Ruská dramaturgia prešla náročným a dlhá cesta rozvoj. Prvé hry sa objavujú v koniec XVII - začiatkom XVIII c., spoliehajú sa na staroveké obrady a hry, ústna ľudová dráma. k najznámejším a populárne diela ľudová dráma patrí „Cár Maximilián“, „Loď“, ktorá odrážala kampane Stepana Razina, Yermaka; ľudová dráma-fraška "O guvernérovi-bojárovi"; bábková komédia o Petruške. V tomto čase na Ukrajine a v Bielorusku tzv školská dráma. Požičiavala si príbehy z cirkevných rituálov a potvrdila myšlienky centralizovanej monarchie, ktoré boli v tom čase pokrokové.
Scéna z hry "Vlci a ovce" od A. N. Ostrovského v Stanislavskom moskovskom činohernom divadle.
Scéna z hry Generálny inšpektor od N. V. Gogoľa v Moskovskom divadle satiry. 1985
Nová etapa vo vývoji ruskej drámy pripadá na 30.-40. XVIII storočia, éra dominancie klasicizmu. Najväčšími predstaviteľmi tohto trendu boli A.P. Sumarokov (1717-1777) a M.V.Lomonosov (1711-1765). Dramaturgia klasicizmu hlásala vznešené občianske ideály. Láska k vlasti, služba povinnosti, hrdinovia klasickej tragédie nadovšetko. V tragédiách Sumarokova "Khorev", "Sinav a Truvor" a ďalších znela téma odhaľovania tyranie a despotizmu. Ruská dramaturgia klasicizmu je z veľkej časti teoreticky aj prakticky založená na skúsenostiach. západoeurópska kultúra. Nie je náhoda, že Sumarokova, ktorej hry sa stali základom ruského divadelného repertoáru polovice osemnásteho storočia sa nazývala „severná Racine“. Okrem toho, odhaľovaním nerestí „nižších vrstiev“, úplatkárskych úradníkov, vznešených vlastníkov pôdy, ktorí porušili svoju občiansku povinnosť, Sumarokov urobil prvé kroky k vytvoreniu satirickej komédie.
Najvýraznejší fenomén v dramaturgii dvojky polovice XVIII v. sa stali komédie D. I. Fonvizina (1745-1792) „Predák“ a „Podrast“. Základom je realizmus osvietenstva umelecká metóda Fonvizin. Vo svojich dielach neodsudzuje jednotlivé neresti spoločnosti, ale celý štátny systém založený na poddanstve. Svojvôľa autokratickej moci viedla k bezpráviu, chamtivosti a darebáctvu byrokracie, despotizmu, ignorancii šľachty, katastrofám ľudí, ktorých zdrvilo „bremeno krutého otroctva“. Fonvizinova satira bola zlá a nemilosrdná. M. Gorkij zaznamenal jeho veľký význam ako zakladateľa „obviňujúcej realistickej línie“ ruskej literatúry. Pokiaľ ide o silu satirického rozhorčenia, vedľa komédií Fonvizina možno zaradiť Yabedu (1798) od V. V. Kapnista, odhaľujúcu byrokratickú svojvôľu a hanebnosť úradníkov a súd I. A. Pavla I. Tradície Fonvizina a Kapnista našli ich ďalší vývoj v dramaturgii A. S. Griboedova, N. V. Gogoľa, A. V. Suchovo-Kobylina, M. E. Saltykova-Shchedrina, A. N. Ostrovského.
najprv štvrťrok XIX v. - zložitý a nasýtený bojom rôznych umelecké hnutia obdobie v dejinách ruského divadla. Toto je čas prekonať kánony klasicizmu, vznik nových trendov - sentimentalizmus, preromantizmus a realizmus. Začína sa proces demokratizácie celého ruského divadla. V období napoleonských vojen a zrodu dekabrizmu nadobúda hrdinsko-vlastenecká téma mimoriadny význam. Láska k vlasti, boj za nezávislosť sú hlavnými témami dramatických diel V. A. Ozerova (1769-1816).
najprv desaťročie XIX v. Žáner vaudeville, malá svetská komédia, si získava veľkú obľubu. Jeho iniciátormi boli A. A. Shakhovskoy, N. I. Chmelnicky, M. N. Zagoskin, A. I. Pisarev, A. S. Gribojedov. Vo svojich hrách, písaných s ľahkosťou, živo spisovný jazyk, s vtipnými dvojveršími, tam boli živo spozorované črty moderné spôsoby a postavy. Tieto vlastnosti, ktoré do istej miery približujú vaudeville domáca komédia, sa stane rozhodujúcim v tvorbe takých vaudevillových dramatikov ako D. T. Lensky, P. A. Karatygin, F. A. Koni a ďalší.
Vedúca úloha v dejinách ruskej drámy patrí A. S. Puškinovi a A. S. Gribojedovovi. Vytvorili prvé realistické drámy. Puškinova dramaturgia, jeho teoretické vyjadrenia zdôvodňujú princípy národnosti a realizmu v ruskej dramaturgii. V komédii „Beda z vtipu“ od A. S. Gribojedova možno vysledovať jeho úzke prepojenie s oslobodzovacím hnutím v Rusku. Realisticky zobrazuje boj dvoch epoch – „súčasného storočia“ a „minulého storočia“.
Do 30. rokov. odkazuje na objavenie sa raných hier M. Yu. Lermontova - „Španieli“, „Ľudia a vášne“, „ Zvláštny muž". Lermontov je najviac hlavný predstaviteľ revolučná romantická dráma v ruskej literatúre. Jeho „Maškaráda“ je vrcholom romantickej tragédie prvej polovice 19. storočia. Téma osudu vznešenej, hrdej mysle, nezmierenej s pokrytectvom a pokrytectvom, ktorú začal Griboedov, nachádza v Lermontovovej dráme tragický záver. Hry Puškina a Lermontova zakázala cárska cenzúra inscenovať. Na ruskej scéne 30.-40. boli drámy N. V. Kukolnika a N. A. Polevoya, oslavujúce múdrosť a veľkosť panovníckej moci. Presýtení falošným pátosom, melodramatickými efektmi nezostali v divadelnom repertoári dlho.
Cesta L. N. Andreeva (1871-1919) bola zložitá a rozporuplná. V jeho hrách „K hviezdam“ (1906), „Sava“ (1906), „Car-Hunger“ (1908) zaznieva téma odmietnutia sveta kapitálu, zároveň však dramatik neverí v tvorivá sila vzbúreného ľudu, jeho vzbura je anarchická. Téma impotencie a záhuby človeka zaznieva v dráme „Život človeka“ (1907). Pohnútky boja proti Bohu, protest proti nespravodlivému a krutému svetu sú presiaknuté filozofická dráma"Anatema" (1909).
