des lumières, nemčina Aufklärung) - jedna z kľúčových epoch v histórii európskej kultúry, spojený s rozvojom vedeckého, filozofického a sociálneho myslenia. Toto intelektuálne hnutie bolo založené na racionalizme a voľnomyšlienkárstve. Od Anglicka sa toto hnutie rozšírilo do Francúzska, Nemecka, Ruska a pokrylo ďalšie európske krajiny. Francúzski osvietenci boli obzvlášť vplyvní a stali sa „majstrami myslenia“. Osvietenské princípy tvorili základ americkej deklarácie nezávislosti a francúzskej deklarácie práv človeka a občana. Intelektuálne a filozofické hnutie tejto doby malo veľký vplyv na následné zmeny v etike a spoločenskom živote Európy a Ameriky, boj za národnú nezávislosť amerických kolónií európskych krajín, zrušenie otroctva a formovanie ľudských práv. . Okrem toho to otriaslo autoritou aristokracie a vplyvom cirkvi na spoločenský, intelektuálny a kultúrny život.

fr. postimpresionizmus, z lat. post - after a impresionizmus), súbor hnutí, ktoré sa objavili vo francúzskom umení v druhej polovici 80. rokov a nahradili impresionizmus. Za začiatok postimpresionizmu sa považuje polovica 80. rokov 19. storočia, kedy sa uskutočnila posledná výstava impresionistov a vyšiel Manifest symbolizmu (1886) básnika Jeana Moreasa. Nové hnutia deklarovali svoj odmietavý postoj k estetike impresionizmu a realizmu. Spájala ich pripravenosť sprostredkovať vo svojich obrazoch nie momentálne, ale dlhodobé, podstatné životné stavy, materiálne aj duchovné. Hľadanie prebiehalo rôznymi spôsobmi: bol to pointelizmus (Georges Seurat, Paul Signac) a symbolika Paula Gauguina a skupiny Nabi (Maurice Denis, Paul Sérusier, Edouard Vuillard, Pierre Bonnard atď.) a vytvorenie lineárno-malebná štruktúra secesného štýlu (Henri de Toulouse-Lautrec a i.), a prienik do konštruktívneho základu námetu (Paul Cezanne), ba dokonca maľba Vincenta Van Gogha, ktorá predznamenala experimenty expresionizmu.
Všeobecný smer, označujúce umelecké hnutia, ktoré vznikli po impresionizme. Umelci odmietali zobrazovať len viditeľnú realitu, ale snažili sa zobraziť jej základné, prírodné prvky. Široké spektrum postimpresionizmu obsahuje vznik názorov na objektívne zákony maľby (Cezanne), zobrazovanie imaginárnych procesov (Redon), surrealizmus (Van Gogh), primitívne zdroje našej spoločnosti (Gauguin) či poéziu tzv. realita (Rousseau). Princípy umeleckých smerov a vizuálne prvky postimpresionizmu sa stali základom trendov modernej maľby.

VSTUPENKA 4

1. Romantizmus – (francúzsky romantizmus), ideové a umelecké hnutie v európskej a americkej duchovnej kultúre konca 18. – 1. pol. 19. storočia Odráža sklamanie z výsledkov Francúzskej revolúcie z konca 18. storočia, z ideológie osvietenstva a spoločenského pokroku. Romantizmus staval do protikladu utilitarizmus a nivelizáciu jednotlivca s ašpiráciami na bezhraničnú slobodu a „nekonečno“, smädom po dokonalosti a obnove a pátosom osobnej a občianskej nezávislosti. Bolestivý rozpor medzi ideálom a sociálnou realitou je základom romantického svetonázoru a umenia. Potvrdenie vnútornej hodnoty duchovného a tvorivého života jednotlivca, zobrazenie silných vášní, zobrazenie silných vášní, zduchovnená a liečivá povaha, pre mnohých romantikov hrdinstvo protestu alebo boja koexistuje s motívmi „svetového smútku“ ““, „svetové zlo“, „nočná“ stránka duše, odetá do foriem irónie, grotesky, poetiky dvoch svetov. Záujem o národnú minulosť (často jej idealizácia), tradície folklóru a kultúry vlastných a iných národov, túžba vytvárať univerzálny obraz sveta (predovšetkým história a literatúra), myšlienka syntézy umenia našiel výraz v ideológii a praxi romantizmu.

