Kto jest autorem obrazu Ostatni dzień Pompejów. Ramki na zdjęcia bagietki

Wśród mistrzów rosyjskiego romantyzmu Karl Bryullov jest postacią wybitną. Jego monumentalne płótna i portrety współczesnych stanowią złoty fundusz malarstwa rosyjskiego. Historia zachowała epitety, jakie artysta otrzymał od przyjaciół: „Genialny”, „Wspaniały”. Dokładnie to zdjęcie Karla Bryullova Tak duże uznanie wzbudził „Ostatni dzień Pompejów”, honorując twórcę tytułem wielkiego rosyjskiego artysty romantycznego. Motywy włoskie i klasyczne motywy renesansu znalazły odzwierciedlenie w twórczości Bryullova, czyniąc obraz najważniejszym płótnem ścieżka twórcza artysta.

„Ostatni dzień Pompejów”: historia obrazu

79 r. n.e. Erupcja wulkanu niszczy starożytne miasto Cesarstwa Rzymskiego. Podczas katastrofy ginie ponad dwa tysiące mieszkańców, niektórzy są pogrzebani żywcem pod strumieniami lawy. Motyw Pompejów jest bardzo popularny w twórczości początku XIX wieku. Okres pomiędzy rokiem 1748 (odkrycie ruin Pompejów za sprawą wykopaliska archeologiczne), a rok 1835 to wiele dzieł malarskich, muzycznych, teatralnych i literackich poświęconych temu wydarzeniu.

1827. Karl Bryullov osobiście zapoznaje się z historią zaginionego miasta. Odwiedza wykopaliska. Młody artysta nie podejrzewał fatalności podróży. Wtedy mistrz napisze, że przeżył nowe doznanie, zapominając o wszystkim oprócz straszliwego losu, jaki spotkał miasto. Autor obrazu „Ostatni dzień Pompejów” był pod wielkim wrażeniem. Bryullov od kilku lat pracuje nad źródłami: danymi historycznymi, świadectwami literackimi. Artystka szczegółowo bada historię regionu, coraz bardziej świadoma tematyki zaginionego miasta. Wiadomo, że artysta kontaktował się z ludźmi, którzy prowadzili wykopaliska archeologiczne i czytał wiele prac na ten temat.

Karl Pawłowicz wielokrotnie odwiedza starożytne miasto, czerpiąc z życia wszystkie szczegóły przyszłego płótna. Szkice i obraz bardzo dokładnie oddają wygląd Pompejów. Na miejsce akcji Bryullov wybrał skrzyżowanie zwane „ulicą grobowców”. Tutaj starożytni Pompejanie chowali prochy swoich zmarłych przodków w marmurowych mauzoleach. Wybór jest zamierzony, przepełniony głęboką symboliką.

Za kluczową kwestię artysta uznał potrzebę oświetlenia Wezuwiusza. Wulkan, który stał się przyczyną tragedii, zajmuje tło dzieła, wywołując przygnębiające wrażenie, potęgując monumentalizm dzieła. Bryullov malował lokalnych mieszkańców z życia. Wielu Włochów zamieszkujących okolice Wezuwiusza to potomkowie rdzennych mieszkańców zaginionego miasta. Po wykonaniu szkicu kompozycji, wyobrażeniu sobie z grubsza, jak będzie wyglądał obraz, artysta przystąpił do pracy nad największym dziełem w swojej karierze twórczej.

1830-33. Prace nad dziełem, które przyniosło światową sławę, szły pełną parą. Płótno było wypełnione życiem, duchem nieuniknionej śmierci. Obraz różni się nieco od oryginalnego szkicu. Punkt widzenia nieco się zmienił, jest więcej postaci. Plan działania, pomysł, kompozycja stylistyczna, wykonane w duchu dzieł epoki klasycyzmu – wszystko pozostaje. „Ostatni dzień Pompei” – rzeczywiście monumentalne dzieło(4,65 x 6,5 metra).

Bryullov przyniósł obraz światowa sława. Płótno wysyłane jest bezpośrednio do Rzymu niemal natychmiast po malowaniu. Recenzje krytyków były przytłaczające. Włosi byli zachwyceni, jak głęboko rosyjski artysta odczuł tragedię dziejową, z jaką pieczołowitością i zaangażowaniem odmalował najdrobniejsze szczegóły dzieła. Włosi nazwali „Ostatni dzień Pompejów” obrazem „triumfalnym”. Kilka Rosyjscy artyści uzyskał tak wysokie oceny za granicą. Koniec pierwszej tercji XIX w. był dla Włoch okresem burzliwym, zapowiadającym silne wstrząsy historyczne. Malarstwo Bryullova we współczesnym ujęciu stało się naprawdę modne. Pamięć historyczna- ważna koncepcja kraju walczącego o wolność spod panowania austriackiego. Zainteresowanie zagranicznego artysty bohaterską przeszłością pierwotnych Włoch tylko podsyciło rewolucyjne nastroje w kraju.

Obraz został później wysłany do Paryża. Luwr odwiedziło wielu wielkich współczesnych Bryullowa, którzy chcieli na własne oczy zobaczyć wspaniały obraz. Wśród docenionych dzieł był pisarz Walter Scott, który nazwał obraz niezwykłym. Jego zdaniem gatunek obrazu „Ostatni dzień Pompei” to prawdziwa epopeja obrazkowa. Artysta nie spodziewał się takiego sukcesu. Bryullov stał się triumfem wraz z obrazem.

„Ostatni dzień Pompejów” trafił w 1834 roku do ojczyzny artysty, Petersburga, gdzie pozostaje do dziś.

Opis pracy „Ostatni dzień Pompejów”

Kompozycja płótna wykonana jest według ścisłych kanonów klasycyzmu, ale twórczość Bryullowa stanowi etap przejściowy na drodze do romantyzmu. Stąd wyraźny motyw tragedii nie osoby, ale narodu. Odwoływanie się do prawdziwych wydarzeń historycznych to kolejna charakterystyczna cecha romantyczna.

Na pierwszym planie lewego rogu obrazu widać małżeństwo zakrywające ciałem swoje dzieci. Przedstawia kobietę przytulającą córki i chrześcijańskiego księdza. Wyraża spokój i pokorę, uznając to, co się wydarzyło, za wolę Bożą. Antypodowy obraz innych postaci na płótnie, jego oczy nie noszą w sobie grozy. Bryullov przedstawił głęboką symbolikę, opozycję między chrześcijaństwem a rzymską religią pogańską. Na środku płótna kapłan ratując kosztowności świątynne ucieka przed nieuniknioną śmiercią. W ten sposób autor zaznaczył historyczny upadek religii pogańskiej po nadejściu chrześcijaństwa. Na stopniach grobowca po lewej stronie widzimy kobietę, której spojrzenie jest pełne prymitywnej grozy. Rozpacz i ciche prośby o pomoc są widoczne dla każdego. Kobieta jest jedyną postacią patrzącą bezpośrednio, zwracając się do widza.

Prawa strona zdjęcia to strona wulkanu. Grzmiący piorun niszczy posągi. Niebo płonie ognistym blaskiem, zwiastując śmierć. Poprzez ostre, ciemne pociągnięcia artysta w metaforyczny sposób ukazuje „spadające niebo”. Popiół leci. Młody mężczyzna niesie martwą dziewczynę (z koroną ślubną na głowie). Elementy uniemożliwiły ślub. Podobną pozę przyjmują synowie niosący na rękach starego ojca. Stający koń zrzuca jeźdźca. Młody mężczyzna pomaga matce wstać, namawiając ją do ucieczki.

Główny element kompozycji umiejscowiony jest centralnie. Martwa kobieta leży na ziemi z dzieckiem na piersi. Element niesie główny pomysł Obrazy Bryullova „Ostatni dzień Pompejów”: śmierć starego świata, narodziny nowej ery, opozycja życia i śmierci. Symbolika jest bardzo charakterystyczna dla romantyzmu.

Gorący, szkarłatny płomień tła płótna kontrastuje z zimnym, „martwym” światłem pierwszego planu. Bryullov z entuzjazmem bawi się światłocieniem, tworząc objętość, zanurzając widza w tym, co się dzieje. Rosyjska krytyka artystyczna słusznie uważała Karola Pawłowicza za innowatora, który odkrył Nowa era Malarstwo rosyjskie.

Ciekawostki o obrazie „Ostatni dzień Pompejów”

Twórczość Bryullova jest pełna wielu ukrytych znaczeń i tajemnic. Dla osoby erudycyjnej ważne jest nie tylko wiedzieć, kto namalował obraz „Ostatni dzień Pompejów”, ale także jakie tajemnice skrywa ten obraz:

• Artysta stojący na schodach jest autoportretem autora. Bryullov tym elementem pokazał, jak głęboko przeżył tragedię erupcji Wezuwiusza, współczując bohaterom płótna;
• Hrabina Samoilova, najbliższa przyjaciółka i muza artysty, jest wzorem dla czterech postaci obrazu (martwej kobiety, kobiety z przerażeniem w oczach, matki zakrywającej swoje dzieci płaszczem);
• Nazwa płótna stała się popularna w języku rosyjskim. „Pompeia” jest używane w formie żeńskiej pojedynczy, ale według zasad słowo to jest w liczbie mnogiej;
• Malarstwo Bryullowa było wielokrotnie bezpośrednio wspominane w dziełach klasycznej literatury rosyjskiej: Lermontowa, Puszkina, Turgieniewa, Gogola;
• Wśród ocalałych ofiar Pompejów jest Pliniusz Młodszy, starożytny historyk. Artysta przedstawił go jako młodego mężczyznę pomagającego powstać upadłej matce.

Gdzie znajduje się Ostatni dzień Pompejów?

Obrazy nie są w stanie oddać niesamowitego monumentalizmu słynne dzieło sztuki, więc koniecznie przyjedźcie do Petersburga! 1895 - płótno staje się częścią stałej wystawy Muzeum Rosyjskiego. Tutaj możesz spokojnie cieszyć się wspaniałym arcydziełem słynnego malarza.

Kategoria

Bryulłow Karol Pawłowicz (1799-1852)

Żadna z Artyści europejscy w XIX wieku nie odniósł tak wspaniałego triumfu, jaki przypadł młodym Malarz rosyjski Karol Pawłowicz Bryulłow, kiedy w połowie 1833 roku otworzył przed widzami drzwi swojej rzymskiej pracowni nowo ukończoną obraz„ ”. Podobnie jak Byron miał prawo powiedzieć o sobie, że pewnego pięknego poranka obudził się sławny. Słowo „sukces” nie wystarczy, aby scharakteryzować stosunek do niego zdjęcie. Pod ręką było coś więcej - obraz wywołał wśród publiczności eksplozję zachwytu i podziwu dla rosyjskiego artysty, który zdawał się otwierać nową kartę w historii światowej sztuki.