V tejto ťažkej dobe krízy vedomia istej časti ruskej inteligencie sa objavujú Gorkého hry „Posledný“ (1908), „Vassa Zheleznova“ (prvá verzia, 1910). Stavajú sa proti pesimistickým, dekadentným náladám, hovoria o záhube a degenerácii buržoázie.
Ruská dráma na celej ceste svojho vývoja bola výrazom rastu sebauvedomenia, duchovnej sily ľudu. Vo svete sa stal veľkým fenoménom divadelná kultúra a právom zaujalo čestné miesto vo svetovom divadle.
hrať
Alexander Volodin, 1958
O čom: Raz v Leningrade pri príležitosti služobnej cesty sa Ilyin náhle rozhodne ísť do bytu, kde pred sedemnástimi rokmi, keď odišiel na front, opustil svoje milované dievča, a - hľa! - Jeho Tamara stále býva v izbe nad lekárňou. Žena sa nikdy nevydala: jej študentský synovec, ktorému nahrádza matku, a jeho excentrická priateľka – to je celá jej rodina. Dvaja dospelí, blúdiac strachom z nepochopenia, neúprimnosti, hádok a zmierenia, si nakoniec uvedomia, že šťastie je stále možné - "keby nebola vojna!"
Prečo by ste si mali prečítať: Stretnutie Iljina a Tamary, trvajúce päť večerov, nie je len príbehom o neskorej, nepokojnej láske majstra továrne Red Triangle a majstra. Zavgar- správca garáže severná dedina Ust-Omul, ale možnosť priniesť skutočné, nie mýtické Sovietsky ľud: chytrý a svedomitý, so zlomenými osudmi.
Snáď najprenikavejšia z Volodinových drám, táto hra je plná smutného humoru a vznešených textov. Jej postavy vždy niečo držia pod pokrievkou: pod rečou klišé — „moja práca je zaujímavá, zodpovedná, cítiš ľudia potrebujú“- hlboko vo vnútri je zakorenená celá vrstva ťažkých otázok spojených s večným strachom, v ktorom je človek nútený žiť ako väzeň v obrovskom tábore zvanom „vlasť“.
Vedľa dospelých hrdinov žijú a dýchajú mladí milenci: Katya a Slava najprv vyzerajú „nebojácne“, ale inštinktívne cítia strach, ktorý požiera duše Tamary a Ilyina. Neistota o samotnej možnosti šťastia v krajine „víťazného socializmu“ sa tak postupne prenáša na ďalšiu generáciu.
inscenovanie
Veľký činoherné divadlo
Réžia Georgy Tovstonogov, 1959
Zinaida Sharko ako Tamara a Yefim Kopelyan ako Ilyin v hre Päť večerov. 1959 Veľké činoherné divadlo pomenované po G. A. Tovstonogovovi Možno si vďaka rozhlasovej nahrávke z roku 1959 predstaviť trochu šok, aký bolo toto predstavenie pre divákov. Publikum tu reaguje veľmi búrlivo – smeje sa, trápi, upokojuje. Recenzenti o produkcii Tovsto-Nogov napísali: „Dnešná doba – koniec 50. rokov – sa odhalila s úžasnou presnosťou. Takmer všetky postavy akoby prichádzali na javisko z ulíc Leningradu. Boli oblečení presne tak, ako sa obliekali diváci, ktorí sa na nich pozerali. Postavy vychádzajúce zo zadnej časti javiska na predelených plošinách riedko zariadených miestností hrali priamo pod nosom prvého radu. To si vyžadovalo presnosť intonácií, absolútna výška tónu. Zvláštnu komornú atmosféru vytvoril aj hlas samotného Tovstonogova, ktorý predniesol pripomienky (škoda, že v rozhlasovom predstavení text od autora nečíta on).
vnútorný konflikt výkon tam bol rozpor medzi vnútenými sovietskymi stereotypmi a prirodzeným ľudská prirodzenosť. Tamara v podaní Zinaidy Sharko akoby vykukovala spoza masky sovietskej sociálnej aktivistky, než ju zhodila a stala sa sama sebou. Podľa rozhlasovej nahrávky je jasné z čoho vnútorná sila a s úžasnou bohatosťou nuáns hrala Charcot svoju Tamaru - dojemnú, nežnú, nechránenú, obetavou. Ilyin (v podaní Efima Kopelyana), ktorý strávil 17 rokov niekde na Severe, bol od začiatku vnútorne oveľa slobodnejší, no nestihol hneď povedať svojej milovanej žene pravdu, vydával sa za hlavného inžiniera. V dnešnom rozhlasovom predstavení v Kopelyanovom predstavení je počuť veľa teatrálnosti, takmer pátosu, ale má aj veľa prestávok, ticha - vtedy pochopíte, že to najdôležitejšie sa s jeho hrdinom deje práve v týchto chvíľach.
"Pri hľadaní radosti"
hrať
Viktor Rozov, 1957
O čom: Moskovský byt Klavdie Vasilievny Savinovej je preplnený a preplnený: tu žijú štyri jej dospelé deti a je tu nábytok, ktorý Lenochka, manželka Fedyovho najstaršieho syna, kedysi talentovaného mladého vedca, dnes úspešného karieristu „od vedy“, neustále získava. ". Zakryté handrami a novinami v očakávaní blížiaceho sa sťahovania nový byt mladomanželia, šatníky, skrine, pohovky a stoličky sa stávajú jablkom sváru v rodine: matka nazýva svojho najstaršieho syna „malým živnostníkom“ a jeho mladší brat, stredoškolák Oleg, seká „Lenočkinov“ nábytok šabľou svojho mŕtveho otca – vojnového hrdinu. Pokusy o vysvetlenie situáciu len zhoršujú a v dôsledku toho Fedor a jeho manželka odchádzajú rodný dom, zvyšné deti ubezpečujú Claudiu Vasilievnu, že si vybrali iné životná cesta: "Neboj sa o nás, mami!"
Prečo by ste si mali prečítať: Túto komédiu v dvoch dejstvách vnímal Viktor Rozov najskôr ako „maličkosť“: v tom čase už bol dramatik známy ako scenárista legendárneho filmu Michaila Kalatozova Žeriavy lietajú.
Vskutku, dojemné, romantické, nezmieriteľné s nečestnosťou, namyslenosťou, mladšie deti Claudie Vasilievna Kolya, Tatiana a Oleg, ako aj ich priatelia a blízki, tvorili silnú skupinu „správnej sovietskej mládeže“, ktorá početne prevyšovala kruh. zastúpená v hre „akvizitívov, kariéristov a mešťanov“. Schematickosť konfrontácie sveta konzumu so svetom ideálov autor nijak zvlášť nezamaskoval.
