Dali nam bajkę! Ilustratorzy, którzy ożywili naszych ulubionych bohaterów. Przewodnik po książkach, stylu, technikach i historiach życia.
Iwan Bilibin
Mistrz grafiki, twórca szczególnego rodzaju książki ilustrowanej, „pierwszy profesjonalista książki” – jak nazywają go eksperci. Jego przykład jest nauką dla innych; wiele pokoleń nie tylko ilustratorów, ale także grafików szukało inspiracji w twórczości Bilibina.
„Żaba księżniczka”, „Piękna Wasylisa”, „Maria Morevna”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Opowieść o złotym koguciku”, „Opowieść o rybaku i rybie” - warto znaleźć swoją ulubioną książki z dzieciństwa na półce do przekonania - piękno!
Styl. Prace Bilibina można rozpoznać po wielkoformatowym cienkim zeszycie z dużymi kolorowymi rysunkami. A artysta jest tutaj nie tylko autorem rysunków, ale także wszystkich elementy dekoracyjne książki - okładki, inicjały, czcionki i ozdoby ozdobne.
Elena Polenova
W Rezerwacie Muzealnym Abramcewa nadal znajdują się książki ilustrowane przez Elenę Polenovą. Siostra słynnego malarza Wasilija Polenowa, choć związana była z bohemicznym „kręgiem Mamontowa” – artystami, artystami, architektami, zawsze interesowała się ludowością, chłopstwem. Inspirowały ją baśnie, w jej listach do przyjaciół wspomina się o bohaterach folkloru, np.: Babcia Fedosia jest mistrzynią wymyślania zabawnych bajek.
Styl: Najważniejsze w krajobrazach Polenovej jest dbałość o „małe rzeczy”: zioła, kwiaty, grzyby, owady. Próbowała „przenieść się w odległe dzieciństwo, kiedy słuchając tej historii, wyobrażałam sobie miniaturowe klasztory i miasta w lesie, zbudowane, że tak powiem, na grzybową skalę, w których żyją i działają te niesamowite stworzenia”.
Jurij Wasniecow
„Skradzione słońce” Korneya Czukowskiego, „Koci dom” Samuila Marshaka, „Mały garbaty koń” Piotra Erszowa – bohaterów wszystkich tych książek przedstawiamy dzięki rysunkom Jurija Wasnetsowa .
Styl: Artysta inspirował się eleganckimi lalkami Dymkowa i jasnymi kogutami, a na twórczość ilustratora zauważalny wpływ miały tradycje luboka i fantazji ludowej;
Szczegół: Grafika książkowa była tylko częścią twórczości Wasnetsowa. W obrazy dał się poznać jako bardzo ważny mistrz, łączący kulturę ludową i wysoką estetykę.
Władimir Konaszewicz
Władimir Konaszewicz dał nam możliwość zobaczenia Doktora Aibolita, Tyanitolkaya, małego Bibigona, Małego Garbatego Konia i mędrców, którzy płynęli po morzu podczas burzy. Opowiadając o tym, jak powstają rysunki, Konashevich przyznał: „Są artyści, którzy wymyślają i myślą z ołówkiem w dłoni… Jestem artystą innego rodzaju, zanim sięgnę po ołówek, muszę się przekonać wszystko z góry, wyobraź sobie w myślach gotowy rysunek ze wszystkimi szczegółami…”
Styl: Dla artysty zajmującego się książkami dla dzieci jeden talent do rysowania nie wystarczy, potrzebny jest drugi talent - życzliwość. Taki właśnie jest świat Konaszewicza, świat dobroci i marzeń. Artysta stworzył rozpoznawalny styl w projektowaniu bajek: jasne obrazy, ozdobne wzory, winiety, „żywa” kompozycja, która urzeka nie tylko dzieci, ale także dorosłych.
Georgy Narbut
„Od najmłodszych lat, odkąd pamiętam” – przyznał Georgy Narbut – „malowanie pociągało mnie z powodu braku farb, o czym zauważyłem dopiero po wejściu do gimnazjum, oraz ołówków, używałem kolorowych. papier: wyciąłem go nożyczkami i skleiłem klejem mącznym.”
Artysta, rysownik i ilustrator, organizator wyższej edukacji graficznej na Ukrainie, Georgy Narbut, studiował u Michaiła Dobużyńskiego i Iwana Bilibina, ten ostatni powiedział nawet: „Narbut ma ogromny, dosłownie ogromny talent... Uważam go za najwybitniejszego, najwybitniejszego największy z rosyjskich grafików”.
Styl.
W pracowni Narbuta zrodziły się genialne pomysły i powstały arcydzieła, które zmieniły historię książki w Rosji. Grafika książkowa to nie tylko wirtuozowska technika i wyrafinowany gust. Styl Narbuta to zawsze wyrazista okładka, ozdobnie zaprojektowana strona tytułowa, inicjały i umiejętne ilustracje.
Borys Zvorykin
Artystka celowo unikała nadmiernego rozgłosu, dlatego faktów na temat jej biografii jest tak mało. Wiadomo, że pochodził z moskiewskiej klasy kupieckiej i studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Zvorykin uważany jest za twórcę „stylu rosyjskiego”. ilustracja książkowa
i najlepszy grafik dekoracyjny początku XX w. Od 1898 ilustrował i projektował książki dla wydawnictw Iwana Sytina i Anatolija Mamontowa w Moskwie i Petersburgu. Pierwszym doświadczeniem artysty w dziedzinie książek dla dzieci była książka Aleksandra Puszkina „Opowieść o złotym koguciku”.
Styl. Inspiracji do swoich dzieł Borys Zvorykin szukał w rosyjskiej starożytności, sztuce zdobniczej i użytkowej, malarstwie ikon, architekturze drewnianej i miniaturach książkowych. Nic dziwnego, że był jednym z aktywnych członków Towarzystwa Odrodzenia Rusi Artystycznej.
Borys Diodorow „ożywił” dla nas bohaterów klasyki rosyjskiej i zagranicznej. „Tutta Karlsson, pierwsza i jedyna”, „Ludwig XIV i inni”, „Niesamowita podróż Nilsa z dzikimi gęsiami”, „To w kapeluszu” (o historii nakryć głowy w Rosji wspólnie z Iriną Konczałowską) - możesz Nie sposób wymienić ich wszystkich: w sumie artysta zilustrował około 300 książek.
Diodorow pracował jako główny artysta wydawnictwa Literatury Dziecięcej, otrzymał od księżnej Danii złoty medal Hansa Christiana Andersena, a jego prace wystawiano w USA, Francji, Hiszpanii, Finlandii, Japonii i Korei Południowej.
Styl: piękno delikatnych linii. Technika trawienia, w której stalowa igła rysuje wzór na lakierowanej blasze, jest dość skomplikowana, ale tylko ona pozwala uzyskać lekkość i subtelność wykonania.
Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków
Wydawnictwo Dobraya Kniga, które przez kilka lat z rzędu publikowało „książki pocztówkowe” ze zdjęciami zwierząt i zabawnymi podpisami do nich, nagle zdecydowało się przejść na wydania prezentowe książek dla dzieci i zaproponowało czytelnikom kilka bajek ilustrowanych przez współczesnych europejskich artystów.
Kot w butach
Na uwagę zasługuje oryginalny „Kot w butach” Charlesa Perraulta z ilustracjami innego amerykańskiego artysty (1939-2001), który ukazał się także w wydaniu „Dobrej Księgi”. Być może nigdy nie widzieliśmy tak oryginalnej okładki: przedstawia ona chytrą twarz kota w szlachetnym stroju renesansu i nic więcej, nie ma tam ani nazwiska autora, ani tytułu baśni, ani innych znanych atrybutów i winiet do nas. Nie powinno to jednak dziwić, skoro to właśnie Marcellino dał się poznać jako innowator w dziedzinie projektowania okładek (od 1974 roku przez 15 lat tworzył 40 okładek rocznie i zrewolucjonizował tę dziedzinę).
Marcellino zaczął ilustrować książki dla dzieci w połowie lat 80. a jego pierwsza wielkoformatowa praca „Kot w butach” przyniosła mu w 1991 roku jedną z najbardziej prestiżowych nagród w dziedzinie ilustracji dziecięcej . Czytelnicy zauważają, że ilustracje są wypełnione światło słoneczne, a także o wydźwięku humorystycznym i zapowiada nową interpretację wizerunku Kota w Butach, prezentowanego później widzom kreskówek przez studio Pixar.
Rosyjscy czytelnicy znają twórczość ilustratora z jego książki obrazkowej „Menu dla krokodyla”, która ukazała się nakładem wydawnictwa Polyandria w zeszłym roku (choć ilustrator jest przedstawiany jako „Marcellino”). Bajka „Menu krokodyla” (pierwotnie „Ja, krokodyl”) została uznana za najlepiej ilustrowaną książkę dla dzieci przez „New York Times” w 1999 roku.
Królowa Śniegu
Czytelnicy w dalszym ciągu zapoznają się z twórczością brytyjskiego ilustratora w nowym wydaniu „Królowej Śniegu” G.-H. Andersena, który pojawił się także w „ Dobra książka(ostatnio w tym samym wydawnictwie ukazała się H. H. Andersen z ilustracjami K. Birmingham, a w zeszłym roku wydawnictwo Eksmo zaprezentowało ilustrowaną przez niego baśń C. S. Lewisa „Lew, czarownica i szafa„). Pierwsza książka z tymi ilustracjami została wydana w Wielkiej Brytanii w 2008 roku nakładem wydawnictwa Knot.
Używając kredy i ołówka, Birmingham tworzy najczęściej dwustronicowe ilustracje na dużą skalę znane bajki. Stają się głównym wydarzeniem książki, nawet jeśli mówimy o bardzo znanym tekście, czy to „Opowieść wigilijna” D. Moore’a (książka z ilustracjami Birmingham sprzedała się w ponad milionie egzemplarzy), czy „Lew, Czarownica i stara szafa” C.S. Lewisa. Charakterystyczną cechą ilustracji Birmingham są ich bardzo szczegółowe, fotograficzna precyzja obrazy ludzi, a także wielkoformatowy, bardzo jasny, baśniowy świat.
Słuchaj, jestem tutaj!
Wydawnictwo „Enas-book” opublikowało książkę obrazkową Brigitte Endres „Słuchaj, tu jestem!”, ilustrowaną przez artystkę z Niemiec. To opowieść o tym, jak mały kameleon cierpiał samotnie w sklepie zoologicznym, a potem uciekł stamtąd i spotkał na ulicy małą dziewczynkę, która została jego przyjaciółką i właścicielką.
Jeśli wspomniani ilustratorzy latami pracują nad tą samą książką, to Turlonhas tworzy ją w mniej niż miesiąc: w 2013 roku w Niemczech ukazało się aż 15 książek obrazkowych, do których rysowała ilustracje, a w 2014 – 13. Na rysunkach, najwyraźniej wykonanych przy pomocy komputera, widać wiele wielkogłowych, raczej uroczych, choć bardzo do siebie podobnych dzieci, przedstawionych celowo zakrzywionymi liniami. Nie ma w nich pragnienia realizmu (rodzice młodych czytelników nazwą ten styl „kreskówkowym”), ale sytuacje i krajobrazy - ulica, sklep, pokój - są bardzo rozpoznawalne, a zdjęcia wcale nie mają pozbawionej smaku jasności .
Co ciekawe, Turlonyas w większości przypadków występuje w roli ilustratora cudzego tekstu i prawie nigdy nie tworzy książki całkowicie samodzielnie. Rosyjscy czytelnicy znają jej twórczość z książki Michaela Englera „Fantastyczny słoń”, wydanej nakładem wydawnictwa Polyandria w 2014 roku.
