Tragedia(z gr. Tragos – koza i oda – pieśń) – jeden z rodzajów dramatu, który opiera się na niemożliwym do pogodzenia konflikcie niezwykłej osobowości z nieprzezwyciężalnymi okolicznościami zewnętrznymi. Zwykle bohater umiera (Romeo i Julia, Hamlet Szekspira). Tragedia ma swój początek w starożytnej Grecji, nazwa pochodzi od ludowego przedstawienia ku czci boga wina, Dionizosa. Odprawiano tańce, pieśni i opowieści o jego cierpieniach, na zakończenie których składano w ofierze kozę.

Komedia(z gr. comoidia. Comos – wesoły tłum i oda – pieśń) – rodzaj dramatycznej dowolności obrazującej komizm w życiu społecznym, zachowaniu i charakterze ludzi. Jest komedia sytuacji (intryga) i komedia postaci.

Dramat - rodzaj dramaturgii pośredniej między tragedią a komedią („Burza” A. Ostrowskiego, „Skradzione szczęście” I. Franko). Dramaty głównie przedstawiają Prywatność człowiek i jego ostry konflikt ze społeczeństwem. Jednocześnie często kładzie się nacisk na uniwersalne ludzkie sprzeczności, ucieleśnione w zachowaniach i działaniach konkretnych postaci.

Tajemnica(od gr. mysterion – sakrament, nabożeństwo religijne, rytuał) – gatunek masowego teatru religijnego epoki późne średniowiecze(XIV-XV wiek), powszechny w krajach zachodniej Nvrotty.

Pokaz poboczny(od łac. intermedius – to, co jest w środku) – niewielka sztuka komiksowa lub skecz, który wykonywany był pomiędzy akcjami głównego dramatu. We współczesnym pop-artie istnieje jako gatunek niezależny.

Wodewil(z francuskiego wodewilu) lekki spektakl komediowy, w którym akcja dramatyczna łączy się z muzyką i tańcem.

Melodramat - gra z ostrą intrygą, przesadną emocjonalnością i tendencją moralno-dydaktyczną. Typowe dla melodramatu jest „ szczęśliwe zakończenie", świętowanie gadżety. Gatunek melodramatu był popularny w XVIII i XIX wieku, ale później zyskał negatywną reputację.

Farsa(z łac. farcio zaczynam, wypełniam) to zachodnioeuropejska komedia ludowa z XIV - XVI wieku, która wywodzi się z zabawnych zabaw rytualnych i przerywników. Farsa ma główne cechy pomysły ludowe charakter masowy, orientacja satyryczna, niegrzeczny humor. W czasach nowożytnych gatunek ten wszedł do repertuaru małych teatrów.

Jak zauważono, metody reprezentacji literackiej są często mieszane poszczególne gatunki i gatunki. To mieszanie jest dwojakiego rodzaju: w niektórych przypadkach następuje rodzaj włączenia, gdy jest to główne cechy urodzeniowe są zachowane; w innych zasady rodzajowe są zrównoważone, a dzieła nie można przypisać ani do epiki, duchowieństwa, ani do dramatu, w związku z czym nazywa się je formacjami sąsiadującymi lub mieszanymi. Najczęściej epika i liryka są mieszane.

Ballada(z Prowansji ballar - do tańca) - małe dzieło poetyckie z ostrą dramatyczną fabułą miłosną, treścią legendarno-historyczną, bohatersko-patriotyczną lub baśniową. Przedstawienie wydarzeń łączy się w nim z wyraźnym poczuciem autora, epos łączy się z tekstami. Gatunek ten rozpowszechnił się w epoce romantyzmu (V. Żukowski, A. Puszkin, M. Lermontow, T. Szewczenko i in.).

Liryczny poemat epicki- dzieło poetyckie, w którym według W. Majakowskiego poeta opowiada o czasie i sobie (wiersze W. Majakowskiego, A. Twardowskiego, S. Jesienina itp.).

Dramatyczny wiersz- utwór napisany w formie dialogicznej, ale nieprzeznaczony do inscenizacji scenicznej. Przykłady tego gatunku: „Faust” Goethego, „Kain” Byrona, „W katakumbach” L. Ukrainki itp.

Wodewil ( z francuskiego wodewil z Vau de Vire – tytuł. w Normandii, skąd narodził się ten gatunek), jeden z gatunków twórczości dramatycznej, lekka sztuka z zabawną intrygą, z dwuwierszami i tańcami. Początkowo wodewilem nazywano pieśni wierszowe w komediach jarmarcznych pierwszej połowy XVIII wieku. Jako niezależny gatunek teatralny ukształtował się w latach Wielkiej Rewolucji Francuskiej, następnie wodewil, utraciwszy znaczenie polityczne, stał się gatunkiem rozrywkowym i rozpowszechnił się w całej Europie. Francuska klasyka wodewil – O.E. Skryba E. Labiche - zachował wiele cech gatunku „jako ludowego dzieła Francuzów”: zabawną zabawę, aktualne wskazówki. W drugiej połowie XIX wieku zastąpiono ją operetką. W Rosji wodewil rozpowszechnił się na początku XIX wieku, przejmując zainteresowanie tematyką narodową od opery komicznej z XVIII wieku. Słynne są wodewilowe akty N.I. Chmielnicki, A.S. Griboedova, A.A. Szachowski, D.T. Lenski. Jednoaktowe sztuki A.P. Czechow kontynuował tradycję wodewilu (bez wierszy).

Dramat(z greckiego dramatu - akcja dosłowna) 1) jeden z rodzajów literatury. Należy jednocześnie do literatury i teatru, będąc podstawą spektaklu, jest także postrzegana w czytaniu. Przeznaczony dla zbiorowego odbioru dramat zawsze ciążył w stronę najpilniejszych problemów społecznych i w najbardziej uderzających przykładach stał się popularny: jego podstawą są sprzeczności społeczno-historyczne lub odwieczne antynomie ludzkie (patrz Konflikt artystyczny); 2) Jeden z głównych gatunków dramatu jako gatunku literackiego, obok tragedii i komedii. Podobnie jak komedia, odtwarza głównie życie prywatne ludzi, jednak jej głównym celem nie jest ośmieszenie moralności, ale ukazanie jednostki w jej dramatycznej relacji ze społeczeństwem. Podobnie jak tragedia, dramat ma tendencję do odtwarzania ostrych sprzeczności; jednocześnie jego konflikty nie są tak nieuniknione i napięte i w zasadzie dają możliwość pomyślnego rozwiązania, a bohaterowie nie są tak wyjątkowi. Dramat, jako gatunek niezależny, pojawił się w drugiej połowie XVIII wieku wśród oświeceniowców (dramat burżuazyjny we Francji i Niemczech), jego zainteresowanie strukturą społeczną i sposobem życia, ideałami moralnymi środowiska demokratycznego oraz psychologią społeczeństwa przeciętny człowiek przyczynił się do umocnienia zasad realistycznych w sztuce europejskiej. W miarę rozwoju dramatu, jego wewnętrzny dramat gęstnieje, pomyślny wynik jest coraz rzadszy, bohater zwykle pozostaje w sprzeczności ze społeczeństwem i samym sobą („Burza z piorunami”, „Posag” A.N. Ostrowskiego, sztuki Ibsena, Czechowa, Gorkiego).

Pokaz poboczny(od łac. intermedius – znajdujący się pośrodku), niewielki spektakl komediowy lub scena odgrywana pomiędzy aktami sztuki głównej. Powstał w XV wieku jako codzienny skecz farsowy, część misterium, później dramat szkolny (później tragedia i komedia). W Anglii nazywano to interludium (od łacińskiego inter – pomiędzy i ludus – gra). Stało się powszechne na Zachodzie. Europa XVI – XVII wieku (w Hiszpanii jako gatunek samodzielny teatr ludowy), w teatrze rosyjskim XVII – XVIII wieku. Przerywnik został zachowany jako wstawiona do spektaklu scena komiczna lub muzyczna.

