W XVII wieku wprowadzono podział gatunków malarstwa na „wysokie” i „niskie”. Pierwsza obejmowała gatunki historyczne, batalistyczne i mitologiczne. Drugi obejmował przyziemne gatunki malarstwa z Życie codzienne, na przykład, gatunek domowy, martwa natura, animalistyka, portret, akt, pejzaż.

gatunek historyczny

gatunek historyczny w malarstwie przedstawia nie konkretny przedmiot lub osobę, ale pewien moment lub wydarzenie, które miało miejsce w historii minionych epok. Jest zawarty w głównym gatunki malarskie w sztuce. Gatunki portretowe, batalistyczne, codzienne i mitologiczne są często ściśle powiązane z historycznymi.

„Podbój Syberii przez Yermaka” (1891-1895)
Wasilij Surikow

Artyści Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Wasilij Iwanowicz Surikow, Borys Michajłowicz Kustodiew i wielu innych malowało swoje obrazy w gatunku historycznym.

gatunek mitologiczny

Legendy, starożytne legendy i mity, folklor- obraz tych wątków, bohaterów i wydarzeń znalazł swoje miejsce gatunek mitologiczny obraz. Być może można go wyróżnić w malarstwie dowolnego narodu, ponieważ historia każdej grupy etnicznej jest pełna legend i tradycji. Na przykład taka fabuła mitologii greckiej, jak tajny romans boga wojny Aresa i bogini piękna Afrodyty, przedstawia obraz „Parnassus” włoskiego artysty Andrei Mantegny.

„Parnas” (1497)
Andrea Mantegna

Mitologia w malarstwie ukształtowała się ostatecznie w renesansie. Przedstawicielami tego gatunku, oprócz Andrei Mantegny, są Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Wiktor Michajłowicz Wasniecow i inni.

Gatunek bitewny

Malarstwo batalistyczne opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrowane są różne kampanie militarne, a także bitwy morskie i lądowe. A ponieważ te bitwy są często zaczerpnięte z prawdziwej historii, gatunki bitewne i historyczne znajdują tutaj swój punkt przecięcia.

Fragment panoramy „Bitwa pod Borodino” (1912)
Franza Roubauda

Malarstwo batalistyczne kształtowało się w czasach włoski renesans w twórczości artystów Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci, a następnie Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov i wielu innych malarzy.

gatunek domowy

Sceny z życia codziennego, towarzyskiego lub Prywatność zwykli ludzie, czy to życie miejskie, czy chłopskie, przedstawia gatunek codzienności w malarstwie. Jak wielu innych gatunki malarskie, codzienne obrazy rzadko spotykane są we własnej formie, stając się częścią gatunku portretowego lub pejzażowego.

„Sprzedawca instrumentów muzycznych” (1652)
Karola Fabrycjusza

Pochodzenie malarstwa codziennego miało miejsce w X wieku na Wschodzie, a do Europy i Rosji przeszło dopiero w XVII-XVIII wieku. Jan Vermeer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Michaił Szibanow i Iwan Aleksiejewicz Ermenew to najbardziej znani artyści malarstwa codziennego tego okresu.

Gatunek zwierzęcy

główne obiekty gatunek zwierząt to zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i domowe, i ogólnie wszyscy przedstawiciele świata zwierząt. Początkowo animalistyka była częścią gatunków malarstwa chińskiego, ponieważ po raz pierwszy pojawiła się w Chinach w VIII wieku. W Europie animalizm powstał dopiero w renesansie - zwierzęta w tym czasie były przedstawiane jako ucieleśnienie wad i cnót człowieka.

„Konie na łące” (1649)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp to główni przedstawiciele animalistyki w sztukach wizualnych.

Martwa natura

W gatunku martwej natury przedstawiane są przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to obiekty nieożywione zgrupowane razem. Przedmioty takie mogą należeć do tego samego rodzaju (na przykład na obrazie są przedstawione tylko owoce) lub mogą być niejednorodne (owoce, potrawy, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).

„Kwiaty w koszu, motyl i ważka” (1614)
Ambrosiusa Bosschaerta Starszego

Martwa natura jako niezależny gatunek ukształtowała się w XVII wieku. flamandzki i szkoła holenderska martwa natura. Przedstawiciele różnych stylów malowali swoje obrazy w tym gatunku, od realizmu po kubizm. Jeden z najbardziej słynne martwe natury namalowany przez malarzy Ambrosiusa Bosschaerta Starszego, Albertusa Jonah Brandta, Paula Cezanne'a, Vincenta van Gogha, Pierre'a Auguste'a Renoira, Willema Claesa Hedę.

Portret

Portret - gatunek malarstwa, który jest jednym z najbardziej powszechnych w sztukach wizualnych. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jej. wygląd, ale także po to, by oddać wewnętrzne uczucia i nastrój portretowanej osoby.

Portrety są pojedyncze, parowe, grupowe, a także autoportret, który niekiedy wyróżnia się jako odrębny gatunek. I najbardziej słynny portret wszech czasów, być może, jest obraz Leonarda da Vinci zatytułowany „Portret pani Lisy del Giocondo”, znany wszystkim jako „Mona Lisa”.

„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Pierwsze portrety pojawiły się tysiące lat temu w Starożytny Egipt- to były wizerunki faraonów. Od tego czasu większość artystów wszechczasów parała się tym gatunkiem w taki czy inny sposób. Gatunki malarstwa portretowego i historycznego mogą się również krzyżować: obraz wielkiej postaci historycznej zostanie uznany za dzieło gatunku historycznego, chociaż oddaje wygląd i charakter tej osoby jako portret.

nagi

Celem gatunku nago jest przedstawienie nagiego ciała osoby. Okres renesansu uważany jest za moment powstania i rozwoju tego typu malarstwa, a głównym przedmiotem malarstwa wówczas najczęściej stawał się kobiece ciało który ucieleśniał piękno epoki.

„Koncert wiejski” (1510)
tycjanowski

Tycjanowski, Amedeo Modiglianiego, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso to najbardziej znani artyści malujący w gatunku aktów.

Sceneria

Tematem przewodnim gatunku pejzażowego jest przyroda, Środowisko miasto, wieś lub pustynia. Pierwsze pejzaże pojawiły się w starożytności przy malowaniu pałaców i świątyń, tworzeniu miniatur i ikon. Jako niezależny gatunek krajobraz kształtuje się już w XVI wieku i od tego czasu stał się jednym z najpopularniejszych gatunki malarskie.

Jest obecny w twórczości wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Aleksieja Kondratiewicza Sawrasowa, Edouarda Maneta, poprzez Izaaka Iljicza Lewitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braque'a, a skończywszy na wielu współczesnych artystach XXI wieku.

„Złota jesień” (1895)
Izaak Lewitan

Wśród malarstwa pejzażowego można wyróżnić takie gatunki, jak pejzaże morskie i miejskie.

Weduta

Weduta to pejzaż, którego celem jest przedstawienie wyglądu obszaru miejskiego oraz oddanie jego piękna i koloru. Później, wraz z rozwojem przemysłu, krajobraz miejski przechodzi w krajobraz przemysłowy.

„Plac Świętego Marka” (1730)
Canaletta

Krajobrazy miejskie można docenić, zapoznając się z twórczością Canaletta, Pietera Brueghela, Fiodora Jakowlewicza Aleksiejewa, Sylwestra Feodosiewicza Szczedrina.

przystań

Pejzaż morski lub marina przedstawia naturę żywiołu morza, jego wielkość. Być może najbardziej znanym malarzem morskim na świecie jest Ivan Konstantinovich Aivazovsky, którego obraz Dziewiąta fala można nazwać arcydziełem malarstwa rosyjskiego. Okres rozkwitu mariny nastąpił równocześnie z rozwojem samego krajobrazu.

„Żaglówka podczas burzy” (1886)
Jamesa Butterswortha

Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexei Petrovich Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio i Rafael Montleon Torres są również znani ze swoich pejzaży morskich.

Jeśli chcesz dowiedzieć się jeszcze więcej o tym, jak powstały i rozwijały się gatunki malarstwa w sztuce, obejrzyj poniższy film:

Weź to, powiedz znajomym!

Przeczytaj także na naszej stronie:

Pokaż więcej

Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła powstają przy użyciu farb nakładanych na twardą powierzchnię. w dziełach sztuki, stworzony przez malowanie, barwy i wzoru, światłocienia, wyrazistości pociągnięć, faktur i kompozycji, co pozwala na odwzorowanie na płaszczyźnie barwnego bogactwa świata, objętości obiektów, ich oryginalności jakościowej, materiałowej, przestrzennej głębi i środowiska świetlno-powietrznego może przekazywać stan statyczności i poczucie chwilowego rozwoju, spokój i bogactwo emocjonalne i duchowe, przejściową natychmiastowość sytuacji, efekt ruchu itp.; w malarstwie możliwa jest szczegółowa narracja i złożona fabuła. Pozwala to malarstwu nie tylko wizualnie ucieleśniać widzialne zjawiska prawdziwy świat, pokazać szeroki obraz życia ludzi, ale także dążyć do ujawnienia istoty procesów historycznych, wewnętrznego świata człowieka, do wyrażenia abstrakcyjne pomysły. Ze względu na swoje ogromne możliwości ideowe i artystyczne malarstwo jest ważnym środkiem artystycznej refleksji i interpretacji rzeczywistości, posiada istotne treści społeczne i różne funkcje ideowe.

Rozległość i kompletność pokrycia rzeczywistości znajdują odzwierciedlenie w obfitości gatunków właściwych malarstwu (gatunek historyczny, gatunek codzienny, gatunek bitewny, portret, pejzaż, martwa natura). Są to malowidła: monumentalno-dekoracyjne (malowidła ścienne, plafony, płyciny), przeznaczone do dekoracji architektury i odgrywające ważną rolę w ideowej i figuratywnej interpretacji obiektu architektonicznego; sztalugi (obrazy), zwykle niezwiązane z żadnym konkretnym miejscem w zespole artystycznym; scenografia (szkice scenografii i kostiumów teatralnych i filmowych); ikonografia; miniaturowy. Diorama i panorama również należą do odmian malarstwa. W zależności od charakteru substancji wiążących pigment (barwnik), w zależności od technologicznych metod utrwalania pigmentu na powierzchni, malarstwo olejne różni się. farby na wodzie na tynku - surowym (fresco) i suchym (a secco), tempera, klej, wosk, emalie, malowanie farbami ceramicznymi, silikatowymi itp. oraz malarstwo monumentalne to zadania artystyczne. Do wykonywania obrazów używa się również akwareli, gwaszu, pasteli i tuszu.