Jesień 1833 obraz pojawił się wystawa V Mediolan. Tutaj triumf rosyjskiego mistrza osiągnął swój najwyższy punkt. Każdy chciał zobaczyć dzieło, „o którym mówi cały Rzym”. Włoskie gazety i czasopisma publikowały entuzjastyczne recenzje na temat „ Ostatni dzień Pompejów„i jego autor. Tak jak kiedyś czczono wielkich mistrzów renesansu, tak teraz zaczęli to czcić Bryulłow. Stał się najbardziej znana osoba we Włoszech. Został powitany brawami na ulicy, a w teatrze nagrodzony owacjami na stojąco. Poeci dedykowali mu wiersze. Podróżując po granicach włoskich księstw nie miał obowiązku przedstawiania paszportu – wierzono, że każdy Włoch ma obowiązek znać go z widzenia.

W 1834 r. „” zostało wystawione na Salonie Paryskim. Akademia Francuska sztuka wyróżniony Bryulłow złoty medal . Jeden z pierwszych biografów Bryulłow, N.A. Ramazanov, mówi to pomimo zazdrosnych plotek niektórych Artyści francuscy, paryska opinia publiczna skupiła swoją uwagę głównie na „ Ostatni dzień Pompeje„i z trudem i niechęcią opuściłem to obrazy".

Nigdy wcześniej chwała sztuki rosyjskiej nie rozprzestrzeniła się tak szeroko w całej Europie. Czekało nas jeszcze większe świętowanie Bryulłow w domu.

Przywieziony do Petersburga w lipcu 1834 roku i wystawiony najpierw w Ermitażu, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych, od razu znalazł się w centrum uwagi społeczeństwa rosyjskiego i stał się przedmiotem patriotycznej dumy.

„Tłumy gości, można powiedzieć, wpadały do ​​sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje” – mówi współczesny człowiek w swoim oficjalnym raporcie rocznym Akademia Sztuk przyznał Bryulowska zdjęcie najlepsze dzieło 19 wiek. Szeroko dystrybuowany wyryty odtwarzanie nagranego dźwięku "Ostatni dzień Pompejów„. Rozbili chwała Bryulłow na terenie całego kraju, daleko poza stolicą. Z entuzjazmem witani byli najlepsi przedstawiciele kultury rosyjskiej zdjęcie. Puszkin napisał:

Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie

Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.

Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn

Idole upadają! Naród napędzany strachem

Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,

Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Gogol pisał o „ Ostatni dzień Pompejów„obszerny artykuł, w którym to przyznał zdjęcie„kompletnym uniwersalnym dziełem”, w którym wszystko jest „tak potężne, tak odważne, tak harmonijnie połączone w jedno, jak tylko mogło powstać w głowie uniwersalnego geniuszu”.

Malarstwo Bryullova wzbudził w największym stopniu niezwykle duże zainteresowanie malarstwem szerokie koła społeczeństwo rosyjskie. Nieustanna rozmowa o „ Ostatni dzień Pompejów„w prasie, w korespondencji, w prywatnych rozmowach wyraźnie pokazali, że dzieło malarskie potrafi ekscytować i dotykać nie mniej niż literatura. rolę publiczną Dzieła wizualne w Rosji zaczęło się właśnie od obchodów Bryulłowa.

Malarstwo historyczne, który od dawna zajmuje czołowe miejsce w sztuka akademicka, zwrócono się przede wszystkim do tematów zaczerpniętych z Biblii i Ewangelii lub z starożytna mitologia. Ale nawet w przypadkach, gdy działka obrazy nie była legendą, ale prawdziwym wydarzeniem historycznym, malarze Akademii w istocie byli bardzo dalecy od autentyczności historycznej w swoim rozumieniu i interpretacji tego, co zostało przedstawione. Nie szukali prawdy historycznej, ponieważ ich celem nie było odtworzenie przeszłości, ale ucieleśnienie tej czy innej abstrakcyjnej idei. W ich obrazy Postacie historyczne przybierały wygląd konwencjonalnych „starożytnych bohaterów”, niezależnie od tego, czy przedstawiano wydarzenie z historii starożytnego Rzymu, czy Rosji.

„utorowała drogę do zupełnie innego rozumienia i interpretacji tematu historycznego.

W poszukiwaniu życiowej prawdy Bryulłow, pierwszy wśród rosyjskich artystów, postawił sobie za cel rekreację zdjęcie prawdziwe wydarzenie przeszłości, na podstawie badania źródła historyczne i dane archeologiczne.

W porównaniu z fantastyczną „archeologią” swoich poprzedników Bryulłow ten zewnętrzny historyzm sam w sobie był poważnym, innowacyjnym osiągnięciem. Nie wyczerpują one jednak znaczenia Bryulłowski obrazy. Potwierdzono autentyczność archeologiczną Bryulłow jedynie środkiem do głębszego odsłonięcia tematu, do wyrażenia współczesnego podejścia do przeszłości.

"Myśl obrazy należy całkowicie do gustu naszej epoki, która, jakby czując swoje straszliwe rozdrobnienie, stara się zjednoczyć wszystkie zjawiska grupy ogólne i wybiera silne kryzysy odczuwane przez całą masę” – napisał Gogol, ujawniając treść „ Ostatni dzień Pompejów".

W przeciwieństwie do poprzedniego malarstwo historyczne z kultem bohaterów i naciskiem na indywidualny w przeciwieństwie do bezosobowego tłumu, Bryulłow pomyślałem „” jak scena tłumu, w którym jedynym i prawdziwym bohaterem byłby naród. Wszyscy główni bohaterowie w zdjęcie są prawie równoważnymi wykładnikami tematu; oznaczający obrazy ucieleśnia się nie w przedstawieniu pojedynczego bohaterskiego czynu, ale w uważnym i dokładnym przekazie psychologii mas.

W tym samym czasie Bryulłow z przemyślaną, a nawet ostrą bezpośredniością podkreśla główne kontrasty, które wyrażają ideę walki nowego ze starym, życia ze śmiercią, ludzkiego umysłu ze ślepą władzą żywiołów. Wszystko jest podporządkowane tej myśli ideologiczny I rozwiązanie artystyczne obrazy, stąd wywodzą się jego cechy, które zadecydowały o tym miejscu” Ostatni dzień Pompejów" po rosyjsku sztuka XIX wieku wiek.

Temat Malowidła pochodzą z historii starożytnego Rzymu. Pompejusz(albo raczej Pompeje) – starożytne rzymskie miasto położone u podnóża Wezuwiusza – 24 sierpnia 79 roku n.e. w wyniku potężnej erupcji wulkanu zostało wypełnione lawą oraz pokryte kamieniami i popiołem. W wyniku paniki na ulicach miasta zginęło dwa tysiące mieszkańców (w sumie było ich około 30 tysięcy).

Przez ponad półtora tysiąca lat miasto pozostawało pogrzebane pod ziemią i zapomniane. Tylko w koniec XVI wieku podczas prac wykopaliskowych przypadkowo odkryto miejsce, w którym znajdowała się niegdyś zaginiona osada rzymska. Od 1748 roku rozpoczęto badania archeologiczne, które szczególnie nasiliły się w pierwszych dziesięcioleciach XIX wieku. Wzbudziły one zwiększone zainteresowanie środowisk artystycznych nie tylko we Włoszech, ale na całym świecie. Każde nowe odkrycie stawało się sensacją wśród artystów i archeologów i tragedią temat i Pompeje Jednocześnie wykorzystywano go w literaturze, malarstwie i muzyce. Opera pojawiła się w 1829 r Włoski kompozytor Paccini, w 1834 r. powieść historyczna Angielski pisarz Bulverlitton Ostatnie dni Pompejów". Bryulłow jako pierwszy zajął się tym tematem: szkicami swojej przyszłości obrazy pochodzą z lat 1827-1828.

Bryulłow miał 28 lat, kiedy zdecydował się napisać „”. Dobiegał końca piąty rok jego emerytury we Włoszech. Miał już na swoim koncie kilka poważnych dzieł, ale żadne z nich nie wydawało się artyście w pełni godne jego talentu; czuł, że jeszcze nie spełnił pokładanych w nim nadziei.

Z Bryulłow czekamy duży malarstwo historyczne- specyficznie historyczne, gdyż w estetyce początku XIX w. ten rodzaj malarstwa uznawany był za najwyższy. Nie zrywając z dominującymi wówczas poglądami estetycznymi, Bryulłow i on sam szukał fabuły, która odpowiadała wewnętrznym możliwościom jego talentu, a jednocześnie była w stanie sprostać wymaganiom, jakie można było mu postawić współczesna krytyka i Akademii Sztuk.

Szukam takiej historii Bryulłow Długo wahałem się pomiędzy tematami z historii Rosji i mitologii starożytnej. Zamierzał pisać zdjęcie "Oleg przybija swoją tarczę do bram Konstantynopola”, a później nakreślił fabułę z historie Piotr Wielki. Jednocześnie tworzył szkice na tematy mitologiczne („ Śmierć Faetona", "Hylas, skradziony przez nimfy„i inne). Jednak wysoko cenione w Akademii wątki mitologiczne przeczyły realistycznym tendencjom młodych Bryulłow, a ze względu na temat rosyjski, będąc we Włoszech, nie mógł zebrać materiału.

Temat zniszczenie Pompei rozwiązał wiele trudności. Sama fabuła, jeśli nie tradycyjna, to jednak niewątpliwie miała charakter historyczny i od tej strony spełniała podstawowe wymogi estetyki akademickiej. Akcja miała rozgrywać się na tle starożytnego miasta z jego klasycystyczną architekturą i zabytkami sztuki starożytnej; wkroczył w ten sposób świat form klasycznych zdjęcie bez żadnej celowości, jakby sam w sobie, ale spektakl szalejących żywiołów i tragiczna śmierć otworzyło dostęp do obrazów romantycznych, w których talent malarza mógł znaleźć nowe, niespotykane dotąd możliwości ukazywania wielkich uczuć, namiętnych impulsów emocjonalnych i głębokich przeżyć. Nic dziwnego, że temat urzekł i został uchwycony Bryulłow: łączy w sobie wszystkie warunki najpełniejszego wyrażenia swoich myśli, wiedzy, uczuć i zainteresowań.

Źródła na podstawie których Bryulłow rozwiązał swój temat, pojawiły się autentyczne zabytki starożytne, odkryte w zaginionym mieście, prace archeologów i opisy katastrofy V Pompeje, wykonane przez współczesnego i naocznego świadka, Pisarz rzymski Pliniusz Młodszy.

Pracować nad " Ostatni dzień Pompejów„ ciągnęło się prawie sześć lat (1827-1833) i jest dowodem głębokich i intensywnych poszukiwań twórczych Bryulłow Liczne rysunki, opracowania i szkice wyraźnie pokazują, jak rozwijała się idea artysty.