V Rusku sa romantizmus v rôznej miere prejavil v tvorbe mnohých majstrov – v maľbe a grafike A. O. Orlovského, ktorý sa presťahoval do Petrohradu, v portrétoch O. A. Kiprenského a čiastočne – od V. A. Tropinina. Výrazný vplyv na formovanie ruskej krajiny mal romantizmus (diela Silv. F. Ščedrina, M. N. Vorobjova, M. I. Lebedeva; diela mladého I. K. Ajvazovského). Rysy romantizmu sa rozporuplne spájali s klasicizmom v dielach K. P. Bryullova, F. A. Bruniho, F. P. Tolstého; Bryullovove portréty zároveň poskytujú jedno z najvýraznejších vyjadrení princípov romantizmu v ruskom umení. Romantizmus do určitej miery zasiahol do maliarstva P. A. Fedotova a A. A. Ivanova.

Jonathan Swift (1667-1745).

Anglo-írsky satirik, publicista, básnik a verejný činiteľ. Známy je najmä ako autor fantastickej tetralógie Gulliverove cesty, v ktorej vtipne zosmiešnil ľudské a spoločenské neresti. Žil v Dubline (Írsko), kde pôsobil ako dekan (rektor) Katedrály sv. Napriek jeho Anglický pôvod, Swift energicky bránila práva obyčajných Írov a vyslúžila si ich úprimný rešpekt.

Napríklad v popise Lilliput Swift vychádza z predpokladu, že výška liliputánov je dvanásťkrát menšia ako výška Gullivera. Preto sa v tejto krajine plošné miery znížia 144-krát a objem 1728-krát. V krajine obrov, kde sa sám Gulliver stáva liliputánom, nájdeme opačný vzťah. Odtiaľ je veľa vtipných epizód. Autor podrobne rozpráva, akú neuveriteľnú prácu dali liliputánski krajčíri ušiť nový oblek pre Gullivera, koľko materiálu sa naňho spotrebovalo, aké drahé bolo udržať väzňa (zjedol takmer 2000 porcií naraz), ako bolo pre neho ťažké nájsť vhodný domov atď. Mimochodom, relativita veličín v nekonečne rozmanitom svete, obmedzené predstavy veľkých a malých sú predmetom Swiftových úvah v iných dielach, najmä v tzv. satirické pojednanie „O poézii“ (1723):

Od prvého do štvrtého dielu satira neustále rastie, stáva sa žierejšou a komplexnejšou.

Lodný lekár Lemuel Gulliver sa ocitne v krajine Lilliput, kde žijú malí ľudia, dvanásťkrát menší ako ľudia. Zajmú Gullivera a neskôr od neho miestny kráľ zloží vazalskú prísahu s prísľubom poslušnosti a prepustí ho.

V tejto časti tetralógie Swift sarkasticky opisuje prehnanú namyslenosť liliputánov a ich morálku, ktorá karikatúrne kopíruje tú ľudskú. Mnohé epizódy tu, rovnako ako v iných častiach knihy, satiricky odkazujú na Swiftove súčasné udalosti.

V druhej časti románu, ktorý opisuje Gulliverove dobrodružstvá v krajine obrov, už Swift nekarhá jednotlivé nedostatky v politickom a spoločenskom živote Anglicka a nie jednotlivých vládcov, ale celého systému vlády a vládnu štruktúru všeobecne. Ústredné miesto v druhej časti Cesty zaujíma Gulliverov rozhovor s kráľom obrov, ktorému Gulliver podrobne rozpráva o anglických zákonoch a zvykoch.

Rovnaké myšlienky, no v ešte dramatickejšej podobe ho nájdeme v tretej časti románu, ktorá opisuje Gulliverove cesty do iných fiktívnych krajín.

V štvrtej časti románu hrdina sa ocitne vo fantastickom štáte Houyhnhnms. Popisujúc Gulliverov pobyt v krajine koní sa Swift snaží svojim krajanom dokázať, že ich život je organizovaný neľudsky a škaredo, nerozumne a kruto.

Hudba prvej polovice 19. storočia bola ovplyvnená všeobecným patriotizmom. vzostup v súvislosti s vojnou v roku 1812. Skladatelia sa začali častejšie obracať k hrdinsko-historickým zápletkám a ľudovým melódiám (opera Ivan Susanin). Vznik národného škola (M.I.Glinka) - ktorej hudobný realizmus pripravovali desaťročia zbližovania profesionálnej a ľudovej hudby. Glinka „vytvorila národnú ruskú operu, národnú inštrumentálnu hudbu, ruskú národnú romantiku“. A.S.Dargomyzhsky vytvoril nové žánre - ľudovú hudobnú drámu, satiricko-komickú pieseň „Titular Advisor“).

