K p Bryullov Ostatni dzień opisu Pompejów. Opis obrazu Bryulłowa „Ostatni dzień Pompei”

L. Osipowa

Aleksander Bryulłow. Autoportret. 1830.

„Karl, wyobraź sobie – osiemnaście wieków temu wszystko było dokładnie tak samo: słońce świeciło oślepiająco, sosny czerniały na brzegach drogi, a obciążone bagażami osły potykały się o kamienie. Jesteśmy na głównej drodze prowadzącej do Pompei. To są ruiny - Dom wakacyjny bogatego Diomedesa, nadal trwają tu wykopaliska, dalej znajduje się Willa Cycerona. Dalej jest hotel, tutaj znaleźli dużo naczyń ceramicznych, zapraw marmurowych, na kamiennej desce był ślad czegoś, co wyglądało jak przed chwilą rozlany płyn, a w piwnicach były ziarna pszenicy. Gdyby je rozdrobnić i upiec, można było skosztować najbardziej klasycznego chleba, jaki w naszym epoka romantyczna Myślę, że zadziwi wielu swoim smakiem. Ba, nie sądzisz, że wszystko stało się bardzo ożywione? Tłumy ludzi pędzą do miasta. Tutaj niosą na noszach jakiegoś ważnego pana. Ma na sobie tunikę oślepiająco białej, spiętą na ramieniu złotą klamrą, w sandałach do kolan ozdobionych diamentami, a za nim idzie cały orszak służby. Czy słyszysz krzyki tłumu? Pojawiły się rydwany, ale poruszanie się było dla nich tak trudne, że wszystkie wąskie uliczki były zatłoczone ludźmi. Wszystko jest jasne – wszyscy pędzą do amfiteatru. Na dziś zaplanowano walki gladiatorów z dzikimi zwierzętami. A może sędziowie skazali jednego z winnych na dokończenie życia na arenie w walce z lwami sprowadzonymi właśnie z Afryki? Och, oczywiście, jest to widok, którego nie może przegapić żaden Pompejusz.

Karol Bryulłow. Autoportret. OK. 1833.

- Uspokój się, wyobraźnia zaczyna cię gryźć! Spójrzcie tylko, a sami zostaniemy potępieni. - Śmieją się bracia Bryullov i siadając na przydrożnym kamieniu, pogrążają się w ciszy, przerywanej jedynie szelestem jaszczurek i szelestem kolczastej trawy...
Aleksander wstaje i po znalezieniu wygodnego miejsca na zniszczonych schodach otwiera duży album i zaczyna rysować. Nieco później dołącza do niego Karl. Ale rysują inaczej. Aleksandra jako architekta interesują relacje części, proporcje, które budowniczowie Pompejów przejęli od Greków. Co jakiś czas podbiega do Karla i prosi, aby zwrócił uwagę na tę prostotę i elegancję linii, połączoną z bogactwem, a nawet wyrafinowaniem dekoracji - kapitele kolumn mają albo formę splecionych delfinów, albo grupę faunów, z których jeden uczy drugiego gry na flecie, to splot fantastycznych owoców i liści... Wyrafinowanie, nadmiar wyobraźni - to już fenomen czasów nowożytnych, wpływ Rzymu. I tak jest z Pompejuszami we wszystkim: w najbogatszych domach wszystkie pomieszczenia, nawet sale bankietowe, są na wzór grecki bardzo małe – wszak liczba gości musi odpowiadać liczbie łask (trzy ) lub liczba muz (dziewięć). Tymczasem wiadomo, że Pompeje nie słynęły z umiaru w jedzeniu i przyjemnościach. Nawzajem. Na tutejsze biesiady podawano polędwicę z lwa afrykańskiego, wędzone udka wielbłąda, lisy karmione winogronami, aromatyczne króliki, sos z mózgów strusia, ziemne pająki, nie wspominając o winach mrożonych pachnących aromatycznymi ziołami... Nie, nasza wyobraźnia jest bezsilna wyobraźcie sobie to wszystko... Tak, Grecja i Rzym spotkały się w Pompejach, aby zostać pogrzebane w popiele i kamieniach na wiele stuleci po erupcji Wezuwiusza w sierpniu 79 r., po narodzinach Chrystusa...
Karl słucha brata pół ucha. W albumie szkicuje ołówkiem, żałując, że nie zabrał ze sobą farb. Jest już w mocy żywego piękna, cieszy się.
Jak niesamowity jest tutaj efekt światła, przenikliwy i miękki! A przejrzystość marmuru pozostawia wrażenie delikatności. Tors Wenus, posąg sportowca, niedawno odkopany, oczyszczony z ziemi, wydaje się bardziej autentyczny, naturalny niż żywi ludzie - to najlepsi ludzie. Oto jest - ten świat, który zaczął pojmować od dzieciństwa.
Ojciec - Paweł Iwanowicz Bryulłow, akademik rzeźby ozdobnej, zmusił dzieci do rysowania z antyków, gdy tylko nauczyły się trzymać ołówek w rękach. W wieku dziesięciu lat Karl został przyjęty na studenta petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, a w wieku czternastu lat otrzymał srebrny medal za rysunek, w którym zdaniem wszystkich ożywił czasy Fidiasza i Polikleita. W martwy świat marmuru, czuł się, jakby przynależał, bo całą swą istotą czuł prawa, według których ten świat został stworzony. Och, jak on teraz uwierzył we własną siłę! Objąć wszystkie przedmioty, ubrać je w harmonię, zamienić wszystkie uczucia widza w spokojną i niekończącą się radość piękna. Stworzyć sztukę, która przenikałaby wszędzie: do chaty biedaka, pod marmurowe kolumny, na plac pełen ludzi – jak to było w tym mieście, jak było w odległej, jasnej Grecji…
...Minęło kilka lat. Aleksander wyjechał do Paryża, aby doskonalić swoją wiedzę i talent. Miał też jeszcze jeden zamiar, który wkrótce szczęśliwie zrealizował. Wydał książkę o wykopaliskach w Pompejach – na luksusowym papierze, z własnymi rysunkami i rysunkami. Walory książki doceniono tak bardzo, że już po krótkim czasie jej autor został wybrany na członka Królewskiego Instytutu Architektury w Londynie i mediolańskiej Akademii Sztuk. Aleksander nie tyle rozkoszował się sławą, co radował - w końcu miał coś do doniesienia Towarzystwu Zachęty Artystów, które siedem lat temu, w 1822 roku, po ukończeniu petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych wysłało go i jego brata za granicę za granicę Sztuka. Ale Karl... Mój Boże, jakie plotki o nim dotarły z Rzymu! Udało mu się zasłynąć jako wspaniały portrecista, a każdy wybitny rosyjski dżentelmen, który przyjeżdżał do Włoch, spieszył się, aby zamówić u niego jego portret. Ale katastrofą byłoby, gdyby ten człowiek zaczął budzić w Karlu niechęć. Mógł go przyjąć (jak to było w przypadku hrabiego Orłowa-Davydowa) w najbardziej swobodnym garniturze i najbardziej beztroskiej pozie i spokojnie oznajmić, że nie ma dziś nastroju do pracy. Skandal!..


Jeden ze szkiców do obrazu „Ostatni dzień Pompei”.

Do Aleksandra dotarła jednak wiadomość, że w Ostatnio Karl wykonuje szkice do dużego płótna, które proponuje nazwać „Ostatnim dniem Pompei”. Uszczęśliwiło go to tak bardzo, że od razu zasiadł do napisania listu, w którym z zapałem dopytywał: czy jego brat zamierza korzystać ze źródeł historycznych, czy też będzie to jego owoc? wolna wyobraźnia; Czy nie sądzi, że śmierć Pompejów była z góry przewidziana: Pompejańczycy pławili się w luksusie i zabawach, lekkomyślnie lekceważąc wszelkie znaki i przepowiednie, marnując w więzieniu pierwszych chrześcijan; gdzie sugeruje scenę obrazu; i co najważniejsze, niech, na litość boską, nie odwraca uwagi świetna robota, który być może ma mu za zadanie ujawnić swój geniusz całemu światu.
List jego brata wpadł w gniew Karla. Przeszedł już od szkiców do płótna. Był ogromny - 29 metry kwadratowe. Pracował żarliwie, niemal bez przerwy, aż do całkowitego wyczerpania, przez co często wynoszono go z warsztatu. A potem przyszedł właściciel i poprosił o zapłacenie rachunków. . .
Oczywiście wszyscy już wątpią, że jest w stanie stworzyć coś wartościowego. Towarzystwo Zachęty Artystów już drugi rok nie wypłaca mu emerytury. Plotkują tylko o jego niepoważnym i nieostrożnym usposobieniu. Ale brat powinien wiedzieć, że jeśli pracuje z pasji, to nawet jeśli go owiniesz całunem, nie przestanie pracować.

