Martwa natura z Holandii, XVII wiek. Znakomita holenderska martwa natura - arcydzieła spokojnego życia

Pierwsze sztalugowe martwe natury pojawiły się w XVII wieku w pracach Jana Brueghela i Ambrosiusa Bosschaerta i były umiejętnie ułożonymi kompozycjami wielu kwiatów, często umieszczanymi w cennym wazonie ze szkła weneckiego lub chińska porcelana.


Aksamit Jana Brueghela. "Martwa natura". 1598. Kunsthistorisches Museum, Wiedeń.

Ambrosius Bosschaert „Kwiaty w wazonie” 1619.Rijksmuseum w Amsterdamie.

Balthasara van der Asta. „Martwa natura z kwiatami”. 1632. Rijksmuseum w Amsterdamie.

Pomimo faktu, że nazwa gatunku w języku francuskim oznacza „martwą naturę”. Dlaczego więc w ustach holenderskich kompozycji z przedmioty nieożywione, barwnie ukazany na płótnie, oznaczał życie? Tak, te obrazy były tak jasne, niezawodne i wyraziste, że nawet najbardziej niedoświadczeni koneserzy podziwiali realizm i namacalność szczegółów. Ale to nie tylko to.

Holenderska martwa natura to próba opowiedzenia o tym, jak żywy i ściśle wpleciony jest każdy przedmiot, każda część tego świata skomplikowany świat osobę i brać w niej udział. Holenderscy mistrzowie tworzyli pomysłowe kompozycje i potrafili tak wiernie oddać kształt, przelewanie kolorów, objętość i fakturę przedmiotów, że zdawało się, że zachowują dynamikę ludzkich działań. Oto pióro z błyszczącą kroplą atramentu, który jeszcze nie wystygł z ręki poety, oto pokrojony granat, wodnisty sokiem z rubinu, a oto bułka ugryziona i rzucona na zmiętą serwetkę… I jednocześnie jest to zaproszenie do podziwiania i cieszenia się wspaniałością i różnorodnością przyrody.

Motywy i obrazy obrazkowe

Holenderska martwa natura jest niewyczerpana w obfitości motywów. Jednych malarzy połączyło zamiłowanie do kwiatów i owoców, inni specjalizowali się w surowej wiarygodności kawałków mięsa i ryb, inni z miłością tworzyli przybory kuchenne na płótnie, a jeszcze inni poświęcali się tematowi nauki i sztuki.

Holenderska martwa natura z początku XVII wieku wyróżnia się przywiązaniem do symboliki. Przedmioty mają ściśle określone miejsce i znaczenie. Jabłko w centrum obrazu mówi o upadku pierwszego człowieka, pokrywająca je kiść winogron mówi o zadość czyniącej ofierze Chrystusa. Pusta skorupa, która kiedyś była domem dla morskiego mięczaka, mówi o kruchości życia, więdnących i zaschniętych kwiatach – o śmierci, a motyl, który wyfrunął z kokonu, zwiastuje zmartwychwstanie i odnowę. Balthazar Ast pisze w ten sposób.

Artyści nowej generacji zaproponowali już nieco inną holenderską martwą naturę. Malarstwo „oddycha” ulotnym pięknem, które kryje się w zwykłych rzeczach. Do połowy wypełniona szklanka, porozrzucane na stole dania, owoce, pokrojony tort – autentyczność detali doskonale oddaje kolor, światło, cienie, refleksy i refleksy, przekonująco połączone z fakturą tkaniny, srebra, szkła i jedzenia. To są płótna Pietera Claesza Hedy.

Na początku XVIII wieku martwa natura holenderska skłaniała się ku imponującej estetyce detali. Królują tu pełne wdzięku pozłacane porcelanowe misy, kielichy z misternie skręconych muszli i owoce kunsztownie ułożone na półmisku. Nie da się patrzeć na płótna Willema Kalfa czy Abrahama van Beierena bez blaknięcia. Holenderscy mistrzowie odciśnięci ręką stają się niezwykle powszechni, mówią specjalnym, zmysłowym językiem i komunikują się obraz harmonia i rytm. Obecne w martwych naturach linie, sploty i odcienie łodyg, pąków, otwartych kwiatostanów zdają się tworzyć skomplikowaną symfonię, która sprawia, że ​​widz nie tylko podziwia, ale także z ekscytacją doświadcza niepojętego piękna świata.