Otto w mieście
W dziecięcym wydaniu wydawnictwa „Mann, Iwanow i Ferber” przygotowano ogromną „kartonę” dla najmłodszych czytelników – jest to książka obrazkowa autorstwa słynnego belgijskiego ilustratora „Otto w mieście”. Książka na pierwszy rzut oka przypomina inną, już znaną naszym czytelnikom wimmelbucha, jej strony są usiane wieloma szczegółami, na które można patrzeć długo i szukać przedmiotów i zjawisk znanego świata. Ale tak naprawdę „Otto w mieście” przedstawia nam zupełnie nowatorskie podejście do „trzepotania”: książkę można czytać poruszając się po niej, ale także postrzegać ją jak muzeum: czytać od początku do końca od dołu i od końca zaczynać od góry. Ogólnie rzecz biorąc, książka jest narysowana w formie okrągłych panoram miast, w których nie ma zwykłej kompozycji „z dołu - ziemia i miasto, z góry - niebo i samoloty”, czytelnik patrzy na miasto jak z góry z nieba i widzi drogi, domy, skrzyżowania i mieszkańców konwencjonalnego europejskiego miasta wyobrażonego przez artystę.
Tom Champ wymyślił całą serię książek o kociaku Otto. Każda z nich przedstawia niezwykłe panoramy znanych mieszkańcom miejsc Zachodnia Europa. Na pierwszy rzut oka jego rysunki wyglądają jak kolaże zbudowane z różne materiały, ale wrażenie jest złudne: artysta wszystkie swoje ilustracje rysuje farbą akrylową na kartonie.
Hobbita
Nad obrazami do książek profesora o Śródziemiu pracowało wielu ilustratorów, ale pierwszym ilustratorem „Hobbitu” był sam autor. Tolkien się nie pojawił profesjonalny artysta i regularnie przepraszał swoich wydawców za niewystarczająco wysokiej jakości rysunki (jednak w pierwszym wydaniu opowieści znalazło się tylko dziesięć czarno-białych obrazów oraz mapa). Kto jednak wiedział lepiej niż on, jak naprawdę wyglądało Rivendell, dom Beorna, smok Smaug oraz inne postacie i miejsca? W lutym tego roku wydawnictwo „AST” opublikowało kolejne wydanie baśni „Hobbit”, w nowym tłumaczeniu i z autorskimi ilustracjami, które znajdują się na wkładkach.
Hans Christian Andersen
Niektórzy rosyjscy ilustratorzy są poszukiwani na całym świecie, książki z ich dziełami publikowane są zarówno w krajach zachodnich, jak i w wydawnictwach w Korei i Chinach. Na przykład prawie połowa książek z ilustracjami została opublikowana za granicą. Czytelnicy rosyjscy poznali niektóre jego ilustracje znacznie później niż czytelnicy amerykańscy, dotyczy to także nowości wydawnictwa Ripol, książki z dedykowanej gawędziarzowi serii biograficznej „Wielkie imiona”: w USA książka ukazała się w 2003 roku. Autorzy książki opowiedzieli kilka historii z życia ukochanego gawędziarza (niestety, stylistycznie tekst w języku rosyjskim jest bardzo wadliwy), a Czełuszkin zilustrował je w swój oryginalny sposób, łącząc realność z fantastycznością.
Poeci srebrnego wieku dla dzieci
Zupełnie nowa kolekcja „Poeci” Srebrny wiek dla dzieci” wydawnictwa „Onyx-Lit” to jednocześnie debiut młodego ilustratora z Petersburga, który rysował obrazy do słynnych wierszy Mariny Cwietajewej, Nikołaja Gumilowa, Sashy Czernego i innych poetów początku ubiegłego stulecia. Wizerunki ludzi, dzieci i dorosłych wydają się nieco karykaturalne, ale ilustracje wypełnione są fantazyjnymi, ozdobnymi tłami w pastelowych kolorach, które zdają się tworzyć wielowarstwową, koronkową przestrzeń. Wydawnictwo Onyx-Lit zapowiedziało kolejną książkę z ilustracjami młodej artystki – „Dom, który pływał” Anny Nikolskiej. A obecnie na platformie rozrusznik Rozpoczął się projekt crowdfundingowy „Parapety”: zapraszamy czytelników do udziału w wydaniu książki o dziewczynce Lidochce, która nie może chodzić, ale potrafi pokonywać progi na swoim specjalnym krześle na kółkach. Opowiadanie skomponowała Anna Nikolska, a ilustracje do niego narysowała ta sama Anna Tverdokhlebova.
Tyapkin i Lyosha
Wielu znawców i miłośników literatury dziecięcej zauważa, że obecnie obserwujemy boom na przedruki: radzieckie książki dla dzieci z lat 50. i 80. XX wieku. ubiegłego stulecia ukazuje się niemal częściej niż współczesnych, przy czym wydawcy starają się odtworzyć książkę w całości: od tekstu po ilustracje, od układu po czcionkę (co jednak nie zawsze się udaje ze względu na nowe wymogi sanitarno-higieniczne produkty wydawnicze książek dla dzieci). Redaktorzy wydawnictw wybierają nie tylko najsłynniejszych, „masowych” i szeroko rozpowszechnionych artystów, jak np. , ale zwracają także uwagę na na wpół zapomniane nazwiska i mało znane teksty.
Na przykład wydawnictwo Rech, które w miesięczniku oferuje swoim czytelnikom kilkanaście starych i nowych książek, zaprezentowało reedycję mało znanej baśni Mai Ganiny „Tyapkin i Lyosha” z ilustracjami. To bajka o pewnej letniej przygodzie na daczy, przyjaźni małej dziewczynki Lyuby, zwanej Tyapkinem, i leśnego człowieka Wołodii, którego dziewczyna nazywa „Leshą” (od słowa „goblin”). Nika Goltz, która na ogół rzadko zajmowała się ilustrowaniem współczesnych autorów, narysowała do tej książki bardzo delikatne obrazy, wykonane tylko w dwóch kolorach - szarym i szmaragdowym. Bajka ukazała się dwukrotnie, w latach 1977 i 1988, a do każdego wydania Nika Georgievna rysowała własną wersję ilustracji. W reedycji, która ukazała się w serii „Czytanie z Biblioguide”, wydawcy zebrali w jednej okładce wszystkie ilustracje artysty powstałe na potrzeby obu wydań.
Teatr zostaje otwarty
Na wpół zapomniana przez opinię publiczną, zmarła ponad 30 lat temu ilustratorka książek dla dzieci, dzięki wydawnictwu Nigma powraca do czytelników. Twórczość A. Breya jest niezwykle różnorodna: uważany jest za jednego z najwybitniejszych przedstawicieli moskiewskiej grafiki książkowej lat 20. i 30. XX wieku. ubiegłego wieku pracował jako malarz zwierząt i ilustrator bajek, dużo rysował do czasopism i pomocy dydaktycznych dla dzieci i łącznie zilustrował około 200 książek dla dzieci. Ponadto narysował około 50 pasków filmowych, oferując całkowicie Nowa technologia dla nich obrazy: na niektórych swoich taśmach filmowych tekst nie był, jak zwykle, umieszczany pod obrazem, ale wpisany w samą przestrzeń obrazu, dla której artysta skomponował ciekawe „autorskie czcionki”.
Wydawanie starych taśm filmowych w formie książek w powiększonym formacie poziomym to jedno z częstszych doświadczeń ostatnich lat. W Jeszcze raz powtarza to „Nygma”, wydając w formie książkowej dawną taśmę filmową z 1968 roku z wierszem Emmy Moszkowskiej „Teatr się otwiera” z ilustracją A. Breya. Artysta rysował nie tylko ilustracje, ale także teksty i w ogóle grzeczne słowa, do zapamiętania poetka zachęca młodych czytelników, umieszczone w kolorowych ramach.
W najbliższym czasie wydawnictwo wyda kolejną książkę z ilustracjami A. Breya – „Alenkin’s Brood” A. Balashova, choć tym razem bez eksperymentów z taśmami filmowymi.
Przyjaciele! Możesz wesprzeć nasz projekt, abyśmy mogli go rozwijać i publikować coraz ciekawsze, oryginalne materiały na temat ilustrowanej książki.
Jaki pożytek z książki, pomyślała Alicja, jeśli nie ma w niej zdjęć ani rozmów? „Alicja w krainie czarów” Co zaskakujące, ilustracje dla dzieci z Rosji (ZSRR) mają dokładny rok urodzenia - 1925. W roku literatury ilustracja dla dzieci kończy 90 lat. W tym roku w Państwowym Wydawnictwie Leningradzkim (GIZ) utworzono dział literatury dziecięcej. Wcześniej książki z ilustracjami nie były wydawane specjalnie dla dzieci. Kim oni są – autorami najbardziej ukochanych, pięknych ilustracji, które od dzieciństwa zapadają w pamięć i cieszą się sympatią naszych dzieci? Dowiedz się, zapamiętaj, podziel się swoją opinią. W artykule wykorzystano historie rodziców obecnych dzieci oraz recenzje książek na stronach księgarń internetowych.
Władimir Grigoriewicz Suteev (1903-1993, Moskwa) - pisarz dziecięcy, ilustrator i animator. Jego życzliwe, wesołe zdjęcia przypominają fotosy z kreskówek. Rysunki Suteeva zamieniły wiele bajek w arcydzieła. Na przykład nie wszyscy rodzice uważają dzieła Korneya Czukowskiego za niezbędną klasykę i większość z nich nie uważa swoich dzieł za utalentowane. Ale chcę trzymać w rękach bajki Czukowskiego, zilustrowane przez Władimira Sutejewa, i czytać je dzieciom.
Borys Aleksandrowicz Dechterew (1908-1993, Kaługa, Moskwa) – artysta ludowy, radziecki grafik (uważa się, że „szkoła Dechterewa” zadecydowała o rozwoju grafiki książkowej w kraju), ilustrator. Zajmował się głównie technologią rysunek ołówkiem i akwarele. Stary dobre ilustracje Dekhterev to cała era w historii ilustracji dla dzieci; wielu ilustratorów nazywa Borysa Aleksandrowicza swoim nauczycielem. Dekhterev ilustrował bajki dla dzieci Aleksandra Siergiejewicza Puszkina, Wasilija Żukowskiego, Charlesa Perraulta i Hansa Christiana Andersena. A także dzieła innych pisarzy rosyjskich i światowej klasyki, na przykład Michaiła Lermontowa, Iwana Turgieniewa, Williama Szekspira.
Nikołaj Aleksandrowicz Ustinow (ur. 1937, Moskwa), jego nauczycielem był Dechterew, a wielu współczesnych ilustratorów uważa już Ustinova za swojego nauczyciela. Nikolay Ustinov jest narodowym artystą i ilustratorem. Bajki z jego ilustracjami ukazywały się nie tylko w Rosji (ZSRR), ale także w Japonii, Niemczech, Korei i innych krajach. Zilustrował prawie trzysta dzieł sławny artysta dla wydawnictw: „Literatura dziecięca”, „Małysz”, „Artysta RFSRR”, wydawnictwa Tuły, Woroneża, Petersburga i innych. Pracował w magazynie Murzilka. Ilustracje Ustinova do rosyjskich baśni ludowych pozostają najbardziej ukochanymi przez dzieci: Trzy Niedźwiedzie, Masza i Niedźwiedź, Mała Lisia Siostra, Żaba Księżniczka, Gęsi i Łabędzie i wiele innych.
