Praca plastyczna pomaga. Artystyczne obrazy w tekstach

Artystyczny obraz

Artystyczny obraz - każde zjawisko twórczo odtworzone przez autora w dziele sztuki. Jest wynikiem zrozumienia przez artystę zjawiska lub procesu. Jednocześnie obraz artystyczny nie tylko odzwierciedla, ale przede wszystkim uogólnia rzeczywistość, odsłania to, co wieczne w jednostce, przemijające. O specyfice obrazu artystycznego decyduje nie tylko to, że obejmuje on rzeczywistość, ale także to, że tworzy nowy, fikcyjny świat. Artysta stara się selekcjonować takie zjawiska i przedstawiać je w taki sposób, aby wyrazić swój pomysł na życie, jego rozumienie jego tendencji i wzorców.

Tak więc „obraz artystyczny to konkretny i zarazem uogólniony obraz życia ludzkiego, stworzony za pomocą fikcji i mający wartość estetyczna„(LI Timofiejew).

Obraz jest często rozumiany jako element lub część artystycznej całości, z reguły fragment, który wydaje się mieć niezależne życie i treść (na przykład postać w literaturze, obrazy symboliczne, jako „żagiel” M. Yu. Lermontowa).

Obraz artystyczny staje się artystyczny nie dlatego, że jest wypisany z natury i wygląda jak prawdziwy przedmiot lub zjawisko, ale dlatego, że za pomocą wyobraźni autora przekształca rzeczywistość. Obraz artystyczny nie tylko i nie tyle kopiuje rzeczywistość, co raczej przekazuje to, co najważniejsze i najistotniejsze. Tak więc jeden z bohaterów powieści Dostojewskiego „Nastolatek” powiedział, że fotografie bardzo rzadko dają właściwy obraz osoby, ponieważ nie zawsze ludzka twarz wyraża główne cechy bohatera. Dlatego na przykład Napoleon, sfotografowany w pewnym momencie, może wydawać się głupi. Z drugiej strony artysta musi znaleźć w twarzy to, co najważniejsze, cechę charakterystyczną. W powieści Lwa Tołstoja „Anna Karenina” amator Wroński i artysta Michajłow namalowali portret Anny. Wydaje się, że Wroński lepiej zna Annę, coraz głębiej ją rozumie. Ale portret Michajłowa wyróżniał się nie tylko podobieństwem, ale także tym szczególnym pięknem, które tylko Michajłow mógł dostrzec, a którego Wroński nie zauważył. „Powinieneś był ją poznać i pokochać, tak jak ja ją kochałem, aby znaleźć ten najsłodszy wyraz jej duszy — pomyślał Wroński, choć rozpoznał tylko z tego portretu — to jest jej najsłodszy duchowy wyraz”.

Na różne etapy rozwoju ludzkości obraz artystyczny przybiera różne formy.

Dzieje się tak z dwóch powodów:

podmiot zmian wizerunkowych – osoba,

zmieniają się także formy jej odzwierciedlenia w sztuce.

Istnieją pewne osobliwości w odbiciu świata (a więc w tworzeniu obrazów artystycznych) przez artystów realistów, sentymentalistów, romantyków, modernistów itp. W miarę rozwoju sztuki stosunek rzeczywistości do fikcji, rzeczywistości do ideału, ogólnego do indywidualnego racjonalne i emocjonalne zmiany itp.

Na przykład w obrazach literatury klasycznej na pierwszy plan wysuwa się walka między uczuciem a obowiązkiem smakołyki niezmiennie dokonują wyboru na korzyść tego drugiego, poświęcając szczęście osobiste w imię interesów państwa. Przeciwnie, romantyczni artyści wywyższają bohatera-buntownika, samotnika, który odrzucił społeczeństwo lub został przez nie odrzucony. Realiści dążyli do racjonalnego poznania świata, identyfikacji związków przyczynowych między przedmiotami i zjawiskami. A moderniści ogłosili, że poznawanie świata i człowieka jest możliwe tylko za pomocą środków irracjonalnych (intuicja, wgląd, inspiracja itp.). W centrum prac realistycznych znajduje się człowiek i jego relacje ze światem zewnętrznym, podczas gdy romantyków, a następnie modernistów interesuje przede wszystkim świat wewnętrzny swoich bohaterów.

Choć twórcami obrazów artystycznych są artyści (poeci, pisarze, malarze, rzeźbiarze, architekci itp.), to w pewnym sensie ci, którzy te obrazy postrzegają, czyli czytelnicy, widzowie, słuchacze itp., okazują się także być ich współtwórców.I tak idealny czytelnik nie tylko biernie odbiera obraz artystyczny, ale także wypełnia go własnymi myślami, uczuciami i emocjami. Różni ludzie a różne epoki ujawniają różne jej aspekty. W tym sensie obraz artystyczny jest niewyczerpany, podobnie jak samo życie.

Artystyczne środki tworzenia obrazów

Mowa charakterystyczna dla bohatera :

- dialog- rozmowa dwóch, czasem większej liczby osób;

- monolog- mowa jednej osoby;

- monolog wewnętrzny - wypowiedzi jednej osoby, przybierające formę mowy wewnętrznej.

Podtekst - niewypowiedziane bezpośrednio, ale odgadnięte przez stosunek autora do przedstawionego, ukrytego, ukrytego znaczenia.

Portret - obraz wyglądu bohatera jako sposób jego scharakteryzowania.

Szczegół -wyrazisty detal w utworze, niosący znaczny ładunek semantyczny i emocjonalny.

Symbol - obraz wyrażający znaczenie zjawiska w obiektywnej formie .

Wnętrze -środowisko wewnętrzne, środowisko ludzkie.

Sztuka poetycka to myślenie obrazami. Wizerunek jest najważniejszym i bezpośrednio postrzeganym elementem Praca literacka. Obraz jest ogniskiem treści ideowych i estetycznych oraz werbalnej formy jego ucieleśnienia.

Termin „obraz artystyczny” ma stosunkowo niedawne pochodzenie. Po raz pierwszy użył go JW Goethe. Jednak problem samego obrazu jest jednym z najstarszych. Początków teorii obrazu artystycznego należy szukać w Arystotelesowskiej doktrynie „mimesis”. Termin „obraz” był szeroko stosowany w krytyce literackiej po opublikowaniu dzieł G. W. F. Hegla. Filozof napisał: „Przedstawienie poetyckie możemy nazwać figuratywnym, ponieważ zamiast abstrakcyjnej istoty stawia ono przed naszymi oczami jego konkretną rzeczywistość”.

G. V. F. Hegel, zastanawiając się nad związkiem sztuki z ideałem, rozwiązał kwestię transformacyjnego wpływu kreatywność artystyczna do życia społeczeństwa. „Wykłady z estetyki” zawierają szczegółową teorię obrazu artystycznego: rzeczywistość estetyczną, środek artystyczny, ideologia, oryginalność, niepowtarzalność, powszechna aktualność, dialektyka treści i formy.

W współczesna krytyka literacka Obraz artystyczny rozumiany jest jako reprodukcja zjawisk życia w konkretnej, indywidualnej formie. Celem i celem obrazu jest przekazanie ogółu poprzez jednostkę, nie naśladując rzeczywistości, ale ją odtwarzając.

Słowo jest głównym środkiem tworzenia poetyckiego obrazu w literaturze. Obraz artystyczny ujawnia widzialność przedmiotu lub zjawiska.

Obraz ma następujące parametry: obiektywność, uogólnienie semantyczne, struktura. Obrazy obiektów są statyczne i opisowe. Należą do nich obrazy szczegółów, okoliczności. Obrazy semantyczne dzielą się na dwie grupy: indywidualne - tworzone talentem i wyobraźnią autora, odzwierciedlają wzorce życia w określonej epoce iw określonym środowisku; i obrazy, które przekraczają granice swojej epoki i nabierają uniwersalnego ludzkiego znaczenia.

Obrazy, które wykraczają poza zakres pracy i często wykraczają poza zakres pracy jednego pisarza, obejmują obrazy, które powtarzają się w wielu pracach jednego lub więcej autorów. obrazy charakterystyczne dla cała epoka czy narody i obrazy-archetypy zawierają najbardziej trwałe „formuły” ludzkiej wyobraźni i samowiedzy.

Wizerunek artystyczny łączy się z problematyką świadomości artystycznej. Analizując obraz artystyczny, należy wziąć pod uwagę, że literatura jest jedną z form świadomości społecznej i rodzajem praktyczno-duchowej aktywności człowieka.

Obraz artystyczny nie jest czymś statycznym, wyróżnia się proceduralnym charakterem. W różnych epokach obraz podlega pewnym specyficznym i gatunkowym wymogom, które rozwijają tradycje artystyczne. Jednocześnie obraz jest znakiem wyjątkowej indywidualności twórczej.

Obraz artystyczny jest uogólnieniem elementów rzeczywistości, zobiektywizowanych w zmysłowo postrzeganych formach, które powstają zgodnie z prawami typu i gatunku. ta sztuka, w pewien indywidualno-twórczy sposób.

Subiektywne, indywidualne i przedmiotowe są obecne w obrazie w nierozerwalnej jedności. Rzeczywistość jest materiałem do poznania, źródłem faktów i doznań, które badamy kreatywna osoba studiuje siebie i świat, ucieleśnia w dziele swoje ideowe, moralne wyobrażenia o rzeczywistości i tym, co właściwe.

Obraz artystyczny, odzwierciedlający życiowe trendy, jest jednocześnie oryginalnym odkryciem i tworzeniem nowych, wcześniej nieistniejących znaczeń. Obraz literacki koreluje ze zjawiskami życiowymi, a zawarte w nim uogólnienie staje się swoistym modelem rozumienia czytelnika. własne problemy i konfliktów rzeczywistości.