Komedia (łac. komedia, grecki komodia, od komos – wesoły pochód i oda – piosenka), rodzaj dramatu, w którym postacie, sytuacje i akcja przedstawione są w zabawnych formach lub nasycone komiksem. Do klasycyzmu komedia oznaczała dzieło przeciwne tragedii, z obowiązkowym szczęśliwym zakończeniem; jej bohaterowie pochodzili z reguły z klas niższych. Wielu poetów (w tym N. Boileau) określało komedię jako gatunek niższy. W literaturze Oświecenia związek ten został naruszony przez uznanie gatunku średniego – tzw. dramatu mieszczańskiego.

Komedia ma na celu przede wszystkim ośmieszenie tego, co brzydkie (niestosowne, sprzeczne z ideałem lub normą społeczną), bohaterowie komedii są wewnętrznie zbankrutowani, nieprzystający, nie odpowiadają swojemu stanowisku, celowi, a tym samym poświęcają się śmiechowi, który ich demaskuje spełniając w ten sposób swoją „idealną” misję. Gama komedii jest niezwykle szeroka – od satyry politycznej po lekki wodewilowy humor. „Szczerą twarzą” każdej komedii jest śmiech. Wyróżnia się komedię postaci, komedię sytuacji, komedię codzienną, komedię intrygi, komedię liryczną, komedię satyryczną.

Najważniejszym środkiem efektu komicznego jest komedia słowna (alogizm, niezgodność z sytuacją, parodia, ironia, we współczesnej komedii dowcip i zabawa paradoksami). Za ojca komedii uważany jest Arystofanes, twórca satyrycznej komedii społeczno-politycznej.

W Rosji komedię reprezentują dzieła Fonvizina, Gribojedowa, Gogola, Ostrowskiego.

Melodramat(z greckiego melos - pieśń, dramat - akcja), 1) gatunek dramatu, sztuka z ostrą intrygą, przesadną emocjonalnością, ostrym kontrastem między dobrem a złem oraz tendencją moralną i pouczającą. Melodramat powstał w latach 90. XVIII wieku we Francji (sztuki J.M. Monvela). W Rosji melodramat pojawił się pod koniec lat 20. XIX wieku (sztuki N.V. Kukolnika, N.A. Polevoya).

Tragedia(od greckiego tragodia, dosł. pieśń kozła), gatunek dramatyczny oparty na tragicznym zderzeniu bohaterskich postaci, jego tragicznym wyniku, przepełniony patosem. Tragedia naznaczona jest surową powagą, ukazuje rzeczywistość w najbardziej dosadny sposób, jako zlepek wewnętrznych sprzeczności, odsłania najgłębsze konflikty rzeczywistości w niezwykle intensywnej i bogatej formie, nabierając znaczenia symbolu artystycznego; To nie przypadek, że większość tragedii jest pisana wierszem. Historycznie rzecz biorąc, tragedia istniała w różnych przejawach, ale samą istotę tragedii, a także estetyczną kategorię tragizmu przekazała literaturze europejskiej tragedia i poetyka starożytnej Grecji.

grecki tragedia wynikała z rytuałów religijnych i kultowych, była reprodukcją, scenicznym przedstawieniem mitu; wprowadzał widzów we wspólną rzeczywistość całego narodu i jego historyczne losy. Doskonałe przykłady kompletnych, organicznych dzieł sztuki tragicznej podali Ajschylos i Sofokles; z bezwarunkową rzeczywistością tego, co się dzieje, szokuje widza, wywołując w nim silne wewnętrzne konflikty i rozwiązując je w najwyższej harmonii (poprzez katharsis).

Nowy rozkwit tragedii następuje w epoce kryzysu Późny renesans i barok. Tragedia Szekspira przedstawia nieskończoną rzeczywistość, głęboki kryzys ludzki świat. Tragedia Szekspira nie mieści się w ramach jednej rzeczy (konfliktu czy charakteru bohatera), ale obejmuje wszystko, jak samą rzeczywistość; osobowość bohatera jest wewnętrznie otwarta, nie do końca określona, ​​zdolna do zmian, nawet nagłych przesunięć.

Przykłady tragedii klasycyzmu reprezentują dzieła P. Corneille'a, J. Racine'a. Są to tragedie wysokiego stylu w odniesieniu do trzech jedności; doskonałość estetyczna pojawia się w wyniku świadomej powściągliwości poety, jako wypracowana po mistrzowsku czysta formuła konflikt życiowy.

Na przełomie XVIII i XIX w. F. Schiller tworzy tragedię, aktualizując styl „klasyczny”. W dobie romantyzmu tragedia jest „odwrotnością” antycznej – kluczem do treści merytorycznych nie jest świat, ale człowiek wraz ze swoją duszą.

W tragedii wskazana jest zdolność osoby do podjęcia walki z niezadowalającą pozycją wyjściową.

Jak wiadomo, wszystkie dzieła literackie, w zależności od charakteru przedstawianego, należą do jednego z nich trzy gatunki: epicki, liryczny lub dramat .

1 ) Anegdota2) Apokryfy3) Ballada4) Bajka5) Epickie

6) Dramat7) Życie 8) Zagadka9) Pieśni historyczne

10)Komedia11) Legenda12) Teksty13) Nowela

14) Oda 15) Esej16) Broszura17) Opowieść

18) Przysłowia i powiedzenia 19) Wiersze 20) Historia21) Rzymski

22) Bajka23) Słowo 24) Tragedia25) Ditty26) Elegia

27) Fraszka 28) Epickie29) Epickie

Lekcja wideo „Gatunki i gatunki literackie”

EPOPEJA(od greckiego „narracja”) to uogólniona nazwa dzieł przedstawiających zdarzenia zewnętrzne wobec autora.

TEKST PIOSENKI(z greckiego „wykonywane na lirze”) to uogólniona nazwa dzieł, w których nie ma fabuły, ale przedstawione są uczucia, myśli, przeżycia autora lub jego lirycznego bohatera.

DRAMAT(od greckiego „akcja”) - uogólniona nazwa utworów przeznaczonych do inscenizacji na scenie; W dramacie dominują dialogi postaci, a wkład autora ograniczony jest do minimum.

Rodzaje dzieł epickich, lirycznych i dramatycznych nazywane są typami dzieł literackich.

Typ i gatunek - pojęcia w krytyce literackiej bardzo blisko.

Gatunki są odmianami rodzaju dzieła literackiego. Na przykład odmianą gatunkową opowieści może być opowieść fantastyczna lub historyczna, a odmianą gatunkową komedii może być wodewil itp. Ściśle rzecz biorąc, gatunek literacki to utrwalony historycznie rodzaj dzieła artystycznego, który zawiera pewne cechy strukturalne i walory estetyczne charakterystyczne dla danej grupy dzieł.

TYPY (GATUNKI) DZIEŁ EPICKICH:

epos, powieść, opowieść, opowieść, baśń, baśń, legenda.

EPICKI – duży dzieło sztuki, mówiąc o znaczących wydarzenia historyczne. W starożytności – poemat narracyjny o treści heroicznej. W literaturze XIX i XX wieku pojawił się gatunek powieści epickiej - jest to dzieło, w którym kształtowanie się bohaterów głównych następuje podczas ich udziału w wydarzeniach historycznych.

POWIEŚĆ to duży utwór narracyjny z fikcją złożona fabuła, w centrum którego znajduje się los jednostki.

HISTORIA to dzieło sztuki, które pod względem objętości i złożoności fabuły zajmuje pozycję środkową pomiędzy powieścią a opowiadaniem. W starożytności każde dzieło narracyjne nazywano opowieścią.

HISTORIA to niewielki utwór fikcyjny oparty na epizodzie, zdarzeniu z życia bohatera.

OPOWIEŚĆ – utwór opowiadający o fikcyjnych wydarzeniach i postaciach, w które zazwyczaj zaangażowane są magiczne, fantastyczne siły.

BAJKA (od „bayat” - opowiadać) to utwór narracyjny w formie poetyckiej, niewielkich rozmiarów, o charakterze moralizującym lub satyrycznym.