Jurij Aleksiejewicz Wasniecow (1900-1973, Wiatka, Leningrad) - artysta ludowy i ilustrator. Wszystkie dzieci lubią jego obrazki do pieśni ludowych, rymowanek i dowcipów (Ladushki, Rainbow-arc). Ilustrował podania ludowe, baśnie Lwa Tołstoja, Piotra Erszowa, Samuila Marszaka, Witalija Bianki i innych klasyków literatury rosyjskiej. Kupując książki dla dzieci z ilustracjami Jurija Wasnetsowa, upewnij się, że zdjęcia są wyraźne i umiarkowanie jasne. Używanie nazwy sławny artysta, V Ostatnio książki są często publikowane z niewyraźnymi skanami rysunków lub ze zwiększoną nienaturalną jasnością i kontrastem, co nie jest zbyt dobre dla oczu dzieci.
Leonid Wiktorowicz Władimirski (ur. 1920 w Moskwie) to rosyjski grafik i najpopularniejszy ilustrator książek o Buratino A. N. Tołstoja i o Szmaragdowym Mieście A. M. Wołkowa, dzięki czemu stał się szeroko znany w Rosji i krajach dawnej ZSRR. Malowany akwarelami. To ilustracje Władimirskiego są przez wielu uważane za klasyczne wśród dzieł Wołkowa. Cóż, Pinokio w postaci, w jakiej znało go i kochało kilka pokoleń dzieci, to niewątpliwie jego zasługa.
Wiktor Aleksandrowicz Chizhikov (ur. 1935 w Moskwie) - Artysta Ludowy Rosji, autor wizerunku niedźwiadka Miszki, letniej maskotki Igrzyska Olimpijskie 1980 w Moskwie. Ilustrator magazynów „Krokodyl”, „Funny Pictures”, „Murzilka”, przez wiele lat rysował dla magazynu „Dookoła Świata”. Czyżikow ilustrował dzieła Siergieja Michałkowa, Nikołaja Nosowa (Vitya Maleev w szkole i w domu), Iriny Tokmakowej (Alya, Klyaksich i litera „A”), Aleksandra Wołkowa (Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta), wiersze Andrieja Usaczewa, Korney Czukowski i Agnia Barto oraz inne książki. Aby być uczciwym, warto zauważyć, że ilustracje Czyżikowa są dość specyficzne i kreskówkowe. Dlatego nie wszyscy rodzice wolą kupować książki z jego ilustracjami, jeśli istnieje alternatywa. Na przykład wiele osób woli książki „Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta” z ilustracjami Leonida Władimirskiego.
Nikołaj Ernestowicz Radłow (1889-1942, Petersburg) – rosyjski artysta, krytyk sztuki, pedagog. Ilustrator książek dla dzieci: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov rysował z wielką przyjemnością dla dzieci. Jego najbardziej słynna książka– komiksy dla dzieci „Historie w obrazkach”. Jest to album-książka zawierająca zabawne historie o zwierzętach i ptakach. Lata minęły, a kolekcja nadal cieszy się dużym zainteresowaniem. Historie na zdjęciach były wielokrotnie publikowane nie tylko w Rosji, ale także w innych krajach. NA Międzynarodowy Konkurs książka dla dzieci w Ameryce w 1938 roku, książka otrzymała drugą nagrodę.
Iwan Jakowlew Bilibin (1876-1942, Leningrad) – rosyjski artysta, ilustrator książek i scenograf teatralny. Zilustrowano Bilibina duża liczba bajki, w tym Aleksandra Siergiejewicza Puszkina. Opracował własny styl - „Bilibinsky” - graficzne przedstawienie uwzględniające tradycje starożytnej sztuki rosyjskiej i ludowej, starannie narysowany i szczegółowy wzorzysty rysunek konturowy, zabarwiony akwarelami. Styl Bilibina stał się popularny i zaczęto go naśladować. Bajki, eposy, obrazy starożytna Ruś Dla wielu od dawna są one nierozerwalnie związane z ilustracjami Bilibina.
Anatolij Michajłowicz Sawczenko (1924-2011, Nowoczerkassk, Moskwa) - animator i ilustrator książek dla dzieci. Anatoly Savchenko był scenografem do filmów animowanych „Kid and Carlson” i „Carlson is Back” oraz autorem ilustracji do książek Astrid Lindgren. Najsłynniejsze prace rysunkowe z jego bezpośrednim udziałem: Moidodyr, przygody Murzilki, Petyi i Czerwonego Kapturka, Vovka w Daleko, Daleko Królestwo, Dziadek do orzechów, Brzęcząca mucha, Papuga Kesha i inne. Dzieciom znają ilustracje Sawczenki z książek: „Świnka się obraziła” Władimira Orłowa, „Małe ciastko Kuzya” Tatiany Aleksandrowej, „Bajki dla najmłodszych” Giennadija Cyferowa, „Mała Baba Jaga” Otfrieda Preusslera, a także a także książki z dziełami podobnymi do kreskówek.
Oleg Władimirowicz Wasiliew (ur. 1931 w Moskwie). Jego prace znajdują się w zbiorach wielu muzeów sztuki w Rosji i USA, m.in. w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie. Od lat 60., od ponad trzydziestu lat zajmuje się projektowaniem książek dla dzieci we współpracy z Erikiem Władimirowiczem Bułatowem (ur. 1933, Swierdłowsk, Moskwa). Najbardziej znane są ilustracje tego artysty do baśni Charlesa Perraulta i Hansa Andersena, wierszy Walentina Bieriestowa i baśni Giennadija Cyferowa.
Dziedzictwo artystyczne mistrza nie ogranicza się do grafiki książkowej. A. F. Pakhomov – autor monumentalnych obrazów, obrazy, grafika sztalugowa: rysunki, akwarele, liczne grafiki, w tym emocjonujące arkusze z cyklu „Leningrad w czasach oblężenia”. Tak się jednak złożyło, że w literaturze poświęconej artyście istniało błędne wyobrażenie o prawdziwej skali i czasie jego działalności. Czasem relacje z jego twórczości zaczynały się dopiero od prac z połowy lat 30., a czasem nawet później – od serii litografii z lat wojny. Takie ograniczone podejście nie tylko zawęziło i ograniczyło ideę oryginalnego i żywego dziedzictwa A. F. Pachomowa, tworzonego przez ponad pół wieku, ale także zubożyło całą sztukę radziecką.
Potrzeba studiowania twórczości A. F. Pachomowa jest już dawno spóźniona. Pierwsza monografia na jego temat ukazała się w połowie lat 30. XX w. Naturalnie uwzględniono w nim tylko część prac. Pomimo tego i pewnego ograniczonego rozumienia tradycji charakterystycznych dla tamtych czasów, dzieło pierwszego biografa V.P. Anikievy zachowało swoją wartość zarówno od strony merytorycznej, jak i (po niezbędnych korektach) koncepcyjnej. W esejach o artyście publikowanych w latach 50. zakres materiału z lat 20. i 30. okazał się węższy, a zakres twórczości kolejnych okresów bardziej selektywny. Dziś opisowa i wartościująca strona prac o oddalonym od nas o dwie dekady A.F. Pakhomovie zdaje się utracić wiele ze swojej wiarygodności.
W latach 60. A.F. Pakhomov napisał oryginalną książkę „O swojej twórczości”. Książka wyraźnie pokazała błędność wielu dominujących poglądów na temat jego twórczości. Wyrażone w tym dziele przemyślenia artysty na temat czasu i sztuki, a także obszerny materiał z nagrań rozmów z Aleksiejem Fedorowiczem Pachomowem, dokonanych przez autora tych wersów, pomogły w stworzeniu oferowanej czytelnikom monografii.
A.F. Pakhomov posiada niezwykle dużą liczbę dzieł malarstwa i grafiki. Nie pretendując do ich wyczerpującego omówienia, autor monografii uznał za swoje zadanie przedstawienie głównych aspektów twórczości mistrza, jej bogactwa i oryginalności, a także nauczycieli i współpracowników, którzy przyczynili się do powstania twórczości A. F. Pachomowa sztuka. Obywatelski duch, głęboka witalność i realizm charakterystyczny dla twórczości artysty pozwoliły ukazać rozwój jego twórczości w stałym i ścisłym związku z życiem narodu radzieckiego.
Będąc jednym z największych mistrzów sztuki radzieckiej, A.F. Pakhomov przez całe swoje długie życie i karierę twórczą żywił żarliwą miłość do Ojczyzny i jej mieszkańców. Wysoki humanizm, prawdomówność, bogactwo wyobraźni sprawiają, że jego prace są tak szczere, szczere, pełne ciepła i optymizmu.
W obwodzie Wołogdy, w pobliżu miasta Kadników, nad brzegiem rzeki Kubeny, znajduje się wieś Varlamovo. Tam 19 września (2 października) 1900 r. Chłopce Efimii Petrovnej Pakhomowej urodził się chłopiec, któremu nadano imię Aleksiej. Jego ojciec, Fiodor Dmitriewicz, pochodził z rolników „apanaskich”, którzy w przeszłości nie znali okropności pańszczyzny. Ta okoliczność nie grała ostatnia rola w sposobie życia i dominujących cechach charakteru rozwinęła umiejętność zachowywania się prosto, spokojnie i z godnością. Zakorzenione były tu także cechy szczególnego optymizmu, otwartości umysłu, duchowej bezpośredniości i szybkości reagowania. Aleksiej wychował się w środowisku pracy. Nie żyło się nam dobrze. Jak w całej wsi, do wiosny zabrakło nam chleba; trzeba było go dokupić. Wymagany był dodatkowy dochód, który zapewniali dorośli członkowie rodziny. Jeden z braci był kamieniarzem. Wielu innych mieszkańców wsi pracowało jako stolarze. A jednak młody Aleksiej zapamiętał wczesny okres swojego życia jako najbardziej radosny. Po dwóch latach nauki w szkole parafialnej, a następnie przez kolejne dwa lata w szkole ziemskiej w sąsiedniej wsi, został wysłany „na koszt państwa i za rządowe żarcie” do wyższej szkoły podstawowej w mieście Kadników. Czas spędzony tam na nauce pozostał w pamięci A.F. Pachomowa jako bardzo trudny i głodny. „Odtąd beztroskie dzieciństwo w domu ojca” – powiedział – „zawsze wydawało mi się najszczęśliwszym i najbardziej poetyckim czasem i ta poetyzacja dzieciństwa stała się później głównym motywem mojej twórczości”. Zdolności artystyczne Objawy Aleksieja ujawniły się wcześnie, chociaż tam, gdzie mieszkał, nie było warunków do ich rozwoju. Ale nawet pod nieobecność nauczycieli chłopiec osiągnął pewne wyniki. Sąsiedni właściciel ziemski W. Zubow zwrócił uwagę na jego talent i podarował Aloszy ołówki, papier oraz reprodukcje obrazów rosyjskich artystów. Wczesne rysunki Pakhomowa, które przetrwały do dziś, ujawniają coś, co później, wzbogacone umiejętnościami zawodowymi, stanie się charakterystyczne dla jego twórczości. Małego artystę zafascynował wizerunek człowieka, a przede wszystkim dziecka. Rysuje swoich braci, siostry i dzieci sąsiadów. Co ciekawe, rytm linii tych prostych portretów ołówkiem nawiązuje do rysunków z jego dojrzałych lat.