K. P. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów”, 1830–1833. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu.

Karl sięgał po pióro i atrament tylko w skrajnych przypadkach. A potem zdecydował: napisze teraz - zarówno do swoich braci (brat Fedor, także artysta, mieszkał w Petersburgu), jak i do Towarzystwa Zachęty. „Krajobraz... Wziąłem to wszystko z życia, bez wycofywania się i dodawania, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód - bez czego by to wyglądało jak pożar? prawa strona Kładę na kolanach grupy matek z dwiema córkami (w tej pozycji znaleziono te szkielety); za tą grupą widać grupę ludzi tłoczących się na schodach... zakrywających głowy stołkami i wazonami (wszystko, co uratowali, zabrałem z muzeum). W pobliżu tej grupy znajduje się uciekająca rodzina, myśląca o znalezieniu schronienia w mieście: mąż okrywający się płaszczem i jego żona trzymająca Dziecko, zakrywając drugą ręką najstarszego syna leżącego u stóp ojca; pośrodku obrazu znajduje się upadła kobieta, pozbawiona uczuć; dziecko na piersi, nie podtrzymywane już przez rękę matki, chwytając jej ubranie, spokojnie patrzy na żywą scenę śmierci…”
Dziesiątki szkiców i szkiców, kilka lat wyczerpującej pracy. Nie, nie pisał o grozy zagłady, ani o bliskości śmierci. „Namiętność, prawdziwe, ogniste uczucia wyrażają się w tak pięknym wyglądzie, w tak cudownej osobie, że cieszysz się aż do zachwytu” – powiedział Gogol po obejrzeniu zdjęcia. Śmierć zmysłowo pięknego, nieodwracalnego świata. Tak, sława przyszła do artysty. Triumph towarzyszył jego występom na ulicach i w teatrze. W Petersburgu złożono mu na głowę wieniec laurowy, w pismach napisano, że jego prace były pierwszymi, które mógł zrozumieć artysta o najwyższym rozwoju gustu, a nie mający pojęcia, czym jest sztuka.
Cóż, Bryullov traktował sławę jako coś oczywistego, jako ciężar, wcale nie uciążliwy. Śmiał się beztrosko, gdy Aleksander, obejmując go łzami, upierał się, że zrobił dla Pompejów więcej niż jakikolwiek archeolog czy naukowiec…

We Włoszech wielki malarz Bryullov namalował wspaniałe płótno „Ostatni dzień Pompejów”. Opis obrazu zaprezentujemy w naszym artykule. Współcześni dali temu dziełu najbardziej entuzjastyczne recenzje, a sam artysta zaczął być nazywany Wielkim Karolem.

Trochę o K. I. Bryullovie

Malarz urodził się w 1799 roku w rodzinie, która począwszy od pradziadka związana była ze sztuką. Po ukończeniu Akademii Sztuk Pięknych ze złotym medalem on i jego brat Aleksander, utalentowany architekt, pojechali do Rzymu. Z sukcesem pracuje w Wiecznym Mieście, malując portrety i obrazy, które zachwycają publiczność, krytyków i członków rodziny królewskiej. Karl Bryullov pracował nad monumentalną, gęstą konstrukcją przez sześć lat. „Ostatni dzień Pompejów” (opis obrazu i jego odbiór przez Włochów można wyrazić jednym słowem – triumf) stał się arcydziełem dla mieszkańców kraju. Wierzyli, że płótno artysty przywołuje myśli o bohaterskiej przeszłości ich ojczyzny w czasie, gdy cały kraj był ogarnięty walką o wolność.

Fakt historyczny

Opis obrazu Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów” należy rozpocząć od ciekawego faktu: mistrz odwiedził wykopaliska w pobliżu Wezuwiusza w 1827 roku. Ten widok po prostu go oszołomił. Było jasne, że życie w mieście nagle się skończyło.

Koleiny na chodniku były świeże, kolory napisów jasne, obwieszczające wynajem lokalu i zbliżającą się rozrywkę. W tawernach, gdzie brakowało samych sprzedawców, na stołach pozostały ślady filiżanek i misek.

Początek pracy

Opis obrazu Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów” rozpoczynamy od opowieści o wieloletnich pracach przygotowawczych artysty, które trwały trzy lata. W pierwszej kolejności powstał szkic kompozycyjny na podstawie świeżych wrażeń.

Następnie artysta zaczął studiować dokumenty historyczne. Potrzebne informacje artysta znalazł w listach świadka tej klęski żywiołowej oraz słynnego rzymskiego historyka Tacyta. Opisują dzień pogrążony w ciemnościach, tłumy ludzi pędzących, nie wiedzących dokąd uciekać, krzyki, jęki... Niektórzy opłakiwali nieuniknioną śmierć, inni opłakiwali śmierć bliskich. Nad pędzącymi postaciami widać ciemne niebo z zygzakami błyskawic. Ponadto artysta tworzył coraz to nowe szkice, malował różne grupy ludzi, zmieniał kompozycję. Tak brzmi wstępny opis obrazu Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów”. Miejsce, w którym rozgrywa się akcja, było dla niego od razu jasne – skrzyżowanie ulicy Grobowców. Gdy tylko Bryulłow wyobraził sobie przetaczający się, rozdzierający serce grzmot, żywo wyobraził sobie, jak wszyscy ludzie zamarli... Do ich strachu dodało się nowe uczucie - nieuchronność tragedii. Znalazło to odzwierciedlenie w ostatnia kompozycja artysta i układa opis obrazu Bryulłowa „Ostatni dzień Pompei”. Materiały wykopaliska archeologiczne podarował artyście artykuły gospodarstwa domowego na swoje płótno. Pustki powstałe w lawie zachowały kontury niektórych ciał: kobieta spadła z rydwanu, tu są córki i matka, tu są młodzi małżonkowie. Artysta zapożyczył od Pliniusza wizerunek matki i młodzieńca.

Bezinteresowna praca

Praca nad ogromnym płótnem trwała trzy lata. Rafael miał ogromny wpływ na projekt kompozycyjny i plastyczny, na charakterystykę i opis obrazu Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów”. Artysta uczył się u niego wcześniej, kopiując freski „Ogień w Borgo” i „Szkoła ateńska”, w których znajduje się około czterdziestu postaci. Ilu bohaterów jest przedstawionych na wielofigurowym płótnie Bryulłowa? Podczas pracy nad obrazem bardzo ważne było wprowadzenie w niego współczesnych, przybliżających odległe epoki. Tak na płótnie pojawił się portret lekkoatlety Mariniego – postaci ojca w grupie rodzinnej.

Pod pędzlem artysty pojawia się wizerunek jego ulubionej modelki, czy to w postaci dziewczynki, czy też w postaci matki. Y. Samoilova była ucieleśnieniem swojego ideału, który promieniował siłą i pasją piękna. Jej obraz wypełnił wyobraźnię artysty, a wszystkie kobiety na jego płótnie nabrały cech, które kochał mistrz.

Kompozycja obrazu: połączenie romantyzmu i klasycyzmu

Bryullov odważnie łączy na swoim płótnie romantyzm i klasykę („Ostatni dzień Pompejów”). Opis obrazu można krótko opisać w ten sposób, że w kompozycji mistrz nie starał się ująć wszystkiego w klasyczne trójkąty. Ponadto, wsłuchując się w głos romantyzmu, przedstawił masową scenę ludową, naruszającą klasyczną zasadę płaskorzeźby. Akcja rozwija się, wchodząc głębiej w płótno: mężczyzna spadł z rydwanu i zostaje uniesiony przez spłoszone konie. Wzrok widza mimowolnie podąża za nim w otchłań, w cykl wydarzeń.

Ale malarz nie porzucił wszystkich beznamiętnych idei klasycyzmu. Jego bohaterowie są piękni zewnętrznie i wewnętrznie. Grozę ich sytuacji zagłusza idealne piękno bohaterów. Łagodzi to dla widza tragedię ich stanu. Dodatkowo w kompozycji zastosowano technikę kontrastu paniki i spokoju.