TYPY (GATUNKI) UTWORÓW TEKSTOWYCH:

oda, hymn, pieśń, elegia, sonet, fraszka, przesłanie.

ODA (z greckiego „pieśń”) to pieśń chóralna, uroczysta.

HYMN (z greckiego „pochwała”) to uroczysta pieśń oparta na wersetach programowych.

EPIGRAM (z greckiego „napis”) to krótki poemat satyryczny o drwiącym charakterze, który powstał w III wieku p.n.e. mi.

ELEGIA - gatunek tekstów poświęconych smutnym myślom lub poemat liryczny, przepełniony smutkiem. Bieliński nazwał elegię „pieśnią o smutnej treści”. Słowo „elegia” jest tłumaczone jako „flet trzcinowy” lub „żałosna pieśń”. Elegia powstała w starożytnej Grecji w VII wieku p.n.e. mi.

PRZESŁANIE – list poetycki, apel do do konkretnej osoby, prośba, życzenie, uznanie.

SONNET (z prowansalskiej sonety - „pieśń”) to wiersz składający się z 14 wersów, posiadający określony system rymów i rygorystyczne prawa stylistyczne. Sonet powstał we Włoszech w XIII wieku (twórcą był poeta Jacopo da Lentini), w Anglii pojawił się w pierwszej połowie XVI wieku (G. Sarri), a w Rosji w XVIII wieku. Główne typy sonetów to włoski (z 2 czterowierszy i 2 tercetów) i angielski (z 3 czterowierszy i końcowego kupletu).

TYPY LIROEPICZNE (gatunki):

Gatunek literacki to grupa dzieł literackich, które mają wspólne cechy trendy historyczne rozwoju i zjednoczone zespołem właściwości w swojej treści i formie. Czasami termin ten jest mylony z pojęciami „typ” i „forma”. Dziś nie ma jednej jasnej klasyfikacji gatunków. Dzieła literackie są podzielone według określonej liczby charakterystyczne cechy.

Historia powstawania gatunku

Pierwszą systematyzację gatunków literackich przedstawił Arystoteles w swojej Poetyce. Dzięki tej pracy zaczęło pojawiać się wrażenie, że gatunek literacki jest naturalnym, stabilnym systemem wymaga od autora całkowitego przestrzegania zasad i kanonów określony gatunek. Z czasem doprowadziło to do powstania szeregu poetyk, które ściśle wyznaczały autorom, w jaki sposób powinni napisać tragedię, odę czy komedię. Długie lata wymagania te pozostały niewzruszone.

Dopiero rozpoczęły się zdecydowane zmiany w systemie gatunków literackich koniec XVIII wiek.

Jednocześnie literacki prace mające na celu eksplorację artystyczną, próbując jak najbardziej zdystansować się od podziałów gatunkowych, stopniowo doszli do pojawienia się nowych, charakterystycznych dla literatury zjawisk.

Jakie istnieją gatunki literackie

Aby zrozumieć, jak określić gatunek dzieła, musisz się z nim zapoznać istniejących klasyfikacji i charakterystyczne cechy każdego z nich.

Poniżej znajduje się przybliżona tabela określająca rodzaj istniejących gatunków literackich

Podział gatunków ze względu na treść

Klasyfikacja trendy literackie na podstawie treści obejmuje komedię, tragedię i dramat.

Komedia to rodzaj literatury, co zapewnia humorystyczne podejście. Odmiany reżyserii komiksowej to:

Istnieją również komedie postaci i seriale komediowe. W pierwszym przypadku źródłem treści humorystycznych są cechy wewnętrzne bohaterów, ich wady lub wady. W drugim przypadku komedia objawia się w aktualnych okolicznościach i sytuacjach.

Tragedia – gatunek dramatyczny z obowiązkowym katastroficznym skutkiem, przeciwieństwo gatunku komediowego. Zazwyczaj tragedia odzwierciedla najgłębsze konflikty i sprzeczności. Fabuła ma najbardziej intensywny charakter. W niektórych przypadkach tragedie są pisane w formie poetyckiej.

Dramat to specyficzny rodzaj fikcji, gdzie rozgrywające się wydarzenia przekazywane są nie poprzez bezpośredni opis, ale poprzez monologi lub dialogi bohaterów. Dramat jako zjawisko literackie istniało wśród wielu narodów, nawet na poziomie dzieł folkloru. Pierwotnie w języku greckim termin ten oznaczał smutne wydarzenie, które dotyka człowieka konkretna osoba. Następnie dramat zaczął reprezentować szerszy zakres dzieł.

Najbardziej znane gatunki prozy

Kategoria gatunków prozatorskich obejmuje dzieła literackie różnej długości, napisane prozą.

Powieść

Powieść to prozatorski gatunek literacki, który zawiera szczegółową opowieść o losach bohaterów i pewnych krytycznych okresach ich życia. Nazwa tego gatunku sięga XII wieku, kiedy to opowieści rycerskie powstawały „w ludach”. Język romansu» w przeciwieństwie do historiografii łacińskiej. Opowiadanie zaczęto uważać za rodzaj powieści fabularnej. W koniec XIX- na początku XX wieku w literaturze pojawiły się takie pojęcia jak powieść kryminalna, powieść kobieca, powieść fantastyczna.

Nowela

Nowela – odmiana gatunek prozy. Jej narodziny spowodowane były sławą kolekcja „Dekameron” Giovanniego Boccaccio . Następnie ukazało się kilka kolekcji opartych na modelu Dekamerona.

Epoka romantyzmu wprowadziła do gatunku opowiadań elementy mistycyzmu i fantasmagoryzmu – przykładem są dzieła Hoffmanna i Edgara Allana Poe. Z drugiej strony twórczość Prospera Merimee nosiła cechy opowieści realistycznej.

Nowela jako krótka historia z ostrą fabułą stała się gatunkiem charakterystycznym dla literatury amerykańskiej.

Charakterystyka nowele to:

1. Maksymalna zwięzłość prezentacji.
2. Wzruszający, a nawet paradoksalny charakter fabuły.
3. Neutralność stylu.
4. Brak opisowości i psychologizmu w prezentacji.
5. Nieoczekiwane zakończenie, zawsze zawierające niezwykły obrót wydarzeń.

Opowieść

Opowiadanie jest prozą o stosunkowo niewielkiej objętości. Fabuła tej historii z reguły ma charakter odtwarzania naturalnych wydarzeń życiowych. Zazwyczaj historia odsłania losy i osobowość bohatera na tle bieżących wydarzeń. Klasycznym przykładem są „Opowieści zmarłego Iwana Pietrowicza Belkina” A.S. Puszkin.

Fabuła

Opowiadanie to niewielka forma utworu prozatorskiego, wywodząca się z gatunków folklorystycznych – przypowieści i baśni. Niektórzy znawcy literatury jako rodzaj gatunku recenzuj eseje, eseje i opowiadania. Zwykle opowieść charakteryzuje się małą objętością, jedną linią fabularną i małą liczbą postaci. Opowiadania są charakterystyczne dla dzieł literackich XX wieku.

Grać

Sztuka jest utworem dramatycznym, tworzonym w celu późniejszym produkcja teatralna.

Struktura spektaklu obejmuje zazwyczaj frazy bohaterów oraz uwagi autora opisujące otoczenie lub działania bohaterów. Na początku zabawy zawsze znajduje się lista postaci Z krótki opis ich wygląd, wiek, charakter itp.

Całość spektaklu podzielona jest na duże części – akty lub akcje. Każda akcja z kolei podzielona jest na mniejsze elementy – sceny, odcinki, obrazy.

Sztuki J.B. zyskały wielką sławę w sztuce światowej. Moliere („Tartuffe”, „Inwalida zmyślona”) B. Shaw („Poczekaj, a zobaczysz”), B. Brecht („Dobry człowiek z Sychwanu”, „Opera za trzy grosze”).

Opis i przykłady poszczególnych gatunków

Przyjrzyjmy się najczęstszym i najbardziej znaczącym przykładom gatunków literackich dla kultury światowej.