Wśród nich Praca przygotowawcza Szkic z 1828 roku zajmuje miejsce szczególne. Pod względem siły oddziaływania artystycznego być może nie jest gorszy zdjęcie. To prawda, że ​​\u200b\u200bszkic nie pozostał całkowicie sfinalizowany, poszczególne obrazy i postacie zostały w nim jedynie zarysowane, a nie w pełni ujawnione; ale ta zewnętrzna niekompletność łączy się w wyjątkowy sposób z głęboką wewnętrzną kompletnością i artystyczną perswazją. Znaczenie poszczególnych odcinków, później szczegółowo rozwinięte w zdjęcie, tutaj zdaje się rozpływać w ogólnym namiętnym impulsie, w jednym tragicznym uczuciu, w integralnym obrazie umierającego miasta, bezsilnego wobec naporu spadających na nie żywiołów. Szkic opiera się na romantycznie pojętej idei zmagania się człowieka z losem, którego personifikacją są tutaj żywiołowe siły natury. Śmierć zbliża się z nieuniknionym okrucieństwem, niczym starożytny los, a człowiek całym umysłem i wolą nie jest w stanie przeciwstawić się losowi; jedyne, co może zrobić, to z odwagą i godnością stawić czoła nieuniknionej śmierci.

Ale Bryulłow nie zastanawiał się nad tym rozwiązaniem swojego tematu. Nie był zadowolony ze szkicu właśnie dlatego, że tak uporczywie wybrzmiewały w nim nuty beznadziejnego pesymizmu, ślepego poddania się losowi i niewiary w ludzką siłę. Takie rozumienie świata pozostawało poza tradycjami kultury rosyjskiej i zaprzeczało jej zdrowym, ludowym podstawom. Podtrzymująca życie moc tkwiąca w talencie Bryulłow, nie mogłem się pogodzić z „ Ostatni dzień Pompejów„, zażądał wyjścia i pozwolenia.

Bryulłow znalazł tę drogę, przeciwstawiając duchową wielkość i piękno człowieka niszczycielskim elementom natury. Dla niego plastyczne piękno zamienia się w potężną siłę, która afirmuje życie w obliczu śmierci i zniszczenia. "...Jego postacie są piękne pomimo całej grozy ich sytuacji. Zagłuszają ją swoim pięknem" - pisał Gogol, który subtelnie dostrzegł główną myśl Bryulłowski obrazy.

Próbując oddać różne stany psychiczne i odcienie uczuć, jakie targały mieszkańcami umierającego miasta, Bryulłow zbudowałem własny zdjęcie jako cykl odrębnych, zamkniętych epizodów, niepowiązanych fabułą. Ich znaczenie ideologiczne staje się jasne dopiero wtedy, gdy spojrzy się jednocześnie na wszystkie grupy i niezależne motywy fabuły, części "".

Idea triumfu piękna nad zniszczeniem szczególnie wyraziście wyraża się w grupie postaci stłoczonych na stopniach grobowca po lewej stronie obrazy. Bryulłow celowo połączono tu obrazy kwitnącej siły i młodości. Ani cierpienie, ani groza nie zniekształcają ich idealnie pięknych rysów; Na ich twarzach można odczytać jedynie wyraz zaskoczenia i niespokojnego oczekiwania. W postaci młodego mężczyzny wyczuwalna jest tytaniczna moc, przedzierająca się przez tłum z namiętnym impulsem. Charakterystyczne jest, że w świecie pięknych klasycznych obrazów inspirowanych rzeźbą antyczną, Bryulłow dodaje zauważalną nutę realizmu; wiele jego postaci niewątpliwie jest zaczerpniętych z życia, a wśród nich wyróżnia się jego autoportret Bryulłow, przedstawiający siebie jako artystę pompejańskiego, który uciekając z miasta zabiera ze sobą pudełko pędzli i farb.

W głównych grupach po prawej stronie obrazy Główne motywy to te, które podkreślają duchową wielkość człowieka. Tutaj Bryulłow skoncentrowane przykłady odwagi i bezinteresownego wykonywania obowiązków.

Na pierwszym planie trzy grupy: „dwóch młodych Pompejusza niosących na ramionach chorego, starego ojca”, „Pliniusz z matką” oraz „młodzi małżonkowie” – młody mąż podtrzymujący padającą ze zmęczenia żonę, zwieńczony koroną wieniec ślubny. Jednakże, ostatnia grupa psychologicznie prawie nie rozwinięty i ma charakter wstawki kompozycyjnej niezbędnej dla równowagi rytmicznej obrazy. O wiele bardziej wymowna jest grupa synów niosących ojca: na obrazie starca, majestatycznie wyciągającego rękę, wyraża się dumna nieugiętość ducha i surowa odwaga. Na przedstawieniu najmłodszego syna, czarnookiego włoskiego chłopca, wyczuwa się dokładny i bezpośredni szkic z życia, w którym wyraźnie manifestuje się żywe realistyczne uczucie Bryulłow.

Zasady realistyczne wyrażają się ze szczególną siłą w niezwykłej grupie Pliniusza i jego matki. W szkicach i wczesnych szkicach ten odcinek został opracowany w formy klasyczne, podkreślając historyczność i antyczny charakter sceny. Ale w zdjęcie Bryulłow zdecydowanie odsunął się od oryginalny plan- tworzone przez niego obrazy zadziwiają bezstronną i autentyczną żywotnością.

W Centrum obrazy znajduje się leżąca na ziemi postać młodej kobiety, która zginęła podczas upadku z rydwanu. Można przypuszczać, że na tym rysunku Bryulłow chciał symbolizować wszystko, co umierało świat starożytny; Wzmiankę o takiej interpretacji można znaleźć także w recenzjach współczesnych. Zgodnie z tą intencją artysta poszukiwał najdoskonalszego klasycznego urzeczywistnienia tej figury. Współcześni, w tym Gogol, widzieli w niej jedno z najbardziej poetyckich stworzeń Bryulłow.

Nie wszystkie epizody są równie ważne dla rozwoju tematu, ale w ich naprzemienności i porównywaniu uporczywie ujawnia się główna idea Bryulłow o walce życia ze śmiercią, o triumfie rozumu nad ślepymi siłami żywiołów, o narodzinach nowego świata na walących się ruinach starego.

To nie przypadek, że obok centralnej postaci zamordowanej kobiety artysta przedstawił piękne dziecko, jako symbol niewyczerpanej mocy życia; Nieprzypadkowo w ugrupowaniach Pliniusza z matką i synami niosącymi starszego ojca przeciwstawiane są obrazy młodości i starości; Wreszcie podkreślony kontrast pomiędzy „pogańskim”, pięknym od starożytności tłumem na stopniach grobowca i majestatycznie spokojną „rodziną chrześcijan” nie jest przypadkowy. W zdjęcie jest tu zarówno kapłan pogański, jak i kapłan chrześcijański, jakby uosabiający odchodzący świat starożytny i powstającą na jego gruzach cywilizację chrześcijańską.

Być może obrazy księdza i księdza nie są wystarczająco głębokie, nie jest ukazany ich świat duchowy zdjęcie a charakterystyka pozostała w dużej mierze zewnętrzna; dało to później V.V. Stasovowi powód do poważnych wyrzutów Bryulłow ponieważ nie wykorzystał okazji do ostrego skontrastowania zrujnowanego, umierającego Rzymu i młodego chrześcijaństwa. Ale myśl o tych dwóch światach jest niewątpliwie obecna w zdjęcie. Z jednoczesnym i integralnym postrzeganie obrazy Wyraźnie widać organiczne powiązanie składających się na nią epizodów. Wyrażane w nich odcienie uczuć i różne stany psychiczne, akty męstwa i poświęcenia, wraz z przejawami rozpaczy i strachu, podane są w „ Ostatni dzień Pompejów„w kierunku harmonijnej, harmonijnej i artystycznie integralnej jedności.

Cudowne płótna. L., 1966. S.107

Renowacja obrazu Ostatni dzień Pompejów

Wyjątkowym wydarzeniem w życiu Muzeum Rosyjskiego było K. P. Bryullova„”. Liczne wcześniejsze renowacje jedynie opóźniały moment rozpoczęcia zasadniczych prac nad płótnem – płótno obrazu „wypaliło się” i stało się kruche; w miejscach pęknięć płótna na przedniej stronie pojawiły się 42 łaty; ubytki warstwy farby zabarwiono dodatkiem oryginalnego malarstwa; Powłoka lakiernicza znacznie zmieniła kolor. Po wzmocnieniu obraz został przeniesiony na nowe płótno. Zrobiliśmy to dobra robota konserwatorzy I. N. Kornyakova, A. V. Minin, E. S. Soldatenkov; doradzał S. F. Konenkov.

Malarstwo K. P. Bryullova „Ostatni dzień Pompejów” wszedł do Muzeum Rosyjskiego z Ermitażu w 1897 roku. Po gruntownej renowacji w 1995 roku obraz został rozciągnięty na naprawionym wcześniej designerskim kroju i wrócił na wystawę.

Decyzja o rozpoczęciu renowacji obrazu została podjęta na posiedzeniu rozszerzonej Rady Restauratorskiej Państwowego Muzeum Rosyjskiego w dniu 15 marca 1995 r.

Na początku pracy zabezpieczono je prewencyjnym sklejeniem papieru, a następnie płótno zdjęto z autorskiego krosna. Następnie obraz rozciągnięto na krawędziach na marmurowej posadzce kolorową powierzchnią w dół, a tylną stronę oczyszczono z powierzchniowych zabrudzeń. Z tylnej strony usunięto dwie warstwy antycznej renowacji powielającej krawędzie, które były przyczyną poważnych deformacji płótna na krawędziach oraz ponad 40 łat renowacyjnych, które stanęły w miejscu starych pęknięć płótna. Miejsca ponad setek ubytków płótna autorskiego, zwłaszcza liczne na krawędziach, naprawiono wstawkami nowego płótna. Następnie obraz został powielony na nowe płótno, identyczne pod względem charakteru i jakości z zamówionym w Niemczech dziełem autora. Miejsca ubytku warstwy farby wypełniono podkładem renowacyjnym i zabarwiono akwarelami. Designerski lakier zostaje całkowicie odnowiony poprzez regenerację oparami alkoholu.

W trakcie prac opracowano metody wzmacniania warstwy farby i gruntu na dużej przestrzeni. Ważny wynik pracami było opracowanie nowych urządzeń, które ułatwią i uproszczą proces renowacji technicznej. Według specjalnego projektu stworzono trwałą duraluminiową ramę pomocniczą z systemem specjalnych mocowań do napinania płótna powielającego. System ten umożliwiał wielokrotne napinanie płótna do pożądanego napięcia w trakcie pracy.

Warsztaty kadrowania Moskwa

Warsztaty kadrowania w Moskwie położony na ulicy. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira.

Warsztaty kadrowania rozszerza zakres działalności w Moskwa I region Moskwy dostarczać usługi Przez ramy V bagietka obrazy, zdjęcia, obrazy, zbiory.

Ramki na zdjęcia bagietki

Zamówienie ramki na zdjęcia Możesz w naszym warsztaty kadrowania. Warsztat produkuje ramki bagietki z drewniany, Plastikowy I aluminium bagietka najlepsze firmy ramowe Europa. Bagietki ramki na zdjęcia Z passe-partout. Bagietki ramki na zdjęcia handel detaliczny i hurtowy. Struktura standardowe rozmiary - A4, A3, A2. Ramki bagietki duże rozmiary. Ramki na zdjęcia z szeroki bagietka. Ramki na zdjęcia duże rozmiary. Ramki bagietki z szkło. Bez odblasków bagietka szkło.