Kompozycja akcji

W płótnie wypełnionym ruchem bardzo ważny jest rytm gestów rąk i ruchów ciała. Ręce chronią, chronią, obejmują, w gniewie wyciągają się ku niebu i opadają bezsilnie. Podobnie jak rzeźby, ich formy są trójwymiarowe. Chcę je obejść, żeby przyjrzeć się bliżej. Kontur wyraźnie otacza każdą figurę. Ta klasyczna technika nie została odrzucona przez romantyków.

Kolor płótna

Dzień katastrofy jest tragicznie ponury. Ciemność, całkowicie nieprzenikniona, wisiała nad ludźmi w potrzebie. Te czarne chmury dymu i popiołu zostają rozerwane przez ostrą, jasną błyskawicę. Horyzont wypełnia krwistoczerwone światło ognia. Jego refleksje padają na walące się budynki i kolumny, na ludzi – mężczyzn, kobiety, dzieci – dodając jeszcze większej tragizmu sytuacji i ukazując nieuchronną groźbę śmierci. Bryullov dąży do naturalnego oświetlenia, naruszając wymogi klasycyzmu. Subtelnie wychwytuje refleksy światła i łączy je z wyraźnym światłocieniem.

Postacie z płótna

Opis i analiza obrazu Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów” będzie niekompletny bez uwzględnienia wszystkich występujących na obrazie osób. Nadszedł dla nich dzień Sądu Ostatecznego: kamień monumentalne budowle zapaść się jak papier po trzęsieniu ziemi. Wszędzie wrzask, wołanie o pomoc, modlitwy do bogów, którzy opuścili nieszczęśników. Istota ludzka dusza zupełnie nagi w obliczu śmierci. Wszystkie grupy, które są w istocie portretami, są zwrócone twarzą do widza.

Prawa strona

Wśród szlachty są postacie podstawowe: samolubny złodziej, który nosi biżuterię w nadziei, że przeżyje. Pogański kapłan, który ucieka i próbuje się ratować, zapominając, że musi modlić się do bogów o litość. Strach i zamieszanie w składzie rodziny przykrytej kocem... Tak opisuje obraz Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów”. Zdjęcie arcydzieła w artykule szczegółowo pokazuje, jak młody ojciec w modlitwie podnosi rękę do nieba.

Dzieci, przytulając matkę, uklękły. Stoją w bezruchu i po prostu czekają na straszny, nieunikniony los. Nie ma kto im pomóc. Chrześcijanin z nagą klatką piersiową i krzyżem na niej wierzy w przyszłe zmartwychwstanie.

Tylko jedna postać jest spokojna – artysta.

Jego zadaniem jest wznieść się ponad strach przed śmiercią i na zawsze uchwycić tragedię. Bryullov, wprowadzając na obraz swój portret, ukazuje mistrza jako świadka rozgrywającego się dramatu.

Środek i lewa strona płótna

W centrum młoda matka, która upadła na ziemię i jest przytulana przez nierozumiejące dziecko. To bardzo tragiczny odcinek. Zmarły symbolizuje śmierć starożytnego świata.

Bezinteresowni synowie noszą bezsilnego starego ojca. Są przepełnieni miłością do Niego i w ogóle nie myślą o własnym zbawieniu.

Młody człowiek namawia matkę, która siedzi wyczerpana, aby wstała i poszła się ratować. Dwóm osobom jest trudno, ale szlachta nie pozwala młodemu człowiekowi młody człowiek zostaw starszą panią.

Młody chłopak spogląda w twarz delikatnej panny młodej, która całkowicie straciła hart ducha z powodu ryku dookoła, widoku śmierci i ognistego blasku, który wróżył im śmierć.

Nie opuszcza ukochanej osoby, choć w każdej chwili może dopaść ją śmierć.

Arcydzieło „Ostatni dzień Pompejów” K. Bryullova miało stać się kluczowym obrazem w historii sztuki. Uchwycił ducha czasu i stworzył płótno o tych, którzy potrafią poświęcić wszystko dla dobra swoich bliskich. O zwykłych ludziach, których koncepcje moralne stoją nieporównanie wysoko podczas okrutnych prób. Spektakl, jak odważnie dźwigają ciężar, który na nich spadł, powinien być przykładem, jak postępować w każdej epoce i miejscu. prawdziwa miłość do osoby.

Działka

Płótno przedstawia jedną z najpotężniejszych erupcji wulkanów w historii ludzkości. W 79 roku Wezuwiusz, który wcześniej milczał tak długo, że od dawna uznawano go za wymarły, nagle „obudził się” i zmusił wszystkie żyjące w okolicy do uśpienia na zawsze.

Wiadomo, że Bryulłow czytał wspomnienia Pliniusza Młodszego, który był świadkiem wydarzeń w Misenum, który przeżył katastrofę: „Przerażony tłum szedł za nami i... zwartą masą napierał na nas, popychając do przodu, gdy my wyszedł... Zamarliśmy w środku najbardziej niebezpiecznych i przerażających scen. Rydwany, które odważyliśmy się wyciągnąć, chwiały się tak mocno w przód i w tył, chociaż stały na ziemi, że nie mogliśmy ich utrzymać nawet podkładając pod koła duże kamienie. Wydawało się, że morze cofa się i zostaje odciągnięte od brzegów przez konwulsyjne ruchy Ziemi; zdecydowanie ląd znacznie się powiększył, a na piasku znalazły się zwierzęta morskie... Wreszcie straszliwa ciemność zaczęła się stopniowo rozwiewać, niczym chmura dymu; znów pojawiło się światło dzienne i nawet wyszło słońce, chociaż jego światło było ponure, jak to bywa przed zbliżającym się zaćmieniem. Każdy przedmiot, który pojawiał się przed naszymi oczami (które były skrajnie osłabione), wydawał się zmieniony, pokryty grubą warstwą popiołu, jak śnieg.

Pompeje dzisiaj

Niszczycielski cios w miasta nastąpił 18–20 godzin po rozpoczęciu erupcji – ludzie mieli wystarczająco dużo czasu na ucieczkę. Nie wszyscy jednak zachowali ostrożność. I chociaż zainstaluj dokładny numer nie było żadnych zgonów, liczba ta idzie w tysiące. Są wśród nich przede wszystkim niewolnicy, których właściciele pozostawili na straży swego majątku, a także osoby starsze i chore, które nie miały czasu na wyjazd. Byli też tacy, którzy mieli nadzieję przeczekać katastrofę w domu. W rzeczywistości nadal tam są.

Jako dziecko Bryullov ogłuchł na jedno ucho po uderzeniu przez ojca.

Na płótnie panuje panika, żywioły nie oszczędzają ani bogatego, ani biednego. I co ciekawe, Bryullov posługiwał się jednym modelem, pisząc ludzi z różnych klas. Mowa o Julii Samoilovej, której twarz pojawia się na płótnie czterokrotnie: po lewej stronie płótna kobiety z dzbanem na głowie; w centrum kobieta upadająca na śmierć; w lewym rogu obrazu matka przyciągająca do siebie córki; kobieta ochraniająca swoje dzieci i oszczędzająca wraz z mężem. Artysta szukał twarzy pozostałych postaci na ulicach Rzymu.

Zaskakujące na tym zdjęciu jest także rozwiązanie kwestii światła. „Oczywiście zwykły artysta nie omieszkałby wykorzystać erupcji Wezuwiusza do oświetlenia swojego obrazu; ale pan Bryullov zaniedbał to lekarstwo. Geniusz zainspirował go śmiałym pomysłem, równie szczęśliwym, co niepowtarzalnym: oświetlić całą przednią część obrazu szybkim, drobnym i białawym blaskiem błyskawicy, przecinając grubą chmurę popiołu pokrywającą miasto, podczas gdy światło od erupcji, z trudem przebijając się przez głęboką ciemność, rzuca czerwonawy półcień, znikający w tle” – napisano wówczas w gazetach.

Kontekst

Zanim Bryulłow zdecydował się napisać śmierć Pompejów, uznano go za utalentowanego, ale wciąż obiecującego. Aby zyskać status mistrza, potrzebna była poważna praca.

Motyw Pompei był wówczas popularny we Włoszech. Po pierwsze, wykopaliska były bardzo aktywne, a po drugie, doszło do jeszcze kilku erupcji Wezuwiusza. Nie mogło to nie znaleźć odzwierciedlenia w kulturze: opera Pacciniego „L” Ultimo giorno di Pompeia” z sukcesem wystawiana była na scenach wielu włoskich teatrów. Nie ulega wątpliwości, że artysta widział ją może nie raz.