W 1915 roku, zanim ukończył szkołę w mieście Kadnikow, za namową starosty szlacheckiego Yu Zubowa, miejscowi miłośnicy sztuki ogłosili subskrypcję i za zebrane pieniądze wysłali Pachomowa do Piotrogrodu szkoła A. L. Stieglitza. Wraz z rewolucją nastąpiły zmiany w życiu Aleksieja Pachomowa. Pod wpływem nowych nauczycieli, którzy pojawili się w szkole – N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Czechonin, V. I. Shukhaev – stara się lepiej zrozumieć zadania sztuki. Krótkie szkolenie pod nadzorem wielki mistrz Rysunek Szuchajewa dał mu wiele cennych rzeczy. Zajęcia te położyły podwaliny pod zrozumienie budowy ludzkiego ciała. Dążył do głębokiego studiowania anatomii. Pakhomov był przekonany, że nie należy kopiować otoczenia, ale wymownie je przedstawić. Rysując przywykł do tego, że nie jest zależny od warunków światła i cienia, ale „rozświetla” przyrodę okiem, pozostawiając bliskie partie objętości światłem i przyciemniając te bardziej odległe. „To prawda” – zauważył artysta – „nie stałem się prawdziwym wyznawcą Szuchajewa, to znaczy nie malowałem optymistycznie, rozmazując go gumką, aby ludzkie ciało wyglądało imponująco”. Lekcje najwybitniejszych twórców książki, Dobużyńskiego i Czechonina, okazały się przydatne, jak przyznał Pachomow. Szczególnie zapamiętał radę tego ostatniego: umiejętność pisania czcionek na okładce książki od razu pędzlem, bez wstępnego konturowania ołówkiem, „jak adres na kopercie”. Według artysty taki rozwój niezbędnego oka pomógł później w szkicach z życia, gdzie mógł, zaczynając od pewnych szczegółów, umieścić wszystko przedstawione na kartce.
W 1918 roku, kiedy mieszkałem w zimnym i głodnym Piotrogrodzie stały dochód Stało się to niemożliwe, Pakhomov wyjechał do ojczyzny, zostając nauczycielem plastyki w szkole w Kadnikowie. Te miesiące były bardzo pożyteczne w dalszym jego edukacji. Po lekcjach w klasach I i II klasy czytał żarliwie, o ile pozwalało na to oświetlenie i nie męczyły go oczy. „Cały czas byłem w stanie podniecenia, ogarniała mnie gorączka wiedzy. Cały świat otwierał się przede mną, o czym, jak się okazuje, prawie nie wiedziałem” – wspominał Pakhomov z tego czasu. - luty i Rewolucja Październikowa Przyjąłem to z radością, jak większość otaczających mnie ludzi, ale dopiero teraz, czytając książki z zakresu socjologii, ekonomii politycznej, materializmu historycznego, historii, zacząłem naprawdę rozumieć istotę wydarzeń, które miały miejsce.
Młodemu człowiekowi ukazały się skarby nauki i literatury; Było dla niego zupełnie naturalne, że zamierza kontynuować przerwane studia w Piotrogrodzie. W znajomym budynku przy Solyanoy Lane rozpoczął naukę u N. A. Tyrsy, który był wówczas także komisarzem dawnej szkoły Stieglitz. „My, uczniowie Nikołaja Andriejewicza, byliśmy bardzo zaskoczeni jego kostiumem” – powiedział Pakhomov. „Komisarze tamtych lat nosili skórzane czapki i kurtki z paskiem z mieczem i rewolwerem w kaburze, a Tyrsa chodziła z laską i melonikiem. Ale oni z zapartym tchem słuchali jego rozmów o sztuce.” Kierownik pracowni w dowcipny sposób obalił przestarzałe poglądy na malarstwo, zapoznał uczniów z dorobkiem impresjonistów, doświadczeniem postimpresjonizmu i delikatnie zwrócił uwagę na poszukiwania widoczne w twórczości Van Gogha, a zwłaszcza Cezanne'a. Tyrsa nie przedstawił jasnego programu na przyszłość sztuki, od osób studiujących w jego pracowni żądał spontaniczności: pisz tak, jak czujesz. W 1919 roku Pakhomov został wcielony do Armii Czerwonej. Zaznajomił się dogłębnie z nieznanym wcześniej środowiskiem wojskowym i zrozumiał prawdziwie popularny charakter armii Kraju Sowietów, co później wpłynęło na interpretację tego tematu w jego twórczości. Wiosną następnego roku, zdemobilizowany po chorobie, Pachomow po przybyciu do Piotrogrodu przeniósł się z warsztatu N. A. Tyrsy do V. V. Lebiediewa, postanawiając zapoznać się z zasadami kubizmu, które znalazły odzwierciedlenie w liczba dzieł Lebiediewa i jego uczniów. Niewiele z dzieł Pachomowa ukończonych w tym czasie przetrwało. Tak jest na przykład „Martwa natura” (1921), wyróżniająca się subtelnym wyczuciem faktury. Ujawnia wyuczone od Lebiediewa pragnienie osiągnięcia w dziełach „dokończenia”, szukania nie powierzchownej kompletności, ale konstruktywnej obrazowej organizacji płótna, nie zapominając o walorach plastycznych tego, co jest przedstawiane.
Pomysł na nowy dobra robota Obraz Pachomowa „Sianokosy” powstał w jego rodzinnej wiosce Warlamov. Tam zebrano materiał do niego. Artysta nie przedstawił zwykłej, codziennej sceny koszenia, ale pomoc młodych chłopów swoim sąsiadom. Choć przejście do kolektywnej, kołchozowej pracy w rolnictwie było wówczas kwestią przyszłości, to samo wydarzenie, ukazujące zapał młodości i pasję do pracy, w pewnym sensie wpisywało się już w nowe trendy. Szkice i szkice postaci kosiarek, fragmenty krajobrazu: trawy, krzaki, ściernisko świadczą o niesamowitej konsekwencji i powadze koncepcji artystycznej, gdzie odważne poszukiwania fakturalne łączą się z rozwiązywaniem problemów plastycznych. Umiejętność uchwycenia rytmu ruchów przez Pakhomova przyczyniła się do dynamiki kompozycji. Artysta pracował nad tym obrazem kilka lat i wykonał wiele prac przygotowawczych. W wielu z nich rozwinął wątki zbliżone do głównego tematu lub mu towarzyszące.
Rysunek „Bicie kosami” (1924) przedstawia dwóch młodych chłopów przy pracy. Zostały naszkicowane przez Pakhomova z życia. Następnie przesunął pędzlem po tym arkuszu, uogólniając to, co zostało przedstawione, nie obserwując swoich modeli. Dobre walory plastyczne, połączone z przenoszeniem silnego ruchu i ogólnym malarskim użyciem atramentu, widoczne są we wcześniejszej pracy z 1923 roku, Dwie kosiarki. Pomimo głębokiej prawdziwości, można by rzec surowości rysunku, artystę interesowała tu naprzemienność płaszczyzny i objętości. Arkusz sprytnie wykorzystuje rozmycia atramentu. Wskazane jest otoczenie krajobrazowe. Wyraźna jest faktura skoszonej i stojącej trawy, co dodaje całości rytmicznego urozmaicenia.
Wśród znacznej liczby rozwinięć kolorystycznych fabuły „Sianokosy” należy wymienić akwarelę „Kosiarka w różowej koszuli”. W nim oprócz malarskich obmyć pędzlem zastosowano zarysowania mokrej warstwy farby, co nadało obrazowi szczególną ostrość i zostało wprowadzone do obrazu w innej technice (w malarstwie olejnym). Duży arkusz „Sianokosy”, namalowany akwarelą, jest kolorowy. Wydaje się, że scena jest widziana z wysokiego punktu widzenia. Umożliwiło to ukazanie wszystkich postaci kosiarek poruszających się w rzędzie i uzyskanie szczególnej dynamiki w przekazywaniu ich ruchów, co ułatwia ułożenie figur po przekątnej. Artysta doceniwszy tę technikę, skonstruował w ten sposób obraz, by potem o nim nie zapomnieć w przyszłości. Pakhomov osiągnął malowniczą ogólną paletę i przekazał wrażenie porannej mgły przesiąkniętej światłem słonecznym. Odmiennie ten sam temat został ujęty w obrazie olejnym „Przy koszeniu”, przedstawiającym pracującą kosiarkę i konia pasącego się na poboczu obok wozu. Krajobraz jest tu inny niż na pozostałych szkicach, wariantach iw samym obrazie. Zamiast pola mamy brzeg rwącej rzeki, który podkreślają prądy i łódź z wioślarzem. Kolorystyka krajobrazu jest wyrazista, zbudowana na różnych zimnych odcieniach zieleni, na pierwszy plan wprowadzane są jedynie cieplejsze odcienie. Stwierdzono pewien efekt dekoracyjny w połączeniu postaci z otoczeniem, co wzmocniło ogólną tonację kolorystyczną.
Jednym z obrazów Pakhomova o tematyce sportowej z lat 20. są „Chłopcy na łyżwach”. Artysta zbudował kompozycję na obrazie najdłuższego momentu ruchu, a przez to najbardziej owocnego, dającego wyobrażenie o tym, co minęło i co się wydarzy. Dla kontrastu ukazana jest kolejna postać w oddali, wprowadzająca urozmaicenie rytmiczne i dopełniająca zamysł kompozycyjny. Na tym zdjęciu, wraz z jego zainteresowaniem sportem, widać odwołanie Pakhomova do najważniejszego tematu jego twórczości – życia dzieci. Wcześniej trend ten znajdował odzwierciedlenie w grafice artysty. Począwszy od połowy lat dwudziestych głębokie zrozumienie i tworzenie przez Pachomowa obrazów dzieci Kraju Sowietów było jego wybitnym wkładem w sztukę. Studiując duże problemy obrazowe i plastyczne, artysta rozwiązywał je w pracach poświęconych temu nowemu, ważnemu tematowi. Na wystawie w 1927 roku pokazano obraz „Wiejska dziewczyna”, który choć swoim przeznaczeniem miał coś wspólnego z omówionymi powyżej portretami, to jednak cieszył się także niezależnym zainteresowaniem. Uwaga artysty skupiła się na przedstawieniu głowy i dłoni dziewczynki, namalowanym z dużym wyczuciem plastycznym. Typ młodej twarzy uchwycony w oryginalny sposób. Bliska temu obrazowi pod względem bezpośredniości wrażeń jest „Dziewczyna z włosami”, wystawiona po raz pierwszy w 1929 roku. Różnił się od popiersiowego obrazu z 1927 roku nową, bardziej rozbudowaną kompozycją, obejmującą niemal całą postać, przekazaną w bardziej złożonym ruchu. Artystka pokazała zrelaksowaną pozę dziewczyny, prostującej włosy i przeglądającej się w leżącym na jej kolanie małym lusterku. Kombinacje dźwiękowe Złota twarz i dłonie, niebieska sukienka i czerwona ławka, szkarłatna kurtka i ochrowo-zielonkawe ściany chaty z bali przyczyniają się do emocjonalności obrazu. Pakhomov subtelnie uchwycił niewinną minę twarz dziecka, wzruszająca poza. Żywe, niezwykłe obrazy zatrzymały publiczność. Obie prace były częścią zagranicznych wystaw sztuki radzieckiej.
Przez półwiecze swojej twórczości A.F. Pakhomov pozostawał w bliskim kontakcie z życiem kraju sowieckiego, co nadawało jego twórczości inspirujące przekonanie i siłę życiowej prawdy. Jego indywidualność artystyczna rozwinęła się wcześnie. Znajomość jego twórczości pokazuje, że już w latach 20. wyróżniała się ona głębią i wnikliwością, wzbogaconą doświadczeniem studiowania kultury światowej. Rola sztuki Giotta i prarenesansu w jego powstaniu jest oczywista, ale wpływ starożytnego malarstwa rosyjskiego był nie mniej głęboki. A.F. Pakhomov był jednym z mistrzów, którzy w nowatorski sposób podeszli do bogatego dziedzictwa klasycyzmu. Jego prace mają nowoczesny charakter w rozwiązywaniu problemów zarówno obrazowych, jak i graficznych.