Zamów bagietkę

Zamów bagietkę V warsztaty kadrowania. Wartość artystyczna bagietki zależy od profilu i wzoru reliefu. W kolekcji drewniana bagietka Istnieją duże profile dekoracyjne. Wzór dekoru został zaprojektowany w taki sposób, aby można go było wykorzystać w obu przypadkach rejestracja nowoczesny obrazy, Więc klasyczny Pracuje. W zależności od szerokości bagietka nazywana jest wąską i szeroką, a w zależności od grubości - niską i wysoką. Drewno bagietka do zdjęć. Drewniana bagietka. Bagietka jest zrobiona z różne rasy drzewo najbardziej różne profile, z różnymi wykończeniami dekoracyjnymi: zdobieniami, różnymi kolorami, lakierami i złotymi powłokami. W kolekcja drewniana bagietka również zawarte bagietka Z elementy wykonane samodzielnie.

Passepartout do obrazów

Passe-partout wykonane jest z kolorowej tektury, w której wycięte jest „okno”. Jak mata pod obrazy używany bagietka o profilu płaskim – tzw. „drewnianym”. passe-partout" - szeroki płaski bagietka, zwykle jasne kolory, często z imitacją tekstury płótno lub pokryte prawdziwy płótno. Stroną surową, wykończoną płótno, zamsz Lub pod złotem, płaski wkład bagietkowy położony pomiędzy obraz I rama, wzrastający jej szerokość. Metalizowane passe-partout (imitacja metal powierzchnie) daje doskonałe rezultaty z projekt fotograficzny, dyplomy I certyfikaty. W tym samym czasie " ciemne złoto” (srebro, miedź) świetne dla ramy portrety antyczne. Passepartout Móc zamówienie I kupić V nasz warsztat.

Moskwa

Warsztat znajduje się w Moskwie, przy ul. Gilyarovsky, ma dogodną lokalizację w pobliżu stacji metra Prospekt Mira.

Moskwa- stolica Federacji Rosyjskiej, ośrodek administracyjny Centralny federalny dzielnice I region Moskwy.

Ramy lusterek

Duży wybór ramy luster. Drewno bagietka do lusterek I obrazy. Lustra w złotej bagietce. Zamówienie ramy luster V warsztaty kadrowania. Rama daje lustro dekoracyjność i decyduje o przynależności do określonego stylu. Lustro potrafi „zadziwić” ciekawym kształtem i oryginalną oprawą. Pozostają niedoścignione w swojej oryginalności metalowe ramki, dzięki różnorodności kształtów zewnętrznych, niezwykłemu wzornictwu i doskonałemu wykonaniu. Połączenie szkło I metal zawsze wygląda elegancko i praktycznie. Niezwykle ścisłe formy metalowa bagietka dopełni wnętrze niepowtarzalnym stylem.

Zamawianie szkła ramowego

W ramka lub w ramka na zdjęcia Cięcie i wkładanie szkła jest łatwe. Jeśli szkło ma być włożone rama z próbką (rabat), wówczas rozmiar szkła powinien być o kilka milimetrów mniejszy od zmierzonego rozmiaru próbki. Jeśli rozmiary próbek są stałe na całej szerokości i wysokości struktura, wówczas wystarczający jest naddatek 2 mm. Zamawianie szkła ramowego. Szkło antyrefleksyjne w ramce Móc zamówienie I kupić V warsztaty kadrowania.

Malowanie noszy

Nosze chroni przed złamaniem. Produkcja ramy pomocnicze zamówić. Warsztaty kadrowania produkuje ramy pomocnicze Dla obrazy. Do wykonania ramy pomocniczej użyto trwałego drewna. Dobrze wykonane napinacz eliminuje „zapadanie się” płótna i tym samym przedłuża jego żywotność zdjęcie. Rzemieślnicy naciągają hafty, batiki i płótno na nosze.

Wiszące obrazy

Warsztaty kadrowania oferuje nowa metoda zawieszki do zdjęć używając zawieszenie Nielsena. Sztanga z profil metalowy Nielsena mocowany do ściany za pomocą plastikowych podkładek. Linki perlonowe mocuje się wewnątrz profilu bomu za pomocą przesuwnych haczyków lub tulejek i można je przesuwać metal pręty. Wytrzymała nylonowa żyłka o grubości 2 mm jest prawie niewidoczna na tle ściany. Obrazy zawieszony na żyłce za pomocą metal haki ze śrubami, które można zamocować na żądanej wysokości. Pewne zamocowanie na wymaganej wysokości wymaga pewnego wysiłku podczas wkręcania śruby. Metal profilłatwo zamontować pod sufitem i pozwala na łatwy i bezproblemowy montaż ponownie powiesić zdjęcia.

Ramki na zdjęcia

Złoto bagietka do zdjęć. Duży ramki na zdjęcia. Warsztaty kadrowania rysuje V bagietka obrazy, akwarela, rysunki, zdjęcia, plakaty, lustra itp. Artyści przywiązują dużą wagę do wyboru ramy Dla ich obrazy. Wielu wielkich artystów szkicowało elementy bagietka a nawet oni sami zrobiony. Ramki na zdjęcia Móc zamówienie I kupić V warsztaty kadrowania.

Ramki do obrazów akwarelowych

Wykorzystując technikę malarstwa akwarelowego możesz stworzyć obrazy w gatunku pejzaż, martwa natura, portret. Przejrzystość i miękkość najcieńszej warstwy farby obrazy Czy charakterystyczne właściwości Malarstwo akwarelowe. Dla ramy akwarele Wskazane jest użycie passe-partout i niezbyt szerokiej bagietki. Ramy V drewniana bagietka. Struktura Dla akwarele.

Ramki na zdjęcia

Rysunki tworzone przez artystów w procesie studiowania natury (szkice, studia), w trakcie poszukiwań rozwiązania kompozycyjne graficzne, obrazowe i prace rzeźbiarskie(szkice, kartony), podczas zaznaczania malowniczy obrazy ( rysunek przygotowawczy w trakcie malowania). Profesjonalny dekoracje grafiki, fotografie, dokumenty z za pomocą drewniana bagietka I passe-partout. Struktura Zebrane z bagietka wykonany z drewna tropikalnego. W naszym warsztat możesz wybrać jedną z opcji projektu graficznego i zamówić passe-partout I bagietka do ramki. Wartość artystyczna bagietki zależy od profilu i wzoru reliefu. W zależności od szerokości bagietka zwany wąski(do 4 cm) i szeroki oraz w zależności od grubości - niski i wysoki. Rysunki ołówkiem wyglądają lepiej w skromnej wąskiej bagietce ( metal Lub drewniany). Duże ramki z złota bagietka Dla rysunki I grafika. Ramki metalowe A3 Dla rysunki.

Metalowe ramki na zdjęcia

Tradycyjnie jak najbardziej ciekawy I niezapomniany zdjęcia wstawić V struktura, które można postawić na stole lub powiesić na ścianie. Ważne jest, aby zrobić to dobrze wybierz ramkę, musi pasować zdjęcia i współgrają z wystrojem pomieszczenia. Zdjęcia można oprawić w pracowni. Pogląd bagietka zależy od typu obrazów fotografie(portret, pejzaż, zdjęcia dzieci). Passepartout do zdjęć. Na projekt fotograficzny może być użyte passe-partout. DO passe-partout Istnieje możliwość zaoferowania listwy (obrzeża wzdłuż krawędzi okna).
Kup ramki na zdjęcia możliwe w warsztaty kadrowania. Plastikowe ramki na zdjęcia praktyczne, łatwe i tani. Są świetne do każdego rodzaju zdjęcia I naśladować metal I drewniany struktura. Splendor i szlachetność metal. Bardzo popularna srebro matowy metalowe ramki. Metalowe ramki na zdjęcia są bardzo drogie tani, bo materiał na nie produkcja służy niedrogi aluminium. Na mała cena metalowe ramki mają wiele zalet. Elegancja formy i urzekające piękno metal czasem się zmusza rama„konkurować” z fotografią. Dlatego ważne jest, aby treść była godna formy. Taki w Profesjonalnie wykonane zdjęcia portretowe będą wyglądać najbardziej harmonijnie.

Ramki dokumentów

Przygotowanie dokumentów, dyplomów, zaświadczeń

Duży wybór struktura Dla dokumenty.

Ramki plastikowe A3 i A4 Ramki plastikowe formatu A4 na świadectwa, dyplomy, dyplomy. Gotowe ramki o standardowych rozmiarach na certyfikaty, dyplomy, plakaty, zdjęcia. Złote ramki Dla dyplomy. Złote ramki A3. Ramki plakatowe formatu A3. Na dyplomy, certyfikaty i legitymacje w warsztaty kadrowania Istnieje możliwość zamówienia laminowania.

Ramki na karty

Karty są powszechne duże rozmiary. W przypadkach, gdy wymagana jest zwiększona wytrzymałość, metalowa bagietka- najlepszy wybór. W ramkach z metal bagietka Można umieszczać różne kartki, plakaty, banery. W biurze możesz powiesić stare mapy geograficzne. Stara mapa w drogim wnętrzu biurowym wymaga odpowiedniego ramy aby podkreślić gust i preferencje stylistyczne osoby w tym gabinecie zawieszony.

Ramki do haftowanych obrazów

Ramki do haftowanych obrazów. Jeśli ty haftować obrazy, to prędzej czy później będziesz musiał wybrać za nią rama.

Wybieranie rama Dla rejestracja haft, warto o tym pamiętać styl, kolor, szerokość i inne funkcje bagietka do ramki bezpośrednio zależą od fabuły, decyzji dotyczącej stylu, zakres kolorów i rozmiar haftowane obrazy. Do każdego haftowany obrazek wybierz swój własny, niepowtarzalny ramy. Wybór ramki Dla haftowane obrazy zależy też od tego jak będzie używany projekt haftu passe-partout albo nie.

Większość haftowane obrazy Efektowniej będzie wyglądać, jeśli do dekoracji użyjesz passe-partout. Passepartout wykonuje się pojedynczo, podwójnie, czasem potrójnie. Wybór potrójnej maty to złożony proces nawet dla specjalisty (projektanta). Haft naciąga się tak, aby komórki płótna przebiegały równolegle do wycięcia kartonowego passe-partout. Coraz bardziej rozpowszechnione obrazy, zroszony.

Gobelinowe ramki do zdjęć

Gobelin jest tkany ręcznie obraz-dywan. Gobeliny tkano według wzorów z kolorowych nici wełnianych i jedwabnych. Złote ramki Dla gobeliny. Bagietka do zdjęć z gobelin dobierane są na podstawie fabuły przedstawionej na gobelinie. Najczęściej używana bagietka drewniana brązowe odcienie, czasami - na złoto, rzadziej - na srebro.