Pomysł napisania o śmierci miasta wyszedł z samych Pompejów, które Bryulłow odwiedził w 1827 roku z inicjatywy swojego brata, architekta Aleksandra. Zbieranie materiału trwało 6 lat. Artysta dbał o szczegóły. Zatem rzeczy, które wypadły z pudełka, biżuteria i inne różne przedmioty na zdjęciu, zostały skopiowane z tych, które archeolodzy znaleźli podczas wykopalisk.

Akwarele Bryullova były najpopularniejszą pamiątką z Włoch

Powiedzmy kilka słów o Julii Samoilovej, której twarz, jak wspomniano powyżej, pojawia się na płótnie czterokrotnie. Do obrazu Bryullov szukał typów włoskich. I chociaż Samoilova była Rosjanką, jej wygląd odpowiadał wyobrażeniom Bryullova na temat tego, jak powinny wyglądać Włoszki.

„Portret Yu. P. Samoilovej z Giovaniną Pacini i Małym Arabem”. Bryullowa, 1832-1834

Poznali się we Włoszech w 1827 roku. Bryullov przyjął tam doświadczenie starszych mistrzów i szukał inspiracji, a Samoilova żyła swoim życiem. W Rosji udało jej się już uzyskać rozwód, nie miała dzieci, a ze względu na zbyt burzliwe życie bohemy Mikołaj I poprosił ją, aby wyprowadziła się z dworu.

Kiedy prace nad obrazem dobiegły końca i włoska publiczność zobaczyła płótno, w Bryullowie rozpoczął się boom. To był sukces! Każdy, spotykając się z artystą, traktował przywitanie się z artystą jako zaszczyt; Kiedy pojawiał się w kinach, wszyscy wstawali, a u drzwi domu, w którym mieszkał, lub restauracji, w której jadł obiad, zawsze gromadziło się wiele osób, aby go powitać. Od samego renesansu żaden artysta nie był we Włoszech obiektem takiego kultu jak Karl Bryullov.

Triumf czekał na malarza także w jego ojczyźnie. Ogólna euforia wokół filmu staje się jasna po przeczytaniu słów Baratyńskiego:

Przyniósł łupy pokoju
Zabierz go ze sobą pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla.

Karl Bryullov połowę swojego świadomego życia twórczego spędził w Europie. Po ukończeniu studiów po raz pierwszy wyjechał za granicę Akademia Cesarska artystycznych w Petersburgu w celu doskonalenia swoich umiejętności. Gdzie indziej, jeśli nie we Włoszech, można to zrobić?! Początkowo Bryullov malował głównie włoskich arystokratów, a także akwarele ze scenami z życia. Te ostatnie stały się bardzo popularną pamiątką z Włoch. Były to obrazy niewielkich rozmiarów, z kompozycjami drobnofigurkowymi, bez portretów psychologicznych. Takie akwarele gloryfikowały głównie Włochy ze względu na ich piękną przyrodę i przedstawiały Włochów jako naród, który genetycznie zachował starożytne piękno swoich przodków.

Przerwana randka (Woda już przepłynęła przez krawędź). 1827

Bryullov pisał w tym samym czasie, co Delacroix i Ingres. Był to czas, kiedy w malarstwie na pierwszy plan wysunął się temat losów ogromnych mas ludzkich. Nic więc dziwnego, że na swoje programowe płótno Bryullov wybrał historię śmierci Pompejów.

Bryullov nadwątlił swoje zdrowie podczas malowania katedry św. Izaaka

Obraz wywarł taki wpływ na Mikołaja I mocne wrażenieże zażądał, aby Bryulłow wrócił do ojczyzny i zajął miejsce profesora Cesarskiej Akademii Sztuk. Po powrocie do Rosji Bryulłow spotkał się i zaprzyjaźnił z Puszkinem, Glinką i Kryłowem.

Freski Bryulłowa w katedrze św. Izaaka

Artysta ostatnie lata życia spędził we Włoszech, próbując ratować zdrowie, nadszarpnięte podczas malowania katedry św. Izaaka. Godziny długiej, ciężkiej pracy w wilgotnej, niedokończonej katedrze źle wpływały na serce i zaostrzały reumatyzm.

Bryulłow Karol Pawłowicz (1799-1852)

Żadna z Artyści europejscy w XIX wieku nie odniósł tak wspaniałego triumfu, jaki przypadł młodym Malarz rosyjski Karol Pawłowicz Bryulłow, kiedy w połowie 1833 roku otworzył przed widzami drzwi swojej rzymskiej pracowni nowo ukończoną obraz„ ”. Podobnie jak Byron miał prawo powiedzieć o sobie, że pewnego pięknego poranka obudził się sławny. Słowo „sukces” nie wystarczy, aby scharakteryzować stosunek do niego zdjęcie. Pod ręką było coś więcej - obraz wywołał wśród publiczności eksplozję zachwytu i podziwu dla rosyjskiego artysty, który jakby odkrył Nowa strona w historii sztuki światowej.

Jesień 1833 obraz pojawił się wystawa V Mediolan. Tutaj triumf rosyjskiego mistrza osiągnął swój najwyższy punkt. Każdy chciał zobaczyć dzieło, „o którym mówi cały Rzym”. Włoskie gazety i czasopisma publikowały entuzjastyczne recenzje na temat „ Ostatni dzień Pompejów„i jego autor. Tak jak kiedyś czczono wielkich mistrzów renesansu, tak teraz zaczęli to czcić Bryulłow. Stał się najbardziej znana osoba we Włoszech. Został powitany brawami na ulicy, a w teatrze nagrodzony owacjami na stojąco. Poeci dedykowali mu wiersze. Podróżując po granicach włoskich księstw nie miał obowiązku przedstawiania paszportu – wierzono, że każdy Włoch ma obowiązek znać go z widzenia.

W 1834 r. „” zostało wystawione na Salonie Paryskim. Akademia Francuska sztuka wyróżniony Bryulłow złoty medal. Jeden z pierwszych biografów Bryulłow, N.A. Ramazanov, mówi to pomimo zazdrosnych plotek niektórych Artyści francuscy, paryska opinia publiczna skupiła swoją uwagę głównie na „ Ostatni dzień Pompejów„i z trudem i niechęcią opuściłem to obrazy".

Nigdy wcześniej chwała sztuki rosyjskiej nie rozprzestrzeniła się tak szeroko w całej Europie. Czekało nas jeszcze większe świętowanie Bryulłow w domu.

Przywieziony do Petersburga w lipcu 1834 roku i wystawiony najpierw w Ermitażu, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych, od razu znalazł się w centrum uwagi społeczeństwa rosyjskiego i stał się przedmiotem patriotycznej dumy.

„Tłumy gości, można powiedzieć, wpadały do ​​sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje” – mówi współczesny człowiek w swoim oficjalnym raporcie rocznym Akademia Sztuk przyznał Bryulowska zdjęcie najlepsze dzieło 19 wiek. Szeroko dystrybuowany wyryty odtwarzanie nagranego dźwięku "Ostatni dzień Pompejów„. Rozbili chwała Bryulłow na terenie całego kraju, daleko poza stolicą. Z entuzjazmem witani byli najlepsi przedstawiciele kultury rosyjskiej zdjęcie. Puszkin napisał:

Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie

Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.

Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn

Idole upadają! Naród napędzany strachem

Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,

Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Gogol pisał o „ Ostatni dzień Pompejów„obszerny artykuł, w którym to przyznał zdjęcie„kompletnym uniwersalnym dziełem”, w którym wszystko jest „tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone w jedno, jak tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniuszu”.

Malarstwo Bryullova wzbudził w największym stopniu niezwykle duże zainteresowanie malarstwem szerokie koła społeczeństwo rosyjskie. Nieustanna rozmowa o „ Ostatni dzień Pompejów„w prasie, w korespondencji, w prywatnych rozmowach wyraźnie pokazali, że dzieło malarskie potrafi ekscytować i dotykać nie mniej niż literatura. rolę publiczną Sztuka piękna w Rosji rozpoczęła się właśnie od obchodów Bryulłowa.