Kolor jest najbardziej specyficznym środkiem wyrazu w malarstwie. Jej ekspresja, zdolność do wywoływania różnorodnych zmysłowych skojarzeń, potęguje emocjonalność obrazu, decyduje o malarskich, ekspresyjnych i dekoracyjnych możliwościach malarstwa. W obrazach formy kolorystyczne kompletny system(kolor). Zwykle stosuje się szereg powiązanych ze sobą kolorów i ich odcieni (gamut kolorowy), chociaż zdarza się również malowanie odcieniami tego samego koloru (monochromatyczny). Kompozycja kolorystyczna zapewnia pewną kolorystyczną jedność dzieła, wpływa na przebieg jego odbioru przez widza, będąc jego istotną częścią. struktura artystyczna. Innym ekspresyjnym środkiem malarskim jest rysunek (linia i światłocień), który wraz z kolorem porządkuje rytmicznie i kompozycyjnie obraz; linia oddziela tomy od siebie, często stanowi konstruktywną podstawę formy obrazkowej, umożliwia uogólnione lub szczegółowe odwzorowanie konturów obiektów i ich najmniejszych elementów. Chiaroscuro pozwala nie tylko stworzyć iluzję trójwymiarowych obrazów, oddać stopień oświetlenia lub zaciemnienia przedmiotów, ale także stwarza wrażenie ruchu powietrza, światła i cienia. Ważną rolę w malarstwie odgrywa również kolorowa plama lub kreska artysty, która jest jego główną techniką i pozwala mu przekazać wiele aspektów. Pociągnięcie pędzla przyczynia się do plastycznego, obszernego uformowania formy, oddania jej materialnego charakteru i faktury, w połączeniu z kolorem odtwarza bogactwo kolorystyczne świata rzeczywistego. Charakter kreski (gładka, ciągła lub pastowata, osobna, nerwowa itp.) Przyczynia się również do stworzenia emocjonalnej atmosfery dzieła, przeniesienia bezpośredniego uczucia i nastroju artysty, jego stosunku do przedstawionego.

Konwencjonalnie wyróżnia się dwa rodzaje reprezentacji obrazowych: liniowo-płaską i wolumetryczno-przestrzenną, ale nie ma między nimi wyraźnych granic. Malarstwo liniowo-płaskie charakteryzuje się płaskimi plamami lokalnego koloru, obrysowanymi wyrazistymi konturami, wyraźnymi i rytmicznymi liniami; w malarstwie starożytnym i częściowo w nowoczesnym istnieją warunkowe metody konstrukcji przestrzennej i reprodukcji obiektów, które ujawniają się widzowi logika semantyczna obrazy, rozmieszczenie obiektów w przestrzeni, ale prawie nie naruszają dwuwymiarowości malowniczej płaszczyzny. Chęć odtworzenia rzeczywistego świata tak, jak widzi go człowiek, która pojawiła się w sztuce starożytnej, spowodowała pojawienie się obrazów wolumetryczno-przestrzennych w malarstwie. W malarstwie tego typu można odtworzyć relacje przestrzenne kolorem, stworzyć iluzję głębokiej trójwymiarowości przestrzeni, płaszczyznę obrazową wizualnie zniszczyć za pomocą przejść tonalnych, zwiewnej i liniowej perspektywy, poprzez rozłożenie ciepła i zimna zabarwienie; formy wolumetryczne modelowane są kolorem i światłocieniem. W obrazach objętościowo-przestrzennych i liniowo-płaskich wykorzystuje się ekspresyjność linii i koloru, a efekt objętości, wręcz rzeźby uzyskuje się poprzez gradację tonów jasnych i ciemnych rozłożonych w wyraźnie ograniczonej plamie barwnej; jednocześnie kolorystyka jest często kolorowa, postacie i przedmioty nie łączą się z otaczającą przestrzenią w jedną całość. Malarstwo tonalne, za pomocą złożonego i dynamicznego rozwoju koloru, ukazuje najsubtelniejsze zmiany zarówno koloru, jak i jego tonacji w zależności od oświetlenia, a także od interakcji sąsiednich kolorów; ogólny ton łączy przedmioty z otaczającym środowiskiem świetlnym i powietrznym oraz przestrzenią. W malarstwie Chin, Japonii, Korei rozwinął się szczególny rodzaj obrazu przestrzennego, w którym daje się wrażenie nieskończonej przestrzeni widzianej z góry, z równoległymi liniami idącymi w dal i nie zbiegającymi się w głębi; postacie i przedmioty są prawie pozbawione objętości; ich położenie w przestrzeni pokazuje głównie stosunek tonów.

Obraz składa się z podłoża (płótno, drewno, papier, tektura, kamień, szkło, metal itp.), zwykle pokrytego podkładem, oraz warstwy malarskiej, czasem zabezpieczonej ochronną warstwą werniksu. W porządku i ekspresyjne możliwości malarstwo, cechy techniki pisania w dużej mierze zależą od właściwości farb, które wynikają ze stopnia rozdrobnienia pigmentów i charakteru spoiw, od narzędzia, którym artysta pracuje, od stosowanych przez niego rozcieńczalników; gładka lub chropowata powierzchnia podłoża i podłoża wpływa na sposób nakładania farb, fakturę obrazów, a prześwitujący kolor podłoża lub podłoża wpływa na kolor; czasami wolne od farby części podstawy lub podłoża mogą odgrywać rolę w konstrukcji koloru. Powierzchnia warstwy malarskiej obrazu, czyli jego faktura, jest błyszcząca i matowa, ciągła lub przerywana, gładka lub nierówna. Wymagany kolor, odcień uzyskuje się zarówno przez mieszanie kolorów na palecie, jak i przez szkliwo. Proces powstawania obrazu czy malowidła ściennego można podzielić na kilka etapów, szczególnie wyraźnych i spójnych w średniowiecznym malarstwie temperowym i klasycznym malarstwie olejnym (rysunek na podłożu, podmalowanie, lazura). Istnieje malarstwo o charakterze bardziej impulsywnym, które pozwala artyście bezpośrednio i dynamicznie ucieleśniać swoje życiowe wrażenia poprzez jednoczesną pracę nad rysunkiem, kompozycją, modelowaniem formy i koloru.

Malarstwo powstało w epoce późnego paleolitu (40-8 tys. lat temu). Zachowały się malowidła naskalne (w południowej Francji, północnej Hiszpanii itp.), malowane farbami ziemnymi (ochra), czarną sadzą i węglem drzewnym przy użyciu rozłupanych patyków, kawałków futra i palców (przedstawienia poszczególnych zwierząt, a następnie sceny polowań ). W malarstwie paleolitycznym występują zarówno obrazy liniowo-sylwetkowe, jak i proste modelowanie objętości, ale zasada kompozycyjna jest nadal słabo wyrażona. Bardziej rozwinięte, abstrakcyjnie uogólnione wyobrażenia o świecie znalazły odzwierciedlenie w malarstwie neolitycznym, w którym obrazy łączą się w cykle narracyjne, pojawia się wizerunek osoby.

Malarstwo społeczeństwa niewolników miało już rozwinięty charakter system figuratywny bogaty w środki techniczne. w starożytnym Egipcie, a także w starożytna Ameryka było malarstwo monumentalne, działające w syntezie z architekturą. Kojarzona głównie z kultem pogrzebowym, miała charakter szczegółowej narracji; główne miejsce zajmowało w nim uogólnione i często schematyczne przedstawienie osoby. Ścisła kanonizacja obrazów, która przejawiała się w cechach kompozycji, proporcjach postaci i odzwierciedlała sztywną hierarchię panującą w społeczeństwie, połączona została z odważną i celną obserwacją życia oraz bogactwem szczegółów zaczerpniętych z otaczającego świata (krajobraz , sprzęty gospodarstwa domowego, wizerunki zwierząt i ptaków). Starożytne malarstwo, którego głównymi środkami artystycznymi i ekspresyjnymi były linia konturowa i plamą barwną, miała walory dekoracyjne, jej płaskość podkreślała powierzchnię ściany Encyklopedia sztuki. M., 1997.

W starożytności malarstwo, działając w artystycznej jedności z architekturą i rzeźbą oraz dekorując świątynie, mieszkania, grobowce i inne budowle, służyło nie tylko celom religijnym, ale także świeckim. Ujawniły się nowe, specyficzne możliwości malarstwa, dające szerokie przedmiotowo odzwierciedlenie rzeczywistości. W starożytności narodziły się zasady światłocienia, swoiste warianty perspektywy liniowej i powietrznej. Obok scen mitologicznych, codziennych i historycznych powstawały pejzaże, portrety, martwe natury. Antyczny fresk (na wielowarstwowym tynku z domieszką pyłu marmurowego w górnych warstwach) miał błyszczącą, błyszczącą powierzchnię. W Starożytna Grecja prawie nie zachowało się malarstwo sztalugowe (na deskach, rzadziej na płótnie), głównie w technice enkaustycznej; Portrety fajum dają wyobrażenie o starożytnym malarstwie sztalugowym.

W średniowieczu w Europie Zachodniej, Bizancjum, na Rusi, na Kaukazie i na Bałkanach rozwinęło się malarstwo o treści religijnej: fresk (zarówno na suchym, jak i mokrym tynku, nakładanym na kamień lub mur), malarstwo ikonowe (na zagruntowanych deskach, głównie temperą jajeczną). ), a także miniatury książkowe (na zagruntowanym pergaminie lub papierze; wykonywane temperą, akwarelą, gwaszem, klejem i innymi farbami), które niekiedy zawierały wątki historyczne. Ikony, malowidła ścienne (z zastrzeżeniem podziałów architektonicznych i płaszczyzny muru), a także mozaiki, witraże wraz z architekturą tworzyły we wnętrzach kościelnych jeden zespół. Malarstwo średniowieczne charakteryzuje się ekspresją dźwięcznej, przeważnie lokalnej kolorystyki i linii rytmicznej, wyrazistością konturów; formy są zazwyczaj płaskie, stylizowane, tło abstrakcyjne, często złociste; istnieją również warunkowe metody modelowania objętości, jakby wystające na płaszczyznę obrazową pozbawioną głębi. Znaczącą rolę odegrała symbolika kompozycji i koloru. W I tysiącleciu n.e. mi. malarstwo monumentalne przeżywało rozkwit (farbami klejowymi na białym gipsie lub podkładem wapiennym na ziemi gliniasto-słomkowej) w krajach Frontu i Azja centralna, w Indiach, Chinach, Cejlonie (obecnie Sri Lanka). W epoce feudalnej w Mezopotamii, Iranie, Indiach, Azji Środkowej, Azerbejdżanie, Turcji rozwinęła się sztuka miniatury, która charakteryzuje się subtelnym blaskiem, elegancją ornamentalnego rytmu i jasnością obserwacji życia. Dalekowschodnie malarstwo tuszem, akwarelą i gwaszem na zwojach jedwabiu i papieru – w Chinach, Korei, Japonii – wyróżniało się poezją, niezwykłą czujnością widzenia ludzi i natury, zwięzłością maniery malarskiej, najdoskonalszym oddaniem tonalnym perspektywiczny.