Sociálny rozmach 50. – 60. rokov 19. storočia - koncertný život sa zintenzívňuje, vytvárajú sa základy profesionálnej hudby. vzdelanie. "Mocná hŕstka" : vedúci kruhu – M.A. Balakirev. Ideologické a umelecké ašpirácie Mocnej hŕstky sa formovali pod vplyvom estetických princípov ruských revolučných demokratov. Hudobníci, ktorí rozvíjali tradície Glinky a Dargomyzhského, našli zdroj inšpirácie v ľudovom umení a zároveň zvládli európsky systém. myslenie a vyjadrovanie. Základy: realizmus a národnosť. Prínos MK k rozvoju komornej a symfonickej hudby je veľký.

Diela P.I. Čajkovského - 6 symfónií („Manfred“, „Romeo a Júlia“ atď.), husľové a klavírne koncerty patria k svetovým majstrovským dielam; reformátor baletu, ktorý z hudby urobil hlavnú zložku baletnej drámy (Labutie jazero; Spiaca krásavica; Luskáčik), vytvoril aj nový typ opery (Eugene Onegin, 18). A. N. Serov – skladateľ a hudobný kritik, šampión umenia blízkeho ľudovému pôvodu. bratia Rubinsteinovci , vynikajúci klaviristi a dirigenti, boli zakladateľmi prvých ruských konzervatórií v Petrohrade a Moskve.

Téma čakania na veľké zmeny– Skrjabin, Rachmaninov. Myšlienky spojené s revolučným vzostupom - Rimsky-Korsakov (opery „Kashchei nesmrteľný“ a „Zlatý kohút“). Zmena dôrazu: opera ustupuje do pozadia, do popredia sa dostáva symfonická a komorná hudba.

4. Rysy „zlatého veku“ ruskej literatúry

19. storočie „Zlatý vek“ ruskej poézie a storočie ruskej literatúry v celosvetovom meradle. 19. storočie je obdobím formovania ruských písmen. jazyk, kat sa formovalo najmä vďaka A.S. Puškin. Ale 19. storočie začalo rozkvetom sentimentalizmu a vznikom romantizmu (v poézii - Žukovskij, Fet). Kreativita F.I. Tyutchevov „zlatý vek“ ruskej poézie bol dokončený. Ústrednou postavou tejto doby bol A. S. Puškin- báseň „Ruslan a Lyudmila“, román vo verši „Eugene Onegin“ sa nazýval encyklopédia ruského života.

Básne od A.S. Puškin" Bronzový jazdec“, „Cigáni“ ohlásili éru ruského romantizmu.

Nasledovník Puškina - Lermontov(Mtsyri, povedz Demonovi). Ruská poézia 19. storočia bola úzko spätá so spoločensko-politickým životom krajiny. Básnici sa snažili pochopiť myšlienku ich špeciálneho účelu. Básnik v Rusku bol považovaný za dirigenta božskej pravdy, za proroka. Rozvoj ruskej prózy v 19. storočí začal prozaickými dielami A.S. Puškin a N.V. Gogoľ. Pushkin pod vplyvom anglických historických románov vytvára príbeh „Kapitánova dcéra“, kde sa akcia odohráva na pozadí grandióznych historických udalostí: počas Pugačevovej rebélie. A.S. Puškin a N.V. Gogoľ načrtol hlavné umelecké typy, ktoré sa u spisovateľov v priebehu 19. storočia rozvíjali: typ „nadbytočného človeka“ (Onegin) a typ „malého človeka“ (príbeh Gogoľovho plášťa, Puškina – Strážca stanice). Charakteristika: publicistický a satirický charakter (Mŕtve duše, Gogoľov generálny inšpektor).

Tendencia zobrazovať zlozvyky a nedostatky ruská spoločnosť – charakteristický všetku ruskú klasickú literatúru. Od polovice 19. storočia prebieha formovanie ruskej realistickej literatúry. vzniká na pozadí napätej spoločensko-politickej situácie. situácia, ktorá sa vyvinula v Rusku za vlády Mikuláša I. Kríza vo feudálnom systéme sa schyľuje, existujú silné rozpory medzi úradmi a obyčajných ľudí. Je potrebné vytvárať realistickú literatúru, ktorá bude akútne reagovať na sociálnu politiku. situáciu v krajine. Literárny kritik V.G. Belinsky znamená nový realistický smer v literatúre. Jeho pozíciu rozvíja N.A. Dobrolyubov, N.G. Černyševskij. Medzi západniarmi a slavjanofilmi vzniká spor o cestách historického vývoja Ruska. Koniec 19. storočia - Ostrovskij, Čechov, Gorkij. Koniec 19. storočia je dekadentná literatúra, ktorej výrazným znakom sú mačky. vládla mystika, religiozita, ako aj predtucha zmien v spoločnosti. život krajiny. Následne sa dekadencia rozvinula do symboliky.