Opanowanie przez Pakhomowa nowych tematów na płótnach „1905 na wsi”, „Jeźdźcy”, „Spartakowka” oraz w cyklu obrazów o dzieciach jest ważne dla rozwoju sztuki radzieckiej. Artysta odegrał znaczącą rolę w kreowaniu wizerunku swego współczesnego człowieka, czego dobitnym dowodem są jego cykle portretów. Po raz pierwszy wprowadził do sztuki tak żywe i realistyczne wizerunki młodych obywateli Kraju Sowieckiego. Ta strona jego talentu jest niezwykle cenna. Jego prace wzbogacają i poszerzają wyobrażenia o historii malarstwa rosyjskiego. Już od lat 20 największe muzea kraje zakupiły obrazy Pachomowa. Jego prace zyskały międzynarodową sławę na dużych wystawach w Europie, Ameryce i Azji.
Inspiracją dla A.F. Pakhomova była rzeczywistość socjalistyczna. Jego uwagę przykuły badania turbin, praca fabryk tkackich i nowe osiągnięcia w życiu rolniczym. W jego pracach pojawiają się tematy związane z kolektywizacją, wprowadzaniem technologii na pola, użytkowaniem kombajnów, pracą ciągników nocą, życiem wojska i marynarki wojennej. Podkreślamy wartość specjalna te osiągnięcia Pachomowa, ponieważ wszystko to artysta pokazał w latach dwudziestych i wczesnych trzydziestych. Jego obrazy „Pionierzy z rolnikiem indywidualnym”, cykl o gminie „Siewca” i portrety z „Pięknego miecza” należą do najsłynniejszych głębokie dzieła nasi artyści o przemianach na wsi, o kolektywizacji.
Dzieła A.F. Pakhomova wyróżniają się monumentalnymi rozwiązaniami. We wczesnym sowieckim malarstwie ściennym prace artysty należą do najbardziej uderzających i interesujących. W kartonach „Czerwonej przysięgi”, obrazach i szkicach „Okrągłego tańca dzieci wszystkich narodów”, obrazach o żniwiarzach, a także ogólnie w najlepszych dziełach obrazów Pachomowa istnieje namacalny związek z wielkimi tradycjami starożytne dziedzictwo narodowe, które jest częścią skarbnicy sztuki światowej. Strona kolorystyczna i figuratywna jego obrazów, obrazów, portretów, a także grafik sztalugowych i książkowych jest niezwykle oryginalna. O błyskotliwych sukcesach plenerów malarskich świadczy cykl „W słońcu” – swoisty hymn na cześć młodzieży Kraju Sowietów. Tutaj, przedstawiając nagie ciało, artysta wystąpił w roli jednego z wielkich mistrzów, którzy przyczynili się do rozwoju tego gatunku w malarstwie sowieckim. Poszukiwania kolorów Pakhomova połączono z rozwiązywaniem poważnych problemów plastycznych.
Trzeba powiedzieć, że w osobie A.F. Pachomowa sztuka miała jednego z największych rysowników naszych czasów. Mistrz po mistrzowsku opanował różne materiały. Prace wykonane tuszem i akwarelą, piórem i pędzlem sąsiadowały z błyskotliwymi rysunkami ołówek grafitowy. Jego osiągnięcia wykraczają poza to Sztuka rosyjska i stać się jednym z najwybitniejszych dzieł światowej grafiki. Przykłady tego nietrudno znaleźć w serii rysunków wykonanych w domu w latach dwudziestych XX wieku, wśród arkuszy wykonanych podczas podróży po kraju w następnej dekadzie, a także w cyklach o obozach pionierskich.
Wkład A.F. Pakhomova w grafikę jest ogromny. Jego sztaluga i książka działa, dedykowane dzieciom, należą do wybitnych osiągnięć w tej dziedzinie. Jeden z twórców radzieckiej literatury ilustrowanej wprowadził do niej głęboki i zindywidualizowany obraz dziecka. Jego rysunki urzekły czytelników swoją żywotnością i ekspresją. Nie nauczając, artysta żywo i wyraźnie przekazywał dzieciom swoje myśli i budził ich uczucia. I ważne tematy w edukacji i życie szkolne! Żaden z artystów nie rozwiązał ich tak głęboko i prawdziwie jak Pakhomov. Po raz pierwszy zilustrował wiersze V.V. Majakowskiego w tak przenośny i realistyczny sposób. Jego rysunki do dzieł L.N. Tołstoja dla dzieci stały się artystycznym odkryciem. Zbadany materiał graficzny wyraźnie pokazał, że twórczość Pachomowa, ilustratora sztuki współczesnej i literatura klasyczna niewłaściwe jest ograniczanie go wyłącznie do dziedziny książek dla dzieci. Doskonałe rysunki artysty do dzieł Puszkina, Niekrasowa, Zoszczenki świadczą o wielkich sukcesach rosyjskiej grafiki lat 30. Jego prace przyczyniły się do ugruntowania metody socrealizmu.
Sztukę A. F. Pakhomova wyróżnia obywatelstwo, nowoczesność i aktualność. W okresie najcięższych prób blokady Leningradu artysta nie przerwał swojej działalności. Wraz z mistrzami sztuki miasta nad Newą, podobnie jak kiedyś w młodości podczas wojny secesyjnej, pracował nad zadaniami z frontu. Seria litografii Pachomowa „Leningrad w dniach oblężenia”, jedno z najważniejszych dzieł sztuki lat wojny, ukazuje niezrównane waleczność i odwagę narodu radzieckiego.
Do grona entuzjastów artystów, którzy przyczynili się do rozwoju i upowszechnienia tego typu grafiki drukowanej, należy zaliczyć autora setek litografii A.F. Pakhomova. Jego uwagę przykuła możliwość przyciągnięcia szerokiego grona odbiorców i masowość druku obiegowego.
Jego prace cechuje klasyczna klarowność i lakoniczność. Dzieła wizualne. Wizerunek osoby jest jego głównym celem. Niezwykle ważnym aspektem twórczości artysty, który łączy go z tradycjami klasycznymi, jest dążenie do plastycznej wyrazistości, które wyraźnie widoczne jest w jego obrazach, rysunkach, ilustracjach, grafikach, aż po najnowsze dzieła. Czynił to stale i konsekwentnie.
A.F. Pakhomov to „głęboko oryginalny, wielki rosyjski artysta, całkowicie zanurzony w przedstawianiu życia swojego ludu, ale jednocześnie chłonący osiągnięcia sztuki światowej. Twórczość A. F. Pachomowa, malarza i grafika, stanowi znaczący wkład w rozwój radzieckiej kultury artystycznej. /VS. Matafonow/
____________________________________________________________________________________________________________
WŁADIMIR WASILIEWICZ LEBIEDIEW
14(26).05.1891, Petersburg - 21.11.1967, Leningrad
Artysta Ludowy RFSRR. Członek korespondent Akademii Sztuk Pięknych ZSRR
Pracował w Petersburgu w pracowni F. A. Roubo, uczęszczał do szkoły rysunku, malarstwa i rzeźby M. D. Bernsteina i L. V. Sherwooda (1910-1914), studiował w Petersburgu na Akademii Sztuk Pięknych (1912-1914). Członek Towarzystwa Czterech Sztuk. Współpracował z magazynami „Satyricon” i „Nowy Satyricon”. Jeden z organizatorów Windows ROSTA” w Piotrogrodzie.
W 1928 roku w Muzeum Rosyjskim w Leningradzie a wystawa osobista Włodzimierz Wasiljewicz Lebiediew – jeden z najwybitniejszych grafików lat dwudziestych XX wieku. Został wówczas sfotografowany na tle swoich prac. Nieskazitelny biały kołnierzyk i krawat, kapelusz naciągnięty na brwi, poważny i nieco arogancki wyraz twarzy, prawidłowy wygląd i nie pozwalanie mu się zbliżyć, a jednocześnie zrzucono mu marynarkę i rękawy podwinięta do łokci koszula odsłaniała muskularne mięśnie. duże dłonie za pomocą „inteligentnych” i „nerwowych” pędzli. Wszystko razem pozostawia wrażenie spokoju, gotowości do pracy, a co najważniejsze – koresponduje z charakterem prezentowanych na wystawie grafik, wewnętrznie napiętych, niemal hazardowych, czasem ironicznych i jakby odzianych w zbroję nieco chłodnej techniki graficznej . Artysta wkroczył w epokę porewolucyjną z plakatami do „Okna WZROSTU”. Podobnie jak w powstającym w tym samym czasie „Prasownicach” (1920) naśladowali oni styl kolorowego kolażu. Jednak w plakatach technika ta, wywodząca się z kubizmu, nabrała zupełnie nowego znaczenia, wyrażając lapidarium znaku patos obrony rewolucji („ Na straży października ", 1920) i chęć dynamicznej pracy ("Demonstracja", 1920). Jeden z plakatów ("Muszę pracować - karabin jest niedaleko", 1921) przedstawia robotnika z piłą, a jednocześnie jest postrzegany jako rodzaj solidnie złożonego przedmiotu. Tworzące postać pomarańczowe, żółte i niebieskie paski są niezwykle trwale połączone z drukowanymi literami, które w odróżnieniu od kubizmu napisy mają specyficzne znaczenie semantyczne, z jaką wyrazistością przekątna utworzona przez słowo „praca”, brzeszczot i słowo „musi”, ostry łuk słów „karabin w pobliżu” i linie ramion robotnika. przecinają się. Ta sama atmosfera bezpośredniego wejścia rysunku w rzeczywistość charakteryzowała wówczas rysunki Lebiediewa do książek dla dzieci. W Leningradzie w latach dwudziestych XX wieku ukształtował się cały kierunek ilustrowania książek dla dzieci. Tyrsa współpracowała z Lebiediewą. , N. Lapshin, a częścią literacką kierował S. Marshak, bliski wówczas grupie poetów leningradzkich - E. Schwartza, N. Zabolotsky'ego, D. Charmsa, A. Vvedensky'ego. W tamtych latach ukształtował się zupełnie specyficzny wizerunek książki, odmienny od tego, jaki kultywowała w tamtych latach Moskwa ilustracja prowadzona przez V. Favorsky'ego. O ile w gronie drzeworytów moskiewskich czy bibliofilów panowało niemal romantyczne postrzeganie książki, a sama praca nad nią zawierała w sobie coś „silnie ascetycznego”, o tyle leningradzcy ilustratorzy stworzyli rodzaj „książki-zabawki”, oddając ją bezpośrednio w ręce czytelnika. dziecka, dla którego był przeznaczony. Przeniesienie wyobraźni „w głąb kultury” zastąpiła tu wesoła sprawność, kiedy można było kręcić kolorową książeczkę w dłoniach, a nawet czołgać się po niej leżąc na podłodze, w otoczeniu zabawkowych słoników i kostek. Wreszcie „najświętsze” drzeworytu Favorsky'ego - powaga czarno-białych elementów obrazu w głąb lub z głębi arkusza - ustąpiła tutaj szczerze płaskiemu palcowaniu, gdy rysunek pojawił się jakby „pod ręce dziecka” z kawałków papieru wyciętych nożyczkami. Słynna okładka „Małego słonika” R. Kiplinga (1926) uformowana jest jakby ze sterty resztek losowo rozrzuconych na papierowej powierzchni. Wydaje się, że artysta (a może i samo dziecko!) przesuwał te dzieła po papierze, aż uzyskał kompletną kompozycję, w której wszystko „kręci się jak koło”, a tymczasem niczego nie da się poruszyć nawet o milimetr: w pośrodku słoniątko z zakrzywionym długim nosem, wokół niego piramidy i palmy, na górze duży napis „Baby Elephant”, a poniżej krokodyl, który poniósł całkowitą klęskę.