W Europie Zachodniej w okresie renesansu ugruntowały się zasady nowej sztuki opartej na humanistycznym światopoglądzie, odkrywaniu i poznawaniu świata realnego. Wzrosła rola malarstwa, które wypracowało system środków realistycznego przedstawiania rzeczywistości. Indywidualne osiągnięcia malarstwa renesansowego antycypowano w XIV wieku. włoski malarz Giotto. badanie naukowe perspektyw, optyki i anatomii, zastosowanie techniki malarstwa olejnego udoskonalonej przez J. van Eycka (Holandia) przyczyniło się do ujawnienia możliwości tkwiących w naturze malarstwa: przekonującego odwzorowania trójwymiarowych form w jedności z przeniesieniem głębia przestrzenna i światło otoczenia, ujawnienie bogactwa kolorów świata. Fresk przeżył nowy rozkwit; na znaczeniu zyskało również malarstwo sztalugowe, zachowujące dekoracyjną jedność z otoczeniem. środowisko przedmiotowe. Poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm malarstwa i duchowa aktywność jego obrazów są charakterystyczne dla kompozycji o tematyce religijnej i mitologicznej, portretów, scen codziennych i historycznych, wizerunków aktów. Tempera została stopniowo wyparta przez technikę łączoną (szkliwienie i opracowanie detali olejem na temperowym podmalowaniu), a następnie doskonałe technicznie wielowarstwowe malowanie olejem bez tempery. Wraz z gładkim, szczegółowym malowaniem na deskach z białym podkładem (charakterystycznym dla artystów szkoły holenderskiej i szeregu szkół włoskich Wczesny renesans) wenecka szkoła malarstwa rozwinęła się w XVI wieku. techniki swobodnego, impastowego malowania na płótnach z barwionym podkładem. Równolegle z malowaniem w lokalnych, często jaskrawych kolorach, z wyraźnym wzorem, rozwijało się również malarstwo tonalne.Najwięksi malarze renesansu – Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Rafael, Giorgione, Tycjan , Veronese, Tintoretto we Włoszech, J. van Eyck, P. Brueghel Starszy w Holandii, A. Dürer, H. Holbein Młodszy, M. Niethardt (Grunewald) w Niemczech itp.

W XVII-XVIII wieku. proces rozwoju malarstwa europejskiego stał się bardziej skomplikowany. Szkoły narodowe powstały we Francji (J. de Latour, F. Champigne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), we Włoszech (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), Hiszpania (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flandria (P. P. Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holandia (F. Hals, Rembrandt, J. Vermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Wielka Brytania (J. Reynolds, T Gainsborough, W. Hogarth), Rosja (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borowikowski). głosił nowe ideały społeczne i obywatelskie, zwrócił się ku bardziej szczegółowemu i dokładnemu przedstawianiu prawdziwego życia w jego ruchu i różnorodności, zwłaszcza codziennego otoczenia człowieka (krajobraz, wnętrze, przedmioty gospodarstwa domowego); pogłębiały się problemy psychologiczne, ucieleśniało się poczucie sprzecznej relacji między jednostką a otaczającym ją światem. w XVII wieku system gatunków rozszerzył się i wyraźnie nabrał kształtu. W XVII-XVIII wieku. Obok malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego (zwłaszcza w stylu baroku), które kwitło, istniało w ścisłej jedności z rzeźbą i architekturą i tworzyło emocjonalne środowisko aktywnie oddziałujące na ludzi, ważną rolę odgrywało malarstwo sztalugowe. Powstały różne systemy malarskie, mające wspólne cechy stylistyczne (dynamiczne malarstwo barokowe z charakterystyczną otwartą, spiralną kompozycją; malarstwo klasycystyczne z wyraźnym, surowym i wyraźnym wzorem; malarstwo rokokowe z grą wykwintnych niuansów kolorystycznych, lekkich i wyblakłych tony), a nie w ramach określonego stylu. Chcąc odtworzyć blask świata, światła i powietrza, wielu artystów ulepszyło system malowania tonalnego. Spowodowało to indywidualizację technik wielowarstwowego malarstwa olejnego. Rozwój sztuki sztalugowej, rosnące zapotrzebowanie na dzieła przeznaczone do intymnej kontemplacji, doprowadziły do ​​rozwoju kameralnych, cienkich i lekkich technik malarskich - pasteli, akwareli, tuszu, różnego rodzaju miniatur portretowych.

W 19-stym wieku powstawały nowe narodowe szkoły realizmu. malarstwa w Europie i Ameryce. Poszerzały się powiązania malarstwa w Europie i innych częściach świata, gdzie doświadczenie europejskiego malarstwa realistycznego otrzymało oryginalną interpretację, często na podstawie lokalnych tradycji antycznych (w Indiach, Chinach, Japonii i innych krajach); malarstwo europejskie pozostawała pod wpływem sztuki krajów Dalekiego Wschodu (głównie Japonii i Chin), co wpłynęło na odnowę metod dekoracyjnej i rytmicznej organizacji płaszczyzny malowniczej. W 19-stym wieku malarstwo rozwiązywało złożone i pilne problemy światopoglądowe, odgrywało aktywną rolę życie publiczne; ostra krytyka rzeczywistości społecznej nabrała w malarstwie ogromnego znaczenia. Przez cały XIX wiek kanony akademizmu, abstrakcyjna idealizacja obrazów, kultywowano także w malarstwie; pojawiły się tendencje naturalistyczne. W walce z abstrakcyjnością późnego klasycyzmu i salonowego akademizmu rozwijało się malarstwo romantyzmu z jego aktywnym zainteresowaniem dramatycznymi wydarzeniami historii i nowoczesności, energią języka malarskiego, kontrastem światła i cienia, nasyceniem koloru (T. Géricault, E. Delacroix we Francji, F. O. Runge i K. D. Friedrich w Niemczech, pod wieloma względami O. A. Kiprensky, Sylwester Szczedrin, K. P. Bryulłow, A. A. Iwanow w Rosji). malarstwo realistyczne, w oparciu o bezpośrednią obserwację charakterystycznych zjawisk rzeczywistości, dochodzi do pełniejszego, konkretniejszego, bardziej przekonującego wizualnie obrazu życia (J. Constable w Wielkiej Brytanii; K. Corot, mistrz szkoły Barbizon, O. Daumier we Francji; A. G. Venetsianov, PA Fedotov w Rosji). W okresie rozkwitu ruchu rewolucyjnego i narodowowyzwoleńczego w Europie malarstwo realizmu demokratycznego (G. Courbet, J. F. Millet we Francji; M. Munkachi na Węgrzech, N. Grigorescu i I. Andreescu w Rumunii, A. Menzel , V. Leibla w Niemczech itp.) pokazywały życie i pracę ludu, jego walkę o swoje prawa, zwróciły się ku główne wydarzenia historii narodowej, stworzył żywe obrazy zwykłych ludzi i zaawansowanych osoby publiczne; W wielu krajach powstały szkoły realistycznego krajobrazu narodowego. Malarstwo Wędrowców i bliskich im artystów - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. I. Levitan.

Do wyraz artystyczny otaczający świat w swojej naturalności i ciągłej zmienności pojawia się na początku lat siedemdziesiątych XIX wieku. malarstwo impresjonistyczne (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas we Francji), które zaktualizowało technikę i metody organizacji powierzchni malarskiej, ujawniając piękno czystego koloru i faktury efekty. W 19-stym wieku w Europie dominowało malarstwo olejne, jego technika w wielu przypadkach nabrała indywidualnego, swobodnego charakteru, stopniowo tracąc wrodzoną ścisłą systematyczność (co ułatwiło rozprzestrzenianie się nowych farb fabrycznych); poszerzono paletę (powstały nowe pigmenty i spoiwa); zamiast ciemnych podkładów na początku XIX wieku. ponownie wprowadzono białe gleby. Malarstwo monumentalne i dekoracyjne, które stosowano w XIX wieku. prawie wyłącznie farbami klejowymi lub olejnymi, popadł w ruinę. Pod koniec XIX - początek XX wieku. podejmowane są próby ożywienia malarstwa monumentalnego i łączenia w jeden zespół różnych rodzajów malarstwa z dziełami sztuki i rzemiosła artystycznego oraz architekturą (głównie w sztuce „nowoczesnej”); unowocześniane są środki techniczne malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego, rozwijana jest technika malarstwa silikatowego.

Pod koniec XIX - XX wieku. rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny; współistnieją i walczą różne nurty realistyczne i modernistyczne. Inspirowane ideałami Rewolucji Październikowej 1917 roku, uzbrojone w metodę socrealizmu, intensywnie rozwija się malarstwo w ZSRR i innych krajach socjalistycznych. W Azji, Afryce, Australii i Ameryce Łacińskiej powstają nowe szkoły malarstwa.