Vynikajúci bol Hlavná postava— 15-ročný rojko a básnik Oleg Savin: jeho energia, vnútorná sloboda a cit dôstojnosť dostali sa do kontaktu s nádejami na topenie, so snami o novej generácii ľudí, ktorí odmietnu všetky druhy sociálneho otroctva (tejto generácii nekompromisných romantikov sa začalo hovoriť „ružoví chlapci“).
inscenovanie
Ústredné detské divadlo
Réžia: Anatoly Efros, 1957
Margarita Kupriyanova ako Lenochka a Gennadij Pechnikov ako Fjodor v hre Hľadanie radosti. 1957 RAMT Najznámejšou scénou tejto hry je tá, v ktorej Oleg Savin krája otcovým mečom nábytok. Tak to bolo v predstavení divadelného štúdia „Sovremennik“, ktoré vyšlo v roku 1957, a z filmu Anatolija Efrosa a Georgyho Natansona „Noisy Day“ (1961) zostalo v pamäti predovšetkým toto – možno preto v oboch inscenáciách hral Oleg mladého a impulzívneho Olega Tabakova. Prvé predstavenie založené na tejto hre však nebolo vydané v Sovremenniku, ale v Ústrednom detskom divadle, a v ňom bola dôležitá slávna epizóda s mečom a mŕtvou rybou, nádobou, s ktorou Lenochka vyhodila okno, ale stále jeden z mnohých.
Hlavnou vecou v predstavení Anatolija Efrosa v Ústrednom detskom divadle bol pocit polyfónie, kontinuity, plynulosti života. Režisér trval na význame každého hlasu tohto ľudnatého príbehu – a diváka okamžite zaviedol do domu preplneného nábytkom, ktorý postavil umelec Michail Kurilko, kde presné detaily poukazovali na život veľkej priateľskej rodiny. Nie odsudzovanie filistinizmu, ale opozícia živých a mŕtvych, poézia a próza (ako zdôraznili kritici Vladimír Sappak a Vera Shitova) - to bola podstata Efrosovho názoru. Nažive bol nielen Oleg v podaní Konstantina Ustyugova - jemného chlapca s vysokým, vzrušeným hlasom -, ale aj matka Valentiny Sperantovej, ktorá sa rozhodla vážne porozprávať so svojím synom a vynútenú tvrdosť zjemnila svojou intonáciou. Tento Fedor Gennadija Pechnikova je veľmi skutočný, napriek všetkému veľmi miluje svoju pragmatickú manželku Lenochku a ďalšieho milenca - Gennadija Alexeja Šmakova a spolužiakov, ktorí prišli navštíviť Olega. To všetko je dokonale počuteľné v rozhlasovom zázname predstavenia, ktorý vznikol v roku 1957. Vypočujte si, ako Oleg vyslovuje kľúčovú frázu hry: "Hlavná vec je, že je veľa v hlave a v duši." Žiadna didaktika, ticho a vytrvalo, skôr pre seba.
"Môj úbohý Marat"
hrať
Alexey Arbuzov, 1967
O čom: Bola raz Lika, milovala Marata, bola ním milovaná a Leonidik ju tiež miloval; obaja chlapi išli do vojny, obaja sa vrátili: Marat - Hrdina Sovietsky zväz, a Leonidik bez ruky a Lika dala svoju ruku a srdce „chudáčikovi Leonidikovi“. Druhý názov diela je „Neboj sa byť šťastný“, v roku 1967 ho londýnski kritici označili za hru roka. Táto melodráma je príbehom stretnutí a rozchodov troch hrdinov vyrastajúcich z epizódy do epizódy, ktorých kedysi spojila vojna a blokáda v chladnom a hladnom Leningrade, trvajúcom takmer dve desaťročia.
Prečo by ste si mali prečítať: Tri životy, tri osudy vojnových sovietskych idealistov, ktorí sa snažia vybudovať si život podľa legendy propagandy. Zo všetkých " Sovietske rozprávky„Alexej Arbuzov, kde boli hrdinovia nevyhnutne odmenení láskou za svoje pracovné vykorisťovania,“ môj úbohý Marat „je najsmutnejšia rozprávka.
Sovietsky mýtus„Žiť pre iných“ je pre postavy, ktoré sú ešte tínedžermi, odôvodnené stratami a vykorisťovaním vojny a Leonidovou poznámkou: „Nikdy nezradiť našu zimu štyridsiatich sekúnd... áno? - stáva sa nimi životné krédo. Avšak „dni plynú“ a život „pre iných“ a profesionálna kariéra (Marat „stavia mosty“) neprinášajú šťastie. Lika riadi medicínu ako „neoslobodený primár oddelenia“ a Leonidik zušľachťuje morálku zbierkami básní, ktoré vychádzajú v náklade päťtisíc kusov. Obeta sa mení na metafyzickú túžbu. Na konci hry 35-ročný Marat hlása zmenu míľnikov: „Zomreli státisíce, aby sme boli nezvyčajní, posadnutí, šťastní. A my - ja, ty, Leonidik? ..“
Uškrtená láska sa tu rovná uškrtenej individualite a osobné hodnoty sú potvrdené v priebehu hry, čo z nej robí jedinečný fenomén v sovietskej dráme.
inscenovanie
Réžia Anatolij Efros, 1965
Olga Yakovleva ako Lika a Lev Krugly ako Leonidik vo filme Môj úbohý Marat. 1965 Alexander Gladshtein / RIA Novosti Recenzenti nazvali toto predstavenie „javiskovou štúdiou“, „divadelným laboratóriom“, kde sa skúmali pocity postáv hry. „Na javisku je laboratórne čisté, presné a koncentrované,“ napísala kritička Irina Uvarová. Umelci Nikolaj Sosunov a Valentina Lalevich vytvorili pre predstavenie kulisu: tri postavy z neho vážne a trochu smutne pozerali na publikum, vyzerali, akoby už vedeli, ako sa všetko skončí. V roku 1971 Efros nakrútil televíznu verziu tejto inscenácie s rovnakými hercami: Olga Yakov-leva - Lika, Alexander Zbruev - Marat a Lev Krugly - Leonidik. Téma úzkostlivého štúdia postáv a pocitov sa tu ešte viac posilnila: televízia umožnila vidieť oči hercov, v úzkej komunikácii týchto troch pôsobila ako divácka prítomnosť.
Dalo by sa povedať, že Marat, Lika a Leonidik v Efrose boli posadnutí myšlienkou dostať sa na dno pravdy. Nie v globálnom zmysle – chceli sa navzájom čo najpresnejšie počuť a pochopiť. To bolo obzvlášť viditeľné v Lika-Yakovleva. Zdalo sa, že herečka má dva herné plány: prvý - kde jej hrdinka vyzerala jemne, ľahko, detinsky a druhý - sa objavil, len čo sa Likin partner odvrátil: v tej chvíli sa naskytol vážny, pozorný, študujúci pohľad zrelého človeka. zazrela na neho žena. „Celý skutočný život je stretnutie,“ napísal filozof Martin Buber v knihe Ja a ty. Podľa neho hlavné slovo v živote – „Ty“ – možno človeku povedať len celou svojou bytosťou, akýkoľvek iný postoj ho mení na objekt, z „Ty“ na „To“. Počas celého predstavenia Efros sa títo traja prihovárali tomu druhému „Ty“ celou svojou bytosťou, pričom si najviac vážili jedinečnú osobnosť toho druhého. Toto bolo vysoké napätie ich vzťah, do ktorého sa ani dnes nemožno nenechať strhnúť a do ktorého sa nemožno len vcítiť.