W dziejach światowych sztuk pięknych miało miejsce niesamowite zjawisko Północna Europa XVII wiek. Jest znany jako martwa natura holenderska i jest uważany za jeden ze szczytów malarstwa olejnego.

Znawcy i profesjonaliści mają mocne przekonanieże takiej liczby wspaniałych mistrzów, którzy posiadali najwyższą technikę i stworzyli tak wiele światowej klasy arcydzieł, mieszkając na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego, nie widziano w historii sztuki.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabrał w Holandii od początku XVII wieku, wynikało z wyłonienia się po pierwszych antyfeudalnych rewolucjach zaczątków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożni chłopi. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy kształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderskie martwe natury stały się poszukiwanym towarem na wschodzącym rynku.

W ziemie północne W Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które powstały w walce z katolicyzmem. Między innymi ta okoliczność sprawiła, że ​​martwa natura holenderska stała się głównym gatunkiem całych warsztatów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, a zwłaszcza kalwini, zaprzeczali zbawczej wartości rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, wyrzucali nawet muzykę z kościół, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuka rozwijały się według innych praw, ale bliskość terytorialna powodowała nieuniknione wzajemne oddziaływanie. Uczeni - historycy sztuki - znajdują wiele rzeczy, które łączą Holendrów i Flamandzka martwa natura, zwracając uwagę na ich kardynalne różnice i unikalne cechy.

Martwa natura z wczesnymi kwiatami

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, bierze udział w Holandii specjalne formy oraz nazwa symboliczna„spokojne życie” – wciążnawet. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem brutalna działalność Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadziła ze Wschodu luksusowe towary, których wcześniej nie widziano w Europie. Z Persji firma przywiozła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii, a to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych biur, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobre samopoczucie ich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów, cebulek tulipanów były tym, co dziś nazywa się wizualnym produktem reklamowym: plakatami i broszurami. Holenderska martwa natura z kwiatami jest więc przede wszystkim botanicznie dokładnym przedstawieniem kwiatów i owoców, jednocześnie wypełnionym wieloma symbolami i alegoriami. To najlepsze płótna całych warsztatów, na czele z Ambrosiusem Bosschaertem Starszym, Jakobem de Heinem Młodszym, Janem Baptistą van Fornenburgiem, Jacobem Woutersem Vosmarem i innymi.

Nakryte stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uciec przed wpływem nowego public relations i rozwoju gospodarczego. Holenderska martwa natura z XVII wieku opłacalny towar, i zorganizowano duże warsztaty do „produkcji” obrazów. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podstawy pod obrazy - deski lub płótna, zagruntowane, wykonane ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdej relacji rynkowej, doprowadziła do wzrostu w jakości martwych natur poziom bardzo wysoki.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. kompozycja kwiatowa powstały w wielu holenderskich miastach - Utrecht, Delft, Haga, ale to Haarlem stał się centrum rozwoju martwych natur przedstawiających serwowane stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie płótna mogą być zróżnicowane pod względem skali i charakteru, od złożonych i wielotematycznych po zwięzłe. Pojawiły się "Śniadania" - przedstawiające martwe natury holenderskich artystów różne etapy posiłki. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie pełne aluzji i moralizatorskich symboli wspólnych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważane są obrazy Nicholasa Gillisa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Rulofa Kootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pieter Claesz i Willem Claesz Heda

Dla współczesnych symbole, którymi nasycona jest tradycyjna holenderska martwa natura, były istotne i zrozumiałe. Obrazy były podobne w treści do wielostronicowych książek i były za to szczególnie cenione. Ale istnieje koncepcja, która jest nie mniej imponująca zarówno dla współczesnych koneserów, jak i miłośników sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze w nim są najwyższe umiejętności techniczne, zaskakująco wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.

Te cechy odpowiadają pod każdym względem płótnom dwóch czołowych mistrzów, których obrazy uważane są za najlepsze przykłady. tonalna martwa natura Opowiadanie: Pieter Claesz i Willem Claesz Head. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby przedmiotów pozbawionych żywe kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w tworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z czasem.