Malarstwo realistyczne końca XIX - XX wieku. wyróżnia się chęcią poznania i pokazania świata we wszystkich jego sprzecznościach, ujawnienia istoty głębokich procesów zachodzących w rzeczywistości społecznej, które czasem nie mają wystarczająco wizualnego wyglądu; refleksja i interpretacja wielu zjawisk rzeczywistości nabierała często subiektywnego, symbolicznego charakteru. XX wiek obok wizualno-widzialnej wolumetryczno-przestrzennej metody przedstawiania szeroko posługuje się nowymi (a także sięgającymi starożytności) warunkowymi zasadami interpretacji świata widzialnego. Już w malarstwie postimpresjonizmu (P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) i częściowo w malarstwie „nowoczesnym” pojawiały się cechy, które określały cechy niektórych nurtów XX wieku. wiek. (aktywny wyraz osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalność i asocjatywność koloru, która ma niewiele wspólnego z naturalnymi relacjami kolorystycznymi, przesadnymi formami, dekoracyjnością). Świat został pojęty w nowy sposób w sztuce rosyjskich malarzy końca XIX - początku XX wieku - w obrazach V. A. Serowa, M. A. Vrubela, K. A. Korowina.

W XX wieku. rzeczywistość jest sprzeczna, często głęboko subiektywna, jest realizowana i przekładana na malarstwo główni artyści kraje kapitalistyczne: P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, A. Marquet, A. Derain we Francji; D. Rivera, JC Orozco, D. Siqueiros w Meksyku; R. Guttuso we Włoszech; J. Bellows, R. Kent w USA. W obrazach, malowidłach ściennych, malowniczych panelach znalazło wyraz prawdziwe zrozumienie tragicznych sprzeczności rzeczywistości, często przeradzając się w potępienie deformacji systemu kapitalistycznego. Z estetycznym rozumieniem nowej, „technicznej” epoki wiąże się refleksja nad patosem uprzemysłowienia życia, wnikanie w malarstwo geometrycznych, „maszynowych” form, do których często sprowadzane są formy organiczne, poszukiwanie tych które odpowiadają światopoglądowi nowoczesny mężczyzna nowe formularze, które można wykorzystać w sztuka dekoracyjna, architektury i przemysłu. Rozpowszechniony w malarstwie, głównie w krajach kapitalistycznych, od początku XX wieku. otrzymał różne nurty modernistyczne, odzwierciedlające ogólny kryzys kultury społeczeństwa burżuazyjnego; jednak „chore” problemy naszych czasów znajdują pośrednie odzwierciedlenie również w malarstwie modernistycznym. W malarstwie wielu ruchy modernistyczne(Fawizm, Kubizm, Futuryzm, Dadaizm, a później Surrealizm) poszczególne mniej lub bardziej rozpoznawalne elementy widzialnego świata ulegają fragmentaryzacji lub geometryzacji, pojawiają się w nieoczekiwanych, czasem nielogicznych zestawieniach, budzących wiele skojarzeń, łączą się z czysto abstrakcyjnymi formami. Dalsza ewolucja wielu z tych nurtów doprowadziła do całkowitego odrzucenia figuratywności, do powstania tzw malarstwo abstrakcyjne(patrz Sztuka abstrakcyjna), co oznaczało upadek malarstwa jako środka odzwierciedlania i poznawania rzeczywistości. Od połowy lat 60. w Europie Zachodniej i Ameryce malarstwo staje się czasem jednym z elementów pop-artu.

W XX wieku. rośnie rola malarstwa monumentalno-dekoracyjnego, zarówno obrazowego (np. rewolucyjno-demokratyczne malarstwo monumentalne w Meksyku), jak i niemalarskiego, zwykle płaskiego, harmonizującego ze zgeometryzowanymi formami współczesnej architektury.

W XX wieku. obserwuje się rosnące zainteresowanie badaniami w zakresie technik malarskich (m.in. woskowych i temperowych; wynajduje się nowe farby do malarstwa monumentalnego - silikonowe, na żywicach krzemoorganicznych itp.), ale wciąż dominuje malarstwo olejne.

Wielonarodowe malarstwo sowieckie jest ściśle związane z ideologią komunistyczną, z zasadami partyjności i narodowości sztuki, reprezentuje jakościowo Nowa scena rozwój malarstwa, o którym decyduje triumf metody socrealizmu. W ZSRR malarstwo rozwija się we wszystkich republikach związkowych i autonomicznych, powstają nowe narodowe szkoły malarstwa. Malarstwo radzieckie charakteryzuje się żywym poczuciem rzeczywistości, materialnością świata i duchowym bogactwem obrazów. Chęć ogarnięcia rzeczywistości socjalistycznej w całej jej złożoności i kompletności doprowadziła do zastosowania wielu form gatunkowych, które wypełniają się nową treścią. Już od lat 20. temat historyczny i rewolucyjny nabiera szczególnego znaczenia (płótna M. B. Grekowa, A. A. Deineki, K. S. Pietrowa-Wodkina, B. V. Iogansona, I. I. Brodskiego, A. M. Gierasimowa). Następnie pojawiają się płótna patriotyczne, opowiadające o bohaterskiej przeszłości Rosji, ukazujące dramat historyczny Wielkiego Wojna Ojczyźniana 1941-45, męstwo duchowe sowiecki człowiek.

Portret odgrywa dużą rolę w rozwoju malarstwa radzieckiego: zbiorowe wizerunki ludzi z ludu, uczestników rewolucyjnej reorganizacji życia (A. E. Arkhipow, G. G. Ryżski i inni); portrety psychologiczne pokazujący świat wewnętrzny, duchowy magazyn osoby radzieckiej (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin itp.).

Typowy sposób życia narodu radzieckiego znajduje odzwierciedlenie w malarstwie rodzajowym, które daje poetycki i żywy obraz nowych ludzi i nowego sposobu życia. Malarstwo radzieckie charakteryzuje się dużymi płótnami nasyconymi patosem budownictwa socjalistycznego (S. V. Gierasimow, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya i inni). Estetyczna afirmacja osobliwych form życia Związku i republik autonomicznych leży u podstaw narodowych szkół, które rozwinęły się w malarstwie sowieckim (M. S. Saryan, L. Gudiaszwili, S. A. Czuikow, U. Tansykbajew, T. Sałachow, E. Iltner, M. A Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev i inni), reprezentujący integralne części zunifikowanej kultury artystycznej sowieckiego społeczeństwa socjalistycznego.

W malarstwie pejzażowym, podobnie jak w innych gatunkach, narodowe tradycje artystyczne łączą się z poszukiwaniem czegoś nowego, z nowoczesnym wyczuciem natury. Liryczną linię rosyjskiego malarstwa pejzażowego (V. N. Baksheev, N. P. Krymov, N. M. Romadin itp.) Uzupełnia rozwój krajobraz przemysłowy z jego szybkimi rytmami, z motywami o zmienionej naturze (B. N. Yakovlev, G. G. Nissky). Malarstwo martwej natury osiągnęło wysoki poziom (I. I. Maszkow, P. P. Konczałowski, M. S. Saryan).

Ewolucji społecznych funkcji malarstwa towarzyszy ogólny rozwój kultury malarskiej. W granicach jednej realistycznej metody malarstwo radzieckie osiąga różnorodność formy sztuki, techniki, indywidualne style. Do rozwoju przyczynił się szeroki zakres budownictwa, powstawanie dużych budynków użyteczności publicznej i zespołów pamięci monumentalny i dekoracyjny malarstwo (dzieła V. A. Favorsky'ego, E. E. Lansere, P. D. Korina), odrodzenie techniki malarstwa temperowego, fresków i mozaik. W latach 60-tych - wczesnych 80-tych. zwiększył się wzajemny wpływ malarstwa monumentalnego i sztalugowego, wzrosła chęć maksymalnego wykorzystania i wzbogacenia wyrazistych środków malarskich (zob. także Związek Socjalistycznych Republik Radzieckich i artykuły o republikach związkowych) Vipper BR Artykuły o sztuce. M., 1970.

Tak więc malarstwo jest rodzajem sztuki plastycznej związanej z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farb na stałe lub elastyczne podłoże, a także tworzeniem obrazu przy użyciu technologii cyfrowej.

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Kluczową cechą, według której prace można pogrupować według stylu, są ujednolicone zasady myślenia artystycznego. Zmiana niektórych sposobów myślenia artystycznego na inne (przemienne typy kompozycji, techniki konstrukcji przestrzennych, cechy koloru) nie jest przypadkowa. Nasze postrzeganie sztuki jest również historycznie zmienne.
Budując system stylów w porządku hierarchicznym, będziemy trzymać się tradycji eurocentrycznej. Największym w historii sztuki jest pojęcie epoki. Każda epoka charakteryzuje się pewnym „obrazem świata”, na który składają się idee filozoficzne, religijne, polityczne, idee naukowe, psychologiczne cechy światopoglądu, etyczne i standardy moralne, estetyczne kryteria życia, według których odróżniają jedną epokę od drugiej. To jest prymitywna era, era świat starożytny, starożytność, średniowiecze, renesans, nowe czasy.
Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą jeden w drugi i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego w ogóle nie ma „czystych stylów”.
Kilka stylów może współistnieć w tej samej epoce historycznej. Na przykład klasycyzm, akademizm i barok w XVII wiek, rokoko i neoklasycyzm - w XVIII, romantyzm i akademizm - w XIX. Takie style, jak na przykład klasycyzm i barok, nazywane są wielkimi, ponieważ dotyczą wszystkich rodzajów sztuki: architektury, malarstwa, rzemiosła artystycznego, literatury, muzyki.
Należy wyróżnić: style artystyczne, nurty, nurty, szkoły oraz cechy poszczególnych stylów poszczególnych mistrzów. W ramach jednego stylu może istnieć kilka kierunków artystycznych. Na kierunek artystyczny składają się zarówno znaki charakterystyczne dla danej epoki, jak i specyficzne sposoby myślenia artystycznego. Na przykład styl Art Nouveau obejmuje szereg nurtów z przełomu wieków: postimpresjonizm, symbolizm, fowizm i tak dalej. Z drugiej strony koncepcja symbolizmu jako ruchu artystycznego jest dobrze rozwinięta w literaturze, podczas gdy w malarstwie jest bardzo niejasna i jednoczy artystów tak różnych stylistycznie, że często jest interpretowana jedynie jako łączący ich światopogląd.

Poniżej znajdują się definicje epok, stylów i trendów, które w jakiś sposób znajdują odzwierciedlenie we współczesnej sztuce plastycznej i dekoracyjnej.