Ale książka jest wykonana z jeszcze większą pasją"Cyrk"(1925) i „Jak samolot stworzył samolot”, w którym rysunkom Lebiediewa towarzyszyły wiersze S. Marshaka. Na rozkładówkach przedstawiających podających sobie dłonie klaunów czy grubego klauna na osiołku praca polegająca na wycinaniu i przyklejaniu zielonych, czerwonych czy czarnych kawałków dosłownie idzie pełną parą. Tutaj wszystko jest „oddzielne” – czarne buty czy czerwone nosy klaunów, zielone spodnie czy żółta gitara grubasa z karaśem – ale z jaką niezrównaną błyskotliwością to wszystko jest połączone i „sklejone”, przeniknięte duchem żywa i wesoła inicjatywa.Wszystkie te obrazy Łebiediewa, adresowane do zwykłych dziecięcych czytelników, w tym takie arcydzieła jak litografie do książki „Polowanie” (1925), były z jednej strony wytworem wyrafinowanej kultury graficznej, zdolnej zadowolić najbardziej wymagające oko, z drugiej z drugiej strony sztuka objawiła się w żywej rzeczywistości. Przedrewolucyjna grafika nie tylko Lebiediewa, ale także wielu innych artystów nie zaznała jeszcze tak otwartego kontaktu z życiem (mimo że Lebiediew malował dla magazynu „Satyricon” w latach 1910. XX w.) – tych „witamin” brakowało , a raczej owe „drożdże witalności”, na których w latach dwudziestych XX wieku „fermentowała” sama rosyjska rzeczywistość. Codzienne rysunki Lebiediewa niezwykle wyraźnie ujawniały to połączenie, nie tyle wtrącając się w życie jak ilustracje czy plakaty, ale raczej wchłaniając je w swoją figuratywną sferę. Podstawą jest tutaj żywe, zachłanne zainteresowanie wciąż pojawiającymi się nowymi typami społecznymi. Rysunki z lat 1922-1927 można było połączyć pod tytułem „Panel Rewolucji”, którym Lebiediew zatytułował tylko jedną serię z 1922 r., przedstawiającą ciąg postaci porewolucyjnej ulicy, a słowo „panel” wskazywało, że najprawdopodobniej była to piana uniesiona przez toczenie się po tych ulicach wraz z potokiem wydarzeń. Artysta maluje marynarzy z dziewczynami na Piotrogrodzie, handlarzy ze kramami czy dandysów ubranych na modę tamtych lat, a zwłaszcza Nepmenów – tych komicznych, a zarazem groteskowych przedstawicieli nowej „ulicznej fauny”, których z entuzjazmem malował w tych tych samych latach oraz V. Konashevich i wielu innych mistrzów. Dwóch nepmenów na rysunku „Para” z cyklu „ Nowe życie„(1924) mogłoby uchodzić za tych samych klaunów, których Lebiediew wkrótce portretował na łamach „Cyrku”, gdyby nie ostrzejszy stosunek samego artysty do nich. Stosunku Lebiediewa do tego rodzaju postaci nie można nazwać ani „stygmatyzującym”, ani ”, a tym bardziej „biczowanie”. Przed rysunkami Lebiediewa nieprzypadkowo zapamiętano P. Fedotowa nie mniej charakterystycznymi szkicami typów ulic XIX w. Chodziło o tę żywą nierozerwalność zasad ironicznych i poetyckich co naznaczyło obu artystów i co dla obu było szczególną atrakcją obrazów. Przypomnijmy sobie także współczesnych Lebiediewa, pisarzy M. Zoszczenkę i Yu Olesę. Cechował ich ten sam brak różnicowania w ironii i uśmiechach, kpinach i podziwie. Lebiediew najwyraźniej był pod wrażeniem taniego szyku prawdziwego marynarskiego chodu („Dziewczyna i marynarz”), a także odważnej dziewczyny z butem przymocowanym do pudełka buta („Dziewczyna i marynarz”). nawet w jakiś sposób pociąga ją ta zoologiczna czy czysto roślinna niewinność, z jaką jak kubki pod płotem wspinają się na nowe postacie, demonstrując cuda zdolności adaptacyjnych, jak gadające damy w futrach w witrynie sklepowej (People of Society, 1926) lub gromada NEPmenów na wieczornej ulicy (NEPmen, 1926). Szczególnie uderzający jest poetycki początek najsłynniejszego cyklu Lebiediewa „Miłość do chmielu” (1926–1927). Ależ ekscytujące witalność oddychających na rysunku „Na lodowisku” to postacie faceta w rozpiętym na piersi kożuchu i dziewczyny siedzącej na ławce w czepku z kokardką i butelkowatymi nogami wciągniętymi w wysokie buty. Jeśli w serialu „Nowe Życie” można mówić o satyrze, to tutaj jest ona niemal niezauważalna. Na rysunku „Wysypka, Siemionowna, dodaj trochę, Siemionowna!” - wysokość hulanki. Pośrodku prześcieradła tańczy gorąca i młoda para, a widz zdaje się słyszeć w czasie plusk dłoni lub stukanie butów faceta, czuje wężową elastyczność jego nagich pleców, lekkość ruchów partnera. Od serii „Panel rewolucji” po rysunki „Miłość do świń” sam styl Lebiediewa przeszedł zauważalną ewolucję. Postacie marynarza i dziewczynki na rysunku z 1922 roku nadal składają się z niezależnych plam - plam atramentowych o różnej fakturze, podobnych do tych z „Prasownic”, ale bardziej uogólnionych i chwytliwych. W „New Life” dodano tutaj naklejki, dzięki którym rysunek nie jest już imitacją kolażu, ale prawdziwym kolażem. Samolot całkowicie zdominował obraz, zwłaszcza że zdaniem samego Lebiediewa dobry rysunek musi przede wszystkim „dobrze mieścić się na papierze”. Jednak w arkuszach z lat 1926-1927 papierową płaszczyznę coraz częściej zastępowała przestrzeń przedstawiona z jej światłocieniem i tło tematu. Przed nami nie są już plamy, ale stopniowa gradacja światła i cienia. Jednocześnie ruch rysunku nie polegał na „wycinaniu i wklejaniu”, jak miało to miejsce w „NEP” i „Cyrku”, ale na przesuwaniu miękkiego pędzla lub spływaniu czarnej akwareli. W połowie lat dwudziestych wielu innych rysowników zmierzało w stronę coraz bardziej swobodnego, czyli malarskiego, jak to się zwykle nazywa, rysowania. Byli tu N. Kupreyanov ze swoimi wiejskimi „stadami”, a także L. Bruni i N. Tyrsa. Rysunek nie ograniczał się już do efektu „brania”, ostrego chwytania „na czubku pióra” coraz to nowych charakterystyczne typy, ale tak, jakby sam był zaangażowany w żywy bieg rzeczywistości ze wszystkimi jej zmianami i emocjonalnością. W połowie lat dwudziestych ten orzeźwiający nurt ogarnął już nie tylko sferę motywów „ulicznych”, ale także „domowych”, a nawet tak tradycyjnych warstw rysunku, jak rysowanie w pracowni z nagiej postaci ludzkiej. I cóż to był za nowy rysunek w całej jego atmosferze, zwłaszcza jeśli porównać go z ascetycznie surowym rysunkiem dekady przedrewolucyjnej. Jeśli porównamy na przykład znakomite rysunki z aktu modelki N. Tyrsy z 1915 r. i rysunki Lebiediewa z lat 1926-1927, uderzy spontaniczność prześcieradeł Lebiediewa i siła ich uczucia.
Ta spontaniczność szkiców Lebiediewa z modelu zmusiła innych krytyków sztuki do przypomnienia technik impresjonizmu. Sam Lebiediew był głęboko zainteresowany impresjonistami. W jednym ze swoich najlepsze rysunki w cyklu „Akrobatyka” (1926) pędzel nasączony czarną akwarelą zdaje się kreować energetyczny ruch modelki. Pewne pociągnięcie pędzla wystarczy, aby artysta odrzucił lewa ręka lub jedno przesuwanie, aby wskazać do przodu w kierunku łokcia. W cyklu „Tancerz” (1927), w którym osłabione są kontrasty świetlne, element poruszającego się światła także budzi skojarzenia z impresjonizmem. „Z przestrzeni przesiąkniętej światłem” – pisze W. Pietrow – „jak wizja wyłaniają się zarysy tańczącej postaci”, jest ona „ledwo zarysowana przez jasne, rozmyte plamy czarnej akwareli”, gdy „forma zamienia się w malowniczą masę i niepostrzeżenie łączy się ze środowiskiem świetlno-powietrznym.”
Jest rzeczą oczywistą, że ten impresjonizm Lebiediewa nie jest już równy klasycznemu impresjonizmowi. Za nim zawsze można wyczuć „trening konstruktywności” niedawno ukończony przez mistrza. Zarówno Lebiediew, jak i sam kierunek rysowania w Leningradzie pozostali sobą, ani na minutę nie zapominając ani o skonstruowanej płaszczyźnie, ani o fakturze rysunku. Tak naprawdę artysta tworząc kompozycję rysunkową nie odtworzył przestrzeni za pomocą figury, jak to zrobił Degas, ale raczej tę samą figurę, jakby łącząc jej formę z formatem rysunku. Ledwo zauważalnie odcina czubek głowy i sam czubek stopy, dlatego figura nie opiera się o podłogę, a raczej jest „zahaczona” o dolną i górną krawędź prześcieradła. Artysta stara się jak najbardziej zbliżyć „plan figurowy” i płaszczyznę obrazu. Perłowe pociągnięcie jego mokrego pędzla należy zatem w równym stopniu do figury, jak i do płaszczyzny. Te zanikające lekkie pociągnięcia, przekazujące zarówno samą figurę, jak i jakby ciepło powietrza ogrzanego w pobliżu ciała, są jednocześnie postrzegane jako jednolita faktura rysunku, kojarzona z pociągnięciami rysunków chińskiego tuszu i pojawiająca się dla oka jak najdelikatniejsze „płatki”, subtelnie wygładzone na powierzchni prześcieradła. Co więcej, w „Akrobatach” czy „Tancerzach” Lebiediewa panuje ten sam chłód pewnego siebie, artystycznego i nieco zdystansowanego podejścia do modela, jaki cechował bohaterów seriali „Nowe życie” i „NEP”. We wszystkich tych rysunkach istnieje silna uogólniona podstawa klasyczna, która tak ostro odróżnia je od szkiców Degasa z ich poezją specyfiki lub życia codziennego. Tak więc w jednym z genialnych arkuszy, w którym baletnica odwraca się tyłem do widza, z prawa noga, umieszczona na palcu za lewym palcem (1927), jej postać przypomina porcelanową figurkę z półcieniem i przesuwającym się po powierzchni światłem. Według N. Lunina artysta odnalazł w baletnicy „doskonały i rozwinięty wyraz ludzkiego ciała”. „Oto jest - ten subtelny i plastyczny organizm - rozwinięty, może trochę sztucznie, ale sprawdzony i precyzyjny w ruchu, zdolny więcej niż jakikolwiek inny „powiedzieć o życiu”, bo jest w nim mniej wszystkiego, co bezkształtne , niestworzony, niestabilny przez przypadek.” Artystę nie interesował właściwie sam balet, ale jak najbardziej wyrazisty sposób „mówienia do życia”. Przecież każdy z tych ARKUSZY jest jak poemat liryczny poświęcony poetycko wartościowemu ruchowi. Balerina N. Nadieżdina, która pozowała mistrzowi w obu seriach, oczywiście bardzo mu pomogła, zatrzymując się w tych „pozycjach”, które dobrze wystudiowała, w których najbardziej imponująco ujawniła się witalna plastyczność ciała.