O oryginalności dzieła decyduje także całościowy obraz artystyczny. Postacie, zdarzenia, działania, metafory podporządkowane są zgodnie z pierwotną intencją autora, a w fabule, kompozycji, głównych konfliktach, temacie, idei dzieła wyrażają charakter estetycznego stosunku artysty do rzeczywistości.

Proces tworzenia obrazu artystycznego to przede wszystkim ścisły wybór materiału: artysta bierze najwięcej specyficzne cechy przedstawiony, odrzuca wszystko przypadkowe, dając rozwinięcie, powiększenie i wyostrzenie niektórych rysów do pełnej wyrazistości.

V. G. Belinsky napisał w artykule „Literatura rosyjska w 1842 r.”: „Teraz„ ideał ”jest rozumiany nie jako przesada, nie kłamstwo, nie dziecinna fantazja, ale fakt rzeczywistości, taki jaki jest; ale faktem nie wypisanym z rzeczywistości, lecz przeniesionym przez fantazję poety, oświetlonym światłem ogólnego (a nie wyjątkowego, partykularnego i przypadkowego) znaczenia, wzniesionym w perłę świadomości, a przez to bardziej do siebie podobnym, wierniejszym niż najbardziej niewolnicza kopia z wiernością oryginałowi. I tak na portrecie wykonanym przez wielkiego malarza człowiek jest bardziej podobny do siebie niż nawet do swego odbicia w dagerotypie, bo wielki malarz o ostrych rysach wydobył wszystko, co w takiej osobie jest ukryte i co być może jest tajemnicą dla tej osoby.

Perswazyjność utworu literackiego nie ogranicza się i nie ogranicza do wierności odtworzenia rzeczywistości i tzw. „prawdy życia”. Decyduje o tym oryginalność twórczej interpretacji, modelowania świata w formach, których postrzeganie stwarza złudzenie zrozumienia fenomenu człowieka.

Artystyczne obrazy stworzone przez D. Joyce'a i I. Kafkę nie są tożsame z życiowym doświadczeniem czytelnika, trudno je odczytać jako zupełny zbieg okoliczności ze zjawiskami rzeczywistości. Owa „nietożsamość” nie oznacza braku zgodności treści i struktury utworów pisarzy i pozwala stwierdzić, że obraz artystyczny nie jest żywym oryginałem rzeczywistości, lecz filozoficzno-estetycznym modelem świata i mężczyzna.

W charakterystyce elementów obrazu istotne są ich możliwości wyrazowe i malarskie. Przez „ekspresyjność” należy rozumieć ideową i emocjonalną orientację obrazu, a przez „obrazowość” – jego byt zmysłowy, który zamienia się w rzeczywistość artystyczna subiektywny stan i ocena artysty. Ekspresyjność obrazu artystycznego nie sprowadza się do przekazania subiektywnych przeżyć artysty czy bohatera. Wyraża znaczenie pewnych stanów psychicznych lub relacji. Figuratywność obrazu artystycznego pozwala odtworzyć przedmioty lub wydarzenia w wizualnej klarowności. Ekspresyjność i figuratywność obrazu artystycznego są nierozłączne na wszystkich etapach jego istnienia - od pierwotna intencja przed zakończeniem pracy. Organiczna jedność figuratywności i ekspresywności jest w pełni związana z integralnym systemem obrazów; oddzielne obrazy-elementy nie zawsze są nośnikami takiej jedności.

Należy zwrócić uwagę na socjogenetyczne i epistemologiczne podejście do badania obrazu. Pierwsza ustala społeczne potrzeby i przyczyny, z których wynikają określone treści i funkcje obrazu, a druga analizuje zgodność obrazu z rzeczywistością i wiąże się z kryteriami prawdy i prawdziwości.

W tekście literackim pojęcie „autora” wyraża się w trzech głównych aspektach: autor biograficzny, którego czytelnik zna jako pisarza i osobę; autor „jako ucieleśnienie istoty dzieła”; wizerunek autora, podobnie jak inne wizerunki-bohaterów dzieła, jest dla każdego czytelnika przedmiotem osobistego uogólnienia.

Definicja funkcja artystyczna Wizerunek autora podał V. V. Vinogradov: „Wizerunek autora nie jest tylko tematem mowy, najczęściej nie jest nawet wymieniony w strukturze dzieła. Jest to skoncentrowane ucieleśnienie istoty dzieła, spajające cały system struktur mowy postaci w ich relacji z narratorem, narratorem lub narratorami, a przez to będące ogniskiem ideowym i stylistycznym, ogniskiem całości.

Konieczne jest rozróżnienie między wizerunkiem autora i narratora. Narrator to specjalny obraz artystyczny wymyślony przez autora, jak wszyscy inni. Ma ten sam stopień umowności artystycznej, dlatego niedopuszczalne jest utożsamianie się narratora z autorem. W utworze może być kilku narratorów, co po raz kolejny dowodzi, że autor ma swobodę ukrywania się „pod maską” jednego lub drugiego narratora (np. "). Obraz narratora w powieści F. M. Dostojewskiego „Demony” jest złożony i różnorodny.

Styl narracji i specyfika gatunku determinuje obraz autora w utworze. Jak pisze Yu V. Mann, „każdy autor pojawia się w promieniach swojego gatunku”. W klasycyzmie autor ody satyrycznej jest oskarżycielem, w elegii smutnym śpiewakiem, w życiu świętego hagiografem. Kiedy kończy się tzw. okres „poetyki gatunku”, obraz autora nabiera charakteru realistyczne funkcje, otrzymuje rozszerzony emocjonalny i oznaczający. „Zamiast jednego, dwóch, kilku kolorów jest ich pstrokaty, wielokolorowy i opalizujący” — mówi Yu Mann. Pojawiają się autorskie dygresje – tak wyraża się bezpośrednia komunikacja twórcy dzieła z czytelnikiem.

Powstanie gatunku powieści przyczyniło się do rozwoju narratora obrazu. W powieści barokowej narrator działa anonimowo i nie szuka kontaktu z czytelnikiem, m.in realistyczna powieść autor-narrator jest pełnoprawnym bohaterem dzieła. Na wiele sposobów główni bohaterowie dzieł wyrażają autorską koncepcję świata, ucieleśniają doświadczenia pisarza. Na przykład M. Cervantes napisał: „Czytelniku bezczynny! Możesz wierzyć bez przysięgi, tak jak chciałbym, aby ta książka, owoc mojego zrozumienia, była szczytem piękna, wdzięku i zamyślenia. Ale nie jest w mojej mocy anulowanie prawa natury, zgodnie z którym każda żywa istota rodzi swój własny rodzaj.

A jednak nawet wtedy, gdy bohaterowie dzieła są uosobieniem idei autora, nie są z nim tożsami. Nawet w gatunkach wyznania, dziennika, notatek nie należy szukać adekwatności autora i bohatera. Skazanie J.-J. Rousseau jest to, że autobiografia - idealny kształt introspekcji i eksploracji świata, została zakwestionowana przez literaturę XIX wieku.

Już M. Yu Lermontow wątpił w szczerość zeznań wyrażonych w spowiedzi. We wstępie do Dziennika Pieczorina Lermontow napisał: „Wyznanie Rousseau ma już tę wadę, że czytał je swoim przyjaciołom”. Bez wątpienia każdy artysta dąży do tego, aby obraz był żywy, a wciągająca fabuła realizuje zatem „próżne pragnienie wzbudzenia udziału i zdziwienia”.

A. S. Puszkin generalnie zaprzeczał potrzebie spowiedzi w prozie. W liście do P. A. Vyazemsky'ego dotyczącym zagubionych notatek Byrona poeta napisał: „On (Byron) wyznał w swoich wierszach, mimowolnie, uniesiony zachwytem poezji. W prozie z zimną krwią kłamał i przebiegle, to próbował popisać się szczerością, to oczerniał swoich wrogów. Zostałby złapany, tak jak Rousseau, i znowu zatriumfowałyby złośliwość i oszczerstwo ... Nikogo tak nie kochasz, nikogo nie znasz tak dobrze jak siebie. Temat jest niewyczerpany. Ale to jest trudne. Można nie kłamać, ale być szczerym to fizyczna niemożliwość.”

Wprowadzenie do literaturoznawstwa (NL Vershinina, EV Volkova, AA Ilyushin i inni) / wyd. LM Krupczanow. - M, 2005

Najważniejszą kategorią literatury, która określa jej istotę i specyfikę, jest obraz artystyczny. Jakie jest znaczenie tego pojęcia? Oznacza zjawisko, które autor twórczo odtwarza w swojej twórczości. Obraz w dziele sztuki jest przedstawiany jako wynik znaczących wniosków pisarza na temat jakiegoś procesu lub zjawiska. Osobliwością tej koncepcji jest to, że nie tylko pomaga zrozumieć rzeczywistość, ale także stworzyć własny fikcyjny świat.

Spróbujmy prześledzić, czym jest obraz artystyczny, jakie są jego rodzaje i środki wyrazu. W końcu każdy pisarz stara się zobrazować pewne zjawiska w taki sposób, aby pokazać swoją wizję życia, jego tendencje i wzorce.

Co to jest obraz artystyczny

Krajowa krytyka literacka zapożyczyła słowo „obraz” z leksykonu kościoła kijowskiego. Ma znaczenie - twarz, policzek, a jego symbolicznym znaczeniem jest obraz. Ale ważne jest dla nas przeanalizowanie, czym jest obraz artystyczny. Rozumieją przez to konkretny, a czasem uogólniony obraz życia ludzi, który niesie ze sobą walory estetyczne i jest tworzony za pomocą fikcji. element lub część twórczość literacka posiadanie niezależnego życia - tym jest wizerunek artystyczny.