Wiersz

Wiersz to duże dzieło poetyckie, które ma fabułę liryczną lub opisuje sekwencję wydarzeń. Historycznie rzecz biorąc, wiersz „narodził się” z eposu

Z kolei wiersz może mieć wiele odmian gatunkowych:

1. Dydaktyczny.
2. Heroiczny.
3. Groteska,
4. Satyryczny.
5. Ironiczny.
6. Romantyczny.
7. Liryczno-dramatyczny.

Początkowo wiodącymi tematami tworzenia wierszy były wydarzenia i tematy o charakterze światowo-historycznym lub ważnym o charakterze religijnym. Przykładem takiego wiersza może być Eneida Wergiliusza., „Boska komedia” Dantego, „Jerozolima wyzwolona” T. Tasso, „ Stracone niebo„J. Milton, Henriada Woltera itp.

W tym samym czasie rozwijał się także poemat romantyczny – „Rycerz w skórze lamparta” Shoty Rustaveli, „Wściekły Roland” L. Ariosto. Ten typ wiersza nawiązuje w pewnym stopniu do tradycji średniowiecznych romansów rycerskich.

Z biegiem czasu w centrum uwagi zaczęły znajdować się wątki moralne, filozoficzne i społeczne („Pielgrzymka Childe Harolda” J. Byrona, „Demon” M. Yu. Lermontowa).

W XIX-XX wiek wiersz zaczyna się coraz bardziej stać się realistą(„Mróz, czerwony nos”, „Kto dobrze mieszka na Rusi” N.A. Niekrasowa, „Wasilij Terkin” A.T. Twardowskiego).

Epicki

Przez epopeję rozumie się zwykle zbiór połączonych dzieł wspólna epoka, narodowość, temat.

Powstanie każdego eposu jest uwarunkowane pewnymi okolicznościami historycznymi. Z reguły epos twierdzi, że jest obiektywnym i autentycznym opisem wydarzeń.

Wizje

Ten wyjątkowy gatunek narracyjny, kiedy historia opowiedziana jest z punktu widzenia danej osoby pozornie doświadcza snu, letargu lub halucynacji.

1. Już w epoce starożytności pod przykrywką prawdziwych wizji zaczęto opisywać fikcyjne wydarzenia w formie wizji. Autorami pierwszych wizji byli Cyceron, Plutarch, Platon.
2. W średniowieczu gatunek ten zaczął zyskiwać na popularności, osiągając swój szczyt wraz z Dantem w jego „ Boska komedia", co w swojej formie stanowi szczegółową wizję.
3. Przez pewien czas wizje były integralną częścią literatury kościelnej w większości krajów europejskich. Redaktorami takich wizji byli zawsze przedstawiciele duchowieństwa, zyskując w ten sposób możliwość wyrażania swoich osobistych poglądów rzekomo w imieniu wyższe siły.
4. Z biegiem czasu nowe, ostre treści satyryczne społeczne zostały uformowane w formę wizji („Wizje Piotra Oracza” Langlanda).

W bardziej współczesnej literaturze gatunek wizji zaczęto wykorzystywać do wprowadzania elementów fantasy.

Dramatyczny gatunki - całość gatunki które powstały i rozwinęły się w dramacie jako gatunku literackim.

Dramaty z reguły przedstawiają życie prywatne człowieka i jego konflikty społeczne. Jednocześnie często kładzie się nacisk na uniwersalne ludzkie sprzeczności, ucieleśnione w zachowaniach i działaniach konkretnych postaci. Dramat to dzieło literackie przedstawiające poważny konflikt, walkę między postaciami

Dramat jako gatunek dramatu pojawił się w połowie XIX wieku. Jest to gatunek pośredni między komedią a tragedią.

Rodzaje dramatów (gatunki dramatyczne)

• Tragedia

  Tragedia to utwór dramatyczny, w którym główny bohater (a czasem także inne postacie konfliktów pobocznych), wyróżniający się maksymalną siłą woli, umysłu i uczuć wobec osoby, narusza pewną powszechnie obowiązującą (z punktu widzenia autora) i nieodparte prawo; jednocześnie bohater tragedii może albo w ogóle nie być świadomy swojej winy – albo nie być jej świadomy przez długi czas- działanie albo według planów z góry (np. starożytna tragedia), albo bycie w okowach oślepiającej namiętności (np. Szekspir). Walka z nieodpartym prawem wiąże się z wielkim cierpieniem i nieuchronnie kończy się śmiercią tragicznego bohatera; walka z nieodpartym prawem – jego przewartościowanie i nieuchronny triumf – powoduje w nas duchowe oświecenie – katharsis.

  Bohater każdego dzieła dramatycznego stale dąży do celu: to dążenie, pojedyncze działanie, napotyka przeciwakcję środowisko. Nie wolno nam zapominać, że tragedia zrodziła się z kultu religijnego; Pierwotną treścią tragedii jest opór losowi, jego przekonującemu i nieuniknionemu przeznaczeniu, przed którym nie mogą uciec ani śmiertelnicy, ani bogowie. Jest to na przykład konstrukcja Edypa Sofoklesa. W teatrze chrześcijańskim tragiczna akcja toczy się walka z Bogiem; taką jest na przykład „Adoracja Krzyża” Calderona. W niektórych tragediach szekspirowskich, na przykład w „Juliuszu Cezarze”, starożytny los, los odradza się w postaci sił kosmicznych biorących potężny udział w dramatycznej walce. Tragedie niemieckie zazwyczaj przedstawiają pogwałcenie prawa Bożego; tragedie niemieckie są tragediami religijnymi – i to religijnymi na sposób chrześcijański. Tak jest w większości jego tragedii Schillera (w „Zbójcach” – Bóg bardzo często przybiera rysy żydowskie, tutaj wyczuwalny jest wpływ Biblii), Kleista, Hebbela itp. Światopogląd chrześcijański daje się odczuć także u Puszkina tragiczne szkice, jak na przykład w „Święcie zarazy”. „Wina dramatyczna” to naruszenie norm określonego sposobu życia; „wina tragiczna” jest naruszeniem prawa absolutnego. Z drugiej strony możliwa jest tragedia, rozwijająca się na płaszczyźnie społecznej i państwowej, pozbawionej patosu religijnego w wąskim tego słowa znaczeniu; bohater tragedii może walczyć nie z Bogiem, ale z „koniecznością dziejową” itp.

  Bohater tragedii społecznej wkracza w podstawowe fundamenty życia społecznego. Przyczyną protestu bohatera dramatu domowego są warunki życia; w innym środowisku może się uspokoić. W społeczeństwie, w którym kobieta ma równe prawa z mężczyzną, Nora Ibsena musi wykazywać się wielkim spokojem; wręcz przeciwnie, bohater tragedii społecznej – jak każdej tragedii – jest buntownikiem w każdych okolicznościach. Nie znajduje dla siebie miejsca w ramach społeczności. Takim jest na przykład Koriolan Szekspira; w każdym środowisku jego niezłomna arogancja musi zostać ujawniona. Buntuje się przeciwko niezmiennym żądaniom obywatelstwa. Nie ma tragedii, jeśli bohater nie jest wystarczająco silny.

  (Dlatego „Burza” Ostrowskiego nie jest tragedią. Katarzyna jest za słaba, ledwo zdając sobie sprawę ze swojego grzechu, tragicznej winy religijnej, popełnia samobójstwo, nie jest w stanie walczyć z Bogiem).