Malarstwo historyczne, który od dawna jest zajęty czołowe miejsce V sztuka akademicka, skupiając się przede wszystkim na tematyce zaczerpniętej z Biblii i Ewangelii lub mitologii starożytnej. Ale nawet w przypadkach, gdy działka obrazy nie była legendą, ale prawdziwym wydarzeniem historycznym, malarze Akademii w istocie byli bardzo dalecy od autentyczności historycznej w swoim rozumieniu i interpretacji tego, co zostało przedstawione. Nie szukali prawdy historycznej, ponieważ ich celem nie było odtworzenie przeszłości, ale ucieleśnienie tej czy innej abstrakcyjnej idei. W ich obrazy postacie historyczne przybrały wygląd konwencjonalnych „ starożytni bohaterowie”, niezależnie od tego, czy wydarzenie to zostało przedstawione w historii starożytnego Rzymu, czy Rosji.

„utorowała drogę do zupełnie innego rozumienia i interpretacji tematu historycznego.

W poszukiwaniu życiowej prawdy Bryulłow, pierwszy wśród rosyjskich artystów, postawił sobie za cel rekreację zdjęcie prawdziwe wydarzenie przeszłości, w oparciu o badania źródeł historycznych i danych archeologicznych.

W porównaniu z fantastyczną „archeologią” swoich poprzedników Bryulłow ten zewnętrzny historyzm sam w sobie był poważnym, innowacyjnym osiągnięciem. Nie wyczerpują one jednak znaczenia Bryulłowski obrazy. Potwierdzono autentyczność archeologiczną Bryulłow jedynie środkiem do głębszego ujawnienia tematu, do wyrażenia nowoczesne podejście do przeszłości.

"Myśl obrazy całkowicie należy do gustu naszego stulecia, które jakby czując swoje straszliwe rozdrobnienie, stara się agregować wszystkie zjawiska w ogólne grupy i wybiera silne kryzysy odczuwane przez całą masę” – napisał Gogol, ujawniając treść „ Ostatni dzień Pompejów".

W przeciwieństwie do poprzedniego malarstwo historyczne z kultem bohaterów i naciskiem na indywidualny w przeciwieństwie do bezosobowego tłumu, Bryulłow pomyślałem „” jak scena tłumu, w którym jedynym i prawdziwym bohaterem byłby naród. Wszyscy główni bohaterowie w zdjęcie są prawie równoważnymi wykładnikami tematu; oznaczający obrazy ucieleśnia się nie w przedstawieniu pojedynczego bohaterskiego czynu, ale w uważnym i dokładnym przekazie psychologii mas.

W tym samym czasie Bryulłow z przemyślaną, a nawet ostrą bezpośredniością podkreśla główne kontrasty, które wyrażają ideę walki nowego ze starym, życia ze śmiercią, ludzkiego umysłu ze ślepą władzą żywiołów. Wszystko jest podporządkowane tej myśli ideologiczny I rozwiązanie artystyczne obrazy, stąd wywodzą się jego cechy, które zadecydowały o tym miejscu” Ostatni dzień Pompejów„w sztuce rosyjskiej XIX wieku.

Temat Malowidła pochodzą z historii starożytnego Rzymu. Pompejusz(albo raczej Pompeje) – starożytne rzymskie miasto położone u podnóża Wezuwiusza – 24 sierpnia 79 roku n.e. w wyniku potężnej erupcji wulkanu zostało wypełnione lawą oraz pokryte kamieniami i popiołem. W wyniku paniki na ulicach miasta zginęło dwa tysiące mieszkańców (w sumie było ich około 30 tysięcy).

Przez ponad półtora tysiąca lat miasto pozostawało pogrzebane pod ziemią i zapomniane. Tylko w koniec XVI wieku podczas prac wykopaliskowych przypadkowo odkryto miejsce, w którym znajdowała się niegdyś zaginiona osada rzymska. Od 1748 roku rozpoczęto badania archeologiczne, które szczególnie nasiliły się w pierwszych dziesięcioleciach XIX wieku. Wzbudziły one zwiększone zainteresowanie środowisk artystycznych nie tylko we Włoszech, ale na całym świecie. Każde nowe odkrycie stawało się sensacją wśród artystów i archeologów i tragedią temat i Pompeje Jednocześnie wykorzystywano go w literaturze, malarstwie i muzyce. Opera pojawiła się w 1829 r Włoski kompozytor Paccini, w 1834 r. powieść historyczna Angielski pisarz Bulverlitton Ostatnie dni Pompejów". Bryulłow jako pierwszy zajął się tym tematem: szkicami swojej przyszłości obrazy pochodzą z lat 1827-1828.

Bryulłow miał 28 lat, kiedy zdecydował się napisać „”. Dobiegał końca piąty rok jego emerytury we Włoszech. Miał już na swoim koncie kilka poważnych dzieł, ale żadne z nich nie wydawało się artyście w pełni godne jego talentu; czuł, że jeszcze nie spełnił pokładanych w nim nadziei.

Z Bryulłow czekamy duży malarstwo historyczne- specyficznie historyczne, gdyż w estetyce początku XIX w. ten rodzaj malarstwa uznawany był za najwyższy. Nie zrywając z dominującymi wówczas poglądami estetycznymi, Bryulłow i on sam szukał fabuły, która odpowiadała wewnętrznym możliwościom jego talentu, a jednocześnie była w stanie sprostać wymaganiom, jakie można było mu postawić współczesna krytyka i Akademii Sztuk.

Szukam takiej historii Bryulłow Długo wahałem się pomiędzy tematami z historii Rosji i mitologii starożytnej. Zamierzał pisać zdjęcie "Oleg przybija swoją tarczę do bram Konstantynopola”, a później nakreślił fabułę z historie Piotr Wielki. Jednocześnie tworzył szkice na tematy mitologiczne („ Śmierć Faetona", "Hylas, skradziony przez nimfy„i inne). Jednak wysoko cenione w Akademii wątki mitologiczne przeczyły realistycznym tendencjom młodych Bryulłow, a ze względu na temat rosyjski, będąc we Włoszech, nie mógł zebrać materiału.

Temat zniszczenie Pompejów rozwiązał wiele trudności. Sama fabuła, jeśli nie tradycyjna, to jednak niewątpliwie miała charakter historyczny i od tej strony spełniała podstawowe wymogi estetyki akademickiej. Akcja miała rozgrywać się na tle starożytnego miasta z jego architektura klasyczna i pomniki starożytna sztuka; wkroczył w ten sposób świat form klasycznych zdjęcie bez żadnej celowości, jakby sam w sobie, ale spektakl szalejących żywiołów i tragiczna śmierć otworzyło dostęp do obrazów romantycznych, w których talent malarza mógł znaleźć nowe, niespotykane dotąd możliwości ukazywania wielkich uczuć, namiętnych impulsów emocjonalnych i głębokich przeżyć. Nic dziwnego, że temat urzekł i został uchwycony Bryulłow: łączy w sobie wszystkie warunki najpełniejszego wyrażenia swoich myśli, wiedzy, uczuć i zainteresowań.

Źródła na podstawie których Bryulłow rozwiązał swój temat, pojawiły się autentyczne zabytki starożytne, odkryte w zaginionym mieście, prace archeologów i opisy katastrofy V Pompeje, wykonane przez współczesnego i naocznego świadka, Pisarz rzymski Pliniusz Młodszy.

Pracować nad " Ostatni dzień Pompejów„ ciągnęło się przez prawie sześć lat (1827-1833), a świadectwo było głębokie i intensywne kreatywne zadania Bryulłow Liczne rysunki, opracowania i szkice wyraźnie pokazują, jak rozwijała się idea artysty.

Wśród nich Praca przygotowawcza Szkic z 1828 roku zajmuje miejsce szczególne. Pod względem siły oddziaływania artystycznego być może nie jest gorszy zdjęcie. To prawda, że ​​\u200b\u200bszkic nie pozostał całkowicie sfinalizowany, poszczególne obrazy i postacie zostały w nim jedynie zarysowane, a nie w pełni ujawnione; ale ta zewnętrzna niekompletność łączy się w wyjątkowy sposób z głęboką wewnętrzną kompletnością i artystyczną perswazją. Znaczenie poszczególnych odcinków, później szczegółowo rozwinięte w zdjęcie, tutaj zdaje się rozpływać w ogólnym namiętnym impulsie, w jednym tragicznym uczuciu, w integralnym obrazie umierającego miasta, bezsilnego wobec naporu spadających na nie żywiołów. Szkic opiera się na romantycznie pojętej idei zmagania się człowieka z losem, którego personifikacją są tutaj żywiołowe siły natury. Śmierć zbliża się z nieuniknionym okrucieństwem, niczym starożytny los, a człowiek całym umysłem i wolą nie jest w stanie przeciwstawić się losowi; jedyne, co może zrobić, to z odwagą i godnością stawić czoła nieuniknionej śmierci.