Taki obraz nazywa się artystycznym nie dlatego, że jest identyczny z rzeczywistymi przedmiotami i zjawiskami. Autor po prostu przekształca rzeczywistość za pomocą swojej wyobraźni. Zadaniem obrazu artystycznego w literaturze jest nie tylko odwzorowanie rzeczywistości, ale przekazanie tego, co najważniejsze i najistotniejsze.

Tak więc Dostojewski włożył w usta jednego ze swoich bohaterów słowa, że ​​rzadko można rozpoznać osobę ze zdjęcia, ponieważ twarz nie zawsze mówi o najważniejszych cechach charakteru. Ze zdjęć na przykład Napoleon wydaje się niektórym głupi. Zadaniem pisarza jest pokazanie w obliczu i charakterze tego, co najważniejsze, konkretne. Tworząc obraz literacki, autor słowami odzwierciedla ludzkie postacie, przedmioty, zjawiska w indywidualnej formie. Literaturoznawcy rozumieją przez obraz:

1. Postacie grafika, bohaterowie, aktorzy i ich postacie.
2. Przedstawienie rzeczywistości w konkretnej formie, za pomocą obrazów werbalnych i tropów.

Każdy obraz stworzony przez pisarza niesie ze sobą szczególną emocjonalność, oryginalność, asocjatywność i pojemność.

Zmieniające się formy reprezentacji artystycznej

W toku tego, jak zmienia się ludzkość, następują zmiany w obrazie rzeczywistości. Istnieje różnica między tym, jaki obraz artystyczny był 200 lat temu, a tym, czym jest teraz. W dobie realizmu, sentymentalizmu, romantyzmu, modernizmu autorzy przedstawiali świat na różne sposoby. Rzeczywistość i fikcja, rzeczywistość i ideał, ogólna i indywidualna, racjonalna i emocjonalna - wszystko to zmieniało się w toku rozwoju sztuki. W epoce klasycyzmu pisarze podkreślali walkę między uczuciami a powinnością. Często bohaterowie wybierali obowiązek i poświęcali osobiste szczęście w imię interesu publicznego. W epoce romantyzmu pojawili się zbuntowani bohaterowie, którzy odrzucili społeczeństwo lub je.

Realizm wprowadził do literatury racjonalną wiedzę o świecie, nauczył rozpoznawać związki przyczynowo-skutkowe między zjawiskami a przedmiotami. Modernizm wzywał pisarzy do poznawania świata i człowieka środkami irracjonalnymi: natchnieniem, intuicją, wglądem. Dla realistów na czele wszystkiego stoi człowiek i jego relacja ze światem zewnętrznym. Romantycy interesują się wewnętrznym światem swoich bohaterów.

Czytelników i słuchaczy można też nazwać poniekąd współtwórcami obrazów literackich, bo ich odbiór jest ważny. Idealnie byłoby, gdyby czytelnik nie tylko biernie stał z boku, ale przepuszczał obraz przez własne uczucia, myśli i emocje. Czytelnicy z różnych epok otwierają zupełnie inne strony tego, jaki obraz artystyczny przedstawił pisarz.

Cztery rodzaje obrazów literackich

Obraz artystyczny w literaturze jest klasyfikowany na różnych podstawach. Wszystkie te klasyfikacje tylko się uzupełniają. Jeśli podzielimy obrazy na typy według liczby słów lub znaków, które je tworzą, to wyróżniają się następujące obrazy:

• Małe obrazy w postaci szczegółów. Przykładem detalu obrazu jest słynny stos Plyushkina, struktura w formie sterty. Charakteryzuje bardzo wyraźnie swoją postać.
• Wnętrza i krajobrazy. Czasami są częścią wizerunku osoby. Tak więc Gogol nieustannie zmienia wnętrza i krajobrazy, czyniąc je środkiem do tworzenia postaci. Teksty krajobrazowe są bardzo łatwe do wyobrażenia dla czytelnika.
• Obrazy postaci. Tak więc w pracach Lermontowa osoba ze swoimi uczuciami i myślami znajduje się w centrum wydarzeń. Postacie są również nazywane bohaterami literackimi.
• złożone systemy literackie. Jako przykład możemy wymienić obraz Moskwy w tekstach Cwietajewa, Rosja w dziele Bloku, Petersburgu w Dostojewskim. Jeszcze bardziej złożonym systemem jest obraz świata.

Klasyfikacja obrazów według specyfiki rodzajowej i stylistycznej

Wszystkie kreacje słowne i artystyczne dzielą się zwykle na trzy typy. W związku z tym obrazy mogą być:

• liryczny;
• epicki;
• dramatyczny.

Każdy pisarz ma swój własny styl przedstawiania postaci. Daje to powód do klasyfikacji obrazów na:

• realistyczny;
• romantyk;
• surrealistyczne.

Wszystkie obrazy są tworzone zgodnie z pewnym systemem i prawami.

Podział obrazów literackich ze względu na charakter uogólnienia

Niepowtarzalność i oryginalność cechuje pojedyncze obrazy. Są wymyślone przez wyobraźnię samego autora. Pojedyncze obrazy używany przez romantyków i pisarzy science fiction. W katedrze Notre Dame Hugo czytelnicy mogą zobaczyć niezwykłego Quasimodo. Lotka w powieści Bułhakowa „Mistrz i Małgorzata”, Demon w dziele Lermontowa pod tym samym tytułem to jednostka.

Uogólnienie jest przeciwieństwem jednostki Charakterystyka. Zawiera postacie i zwyczaje, które mają ludzie z określonej epoki. Tacy są literaccy bohaterowie Dostojewskiego w Braciach Karamazow, Zbrodni i karze, w sztukach Ostrowskiego, w Sadze Forsyte'a Galsworthy'ego.

Najwyższym poziomem są charakterystyczne postacie typowy zdjęcia. Były najbardziej prawdopodobne dla danej epoki. Dokładnie tak typowi bohaterowie spotykane najczęściej w realistycznym literatura XIX stulecie. To ojciec Goriot i Gobsek Balzac, Platon Karataev i Anna Karenina Tołstoj, Madame Bovary Flaubert. Czasami tworzenie obrazu artystycznego ma na celu uchwycenie społeczno-historycznych znaków epoki, uniwersalnych cech charakteru człowieka. Don Kichot, Don Juan, Hamlet, Obłomow, Tartuffe można dodać do listy takich wiecznych obrazów.

Z ram poszczególnych postaci idź motywy. Powtarzają się one nieustannie w tematyce prac jakiegoś autora. Na przykład „wioska Rus” Jesienina lub „ piękna pani"Blok.

Typowe obrazy spotykane nie tylko w literaturze poszczególnych pisarzy, ale także narodów, epok, to tzw topos. Tacy rosyjscy pisarze jak Gogol, Puszkin, Zoszczenko, Płatonow używali w swoich pismach toposowego obrazu „małego człowieka”.

Uniwersalny obraz, który jest nieświadomie przekazywany z pokolenia na pokolenie, to tzw archetyp. Zawiera postacie mitologiczne.

Sposoby tworzenia wizerunku artystycznego

Każdy pisarz, w miarę swoich możliwości, odsłania obrazy dostępnymi mu środkami. Najczęściej czyni to poprzez zachowanie bohaterów w określonych sytuacjach, poprzez swoje relacje ze światem zewnętrznym. Ze wszystkich środków obrazu artystycznego ważną rolę odgrywa charakterystyka mowy bohaterowie. Autor może korzystać monologi, dialogi, wewnętrzne wypowiedzi osoby. Do wydarzeń rozgrywających się w książce pisarz może przypisać swoje opis autora.

Czasami czytelnicy dostrzegają w utworach ukryte, ukryte znaczenie, które jest tzw podtekst. Wielkie znaczenie cechy zewnętrzne bohaterów: wzrost, ubiór, sylwetka, mimika, gesty, barwa głosu. Łatwiej nazwać to portretem. Dzieła te niosą ze sobą ogromny ładunek semantyczny i emocjonalny Detale, wyrażanie szczegółów . Aby wyrazić znaczenie zjawiska w obiektywnej formie, autorzy używają symbolika. Idea siedliska o określonym charakterze daje opis wnętrza pokoju - wnętrze.

W jakim porządku jest literacki

obraz postaci?

Stworzenie artystycznego wizerunku osoby jest jednym z najważniejszych zadań każdego autora. Oto jak scharakteryzować tę lub inną postać:

1. Wskaż miejsce postaci w systemie obrazów dzieła.
2. Opisz go pod kątem typu społecznego.
3. Opisz wygląd postaci, portret.
4. Wymień cechy jego światopoglądu i światopoglądu, zainteresowania umysłowe, zdolności i nawyki. Opisz czym się zajmuje, jakie ma zasady życiowe i wpływ na innych.
5. Opisz sferę uczuć bohatera, cechy przeżyć wewnętrznych.
6. Analizować postawa autora do postaci.
7. Ujawnij najważniejsze cechy charakteru bohatera. Gdy autor je otwiera, pojawiają się inne postacie.
8. Przeanalizuj działania bohatera.
9. Nazwij osobowość mowy bohatera.
10. Jaki jest jego stosunek do natury?

Zdjęcia mega, makro i mikro

Czasem tekst dzieła literackiego postrzegany jest jako megaobraz. Ma swoją wartość estetyczną. Krytycy literaccy przyznają mu najwyższą wartość gatunkową i niepodzielną.

Aby przedstawić życie w większych lub mniejszych segmentach, obrazach lub częściach, stosuje się obrazy makro. Kompozycja obrazu makro składa się z małych jednorodnych obrazów.