	- styl artystyczny, który ukształtował się w krajach Europy Zachodniej i Środkowej w XII-XV wieku. Był wynikiem wielowiekowej ewolucji sztuki średniowiecznej, jej najwyższego etapu i jednocześnie pierwszego paneuropejskiego, międzynarodowego stylu artystycznego w historii. Obejmował wszystkie rodzaje sztuki - architekturę, rzeźbę, malarstwo, witraże, projektowanie książek, sztukę i rzemiosło. podstawa styl gotycki istniała architektura charakteryzująca się wznoszącymi się ku górze ostrołukowymi łukami, wielobarwnymi witrażami, wizualną dematerializacją formy. Elementy sztuka gotycka często można spotkać we współczesnej architekturze wnętrz, w szczególności w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym. Od końca ubiegłego wieku istnieje subkultura gotycka, wyraźnie przejawiająca się w muzyce, poezji i projektowaniu mody.
	(Renesans) - (francuski renesans, włoski Rinascimento) Epoka w rozwoju kulturowym i ideologicznym wielu krajów Europy Zachodniej i Środkowej, a także niektórych krajów Europy Wschodniej. Główne cechy wyróżniające kulturę renesansu: świecki charakter, światopogląd humanistyczny, odwołanie do starożytności dziedzictwo kulturowe, swego rodzaju „odrodzenie” (stąd nazwa). Kultura renesansu ma specyfikę epoki przejściowej od średniowiecza do czasów nowych, w której stare i nowe, przeplatając się, tworzą swoisty, jakościowo nowy stop. Trudna jest kwestia chronologicznych granic renesansu (we Włoszech - 14-16 wieku, w innych krajach - 15-16 wieku), jego rozmieszczenia terytorialnego i cech narodowych. Elementy tego stylu w sztuce współczesnej są często wykorzystywane w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym.
	- (od włoskiego maniera - technika, maniera) nurt w sztuce europejskiej XVI wieku. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata, humanistycznej koncepcji człowieka jako doskonałego tworu natury. Ostre postrzeganie życia połączono z programowym pragnieniem nie podążania za naturą, ale wyrażenia subiektywnej „wewnętrznej idei” obrazu artystycznego, która zrodziła się w duszy artysty. Najwyraźniej objawia się we Włoszech. Dla włoskiego manieryzmu 1520s. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) charakteryzują się dramatyczną ostrością obrazów, tragizmem światopoglądowym, złożonością i przesadną ekspresją póz i motywów ruchowych, wydłużeniem proporcji postaci, dysonansami kolorystycznymi i światłocieniowymi . Ostatnio jest używany przez historyków sztuki w odniesieniu do zjawisk w sztuce współczesnej związanych z przemianami stylów historycznych.
	- historyczny styl sztuki, który pierwotnie był dystrybuowany we Włoszech w środku. XVI-XVII wieku, a następnie we Francji, Hiszpanii, Flandrii i Niemczech w XVII-XVIII wieku. Szerzej termin ten używany jest do określenia wciąż odradzających się tendencji niespokojnego, romantycznego światopoglądu, myślenia w ekspresyjnych, dynamicznych formach. W końcu w każdej epoce, niemal w każdym historycznym stylu artystycznym można znaleźć swój „okres baroku” jako etap największego rozkwitu twórczego, napięcia emocji, wybuchowości form.
	- styl artystyczny w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII - wczes. XIX wiek i rosyjski XVIII - wczesny. XIX, odwołując się do starożytnego dziedzictwa jako ideału do naśladowania. Przejawiało się to w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztuce i rzemiośle. Artyści klasycystyczni uważali starożytność za najwyższe osiągnięcie i uczynili z niej swój standard w sztuce, który starali się naśladować. Z czasem odrodził się w akademizmie.
	- nurt w sztuce europejskiej i rosyjskiej lat 20.-30. XIX wieku, który zastąpił klasycyzm. Romantycy wysunęli na pierwszy plan indywidualność, przeciwstawiając idealne piękno klasycystów „niedoskonałej” rzeczywistości. Artystów przyciągały jasne, rzadkie, niezwykłe zjawiska, a także obrazy o fantastycznej naturze. W sztuce romantyzmu ważną rolę odgrywa ostra indywidualna percepcja i doświadczenie. Romantyzm wyzwolił sztukę z abstrakcyjnych dogmatów klasycyzmu i skierował ją w stronę historii narodowej i obrazów folkloru.
	- (z łac. sentyment - uczucie) - kierunek sztuki zachodniej drugiej połowy XVIII wieku, wyrażający rozczarowanie „cywilizacją” opartą na ideałach „rozumu” (ideologia oświecenia). S. głosi uczucie, samotną refleksję, prostotę wiejskie życie"mały człowiek". J. J. Rousseau uważany jest za ideologa S..
	- kierunek w sztuce dążący do jak największej prawdziwości i rzetelności ukazania zarówno formy zewnętrznej, jak i istoty zjawisk i rzeczy. Jak metoda twórcza łączy cechy indywidualne i typowe przy tworzeniu obrazu. Najdłuższy czas istnienia kierunku, rozwijający się od czasów prymitywnych do współczesności.
	- kierunek w języku europejskim kultura artystyczna koniec XIX-początek XX wieku Powstający jako reakcja na dominację norm mieszczańskiego „rozsądku” w sferze humanitarnej (w filozofii, estetyce – pozytywizm, w sztuce – naturalizm), symbolizm ukształtował się przede wszystkim w literaturze francuskiej końca lat 60. później rozpowszechnił się w Belgii, Niemczech, Austrii, Norwegii, Rosji. Estetyczne zasady symbolizmu pod wieloma względami sięgały idei romantyzmu, a także niektórych doktryn filozofii idealistycznej A. Schopenhauera, E. Hartmanna, częściowo F. Nietzschego, do twórczości i teoretyzowania niemieckiego kompozytora R. Wagnera. Symbolika przeciwstawiała żywą rzeczywistość światu wizji i snów. Symbol generowany przez poetycki wgląd i wyrażający nieziemskie znaczenie zjawisk, ukryte przed zwykłą świadomością, uznano za uniwersalne narzędzie do zrozumienia tajemnic bytu i indywidualnej świadomości. Artysta-twórca uważany był za pośrednika między tym, co realne, a tym, co nadzmysłowe, wszędzie odnajdującego „znaki” światowej harmonii, proroczo odgadującego znaki przyszłości zarówno w zjawiskach nowożytnych, jak iw wydarzeniach z przeszłości.
	- (z francuskiego impresja - impresja) nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji. Nazwa została wprowadzona krytyk sztuki L. Leroy, który pogardliwie skomentował wystawę artystów z 1874 r., na której m.in. obraz C. Moneta „Wschód słońca. Wrażenie". Impresjonizm podkreślał piękno realnego świata, podkreślając świeżość pierwszego wrażenia, zmienność otoczenia. Dominująca uwaga skierowana na rozwiązywanie problemów czysto obrazowych ograniczyła tradycyjną ideę rysunku jako głównego składnika dzieła sztuki. Impresjonizm wywarł ogromny wpływ na sztukę kraje europejskie i Stany Zjednoczone wzbudziły zainteresowanie historiami z prawdziwego życia. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley itp.)
	- nurt w malarstwie (synonim dywizjonizmu), który rozwinął się w ramach neoimpresjonizmu. Neoimpresjonizm powstał we Francji w 1885 roku i rozprzestrzenił się także na Belgię i Włochy. Neoimpresjoniści starali się zastosować w sztuce najnowsze zdobycze optyki, zgodnie z którymi malarstwo, wykonane oddzielnymi punktami barw podstawowych, daje w percepcji wizualnej fuzję barw i całą gamę malarską. (J. Seurat, P. Signac, K. Pissarro).
	postimpresjonizm- warunkowa nazwa zbiorcza głównych kierunków malarstwa francuskiego do XIX - I ćw. XX wiek Sztuka postimpresjonizmu powstała jako reakcja na impresjonizm, który skupiał uwagę na przekazie chwili, na poczuciu malowniczości i utracie zainteresowania formą przedmiotów. Wśród postimpresjonistów są P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh i inni.
	- styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej przełomu XIX i XX wieku. Secesja przemyślała i stylizowała cechy sztuki różnych epok, wypracowała własne techniki artystyczne oparte na zasadach asymetrii, ornamentyki i dekoracyjności. Naturalne formy stają się również przedmiotem stylizacji nowoczesności. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы. Ściśle związana z nowoczesnością jest symbolika, która posłużyła za estetyczną i filozoficzną podstawę nowoczesności, opierając się na nowoczesności jako plastycznej realizacji swoich idei. Art Nouveau miało różne nazwy w różnych krajach, które są zasadniczo synonimami: Art Nouveau - we Francji, Secesja - w Austrii, Jugendstil - w Niemczech, Liberty - we Włoszech.
	- (z francuskiego nowoczesny - nowoczesny) ogólna nazwa szeregu ruchów artystycznych pierwszej połowy XX wieku, które charakteryzują się zaprzeczeniem tradycyjnych form i estetyki przeszłości. Modernizm bliski jest awangardyzmowi i przeciwstawny akademizmowi.
	- nazwa, która łączy zakres ruchów artystycznych, które były rozpowszechnione w latach 1905-1930. (Fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, dadaizm, surrealizm). Wszystkie te obszary łączy chęć odnowienia języka sztuki, ponownego przemyślenia jej zadań, uzyskania wolności wypowiedzi artystycznej.
	- kierunek w sztuce do XIX - współczesności. XX wiek oparty na twórczych lekcjach francuski artysta Paula Cezanne'a, który sprowadził wszystkie formy na obrazie do najprostszych figur geometrycznych, a kolor - do kontrastujących konstrukcji o ciepłych i zimnych tonach. Cézannism był jednym z punktów wyjścia dla kubizmu. Cezannizm w dużym stopniu wpłynął także na rodzimą szkołę malarstwa realistycznego.
	- (od fauve - dziki) nurt awangardowy w sztuce francuskiej n. XX wiek Nadano nazwę „dziki”. współcześni krytycy grupa artystów, która przemawiała w 1905 roku na paryskim Salonie Niezależnych i była ironiczna. W skład tej grupy weszli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen i inni. rozwiązania kolorystyczne, poszukiwanie impulsów w twórczości prymitywnej, sztuce średniowiecza i Wschodu.
	- celowe uproszczenie środków wizualnych, naśladowanie prymitywnych etapów rozwoju sztuki. Termin ten odnosi się do tzw. naiwna sztuka artystów, którzy nie otrzymali specjalnego wykształcenia, ale zajmują się ogólnie proces artystyczny do XIX - wcześnie. XX wiek. Prace tych artystów - N. Pirosmaniego, A. Russo, V. Selivanova i innych cechuje swoista dziecinność w interpretacji natury, połączenie uogólnionej formy i drobnej dosłowności w szczegółach. Prymitywizm formy bynajmniej nie przesądza o prymitywizmie treści. Często służy jako źródło dla profesjonalistów, którzy zapożyczali formy, obrazy, metody od sztuki ludowej, w gruncie rzeczy prymitywnej. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse czerpali inspiracje z prymitywizmu.
	- kierunek w sztuce, który rozwinął się w oparciu o kanony starożytności i renesansu. Istniał w wielu europejskich szkołach artystycznych od XVI do XIX wieku. Akademizm przekształcił klasyczne tradycje w system „odwiecznych” zasad i przepisów, które krępowały twórcze poszukiwania, próbował przeciwstawić niedoskonałej żywej naturze za pomocą „wysoko” udoskonalonych, ponadnarodowych i ponadczasowych form piękna doprowadzonych do perfekcji. Akademizm charakteryzuje się preferencją dla wątków z mitologii starożytnej, motywów biblijnych lub historycznych do wątków z życia współczesnego artysty.
	- (francuski kubizm, od sześcianu - sześcianu) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i rozkładzie przedmiotów na płaszczyzny geometryczne, plastycznym przesunięciu formy. Narodziny kubizmu przypadają na lata 1907-1908 - przeddzień pierwszej wojny światowej. Niekwestionowanym liderem tego nurtu był poeta i publicysta G. Apollinaire. Nurt ten jako jeden z pierwszych ucieleśniał wiodące kierunki dalszego rozwoju sztuki XX wieku. Jednym z takich trendów była dominacja koncepcji nad wartością artystyczną samego obrazu. J. Braque i P. Picasso uważani są za ojców kubizmu. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris i inni dołączyli do powstającego nurtu.
	- nurt w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji. W znacznym stopniu przyczyniła się do ukształtowania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami ruchu są Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Bunuel, Juan Miro i wielu innych artystów z całego świata. Surrealizm wyrażał ideę egzystencji poza rzeczywistością, absurdem, nieświadomością, snami, marzeniami nabierają tu szczególnie ważnej roli. Jedną z charakterystycznych metod surrealistycznego artysty jest oderwanie się od świadomej twórczości, co czyni go narzędziem wydobywającym na różne sposoby dziwaczne obrazy podświadomości, zbliżone do halucynacji. Surrealizm przetrwał kilka kryzysów, przeżył drugi wojna światowa i stopniowo, łącząc się z kulturą masową, przecinając się z transawangardą, wkraczał jako integralna część postmodernizmu.
	- (od łac. futurum - przyszłość) ruch literacki i artystyczny w sztuce lat 1910-tych. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Ważną ideą artystyczną futuryzmu było poszukiwanie plastycznego wyrazu szybkości ruchu jako głównego znaku tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nazywała się kybofuturyzmem i opierała się na połączeniu zasad plastycznych francuskiego kubizmu z europejskimi, ogólnoestetycznymi instalacjami futuryzmu.