Próżność

Temat przemijania życia, równości wobec śmierci króla i żebraka był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. A w malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazwano vanitas - od łacińskiego „próżności marności”. Popularności martwych natur, podobnie jak traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Leiden.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu ówczesnych mistrzów holenderskich: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Stenwijka i innych. ważne sprawy istnienie.

Sztuczne obrazy

Od tamtej pory obrazy są najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz późne średniowiecze na które stać rosnącą populację miejską. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwalały na to umiejętności, tworzyli „sztuczki” lub „trompe-l'oeil”, z francuskiego trompe-l „oeil - złudzenie optyczne. Chodziło o to, że typowa holenderska martwa natura to kwiaty i owoce, zepsuty ptak i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, instrumenty optyczne itp. – zawierały zupełną iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazonie, który chcesz trzepnąć - typowe działki za fałszywe zdjęcie.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu „tromple” - Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych - często przedstawiają niszę wpuszczoną w ścianę z półkami, na których znajduje się wiele różnych rzeczy. Zręczność techniczna artysty w przekazywaniu faktur i płaszczyzn, światła i cienia była tak wielka, że ​​ręka sama sięgała po książkę lub szklankę.

Czas kwitnienia i czas zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne odmiany martwej natury na obrazach mistrzów holenderskich osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, bo bogacenie się mieszczan rośnie, a bogate naczynia, szlachetne tkaniny i obfitość pożywienia nie wydają się obce we wnętrzach kamienicy czy bogatego wiejskiego majątku.

Obrazy powiększają się, zadziwiają ilością różnych faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to zrobić, tradycyjna holenderska martwa natura - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - jest uzupełniona egzotycznymi owadami lub małymi zwierzętami i ptakami. Oprócz tworzenia zwykłych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla pozytywnych emocji, aby zwiększyć atrakcyjność komercyjną fabuły.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzącego czasu, w którym ważna stała się wzmożona dekoracyjność, wywołująca imponujące wrażenie.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów przez malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, sama koncepcja złotego wieku, którą znało malarstwo holenderskie, odchodziła w przeszłość. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących kart.

Willem Klas Hedda. Martwa natura z ciastem, 1627

„Złotym” okresem martwej natury był wiek XVII, kiedy to ostatecznie nabrała ona kształtu gatunek niezależny malarstwo, zwłaszcza w twórczości Holendrów i flamandzcy artyści. Jednocześnie termin „ciche, zamrożone życie” zdawał się odnosić do martwych natur (holenderski stilleven, niemiecki Stilleben, angielski still-life). Pierwsze „stilleven” były proste w fabule, ale nawet wtedy przedstawione na nich przedmioty nosiły i obciążenie semantyczne: chleb, kieliszek wina, ryba to symbole Chrystusa, nóż to symbol ofiary, cytryna to symbol nieugaszonego pragnienia; orzechy w łupinie - dusza związana grzechem; jabłko przypomina jesień.

Stopniowo wzbogacano symboliczny język obrazu.

Franciscus Geisbrechts, XVII wiek

Znajdujące się na płótnach symbole miały przypominać o kruchości życie człowieka oraz o przemijaniu przyjemności i osiągnięć:

Czaszka przypomina o nieuchronności śmierci.

Zgniłe owoce są symbolem starzenia się.

Dojrzałe owoce symbolizują płodność, obfitość, w w przenośni bogactwo i dobrobyt.

Wiele owoców ma swoje własne znaczenie: jesień jest oznaczona przez gruszki, pomidory, owoce cytrusowe, winogrona, brzoskwinie i wiśnie oraz oczywiście jabłko. Figi, śliwki, wiśnie, jabłka czy brzoskwinie mają podtekst erotyczny.

Kiełki zboża, gałązki bluszczu lub wawrzynu (rzadko) – symbol odrodzenia i cyklu życia.

Muszle morskie, czasem żywe ślimaki - muszla mięczaka to szczątki niegdyś żywego zwierzęcia, oznacza śmierć i ułomność.

Pełzający ślimak jest uosobieniem śmiertelnego grzechu lenistwa.

Duże mięczaki oznaczają dwoistość natury, symbol pożądania, kolejnego z grzechów głównych.

Bańki mydlane - zwięzłość życia i nagłość śmierci; nawiązanie do wyrażenia homo bulla – „człowiek to bańka mydlana”.