Mikroobraz wyróżnia się najmniejszym rozmiarem tekstu. Może mieć postać małego wycinka rzeczywistości przedstawionej przez artystę. Może to być jedno słowo frazy (Zima. Mróz. Rano.) Lub zdanie, akapit.

Symbole obrazu

Cechą charakterystyczną takich obrazów jest metafora. Niosą w sobie głębię semantyczną. Tak więc bohater Danko z dzieła Gorkiego „Stara kobieta Izergil” jest symbolem absolutnej bezinteresowności. W książce przeciwstawia mu się inny bohater – Larra, będąca symbolem egoizmu. Pisarz tworzy literacki obraz-symbol dla ukrytego porównania, aby pokazać jego figuratywne znaczenie. Najczęściej symbolika znajduje się w kreacje liryczne. Warto przypomnieć wiersze Lermontowa „Klif”, „Na dzikiej północy stoi samotnie…”, „Liść”, wiersz „Demon”, balladę „Trzy palmy”.

Wieczne obrazy

Są obrazy, które nigdy nie blakną, łączą w sobie jedność elementów historycznych i społecznych. Takie postacie literatury światowej nazywane są wiecznymi. Od razu przychodzą na myśl Prometeusz, Edyp, Kasandra. Każdy inteligentna osoba dodaj tutaj Hamleta, Romea i Julię, Iskandera, Robinsona. Są nieśmiertelne powieści, opowiadania, teksty, w których nowe pokolenia czytelników odkrywają niespotykane dotąd głębie.

Artystyczne obrazy w tekstach

Niezwykłe spojrzenie na zwykłe rzeczy pozwala dostrzec teksty. Bystre oko poety dostrzega rzeczy najbardziej codzienne, które przynoszą szczęście. Obraz artystyczny w wierszu może być najbardziej nieoczekiwany. Dla niektórych jest to niebo, dzień, światło. Bunin i Jesienin mają brzozę. Obrazy ukochanej lub ukochanej są obdarzone szczególną czułością. Bardzo często pojawiają się obrazy-motywy, takie jak: kobieta-matka, żona, panna młoda, ukochana.

Ze społeczno-kulturowej konieczności sztuki wynikają jej główne cechy: specjalne traktowanie sztukę do rzeczywistości i szczególny sposób idealnego rozwoju, który znajdujemy w sztuce i który nazywa się obrazem artystycznym. Inne dziedziny kultury – polityka, pedagogika – zwracają się ku obrazowi artystycznemu, by „elegancko i nienachalnie” wyrazić treści.

Obraz artystyczny jest strukturą świadomości artystycznej, sposobem i przestrzenią artystycznego rozwoju świata, istnienia i komunikacji w sztuce. Obraz artystyczny istnieje jako idealna struktura, w przeciwieństwie do dzieła sztuki, rzeczywistości materialnej, której percepcja rodzi obraz artystyczny.

Problem rozumienia obrazu artystycznego polega na tym, że wyjściowa semantyka pojęcia obrazu oddaje epistemologiczny stosunek sztuki do rzeczywistości, który czyni sztukę rodzajem podobieństwa. prawdziwe życie, prototyp. Dla sztuki XX wieku, która porzuciła realizm, jej figuratywny charakter staje się wątpliwy.

Niemniej jednak doświadczenie zarówno sztuki, jak i estetyki XX wieku sugeruje, że kategoria „obrazu artystycznego” jest konieczna, gdyż obraz artystyczny odzwierciedla ważne aspektyświadomość artystyczna. To właśnie w kategorii obrazu artystycznego kumulują się najważniejsze cechy specyficzne sztuki, istnienie obrazu artystycznego wyznacza granice sztuki.

Jeśli do obrazu artystycznego podejdziemy funkcjonalnie, to jawi się on jako: po pierwsze, kategoria oznaczająca to, co tkwi w sztuce doskonały sposób działalność artystyczna; po drugie, jest to struktura świadomości, dzięki której sztuka rozwiązuje dwa ważne zadania: opanowywanie świata – w tym sensie obraz artystyczny jest sposobem opanowywania świata; i przekazywanie informacji artystycznych. Obraz artystyczny okazuje się więc kategorią wyznaczającą całe terytorium sztuki.

W dziele sztuki można wyróżnić dwie warstwy: materialno-zmysłową (obraz) i zmysłowo-nadzmysłową (obraz artystyczny). Dzieło sztuki jest ich jednością.

W dziele sztuki obraz artystyczny istnieje w świecie potencjalnym, możliwym, współzależnym z percepcją. Percepcyjny obraz artystyczny rodzi się na nowo. Percepcja jest artystyczna w takim stopniu, w jakim wpływa na obraz artystyczny.

Obraz artystyczny pełni rolę swoistego podłoża (substancji) świadomości artystycznej i informacji artystycznej. Wizerunek artystyczny to specyficzna przestrzeń działania artystycznego i jego wytworów. W tej przestrzeni rozgrywają się doświadczenia dotyczące postaci. Obraz artystyczny to szczególna, specyficzna rzeczywistość, świat dzieła sztuki. Jest złożony w swojej strukturze, wieloskalowy. Tylko w abstrakcji obraz artystyczny może być postrzegany jako struktura ponadindywidualna; w rzeczywistości obraz artystyczny jest „dołączony” do podmiotu, który go wygenerował lub postrzega, jest obrazem świadomości artysty lub odbiorcy. istnieje na poziomie percepcji. I w sztukach performatywnych - i na poziomie performansu. W tym sensie uzasadnione jest użycie określeń „Mój Puszkin”, „Mój Chopin” itp. A jeśli postawimy pytanie, gdzie istnieje prawdziwa sonata Chopina (w umyśle Chopina, w nutach, w wykonaniu)? Jednoznaczna odpowiedź na to pytanie jest prawie niemożliwa. Kiedy mówimy o „wielości wariantów”, mamy na myśli „niezmiennik”. Obraz, jeśli jest artystyczny, ma pewne cechy. Bezpośrednio dane osobie cecha obrazu artystycznego – integralność. Obraz artystyczny nie jest sumą, rodzi się w umyśle artysty, a potem w skoku postrzegającego. W umyśle twórcy żyje on jako samonapędzająca się rzeczywistość. (M. Cwietajewa - „Dzieło sztuki rodzi się, a nie tworzy”). Każdy fragment obrazu artystycznego ma cechę samoczynnego ruchu. Inspiracja to stan psychiczny osoby, w którym rodzą się obrazy. Obrazy jawią się jako szczególna rzeczywistość artystyczna.

Jeśli zwrócimy się do specyfiki obrazu artystycznego, nasuwa się pytanie: czy obraz jest obrazem? Czy można mówić o zgodności między tym, co widzimy w sztuce, a światem obiektywnym, bo głównym kryterium obrazowania jest zgodność.

Dawne, dogmatyczne rozumienie obrazu wywodzi się z interpretacji korespondencji i popada w bałagan. W matematyce istnieją dwa rozumienia korespondencji: 1) izomorficzne - jeden do jednego, przedmiot jest kopią. 2) homomorficzny - częściowa, niepełna zgodność. Jaką rzeczywistość odtwarza dla nas sztuka? Sztuka jest zawsze transformacją. Obraz zajmuje się rzeczywistością wartościową - to właśnie ta rzeczywistość znajduje odzwierciedlenie w sztuce. Oznacza to, że pierwowzorem dla sztuki jest stosunek wartości duchowych między podmiotem a przedmiotem. Mają bardzo złożoną budowę, a jej odbudowa jest ważnym zadaniem sztuki. Nawet najbardziej prace realistyczne nie dawajcie nam samych kopii, co nie anuluje kategorii korespondencji.

Przedmiot sztuki nie jest przedmiotem jako „rzeczą samą w sobie”, ale przedmiotem istotnym dla podmiotu, czyli posiadającym cenną przedmiotowość. W temacie ważna jest relacja, stan wewnętrzny. Wartość przedmiotu może być ujawniona tylko w odniesieniu do stanu podmiotu. Dlatego zadaniem obrazu artystycznego jest znalezienie sposobu na połączenie podmiotu i przedmiotu w relacji. Znaczenie wartościowe przedmiotu dla podmiotu jest znaczeniem jawnym.

Obraz artystyczny jest obrazem rzeczywistości stosunków duchowych i wartościowych, a nie przedmiotu samego w sobie. A o specyfice obrazu decyduje zadanie – stać się sposobem urzeczywistnienia tej szczególnej rzeczywistości w umyśle drugiego człowieka. Za każdym razem obrazy są odtwarzaniem pewnych relacji duchowych i wartościowych za pomocą języka formy artystycznej. W tym sensie można mówić o specyfice obrazu w ogóle oraz o uwarunkowaniach obrazu artystycznego przez język, którym jest tworzony.

Formy sztuki dzielą się na dwie duże klasy - obrazową i nieobrazową, w których obraz artystyczny istnieje na różne sposoby.

W pierwszej klasie sztuk plastycznych, w językach artystycznych, relacje wartości są modelowane poprzez rekonstrukcję przedmiotów, a strona subiektywna ujawnia się pośrednio. Takie obrazy artystyczne żyją, ponieważ sztuka posługuje się językiem odtwarzającym zmysłową strukturę - sztukami wizualnymi.

Drugi rodzaj sztuk jest modelowany za pomocą ich języka rzeczywistości, w którym dany jest nam stan podmiotu w jedności z jego semantyczną, wartościową reprezentacją, sztukami niegraficznymi. Architektura to „zamrożona muzyka” (Hegel).