Większość obrazów, które widzisz, to obiekty sztalugowe. Termin ten polega na tym, że obrazy zostały namalowane na specjalnych sztalugach. Można je oprawić, powiesić na ścianie lub podarować w prezencie. Innymi słowy sztaluga to obraz namalowany na płaskim tle: papierze, desce. W malarstwie tego typu dominują obrazy olejne, ale także obrazy, w których wykorzystuje się inne materiały - gwasz i akwarele, pastele, tusz, węgiel, farby akrylowe, kredki itp.

Jednym z stosowanych rodzajów malarstwa sztalugowego jest malarstwo teatralne i dekoracyjne - szkice kostiumów dla bohaterów i mise-en-scenki.

Malarstwo monumentalne - malowanie budynków

malarstwo monumentalne nie może istnieć w oderwaniu od miejsca, w którym jest wykonywana. Ten rodzaj malarstwa był bardzo popularny w XVI-XIX wieku, kiedy budowano majestatyczne świątynie, a najlepsi artyści malowali swoje sklepienia. Najczęstszym typem jest fresk, malowanie farbami wodnymi na mokrym tynku.

Malarstwo na suchym tynku - secco - było również powszechne, ale takie dzieła przetrwały gorzej do naszych czasów. Najbardziej znanym monumentalnym obrazem jest wielkoformatowy obraz Kaplicy Sykstyńskiej, w którym brał udział Michał Anioł. Według krytyków freski kaplicy można utożsamiać z ósmym cudem świata.

Najstarszymi dziełami malarstwa monumentalnego są malowidła naskalne przedstawiające pierwszych ludzi.

Malarstwo dekoracyjne - sztuka użytkowa

malarstwo dekoracyjneściśle związane ze sztuką i rzemiosłem. Pełni raczej pomocniczą rolę w dekoracji różnych przedmiotów. Malarstwo dekoracyjne to różnorodne wzory i ornamenty, które zdobią przedmioty gospodarstwa domowego, meble, architekturę. Autorzy tego typu malarstwa mogą być nieznani – do tego typu należą również proste obrazy chłopskich domów i mebli.

Malarstwo miniaturowe - słodkie drobiazgi

Początkowo malarstwo miniaturowe było projektowaniem książek. Stare książki były wykonane z wielką starannością i były bardzo drogie. Do ich dekoracji zatrudniono specjalnych rzemieślników, którzy pięknie zaprojektowali nagłówki, okładki i wygaszacze między rozdziałami. Te publikacje były prawdziwym dziełem sztuki. Było kilka szkół, które przestrzegały ścisłych kanonów malarstwa miniaturowego.

Później miniatury zaczęto nazywać dowolnymi obrazami na małą skalę. Były używane jako pamiątki i niezapomniane prezenty. Mimo niewielkich rozmiarów ten rodzaj malarstwa wymagał dużej precyzji i wprawy. Najpopularniejszymi materiałami na miniatury pamiątkowe były kości, kamień i metalowe płytki.

Porada 2: Jakie są rodzaje sztalug: podstawowe i popularne

Rysunek jest jednym z najciekawszych kierunków kreatywności. Ale aby namalować obraz, musisz wybrać odpowiednie nie tylko pędzle i farby, ale także sztalugę.

Dla niektórych osób kreatywność, a mianowicie rysowanie, jest integralną częścią życia w formie hobby lub działalność zawodowa. Artyści i amatorzy przywiązują szczególną wagę do materiałów i urządzeń, na których pracują. Dlatego sztalugi są integralną częścią proces twórczy, więc istnieje potrzeba bardziej szczegółowego rozważenia tych elementów pomocniczych.

Tak więc w tej chwili istnieją trzy główne typy, są to: sztalugi trójnożne, sztalugi pionowe panelowe (stacjonarne), a także szkicowniki. Każdy rodzaj sztalugi ma swoje własne cechy. Na przykład statywy są bardzo łatwe w montażu i obsłudze. Taką sztalugę zawsze można zdemontować, a po złożeniu urządzenie to zajmuje bardzo mało miejsca.

Jednocześnie pionowe sztalugi panelowe są bardzo wygodne, posiadają funkcje regulacji wysokości i kąta nachylenia, ale zajmują dużo miejsca ze względu na swoją nieruchomość. Zasada mocowania papieru lub naciągniętego płótna w tego typu sztalugach jest praktycznie niezmieniona. Na dole znajduje się mały panel do lokalizacji materiałów eksploatacyjnych: ołówków, farb, pędzli i innych rzeczy.

Szkicowniki mogą być używane na zewnątrz ze względu na naturę. Jednocześnie po złożeniu urządzenie to zamienia się w małą walizkę, z którą można odbyć dalekie podróże do miejsca, w którym pisane jest płótno.

Najpopularniejsze sztalugi

Największą popularnością cieszą się sztalugi trójnożne. Wynika to z ich wygody i zwartości. Ponadto taką sztalugę można wykonać niezależnie, jeśli nie chcesz wydawać pieniędzy na jej zakup.

Do pracy w pracowni lub w domu często używane są sztalugi stołowe, czyli sztalugi z pionowym panelem. Ten typ jest wygodny podczas pracy w jednym miejscu, ponieważ jego transport jest utrudniony przez brak możliwości rozłożenia przedmiotu na mniejsze części z późniejszym montażem. Jednocześnie każdy typ sztalugi jest przeznaczony do określonego zastosowania, ale statyw można słusznie uznać za najbardziej wszechstronny, ponieważ można go używać zarówno do stałej pracy w studio, jak i oczywiście do pracy z natury w naturze , jeśli nie jest za duży.

Źródła:

• Klasyfikacja sztalug

Sztuka zdobienia powierzchni farbami i pędzlem nazywana jest malarstwem artystycznym. Samo pojęcie malarstwa poważnie różni się od malarstwa, ponieważ jest częścią przestrzeni wymyślonej przez artystę.

Malarstwo artystyczne było pierwotnie stosowane do dowolnych demokratycznych i łatwo dostępnych materiałów: skóry, drewna, naturalnych tkanin, gliny itp. Umiejętności były przekazywane z pokolenia na pokolenie przez mistrzów, specyficzne techniki artystyczne który pomagał towarom. Z czasem wybrano najbardziej wymowne i wyraziste zastosowanie ornamentu. W architekturze stropy, sklepienia, ściany, belki stropowe zdobiono malowidłami, aw życiu codziennym dekorowano przedmioty gospodarstwa domowego.

Systematyzację różnych rodzajów malarstwa rozpoczął w 1876 roku profesor A.A. Isajew w swojej dwutomowej książce zatytułowanej „Rzemiosło prowincji moskiewskiej”. Przedsiębiorstwa malarstwa artystycznego wciąż rozwijają swoją działalność, aby sprostać popytowi na rynkach Rosji i za granicą.

Malarstwo Khokhloma

Rzemiosło znalazło zastosowanie w bogatej ornamentyce roślinnej dobry pędzel pochodzących z klasztorów. Stamtąd wywodził się sekret, jak malować naczynia na złoty kolor bez użycia złota. Obraz nie zmienił się do chwili obecnej, a proces od starożytności do współczesności jest taki sam. Półfabrykat naczyń jest toczony z drewna na tokarce, a następnie zagruntowany specjalnie przygotowanym roztworem gliny lub stosuje się sztuczne podkłady. Naczynia pokrywane są farbą na bazie cyny lub srebra, rzadziej aluminium. Malują według wymyślonego motywu i suszą w piecu, potem lakierują i znowu suszą na gorąco.