Obraz jest nam znany od dawna Karla Bryullova OSTATNI DZIEŃ POMPEII, ale nie przyglądaliśmy się mu szczegółowo, chciałem poznać jego historię i przyjrzeć się obrazowi szczegółowo.

K. Bryullowa. Ostatni dzień Pompejów. 1830-1833

TŁO OBRAZU.

W 1827 roku do Pompejów przybył młody rosyjski artysta Karl Bryullov. Nie wiedział, że ta podróż doprowadzi go na szczyt kreatywności. Widok Pompejów go oszołomił. Przeszedł przez wszystkie zakamarki miasta, dotknął szorstkich od wrzącej lawy ścian i być może wpadł na pomysł namalowania obrazu o ostatnim dniu Pompejów.

Od koncepcji obrazu do jego ukończenia minie sześć długich lat. Bryullov zaczyna od przestudiowania źródeł historycznych. Czyta listy świadka wydarzeń Pliniusza Młodszego do rzymskiego historyka Tacyta.

W poszukiwaniu autentyczności artysta sięgnie także do materiałów pochodzących z wykopalisk archeologicznych, przedstawiając niektóre postacie w pozach, w jakich odnajdywano szkielety ofiar Wezuwiusza w stwardniałej lawie.

Prawie wszystkie przedmioty zostały namalowane przez Bryullova z oryginalnych przedmiotów przechowywanych w muzeum neapolitańskim. Z zachowanych rysunków, studiów i szkiców wynika, jak wytrwale artysta poszukiwał kompozycji jak najbardziej wyrazistej. I nawet gdy szkic przyszłego płótna był gotowy, Bryullov kilkanaście razy zmieniał scenę, zmieniając gesty, ruchy i pozy.

W 1830 roku artysta rozpoczął pracę na dużym płótnie. Malował do takiej granicy napięcia duchowego, że zdarzało się, że dosłownie wynoszono go z pracowni na rękach. Wreszcie w połowie 1833 roku płótno było gotowe.

Erupcja Wezuwiusza.

Wybierzmy się na krótką wycieczkę w celu zapoznania się szczegóły historyczne wydarzenia, które zobaczymy na zdjęciu.

Erupcja Wezuwiusza rozpoczęła się po południu 24 sierpnia 79 roku i trwała około jednego dnia, o czym świadczą niektóre zachowane rękopisy Listów Pliniusza Młodszego. Doprowadziło to do zniszczenia trzech miast – Pompejów, Herkulanum, Stabiae oraz kilku małych wiosek i willi.

Wezuwiusz budzi się i spuszcza na otaczającą przestrzeń wszelkiego rodzaju produkty działalności wulkanicznej. Wstrząsy, płatki popiołu, spadające z nieba kamienie – to wszystko zaskoczyło mieszkańców Pompejów.

Ludzie próbowali schronić się w domach, ale zmarli z powodu uduszenia lub pod gruzami. Śmierć dopadła jednych w miejscach publicznych – w teatrach, na targowiskach, na forach, w kościołach, innych – na ulicach miasta, jeszcze innych – już poza granicami miasta. Jednak zdecydowanej większości mieszkańców udało się mimo to opuścić miasto.

Podczas wykopalisk stało się jasne, że wszystko w miastach zachowało się tak, jak przed erupcją. Pod wielometrową warstwą popiołu odnaleziono ulice, w pełni wyposażone domy oraz szczątki ludzi i zwierząt, które nie zdążyły uciec. Siła erupcji była taka, że ​​popiół z niej dotarł nawet do Egiptu i Syrii.

Spośród 20 000 mieszkańców Pompejów około 2 000 osób zginęło w budynkach i na ulicach. Większość mieszkańców opuściła miasto przed katastrofą, ale szczątki ofiar odnaleziono także poza miastem. Dlatego nie da się oszacować dokładnej liczby zgonów.

Wśród zabitych w wyniku erupcji był Pliniusz Starszy z zainteresowanie naukowe i chcąc pomóc ludziom cierpiącym z powodu erupcji, próbował dotrzeć statkiem do Wezuwiusza i znalazł się w jednym z ośrodków katastrofy – w Stabii.

Pliniusz Młodszy opisuje, co wydarzyło się 25-go w Miseno. Rano do miasta zaczęła zbliżać się czarna chmura popiołu. Mieszkańcy w przerażeniu uciekli z miasta nad morze (prawdopodobnie mieszkańcy wymarłych miast próbowali zrobić to samo). Tłum biegnący wzdłuż drogi szybko znalazł się w środku kompletna ciemność słychać było krzyki i płacz dzieci.

Ci, którzy upadli, byli stratowani przez tych, którzy podążali za nimi. Musiałem cały czas strząsać popiół, inaczej osoba natychmiast zasypiała, a ci, którzy siadali, żeby odpocząć, nie mogli już wstać. Trwało to kilka godzin, ale po południu chmura pyłu zaczęła się rozwiewać.

Pliniusz wrócił do Miseno, chociaż trzęsienia ziemi trwały nadal. Wieczorem erupcja zaczęła słabnąć, a 26-go wieczorem wszystko się uspokoiło. Pliniusz Młodszy miał szczęście, ale jego wujek to wybitny naukowiec, autor Historia naturalna Pliniusz Starszy – zginął podczas erupcji w Pompejach.

Mówią, że ciekawość przyrodnika go zawiodła, został w mieście na obserwacje. Słońce jest powyżej martwe miasta– Pompeje, Stabia, Herkulanum i Oktawian – wydawało się, że dopiero 27 sierpnia. Do dziś Wezuwiusz wybuchł co najmniej osiem razy. Co więcej, w latach 1631, 1794 i 1944 erupcja była dość silna.

OPIS.

Czarna ciemność zawisła nad ziemią. Niebo na horyzoncie zabarwia się krwistoczerwoną poświatą, a oślepiający błysk błyskawicy na chwilę przełamuje ciemność. W obliczu śmierci odsłania się istota ludzkiej duszy.

Tutaj młody Pliniusz namawia upadłą na ziemię matkę, aby zebrała resztki sił i podjęła próbę ucieczki.

Tutaj synowie niosą na ramionach starego ojca, próbując szybko dostarczyć cenne brzemię w bezpieczne miejsce.

Wznosząc rękę w kierunku zapadającego się nieba, mężczyzna jest gotowy chronić swoich bliskich klatką piersiową.

W pobliżu klęcząca matka z dziećmi. Z jaką niewysłowioną czułością przytulają się do siebie!

Nad nimi chrześcijański pasterz z krzyżem na szyi, z pochodnią i kadzielnicą w rękach. Ze spokojem i nieustraszonością patrzy na płonące niebo i rozpadające się posągi dawnych bogów.

A w głębi płótna przeciwstawiony jest pogańskiemu kapłanowi, biegnącemu w strachu z ołtarzem pod pachą. Ta nieco naiwna alegoria głosi zalety Religia chrześcijańska nad odchodzącym poganinem.

Człowiek z ręką wzniesioną do nieba próbuje chronić swoją rodzinę. Obok niego klęcząca matka z dziećmi, która szuka u niej ochrony i pomocy.

Po lewej stronie w tle tłum uciekinierów na stopniach grobowca Skaurusa. Widzimy w nim artystę oszczędzającego to, co najcenniejsze – pudełko pędzli i farb. To autoportret Karla Bryullova.

Ale w jego oczach jest to nie tyle groza śmierci, co bliska Uwaga artysta, poirytowany strasznym widowiskiem. Nosi na głowie najcenniejszą rzecz - pudełko farb i innych przyborów malarskich. Wygląda na to, że zwolnił i próbuje przypomnieć sobie rozgrywający się przed nim obraz. Modelką dziewczyny z dzbankiem był Yu.P. Samoilova.

Widzimy ją na innych zdjęciach.To i kobieta, która upadła i umarła, rozciągnięta na chodniku, a obok niej żywe dziecko – pośrodku płótna; oraz matka przyciągająca do siebie córki w lewym rogu obrazu.

Młody człowiek trzyma ukochaną, w jego oczach jest rozpacz i beznadzieja.

Wielu historyków sztuki uważa, że ​​głównymi bohaterami płótna jest przestraszone dziecko leżące obok zmarłej matki. Widzimy tu żal, rozpacz, nadzieję, śmierć starego świata i być może narodziny nowego. To konfrontacja życia i śmierci.

Szlachetna kobieta próbowała uciec szybkim rydwanem, ale Karie nie uda się uciec; każdy musi zostać ukarany za swoje grzechy. Z drugiej strony widzimy przestraszone dziecko, które wbrew wszystkiemu przeżył, aby ożywić upadłą rasę. Ale oczywiście nie wiemy, jakie są jego dalsze losy i możemy jedynie mieć nadzieję na szczęśliwy wynik.

Opłakujące ją dziecko jest alegorią nowego świata, symbolem niewyczerpanej mocy życia.

W oczach ludzi jest tyle bólu, strachu i rozpaczy.

Przekonuje nas o tym „Ostatni dzień Pompei”. główna wartość na świecie - to jest osoba. Do niszczycielskich sił natura Bryullov kontrastuje wielkość duchowa i piękno człowieka.

Wychowany na estetyce klasycyzmu artysta stara się nadać swoim bohaterom cechy idealne i plastyczną doskonałość, choć wiadomo, że dla wielu z nich pozowali mieszkańcy Rzymu.

Widząc to dzieło po raz pierwszy, każdy widz jest zachwycony jego kolosalną skalą: na płótnie o powierzchni ponad trzydziestu metry kwadratowe artysta opowiada historię wielu istnień, które połączyła katastrofa. Wydaje się, że na płaszczyźnie płótna uchwycono nie miasto, ale cały świat, doświadczając śmierci.

HISTORIA OBRAZU

Jesienią 1833 roku obraz pojawił się na wystawie w Mediolanie i wywołał eksplozję zachwytu i podziwu. Jeszcze większy triumf czekał Bryulłowa u siebie. Wystawiony w Ermitażu, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych obraz stał się powodem patriotycznej dumy. Została entuzjastycznie powitana przez A.S. Puszkin:

Wezuwiusz otworzył usta – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
W tłumie, starych i młodych, pod płonącymi popiołami,
Ucieka z miasta pod deszczem kamieni.

Rzeczywiście, światowa sława malarstwa Bryulłowa na zawsze zniszczyła pogardliwy stosunek do rosyjskich artystów, który istniał nawet w samej Rosji. W oczach współczesnych twórczość Karla Bryulłowa była dowodem oryginalności narodowego geniuszu artystycznego.

Bryullowa porównywano do wielkich włoskich mistrzów. Poeci dedykowali mu wiersze. Witano go brawami na ulicy i w teatrze. Rok później Francuska Akademia Sztuk przyznała artystce złoty medal za obraz za udział w Salonie Paryskim.

W 1834 r. obraz „Ostatni dzień Pompejów” został wysłany do Petersburga. Aleksander Iwanowicz Turgieniew powiedział, że ten obraz przyniósł chwałę Rosji i Włochom. Z tej okazji E. A. Baratyński ułożył słynny aforyzm: „Ostatni dzień Pompejów stał się pierwszym dniem rosyjskiego pędzla!”