Gasić palącą się świecę (popiół) lub lampę naftową; nasadka do gaszenia świec – płonąca świeca to symbol ludzka dusza, jego zanikanie symbolizuje odejście.

kubki, grać w karty lub kości, szachy (rzadko) - znak błędnego cel życia, szukając przyjemności i grzesznego życia. Równość szans w hazard oznaczało także naganną anonimowość.

Fajka jest symbolem ulotnych i nieuchwytnych ziemskich przyjemności.

Maska karnawałowa - jest oznaką nieobecności w niej osoby. Przeznaczony również na świąteczną maskaradę, nieodpowiedzialną przyjemność.

Lustra, szklane (lustrzane) kule – lustro to symbol próżności, w dodatku to też znak odbicia, cienia, a nie rzeczywistego zjawiska.

Beyeren. Martwa natura z homarem, 1667

Potłuczone naczynia, zwykle szklane kielichy. Pusta szklanka, w przeciwieństwie do pełnej, symbolizuje śmierć.

Szkło symbolizuje kruchość, śnieżnobiała porcelana - czystość.

Moździerz i tłuczek są symbolami męskiej i żeńskiej seksualności.

Butelka jest symbolem grzechu pijaństwa.

Nóż - przypomina o wrażliwości człowieka i jego śmiertelności.

Klepsydra i zegar mechaniczny - przemijanie czasu.

Instrumenty muzyczne, notatki - zwięzłość i ulotność życia, symbol sztuki.

Książki i mapy geograficzne(mappa mundi), pióro do pisania - symbol nauk Kula ziemska, zarówno ziemia, jak i rozgwieżdżone niebo.

paleta pędzli, wieniec laurowy(zwykle na głowie czaszki) - symbole malarstwa i poezji.

Litery symbolizują relacje międzyludzkie.

Instrumenty medyczne przypominają o chorobach i kruchości ludzkiego ciała.

Portmonetki, szkatułki na biżuterię – biżuteria i kosmetyki mają tworzyć piękno, kobiecą atrakcyjność, jednocześnie kojarzą się z próżnością, narcyzmem i śmiertelnym grzechem arogancji. Sygnalizują też nieobecność ich właścicieli na płótnie.

Broń i zbroja są symbolem mocy i potęgi, oznaczeniem tego, czego nie można zabrać ze sobą do grobu.

Korony i tiary papieskie, berła i moce, wieńce z liści są oznakami przejściowej ziemskiej dominacji, która sprzeciwia się niebiańskiemu porządkowi świata. Podobnie jak maski symbolizują nieobecność tych, którzy je nosili.

Klucze - symbolizują władzę gospodyni zarządzającej zapasami.

Ruiny - symbolizują przemijające życie tych, którzy kiedyś je zamieszkiwali.

Na martwych naturach często przedstawiano owady, ptaki i zwierzęta. Na przykład muchy i pająki uważano za symbole skąpstwa i zła, a jaszczurki i węże za symbole oszustwa. Raki lub homary uosabiały koleje losu lub mądrości.

Jacques André Joseph Aved. około 1670 r.

Książka - tragedia Sofoklesa "Electra" - w tym przypadku symbol jest niejednoznaczny. Umieszczając go w kompozycji, artysta przypomina o nieuchronności odpłaty za każdą zbrodnię nie na ziemi, ale w niebie, gdyż tragedia jest przesiąknięta tą myślą. Antyczny motyw w takich martwych naturach często symbolizował ciągłość sztuki. Na Strona tytułowa stoi nazwisko tłumacza, słynnego holenderskiego poety Josta van den Vondela, którego dzieła w starożytności i historie biblijne były tak aktualne, że był nawet prześladowany. Jest mało prawdopodobne, aby artysta umieścił Vondela przypadkowo – możliwe, że mówiąc o marności świata, zdecydował się wspomnieć o marności władzy.

Miecz i hełm są symbolami przemijającej militarnej chwały.

Biały z czerwonym pióropuszem - centrum kompozycji obrazy. Pióra zawsze oznaczają próżność i próżność. Zdjęcie jest datowane przez hełm z pióropuszem. Lodewijk van der Helst w 1670 roku przedstawiony w takim hełmie na pośmiertnym portrecie admirała Sterlingwerfa. Hełm admirała jest obecny w kilku innych martwych naturach van Strecka.