Ale Bryulłow nie zastanawiał się nad tym rozwiązaniem swojego tematu. Nie był zadowolony ze szkicu właśnie dlatego, że tak uporczywie wybrzmiewały w nim nuty beznadziejnego pesymizmu, ślepego poddania się losowi i niewiary w ludzką siłę. Takie rozumienie świata pozostawało poza tradycjami kultury rosyjskiej i zaprzeczało jej zdrowym, ludowym podstawom. Podtrzymująca życie moc tkwiąca w talencie Bryulłow, nie mogłem się pogodzić z „ Ostatni dzień Pompejów„, zażądał wyjścia i pozwolenia.

Bryulłow znalazł tę drogę, przeciwstawiając duchową wielkość i piękno człowieka niszczycielskim elementom natury. Dla niego plastyczne piękno zamienia się w potężną siłę, która afirmuje życie w obliczu śmierci i zniszczenia. "...Jego postacie są piękne pomimo całej grozy ich sytuacji. Zagłuszają ją swoim pięknem" - pisał Gogol, który subtelnie dostrzegł główną myśl Bryulłowski obrazy.

Próbując wyrazić różnorodność stany psychiczne i odcienie uczuć, które ogarnęły mieszkańców umierającego miasta, Bryulłow zbudowałem własny zdjęcie jako cykl odrębnych, zamkniętych epizodów, niepowiązanych fabułą. Ich znaczenie ideologiczne staje się jasne dopiero wtedy, gdy patrzy się jednocześnie na wszystkie grupy i niezależne motywy fabuły, części "".

Idea triumfu piękna nad zniszczeniem szczególnie wyraziście wyraża się w grupie postaci stłoczonych na stopniach grobowca po lewej stronie obrazy. Bryulłow celowo połączono tu obrazy kwitnącej siły i młodości. Ani cierpienie, ani groza nie zniekształcają ich idealnie pięknych rysów; Na ich twarzach można odczytać jedynie wyraz zaskoczenia i niespokojnego oczekiwania. W postaci młodego mężczyzny wyczuwalna jest tytaniczna moc, przedzierająca się przez tłum z namiętnym impulsem. Charakterystyczne jest, że ten świat pięknych klasycznych obrazów inspirował rzeźba antyczna, Bryulłow dodaje zauważalną nutę realizmu; wiele jego postaci niewątpliwie jest zaczerpniętych z życia, a wśród nich wyróżnia się jego autoportret Bryulłow, przedstawiający siebie jako artystę pompejańskiego, który uciekając z miasta zabiera ze sobą pudełko pędzli i farb.

W głównych grupach po prawej stronie obrazy Główne motywy to te, które podkreślają duchową wielkość człowieka. Tutaj Bryulłow skoncentrowane przykłady odwagi i bezinteresownego wykonywania obowiązków.

Na pierwszym planie trzy grupy: „dwóch młodych Pompejusza niosących na ramionach chorego, starego ojca”, „Pliniusz z matką” oraz „młodzi małżonkowie” – młody mąż podtrzymujący padającą ze zmęczenia żonę, zwieńczony koroną wieniec ślubny. Jednakże, ostatnia grupa psychologicznie prawie nie rozwinięty i ma charakter wstawka kompozycyjna niezbędne dla równowagi rytmicznej obrazy. O wiele bardziej wymowna jest grupa synów niosących ojca: na obrazie starca, majestatycznie wyciągającego rękę, wyraża się dumna nieugiętość ducha i surowa odwaga. Na przedstawieniu najmłodszego syna, czarnookiego włoskiego chłopca, wyczuwa się dokładny i bezpośredni szkic z życia, w którym wyraźnie manifestuje się żywe realistyczne uczucie Bryulłow.

Zasady realistyczne wyrażają się ze szczególną siłą w niezwykłej grupie Pliniusza i jego matki. W szkicach i wczesnych szkicach odcinek ten rozwijany jest w klasycznych formach, podkreślających historyczność i antyczny charakter rozgrywająca się scena. Ale w zdjęcie Bryulłow zdecydowanie odsunął się od oryginalny plan- tworzone przez niego obrazy zadziwiają bezstronną i autentyczną żywotnością.

W Centrum obrazy znajduje się leżąca na ziemi postać młodej kobiety, która zginęła podczas upadku z rydwanu. Można przypuszczać, że na tym rysunku Bryulłow chciał symbolizować wszystko, co umierało świat starożytny; Wzmiankę o takiej interpretacji można znaleźć także w recenzjach współczesnych. Zgodnie z tą intencją artysta poszukiwał najdoskonalszego klasycznego urzeczywistnienia tej figury. Współcześni, w tym Gogol, widzieli w niej jedno z najbardziej poetyckich stworzeń Bryulłow.

Nie wszystkie epizody są jednakowo ważne dla rozwoju tematu, ale w ich naprzemienności i porównywaniu uporczywie ujawnia się główna idea Bryulłow o walce życia ze śmiercią, o triumfie rozumu nad ślepymi siłami żywiołów, o narodzinach nowego świata na walących się ruinach starego.

To nie przypadek, że obok Centralna figura artysta przedstawił piękne dziecko zamordowanej kobiety jako symbol niewyczerpanej mocy życia; Nieprzypadkowo w ugrupowaniach Pliniusza z matką i synami niosącymi starszego ojca przeciwstawiane są obrazy młodości i starości; Wreszcie podkreślony kontrast pomiędzy „pogańskim”, pięknym od starożytności tłumem na stopniach grobowca i majestatycznie spokojną „rodziną chrześcijan” nie jest przypadkowy. W zdjęcie jest tu zarówno kapłan pogański, jak i kapłan chrześcijański, jakby uosabiający odchodzący świat starożytny i powstającą na jego gruzach cywilizację chrześcijańską.

Być może obrazy księdza i księdza nie są wystarczająco głębokie, nie jest ukazany ich świat duchowy zdjęcie a charakterystyka pozostała w dużej mierze zewnętrzna; dało to później V.V. Stasovowi powód do poważnych wyrzutów Bryulłow ponieważ nie wykorzystał okazji do ostrego skontrastowania zrujnowanego, umierającego Rzymu i młodego chrześcijaństwa. Ale myśl o tych dwóch światach jest niewątpliwie obecna w zdjęcie. Z jednoczesnym i integralnym postrzeganie obrazy Wyraźnie widać organiczne powiązanie składających się na nią epizodów. Odcienie uczuć i różne Stany umysłu akty męstwa i poświęcenia obok przejawów rozpaczy i strachu podane są w „ Ostatni dzień Pompejów„w kierunku harmonijnej, harmonijnej i artystycznie integralnej jedności.

Cudowne płótna. L., 1966. S.107

Renowacja obrazu Ostatni dzień Pompejów

Wyjątkowym wydarzeniem w życiu Muzeum Rosyjskiego było K. P. Bryullova„”. Liczne wcześniejsze renowacje jedynie opóźniały moment rozpoczęcia zasadniczych prac nad płótnem – płótno obrazu „wypaliło się” i stało się kruche; w miejscach pęknięć płótna na przedniej stronie pojawiły się 42 łaty; ubytki warstwy farby zabarwiono dodatkiem oryginalnego malarstwa; Powłoka lakiernicza znacznie zmieniła kolor. Po wzmocnieniu obraz został przeniesiony na nowe płótno. Zrobiliśmy to dobra robota konserwatorzy I. N. Kornyakova, A. V. Minin, E. S. Soldatenkov; doradzał S. F. Konenkov.

Malarstwo K. P. Bryullova „Ostatni dzień Pompejów” wszedł do Muzeum Rosyjskiego z Ermitażu w 1897 roku. Po gruntownej renowacji w 1995 roku obraz został rozciągnięty na naprawionym wcześniej designerskim kroju i wrócił na wystawę.

Decyzja o rozpoczęciu renowacji obrazu została podjęta na posiedzeniu rozszerzonej Rady Restauratorskiej Państwowego Muzeum Rosyjskiego w dniu 15 marca 1995 r.