"Lov na kačice"
hrať
Alexander Vampilov, 1967
O čom: Hrdina, ktorý sa zobudí v typickom sovietskom byte v ťažkú kocovinu, dostane od priateľov a kolegov ako darček smútočný veniec. Viktor Zilov sa snaží odhaliť význam žartu a obnovuje obrázky vo svojej pamäti minulý mesiac: kolaudačný večierok, odchod manželky, škandál v práci a napokon včerajší chlast v nezábudkovej kaviarni, kde urážal mladú milenku, šéfa, kolegov a pobil sa s najlepší priateľ- čašník Dima. Hrdina, ktorý sa rozhodol naozaj vyrovnať účty so znechuteným životom, zavolá svojich známych, pozve ich k sebe, no čoskoro si to rozmyslí a ide s Dimom do dediny - na lov kačiek, o ktorom celý ten čas sníval. .
Prečo by ste si mali prečítať: Victor Zilov, spájajúci črty notorického grázla a nekonečne príťažlivého muža, môže niekomu pripadať ako sovietska reinkarnácia Lermontovovho Pečorina: „portrét tvorený neresťami celej našej generácie, v ich plnom rozvinutí“. Objavil sa na začiatku éry stagnácie, inteligentný, plnokrvný a večne opitý člen ITEA inžinierov- strojársky a technický pracovník. s energiou hodnou lepšieho uplatnenia sa dôsledne zbavoval rodinných, pracovných, milostných a priateľských väzieb. Konečné odmietnutie sebazničenia Zilova malo pre sovietsku drámu symbolický význam: tento hrdina splodil galaxiu imitátorov - ľudia navyše: opilci, ktorí sa hanbili aj znechutili začleniť sa do sovietskej spoločnosti - opilstvo v dráme bolo vnímané ako forma sociálneho protestu.
Tvorca Žilova Alexander Vampilov sa utopil v Bajkale v auguste 1972 - v rozkvete svojich tvorivých síl a zanechal svetu jeden nie príliš ťažký objem dramaturgie a prózy; teraz svetová klasika lov kačíc“, s ťažkosťami pri prekonaní zákazu cenzúry, vtrhol na sovietsku scénu krátko po smrti autora. O polstoročie neskôr, keď už zo Sovietskeho nezostalo nič, sa však hra nečakane zmenila na existenciálnu drámu človeka, pred ktorým prázdnota aranžovaných, zrelý život, ale vo sne o poľovačke, kam - „Vieš, aké je ticho? Nie si tam, rozumieš? Nie! Ešte si sa nenarodil, “zaznel krik o navždy stratenom raji.
inscenovanie
Moskovské umelecké divadlo Gorkého
Réžia Oleg Efremov, 1978
Scéna z hry „Lov na kačice“ v Moskovskom umeleckom divadle Gorkého. 1979 Vasilij Egorov / TASS Najlepšia hra Alexandra Vampilova je stále považovaná za nevyriešenú. K jej interpretácii sa najviac priblížil film Vitalija Melnikova „Dovolenka v septembri“ s Olegom Dalom v úlohe Zilova. Predstavenie, ktoré v Moskovskom umeleckom divadle naštudoval Oleg Efremov, sa nezachovalo – ani vo fragmentoch. Zároveň presne vyjadril čas – najbeznádejnejšiu fázu stagnácie.
Výtvarník David Borovský vymyslel pre predstavenie nasledujúci obrázok: nad javiskom sa ako oblak vznášal obrovský igelitový vak, v ktorom boli vyrúbané borovice. „Motív zachovanej tajgy,“ povedal Borovský kritike Rimme Krechetovej. A ďalej: „Podlaha bola pokrytá plachtou: na tých miestach sa chodí v plachte a v gume. Cez plachtu rozhádzal ihličie. Viete, ako z novoročného stromčeka na parkete. Alebo po pohrebných vencoch...“
Žilov hral Efremov. Mal už päťdesiat - a túžbou jeho hrdinu nebola kríza stredného veku, ale zhrnutie. Anatolij Efros obdivoval jeho hru. „Efremov nebojácne hrá Zilov až na doraz,“ napísal v knihe „Pokračovanie divadelného príbehu“. - Otočí to pred nami naruby so všetkými drobami. Bezohľadne. Hrajúc v tradíciách veľkej divadelnej školy svojho hrdinu nielen odsudzuje. Hrá človeka, ktorý vo všeobecnosti nie je zlý, ešte schopný pochopiť, že je stratený, no už sa nedokáže dostať von.
Ten, kto bol zbavený reflexie, bol čašník Dima v podaní Alekseyho Petrenka, ďalší najdôležitejší hrdina výkon. Obrovský muž, absolútne pokojný – s pokojom zabijaka visel nad ostatnými postavami ako oblak. Samozrejme, že ešte nikoho nezabil - okrem zvierat na poľovačke, ktoré zastrelil bez prešľapu, ale človeka (po rozhliadnutí sa, či ho niekto nevidí) mohol dobre vyradiť. Dima, viac ako Zilov, bol objavom tohto predstavenia: uplynie trochu času a títo ľudia sa stanú novými majstrami života.
"Tri dievčatá v modrom"
hrať
Ľudmila Petruševskaja, 1981
O čom: Pod jednou deravou strechou tri mamy - Ira, Svetlana a Tatiana - trávia daždivé leto so svojimi vždy bojujúcimi chlapcami. Neporiadok vidieckeho života núti ženy nadávať vo dne v noci na základe každodennosti. Bohatý priateľ, ktorý sa objavil, vezme Iru do iného sveta, k moru a slnku, chorého syna necháva v náručí svojej slabej matky. Nebo sa však zmení na peklo a žena je teraz pripravená plaziť sa po kolenách pred letiskovou službou, aby sa vrátila k dieťaťu, ktoré zostalo samé.
Prečo by ste si mali prečítať: Hra stále udivuje súčasníkov Troch dievčat tým, ako presne zachytáva éru „neskorej stagnácie“: okruh domácich starostí sovietskeho človeka, jeho charakter a typ vzťahu medzi ľuďmi. Avšak okrem externého fotografická presnosť tu sa nenápadne dotýka aj vnútornej podstaty takzvanej naberačky.