Ponieważ produkt poddawany był kilkukrotnej intensywnej obróbce cieplnej, farby zostały wybrane spośród tych, których na jasność nie miały wpływu wysokie temperatury. Jest czarny, złoty i cynobrowy.

Porcelana Gzhel

Gzhel jest wyjątkowy, ponieważ każdy artysta, wykorzystując klasyczne i znane motywy, tworzy technikę indywidualnie. Główną rolę odgrywa doświadczenie mistrza i ruch jego pędzla. Jednocześnie na bieli od jednego pociągnięcia pojawiają się harmonijne przejścia od ciemnoniebieskiego do jasnoniebieskiego. Używana jest tylko jedna farba, kobaltowa, a rysunek jest wykonywany bardzo szybko, już za pierwszym razem.

Matrioszka

Te różnej wielkości figurki, zagnieżdżone jedna w drugiej, pochodzą z Japonii. Lalki te zyskały wielką popularność w 1900 roku, po wystawie w Paryżu. Główna produkcja odbywała się we wsi Połchowski Majdan, która słynęła zarówno z malarstwa, jak i z tokarzy - trzeba było przecież wyrzeźbić kształt gniazdujących lalek.

Polkhovskaya ma charakterystyczne cechy, dzięki którym można ją rozpoznać między innymi. Ma twarz pomalowaną małymi pociągnięciami i kwiat dzikiej róży na czole. Kolor szalika kontrastuje z kolorem sukienki, a od tyłu matrioszka jest w 2/3 szkarłatna lub zielona. Fartuch jest owalny i biegnie od szyi do ziemi.

Najtrudniejsza w obróbce, inkrustowana słomą matrioszka z Wiatki.

Prawie każda dziewczyna, jeśli jej wolny czas nie jest przeciążony nauką lub randkami, ma jedno lub więcej hobby. Niektóre z nich urzekają ją swoją oryginalnością na krótką chwilę, inne są towarzyszami na całe życie.

Instrukcja

Najczęstszy rodzaj kobiecego hobby można nazwać wszystkimi rodzajami robótek ręcznych: szydełkiem, makramą, szyciem, haftem. Ta pasja nie bierze się z puste miejsce, tradycyjnie pochodzi od matek i babć, które wykonują je w obecności swoich córek i wnuczek. Mała dziewczynka zaczyna się interesować i prosi dorosłych, aby pokazali jej pętelki, supełki, linijkę lub oczko łańcuszkowe. Na początku jej to nie wychodzi i może nawet na jakiś czas zrezygnować z nowego hobby, ale po kilku latach natura da się we znaki i teraz nastolatka uszyje swoje pierwsze dżinsy lub zrobi na drutach beret.

Nie tak czasochłonne, pozostawiając wieczory wolne na inne zajęcia, jest kwiaciarstwo. Wszystkie kobiety kochają kwiaty, a te z własnej uprawy cieszą się największym zainteresowaniem. Śledzenie wyglądu pędów, ich powiększania się i późniejszego kwitnienia jest zbliżone do macierzyństwa, dlatego sprawia przyjemność niejednej płci pięknej. Jeśli nie masz cierpliwości do pielęgnacji róż i fiołków, możesz zacząć od chlorophytum, czyli prostych kaktusów.

Najwcześniejsze hobby małego dziecka to rysowanie i poruszanie się przy muzyce. Jeśli jest do nich talent, to przedsięwzięcia nie zostaną utracone, ale rozwiną się w umiejętność okazywania zewnętrznego i wewnętrzne światy poprzez malowanie i taniec. Jeśli nie ma talentu, ale dusza uparcie domaga się wyrażenia wszystkich swoich impulsów, dziewczyna staje się dobrym fotografem. Na jej fotografiach najczęściej pojawiają się krewni i przyjaciele, ważne miejsca i zakątki natury, które pobudzają wyobraźnię.

Inną metodą wykorzystania swojego potencjału jest tworzenie rękodzieła z różnych materiałów. To modelowanie w glinie i wytwarzanie mydła, rzeźbienie i projektowanie. Ten ostatni może zamienić się w zawód i stać się dobrym sposobem na zarabianie pieniędzy. Rzeźbienie można nazwać rodzajem powszechnego, ale dalekiego od wszechogarniającego hobby - gotowania. Prawie każda dziewczyna jest w stanie ugotować najprostszą owsiankę i zupę, upiec pizzę ze wszystkiego, co znajduje się w lodówce, ale tylko nieliczne z nich mają sztukę przygotowywania oryginalnych potraw.

I wreszcie, ogólnym hobby kobiet w każdym wieku i kategorii społecznej jest wróżenie. Najczęściej na kartach, ale aby osiągnąć wynik, stosuje się również fusy z kawy, chiromancję i inne metody wróżenia. Znajomość przeszłości i przyszłości nie może być nudna, a specjalizacja w oddzielna forma może zamienić dziewczynę w prawdziwego mistrza.

Okrągły i płaski, z drewnianą rączką i plastikiem, kuna i kucyk. Różnorodność kształtów i rodzajów pędzli pomaga artyście tworzyć arcydzieła na płótnie lub papierze. Na przykład wiewiórka jest używana głównie do pracy farba akwarelowa, a do pisania służy pędzel liniowy.

Kształty pędzla

Jeden z najbardziej powszechnych i wszechstronnych kształtów pędzli jest okrągły. Wiązka takiego pędzla jest zamocowana w okrągłym klipsie, zwykle metalowym. Pędzle mogą mieć różne rozmiary. Mała wiązka służy do tworzenia miniatur, a duża wiązka jest używana do dużych krajobrazów. Okrągły pędzel zapewnia jednolitą linię o tej samej grubości, chociaż wykwalifikowany artysta może ją zmieniać.

Płaskie pędzle dobrze rozpracowują duże powierzchnie kompozycji, trzymają w sobie bardzo dużo farby. Pociągnięcia takim pędzlem są gładkie i szerokie.

Pędzel zwany „kocim okiem” ma owalny lub kopulasty kształt. Taki pędzel jest bardzo indywidualny w użytkowaniu i można go aplikować tak samo jak okrągły i płaski.

Podgatunek szczotek płaskich jest konturowy, mają podobny kształt, ale wiązka jest krótsza i odpowiednio bardziej elastyczna. Pędzle takie stosowane są w technikach malarstwa olejnego, łatwo na nich wykonać płaskie pociągnięcia i wyraźne kontury.

Pędzle do pisania mają okrągłą długą wiązkę z cienką, ostrą końcówką, która umożliwia pisanie i nakładanie konturów. Takie pędzle są używane z płynnymi farbami.

Pędzle retuszerskie również należą do odmiany pędzli płaskich, ich osobliwością jest końcówka ścięta pod kątem. Pędzle te służą do tworzenia bardzo cienkich kresek oraz płynnych i precyzyjnych przejść między kolorami. To zasługa cienkiej i ostrej końcówki.

Pędzle liniowe, podobnie jak pędzle typograficzne, mają kształt okrągłej, długiej belki i służą do nakładania napisów oraz tworzenia długich, równych linii. Pędzle liniowe są krótsze niż pędzle typograficzne, ale dłuższe i cieńsze niż okrągłe.

Pędzle fletowe oprócz malowania służą do nakładania makijażu, czyli pudru czy różu. Te miękkie pędzle przeznaczone są do swobodnego malowania akwarelami. Trzymają dużo wody, dzięki czemu mogą rysować długie, solidne, jednolite linie bez przerw.

Pędzle wachlarzowe mają cienką wiązkę w kształcie wachlarza. Służą do tworzenia subtelnych rozciągnięć kolorów, przejść kolorów i kontrastów.

Rodzaje pędzli

Oprócz kształtów i rozmiarów istnieje znacząca różnica w rodzajach pędzli, a mianowicie z jakiego rodzaju włosów jest wykonany pakiet. Najpopularniejszym rodzajem pędzla jest wiewiórka. Takie pędzle są wykonane z przetworzonych włosów z ogona wiewiórki, ponieważ to w ogonie jest najdłuższy włos. Pędzle Squirrel są bardzo miękkie i delikatne, dlatego wymagają szczególnej pielęgnacji. Służą do pracy z farbą akwarelową lub inną farbą wodorozcieńczalną.

Pędzle Kolinsky wykonane są z przetworzonego włosia z ogona Kolinsky. Pędzle te są dość miękkie i jednocześnie elastyczne. Dlatego są używane

Wielka postać, naukowiec i artysta renesansu Leonardo da Vinci powiedział: „Malarstwo to poezja, którą się widzi, a poezja to malarstwo, które się słyszy”. I nie można się z nim nie zgodzić. Prawdziwa sztuka jest naprawdę postrzegana kompleksowo. Widzimy, kontemplujemy i słyszymy, aw duszy przechowujemy dzieła sztuki, które nam się podobają. A światowe arcydzieła pozostają w naszej pamięci na długie lata.

Gatunki i rodzaje malarstwa

Rysując obraz, mistrz wykonuje go w określonym stanie, o specjalnym charakterze. Praca nie okaże się pełnoprawna, godna miłości i uwagi, jeśli zostanie na niej przedstawiona tylko forma i kolor. Artysta ma obowiązek obdarzyć przedmiotami duszę, ludzi charyzmą, iskrą, może tajemnicą, naturą osobliwe uczucia, a wydarzeniami realnymi przeżyciami. Gatunki i rodzaje malarstwa pomagają w tym twórcy. Pozwalają poprawnie oddać nastrój epoki, wydarzenia, faktu, lepiej uchwycić główną ideę, obraz, krajobraz.

Do głównych należą:

• Historyczny- przedstawienie faktów, momentów z historii różnych krajów i epok.
• Bitwa- transmituje sceny batalistyczne.
• Domowy- Sceny z życia codziennego.
• Sceneria To są obrazy natury. Są pejzaże morskie, górskie, fantastyczne, liryczne, wiejskie, miejskie, kosmiczne.
• Martwa natura- ilustruje przedmioty nieożywione: przybory kuchenne, broń, warzywa, owoce, rośliny itp.
• Portret- To jest obraz osoby, grupy ludzi. Często artyści lubią malować autoportrety lub płótna przedstawiające swoich kochanków.
• animalistyczny- Zdjęcia o zwierzętach.