Na początku pracy zabezpieczono je prewencyjnym sklejeniem papieru, a następnie płótno zdjęto z autorskiego krosna. Następnie obraz rozciągnięto na krawędziach na marmurowej posadzce kolorową powierzchnią w dół, a tylną stronę oczyszczono z powierzchniowych zabrudzeń. Z tylnej strony usunięto dwie warstwy antycznej renowacji powielającej krawędzie, które były przyczyną poważnych deformacji płótna na krawędziach oraz ponad 40 łat renowacyjnych, które stanęły w miejscu starych pęknięć płótna. Miejsca ponad setek ubytków płótna autorskiego, zwłaszcza liczne na krawędziach, naprawiono wstawkami nowego płótna. Następnie obraz został powielony na nowe płótno, identyczne pod względem charakteru i jakości z zamówionym w Niemczech dziełem autora. Miejsca ubytku warstwy farby wypełniono podkładem renowacyjnym i zabarwiono akwarelami. Designerski lakier zostaje całkowicie odnowiony poprzez regenerację oparami alkoholu.

W trakcie prac opracowano metody wzmacniania warstwy farby i gruntu na dużej przestrzeni. Ważny wynik pracami było opracowanie nowych urządzeń, które ułatwią i uproszczą proces renowacji technicznej. Przez specjalny projekt Stworzono trwałą duraluminiową ramę pomocniczą z systemem specjalnych mocowań do napinania płótna powielającego. System ten umożliwiał wielokrotne napinanie płótna do pożądanego napięcia w trakcie pracy.

Warsztaty kadrowania Moskwa

Warsztaty kadrowania w Moskwie położony na ulicy. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira.

Warsztaty kadrowania rozszerza zakres działalności w Moskwa I region Moskwy dostarczać usługi Przez ramy V bagietka obrazy, zdjęcia, obrazy, zbiory.

Ramki na zdjęcia bagietki

Zamówienie ramki na zdjęcia Możesz w naszym warsztaty kadrowania. Warsztat produkuje ramki bagietki z drewniany, Plastikowy I aluminium bagietka najlepsze firmy ramowe Europa. Bagietki ramki na zdjęcia Z passe-partout. Bagietki ramki na zdjęcia handel detaliczny i hurtowy. Struktura standardowe rozmiary - A4, A3, A2. Ramki bagietki duże rozmiary. Ramki na zdjęcia z szeroki bagietka. Ramki na zdjęcia duże rozmiary. Ramki bagietki z szkło. Bez odblasków bagietka szkło.

Zamów bagietkę

Zamów bagietkę V warsztaty kadrowania. Wartość artystyczna bagietka zależy od profilu i wzoru reliefu. W kolekcji drewniana bagietka Istnieją duże profile dekoracyjne. Wzór dekoru został zaprojektowany w taki sposób, aby można go było wykorzystać w obu przypadkach rejestracja nowoczesny obrazy, Więc klasyczny Pracuje. W zależności od szerokości bagietka nazywana jest wąską i szeroką, a w zależności od grubości - niską i wysoką. Drewno bagietka do zdjęć. Drewniana bagietka. Bagietka jest zrobiona z różne rasy drzewo najbardziej różne profile, z różnymi wykończeniami dekoracyjnymi: zdobieniami, różnymi kolorami, lakierami i złotymi powłokami. W kolekcja drewniana bagietka również zawarte bagietka Z elementy wykonane samodzielnie.

Passepartout do obrazów

Passe-partout wykonane jest z kolorowej tektury, w której wycięte jest „okno”. Jak mata pod obrazy używany bagietka o profilu płaskim – tzw. „drewnianym”. passe-partout" - szeroki płaski bagietka, zwykle jasne kolory, często z imitacją tekstury płótno lub pokryte prawdziwy płótno. Stroną surową, wykończoną płótno, zamsz Lub pod złotem, płaski wkład bagietkowy położony pomiędzy obraz I rama, wzrastający jej szerokość. Metalizowane passe-partout (imitacja metal powierzchnie) daje doskonałe rezultaty z projekt fotograficzny, dyplomy I certyfikaty. W tym samym czasie " ciemne złoto” (srebro, miedź) świetne dla ramy portrety antyczne. Passepartout Móc zamówienie I kupić V nasz warsztat.

Moskwa

Warsztat znajduje się w Moskwie, przy ul. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira.

Moskwa- kapitał Federacja Rosyjska, centrum administracyjne Centralny federalny dzielnice I region Moskwy.

Ramy lusterek

Duży wybór ramy luster. Drewno bagietka do lusterek I obrazy. Lustra w złotej bagietce. Zamówienie ramy luster V warsztaty kadrowania. Rama daje lustro dekoracyjność i decyduje o przynależności do określonego stylu. Lustro potrafi „zadziwić” ciekawym kształtem i oryginalną oprawą. Pozostają niedoścignione w swojej oryginalności metalowe ramki , dzięki różnorodności kształtów zewnętrznych, niezwykłemu wzornictwu i doskonałemu wykonaniu. Połączenie szkło I metal zawsze wygląda elegancko i praktycznie. Niezwykle ścisłe formy metalowa bagietka dopełni wnętrze niepowtarzalnym stylem.

Zamawianie szkła ramowego

W ramka lub w ramka na zdjęcia Cięcie i wkładanie szkła jest łatwe. Jeśli szkło ma być włożone rama z próbką (rabat), wówczas rozmiar szkła powinien być o kilka milimetrów mniejszy od zmierzonego rozmiaru próbki. Jeśli rozmiary próbek są stałe na całej szerokości i wysokości struktura, wówczas wystarczający jest naddatek 2 mm. Zamawianie szkła ramowego. Szkło antyrefleksyjne w ramce Móc zamówienie I kupić V warsztaty kadrowania.

Malowanie noszy

Nosze chroni przed złamaniem. Produkcja ramy pomocnicze zamówić. Warsztaty kadrowania produkuje ramy pomocnicze Dla obrazy. Do wykonania ramy pomocniczej użyto trwałego drewna. Dobrze wykonane napinacz eliminuje „zapadanie się” płótna i tym samym przedłuża jego żywotność zdjęcie. Rzemieślnicy naciągają hafty, batiki i płótno na nosze.

Wiszące obrazy

Warsztaty kadrowania oferuje nowa metoda zawieszki do zdjęć używając zawieszenie Nielsena. Sztanga z profil metalowy Nielsena mocowany do ściany za pomocą plastikowych podkładek. Linki perlonowe mocuje się wewnątrz profilu bomu za pomocą przesuwnych haczyków lub tulejek i można je przesuwać metal pręty. Wytrzymała nylonowa żyłka o grubości 2 mm jest prawie niewidoczna na tle ściany. Obrazy zawieszony na żyłce za pomocą metal haki ze śrubami, które można zamocować na żądanej wysokości. Pewne zamocowanie na wymaganej wysokości wymaga pewnego wysiłku podczas wkręcania śruby. Metal profilłatwo zamontować pod sufitem i pozwala na łatwy i bezproblemowy montaż ponownie powiesić zdjęcia.

Ramki na zdjęcia

Złoto bagietka do zdjęć. Duży ramki na zdjęcia. Warsztaty kadrowania rysuje V bagietka obrazy, akwarela, rysunki, zdjęcia, plakaty, lustra itp. Artyści przywiązują dużą wagę do wyboru ramy Dla ich obrazy. Wielu wielkich artystów szkicowało elementy bagietka a nawet oni sami zrobiony. Ramki na zdjęcia Móc zamówienie I kupić V warsztaty kadrowania.

Ramki do obrazów akwarelowych

Wykorzystując technikę malarstwa akwarelowego możesz stworzyć obrazy w gatunku pejzaż, martwa natura, portret. Przejrzystość i miękkość najcieńszej warstwy farby obrazy Czy charakterystyczne właściwości Malarstwo akwarelowe. Dla ramy akwarele Wskazane jest użycie passe-partout i niezbyt szerokiej bagietki. Ramy V drewniana bagietka. Struktura Dla akwarele.

Ramki na zdjęcia

Rysunki tworzone przez artystów w procesie studiowania natury (szkice, studia), w trakcie poszukiwań rozwiązania kompozycyjne graficzne, obrazowe i prace rzeźbiarskie(szkice, kartony), podczas zaznaczania malowniczy obrazy ( rysunek przygotowawczy w trakcie malowania). Profesjonalny dekoracje grafiki, fotografie, dokumenty z za pomocą drewniana bagietka I passe-partout. Struktura Zebrane z bagietka wykonany z drewna tropikalnego. W naszym warsztat możesz wybrać jedną z opcji dekoracja za grafikę i porządek passe-partout I bagietka do ramki. Wartość artystyczna bagietki zależy od profilu i wzoru reliefu. W zależności od szerokości bagietka zwany wąski(do 4 cm) i szeroki oraz w zależności od grubości - niski i wysoki. Rysunki ołówkiem wyglądają lepiej w skromnej wąskiej bagietce ( metal Lub drewniany). Duże ramki z złota bagietka Dla rysunki I grafika. Ramki metalowe A3 Dla rysunki.