Petruševskaja, vedúca dialóg s Čechovovými Tromi sestrami, predstavuje svoje „dievčatá“ spočiatku ako tri variácie na tému Čechovovej Nataše. Tak ako malomeštiacka Nataša u Čechova, aj Ira, Svetlana a Taťána u Petruševskej sa neustále starajú o svoje deti a vedú vojnu o suché izby chátrajúcej dače neďaleko Moskvy. Deti, kvôli ktorým sa matky hádajú, však v skutočnosti nikto nepotrebuje. Hru preniká slabý hlas chorého syna Íra Pavlíka; chlapčenský svet je plný báječné obrázky, v bizarnej forme odrážajúcej realitu života, ktorý ho desí: „A keď som spal, mesiac ku mne priletel na krídlach,“ - nikto nepočuje a nerozumie dieťaťu v tejto hre. So synom súvisí aj „chvíľa pravdy“ – keď si uvedomí, že ho môže stratiť, z „typického Sovietsky človek Ira sa mení na človeka schopného „myslieť a trpieť“, z Čechovovej Nataše na Čechovovu Irinu, pripravenú niečo obetovať pre iných.
inscenovanie
Divadlo pomenované po Leninovi Komsomolovi
Réžia: Mark Zakharov, 1985
Tatyana Peltzer a Inna Churikova v hre „Tri dievčatá v modrom“. 1986 Michail Strokov / TASS Túto hru napísala Ludmila Petrushevskaya na príkaz hlavného riaditeľa divadla Lenin Komsomol Marka Zakharova: potreboval úlohy pre Tatianu Peltzer a Innu Churikovú. Cenzúra si predstavenie nenechala ujsť štyri roky – premiéra sa konala až v roku 1985; 5. a 6. júna 1988 bolo predstavenie nakrútené pre televíziu. Táto nahrávka stále produkuje veľmi silný dojem. Scénický výtvarník Oleg Sheintsis zablokoval javisko priesvitnou stenou, za ktorou sú viditeľné siluety konárov; v popredí je stôl, na ňom kytica sušených kvetov a v plechovej lavóre, zdvihnutej na stoličke, je nekonečné umývanie; dookola sa dohadovali hádky, flirtovali, priznávali. Každý z nich bol pripravený vstúpiť do života toho druhého a nielen tam vstúpiť, ale dôkladne tam prešľapať. Ale to je len povrchná účasť: v skutočnosti sa všetci jeden o druhého do hĺbky nestarali. Starenka Fedorovna (Peltzer) si mrmlala svoje, ľahostajná k tomu, že za stenou leží choré dieťa. Okamžite zapálená v záchvate nenávisti k intelektuálke Irine a jej synovi Svetlane (herečka Lyudmila Porgina): „Číta! Čítaj!" A samotná Irina - Inna Churikova sa na všetko pozerala obrovskými očami a mlčala, kým mala silu.
Zacharov, uznávaný majster scénických efektov, ich postavil hneď niekoľko referenčné body, upravený ako balet. Jednou z nich je, keď Nikolajov letný priateľ pobozká Irinu a tá od prekvapenia urobí takmer klaunské salto. Čuriková v tom momente takmer spadne zo stoličky, oprie sa o Nikolajovo rameno, hneď sa od neho prudko odrazí a zdvihnúc kolená vysoko sa vydáva k dverám, či jej syn nevidel bozk.
Ďalšou scénou je tragický vrchol predstavenia: Irina sa plazí po kolenách za zamestnancami letiska, prosí o nasadenie do lietadla (dieťa zostalo samé doma v zamknutom byte) a chrapľavo, chrapľavo, ani nekričí. , ale vrčí: "Možno nestihnem!" V knihe „Príbehy z mojej vlastný život» Ľudmila Petruševskaja spomína, ako raz na predstavení v tom momente vyskočila mladá diváčka zo stoličky a začala si trhať vlasy. Je to naozaj strašidelné sledovať.
Pokračovanie analýzy začalo v predchádzajúcich číslach divadelný plagát, "Divadlo." rozhodol vypočítať, aký podiel v Celkom predstavenia Moskvy a Petrohradu sú inscenáciou diel toho či onoho autora, a rozumieť niektorým všeobecné zásady repertoárová politika oboch hlavných miest.
1. Repertoár Moskvy a Peter Čechov. Na moskovskej hracej listine je 31 Čechovových inscenácií, v Petrohrade 12. Najväčší dopyt sú klasické hry (v Moskve je až päť Višňových sadov a päť Čajok), no používa sa aj próza: Tri roky, pani. so psom, "Nevesta" atď. Režiséri často kombinujú niekoľko humorné príbehy- ako sa to robí napríklad v predstavení divadla Et Cetera "Tváre".
2. Čechov je o niečo nižší ako Ostrovskij: na moskovskom plagáte je 27 jeho hier, v Petrohrade - 10. Obzvlášť populárne sú "Mad Money", "Forest", "Ovečky a vlci". Pri bližšom skúmaní to však nie je Ostrovskij, ale Puškin, kto je v Petrohrade na druhom mieste hodnotenia: v Petrohrade je 12 Puškinových inscenácií oproti 10 Ostrovského. Používajú sa drámy, próza a pôvodné kompozície - ako "BALBESY (Puškin. Tri rozprávky") alebo "Don Juan a iní".
3. Tretie miesto v oboch hlavných mestách obsadil Shakespeare (18 inscenácií v Moskve a 10 v Petrohrade). V Moskve je na čele "Hamlet", v Petrohrade - "Love's Labour's Lost".
4. Gogoľ – v percentuálnom vyjadrení – je tiež uctievaný rovnako. V Moskve je 15 inscenácií, v Petrohrade 8. Prirodzene, na čele sú „Manželstvo“ a „Generálny inšpektor“.
5. Piatu líniu v Moskve zaberá Puškin (na plagáte - 13 inscenácií podľa jeho diel) a v Petrohrade sa o piaty bod delia: Tennessee Williams a Jurij Smirnov-Nesvitskij - dramatik a režisér, ktorý inscenuje jeho vlastné hry: "Túžba duše Rity V.", "Pri strašidelnom stole", "Okná, ulice, brány" atď.
6. Od tohto bodu sa repertoárová politika oboch hlavných miest výrazne rozchádza. Šiestu priečku v moskovskom hodnotení obsadil Dostojevskij (v zozname je 12 inscenácií), najobľúbenejší “ Strýkov sen". V Petrohrade sa Dostojevskij delí o šiestu líniu s Vampilovom, Schwartzom, Anuim, Turgenevom, Neilom Simonom a Sergejom Michalkovom. Mená všetkých uvedených autorov sa na plagáte Petrohradu objavujú trikrát.
7. Po Dostojevskom nasleduje Bulgakov v Moskve (11 inscenácií), najobľúbenejšia je Kabala pokrytcov. A v Petrohrade je množstvo prvotriednych, druhotriednych a nevedno, akej vrstve pripisovaných autorov. Diela Wilda, Strindberga, Mrozheka, Gorkého, Moliéra so Schillerom, Ľudmily Ulitskej a „Achajčana“ Maxima Isaeva nájdete na plagáte rovnako často ako diela Gennadija Volnohodetsa („Piť more“ a „Architekt lásky“). , Konstantin Gershov ("Nos- Angeles", "Vtipné v roku 2000") alebo Valery Zimin ("Dobrodružstvá Čubrika", "Tuš! Alebo príbehy mačky Filofey").