Portret sangwinika. W przeciwieństwie do oleju, sangwina jest bardzo słabo zachowana, podobnie jak papier, w przeciwieństwie do płótna. Ten arkusz mówi o daremności wysiłków artysty, wytarte i podarte krawędzie mają na celu wzmocnienie tego pomysłu.

Złota grzywka to marność luksusu.

Czaszka - w starożytna kultura atrybut Kronosa (Saturna), czyli symbol czasu. Koło fortuny było również przedstawiane z czaszką. Dla chrześcijan jest oznaką doczesnej próżności, umysłowej kontemplacji śmierci, atrybutem pustelniczego życia. Wraz z nim przedstawiono św. Franciszka z Asyżu, św. Hieronima, Marię Magdalenę, apostoła Pawła. Czaszka jest również symbolem życie wieczne Chrystus ukrzyżowany na Kalwarii, gdzie według legendy złożono czaszkę Adama. Ucho owinięte wokół czaszki jest symbolem nieśmiertelności duszy („Ja jestem chlebem życia” – J 6,48), nadziei na życie wieczne.

Sterta wytartych papierów to marność wiedzy.

Róg prochowy na łańcuszku - bardzo charakterystyczny temat dla Holenderska martwa natura. Tutaj najwyraźniej należy to interpretować jako coś niosąc śmierć, w przeciwieństwie do róg obfitości

Adrian van Utrecht „Vanitas”. 1642.

konwalie, fiołki, niezapominajki otoczone różami, goździki, ukwiały - symbole skromności i czystości;

duży kwiat w centrum kompozycji to „korona cnót”;

kruszące się płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości;

zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć;

irysy - znak Dziewicy;

białe róże - platoniczna miłość i symbol czystości;

czerwone róże - symbol namiętnej miłości i symbol Dziewicy;

czerwone kwiaty są symbolem zadość czyniącej ofiary Chrystusa;

biała lilia nie tylko piękny kwiat, ale także symbol czystości Maryi Panny;

niebieski i niebieskie kwiaty- przypomnienie lazurowego nieba;

oset - symbol zła;

goździk - symbol przelanej krwi Chrystusa;

mak - alegoria snu, zapomnienia, symbol jednego z grzechów głównych - lenistwa;

anemon - pomoc w chorobie;

tulipany – symbol szybko zanikającego piękna, uprawa tych kwiatów uznawana była za jedno z najbardziej daremnych i daremnych zajęć; tulipan symbolizował także miłość, sympatię, wzajemne zrozumienie; biały tulipan - fałszywą miłość, czerwony tulipan - namiętną miłość (w Europie i Ameryce tulipan kojarzy się z wiosną, światłem, życiem, kolorami i jest uważany za przytulny, przyjazny kwiat, w Iranie, Turcja i inne kraje Wschodu, tulipan kojarzony z uczuciami miłosnymi i erotycznymi).

Natalia MARKOWA,
kierownik działu grafiki Muzeum Puszkina im. A, S, Puszkin

Martwa natura w XVII-wiecznej Holandii

Można powiedzieć, że czas działał jak obiektyw aparatu: wraz ze zmianą ogniskowej zmieniała się skala obrazu, aż w kadrze pozostały tylko obiekty, a wnętrze i postacie zostały wypchnięte z obrazu. „Ramki” z martwą naturą można znaleźć na wielu obrazach Holenderscy artyści 16 wiek Łatwo sobie wyobrazić w formie niezależnego obrazu nakryty stół z „ portret rodzinny» Martin van Hemskerk (ok. 1530. Muzea państwowe, Kassel) czy wazon z kwiatami z kompozycji Jana Brueghela Starszego. Sam Jan Brueghel zrobił coś takiego, pisząc w bardzo początek XVII w. pierwsze niezależne martwe natury kwiatowe. Pojawiły się one około 1600 roku – ten czas uważany jest za datę narodzin gatunku.

Martina van Hemskerka. Portret rodzinny. Fragment. OK. 1530. Muzea Państwowe, Kassel.