Mikołaj I zaszczycił artystę osobistą publicznością i wręczył Karolowi wieniec laurowy, po czym artysta otrzymał miano „Karola Wielkiego”.

Anatolij Demidow podarował obraz Mikołajowi I, który wystawił go w Akademii Sztuk Pięknych jako przewodnik dla początkujących malarzy. Po otwarciu Muzeum Rosyjskiego w 1895 roku obraz został tam przeniesiony i udostępniony szerszej publiczności.

Karl Bryullov był tak poruszony tragedią miasta zniszczonego przez Wezuwiusz, że osobiście brał udział w wykopaliskach w Pompejach, a później starannie pracował nad obrazem: zamiast tego trzy lata wskazany na zlecenie młodego filantropa Anatolija Demidowa artysta malował obraz przez całe sześć lat.
(O naśladowaniu Rafaela, fabuła nawiązuje do Jeźdźca miedzianego, okrążeń dzieła po Europie i mody na tragedię Pompejów wśród artystów.)

Erupcja Wezuwiusza, która miała miejsce w dniach 24-25 sierpnia 79 r. n.e., była największym kataklizmem starożytnego świata. Tego ostatniego dnia w kilku nadmorskich miastach zginęło około 5 tysięcy osób.

Ta historia jest nam szczególnie dobrze znana z obrazu Karla Bryullowa, który można oglądać w Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.

W 1834 r. w Petersburgu odbyła się „prezentacja” obrazu. Poeta Jewgienij Boratyński napisał następujące słowa: „Ostatni dzień Pompejów stał się pierwszym dniem rosyjskiego pędzla!” Obraz zadziwił Puszkina i Gogola. Gogol uchwycił tajemnicę jego popularności w swoim natchnionym artykule poświęconym obrazowi:

„Jego prace są pierwszymi, które może (choć nie w ten sam sposób) zrozumieć artysta o najwyższym rozwoju gustu, a nie wiedzący, czym jest sztuka”.

Rzeczywiście dzieło genialne jest zrozumiałe dla każdego, a jednocześnie osoba bardziej rozwinięta odkryje w nim inne płaszczyzny, innego poziomu.

Puszkin pisał wiersze, a nawet na marginesach naszkicował część kompozycji obrazu.

Wezuwiusz otworzył usta – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumami uciekają z miasta starzy i młodzi (III, 332).

Ten krótka opowieść obrazy wielofigurowe i złożone kompozycyjnie. Wcale nie małe płótno. W tamtych czasach było to nawet najwięcej Duży obraz, co zadziwiło już współczesnych: skala obrazu skorelowana ze skalą katastrofy.

Nasza pamięć nie jest w stanie wchłonąć wszystkiego, jej możliwości nie są nieograniczone. Można patrzeć na taki obraz więcej niż raz i za każdym razem widzieć coś innego.

Co Puszkin wyróżnił i zapamiętał? Badacz jego twórczości Jurij Łotman wyróżnił trzy główne myśli: „powstanie żywiołów – posągi zaczynają się poruszać – ludzie (ludzie) jako ofiara katastrofy”. I wyciągnął bardzo rozsądny wniosek:
Puszkin właśnie skończył swoje „ Brązowy jeździec" i zobaczył, co było blisko niego w tej chwili.

Rzeczywiście fabuła jest podobna: szaleją żywioły (powódź), pomnik ożywa, przestraszony Eugeniusz ucieka przed żywiołami i pomnikiem.

Łotman pisze także o kierunku poglądu Puszkina:

„Porównanie tekstu z płótnem Bryulłowa pokazuje, że wzrok Puszkina przesuwa się ukośnie od prawego górnego rogu do lewego dolnego rogu. Odpowiada to głównej osi kompozycyjnej obrazu”.

Badacz kompozycji diagonalnych, artysta i teoretyk sztuki N. Tarabukin pisał:
Rzeczywiście, jesteśmy niesamowicie zafascynowani tym, co się dzieje. Bryullovowi udało się maksymalnie zaangażować widza w wydarzenia. Występuje „efekt obecności”.

Karl Bryullov ukończył Akademię Sztuk Pięknych w 1823 roku ze złotym medalem. Tradycyjnie złoci medaliści wyjechali na staż do Włoch. Tam Bryullov odwiedza warsztat Włoski artysta i przez 4 lata kopiuje „Szkołę ateńską” Rafaela, wszystkie 50 figurek w naturalnej wielkości. W tym czasie Bryullova odwiedza pisarz Stendhal.
Nie ma wątpliwości, że Bryullov wiele się nauczył od Rafaela – umiejętności organizowania dużego płótna.

Bryullov przybył do Pompejów w 1827 roku wraz z hrabiną Maria Grigoriewna Razumowska. Została pierwszą klientką obrazu. Prawa do obrazów kupuje jednak szesnastolatek Anatolij Nikołajewicz Demidow, właściciel zakładów górniczych Ural, bogacz i filantrop. Jego roczny dochód netto wynosił dwa miliony rubli.

Niedawno zmarły ojciec Nikołaj Demidow był rosyjskim wysłannikiem i sponsorował wykopaliska we Florencji na Forum i Kapitolu. Demidow przekaże następnie obraz Mikołajowi I, a on przekaże go Akademii Sztuk Pięknych, skąd trafi do Muzeum Rosyjskiego.

Demidov podpisał kontrakt z Bryullowem na pewien okres i próbował dostosować artystę, ale zdecydował wielka wizja i w całkowity praca nad obrazem trwała 6 lat. Bryullov robi wiele szkiców i zbiera materiały.

Bryullov był tak pochłonięty, że sam brał udział w wykopaliskach. Trzeba powiedzieć, że prace wykopaliskowe rozpoczęły się formalnie 22 października 1738 roku, na rozkaz króla neapolitańskiego Karola III, prowadził je inżynier z Andaluzji, Roque Joaquin de Alcubierre, z 12 pracownikami (i były to pierwsze w historii systematyczne wykopaliska archeologiczne, kiedy prowadzono szczegółowe zapisy wszystkiego, co znaleziono, wcześniej stosowano głównie metody pirackie, wyrywano cenne przedmioty, a resztę można było barbarzyńsko niszczyć).

Do czasu pojawienia się Bryulłowa Herkulanum i Pompeje stały się nie tylko miejscem wykopalisk, ale także miejscem pielgrzymek turystów. Ponadto Bryullov zainspirował się operą Pacciniego „Ostatni dzień Pompejów”, którą widział we Włoszech. Wiadomo, że na potrzeby przedstawienia ubrał aktorów w kostiumy. (Swoją drogą Gogol porównał obraz do opery, najwyraźniej przeczuwając „teatralność” mise-en-scène. Zdecydowanie brakuje mu oprawy muzycznej w duchu „Carmina Burana”).

Tak więc po długiej pracy ze szkicami Bryullov namalował obraz, który już we Włoszech wzbudził ogromne zainteresowanie. Demidov postanowił zabrać ją do Paryża na Salon, gdzie również otrzymała złoty medal. Ponadto był wystawiany w Mediolanie i Londynie. Pisarz widział obraz w Londynie Edwarda Bulwera-Lyttona, który pod wrażeniem obrazu napisał później swoją powieść „Ostatnie dni Pompejów”.

Interesujące jest porównanie dwóch aspektów interpretacji fabuły. W Bryullovie wyraźnie widzimy całą akcję, gdzieś w pobliżu jest ogień i dym, ale na pierwszym planie wyraźny obraz bohaterów.Kiedy zaczęła się już panika i masowy exodus, miasto było w sporej ilości dymu z proch. Artysta przedstawia opad skały jako drobny petersburski deszcz i kamyki rozsypane na chodniku. Ludzie częściej uciekają przed pożarem. Tak naprawdę miasto było już spowite smogiem, nie dało się oddychać...

W powieści Bulwer-Lytton bohaterowie – zakochana para – zostają uratowani przez niewidomego od urodzenia niewolnika. Ponieważ jest niewidoma, z łatwością odnajduje drogę w ciemności. Bohaterowie zostają ocaleni i przyjmują chrześcijaństwo.

Czy w Pompejach byli chrześcijanie? W tym czasie byli prześladowani i nie wiadomo, czy nowa wiara dotarła do prowincjonalnego kurortu. Jednak Bryullov przeciwstawia także wiarę pogańską i śmierć pogan wiarą chrześcijańską. W lewym rogu obrazu widzimy grupę starca z krzyżem na szyi i kobiety znajdujące się pod jego opieką. Starzec zwrócił wzrok ku niebu, ku swemu Bogu, może on go uratuje.

Nawiasem mówiąc, Bryullov skopiował niektóre postacie z figur z wykopalisk. W tym czasie zaczęto wypełniać puste przestrzenie tynkiem i uzyskano bardzo realne postacie zmarłych mieszkańców.

Klasycystyczni nauczyciele karcili Karola za odejście od kanonów malarstwo klasyczne. Karl pędził pomiędzy wchłanianą w Akademii klasyką z jej idealnie wysublimowanymi zasadami a nową estetyką romantyzmu.

Jeśli spojrzysz na zdjęcie, możesz zidentyfikować kilka grup i pojedynczych postaci, każda z własną historią. Niektóre inspirowane były wykopaliskami, inne faktami historycznymi.

Na zdjęciu obecny jest sam artysta, jego autoportret jest rozpoznawalny, tutaj jest młody, około 30 lat, na głowie niesie najpotrzebniejszą i najdroższą rzecz - pudełko farb. Jest to hołd złożony tradycji artystów renesansu, polegającej na malowaniu na obrazie swojego autoportretu.
Dziewczyna obok niesie lampę.

Syn niosący na sobie ojca przypomina klasyczną opowieść o Eneaszu, który niósł ojca ze spalenia Troi.
Artysta za pomocą jednego kawałka materiału łączy w grupę uciekającą przed katastrofą rodzinę. Podczas wykopalisk szczególnie wzruszające są pary, które objęły się przed śmiercią oraz dzieci z rodzicami.
Z listów Pliniusza Młodszego zaczerpnięto dwie postacie, przedstawiające syna namawiającego matkę, aby wstała i biegła dalej.
Pliniusz Młodszy okazał się naocznym świadkiem, który pozostawił pisemne dowody zniszczenia miast. Zachowały się dwa listy, które napisał do historyka Tacyta, w których opowiada o śmierci swojego wuja Pliniusza Starszego, słynnego przyrodnika, oraz własnych nieszczęściach.

Gajusz Pliniusz miał zaledwie 17 lat, w chwili katastrofy studiował historię Tytusa Liwiusza do napisania eseju i dlatego odmówił wyjazdu z wujem na oglądanie erupcji wulkanu. Pliniusz Starszy był wówczas admirałem tutejszej floty, stanowisko jakie otrzymał za zasługi naukowe było łatwe. Zgubiła go ciekawość, a poza tym niejaka Reczina wysłała mu list z prośbą o pomoc. Jedynym sposobem na ucieczkę z jej willi była droga morska. Pliniusz przepłynął obok Herkulanum; ludzi na brzegu można było jeszcze uratować, ale chciał szybko zobaczyć erupcję w całej okazałości. Następnie statki w dymie z trudem odnalazły drogę do Stabii, gdzie Pliniusz spędził noc, lecz następnego dnia zmarły po wdychaniu zatrutego siarką powietrza.