8. Po Bulgakovovi v Moskve nasledujú Alexander Prakhov a Kirill Korolev, ktorí sami inscenujú to, čo skladajú. Vtipy sú vtipy a na moskovskom plagáte je 9 (!) predstavení každého z týchto autorov. Medzi hry kráľovnej patria „Jazda na hviezde“, „Tento svet sme nevymysleli“, „Až na koniec kruhu alebo Princezná a smeti“. Peru Prahova patria medzi: „Odkvapy na rozhovor“, „Môj pes“, „Vták šašo“, „Nech je všetko tak, ako je?!“, „Všetko najlepšie k narodeninám! Doctor“ a iné hry. V Petrohrade ôsmy a ako sa ukazuje aj posledný riadok hodnotenia zaberá asi päťdesiat autorov, z ktorých meno sa na plagáte objaví raz. Medzi nimi: Arbuzov, Griboedov, Albert Ivanov („Dobrodružstvo Khoma a Gopher“), tvorivý duet Andreja Kurbského a Marcela Berquiera-Mariniera („Láska v troch spolu“), Arthur Miller, Sukhovo-Kobylin, Brecht, Shaw, Grossman, Petruševskaja, Alexej Ispolatov („Dedina išla okolo sedliaka“) a mnoho ďalších mien, medzi ktorými si pri bližšom skúmaní možno všimnúť až dve diela autorov nová dráma: "Zlodej jabĺk" od Xenie Dragunskej a "Kobylka" od Bilyany Srblyanovich.
9. O deviatu líniu v Moskve sa delia Schwartz, Moliere a Williams – každý z nich má na plagáte 7 mien. Na čele sú „Tartuffe“ a „Sklený zverinec“.
10. Nasledujú autori, ktorých mená sa na moskovskom plagáte nachádzajú 6-krát. Ide o absurdného Becketta a tvorivé spojenie Iriny Egorovej a Aleny Chubarovej, ktorí spájajú písanie s výkonom povinností šéfrežiséra, respektíve umeleckého riaditeľa moskovského divadla Komedián. Priateľky dramatika sa špecializujú na život úžasní ľudia. Z ich pera vyšli hry, ktoré tvorili základ inscenácií „Viac ako divadlo!“ (o Stanislavskom), "Sadovaya, 10, potom - všade ..." (o Bulgakovovi), "Izba so štyrmi stolmi" (tiež o Bulgakovovi), ako aj hra "Shindra-Bindra", ktorá sa ukáže ako byť rozprávkou o Baba Yaga pri bližšom skúmaní, vedecká mačka a pastier Nikita.
Mimo prvej desiatky v zostupnom poradí v Moskve zostali: Vampilov, Saroyan, pokladňa Eric-Emmanuel Schmitt a čisto intelektuálny Yannis Ritsos, starší grécky dramatik, ktorý napísal moderné prepracovania antických drám. Alexander Volodin, Boris Akunin, Jevgenij Griškovec, Gorkij, Rostan a Yuly Kim majú po 4 zmienky. Je úžasné, že sú horšie ako Ray Cooney (!), rovnako ako Wilde a Kharms - každý 3 zmienky. Mená Vajdi Muavad, Vasilij Sigarev, Elena Isaeva, Martin McDonagh a Michail Ugarov sú na moskovskom plagáte uvedené dvakrát, rovnako ako mená klasikov ako Sofokles, Beaumarchais a Lev Tolstoj.
Mimo tohto repertoárového výskumu zostalo Centrum činohry a réžie a divadlo. doc a „Prax“ - jednoducho neposlali svoj repertoár do redakcie referenčnej knihy, ktorá zozbierala údaje “ Divadelné Rusko". Ale ani s ich účasťou by sa obraz veľmi nezmenil.
V repertoári dvoch ruské hlavné mestá ruskej novej drámy je veľmi málo a kvalitná moderna prakticky žiadna Ruská próza. Ako pre zahraničných autorov posledné dve-tri desaťročia – od Heinera Mullera po Elfriede Jelinek, od Bernarda-Marie Coltesa po Sarah Kaneovú, od Botha Straussa po Jeana-Luca Lagarcea, potom ich treba na plagáte cez deň s ohňom vôbec hľadať. Značnú časť plagátov Moskvy a Petrohradu zapĺňajú ani nie tak kasové preložené hry - čo by sa dalo aspoň nejako vysvetliť, ale nikomu nič hovoriacich mien a tituly ako Dialogue of Males od Artura Artimentieva a Alien Windows od Alexeja Burykina. Existuje teda pocit, že hlavným a jediným repertoárovým princípom divadiel hlavného mesta je princíp vysávača.
Pri zostavovaní materiálu boli použité údaje uvedené v referenčnej knihe "Divadelné Rusko".
4 vybrali
Zajtra uplynie 220 rokov od narodenia Alexandra Griboedová. Nazýva sa autorom jednej knihy, čo znamená, samozrejme, "Beda Witovi". A predsa touto jednou knihou mal vážny vplyv na ruskú dramaturgiu. Spomeňme si na neho a ďalších ruských dramatikov. O spisovateľoch, ktorí rozmýšľajú v postavách a dialógoch.
Alexander Gribojedov
Hoci je Griboedov označovaný za autora jednej knihy, pred hrou „Beda z vtipu“ napísal niekoľko ďalších dramatických diel. 
Ale bola to komédia moskovských zvykov, ktorá ho urobila populárnym. Puškin písal o "Beda Witovi":"Polovica veršov by mala byť povestná." A tak sa aj stalo! Vďaka ľahký jazyk Gribojedov, táto hra sa stala najcitovanejším dielom ruskej literatúry. A aj keď prešli dve storočia, opakujeme tieto štipľavé frázy: „Obchádzajte nás viac ako všetky smútky a majstrovský hnev a panskej lásky.
Prečo sa "Beda z Wit" stal jediným slávne dielo Gribojedov? Gribojedov bol zázračné dieťa (vyštudoval Moskovskú univerzitu vo veku 15 rokov), muž, ktorý bol talentovaný vo všetkých smeroch. Písanie nebolo jeho jediným zamestnaním. Gribojedov bol diplomat, talentovaný klavirista a skladateľ. Osud mu však pripravil krátky život. Spisovateľ mal iba 34 rokov, keď zomrel pri útoku na ruská ambasáda v Teheráne. Podľa mňa jednoducho nemal čas na vytvorenie ďalších veľkých diel.
Alexandra Ostrovského
Alexandra Ostrovského vyrastal v Zamoskvorechye a písal o zvykoch zamoskvoretskej obchodnej triedy. Predtým 
spisovatelia sa o túto dôležitú súčasť spoločnosti akosi nezaujímali. Ostrovského preto ešte za života žalostne volali "Kolumbus zo Zamoskvorechye".