Obraz artystyczny jest szczególnym idealnym modelem wartościującej rzeczywistości. Wizerunek artystyczny pełni obowiązki modelarskie (co zwalnia go z obowiązku pełnej zgodności). Obraz artystyczny jest sposobem przedstawiania rzeczywistości tkwiącym w świadomości artystycznej i jednocześnie modelem relacji duchowych i wartościowych. Dlatego obraz artystyczny działa jako jedność:

Obiektywnie — subiektywnie

Temat - Wartość

Zmysłowy - Nadwrażliwy

Emocjonalny - racjonalny

Doświadczenia - Refleksje

Świadomy - Nieświadomy

Cielesny - Duchowy (Dzięki swojej idealności obraz pochłania nie tylko duchowo-psychiczne, ale także cielesno-psychiczne (psychosomatyczne), co wyjaśnia skuteczność jego wpływu na osobę).

Połączenie duchowości z fizycznością w sztuce staje się wyrazem zespolenia ze światem. Psychologowie udowodnili, że podczas percepcji następuje identyfikacja z obrazem artystycznym (przepływają przez nas jego prądy). Tantryzm łączy się ze światem. Jedność duchowego i cielesnego uduchawia, humanizuje cielesność (chciwie jedzą i chciwie tańczą). Jeśli czujemy głód przed martwą naturą, to znaczy, że sztuka nie miała na nas duchowego wpływu.

W jaki sposób objawia się to, co subiektywne, wartościowe (intonacyjne), nadzmysłowe? Główna zasada tutaj: wszystko, co nie jest przedstawione, ujawnia się przez przedstawione, subiektywne - przez obiektywne, wartość - przez obiektywne itp. Wszystko to realizuje się w wyrazistości. Z powodu czego to się dzieje? Możliwości są dwie: pierwsza polega na tym, że sztuka skupia rzeczywistość związaną z danym znaczeniem wartości. Prowadzi to do tego, że obraz artystyczny nigdy nie daje nam pełnego przeniesienia obiektu. A. Baumgarten nazwał obraz artystyczny „zredukowanym wszechświatem”.

Przykład: Petrov-Vodkin „Playing Boys” - nie interesuje go specyfika natury, indywidualność (zaciera twarze), ale wartości uniwersalne. „Wyrzucone” nie ma tutaj znaczenia, bo odbiega od istoty.

Inną ważną funkcją sztuki jest transformacja. Zmiana konturów przestrzeni schemat kolorów, proporcje ludzkie ciała, porządek czasowy (chwila się zatrzymuje). Sztuka daje nam możliwość egzystencjalnej komunii z czasem (M. Proust „W poszukiwaniu straconego czasu”).

Każdy obraz artystyczny jest jednością życia i warunkowości. Konwencjonalność jest cechą artystycznej świadomości figuratywnej. Ale minimum realizmu jest konieczne, ponieważ rozmawiamy o komunikacji. Różne rodzaje sztuki mają różny stopień realizmu i konwencjonalności. Abstrakcjonizm jest próbą odkrycia nowa rzeczywistość, ale zachowuje element podobieństwa do świata.

Warunkowość - bezwarunkowość (emocji). Ze względu na warunkowość planu przedmiotowego powstaje bezwarunkowość planu wartości. Światopogląd nie zależy od obiektywności: Petrov-Vodkin „Kąpiel czerwonego konia” (1913) - na tym obrazie, według samego artysty, jego przeczucie znalazło wyraz wojna domowa. Transformacja świata w sztuce jest sposobem ucieleśnienia światopoglądu artysty.

Inny uniwersalny mechanizm świadomości artystycznej i figuratywnej: cecha przemiany świata, którą można nazwać zasadą metafory (warunkowe przyrównanie jednego przedmiotu do drugiego; B. Pasternak: „… to było jak wypad na rapier…” – o Leninie). Sztuka ujawnia inne zjawiska jako właściwości jakiejś rzeczywistości. Dochodzi do inkluzji w system właściwości bliskich temu zjawisku, a jednocześnie w opozycji do niego, od razu powstaje pewne pole wartościowo-semantyczne. Majakowski - „Piekło miasta”: dusza to szczeniak z kawałkiem liny. Zasada metafory polega na warunkowym przyrównaniu jednego przedmiotu do drugiego, a im dalej obiekty są od siebie oddalone, tym bardziej metafora jest nasycona znaczeniem.

Zasada ta sprawdza się nie tylko w bezpośrednich metaforach, ale także w porównaniach. Pasternak: dzięki metaforze sztuka rozwiązuje ogromne problemy, które określają specyfikę sztuki. Jedno wchodzi w drugie i nasyca drugie. Dzięki szczególnemu językowi artystycznemu (według Woznesenskiego: jestem Goya, potem jestem gardłem, jestem głosem, jestem głodem), każda kolejna metafora wypełnia treścią drugą: poeta jest gardłem, za pomocą w których wypowiadane są pewne stany świata. Ponadto rymowanie wewnętrzne oraz poprzez system akcentów i aliteracji współbrzmień. W metaforze działa zasada wachlarza – czytelnik rozkłada wachlarz, w którym wszystko jest już złożone. Działa to w całym systemie tropów: ustalenie pewnego podobieństwa zarówno w epitetach (przymiotnik wyrazisty – drewniany rubel), jak iw hiperbolach (przesadna wielkość), synekdochy – okrojone metafory. Eisenstein nosi pince-nez lekarza w filmie Pancernik Potiomkin : kiedy lekarz zostaje wyrzucony za burtę, pince-nez lekarza pozostaje na maszcie. Inną techniką jest porównanie, które jest rozbudowaną metaforą. Zabolotsky: „Prosto łysi mężowie siedzą jak wystrzał z pistoletu”. W efekcie symulowany obiekt obrasta ekspresyjnymi powiązaniami i wyrazistymi relacjami.

Ważną techniką figuratywną jest rytm, który utożsamia segmenty semantyczne, z których każdy niesie ze sobą określoną treść. Dochodzi do pewnego spłaszczenia, zmiażdżenia nasyconej przestrzeni. Y. Tynyanov - zwięzłość serii wierszy. W wyniku ukształtowania się jednolitego układu nasyconych relacji powstaje pewna wartość energetyczna, realizowana w nasyceniu akustycznym wiersza, a pewne znaczenie, stan : schorzenie. Zasada ta jest uniwersalna, w odniesieniu do wszystkich rodzajów sztuki; w efekcie mamy do czynienia z poetycko zorganizowaną rzeczywistością. Plastycznym urzeczywistnieniem zasady metafory u Picassa jest „Kobieta jest kwiatem”. Metafora tworzy kolosalne skupienie informacji artystycznych.

Uogólnienie artystyczne

Sztuka nie jest opowiadaniem rzeczywistości na nowo, ale obrazem siły lub trakcji, poprzez który realizuje się figuratywny związek człowieka ze światem.

Uogólnienie staje się urzeczywistnieniem cech sztuki: więcej konkretu zdrowy rozsądek. Specyfika generalizacji artystycznej i figuratywnej: obraz artystyczny jednoczy podmiot i wartość. Celem sztuki nie jest formalne logiczne uogólnienie, ale koncentracja znaczenia. Sztuka nadaje znaczenie przedmiotom tego rodzaju , sztuka nadaje sens logice wartości życia. Sztuka opowiada nam o losie, o życiu w jego ludzkiej pełni. W ten sam sposób reakcje ludzkie są uogólnione, dlatego w odniesieniu do sztuki mówią o światopoglądzie i światopoglądzie, a to zawsze jest model postawy.

Uogólnienie następuje poprzez przekształcenie tego, co się dzieje. Abstrakcja jest rozproszeniem pojęcia, teoria jest systemem logicznej organizacji pojęć. Pojęcie jest reprezentacją dużych klas zjawisk. Uogólnienie w nauce jest przejściem od jednostki do uniwersalności, jest to myślenie abstrakcyjne. Sztuka natomiast musi zachować konkretność wartości i uogólniać, nie odrywając się od tej specyfiki, dlatego obraz jest syntezą indywidualności i ogółu, a indywidualność zachowuje swoją odrębność od innych przedmiotów. Dzieje się tak dzięki selekcji, transformacji obiektu. Przyglądając się poszczególnym etapom sztuki światowej, odnajdujemy typologiczne, ugruntowane cechy sposobów artystycznego uogólnienia.

Trzy główne typy uogólnień artystycznych w historii sztuki charakteryzują się różnicą w treści tego, co ogólne, oryginalnością pojedynczości, logiką relacji między tym, co ogólne, a tym, co indywidualne. Wyróżniamy następujące rodzaje:

1) Idealizacja. Idealizację jako rodzaj artystycznego uogólnienia spotykamy zarówno w starożytności, jak iw średniowieczu oraz w epoce klasycyzmu. Istotą idealizacji jest specjalny generał. Wartości doprowadzone do pewnej czystości służą jako uogólnienie. Zadaniem jest wyodrębnienie bytów idealnych przed zmysłowym wcieleniem. Jest to nieodłączne od tych typów świadomości artystycznej, które kierują się ideałem. W klasycyzmie gatunki niskie i wysokie są ściśle oddzielone. Wysokie gatunki reprezentuje np. obraz N. Poussina „Królestwo Flory”: mit przedstawiony jako fundamentalny byt bytów. Jednostka nie odgrywa tu roli samodzielnej, unikatowe cechy są eliminowane z tej jednostki i pojawia się obraz najbardziej niepowtarzalnej harmonii. Przy takim uogólnieniu pomija się chwilowe, codzienne cechy rzeczywistości. Zamiast domowego otoczenia pojawia się idealny krajobraz, jakby w stanie snu. To jest logika idealizacji, gdzie celem jest afirmacja duchowej istoty.