Metalowe ramki na zdjęcia

Tradycyjnie jak najbardziej ciekawy I niezapomniany zdjęcia wstawić V struktura, które można postawić na stole lub powiesić na ścianie. Ważne jest, aby zrobić to dobrze wybierz ramkę, musi pasować zdjęcia i współgrają z wystrojem pomieszczenia. Zdjęcia można oprawić w pracowni. Pogląd bagietka zależy od typu obrazów fotografie(portret, pejzaż, zdjęcia dzieci). Passepartout do zdjęć. Na projekt fotograficzny może być użyte passe-partout. DO passe-partout Istnieje możliwość zaoferowania listwy (obrzeża wzdłuż krawędzi okna).
Kup ramki na zdjęcia możliwe w warsztaty kadrowania. Plastikowe ramki na zdjęcia praktyczne, łatwe i tani. Są świetne do każdego rodzaju zdjęcia I naśladować metal I drewniany struktura. Splendor i szlachetność metal. Bardzo popularna srebro matowy metalowe ramki. Metalowe ramki na zdjęcia są bardzo drogie tani, bo materiał na nie produkcja służy niedrogi aluminium. Na mała cena metalowe ramki mają wiele zalet. Elegancja formy i urzekające piękno metal czasem się zmusza rama„konkurować” z fotografią. Dlatego ważne jest, aby treść była godna formy. Taki w Profesjonalnie wykonane zdjęcia portretowe będą wyglądać najbardziej harmonijnie.

Ramki dokumentów

Przygotowanie dokumentów, dyplomów, zaświadczeń

Ramki plastikowe A3 i A4 Ramki plastikowe formatu A4 na świadectwa, dyplomy, dyplomy. Gotowe ramki o standardowych rozmiarach na certyfikaty, dyplomy, plakaty, zdjęcia. Złote ramki Dla dyplomy. Złote ramki A3. Ramki plakatowe formatu A3. Na dyplomy, certyfikaty i legitymacje w warsztaty kadrowania Istnieje możliwość zamówienia laminowania.

Ramki na karty

Karty są powszechne duże rozmiary. W przypadkach, gdy wymagana jest zwiększona wytrzymałość, metalowa bagietka- najlepszy wybór. W ramkach z metal bagietka Można umieszczać różne kartki, plakaty, banery. W biurze możesz powiesić stare mapy geograficzne. Stara mapa w drogim wnętrzu biurowym wymaga odpowiedniego ramy aby podkreślić gust i preferencje stylistyczne osoby w tym gabinecie zawieszony.

Ramki do haftowanych obrazów

Ramki do haftowanych obrazów. Jeśli ty haftować obrazy, to prędzej czy później będziesz musiał wybrać za nią rama.

Wybieranie rama Dla rejestracja haft, warto o tym pamiętać styl, kolor, szerokość i inne funkcje bagietka do ramki bezpośrednio zależą od fabuły, decyzji dotyczącej stylu, zakres kolorów i rozmiar haftowane obrazy. Do każdego haftowany obrazek wybierz swój własny, niepowtarzalny ramy. Wybór ramki Dla haftowane obrazy zależy też od tego jak będzie używany projekt haftu passe-partout albo nie.

Większość haftowane obrazy Efektowniej będzie wyglądać, jeśli do dekoracji użyjesz passe-partout. Passepartout wykonuje się pojedynczo, podwójnie, czasem potrójnie. Wybór potrójnej maty to złożony proces nawet dla specjalisty (projektanta). Haft naciąga się tak, aby komórki płótna przebiegały równolegle do wycięcia kartonowego passe-partout. Coraz bardziej rozpowszechnione obrazy, zroszony.

Gobelinowe ramki do zdjęć

Gobelin jest tkany ręcznie obraz-dywan. Gobeliny tkano według wzorów z kolorowych nici wełnianych i jedwabnych. Złote ramki Dla gobeliny. Bagietka do zdjęć z gobelin dobierane są na podstawie fabuły przedstawionej na gobelinie. Najczęściej używana bagietka drewniana brązowe odcienie, czasami - na złoto, rzadziej - na srebro.

Miasto zostało odkryte całkiem przypadkowo pod koniec XVI wieku podczas prac wykopaliskowych.

Karol Bryulłow. Ostatni dzień Pompejów. 1830-1833

Rozpoczęły się tu wykopaliska archeologiczne połowy XVIII wieku wiek. Oni dzwonili Szczególne zainteresowanie nie tylko we Włoszech, ale na całym świecie. Wielu podróżników starało się odwiedzić Pompeje, gdzie dosłownie na każdym kroku można było dostrzec ślady nagle zakończonego życia starożytnego miasta.

A w 1827 roku do Pompejów przybył młody rosyjski artysta Karl Bryullov. To, co tam zobaczył, zdumiało go. A to zdjęcie jest najprawdopodobniej efektem tej podróży.

Zanim zacznie rysować obraz, Bryullov zaczyna się uczyć źródła historyczne. Czyta listy świadka wydarzeń Pliniusza Młodszego do rzymskiego historyka Tacyta. W poszukiwaniu autentyczności artysta sięgnie także do materiałów pochodzących z wykopalisk archeologicznych, przedstawiając niektóre postacie w pozach, w jakich odnajdywano szkielety ofiar Wezuwiusza w stwardniałej lawie.

Obraz jest cenny, ponieważ prawie wszystkie przedmioty zostały namalowane przez Bryulłowa z oryginalnych przedmiotów przechowywanych w muzeum neapolitańskim. Zachowane rysunki, opracowania i szkice pokazują, jak uporczywie artysta poszukiwał najwięcej wyrazista kompozycja. I nawet gdy szkic przyszłego płótna był już gotowy, Bryullov kilkanaście razy przegrupowywał scenę, zmieniał gesty, ruchy, pozy…

Płótno przedstawia trzykrotnie hrabinę Julię Pawłownę Samoiłową – kobietę z dzbanem na głowie, stojącą na podwyższonej platformie po lewej stronie płótna; kobieta, która upadła i umarła, rozciągnięta na chodniku, a obok niej żywe dziecko (oba prawdopodobnie wyrzucone z rozbitego rydwanu) – w centrum płótna; oraz matka przyciągająca do siebie córki w lewym rogu obrazu.

Po lewej stronie w tle tłum uciekinierów na stopniach grobowca Skaurusa. Widzimy w nim artystę oszczędzającego to, co najcenniejsze – pudełko pędzli i farb. To autoportret Karla Bryullova.

Jesienią 1833 roku obraz pojawił się na wystawie w Mediolanie i wywołał eksplozję zachwytu i podziwu. Jeszcze większy triumf czekał Bryulłowa u siebie. Wystawiony w Ermitażu, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych obraz stał się powodem patriotycznej dumy. Została entuzjastycznie powitana przez A.S. Puszkin:
Wezuwiusz otworzył usta – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
W tłumie, starych i młodych, pod płonącymi popiołami,
Ucieka z miasta pod deszczem kamieni.

Bryullowa porównywano do wielkich włoskich mistrzów. Poeci dedykowali mu wiersze. Witano go brawami na ulicy i w teatrze. Rok później Francuska Akademia Sztuk przyznała artyście złoty medal za obraz za udział w Salonie Paryskim.

„I był to „Ostatni dzień Pompejów” dla rosyjskiego pędzla” – napisał poeta Jewgienij Baratyński. I rzeczywiście obraz został triumfalnie powitany w Rzymie, gdzie namalował go Bryullov, a następnie w Rosji, a Sir Walter Scott nieco pompatycznie nazwał obraz „niezwykłym, epickim”. Mikołaj I zaszczycił artystę osobistą publicznością i przyznał Karolowi wieniec laurowy, po czym artysta otrzymał imię „Karol Wielki”.

Anatolij Demidow podarował obraz Mikołajowi I, który wystawił go w Akademii Sztuk Pięknych jako przewodnik dla początkujących malarzy. Po otwarciu Muzeum Rosyjskiego w 1895 roku obraz został tam przeniesiony i udostępniony szerszej publiczności.