Pátos bol zároveň cudzí aj samotnému autorovi. Jeho hrdinovia sú obyčajní, skôr malicherní ľudia s vlastnými slabosťami a nedostatkami. V ich živote sa nedejú veľké skúšky a nešťastia, ale väčšinou každodenné ťažkosti, ktoré sú výsledkom ich vlastnej chamtivosti či malichernosti. A hrdinovia Ostrovského hovoria nie domýšľavo, ale nejako skutočne, v reči každého hrdinu sú vyjadrené jeho psychologické vlastnosti.
A predsa autor divná láska a nežne zaobchádzal so svojimi zďaleka ideálnymi postavami. Obchodníci však túto lásku necítili a jeho diela ich pohoršovali. Takže po zverejnení komédie "Naši ľudia - poďme spolu", sťažovali sa obchodníci na autora, výroba hry bola zakázaná a Ostrovského bol pod policajným dohľadom. To všetko však nezabránilo spisovateľovi vo formovaní nový koncept ruský divadelné umenie. Následne sa jeho myšlienky rozvíjali Stanislavského.
Anton Čechov
Anton Čechov- dramatik, populárny nielen v Rusku, ale na celom svete. Na začiatku 20. stor Bernard Show napísal o ňom: "V galaxii veľkých európskych dramatikov žiari meno Čechova ako hviezda prvej veľkosti.". Jeho hry sa uvádzajú v európskych divadlách a autor je označovaný za jedného z najfilmovanejších spisovateľov na svete. Sám Čechov si však svoju budúcu slávu nepredstavoval. Povedal 
môjmu priateľovi Tatyana Shchepkina-Kupernik:"Budú ma čítať sedem, sedem a pol roka a potom zabudnú."
Nie všetci súčasníci však ocenili Čechovove hry zaslúžene. Napríklad Tolstoj, hoci mal o Čechovových príbehoch vysokú mienku, dokonca ho nazval „Puškin v próze“, nezniesol svoje dramatické diela, o ktorých sa spisovateľovi bez váhania hlásil. Napríklad Tolstoj raz povedal Čechovovi: "Aj tak nemôžem vystáť tvoje hry. Shakespeare napísal zle a ty si ešte horší!" No, to nie je najhoršie porovnanie!
Kritici hovorili o nedostatku akcie a zdĺhavej zápletke v Čechovových hrách. Ale to bol zámer autora, chcel svoje dramatických diel boli ako život. Čechov napísal: "...v živote sa predsa nestrieľajú každú minútu, vešajú sa, vyznávajú lásku. A múdre veci sa nehovoria každú minútu. Viac jedia, pijú, ťahajú, rozprávajú nezmysly. A teraz je to potrebné aby to bolo vidieť na javisku. Potrebujeme vytvoriť takú hru, kde by ľudia prichádzali, išli, obedovali, rozprávali sa o počasí, hrali víno, ale nie preto, že by to autor potreboval, ale preto, že sa to deje v reálnom živote.“ Pre tento realizmus Čechovovej hry mal Stanislavskij veľmi rád. Nie vždy sa však spisovateľ a režisér zhodli na tom, ako má byť tá či oná hra inscenovaná. Napríklad, "čerešňový sad"Čechov to nazval komédiou a dokonca fraškou, no na javisku sa z toho stala tragédia. Po predstavení autor nahnevane vyhlásil, že Stanislavskij jeho hru pokazil.
Jevgenij Schwartz
V mnohých hrách Jevgenij Schwartz sa obracia na kreativitu Hans Christian Andersen a dokonca z neho robí akéhosi hrdinu svojich diel. Schwartz, rovnako ako známy dánsky rozprávač, píše fantasticky čarovné príbehy. Ale za rozprávkovou škrupinou jeho hier sa skrývajú vážne problémy. Z tohto dôvodu boli jeho diela často zakázané cenzormi.
Mimoriadne významná je v tomto ohľade hra "Drak". Začnite ako každý iný obyčajná rozprávka: v meste žije Drak, ktorý si každý rok vyberie dievča za manželku (o pár dní nato zomiera v jeho jaskyni od hrôzy a znechutenia) a tu je slávny rytier Lancelot, ktorý sľubuje, že monštrum porazí. Napodiv, obyvatelia ho nepodporujú - s drakom sú akosi známejší a pokojnejší. A keď je Drak porazený, jeho miesto okamžite zaujme bývalý purkmistr, ktorý začína nemenej „drakonické“ rozkazy.
Drak je tu mýtické stvorenie ale alegória moci. Koľko „drakov“ sa navzájom presadilo počas svetových dejín! A „drak“ žije aj v tichých obyvateľoch mestečka, pretože si svojou ľahostajnou poslušnosťou hovoria noví tyrani.
Grigorij Gorin
Grigorij Gorin hľadal a nachádzal zdroje inšpirácie v celej svetovej literatúre. Ľahko prehral zápletky klasikov. Spisovateľ videl smrť Hérostrata, sledoval dobrodružstvá Thiela, žil v dome, ktorý postavil Swift, a vedel, čo sa stalo po smrti Rómea a Júlie. Je vtip dokončiť Shakespeara? Ale Gorin sa nebál a tvoril úžasný príbeh láska medzi predstaviteľmi rodov Montecchi a Capuletovci, ktorá sa začala ... na pohrebe Rómea a Júlie.
Gorin mi pripomína jeho vlastného hrdinu – baróna Munchausena z filmu Marka Zacharova. Cestuje aj v čase, komunikuje s klasikmi a neváha s nimi polemizovať.
Jeho žánrom je tragikomédia. Nech je akokoľvek vtipné počúvať vtipné dialógy postáv (obrovské množstvo Gorinových fráz bolo rozptýlených do citátov), koniec hry takmer vždy dočítate so slzami v očiach.
Akí sú vaši obľúbení dramatici?
Zajtra uplynie 220 rokov od narodenia Alexandra Griboedová. Nazýva sa autorom jednej knihy, čo znamená, samozrejme, "Beda Witovi". A predsa touto jednou knihou mal vážny vplyv na ruskú dramaturgiu. Spomeňme si na neho a ďalších ruských dramatikov. O spisovateľoch, ktorí rozmýšľajú v postavách a dialógoch.
Alexander Gribojedov
Aj keď je Gribojedov označovaný za autora jednej knihy, pred hrou „Beda z vtipu“ napísal niekoľko ďalších dramatických diel, ale bola to komédia moskovských zvykov, ktorá ho urobila populárnym. Puškin písal o "Beda Witovi":"Polovica veršov by mala byť povestná." A tak sa aj stalo! Vďaka Griboedovovmu ľahkému jazyku sa táto hra stala najcitovanejším dielom ruskej literatúry. A aj keď prešli dve storočia, opakujeme tieto štipľavé frázy: "Obchádzajte nás viac ako všetky trápenia a majstrovský hnev a majstrovu lásku."