2) Typizacja. Typ uogólnienia artystycznego charakterystyczny dla realizmu. Osobliwością sztuki jest ujawnianie pełni tej rzeczywistości. Logika ruchu przebiega tutaj od konkretu do ogółu, ruch, który zachowuje wychodzące znaczenie tego, co najbardziej konkretne. Stąd cechy typizacji: ujawnić ogół w prawach życia. Powstaje obraz, który jest naturalny dla ta klasa zjawiska. Typ jest ucieleśnieniem większości charakterystyczne cechy tej klasy zjawisk, jakie istnieją w rzeczywistości. Stąd związek typizacji z historyzmem myślenia artysty. Balzac nazywał siebie sekretarzem towarzystwa. Marks nauczył się więcej z powieści Balzaca niż z pism ekonomistów politycznych. Cechą typologiczną charakteru rosyjskiego szlachcica jest wypadanie z systemu, dodatkowa osoba. Generał wymaga tutaj wyjątkowej jednostki, empirycznie pełnej krwi, o unikalnych cechach. Połączenie wyjątkowego, niepowtarzalnego betonu z ogólnikiem. Tu dochodzi do indywidualizacji Odwrotna strona pisanie na maszynie. Kiedy mówią o pisaniu na klawiaturze, od razu mówią o indywidualizacji. Przy postrzeganiu typowych obrazów konieczne jest przeżycie ich życia, wtedy powstaje samoistna wartość tego konkretnego. Są wizerunki wyjątkowych ludzi, które artysta indywidualnie wypisuje. Tak myśli sztuka, typizując rzeczywistość.

Praktyka artystyczna XX wieku wszystko pomieszała, a realizm od dawna nie jest ostatecznością. Wiek XX pomieszał wszystkie sposoby artystycznego uogólnienia: można znaleźć typizację z naturalistycznym nastawieniem, gdzie sztuka staje się dosłownym lustrem. Wpadając w szczegóły, które tworzą wręcz specyficzną mitologiczną rzeczywistość. Na przykład hiperrealizm, który kreuje tajemniczą, dziwną i ponurą rzeczywistość.

Ale w sztuce XX wieku jest też nowy sposób uogólnienie artystyczne. A. Gułyga dokładna nazwa ta metoda artystycznego uogólnienia to typologia. Przykład − prace graficzne E. Nieznany. Picasso ma portret G. Steina - przekaz ukryte znaczenie człowiek, maska. Widząc ten portret, modelka powiedziała: Nie jestem taka; Picasso natychmiast odpowiedział: Będziesz taki. I rzeczywiście stała się taka, zestarzała się. To nie przypadek, że sztuka XX wieku upodobała sobie maski afrykańskie. Schematyzacja zmysłowej formy przedmiotu. „Dziewczyny z Awinionu” Picassa.

Istota typologii: typologia narodziła się w dobie upowszechnienia wiedzy naukowej; jest to artystyczne uogólnienie zorientowane na świadomość wielowiedzową. Typologizacja idealizuje ogół, ale w przeciwieństwie do idealizacji artysta przedstawia nie to, co widzi, ale to, co wie. Typologia mówi więcej o ogółach niż o jednostkach. To, co jednostkowe, nabiera skali, banału, zachowując przy tym pewną plastyczną ekspresję. W teatrze można pokazać koncepcję imperializmu, koncepcję chlestakowizmu. Sztuka uogólnionego gestu, sztampowej formy, w której szczegóły modelują nie empiryczną, ale ponadempiryczną rzeczywistość. Picasso "Owoc" - schemat jabłka, portret "Kobieta" - schemat kobieca twarz. Mitologiczna rzeczywistość, która niesie kolosalne doświadczenie społeczne. Picasso „Kot trzymający ptaka w zębach” – obraz namalowany przez niego w czasie wojny. Ale szczytem dzieła Picassa jest Guernica. Portret Dory Maar – obraz typologiczny, początek analityczny, pracuj z wizerunkiem osoby analitycznie.

Sztuka XX wieku swobodnie łączy wszelkie metody artystycznego uogólnienia, np. powieści M. Kundery, U. Eco, które np. potrafią łączyć opis realistyczny z refleksją, gdzie esej ma pierwszeństwo. Typologia to intelektualna wersja sztuki współczesnej.

Ale każdy autentyczny obraz artystyczny jest organicznie integralny, a tajemnica tej materii organicznej niepokoiła wiele razy. urodzony z wewnętrzny świat sam wizerunek artysty staje się organiczną całością.

Bibliografia:

Belyaev NI ...OBRAZ CZŁOWIEKA W SZTUCE PIĘKNEJ: INDYWIDUALNY I TYPOWY

A. Barsz. szkice i rysunki

Bychkov V.V. Estetyka: Podręcznik. M.: Gardariki, 2002. - 556 s.

Kagan MS Estetyka jak nauka filozoficzna. Petersburg, LLP TK "Petropolis", 1997. - P.544.

Artykuł. Psychologiczne cechy percepcji obrazu Journal of Psychology, tom 6, nr 3, 1985, s. J50-153

Artykuł. SA Belozertsev, Shadrinsk Obraz artystyczny w produkcje edukacyjne

Zasoby internetowe Kompozycja / Obraz artystyczny / Obiektywność i podmiotowość...

www.coposic.ru/hudozhestvennyy- HIPERŁĄCZE „http://www.coposic.ru/hudozhestvennyy-obraz/obektivnost-subektivnost”obraz HIPERŁĄCZE „http://www.coposic.ru/hudozhestvennyy-obraz/obektivnost-subektivnost”/obektivnost-subektivnost

obraz artystyczny - Encyklopedia Malarstwa

painting.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000008/st002.shtml

Kuzin V.S. Obrazek. Szkice i szkice

Szybka technika szkicu

CELE:

• dać wyobrażenie o istocie dzieła sztuki i jego strukturze;
• kształtowanie umiejętności analizy dzieł sztuki;
• rozwinąć umiejętność rozróżniania różne sposoby kreacja obrazy artystyczne oraz umiejętność ich wyjaśniania i uzasadniania.

1) Cechy dzieła sztuki.

2) Pojęcie i specyfika obrazu artystycznego.

3) Główne rodzaje uogólnień artystycznych.

Dzieło sztuki można postrzegać jako system trójpoziomowy. Specyfika dzieła objawia się jako istnienie, wzajemne oddziaływanie tych poziomów. Oczywiście dzieło sztuki jest przede wszystkim artefaktem, wytworem działalności człowieka i nie ma w tym jeszcze nic konkretnego. Ale są dwie ważne cechy artefaktu artystycznego: jest to artefakt, czyli rzecz szczególna, to jest tekst – przedmiot. Drugi to artefakt - tekst, który ucieleśnia i przekazuje określone informacje; jest to świadomie wykonany przekaz przeznaczony przez osobę dla osoby, która go odbierze. Dziełem sztuki jest zatem modelowanie i przekazywanie pewnych informacji. Artysta tworzy tekst i wie, że tworzy tekst jako przekaz od siebie do innych ludzi. Informacja o sztuce to tekst, który człowiek powinien umieć przeczytać. Sztuka jest formą kontaktu jednej osoby z drugą . Inny ważna cecha teksty artystyczne – ich walory estetyczne. Estetyczna organizacja samego tekstu opiera się na dążeniu twórcy do stworzenia czegoś doskonałego, a ta jakość estetyczna jest tworzona dla odbiorcy. I choć współczesny odbiorca sztuki staje się podmiotem działania praktycznego, jeśli bierze udział np. w happeningu, to i tutaj jest to działanie kontemplacyjne, współtwórcze, a nie nastawione na osiągnięcie praktycznego rezultatu. Teksty artystyczne sztuki współczesnej są coraz bardziej zaszyfrowane, a jednak z natury rzeczy tekst ten nadal pozostaje przekazem skierowanym do publiczności.

Co niesie ze sobą tekst jako produkt artystycznej działalności?

Istnieją również dwa poziomy. Przejdźmy od razu do poziomu informacji w najczystszej postaci, do treści dzieła sztuki. We współczesnej sztuce informacja nie ma już charakteru podmiotowo-poznawczego, sztuka nie przekazuje już wiedzy o rzeczywistości. W XX wieku estetyka doszła do wniosku, że sztuka niesie cenne informacje, informacje o znaczeniu świata dla człowieka i stosunku człowieka do świata. Ale informacja o wartości ma również pewną specyfikę w sztuce. Jeśli ta informacja ma charakter cielesno-motywujący (napis na słupie: nie wspinaj się - zabije), to nie wystarczy. Modele i przekazy sztuki wartość duchowa informacja, informacja, która niesie życie ludzkiego ducha.

Drugą cechą informacji jest to, że sztuka daje coś szczególnego synteza informacji o wartości duchowej. Informacja, którą nazywamy artystyczną, jest stopem różnych rodzajów informacji: informacji o charakterze estetycznym, informacji o charakterze ideologicznym. Jest to dzieło sztuki współczesnej, które niesie sposób myślenia o interpretacji światopoglądowej. Sztuka współczesna często modeluje pewne stany, intencje ludzkiej świadomości, ale sztuka dokonuje modelowania holistycznego typu świadomości, to jest jej specyficzne zadanie.

Tak więc za pomocą tekstów sztuka modeluje szczególną rzeczywistość, uwidacznia pewną świadomość. Ale przede wszystkim to, jak jawi się człowiekowi, jak jest nam dana i jak objawia się w działalności artystycznej.

Sztuka istnieje jako szczególna, wewnętrznie wartościowa rzeczywistość, która jest tak samo uwarunkowana, jak i bezwarunkowa. postrzegamy świat sztuki, która nie jest wobec nas zewnętrzna, ale potężnie nas porywa, czyni z nas część nas samych, a im bardziej nas wciąga, tym bardziej zdecydowanie mówimy, że to świat artystyczny. Człowiek zaczyna odczuwać, że żyje wyjątkowym życiem i dotyczy to każdego dzieła sztuki. Dlaczego istnieje rzeczywistość, jaka jest istota sztuki?