  Kontratak innych bohaterów tragedii również powinien być maksymalny; wszyscy główni bohaterowie tragedii muszą być obdarzeni niezwykłą energią i bystrością intelektualną. Tragiczny bohater działa bez złe intencje- to trzeci obowiązkowy znak tragedii. Dla Edypa jego morderstwo i kazirodztwo są przeznaczone z góry; Makbet spełnia przepowiednie czarownic. Bohater tragedii jest winny bez winy, skazany na zagładę. Jednocześnie jest ludzki, zdolny do głębokiego cierpienia, postępuje wbrew swemu cierpieniu. Bohaterami tragedii są natury niezwykle utalentowane, zdane na łaskę swoich namiętności. Tematyka tragedii jest mitologiczna. W micie pojawia się skuteczna, fundamentalna zasada relacji międzyludzkich, nieprzyćmiona codziennymi warstwami. Tragedia wykorzystuje obrazy historyczne jako obrazy legenda ludowa, a nie jako materiał naukowy. Interesuje ją historia – legenda, a nie historia – nauka. Prawda tragedii to prawda namiętności, a nie dokładna realistyczny obraz. Tragedia oświeca naszą duchową świadomość; Oprócz obrazy artystyczne charakteryzuje się patosem penetracji filozoficznej. Tragedia nieuchronnie kończy się śmiercią bohatera. Jego pasja skierowana jest przeciwko samemu losowi, a ponadto jest niezłomna; śmierć bohatera jest jedynym możliwym skutkiem tragedii. Jednak odważna siła bohatera budzi w nas chwile współczucia i szaloną nadzieję na jego zwycięstwo.

• Dramat (gatunek)

  dramat pojawia się pod koniec XVIII w. To sztuka o współczesnym, codziennym motywie. Różnica od melodramatu polega na tym, że dramat nie szuka litości. Zadanie polega na zarysowaniu obszaru Nowoczesne życie ze wszystkimi szczegółami i wykazuje pewną wadę, wadę. Można to rozwiązać w sposób komediowy. Dramat można połączyć z melodramatem.

• Dramat kryminalny
• Dramat egzystencjalny
• dramat wierszem
• 
  Melodramat

  pojawił się we Francji. Melodramat to spektakl bezpośrednio odwołujący się do emocji widza, wywołujący współczucie, strach, nienawiść itp. Nieszczęścia zwykle zdarzają się z przyczyn zewnętrznych: klęski żywiołowe, nagła śmierć, złoczyńcy działający z powodów egoistycznych. W tragedii taki złoczyńca dzieli się na dwie części: wątpi i cierpi. W melodramacie człowiek jest całością i jest zaangażowany w pojedynczy impuls emocjonalny. Fabuła jest wzięta z życia zwykli ludzie, zakończenie jest zwykle szczęśliwe.

  Melodramat to dramat, który urzeka nie tyle powagą dramatycznej walki i szczegółowym przedstawieniem życia codziennego, w którym ta walka się rozwija, ale surowością sytuacji scenicznych. Dotkliwość sytuacji scenicznych wynika po części ze złożonych i spektakularnych okoliczności (węzeł dramatyczny), w jakich powstaje melodramat, po części zaś z pomysłowości i zaradności jego bohaterów. Bohaterowie melodramatu znajdują się w izolacji cela więzienna, są wszyte do worka i wrzucone do wody (A. Dumas), i nadal są ratowane. Czasem ratuje ich szczęśliwy wypadek; autorzy melodramatów, w pogoni za coraz to nowszymi efektami, czasami bardzo nadużywają takich przypadkowych zwrotów losów swoich bohaterów. Głównym zainteresowaniem melodramatu jest zatem czysto baśniowy. Zainteresowanie to często w melodramatach jest wzmagane przez nagłe „uznania” (określenie Arystotelesa); wielu bohaterów melodramatów przez długi czas występuje pod przybranym nazwiskiem, dramatyczna walka toczy się pomiędzy bliskimi osobami, które od dawna o tym nie wiedzą itp. Dzięki powierzchownemu obrazowaniu życia codziennego melodramat rozwija się pod znakiem „tragiczna wina” (patrz „Tragedia”) . Jednak melodramat daleki jest od tragedii, nie ma w nim duchowego pogłębienia; Charakterystyka melodramatu jest bardziej schematyczna niż w jakimkolwiek innym dziele dramatycznym. W melodramacie często pojawiają się złoczyńcy, szlachetni poszukiwacze przygód, bezradnie wzruszające postacie („Dwie sieroty”) itp.

• hierodramat
• tajemnica
• Komedia

  Komedia rozwinęła się z kultu rytualnego o charakterze poważnym i uroczystym. greckie słowoκω?μος ma ten sam rdzeń co słowo κω?μη – wieś. Dlatego musimy założyć, że te śmieszne piosenki - komedie - pojawiły się we wsi. I rzeczywiście, pisarze greccy mają przesłanki, że początki tego typu twórczości, zwanej mimami (μι?μος, naśladownictwo), powstały na wsiach. Etymologiczne znaczenie tego słowa wskazuje także na źródło, z którego zaczerpnięto treść mimów. Jeśli tragedia zapożyczyła swoją treść z legend o Dionizosie, bogach i bohaterach, tj. ze świata fantazji, wówczas mim wziął te treści z życia codziennego. Mimy śpiewano podczas uroczystości poświęconych określonym porom roku i związanych z siewem, zbiorami, zbiorem winogron itp.

  Wszystkie te codzienne pieśni były improwizacjami o treści humorystycznej i satyrycznej, z charakterem tematu dnia. Te same pieśni dicharyczne, tj. z dwoma śpiewakami, znane były Rzymianom pod nazwami atellan i fescennik. Treść tych pieśni była zmienna, lecz pomimo tej zmienności przybrały one pewną formę i stanowiły pewną całość, która czasami wchodziła w skład greckiej tetralogii, składającej się z trzech tragedii o jednym bohaterze („Oresteia” Ajschylosa składała się z tragedie „Agamemnon”, „Choephori”, „Eumenides”) i czwarta sztuka satyryczna. Mniej lub bardziej określona forma w VI wieku. Pne W V wieku. Pne, według Arystotelesa, sławny był komik Chionides, od którego zachowały się jedynie nazwy niektórych sztuk. Arystofanes tak właśnie jest. następca tego typu twórczości. Choć Arystofanes w swoich komediach naśmiewa się z Eurypidesa, współczesnego mu Eurypidesa, to jednak swoje komedie buduje według tego samego planu, jaki Eurypides rozwinął w swoich tragediach, i nawet zewnętrzna konstrukcja komedii nie różni się od tragedii. W IV wieku. BC Menander występuje wśród Greków. . O Plaucie mówiliśmy już, gdyż jego komedie naśladują komedie Menandra. Dodajmy jeszcze, że dla Plauta romans odgrywa ważną rolę. W komediach Plauta i Terrence'a nie ma chóru; u Arystofanesa było to ważniejsze niż w tragedii Eurypidesa i jego poprzedników. Chór w swojej parabazie, tj. odchylenia od rozwoju akcji, zwrócił się do widzów, aby zinterpretowali i zrozumieli dla nich znaczenie dialogów bohaterów. Kolejnym pisarzem po Plaucie był Terence. Podobnie jak Plaut naśladuje Menandera i innego greckiego pisarza Apollodora. Komedie Terencjusza nie były przeznaczone dla mas, ale dla wybranej społeczności arystokratycznej, dlatego nie ma w nim tej nieprzyzwoitości i chamstwa, których pełno jest u Plauta. Komedie Terencjusza wyróżniają się moralizującym charakterem. Jeśli u Plauta ojcowie dali się zwieść synom, to u Terencjusza są oni przywódcami życie rodzinne. Uwiedzione dziewczęta Terencjusza, w przeciwieństwie do Plauta, poślubiają swoich uwodzicieli. W komedii pseudoklasycznej element moralizujący (występek zostaje ukarany, cnota zwycięży) pochodzi od Terencjusza. Ponadto komedie tego komika wyróżniają się większą starannością w przedstawianiu postaci niż komedie Plauta i Menandra oraz wdziękiem stylu. W okresie renesansu we Włoszech rozwinął się specjalny rodzaj komedii:

  COMMEDIA DELL'ARTE all'improvviso- komedia grana przez zawodowych aktorów włoskich nie według tekstu pisanego, ale według scenariusza (w języku włoskim: Scenariusz lub soggetto), który nakreśla jedynie kamienie milowe treści fabularnej, pozostawiając aktorowi samemu przypisanie roli w tych słowa, które podpowiada mu doświadczenie sceniczne, takt, zaradność, inspiracja lub wykształcenie. Ten rodzaj gier rozkwitł we Włoszech około połowy XVI wieku. Trudno jednoznacznie odróżnić komedię improwizowaną od komedii literackiej (sostenuta erudita): oba gatunki niewątpliwie pozostawały ze sobą w interakcji i różniły się głównie wykonaniem; pisana komedia czasami zamieniała się w scenariusz i odwrotnie, była pisana zgodnie ze scenariuszem komedia literacka; Pomiędzy charakterami obu postaci można dostrzec wyraźne podobieństwa. Ale w improwizowanej są one jeszcze bardziej zamrożone niż w pisanej w pewne, stałe typy. Taki jest chciwy, zakochany i niezmiennie oszukany Pantalone; Doktor Graziano, czasem prawnik, czasem lekarz, naukowiec, pedant, wymyślający niesamowite etymologie słów (jak pedante z pede ante, bo nauczyciel zmusza uczniów do pójścia do przodu); kapitan, bohater w słowach i tchórz w czynach, pewny swojej nieodpartości dla żadnej kobiety; ponadto dwa typy sług (zanni): jeden jest bystry i przebiegły, mistrz wszelkich intryg (Pedrolino, Brighella, Scapino), drugi to idiotyczny Arlekin lub jeszcze głupszy Medzetin, przedstawiciele mimowolnej komedii. Nieco poza tymi wszystkimi komicznymi postaciami stoją kochankowie (innamorati). Każdy z aktorów wybrał dla siebie jedną rolę i często pozostawał jej wierny przez całe życie; Dzięki temu oswoił się ze swoją rolą i osiągnął w niej doskonałość, zostawiając na niej ślad swojej osobowości. Zapobiegło to całkowitemu unieruchomieniu masek. Dobrzy aktorzy mieli duży zasób własnych lub pożyczonych tyrad (contti), które zachowywali w pamięci, aby w odpowiednim momencie móc skorzystać z jednego lub drugiego, w zależności od okoliczności i inspiracji. Kochankowie przygotowali kongres próśb, zazdrości, wyrzutów, zachwytów itp.; Wiele się nauczyli od Petrarki. Każda trupa liczyła około 10-12 aktorów i odpowiednio każdy scenariusz miał tę samą liczbę ról. Różne kombinacje tych niemal niezmienionych elementów tworzą różnorodne fabuły. Intryga sprowadza się zwykle do tego, że rodzice z chciwości lub rywalizacji nie pozwalają młodym kochać się tak, jak chcą, ale pierwszy Zannt staje po stronie młodzieńca i trzymając w rękach wszystkie wątki intrygi, usuwa przeszkody w małżeństwie. Forma jest prawie bez wyjątku trzyaktowa. Scena w C. zm. arte, podobnie jak w literackiej komedii włoskiej i starożytnej komedii rzymskiej, przedstawia plac, naprzeciw którego stoją dwa lub trzy domy bohaterów, a na tym niesamowitym placu wszystkie rozmowy i randki odbywają się bez przechodniów. W komedii masek nie ma nic szukać bogatej psychologii namiętności, w jej konwencjonalnym świecie nie ma miejsca na prawdziwą refleksję nad życiem. Jego godność tkwi w ruchu. Akcja rozwija się łatwo i szybko, bez przewlekłości, wykorzystując zwykłe, konwencjonalne techniki podsłuchiwania, przebierania się, nierozpoznawania się w ciemności itp. Dokładnie to Moliere przejął od Włochów. Czas największego rozkwitu komedii masek przypadł na pierwszą połowę XVII wieku.

  W XIX wieku komedia postaci zyskała na znaczeniu.

  KOMEDIA. Komedia przedstawia dramatyczną walkę, która wywołuje śmiech, wywołując u nas negatywne nastawienie do aspiracji, namiętności bohaterów czy metod ich walki. Analiza komedii wiąże się z analizą natury śmiechu. Według Bergsona zabawny jest każdy przejaw ludzki, który ze względu na swoją bezwładność stoi w sprzeczności z wymogami społecznymi. Bezwładność maszyny, jej automatyzm są śmieszne u żywego człowieka; życie bowiem wymaga „napięcia” i „elastyczności”. Kolejna oznaka czegoś zabawnego: „Przedstawiony występek nie powinien zbytnio obrażać naszych uczuć, ponieważ śmiech jest nie do pogodzenia z podnieceniem emocjonalnym”. Bergson wskazuje na następujące momenty komediowego „automatyzmu” wywołującego śmiech: 1) „traktowanie ludzi jak marionetki” wywołuje śmiech; 2) mechanizacja życia, odzwierciedlona w powtarzających się sytuacjach scenicznych, wywołuje śmiech; 3) automatyzm bohaterów ślepo podążających za swoim pomysłem jest śmieszny. Bergson traci jednak z oczu fakt, że każde dzieło dramatyczne, zarówno komediowe, jak i tragedie, tworzone jest przez pojedyncze, integralne pragnienie głównego bohatera (lub osoby prowadzącej intrygę) – i że pragnienie to w swym ciągłym działaniu nabiera charakter automatyzmu. W tragedii odnajdujemy także znaki wskazane przez Bergsona. Nie tylko Figaro traktuje ludzi jak marionetki, ale także Iago; jednak ten apel nie bawi, ale przeraża. W języku Bergsona „napięcie” pozbawione „elastyczności” i elastyczności może być tragiczne; silna pasja nie jest „elastyczna”. Określając cechy komedii, należy zauważyć, że postrzeganie tego, co śmieszne, jest zmienne; To, co ekscytuje jedną osobę, inną może rozśmieszyć. Następnie: jest sporo sztuk, w których sceny i wersy dramatyczne (tragiczne) przeplatają się z komediowymi. Są to na przykład „Biada dowcipu”, niektóre sztuki Ostrowskiego itp. Rozważania te nie powinny jednak przeszkadzać w ustaleniu cech komedii – stylu komediowego. Stylu tego nie wyznaczają cele, ku którym kierują się zderzające, walczące dążenia bohaterów: skąpstwo można przedstawić w sensie komediowym i tragicznym („Skąpiec” Moliera i „Skąpiec” Skąpy Rycerz„Puszkin”). Don Kichot jest śmieszny, pomimo całej wzniosłości swoich aspiracji. Dramatyczna walka jest śmieszna, gdy nie budzi współczucia. Innymi słowy, bohaterowie komedii nie powinni cierpieć tak bardzo, aby miało to na nas wpływ. Bergson słusznie zwraca uwagę na niezgodność śmiechu z podekscytowaniem emocjonalnym. Zapasy komediowe nie powinny być brutalne, a komedia w czystym stylu nie powinna zawierać przerażających sytuacji scenicznych. Gdy tylko bohater komedii zaczyna cierpieć, komedia zamienia się w dramat. Ponieważ nasza zdolność do współczucia wiąże się z naszymi upodobaniami i antypatiami, można ustalić następującą względną regułę: im bardziej obrzydliwy jest bohater komedii, tym bardziej może cierpieć, nie wzbudzając w nas litości, nie porzucając komediowego planu. Sam charakter bohaterów komedii nie jest predysponowany do cierpienia. Bohatera komediowego wyróżnia albo skrajna zaradność, szybka zaradność, która ratuje go w najbardziej niejednoznacznych sytuacjach - jak na przykład Figaro - albo zwierzęca głupota, która ratuje go przed zbyt wyostrzoną świadomością swojej sytuacji (na przykład Kaliban) . Do tej kategorii postaci komediowych zaliczają się wszyscy bohaterowie codziennej satyry. Kolejna cecha charakterystyczna komedii: walka komediowa prowadzona jest za pomocą środków niezręcznych, śmiesznych lub upokarzających – albo śmiesznych i upokarzających jednocześnie. Walkę komediową charakteryzują: błędna ocena sytuacji, nieudolne rozpoznawanie twarzy i faktów, prowadzące do niewiarygodnych i długotrwałych złudzeń (na przykład Chlestakow jest mylony z audytorem), bezradny, a nawet uparty opór; nieudolne chwyty, które nie prowadzą do celu - w dodatku pozbawione wszelkiej skrupulatności, środków drobnego oszustwa, pochlebstw, przekupstwa (np. taktyka urzędników w „Generalnym Inspektorze”); walka jest żałosna, śmieszna, upokarzająca, błazna (a nie okrutna) – to czysty rodzaj walki komediowej. Zabawna uwaga wywołuje silny efekt, jeśli zostanie wygłoszona przez zabawną osobę.