Podekscytowanie artysty zdaje się przebijać artystyczną poprawność pewnego warsztatu, a następnie mimowolnie przenosi się na widza. Na tym samym wspaniałym szkicu baletnicy od tyłu widz z fascynacją obserwuje, jak wirtuozowski pędzel nie tylko przedstawia, ale tworzy postać natychmiast zamarzającą na palcach. Jej nogi, narysowane dwoma „płatkami pociągnięć”, z łatwością wznoszą się ponad punkt podparcia, wyżej - jak znikający półcień - ostrożne rozproszenie śnieżnobiałej tutu, jeszcze wyżej - przez kilka szczelin, nadając rysunkowi aforystyczną zwięzłość - niezwykle wrażliwa, czyli „bardzo słysząca” tancerka na plecach i nie mniej „słyszący” obrót jej małej główki na szeroką rozpiętość ramion.
Kiedy Lebiediew został sfotografowany na wystawie w 1928 roku, wydawało się, że stoi przed nim obiecująca droga. Wydawało się, że kilka lat ciężkiej pracy wzniosło go na wyżyny grafiki. Jednocześnie zarówno w książkach dla dzieci z lat dwudziestych, jak i w „Tancerzach” osiągnięto być może taki stopień całkowitej doskonałości, że być może od tych punktów nie było już żadnej ścieżki rozwoju. I rzeczywiście rysunek Lebiediewa, a co więcej, sztuka Lebiediewa osiągnęła tutaj swój absolutny szczyt. W kolejnych latach artystka bardzo aktywnie zajmowała się malarstwem, dużo i przez wiele lat ilustrując książki dla dzieci. A jednocześnie wszystkiego, czego dokonał w latach 30. i 50. XX w., nie dało się już porównać z arcydziełami z lat 1922–1927, a mistrz oczywiście nie próbował powtarzać pozostawionych przez siebie odkryć. W szczególności rysunki Lebiediewa przedstawiające postać kobiecą pozostały nieosiągalne nie tylko dla samego artysty, ale także dla całej sztuki kolejnych lat. Jeśli kolejnej epoki nie można było przypisać zanikowi czerpania z modelu aktu, to tylko dlatego, że w ogóle nie interesowano się tą tematyką. Dopiero w ostatnich latach wydawało się, że nastąpił zwrot w podejściu do tej najbardziej poetyckiej i najszlachetniejszej twórczo dziedziny rysunku, a jeśli tak się stanie, to W. Lebiediewowi może być przeznaczona nowa chwała wśród rysowników nowego pokolenia .
Pisarze ilustrujący swoje książki (lekcja 2)
Cel: dać uczniom pojęcie o grafice książkowej i jej funkcjach. Zapoznanie z twórczością pisarzy ilustrujących swoje dzieła i książki, w celu rozpoznania ich stylu twórczego. Wprowadź uczniów w świat linii i kolorów kreowanych przez artystów, naucz dostrzegać piękno, podnieś poziom percepcji artystycznej, wzbogacaj twórczą wyobraźnię i fantazję. Zaszczep w sobie miłość do czytania.
Materiał i wyposażenie: książki z ilustracjami, OSP - prezentacja.
Podczas zajęć
Slajd 1. Epigraf.
„Czytanie to drugie życie”
Kochani, znacie jakichś pisarzy, którzy ilustrowali swoje książki?
Odpowiedzi uczniów.
Dziś dowiecie się wielu ciekawych rzeczy na temat ich kreatywności wspaniali pisarze i artyści.
Slajd 2. Jestem pewien, że wszyscy znacie to od wczesnego dzieciństwa. Jewgienij Iwanowicz Charuszyn . Całą swoją twórczość poświęcił naturze. w starożytnym północnym mieście Vyatka.
Chłopiec dorastał obok tajgi i oczywiście dom zawsze był pełen różnych zwierząt. Żeńka niósł do nich swoją miłość przez całe życie. Dorastał, został artystą, a na jego rysunkach pojawiały się różnorodne zwierzęta i ptaki.
Slajd 3. Chłopaki, jak nazywa się artysta, który rysuje zwierzęta? (malarz zwierząt)
Zgadza się, zwierzęcy, od łacińskiego słowa zwierzę - zwierzę. A Charushin przedstawiał zwierzęta, być może, nikt przed nim. Obserwował zwierzęta, często odwiedzał zoo i wykonywał wiele rysunków z życia. W końcu, aby rzetelnie przedstawić zwierzę, trzeba je dobrze przestudiować, poznać nie tylko wygląd zwierzęcia, ale także jego ruchy, zwyczaje, a nawet charakter.
Wkrótce w książkach dla dzieci S. Marshaka i V. Bianki pojawiły się jego futrzane zwierzątka – aktywne, elastyczne, ostrożne lub ufne, a dzieci od razu je pokochały. Charushin szczególnie lubił rysować młode różnych zwierząt - młode wilki, młode lisy, niedźwiedzie, lwiątka, kurczaki, kocięta.
Slajd 4. Oto ilustracje do książki S. Marshaka „Dzieci w klatce”. Te rysunki to jedne z najlepszych dzieł Charushina (1935). Spójrzcie na żyrafę, która komicznie rozłożywszy cienkie nogi i wyciągając długą szyję, próbuje dosięgnąć kwiatu, dokładnie tak, jak w wierszu S. Marshaka:
Zbieranie kwiatów jest łatwe i proste
Małe dziecko.
Ale dla tego, który jest tak wysoki,
Nie jest łatwo wybrać kwiat!
Dziecko nie może jeść!
Zjadł dziś rano
Tylko dwa takie wiadra.
Slajd 5. Tutaj spójrz na niesamowicie wzruszającego niedźwiadka. Jest jeszcze tak mały, że większość natury jest mu nieznana. Ale lubił maliny.
Slajd 6. A oto zaskoczona kotka Tyupa. Mieszkał w domu Charushina i nazywano go Tyupa, ponieważ dziwnie mruczał usta, jakby mówił. Kochani, przeczytajmy tę historię. (Czytanie historii). Spójrz na ilustracje do tej historii. Jak trafnie artysta przedstawił puszystego kotka - Tyupa ukrył się, obserwując motyla z wyprostowanymi uszami i szeroko otwartymi oczami. Ile ciekawości jest w jego spojrzeniu! Nie sposób powstrzymać uśmiechu, kiedy na niego patrzysz.
Slajd 7. Kogo widzisz na ilustracji do opowiadania „Leśny kotek”? (Rysenka)
Teraz mały ryś jest bardzo zajęty. Jak myślisz, co zrobi? (Skok)
Zgadza się, Charushin przedstawił pozę zwierzęcia w taki sposób, że od razu zrozumieliśmy, że ryś przygotowuje się do skoku. Aby dowiedzieć się, co wydarzyło się później, trzeba przeczytać tę historię.
Slajd 8. Poznajesz tego dzieciaka? (To jest młode wilki)
Ta ilustracja dotyczy opowiadania „Wilk”. Jeśli przyjrzysz się uważnie rysunkowi, zauważysz jego przestraszone oczy, wydaje się, że cicho jęczy. Nie, wcale nie jest kapryśny. On jest po prostu mały. Jego matka wilczyca poszła na polowanie, a on został sam i przestraszył się. Po przeczytaniu historii możesz dowiedzieć się, co się z nim później stało.
Slajd 9. W książce „Duży i mały” Jewgienij Iwanowicz opowiada o tym, jak zwierzęta i ptaki uczą swoje dzieci, jak zdobywać pożywienie i się ratować (czytając historie „Zające” i „Dzięcioły z pisklętami”).
Slajd Spotkajmy się! Ten pies ma na imię Tomka. Czy myślisz, że jest zły czy dobry? (Odpowiedzi uczniów)
Właściciel bardzo kocha Tomka, ponieważ jest psem wyrozumiałym. Pewnego gorącego letniego dnia Tomka została zabrana na polowanie. Na małym trawniku było bardzo pięknie i wesoło: latały motyle i ważki, skakały koniki polne. Ciekawe, czy pieskowi Tomkowi uda się kogoś złapać w trakcie polowania, czy nie? Tego i innych przygód tego uroczego pieska można się dowiedzieć czytając opowiadania „O Tomce”.
Slajd 12. Jewgienij Iwanowicz Charuszyn dużo pracował z dziećmi - uczył je rysować. Jego syn Nikita Charushin, będąc artystą, ilustruje także książki dla dzieci. Jego wnuczka Natasza została także ilustratorką.
Slajd 13. Charushin pisał, jakby zwracając się do swoich młodych czytelników: „Wejdź do świata natury! Wejdź uważny i dociekliwy, miły i odważny. Dowiedz się więcej, dowiedz się więcej. Po to istniejemy, aby przyroda stała się dla Was wielką ojczyzną...
Ale Ojczyzna to zapach sosny i świerku, zapach pól i skrzypienie śniegu pod nartami, i błękitne, mroźne niebo... A jeśli tego wszystkiego nie da się wyrazić słowami pisarza, to pędzel artysty przychodzi na ratunek.”
Slajd 14. Tak więc szczęśliwie dwie umiejętności, dwa talenty połączyły się w jednej osobie – gawędziarz i rysownik. I jedno i drugie jest wam dane – dzieciom. Nie bez powodu książki Jewgienija Iwanowicza Charuszyna zostały przetłumaczone na wiele języków obcych. A to jest symbol zasłużonego uznania w światowej literaturze dziecięcej. Jego rysunki znajdowały się na wystawach w wielu miastach świata – Londynie, Kopenhadze, Atenach, Sofii, Pekinie, Paryżu itp. Za wybitne zasługi dla rozwoju ZSRR Dzieła wizualne W 1945 roku otrzymał tytuł Zasłużonego Artysty Federacji Rosyjskiej.
Po ukończeniu szkoły wstąpił do Instytutu Inżynierii Lądowej, gdzie przed wojną zdążył ukończyć trzy kursy. W 1941, po ukończeniu kursów inżynierii wojskowej, został wysłany na front.
Slajd 38. Ukończył wojnę w stopniu starszego porucznika.
Po wojnie rozpoczął pierwszy rok wydziału artystycznego Instytutu Operatorów na wydziale animacji, który ukończył z wyróżnieniem.
Slajd 39. Został wysłany do pracowni „Taśma filmowa”, gdzie narysował 10 taśm filmowych dla dzieci, w tym „Przygody Pinokia” (1953) na podstawie baśni.
Narysowany wizerunek tego drewnianego mężczyzny z przebiegłym uśmiechem od dawna zdobył miłość dzieci i stał się klasykiem. Jest używany w kinie, teatrze i służy jako model do robienia lalek. Wizerunek Pinokia mocno zakorzenił się w powszechnej świadomości, że niewiele osób zastanawia się, kto go namalował...
Slajd 40. W 1956 roku ukazała się książka „Złoty klucz, czyli przygody Pinokia” z ilustracjami Władimira. Od tego czasu artysta zaczął zajmować się wyłącznie ilustrowaniem książek dla dzieci.
Slajd 41. Czy wiesz, że czapkę w paski i czerwoną kurtkę Pinokia wynalazł Leonid Władimirski? W końcu kurtka Tołstoja na Pinokio jest brązowa, a jego czapka jest całkowicie biała. Leonid Wiktorowicz opowiada, że Pinokio przyszedł do niego we śnie i poprosił go o narysowanie czerwonej czapki i czerwonej kurtki. Aby nie „urazić” ani pisarza, ani bohatera, artysta musiał wykonać czapkę w paski. Całe pokolenia przyzwyczaiły się do tego typu Pinokia.