Obraz artystyczny jest strukturą świadomości artystycznej, sposobem i przestrzenią artystycznego rozwoju świata, istnienia i komunikacji w sztuce. Obraz artystyczny istnieje jako idealna struktura, w przeciwieństwie do dzieła sztuki, rzeczywistości materialnej, której percepcja rodzi obraz artystyczny.

Problem rozumienia obrazu artystycznego polega na tym, że wyjściowa semantyka pojęcia obrazu ustala epistemologiczny stosunek sztuki do rzeczywistości, który sprawia, że ​​sztuka jest swego rodzaju pozorem prawdziwego życia, prototypem. Dla sztuki XX wieku, która porzuciła realizm, jej figuratywny charakter staje się wątpliwy.

Jednak doświadczenie zarówno sztuki, jak i estetyki XX wieku podpowiada, że ​​kategoria „obrazu artystycznego” jest konieczna, gdyż obraz artystyczny odzwierciedla ważne aspekty świadomości artystycznej. To właśnie w kategorii obrazu artystycznego kumulują się najważniejsze cechy specyficzne sztuki, istnienie obrazu artystycznego wyznacza granice sztuki.

Jeśli do obrazu artystycznego podejdziemy funkcjonalnie, to jawi się on jako: po pierwsze, kategoria określająca właściwy sztuce sposób działania artystycznego; po drugie, jest to struktura świadomości, dzięki której sztuka rozwiązuje dwa ważne zadania: opanowywanie świata – w tym sensie obraz artystyczny jest sposobem opanowywania świata; i przekazywanie informacji artystycznych. Obraz artystyczny okazuje się więc kategorią wyznaczającą całe terytorium sztuki.

W dziele sztuki można wyróżnić dwie warstwy: materialno-zmysłową ( tekst artystyczny) i zmysłowo-nadwrażliwości (obraz artystyczny). Dzieło sztuki jest ich jednością.

W dziele sztuki obraz artystyczny istnieje w świecie potencjalnym, możliwym, współzależnym z percepcją. Percepcyjny obraz artystyczny rodzi się na nowo. Percepcja jest artystyczna w takim stopniu, w jakim wpływa na obraz artystyczny.

Obraz artystyczny pełni rolę swoistego podłoża (substancji) świadomości artystycznej i informacji artystycznej. Wizerunek artystyczny to specyficzna przestrzeń działania artystycznego i jego wytworów. W tej przestrzeni rozgrywają się doświadczenia dotyczące postaci. Obraz artystyczny to szczególna, specyficzna rzeczywistość, świat dzieła sztuki. Jest złożony w swojej strukturze, wieloskalowy. Tylko w abstrakcji obraz artystyczny może być postrzegany jako struktura ponadindywidualna; w rzeczywistości obraz artystyczny jest „dołączony” do podmiotu, który go wygenerował lub postrzega, jest obrazem świadomości artysty lub odbiorcy.

Wizerunek artystyczny realizuje się poprzez indywidualny stosunek do świata, co prowadzi do wariantowej wielości obrazu artystycznego istniejącego na poziomie percepcji. I w sztukach performatywnych - i na poziomie performansu. W tym sensie uzasadnione jest użycie określeń „Mój Puszkin”, „Mój Chopin” itp. A jeśli postawimy pytanie, gdzie istnieje prawdziwa sonata Chopina (w umyśle Chopina, w nutach, w wykonaniu)? Jednoznaczna odpowiedź na to pytanie jest prawie niemożliwa. Kiedy mówimy o „wielości wariantów”, mamy na myśli „niezmiennik”. Obraz, jeśli jest artystyczny, ma pewne cechy. Cechą obrazu artystycznego, który jest bezpośrednio nadawany osobie, jest integralność. Obraz artystyczny nie jest sumą, rodzi się w umyśle artysty, a potem w skoku postrzegającego. W umyśle twórcy żyje on jako samonapędzająca się rzeczywistość. (M. Cwietajewa - „Dzieło sztuki rodzi się, a nie tworzy”). Każdy fragment obrazu artystycznego ma cechę samoczynnego ruchu. Inspiracja to stan psychiczny osoby, w którym rodzą się obrazy. Obrazy jawią się jako szczególna rzeczywistość artystyczna.

Jeśli zwrócimy się do specyfiki obrazu artystycznego, nasuwa się pytanie: czy obraz jest obrazem? Czy można mówić o zgodności między tym, co widzimy w sztuce, a światem obiektywnym, bo głównym kryterium figuratywności jest zgodność.

Dawne, dogmatyczne rozumienie obrazu wywodzi się z interpretacji korespondencji i popada w bałagan. W matematyce istnieją dwa rozumienia korespondencji: 1) izomorficzne - jeden do jednego, przedmiot jest kopią. 2) homomorficzny - częściowa, niepełna zgodność. Jaką rzeczywistość odtwarza dla nas sztuka? Sztuka jest zawsze transformacją. Obraz zajmuje się wartościową rzeczywistością - to właśnie ta rzeczywistość znajduje odzwierciedlenie w sztuce. Oznacza to, że pierwowzorem dla sztuki jest stosunek wartości duchowych między podmiotem a przedmiotem. Mają bardzo złożoną budowę, a jej odbudowa jest ważnym zadaniem sztuki. Nawet najbardziej realistyczne dzieła nie dają nam samych kopii, co nie przekreśla kategorii korespondencji.

Przedmiot sztuki nie jest przedmiotem jako „rzeczą samą w sobie”, ale przedmiotem istotnym dla podmiotu, czyli posiadającym cenną przedmiotowość. W podmiocie ważna jest postawa, stan wewnętrzny. Wartość przedmiotu może być ujawniona tylko w odniesieniu do stanu podmiotu. Dlatego zadaniem obrazu artystycznego jest znalezienie sposobu na połączenie podmiotu i przedmiotu w relacji. Znaczenie wartościowe przedmiotu dla podmiotu jest znaczeniem jawnym.

Obraz artystyczny jest obrazem rzeczywistości stosunków duchowych i wartościowych, a nie przedmiotu samego w sobie. A o specyfice obrazu decyduje zadanie – stać się sposobem urzeczywistnienia tej szczególnej rzeczywistości w umyśle drugiego człowieka. Za każdym razem obrazy są odtwarzaniem pewnych relacji duchowych i wartościowych za pomocą języka formy artystycznej. W tym sensie można mówić o specyfice obrazu w ogóle oraz o uwarunkowaniach obrazu artystycznego przez język, którym jest tworzony.

Formy sztuki dzielą się na dwie duże klasy - obrazową i nieobrazową, w których obraz artystyczny istnieje na różne sposoby.

W pierwszej klasie sztuk plastycznych, w językach artystycznych, relacje wartości są modelowane poprzez rekonstrukcję przedmiotów, a strona subiektywna ujawnia się pośrednio. Takie obrazy artystyczne żyją, ponieważ sztuka posługuje się językiem odtwarzającym zmysłową strukturę - sztukami wizualnymi.

Drugi rodzaj sztuk jest modelowany za pomocą ich języka rzeczywistości, w którym dany jest nam stan podmiotu w jedności z jego semantyczną, wartościową reprezentacją, sztukami niegraficznymi. Architektura to „zamrożona muzyka” (Hegel).

Obraz artystyczny jest szczególnym idealnym modelem wartościującej rzeczywistości. Wizerunek artystyczny pełni obowiązki modelarskie (co zwalnia go z obowiązku pełnej zgodności). Obraz artystyczny jest sposobem przedstawiania rzeczywistości tkwiącym w świadomości artystycznej i jednocześnie modelem relacji duchowych i wartościowych. Dlatego obraz artystyczny działa jako jedność:

Cel - subiektywny

Temat - Wartość

Zmysłowy - Nadwrażliwy

Emocjonalny - racjonalny

Doświadczenia - Refleksje

Świadomy - Nieświadomy

Cielesny - Duchowy (Dzięki swojej idealności obraz pochłania nie tylko duchowo-psychiczne, ale także cielesno-psychiczne (psychosomatyczne), co wyjaśnia skuteczność jego wpływu na osobę).

Połączenie duchowości z fizycznością w sztuce staje się wyrazem zespolenia ze światem. Psychologowie udowodnili, że podczas percepcji następuje identyfikacja z obrazem artystycznym (przepływają przez nas jego prądy). Tantryzm - łączenie się ze światem. Jedność duchowego i cielesnego uduchawia, humanizuje cielesność (chciwie jedzą i chciwie tańczą). Jeśli czujemy głód przed martwą naturą, to znaczy, że sztuka nie miała na nas duchowego wpływu.

W jaki sposób objawia się to, co subiektywne, wartościowe (intonacyjne), nadzmysłowe? Ogólna zasada jest taka: wszystko, co nie jest ukazane, ujawnia się przez przedstawione, subiektywne - przez obiektywne, wartość - przez obiektywne itp. Wszystko to realizuje się w wyrazistości. Z powodu czego to się dzieje? Dwie opcje: pierwsza – sztuka skupia rzeczywistość związaną z danym znaczeniem wartości. Prowadzi to do tego, że obraz artystyczny nigdy nie daje nam pełnego przeniesienia obiektu. A. Baumgarten nazwał obraz artystyczny „zredukowanym wszechświatem”.

Przykład: Petrov-Vodkin „Playing Boys” - nie interesuje go specyfika natury, indywidualność (zaciera twarze), ale wartości uniwersalne. „Wyrzucone” nie ma tutaj znaczenia, bo odbiega od istoty.

Drugi przypadek to podtekst. Mamy do czynienia niejako z podwójnym obrazem. To podtekst jest najbardziej wyrazisty. Podtekst pobudza naszą wyobraźnię, a wyobraźnia opiera się na naszym osobistym doświadczeniu - tak się włączamy.