Guy Pliniusz, który pozostał w Misenum, 30 kilometrów od Pompei, został zmuszony do ucieczki, gdy katastrofa dotknęła jego i jego matkę.

Malarstwo szwajcarskiego artysty Angeliki Kaufmann pokazuje tylko ten moment. Hiszpański przyjaciel namawia Guya i jego matkę do ucieczki, ale wahają się, myśląc, że poczekają na powrót wujka. Matka na zdjęciu wcale nie jest słaba, ale jest jeszcze dość młoda.

Uciekają, matka prosi ją, żeby ją zostawiła i ratowała się w spokoju, ale Guy pomaga jej iść dalej. Na szczęście udaje się ich uratować.
Pliniusz opisał grozę katastrofy i opisał wygląd erupcji, po czym zaczęto ją nazywać „pliniańską”. Widział erupcję z daleka:

„Chmura (ci, którzy patrzyli z daleka, nie mogli określić, nad którą górą się wzniosła; później rozpoznano, że był to Wezuwiusz) swoim kształtem najbardziej przypominała sosnę: była jak wysoki pień wznoszący się w górę, z którego zdawały się wychodzić gałęzie rozchodzą się we wszystkich kierunkach.Myślę, że został wyrzucony przez prąd powietrza, ale potem prąd osłabł i chmura pod wpływem własnej grawitacji zaczęła się rozszerzać, miejscami była jasnobiała, w innych poplamiona brudne miejsca, jakby z ziemi i popiołu uniesionego w górę.”

Mieszkańcy Pompejów przeżyli już erupcję wulkanu 15 lat wcześniej, ale nie wyciągnęli z niej żadnych wniosków. Powodem jest uwodzicielskie wybrzeże morskie i żyzne ziemie. Każdy ogrodnik wie, jak dobrze rosną rośliny na popiele. Ludzkość wciąż wierzy w „może to minie”.

Potem Wezuwiusz budził się więcej niż raz, prawie raz na 20 lat. Zachowało się wiele rysunków przedstawiających erupcje z różnych stuleci.

Ostatnia, w 1944 r., miała charakter dość zakrojony na szeroką skalę, w tym czasie w Neapolu znajdowała się armia amerykańska, której żołnierze pomagali podczas katastrofy. Nie wiadomo kiedy i jaka będzie następna.

Na włoskiej stronie internetowej zaznaczono obszary możliwych ofiar podczas erupcji i łatwo zauważyć, że uwzględniono różę wiatrów.

To właśnie wpłynęło szczególnie na śmierć miast: wiatr niósł zawiesinę wyrzuconych cząstek w kierunku południowo-wschodnim, właśnie w stronę miast Herkulanum, Pompejów, Stabii i kilku innych małych willi i wiosek. W ciągu 24 godzin znaleźli się pod wielometrową warstwą popiołu, ale wcześniej wiele osób zginęło w wyniku osunięcia się skał, spalono żywcem i zmarło z powodu uduszenia. Lekkie drżenie nie zwiastowało zbliżającej się katastrofy, nawet gdy z nieba spadały już kamienie, wielu zdecydowało się modlić do bogów i ukrywać się w domach, gdzie później zostali zamurowani żywcem w warstwie popiołu.

Guy Pliniusz, który doświadczył tego wszystkiego w lżejszej wersji w Mezim, opisuje, co się wydarzyło:

"Jest już pierwsza godzina dnia, a światło jest niepewne, jakby chore. Domy wokół się trzęsą. Na otwartej, wąskiej przestrzeni jest bardzo strasznie, zaraz się zawalą. W końcu zdecydowano się opuścić miasto; idzie za nami tłum ludzi, którzy stracili głowy i wolą cudzą decyzję od naszej, ze strachu wydaje się to rozsądne, jesteśmy miażdżeni i popychani w tym tłumie wyjeżdżających ludzi. Wychodząc z miasta, my przestańcie. Ileż niesamowitych i ileż strasznych rzeczy przeżyliśmy! Wrzucano do wozów, które miały nam towarzyszyć różne strony; mimo ułożonych kamieni, nie mogli stać w tym samym miejscu. Widzieliśmy cofanie się morza; ziemia drżąca zdawała się go odpychać. Brzeg wyraźnie posuwał się do przodu; wiele zwierząt morskich utknęło w suchym piasku. Z drugiej strony przedzierała się czarna straszna chmura różne miejsca bieganie ognistymi zygzakami; otworzyła się, tworząc szerokie, płonące pasy, podobne do błyskawic, ale większe.

Nie możemy sobie nawet wyobrazić cierpienia tych, którym mózgi eksplodowały od gorąca, płuca zamieniły się w cement, a zęby i kości uległy zniszczeniu.

15 sierpnia 2011, 16:39

1833 Olej na płótnie. 456,5 x 651 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Malarstwo Bryullova można nazwać kompletnym, uniwersalnym
stworzenie.Wszystko się w nim zawierało.
Mikołaj Gogol.

W nocy z 24 na 25 sierpnia 79 r. n.e. mi. erupcja Wezuwiusza Miasta Pompeje, Herkulanum i Stabia zostały zniszczone. W 1833 roku napisał Karl Bryullov jego słynny obraz „Ostatni dzień Pompejów”.

Trudno wymienić obraz, który odniósłby wśród współczesnych taki sam sukces jak „Ostatni dzień Pompejów”. Gdy tylko płótno zostało ukończone, rzymski warsztat Karla Bryullowa przeszedł prawdziwe oblężenie. "WCały Rzym zgromadził się, żeby zobaczyć moje zdjęcie”., – napisał artysta. Wystawiony w 1833 roku w Mediolanie„Pompeje” dosłownie zszokował publiczność. Gazety i czasopisma pełne były pochwalnych recenzji,Bryullowa nazywano żywym Tycjanem, drugi Michał Anioł, nowy Rafael...

Na cześć rosyjskiego artysty odbywały się obiady i przyjęcia, a także dedykowano mu wiersze. Gdy tylko Bryullov pojawił się w teatrze, sala eksplodowała brawami. Malarza rozpoznawano na ulicach, obsypywano kwiatami, a czasem uroczystość kończyła się noszeniem go przez fanów na rękach ze piosenkami.

W 1834 r. obraz opcjonalnyklient, przemysłowiec A.N. Demidowa, był wystawiany na Salonie Paryskim. Reakcja publiczności nie była tu tak gorąca jak we Włoszech (zazdrość! – wyjaśniali Rosjanie), ale „Pompeje” zostały nagrodzone złotym medalem Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Trudno sobie wyobrazić entuzjazm i patriotyczny entuzjazm, z jakim obraz został przyjęty w Petersburgu: dzięki Bryullovowi malarstwo rosyjskie przestało być pilnym uczniem wielkich Włochów i stworzyło dzieło, które zachwyciło Europę!Obraz został podarowany Demidow Mikołaj I , który na krótko umieścił go w Cesarskim Ermitażu, a następnie podarował Akademia sztuka

Według wspomnień współczesnego człowieka „tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, aby popatrzeć na Pompeje”. O arcydziele rozmawiali na salonach, wymieniali się opiniami w prywatna korespondencja, robił notatki w pamiętnikach. Dla Bryulłowa nadano honorowy przydomek „Karol Wielki”.

Pod wrażeniem obrazu Puszkin napisał sześciowierszowy wiersz:
„Wezuwiusz się otworzył – dym wylał się w chmurze – płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
W tłumie, starzy i młodzi, uciekający z miasta.”

Gogol poświęcił niezwykle głęboki artykuł „Ostatniemu dniu Pompei”, a poeta Jewgienij Baratyński wyraził powszechną radość w dobrze znanym improwizacji:

« Przyniosłeś trofea pokojowe
Z tobą pod baldachimem twojego ojca,
I stał się „Ostatnim dniem Pompei”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla!”

Nieumiarkowany entuzjazm już dawno opadł, ale i dziś malarstwo Bryullova robi silne wrażenie, wykraczające poza uczucia, jakie zwykle budzi w nas malarstwo, nawet bardzo dobre. O co chodzi?

„Ulica Grobowa” W głębi znajduje się Brama Herkulanowska.
Fotografia z drugiej połowy XIX wieku.

Od czasu rozpoczęcia wykopalisk w Pompejach w połowie XVIII wieku miastem, które zostało zniszczone przez erupcję Wezuwiusza w 79 r., cieszy się duże zainteresowanie. e., nie zniknęło. Europejczycy przybywali do Pompejów, aby wędrować po ruinach, uwolnionych od warstwy skamieniałego popiołu wulkanicznego, podziwiać freski, rzeźby, mozaiki i zachwycać się nieoczekiwanymi znaleziskami archeologów. Wykopaliska przyciągały artystów i architektów, wielką modą cieszyły się ryciny przedstawiające widoki Pompejów.

Bryulłow , który jako pierwszy odwiedził wykopaliska w 1827 roku, bardzo trafnie przekazałpoczucie empatii dla wydarzeń sprzed dwóch tysięcy lat, który obejmuje każdego, kto przyjedzie do Pompejów:„Widok tych ruin mimowolnie przeniósł mnie do czasów, gdy te mury były jeszcze zamieszkane /.../. Nie da się przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim poza strasznym wydarzeniem z tym miastem.

Artysta starał się w swoim malarstwie wyrazić to „nowe uczucie”, stworzyć nowy obraz starożytności – nie abstrakcyjny obraz muzealny, ale holistyczny i pełnokrwisty. Do epoki przyzwyczaił się ze skrupulatnością i troską archeologa: na ponad pięć lat samo stworzenie 30-metrowego płótna zajęło zaledwie 11 miesięcy, resztę czasu pochłonęły prace przygotowawcze.

„Wziąłem tę scenerię całkowicie z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby za główny powód uznać część Wezuwiusza” – napisał Bryullov w jednym ze swoich listów.Pompeje miały osiem bram, aledalej artysta wspomniał o „schodach prowadzących do Sepolcri Sc au ro „ – monumentalny grobowiec wybitnego obywatela Skaurusa, co daje nam możliwość dokładnego ustalenia miejsca akcji wybranego przez Bryulłowa. Mówimy o Bramie Herkulanowskiej w Pompejach ( Porto w Ercolano ), za którym już za miastem zaczynała się „Ulica Grobów” ( Via dei Sepolcri) - cmentarz ze wspaniałymi grobowcami i świątyniami. Ta część Pompejów powstała w latach dwudziestych XIX wieku. była już dobrze oczyszczona, co pozwoliło malarzowi z maksymalną dokładnością odtworzyć architekturę na płótnie.

Grób Skaurusa. Rekonstrukcja XIX wieku.