  Siłą Szekspira w portretowaniu Falstaffa jest właśnie ta kombinacja: zabawny żartowniś. Komedia nie porusza głęboko, jednak nie wyobrażamy sobie życia bez śmierci i cierpienia; dlatego też, zgodnie z subtelną uwagą Bergsona, komedia sprawia wrażenie nierzeczywistej. Ponadto potrzebuje przekonującej codziennej kolorystyki, w szczególności dobrze rozwiniętej cechy języka. Fikcję komediową wyróżnia także, że tak powiem, bogaty rozwój codzienny: oto konkretne szczegóły legendy, że tak powiem, życia mitologicznych stworzeń (na przykład sceny Kalibana w „Burzy” Szekspira). Jednak postacie komediowe nie są typami takimi jak typy dramatów domowych. Ponieważ komedię czystego stylu charakteryzuje całkowicie nieudolna i upokarzająca walka, jej bohaterowie nie są typami, ale karykaturami, a im bardziej są karykaturalne, tym komedia jest jaśniejsza. Śmiech jest wrogi łzom (Boileau). Dodać też trzeba, że ​​wynik komediowej walki, ze względu na jej nieokrutny charakter, nie jest znaczący. Komediowe zwycięstwo wulgarności, podłości, głupoty – skoro ośmieszyliśmy zwycięzców – nie porusza nas zbytnio. Klęska Czackiego czy Nieszczastlewcewa nie wywołuje w nas goryczy; Śmiech sam w sobie jest dla nas satysfakcją. Dlatego w komedii akceptowalny jest także przypadkowy wynik - przynajmniej poprzez interwencję policji. Ale tam, gdzie porażka grozi komuś prawdziwym cierpieniem (na przykład Figaro i jego ukochanej), taki koniec jest oczywiście niedopuszczalny. To, w jakim stopniu rozwiązanie samo w sobie jest w komedii nieistotne, wynika z faktu, że istnieją komedie, w których można je przewidzieć z góry. Oto niezliczone komedie, w których okrutni i zabawni krewni uniemożliwiają kochankom zawarcie związku małżeńskiego; tutaj wynik małżeństwa jest z góry określony. W komedii dajemy się ponieść procesowi ośmieszenia; jednakże zainteresowanie wzrasta, jeśli wynik jest trudny do przewidzenia. Wynik jest pozytywny, szczęśliwy.

  Tam są:
  1) satyra, komedia wysokiego stylu, skierowana przeciwko występkom najbardziej niebezpiecznym dla społeczeństwa,
  2) komedia domowa który ośmiesza charakterystyczne wady danego społeczeństwa,
  3) serial komediowy, zabawny z zabawnymi sytuacjami scenicznymi, pozbawiony poważnego znaczenia społecznego.

• Wodewil

  Wodewil to dramatyczne spotkanie w sensie komediowym (patrz komedia). Jeśli w komedii walka dramatyczna nie powinna być brutalna, to tym bardziej odnosi się to do wodewilu. Tutaj zwykle przedstawiane jest komediowe naruszenie jakiejś bardzo nieistotnej normy społecznej, na przykład normy gościnności, stosunków dobrosąsiedzkich itp. Ze względu na nieistotność naruszonej normy wodewil zwykle sprowadza się do ostrego, krótkiego zderzenia - czasami do jednej sceny.

  Historia wodewilu. Etymologia tego słowa (vaux-de-Vire, Dolina Vire) wskazuje na początkową genezę tego typu twórczości dramatycznej (miasto Vire położone jest w Normandii); Następnie słowo to zostało zinterpretowane poprzez zniekształcenie jako voix de ville – głos wioski. Wodewil zaczęto rozumieć jako takie dzieła, w których zjawiska życia definiowane są z punktu widzenia naiwnych poglądów wiejskich. Łatwy charakter treść jest cechą charakterystyczną wodewilu. Twórcą wodewilu, charakteryzującym te dzieła pod względem treści, był XV-wieczny francuski poeta Le Goux, którego później pomylono z innym poetą Olivierem Basselinem. Le Goux opublikował zbiór wierszy Vaux de vire nouveaux. Te lekkie pieśni komiczne w duchu Le Goux i Basselina stały się własnością szerokich mas miejskich Paryża, dzięki temu, że śpiewały je na moście Pont Neuf wędrowni śpiewacy. W XVIII wieku Lesage, Fuselier i Dorneval, naśladując te wodewilowe pieśni, zaczęli komponować sztuki o podobnej treści. Od początku drugiej połowy XVIII wieku tekstowi wodewilów towarzyszy muzyka. Muzyczne wykonanie wodewilów ułatwiał fakt, że cały tekst został napisany wierszem („Młynarz” Ablesimowa). Wkrótce jednak, podczas samego przedstawienia wodewilu, artyści zaczęli wprowadzać zmiany w tekście w formie prozaicznej - improwizacje na aktualne tematy. Dało to autorom możliwość przeplatania się wierszem z prozą. Od tego czasu wodewil zaczął się rozgałęziać na dwa typy: sam wodewil i operetkę. Wodewil jest zdominowany przez Mówienie, a w operetce - śpiew. Jednak operetka zaczęła różnić się treścią od wodewilu. Po tym zróżnicowaniu wodewilu pozostaje najpierw humorystyczny obraz życia klasy miejskiej w ogóle, a następnie średnich i drobnych urzędników.
• Farsa

  Farsa to zazwyczaj komedia, w której bohater narusza społeczne i fizyczne normy życia publicznego. I tak w „Lysistracie” Arystofanesa bohaterka stara się zmusić mężczyzn do zakończenia wojny, zachęcając kobiety, aby odmówiły im miłości. W ten sposób Argan („Wyimaginowany inwalida” Moliera) poświęca interesy swojej rodziny na rzecz interesów swojego wyimaginowanego chorego żołądka. Dziedziną farsy jest przede wszystkim erotyzm i trawienie. Stąd z jednej strony istnieje ogromne niebezpieczeństwo farsy – popadnięcie w tłustą wulgarność, z drugiej – skrajna ostrość farsy, która bezpośrednio oddziałuje na nasze organy życiowe. W połączeniu z fizycznym elementem farsy, w naturalny sposób charakteryzuje ją ona na scenie obfitością efektownych zewnętrznie ruchów, zderzeń, uścisków i bójek. Farsa jest ze swej natury peryferyjna, ekscentryczna – jest to ekscentryczna komedia.

  Historia farsy. Farsy rozwinęły się z codzienne sceny, wprowadzone jako samodzielne przerywniki do średniowiecznych sztuk o charakterze religijnym lub moralistycznym. Farsy podtrzymywały tradycję przedstawień komicznych wywodzących się ze sceny grecko-rzymskiej i stopniowo przekształcały się w komedię nowych stuleci, pozostając szczególnym rodzajem komedii lekkiej. W dawnych czasach wykonawcami farsy byli zazwyczaj amatorzy.

Dramat ma swoje zalety w stosunku do epiki. Nie ma tu komentarza autora. Taka konstrukcja daje złudzenie obiektywności. Reakcja widza jest zawsze bardziej emocjonalna niż reakcja czytelnika. Akcja ma charakter ciągły, tempo percepcji podyktowane jest wykonaniem. Główny wpływ typu dramatycznego ma charakter emocjonalny. Od czasów starożytnych istniała koncepcja katharsis - rodzaj „oczyszczenia” strachem i współczuciem.

Ogólnie rzecz biorąc, oznaką dramatyzmu jest konflikt na którym opiera się akcja. Można ją zdefiniować jako „przeciwnie skierowaną wolę ludzką”. W dramacie cel nigdy nie jest osiągany po cichu. Przeszkody mogą być zarówno materialne, jak i psychologiczne. Konflikt zależy nie tylko od woli dramatopisarza, ale także od rzeczywistości społecznej.