5. Literatúra ruského zahraničia v prvej polovici 20. storočia.

Ruská literatúra v zahraničí je odvetvie ruskej literatúry, ktoré vzniklo po boľševický prevrat 1917 Existujú tri obdobia alebo tri vlny ruskej emigrantskej literatúry. 1 vlna- od roku 1918 do zač. druhá svetová vojna, okupácia Paríža – mala masívny charakter. 2. vlna- koncom druhej svetovej vojny.3 mávať- po Chruščovovom „topení“ a priviedol najväčších spisovateľov mimo Ruska (Solženicyn, Brodsky). Najväčší kult. a písmená Dôležitá je tvorba spisovateľov prvej vlny ruskej emigrácie. Prvá vlna emigrácie (1918-1940). koncept" Ruština v zahraničí“ vznikol po októbrovej revolúcii v roku 1917, keď utečenci začali hromadne opúšťať Rusko (viac ako 2 milióny ľudí), v Berlíne, Paríži, Harbine - „Rusko v miniatúre“: vychádzali ruské noviny a časopisy, otvárali sa školy a univerzity , fungovala Ruská pravoslávna cirkev, no situácia utečencov to bola stále tragická (strata rodiny, vlasti, sociálneho postavenia, pochopenie, že sa nemožno vrátiť) Utečenci: náboženskí filozofi (Berďajev, Bulgakov), F. Chaliapin, I. Repin, K. Korovin, baletné hviezdy A. Pavlova, V. Nižinskij, skladatelia (S. Rachmaninov a I. Stravinskij), spisovatelia (Bunin, Z. Gippius, Kuprin, Severjanin, M. Cvetajevová). duchovné bašty národa v emigrácii, no zároveň tu boli nepriaznivé podmienky: nedostatok čitateľov, kolaps sociálnych a psychologických základov, núdza... ALE od roku 1927 začala prekvitať ruská zahraničná literatúra, právo na tvorivú slobodu. . Literatúra staršej generácie : vyznával pozíciu „zachovania zmlúv“ - „Nie sme v exile, sme v posolstve“, literatúra je prezentovaná v próze (Merezhkovsky, Bunin, Kuprin, Gippius); hlavným motívom je nostalgická spomienka na stratenú vlasť, vychádzajú mnohé životopisy spisovateľov a diela s náboženskou tematikou Literatúra mladšej generácie: nestihol si pred revolúciou získať v Rusku silnú reputáciu, no mnohí sa stali populárnymi v Európe a vo svete, autori rozpoznali vnútornú hodnotu tragickej skúsenosti emigrácie, objavili sa spisovatelia orientovaní na západnú tradíciu (V. Nabokov, Adamovič, Cvetaeva, Gorkij), zobrazovali realitu v emigrácii, mnohí spisovatelia zostali bez povšimnutia, veľký prínos k memoárom

Východné rozptylové centrá- Harbin a Šanghaj. Vedecké centrum Ruská emigrácia bola dlho Praha (Cvetaeva). V Prahe bola založená Ruská ľudová univerzita, pozvaných bolo 5 tisíc ruských študentov, kat. mohli pokračovať vo vzdelávaní. Presťahovalo sa sem aj veľa profesorov a vysokoškolských pedagógov. Pražský lingvistický krúžok zohral významnú úlohu pri uchovávaní slovanskej kultúry a rozvoji vedy. Ruský rozptyl zasiahol aj Latinskú Ameriku, Kanadu, Škandináviu a USA (Grebenshchikov).

Hlavné udalosti v živote ruskej literárnej emigrácie. Okolo Chodaseviča sa zjednotili mladí básnici skupiny "Perekrestok": G. Raevsky, I. Golenishchev-Kutuzov, Yu. Mandelstam, V. Smolensky. Adamovič od mladých básnikov nevyžadoval ani tak zručnosť, ako skôr jednoduchosť a pravdivosť „ľudských dokumentov“: „koncepty, zošity“. Adamovič dekadentný, žalostný svetonázor neodmietal, ale reflektoval. G. Adamovič je inšpirátorom literárnej školy, ktorá sa do dejín ruskej zahraničnej literatúry zapísala pod názvom „Parížska nôta“.

Sekcia 5. NÁBOŽENSKÉ ŠTÚDIA