Odtwarzając obraz erupcji Bryulłow wzorował się na słynnych listach Pliniusza Młodszego do Tacyta. Młody Pliniusz przeżył erupcję w porcie Miseno na północ od Pompejów i szczegółowo opisał to, co zobaczył: domy, które zdawały się ruszać ze swoich miejsc, płomienie rozprzestrzeniające się szeroko po stożku wulkanu, gorące kawałki pumeksu spadające z nieba , ulewny deszcz popiołu, czarna nieprzenikniona ciemność, ogniste zygzaki, jak gigantyczne błyskawice... I Bryullov przeniósł to wszystko na płótno.

Sejsmolodzy są zdumieni, jak przekonująco przedstawił trzęsienie ziemi: patrząc na walące się domy, można określić kierunek i siłę trzęsienia ziemi (8 punktów). Wulkanolodzy zauważają, że erupcja Wezuwiusza została napisana z całą możliwą dokładnością na tamte czasy. Historycy twierdzą, że obraz Bryulłowa można wykorzystać do badania kultury starożytnego Rzymu.

Aby rzetelnie uchwycić świat starożytnych Pompejów zniszczonych przez katastrofę, Bryullov pobrał jako próbki przedmioty i pozostałości ciał znalezione podczas wykopalisk oraz wykonał niezliczone szkice w Muzeum Archeologicznym w Neapolu. Metodę przywracania zmarłym pozy umierającej poprzez wapno w puste przestrzenie powstałe po ciałach wynaleziono dopiero w 1870 r., ale już w trakcie tworzenia obrazu szkielety odkryte w skamieniałych popiołach świadczyły o ostatnich konwulsjach i gestach ofiar . Matka przytulająca swoje dwie córki; młoda kobieta, która upadła z rydwanu, który uderzył w bruk wyrwany z chodnika przez trzęsienie ziemi; ludzie na stopniach grobowca Skaurusa, chroniący głowy przed opadami skał stołkami i naczyniami – to wszystko nie jest wytworem wyobraźni malarza, ale artystycznie odtworzoną rzeczywistością.

Na płótnie widzimy postacie obdarzone rysami portretowymi samego autora i jego ukochanej, hrabiny Julii Samoilovej. Bryullov przedstawił się jako artysta niosący na głowie pudełko pędzli i farb. Piękne rysy Julii są na zdjęciu rozpoznawane aż czterokrotnie: dziewczynka z naczyniem na głowie, matka przytulająca córki, kobieta tuląca dziecko do piersi, szlachetna Pompejanka, która spadła z rozbitego rydwanu. Autoportret i portrety przyjaciela są najlepszym dowodem na to, że wnikając w przeszłość Bryulłow rzeczywiście zbliżył się do wydarzenia, wywołując u widza „efekt obecności”, czyniąc go niejako uczestnikiem tego, co było wydarzenie.

Fragment obrazu:
autoportret Bryulłowaoraz portret Julii Samoilovej.
Fragment obrazu:
kompozycyjny „trójkąt” – matka przytulająca córki.

Malarstwo Bryulłowa podobało się wszystkim – zarówno surowym akademikom, zwolennikom estetyki klasycyzmu, jak i tym, którzy cenili nowość w sztuce i dla których „Pompeje” stały się, jak powiedział Gogol, „jasnym odrodzeniem malarstwa”.Nowość tę do Europy przywiózł świeży powiew romantyzmu. Zasługi malarstwa Bryulłowa upatruje się zwykle w tym, że genialny absolwent petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych był otwarty na nowe trendy. Jednocześnie klasycystyczna warstwa obrazu jest często interpretowana jako relikt, nieunikniony hołd artysty złożony rutynowej przeszłości. Wydaje się jednak, że możliwy jest inny zwrot tematu: fuzja dwóch „izmów” okazała się dla filmu owocna.

Nierówna, śmiertelna walka człowieka z żywiołami – taki jest romantyczny patos obrazu. Zbudowany jest na ostrych kontrastach ciemności i katastrofalnego światła erupcji, nieludzkiej mocy bezduszna natura i dużą intensywność ludzkich uczuć.

Ale jest na tym obrazie coś jeszcze, co przeciwstawia się chaosowi katastrofy: niewzruszony rdzeń świata trzęsącego się aż do fundamentów. Trzon ten stanowi klasyczna równowaga najbardziej złożonej kompozycji, która ratuje obraz przed tragicznym poczuciem beznadziejności. Zbudowana według „przepisów” akademików kompozycja – wyśmiewane przez kolejne pokolenia malarzy „trójkąty”, w które mieszczą się grupy ludzi, równoważące masy po prawej i lewej stronie – odczytywana jest w żywym, pełnym napięcia kontekście obrazu w zupełnie inny sposób niż w suchych i śmiercionośnych akademickich płótnach.

Fragment obrazu: młoda rodzina.
Na pierwszym planie chodnik zniszczony przez trzęsienie ziemi.
Fragment obrazu: martwa Pompejanka.

„Świat jest nadal harmonijny w swoich podstawach” – to uczucie rodzi się w odbiorcy podświadomie, po części wbrew temu, co widzi na płótnie. Zachęcające przesłanie artysty odczytuje się nie na poziomie fabuły obrazu, ale na poziomie jego plastycznego rozwiązania.Dziki pierwiastek romantyczny został ujarzmiony klasycznie doskonałą formą, I w tej jedności przeciwieństw kryje się kolejny sekret atrakcyjności płótna Bryulłowa.

Film opowiada wiele ekscytujących i wzruszające historie. Oto zrozpaczony młody mężczyzna spoglądający w twarz dziewczyny w ślubnej koronie, która straciła przytomność lub umarła. Oto młody mężczyzna przekonujący starszą kobietę siedzącą czymś wyczerpaną. Para ta nazywana jest „Pliniuszem z matką” (choć, jak pamiętamy, Pliniusz Młodszy nie był w Pompejach, ale w Miseno): w liście do Tacyta Pliniusz przekazuje swój spór z matką, która namawiała syna do opuszczenia ją i natychmiast uciekł, ale nie zgodził się opuścić słabej kobiety. Wojownik w hełmie i chłopiec niosą chorego starca; niemowlę, które cudem przeżyło upadek z rydwanu, przytula zmarłą matkę; młody człowiek podniósł rękę, jakby odpierając cios żywiołów ze swojej rodziny, dziecko w ramionach żony z dziecięcą ciekawością wyciąga rękę do martwego ptaka. Ludzie starają się zabrać ze sobą to, co najcenniejsze: pogański kapłan – statyw, chrześcijanin – kadzielnica, artysta – pędzle. Zmarła kobieta niosła ze sobą biżuterię, która teraz leży na chodniku, niepotrzebna nikomu.

Fragment obrazu: Pliniusz z matką.
Fragment obrazu: trzęsienie ziemi - „upadek bożków”.

Tak potężne obciążenie fabularne obrazu może być niebezpieczne dla malarstwa, czyniąc płótno „opowieścią w obrazach”, ale w literackim stylu Bryulłowa i bogactwo szczegółów nie niszczą artystycznej integralności obrazu. Dlaczego? Odpowiedź znajdziemy w tym samym artykule Gogola, który porównuje malarstwo Bryullowa „w jego ogromie i połączeniu wszystkiego, co w sobie piękne, z operą, gdyby tylko opera była rzeczywiście połączeniem potrójnego świata sztuk: malarstwa, poezji, muzyki” ( przez poezję Gogol oczywiście miał na myśli w ogóle literaturę).

Tę cechę Pompejów można opisać jednym słowem - syntetycznością: obraz organicznie łączy w sobie dramatyczną fabułę, żywą rozrywkę i tematyczną polifonię, przypominającą muzykę. (Nawiasem mówiąc, teatralna podstawa obrazu miała prawdziwy prototyp - operę Giovanniego Pacciniego „Ostatni dzień Pompei”, która przez lata pracy artysty na płótnie była wystawiana w neapolitańskim teatrze San Carlo. Bryullov miał się dobrze zapoznawał się z kompozytorem, kilkakrotnie słuchał opery i pożyczał kostiumy swoim opiekunom.)

Williama Turnera. Erupcja Wezuwiusza. 1817

Obraz przypomina więc końcową scenę monumentalnego przedstawienia operowego: najbardziej wyrazista sceneria jest zarezerwowana dla finału, wszystkie wątki fabularne są ze sobą powiązane, a motywy muzyczne splatają się w złożoną polifoniczną całość. Ten obraz-spektakl nawiązuje do starożytnych tragedii, w których kontemplacja szlachetności i odwagi bohaterów w obliczu nieubłaganego losu prowadzi widza do katharsis – duchowego i moralnego oświecenia. Uczucie empatii, które nas ogarnia przed obrazem, przypomina to, czego doświadczamy w teatrze, kiedy to, co dzieje się na scenie, wzrusza nas do łez, a te łzy wnoszą radość do serca.

Gavina Hamiltona. Neapolitańczycy obserwują erupcję Wezuwiusza.
Drugie piętro. 18 wiek

Obraz Bryullova zapiera dech w piersiach: ogromny rozmiar - cztery i pół na sześć i pół metra, oszałamiające „efekty specjalne”, bosko zbudowani ludzie, jak ludzie ożywieni antyczne posągi. „Jego postacie są piękne pomimo grozy ich sytuacji. Zagłuszają je swoim pięknem” – pisał Gogol, z wyczuciem ujmując inną cechę obrazu – estetyzację katastrofy. Tragedia śmierci Pompejów i szerzej całej starożytnej cywilizacji jawi się nam jako widok niezwykle piękny. Ile warte są te kontrasty: czarna chmura napierająca na miasto, lśniący płomień na zboczach wulkanu i bezlitośnie jasne błyskawice, te posągi uchwycone w samej chwili upadku i budynki walące się jak karton...

Postrzeganie erupcji Wezuwiusza jako majestatycznych przedstawień inscenizowanych przez samą naturę pojawiło się już w XVIII wieku – stworzono nawet specjalne maszyny imitujące erupcję. Tę „wulkaniczną modę” wprowadził brytyjski poseł do Królestwa Neapolu, lord William Hamilton (mąż legendarnej Emmy, przyjaciel admirała Nelsona). Zapalony wulkanolog, dosłownie zakochał się w Wezuwiuszu i nawet zbudował willę na zboczu wulkanu, aby wygodnie podziwiać erupcje. Obserwacje wulkanu w okresie jego aktywności (w XVIII i XIX wieku miało miejsce kilka erupcji), słowne opisy i szkice zmieniającego się piękna, wejścia na krater – oto rozrywka neapolitańskiej elity i gości.

Naturą ludzką jest obserwowanie z zapartym tchem katastrofalnych i pięknych gier natury, nawet jeśli oznacza to balansowanie u ujścia czynnego wulkanu. To ta sama „ekstaza w walce i ciemna otchłań na krawędzi”, o której Puszkin pisał w „Małych tragediach”, a którą Bryullow oddał na swoim płótnie, budząc podziw i przerażenie od niemal dwóch stuleci.

Współczesne Pompeje

Marina Agranowska