Prečo sa „Woe from Wit“ stalo jediným slávnym Griboedovovým dielom? Gribojedov bol zázračné dieťa (vyštudoval Moskovskú univerzitu vo veku 15 rokov), muž, ktorý bol talentovaný vo všetkých smeroch. Písanie nebolo jeho jediným zamestnaním. Gribojedov bol diplomat, talentovaný klavirista a skladateľ. Osud mu však pripravil krátky život. Spisovateľ mal len 34 rokov, keď zomrel pri útoku na ruskú ambasádu v Teheráne. Podľa mňa jednoducho nemal čas na vytvorenie ďalších veľkých diel.
Alexandra Ostrovského
Alexandra Ostrovského vyrastal v Zamoskvorechye a písal o zvykoch zamoskvoretskej obchodnej triedy. Predtým 
spisovatelia sa o túto dôležitú súčasť spoločnosti akosi nezaujímali. Ostrovského preto ešte za života žalostne volali "Kolumbus zo Zamoskvorechye".
Pátos bol zároveň cudzí aj samotnému autorovi. Jeho hrdinovia sú obyčajní, skôr malicherní ľudia s vlastnými slabosťami a nedostatkami. V ich živote sa nedejú veľké skúšky a nešťastia, ale väčšinou každodenné ťažkosti, ktoré sú výsledkom ich vlastnej chamtivosti či malichernosti. A hrdinovia Ostrovského hovoria nie domýšľavo, ale nejako skutočne, v reči každého hrdinu sú vyjadrené jeho psychologické vlastnosti.
A napriek tomu autor zaobchádzal so svojimi postavami ďaleko od ideálu s podivnou láskou a nehou. Obchodníci však túto lásku necítili a jeho diela ich pohoršovali. Takže po zverejnení komédie "Vlastní ľudia - poďme spolu", sťažovali sa obchodníci na autora, výroba hry bola zakázaná a Ostrovského bol pod policajným dohľadom. To všetko však nezabránilo spisovateľovi vytvoriť nový koncept ruského divadelného umenia. Následne sa jeho myšlienky rozvíjali Stanislavského.
Anton Čechov
Anton Čechov- dramatik, populárny nielen v Rusku, ale na celom svete. Na začiatku 20. stor Bernard Show napísal o ňom: "V galaxii veľkých európskych dramatikov žiari meno Čechova ako hviezda prvej veľkosti.". Jeho hry sa uvádzajú v európskych divadlách a autor je označovaný za jedného z najfilmovanejších spisovateľov na svete. Sám Čechov si však svoju budúcu slávu nepredstavoval. Povedal môjmu priateľovi Tatyana Shchepkina-Kupernik:"Budú ma čítať sedem, sedem a pol roka a potom zabudnú."
Nie všetci súčasníci však ocenili Čechovove hry v ich skutočnej hodnote. Napríklad Tolstoj, hoci mal o Čechovových príbehoch vysokú mienku, dokonca ho nazval „Puškin v próze“, nezniesol svoje dramatické diela, o ktorých sa spisovateľovi bez váhania hlásil. Napríklad Tolstoj raz povedal Čechovovi: "Aj tak nemôžem vystáť tvoje hry. Shakespeare napísal zle a ty si ešte horší!" No, to nie je najhoršie porovnanie!
Kritici hovorili o nedostatku akcie a zdĺhavej zápletke v Čechovových hrách. Ale to bol zámer autora, chcel, aby jeho dramatické diela boli ako zo života. Čechov napísal: "...v živote sa predsa nestrieľajú každú minútu, vešajú sa, vyznávajú lásku. A múdre veci sa nehovoria každú minútu. Viac jedia, pijú, ťahajú, rozprávajú nezmysly. A teraz je to potrebné aby to bolo vidieť na javisku. Potrebujeme vytvoriť takú hru, kde by ľudia prichádzali, išli, obedovali, rozprávali sa o počasí, hrali víno, ale nie preto, že by to autor potreboval, ale preto, že sa to deje v reálnom živote.“ Pre tento realizmus Čechovovej hry mal Stanislavskij veľmi rád. Nie vždy sa však spisovateľ a režisér zhodli na tom, ako má byť tá či oná hra inscenovaná. Napríklad, "čerešňový sad"Čechov to nazval komédiou a dokonca fraškou, no na javisku sa z toho stala tragédia. Po predstavení autor nahnevane vyhlásil, že Stanislavskij jeho hru pokazil.
Jevgenij Schwartz
V mnohých hrách Jevgenij Schwartz sa obracia na kreativitu Hans Christian Andersen a dokonca z neho robí akéhosi hrdinu svojich diel. Schwartz, rovnako ako známy dánsky rozprávač, píše fantastické magické príbehy. No za rozprávkovou škrupinou jeho hier sa skrývajú vážne problémy. Z tohto dôvodu boli jeho diela často zakázané cenzormi.
Mimoriadne významná je v tomto ohľade hra "Drak". Začiatok je ako v každej obyčajnej rozprávke: v meste žije Drak, ktorý si každý rok vyberie dievča za manželku (o pár dní neskôr zomrie v jeho jaskyni od hrôzy a znechutenia) a tu je slávny rytier Lancelot, ktorý sľubuje, že porazí monštrum. Napodiv, obyvatelia ho nepodporujú - s drakom sú akosi známejší a pokojnejší. A keď je Drak porazený, jeho miesto okamžite zaujme bývalý purkmistr, ktorý začína nemenej „drakonické“ rozkazy.
Drak tu nie je mýtické stvorenie, ale alegória moci. Koľko „drakov“ sa navzájom presadilo počas svetových dejín! A „drak“ žije aj v tichých obyvateľoch mestečka, pretože si svojou ľahostajnou poslušnosťou hovoria noví tyrani.
Grigorij Gorin
Grigorij Gorin hľadal a nachádzal zdroje inšpirácie v celej svetovej literatúre. Ľahko prehral zápletky klasikov. Spisovateľ videl smrť Hérostrata, sledoval dobrodružstvá Thiela, žil v dome, ktorý postavil Swift, a vedel, čo sa stalo po smrti Rómea a Júlie. Je vtip dokončiť Shakespeara? Gorin sa však nebál a vytvoril nádherný milostný príbeh medzi predstaviteľmi rodu Montecchi a Capulet, ktorý sa začal ... na pohrebe Rómea a Júlie.
Gorin mi pripomína jeho vlastného hrdinu – baróna Munchausena z filmu Marka Zacharova. Cestuje aj v čase, komunikuje s klasikmi a neváha s nimi polemizovať.
Jeho žánrom je tragikomédia. Nech je akokoľvek vtipné počúvať vtipné dialógy postáv (obrovské množstvo Gorinových fráz bolo rozptýlených do citátov), koniec hry takmer vždy dočítate so slzami v očiach.