Inną ważną funkcją sztuki jest transformacja. Zmieniają się kontury przestrzeni, kolorystyka, proporcje ciał ludzkich, porządek czasowy (chwila się zatrzymuje). Sztuka daje nam możliwość egzystencjalnej komunii z czasem (M. Proust „W poszukiwaniu straconego czasu”).

Każdy obraz artystyczny jest jednością życia i warunkowości. Konwencjonalność jest cechą artystycznej świadomości figuratywnej. Ale konieczne jest minimum realizmu, ponieważ mówimy o komunikacji. Różne rodzaje sztuki mają różny stopień realizmu i konwencjonalności. Abstrakcjonizm jest próbą odkrycia nowej rzeczywistości, ale zachowuje element podobieństwa ze światem.

Warunkowość - bezwarunkowość (emocji). Ze względu na warunkowość planu przedmiotowego powstaje bezwarunkowość planu wartości. Światopogląd nie zależy od obiektywności: Petrov-Vodkin „Kąpiel czerwonego konia” (1913) - na tym obrazie, według samego artysty, znalazło wyraz jego przeczucie wojny domowej. Transformacja świata w sztuce jest sposobem ucieleśnienia światopoglądu artysty.

Inny uniwersalny mechanizm świadomości artystycznej i figuratywnej: cecha przemiany świata, którą można nazwać zasadą metafory (warunkowe przyrównanie jednego przedmiotu do drugiego; B. Pasternak: „… to było jak wypad na rapier…” – o Leninie). Sztuka ujawnia inne zjawiska jako właściwości jakiejś rzeczywistości. Dochodzi do inkluzji w system właściwości bliskich temu zjawisku, a jednocześnie w opozycji do niego, od razu powstaje pewne pole wartościowo-semantyczne. Majakowski - „Piekło miasta”: dusza to szczeniak z kawałkiem liny. Zasada metafory polega na warunkowym przyrównaniu jednego przedmiotu do drugiego, a im dalej obiekty są od siebie oddalone, tym bardziej metafora jest nasycona znaczeniem.

Zasada ta sprawdza się nie tylko w bezpośrednich metaforach, ale także w porównaniach. Pasternak: dzięki metaforze sztuka rozwiązuje ogromne problemy, które określają specyfikę sztuki. Jedno wchodzi w drugie i nasyca drugie. Dzięki szczególnemu językowi artystycznemu (według Woznesenskiego: jestem Goya, potem jestem gardłem, jestem głosem, jestem głodem), każda kolejna metafora wypełnia treścią drugą: poeta jest gardłem, za pomocą w których wypowiadane są pewne stany świata. Ponadto rymowanie wewnętrzne oraz poprzez system akcentów i aliteracji współbrzmień. W metaforze działa zasada wachlarza – czytelnik rozkłada wachlarz, w którym wszystko już jest w złożonej formie. Działa to w całym systemie tropów: ustalenie pewnego podobieństwa zarówno w epitetach (przymiotnik wyrazisty – drewniany rubel), jak iw hiperbolach (przesadna wielkość), synekdochy – okrojone metafory. Eisenstein ma pince-nez lekarza w filmie Pancernik Potiomkin: kiedy lekarz zostaje wyrzucony za burtę, pince-nez lekarza pozostaje na maszcie. Kolejną sztuczką jest porównanie, które jest rozbudowaną metaforą. Zabolotsky: „Prosto łysi mężowie siedzą jak wystrzał z pistoletu”. W efekcie symulowany obiekt obrasta ekspresyjnymi powiązaniami i wyrazistymi relacjami.

Ważną techniką figuratywną jest rytm, który utożsamia segmenty semantyczne, z których każdy niesie ze sobą określoną treść. Dochodzi do pewnego spłaszczenia, zmiażdżenia nasyconej przestrzeni. Y. Tynyanov - zwięzłość serii wierszy. W wyniku ukształtowania się jednolitego układu nasyconych relacji powstaje pewna wartość energetyczna, realizowana w nasyceniu akustycznym wiersza, oraz pewien sens, stan. Zasada ta jest uniwersalna, w odniesieniu do wszystkich rodzajów sztuki; w efekcie mamy do czynienia z poetycko zorganizowaną rzeczywistością. Plastycznym urzeczywistnieniem zasady metafory u Picassa jest „Kobieta jest kwiatem”. Metafora tworzy kolosalne skupienie informacji artystycznych.

Trzy główne typy uogólnień artystycznych w historii sztuki charakteryzują się różnicą w treści tego, co ogólne, oryginalnością pojedynczości, logiką relacji między tym, co ogólne, a tym, co indywidualne. Wyróżniamy następujące rodzaje:

1) Idealizacja. Idealizację jako rodzaj artystycznego uogólnienia spotykamy zarówno w starożytności, jak iw średniowieczu oraz w epoce klasycyzmu. Istotą idealizacji jest specjalny generał. Wartości doprowadzone do pewnej czystości służą jako uogólnienie. Zadaniem jest wyodrębnienie bytów idealnych przed zmysłowym wcieleniem. Jest to nieodłączne od tych typów świadomości artystycznej, które kierują się ideałem. W klasycyzmie gatunki niskie i wysokie są ściśle oddzielone. Gatunki wysokie reprezentuje np. obraz N. Poussina „Królestwo Flory”: mit przedstawiony jako fundamentalny byt bytu. Jednostka nie odgrywa tu roli samodzielnej, unikatowe cechy są eliminowane z tej jednostki i pojawia się obraz najbardziej niepowtarzalnej harmonii. Przy takim uogólnieniu pomija się chwilowe, codzienne cechy rzeczywistości. Zamiast domowego otoczenia pojawia się idealny krajobraz, jakby w stanie snu. To jest logika idealizacji, gdzie celem jest afirmacja duchowej istoty.

2) Typizacja. Typ uogólnienia artystycznego charakterystyczny dla realizmu. Osobliwością sztuki jest ujawnianie pełni tej rzeczywistości. Logika ruchu przebiega tutaj od konkretu do ogółu, ruch, który zachowuje wychodzące znaczenie tego, co najbardziej konkretne. Stąd cechy typizacji: ujawnić ogół w prawach życia. Powstaje obraz naturalny dla tej klasy zjawisk. Typ - ucieleśnienie najbardziej charakterystycznych cech danej klasy zjawisk, jakie istnieją w rzeczywistości. Stąd związek typizacji z historyzmem myślenia artysty. Balzac nazywał siebie sekretarzem towarzystwa. Marks nauczył się więcej z powieści Balzaca niż z pism ekonomistów politycznych. Typologiczną cechą charakteru rosyjskiego szlachcica jest wypadanie z systemu, dodatkowa osoba. Generał wymaga tutaj wyjątkowej jednostki, empirycznie pełnej krwi, o unikalnych cechach. Połączenie wyjątkowego, niepowtarzalnego betonu z ogólnikiem. Tutaj indywidualizacja staje się odwrotną stroną typizacji. Kiedy mówią o pisaniu na klawiaturze, od razu mówią o indywidualizacji. Przy postrzeganiu typowych obrazów konieczne jest przeżycie ich życia, wtedy powstaje samoistna wartość tego konkretnego. Są wizerunki wyjątkowych ludzi, które artysta indywidualnie wypisuje. Tak myśli sztuka, typizując rzeczywistość.

Praktyka artystyczna XX wieku wszystko pomieszała, a realizm od dawna nie jest ostatecznością. Wiek XX pomieszał wszystkie sposoby artystycznego uogólnienia: można znaleźć typizację z naturalistycznym nastawieniem, gdzie sztuka staje się dosłownym lustrem. Wpadając w szczegóły, które tworzą wręcz specyficzną mitologiczną rzeczywistość. Na przykład hiperrealizm, który kreuje tajemniczą, dziwną i ponurą rzeczywistość.

Ale w sztuce XX wieku pojawia się także nowy sposób generalizacji artystycznej. A. Gulyga ma dokładną nazwę tej metody artystycznego uogólnienia - typologię. Przykładem są prace graficzne E. Neizvestnego. Picasso ma portret G. Steina - przekaz ukrytego znaczenia osoby, maskę na twarz. Widząc ten portret, modelka powiedziała: Nie jestem taka; Picasso natychmiast odpowiedział: Będziesz taki. I rzeczywiście stała się taka, zestarzała się. To nie przypadek, że sztuka XX wieku upodobała sobie maski afrykańskie. Schematyzacja zmysłowej formy przedmiotu. „Dziewczyny z Awinionu” Picassa.

Istota typologii: typologia narodziła się w dobie upowszechnienia wiedzy naukowej; jest to artystyczne uogólnienie zorientowane na świadomość wielowiedzową. Typologizacja idealizuje ogół, ale w przeciwieństwie do idealizacji artysta przedstawia nie to, co widzi, ale to, co wie. Typologia mówi więcej o ogółach niż o jednostkach. To, co jednostkowe, nabiera skali, banału, zachowując przy tym pewną plastyczną ekspresję. W teatrze można pokazać koncepcję imperializmu, koncepcję chlestakowizmu. Sztuka uogólnionego gestu, sztampowej formy, w której szczegóły modelują nie empiryczną, ale ponadempiryczną rzeczywistość. Picasso „Owoc” - schemat jabłka, portret „Kobiety” - schemat twarzy kobiety. Mitologiczna rzeczywistość, która niesie kolosalne doświadczenie społeczne. Picasso „Kot trzymający ptaka w zębach” – obraz namalowany przez niego w czasie wojny. Ale szczytem dzieła Picassa jest Guernica. Portret Dory Maar jest obrazem typologicznym, analitycznym początkiem, analityczną pracą z wizerunkiem osoby.