Osobno można wyróżnić inny gatunek fabularno-tematyczny i zaliczyć tu utwory, których tematem są mity, legendy, eposy, a także obrazy z życia codziennego.

Rodzaje malarstwa to także osobne, pomagają artyście osiągnąć doskonałość podczas tworzenia płótna, podpowiadają mu, w jakim kierunku ma się poruszać i pracować. Dostępne są następujące opcje:

- Panorama- zdjęcie terenu w dużym formacie, widok ogólny.

- Diorama- obraz bitew, spektakularnych wydarzeń zakrzywiony w półkolu.

- Miniaturowy- Rękopisy, portrety.

- Malarstwo monumentalne i dekoracyjne- malowanie na ścianach, panelach, plafonach itp.

- ikonografia- obrazy o tematyce religijnej.

- malarstwo dekoracyjne- tworzenie scenografii artystycznej w kinie i teatrze.

- malarstwo sztalugowe Innymi słowy, zdjęcia.

- Dekoracyjne malowanie przedmiotów codziennego użytku.

Z reguły każdy mistrz sztuk pięknych wybiera dla siebie jeden konkretny gatunek i rodzaj malarstwa, który jest mu najbliższy duchem i przeważnie działa tylko w nim. Na przykład Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) pracował w stylu pejzaż morski. Tacy artyści są również nazywani malarzami morskimi (od „marina”, co po łacinie oznacza „morze”).

Techniki

Malarstwo to pewien sposób prowadzenia fabuły, jej odczuwanie poprzez świat barw i kresek. I oczywiście taka reprodukcja nie może się odbyć bez użycia pewnych technik, wzorców i zasad. Samo pojęcie „techniki” w sztukach wizualnych można zdefiniować jako zbiór technik, norm i wiedzy praktycznej, za pomocą których autor przekazuje ideę i fabułę obrazu najdokładniej, blisko rzeczywistości.

Wybór techniki malarskiej zależy od tego, jakie materiały, rodzaj płótna zostaną użyte do stworzenia dzieła. Czasem artysta potrafi podejść do swojej twórczości w sposób indywidualny, skorzystać z mieszanki różnych stylów i nurtów. Takie autorskie podejście pozwala na tworzenie naprawdę wyjątkowych dzieł sztuki – światowych arcydzieł.

Pod względem technicznym istnieje kilka opcji malowania. Rozważmy je bardziej szczegółowo.

Malarstwo starożytności

Historia malarstwa zaczyna się od rytów naskalnych człowieka prymitywnego. W tym czasie obrazy nie wyróżniały się żywotnością wątków, zamieszaniem kolorów, ale były w nich szczególne emocje. A wątki z tamtych lat wyraźnie informują nas o istnieniu życia w odległej przeszłości. Linie są niezwykle proste, temat przewidywalny, kierunki jednoznaczne.

W czasach starożytnych treść rysunków staje się bardziej zróżnicowana, częściej przedstawiają zwierzęta, różne rzeczy, robią całe biografie na całej ścianie, zwłaszcza jeśli obrazy są tworzone dla faraonów, w co wtedy bardzo wierzono. Po około dwóch tysiącach lat malowidła ścienne zaczynają nabierać kolorów.

Starożytne malarstwo, w szczególności staroruskie, jest dobrze przekazane i zachowane na starych ikonach. Są sanktuarium i najlepszym przykładem przekazującym piękno sztuki od Boga. Ich kolor jest wyjątkowy, a przeznaczenie doskonałe. Takie malarstwo oddaje nierzeczywistość bytu, obrazów i zaszczepia w człowieku ideę boskiej zasady, istnienia idealnej sztuki, której trzeba być równym.

Rozwój malarstwa nie przeszedł bez śladu. Za długi czas ludzkości udało się zgromadzić prawdziwe relikwie i duchowe dziedzictwo wielu wieków.

Akwarela

Malarstwo akwarelowe wyróżnia się jasnością kolorów, czystością barwy i przezroczystością aplikacji na papier. Tak, właśnie na powierzchni papieru najlepiej pracuje się w tej technice plastycznej. Rysunek szybko wysycha, dzięki czemu uzyskuje jaśniejszą i matową fakturę.

Akwarela nie pozwala uzyskać ciekawych odcieni przy użyciu ciemnych, jednolitych odcieni, ale doskonale modeluje kolor, gdy warstwy nakładają się jedna na drugą. W tym przypadku okazuje się, że można znaleźć zupełnie nowe, nietypowe opcje, które trudno uzyskać innymi technikami artystycznymi.

Trudności z akwarelą

Złożoność pracy w takiej technice jak malarstwo akwarelowe polega na tym, że nie wybacza ona błędów, nie pozwala na improwizację z kardynalnymi zmianami. Jeśli nie podobał ci się zastosowany ton lub masz zupełnie inny kolor, niż chciałeś, jest mało prawdopodobne, że będziesz w stanie to naprawić. Wszelkie próby (zmywanie wodą, skrobanie, mieszanie z innymi kolorami) mogą doprowadzić zarówno do ciekawszego odcienia, jak i całkowitego zanieczyszczenia obrazu.

Zmiana położenia figury, przedmiotu, jakakolwiek poprawa kompozycji w tej technice jest w zasadzie niemożliwa. Ale dzięki szybkiemu wysychaniu farb podczas malowania idealnie nadaje się do rysowania szkiców. A jeśli chodzi o przedstawienie roślin, portretów, pejzaży miejskich, może konkurować z obrazami olejnymi.

Masło

Każda z technicznych odmian malarstwa ma swoją specyfikę. Dotyczy to zarówno sposobu wykonania, jak i artystycznego przekazu obrazu. Malarstwo olejne to jedna z ulubionych technik wielu artystów. Trudno w nim pracować, ponieważ wymaga to pewnego poziomu wiedzy i doświadczenia: od przygotowania niezbędnych przedmiotów, materiałów, aż po końcowy etap – pokrycie powstałego obrazu warstwa ochronna lakier.

Cały proces malowania olejnego jest dość pracochłonny. Bez względu na to, jakie podłoże wybierzesz: płótno, tekturę czy płytę pilśniową, musisz najpierw pokryć je podkładem. Pozwoli to farbie dobrze się położyć i dobrze trzymać, nie odstawać od oleju. Nada również tłu pożądaną teksturę i kolor. Istnieje wiele rodzajów i receptur dla różnych gleb. A każdy artysta preferuje swój własny, specyficzny, do którego jest przyzwyczajony i który uważa za najlepszą opcję.

Jak wspomniano powyżej, praca odbywa się w kilku etapach, a finałem jest pokrycie obrazu substancjami werniksowymi. Odbywa się to w celu ochrony płótna przed wilgocią, pojawieniem się pęknięć (siatki) i innych uszkodzeń mechanicznych. Malarstwo olejne nie toleruje pracy na papierze, ale dzięki całej technologii nakładania farb pozwala zaoszczędzić dzieła sztuki bezpieczny i zdrowy na wieki.

chińskie sztuki piękne

Chciałbym zwrócić szczególną uwagę na epokę malarstwa chińskiego, ponieważ ma ona w historii szczególną kartę. Kierunek wschodni malarstwo ewoluowało przez ponad sześć tysięcy lat. Jego powstanie było ściśle związane z innymi rzemiosłami, przemianami społecznymi i uwarunkowaniami zachodzącymi w życiu ludzi. Na przykład po wprowadzeniu buddyzmu w Chinach freski religijne nabrały wielkiego znaczenia. W czasach (960-1127) popularne stały się obrazy charakter historyczny mówić również o życiu codziennym. Malarstwo pejzażowe stało się niezależnym kierunkiem już w IV wieku naszej ery. mi. Obrazy natury powstały w niebiesko-zielonych barwach i chińskim tuszu. A w IX wieku artyści coraz częściej zaczęli malować obrazy przedstawiające kwiaty, ptaki, owoce, owady, ryby, ucieleśniając w nich swoje ideały i naturę epoki.

Cechy malarstwa chińskiego

Tradycyjne malarstwo chińskie wyróżnia się specyficznym stylem, a także materiałami używanymi do malowania, co z kolei wpływa na metody i formy. sztuka orientalna. Po pierwsze, chińscy malarze używają specjalnego pędzla do tworzenia obrazów. Wygląda jak akwarela i ma wyjątkowo ostrą końcówkę. Takie narzędzie pozwala tworzyć wyrafinowane dzieła, a jak wiadomo styl kaligrafii jest nadal szeroko stosowany w Chinach. Po drugie, tusz jest używany wszędzie jako farby - atrament chiński (zdarza się, że razem z innymi kolorami, ale jest również używany jako samodzielna farba). Dzieje się tak od dwóch tysięcy lat. Warto również zauważyć, że przed pojawieniem się papieru ludzie w Chinach malowali na jedwabiu. Dziś współcześni mistrzowie sztuki wykonują swoje prace zarówno na papierze, jak i na jedwabnej powierzchni.

To nie wszystkie możliwości techniczne malarstwa. Oprócz powyższych istnieje wiele innych (gwasz, pastel, tempera, fresk, akryl, wosk, malarstwo na szkle, porcelanie itp.), W tym autorskie opcje sztuki.

Epoki malarstwa

Jak każda forma sztuki, malarstwo ma swoją własną historię powstawania. Przede wszystkim charakteryzuje się różne etapy rozwój, wielopłaszczyznowe style, ciekawe kierunki. Nie ostatnia rola grają tu epoki malarstwa. Każdy z nich wpływa nie tylko na kawałek życia ludzi i nie tylko na czas niektórych wydarzeń historycznych, ale na całe życie! Wśród najbardziej znane okresy w sztuce malarstwa można wyróżnić: renesans i oświecenie, twórczość impresjonistów, nowoczesność, surrealizm i wiele, wiele innych. Innymi słowy, malarstwo jest wizualną ilustracją pewnej epoki, obrazem życia, światopoglądem widzianym oczami artysty.

Pojęcie „malowanie” dosłownie oznacza „pisanie życia”, przedstawianie rzeczywistości żywo, po mistrzowsku, przekonująco. Aby przekazać na płótnie nie tylko każdy szczegół, każdą drobiazg, chwilę, ale także nastrój, emocje, kolor tego czy innego czasu, styl i gatunek całego dzieła sztuki.