Slajd 42–44. L. Władimirski mówi o swoich rysunkach, że są czymś pomiędzy książką a filmem. To jest taśma filmowa na papierze. Wszystkie ilustracje są ze sobą powiązane. Jest przede wszystkim rysownikiem. Dlatego patrząc na zdjęcia, łatwo można odgadnąć fabułę książki. Spróbujmy…
Slajd 45. Drugim słynnym dziełem artysty, które przyniosło mu ogólnopolskie uznanie, są ilustracje dla szóstki bajki A. Wołkowa.
Slajd 46. Pierwsza książka „Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta” została opublikowana w 1959 roku. Od tego czasu, z rysunkami Władimira, został on ponownie opublikowany ponad 110 razy.
A wszystko zaczęło się tak... Po Pinokio artysta chciał zilustrować jakąś dobrą książkę dla dzieci i poszedł do biblioteki i poprosił o coś ciekawego. W ten sposób Władimirski otrzymał małą zieloną książeczkę „Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta”, wydrukowaną na kiepskim papierze i z czarno-białymi ilustracjami. Leonidowi Wiktorowiczowi bardzo podobała się ta książka i postanowił znaleźć pisarza A. Wołkowa. Okazało się, że mieszkał w wejściu obok. Wraz z A. Wołkowem Władimirski stworzył kolorową książkę, która okazała się wielkim sukcesem. Książki po prostu nie można było dostać. Aby się na niego zapisać, ludzie stali w kolejkach w nocy. Chłopaki wzięli je od znajomych, skopiowali ręcznie i skopiowali zdjęcia. Władimirski przechowuje kilka takich odręcznych kopii. A potem nadeszły listy od dzieci, prosząc je o napisanie kontynuacji. Tak narodził się ten serial. Przez dwadzieścia lat pisarz i artysta współpracowali w doskonałej harmonii.
Slajd 47. Tak pisarz A. Wołkow ocenił twórczość artysty: „Mogę przyznać, że miałem szczęście: bajkowe postacie narysowane przez L. Władimirskiego do moich książek stały się bliskie milionom młodych czytelników. Teraz wyobrażam sobie Stracha na Wróble, Blaszanego Drwala, Ellie i innych bohaterów moich baśni dokładnie tak, jak ich stworzył artysta.
Slajd 48. Sam artysta opowie nam, jak narodziły się wizerunki Stracha na Wróble i Blaszanego Drwala: „Wymyśliłem kosmyk włosów - to dobre znalezisko. U artyści amerykańscy Bajki Bauma „Mędrzec z krainy Oz” Strach na wróble. Odchodzą od jego miejsca przeznaczenia. A ja - z charakteru. Mój Strach na Wróble jest miły i uroczy. Bardzo trudno było „dopasować” nosy jego i Blaszanego Drwala. Amerykański strach na wróble zamiast nosa ma dziurę. Oczywiście się oburzyłem i w tym miejscu nakleiłem łatkę. Mój Strach na Wróble jest mały i gruby, Blaszany Drwal jest wysoki i chudy. Oparty na zasadzie kontrastu. A jeśli jeden ma łatkę, to drugi powinien mieć długi nos. Rysuję długi, ostry nos dla drwala - okazuje się, że to żelazny Pinokio! Bardzo trudno było znaleźć mały okrągły chip, który widać na czubku jego nosa.
Slajd 49. Artysta cierpiał także z Arachne, złą czarodziejką z „Żółtej mgły”. W końcu, według książki, jest to niegrzeczna, prymitywna olbrzymka, która wypuściła żółtą mgłę nad Magiczną Krainą. Pisarzowi nie podobało się wszystko, co artysta przyniósł i pokazał. Powiedział, że to nie była czarodziejka, ale Baba-Jaga. Próbując „zobaczyć” tę bohaterkę, Leonid Wiktorowicz całymi dniami podróżował metrem, robiąc szkice, godzinami przesiadując na stacjach kolejowych… nic nie działało, wszystkie złe obrazy! I pewnego dnia Leonid Wiktorowicz wspinał się po schodach przed swoim wejściem, a w jego stronę szedł sąsiad. I zdał sobie sprawę - oto ona Arachne! Natychmiast wziął ołówek, narysował go i poszedł na „proces” z Wołkowem. Podobało mu się to i dzieci to widziały Nowa książka i nowa bohaterka.
Slajd 50-51. I przez długi czas i boleśnie Władimirski szukał wizerunku Ludmiły z wiersza „Rusłan i Ludmiła”. Malował go przez 40 lat. I cały czas coś mi się nie podobało, nie mogłam znaleźć ostatecznej wersji. W końcu zdecydowałem, że przede wszystkim sam Puszkin powinien był polubić Ludmiłę. Artysta umieścił przed nim portret Natalii Gonczarowej, żony Aleksandra Siergiejewicza i patrząc na nią, w końcu narysował tę samą Ludmiłę.
Leonid Władimirski zilustrował wiele bajek.
Slajd 52. To „Trzej grubi ludzie” Yu Oleshy.
Slajd 53.„Przygody pietruszki” M. Fadeevy i A. Smirnowa,
Slajd 54.„Pokonany Karabas” E. Danko,
Slajd 55.„Podróż Błękitnej Strzały” J. Rodari,
Slajd 56.„Bajki rosyjskie” i wiele innych książek.
Do tej pory rozmawialiśmy z Wami o L. Władimirskim tylko jako o artyście, ale on chciał też zostać pisarzem. Władimirski bardzo lubi psotnego drewnianego chłopca Pinokio i przedstawiał go wiele, wiele razy, gdy tylko kartka papieru wpadnie mu do ręki, jego dłoń raz po raz rysuje długi nos, usta do uszu, pasiastą czapkę z chwostem... Była cała teczka z tymi rysunkami. Niespokojny chłopiec zaczął się w nim nudzić. Chciałem dostać się do pięknej książki i jak sam artysta mówi, poprosił Pinokia, aby ułożył dla niego bajkę o jego nowych, bardzo niesamowitych przygodach.
Slajd 57. Tak narodziła się książka „Pinokio szuka skarbu” – prawdziwy thriller dla dzieci. A potem artysta i pisarz Władimirski wpadł na pomysł przedstawienia Buratino swojemu drugiemu ulubionemu bohaterowi, Strachowi na Wróble. Jak to zrobić? Właśnie tak.
Slajd 58. bajka, w której wysłał tatę Carla, lalki i Artemona do Magicznej Krainy w Szmaragdowym Mieście. Kiedy spotkali się tam wszyscy bohaterowie, okazało się, że łączy ich wiele. W nową bajkę Wydarzyło się wiele cudów, o których dowiesz się czytając tę książkę i oglądając wspaniałe ilustracje.
Slajd 59. Leonid Wiktorowicz ma 87 lat, ale jest pełen energii i kreatywnych pomysłów. Marzy o zrobieniu kreskówki na podstawie swojej książki „Pinokio szuka skarbu”. Jest jednym z organizatorów Wszechrosyjskiego klub rodzinny„Przyjaciele Szmaragdowego Miasta”, który obecnie z sukcesem rozszerza swoją działalność. Władimirski ma własną stronę internetową w Internecie.
Slajd 60. Leonid Wiktorowicz Władimirski - Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej, laureat Ogólnorosyjskiego konkursu czytelniczego dla dzieci „Złoty klucz”. W 2006 roku artysta został odznaczony Orderem Pinokia: „Za odwagę i trzeźwość umysłu okazywane na frontach Wielkiej Wojna Ojczyźniana, za wierność ideałom dzieciństwa, za stworzenie klasycznego wizerunku Pinokia i dzieła sztuki, wpajając dzieciom czystość myśli, wewnętrzną wolność i pewność siebie.
Slajd 61. Opowieść o tym utalentowanym człowieku można uzupełnić jego własnymi wierszami, w których stwierdza: „Dobroć zwycięży”.
Ostatnia część lekcji
Slajd 62. Kochani, przypomnijmy sobie, jakich pisarzy spotkaliście dziś na zajęciach, ilustrując ich książki?
– Którego z nich można zaliczyć do artystów-zwierząt i dlaczego?
– Który z pisarzy i artystów, których już znasz, nazywa się „rosyjskim Disneyem” i dlaczego?
– Który artysta wymyślił wizerunek Pinokia w tej samej formie, do której wszyscy jesteśmy tak przyzwyczajeni, że uważamy ją za klasyczną?
– Który z nich został założycielem dynastii ilustratorów książek dla dzieci?
– Wymień artystę, który tak bardzo pokochał bohaterów dwóch (jakich?) baśni, które zilustrował, że postanowił także zostać pisarzem, aby wymyślić kontynuację, w której wszyscy ci bohaterowie spotkają się i zaprzyjaźnią ( jak nazywa się ta nowa bajka?).
Slajd 63. Kto wymyślił i narysował komiks o Pifie?
Slajd 64. Wybór „pomocnika myśliwskiego” zajął E. Charuszynowi dużo czasu. Kogo wybrał?
Slajd 65. Przed tobą karty z tekstem. To są fragmenty słynne dzieło(co i kto jest autorem?). A na ekranie znajdują się ilustracje do tych fragmentów. Po przeczytaniu tekstu dopasuj go do bohaterki. Co możesz nam powiedzieć o każdym z nich? W jakiej kolejności czarodziejki pojawiają się w książce?
Gingema - rządziła Munchkinsami w Błękitnej Krainie, zła czarodziejka.
Villina to dobra czarodziejka, władczyni Żółtej Krainy.
Bastinda, zły władca Fioletowej Krainy Migunów, bał się wody.
Stella jest wiecznie młodą, dobrą czarodziejką z Różowego Kraju Kłamców.
Bibliografia
1. Władimirski L. Dobroć zwycięży!: wiersze // Czytelnik. – 2007. – nr 2. – s. 2007. 21
2. Gdzie mieszka Papa Carlo?: fotorelacja z otwarcia wystawy // Czytelnik. – 2006. – nr 11. – s. 2006. 4–5.
3. Jak pojawił się strach na wróble // Czytelnik. – 2006. – nr 8. – s. 2006. 36–37.
4. Bredikhina E. Twórcy książek: lektury pozalekcyjne, sztuki piękne.
6. Ile lat ma Pinokio? Artysta ma 85 lat. // Murzilka. – 2005. – nr 10. – s. 2005. 6–7.
7. Kurochkina o grafice książkowej /. – SPb.: DETSTVO-PRESS, 2004. – s. 25 181–184.
8. Doronova o sztuce: pomoc edukacyjno-wizualna dla dzieci w wieku gimnazjalnym wiek przedszkolny/ . – M.: Edukacja, 2003.
9. Władimirski L. Pinokio szuka skarbu / L. Władimirski, rysunki autora. – Nazran: „Astrel”, 1996. – 120 s.
10. Władimirski L. Pinokio w Szmaragdowym Mieście / L. Władimirski, rysunki autora. – Nazran: „Astrel”, 1996. – 120 s.
11. Książka ratująca życie lektura pozalekcyjna: Podręcznik dla drugiej klasy trzyletniej szkoły podstawowej / komp. . Tom. 5. – M.: Nowa Szkoła, 1995. – s. 25. 20–22.
12. Dom Valkova / , . - M.: Izba Książki, 1990. – s. 64.
13. Zwierzęta i ptaki – Evgeny Charushin: zestaw pocztówek /Auth. tekst
G. P. Grodnieńskiego. – M.: Artysta radziecki, 1989.
Materiał udostępniony przez wydawnictwo „Uchitel”
Płyta CD „Lekcje i zajęcia biblioteczne.