Koniec XIX wieku - europejski Nowy dramat . Przedstawiciele: Materlinck, Hauptmann, Czechow. Ich innowacyjność polega na tym, że zabawy eliminują konflikt zewnętrzny. Jednakże utrzymuje się trwały stan konfliktu.

Dramat oznacza „akcję”, sekwencję wydarzeń przedstawioną w zależności od działań bohaterów. Akcja to każda zmiana na scenie, m.in. i psychologiczne. Działanie wiąże się z konfliktem

Słowa w dramacie nie mają charakteru epickiego, tutaj są częścią akcji, przedstawieniem działań. Słowo stara się stać czynem. Performatywny - szczególny rodzaj wypowiedzi, w którym słowo pokrywa się z działaniem. („Wypowiadam wojnę”, „Przeklinam”). Słowo w teatrze jest zawsze skierowane do kogoś = replika. Lub samo w sobie jest odpowiedzią na czyjąś mowę. Ciągły dialog tworzy efekt rzeczywistości.

W dramacie, w przeciwieństwie do eposu, nie da się przekazać myśli i uczuć bohaterów w imieniu autora. Dowiadujemy się o nich jedynie z monologów i dialogów, albo z autocharakterystyk, albo z cech innych postaci.

W XX wieku dramat zbliża się do epiki. W Epic Theatre Bertolta Brechta zakończenie spektaklu jest bezpośrednią oceną: momentem, w którym aktorzy zdejmują maski. Aktor nie łączy się zatem z bohaterem. Widz nie powinien wczuwać się w bohatera (jak w klasycznym dramacie), ale myśleć.

Epic różni się od dramatu fabułą i pracą z bohaterami; epos skłania się ku monologowi, dramat ku dialogowi.

Artykuł autorstwa V.E. Khalizewa:

Dzieła dramatyczne, podobnie jak dzieła epickie, odtwarzają wydarzenia, działania ludzi i ich relacje. Dramaturg podlega „prawu rozwoju akcji”, ale dramatowi brakuje narracyjnej i opisowej wyobraźni. (z wyjątkiem rzadkich przypadków, gdy dramat ma prolog).

Wystąpienie autora ma charakter pomocniczy i epizodyczny. Lista postaci, czasem z krótką charakterystyką; oznaczenia czasu i miejsca akcji; opis środowiska scenicznego; uwagi. Wszystko to sprowadza się do tekst poboczny dzieła dramatycznego. Tekst główny to ciąg wypowiedzi postaci, składający się z replik i monologów => zestaw ograniczony Dzieła wizualne w porównaniu z eposem.

Czas akcji w dramacie musi mieścić się w ścisłych ramach czasu scenicznego. Łańcuch dialogów i monologów daje iluzję teraźniejszości. „Wszystkie formy narracyjne – pisał Schiller – „przenoszą teraźniejszość w przeszłość, wszystkie formy dramatyczne czynią przeszłość teraźniejszą.

Celem dramatu, zdaniem Puszkina, jest „wpływanie na tłum, pobudzanie jego ciekawości” i w tym celu uchwycenie „prawdy namiętności”: „Dramat narodził się na placu i był popularną rozrywką<…>ludzie żądają mocne doznania<…>śmiech, litość i przerażenie to trzy struny naszej wyobraźni, wstrząśniętej sztuką dramatyczną.”

Łączą nas szczególnie bliskie więzi dramatyczna płeć ze sferą śmiechu, bo w jej ramach teatr się wzmacnia i rozwija uroczystości masowe, w atmosferze zabawy i zabawy.

Dramat skłania się w stronę pozornie skutecznej prezentacji tego, co jest przedstawiane. Jego obraz z reguły okazuje się hiperboliczny, chwytliwy, teatralnie jasny (czy na przykład Tołstoj zarzucał Szekspirowi?).

W XIX i XX wieku, kiedy w literaturze dominowało dążenie do codziennej autentyczności, konwencje właściwe dramatowi uległy zmniejszeniu. Źródłem tego zjawiska jest tzw. „dramat filistyński”, którego twórcami byli Diderot i Lessing. Dzieła największych rosyjskich dramaturgów XIX - XX wieku. - Ostrowski, Gorki, Czechow - wyróżniają się autentycznością odtwarzanych form życia. A jednak w ich twórczości nadal pojawiają się psychologiczne i werbalne hiperbole.

Najważniejszą rolę w utworach dramatycznych odgrywają konwencje werbalnego ujawniania się bohaterów, dialogów i monologów. Wskazówki warunkowe "na bok" , które wydają się być przeznaczone dla innych postaci, które nie są na scenie, ale są wyraźnie słyszalne dla widza, a także monologi wygłaszane przez samych bohaterów, które są czysto sceniczną techniką wydobywania mowy wewnętrznej. Mowa w utworze dramatycznym często nabiera podobieństw z mową artystyczną, liryczną czy oratorską. Dlatego Hegel ma częściowo rację, gdy postrzega dramat jako syntezę zasady epickiej (zdarzalności) i zasady lirycznej (ekspresja mowy).

Dramat ma w sztuce jakby dwa życia: teatralne i literackie. Ale dzieło dramatyczne nie zawsze było postrzegane przez czytelników. Emancypacja dramatu ze sceny następowała stopniowo na przestrzeni kilku stuleci i zakończyła się całkiem niedawno: w XVIII – XIX wieku. W momencie ich powstania przykłady dramatu o znaczeniu światowym (od starożytności do XVIII wieku) praktycznie nie były uznawane za dzieła literackie: istniały jedynie w ramach sztuk performatywnych. Ani Szekspir, ani Molier nie byli postrzegani przez współczesnych jako pisarze. XVIII-wieczne „odkrycie” Szekspira jako wielkiego poety dramatycznego odegrało decydującą rolę w przeznaczeniu dramatu nie tylko do celów performatywnych, ale także do czytania. W XIX wieku walory literackie sztuki czasami przedkładano nad sceniczne. Rozpowszechnił się tzw. Lesedrama (dramat czytelniczy). Takimi są Faust Goethego, dzieła dramatyczne Byrona i małe tragedie Puszkina. Dramaty tworzone z myślą o czytaniu są często potencjalnie sztukami teatralnymi.

Tworzenie spektaklu na podstawie utworu dramatycznego wiąże się z jego walorami twórczymi: aktorzy tworzą intonacyjno-plastyczne rysunki odgrywanych ról, artysta projektuje przestrzeń sceniczna, reżyser rozwija mise-en-scène. Pod tym względem koncepcja spektaklu ulega pewnym zmianom, często jest uszczegóławiana i uogólniana: inscenizacja wprowadza do dramatu nowe odcienie znaczeniowe. Jednocześnie dla teatru najważniejsza jest zasada wiernego czytania literatury. Reżyser i aktorzy mają za zadanie maksymalnie przekazać widzowi inscenizowane dzieło możliwa kompletność. Wierność lektury scenicznej ma miejsce wtedy, gdy aktorzy głęboko rozumieją dzieło literackie w jego głównych treściach, gatunkach i cechach stylistycznych oraz łączą je jako ludzie swojej epoki z własnymi poglądami i gustami.

W klasycznej estetyce XVIII - XIX wieku, zwłaszcza u Hegla i Bielińskiego, dramat (zwłaszcza tragedia) uważany jest za najwyższą formę twórczość literacka: jako „korona poezji”. Właściwie cała seria epok odcisnęła się przede wszystkim w sztuki dramatyczne. Ajschylos i Sofokles w okresie demokracji niewolniczej, Molier, Corneille i Racine w okresie klasycyzmu.

Do XVIII wieku dramat nie tylko skutecznie konkurował z eposem, ale często stawał się wiodącą formą odtwarzania życia w przestrzeni i czasie. Powoduje:

I choć w XIX i XX wieku na pierwszy plan wysunęła się powieść społeczno-psychologiczna, gatunek literatury epickiej, dzieła dramatyczne nadal ma zaszczytne miejsce.