W tym momencie o va, aby go zdefiniować, jeszcze nie istniał. Termin „martwa natura” powstał we Francji w XVIII wieku. i dosłownie przetłumaczone oznacza „martwą naturę”, „martwą naturę” (naturę morte). W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „martwą naturą”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, model”, jak i „spokojne życie”, co znacznie dokładniej oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury. Ale to ogólna koncepcja wszedł do użytku dopiero od 1650 roku i do tego czasu obrazy nazywano zgodnie z fabułą obrazu: b lumentopf - wazon z kwiatami, banketje - nakryty stół, fruytage - owoce, toebackje - martwe natury z akcesoriami do palenia, doodshoofd - obrazy przedstawiające czaszkę. Już z tego wyliczenia widać, jak wielka była różnorodność przedstawianych obiektów. Rzeczywiście, cały otaczający ich obiektywny świat zdawał się rozlewać na obrazy holenderskich artystów.

Abrahama van Beurena. Martwa natura z homarami. XVII w. Kunsthaus, Zurych

W sztuce oznaczało to rewolucję nie mniejszą niż ta, której dokonali Holendrzy w sferze gospodarczej i społecznej, uniezależniając się od władzy katolickiej Hiszpanii i tworząc pierwsze demokratyczne państwo. Podczas gdy ich współcześni we Włoszech, Francji, Hiszpanii koncentrowali się na tworzeniu ogromnych kompozycji religijnych na ołtarze kościelne, płótna i freski na tematy starożytnej mitologii do sal pałacowych, Holendrzy pisali małe obrazy z widokami na zakątki rodzimego krajobrazu, tańce na wiejskim święcie lub domowym koncercie w domu mieszczańskim, sceny w wiejskiej karczmie, na ulicy czy w kawalerce, nakryte stoły ze śniadaniem lub deserem, czyli charakter „niski”, bezpretensjonalny, nie przyćmiony antyczną czy renesansową tradycją poetycką, może poza współczesną poezją holenderską. Kontrast z resztą Europy był uderzający.

Obrazy rzadko powstawały na zamówienie, ale najczęściej były swobodnie sprzedawane na targowiskach dla wszystkich i miały ozdabiać pokoje w domach mieszczan, a nawet mieszkańców wsi – tych bogatszych. Później, w XVIII w XIX wieku Kiedy życie w Holandii stało się trudniejsze i rzadsze, te domowe obrazy były szeroko sprzedawane na aukcjach i chętnie nabywane w kolekcjach królewskich i arystokratycznych w całej Europie, skąd ostatecznie migrowały do ​​największych muzeów świata. Kiedy w połowa dziewiętnastego w. artyści na całym świecie zwrócili się ku przedstawianiu otaczającej ich rzeczywistości, malarstw holenderskich mistrzów XVII wieku. służył jako wzór dla nich we wszystkich gatunkach.

Jana Venixa. Martwa natura z białym pawiem. 1692. Ermitaż państwowy, Petersburg

Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na odrębne tematy, a różne miasta miały swoje ulubione rodzaje martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzyło się przenieść do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją twórczość i zaczynał malować te odmiany gatunek, który był popularny w tym miejscu.

Haarlem stał się kolebką tzw charakterystyczny wygląd Holenderska martwa natura - „śniadanie”. Obrazy Pietera Claesza przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Cynowy talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – oszczędny i precyzyjny dobór przedmiotów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby. Na obecność człowieka wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy oraz atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana dzięki przepuszczalności światła i powietrza otoczenia. Dominujący szaro-brązowy ton łączy przedmioty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych upodobań osoby, jej stylu życia.

W tym samym duchu co Klas pracował inny Harleman, Willem Heda. Kolorystyka jego obrazów jeszcze bardziej podporządkowana jest jedności tonalnej, dominuje w niej ton szaro-srebrny, wyznaczany przez wizerunek srebrnych lub cynowych naczyń. Z powodu tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

Abrahama van Beurena. Śniadanie. XVII wiek. Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura z kwiatami. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który słynie przede wszystkim ze skrupulatnego pisania i jasnej kolorystyki.

W Hadze, centrum przemysłu morskiego, Pieter de Putter i jego uczeń Abraham van Beyeren udoskonalili wizerunek ryb i innych mieszkańców morza; Uniwersytet Leiden stworzył i udoskonalił typ filozoficznej martwej natury „vanitas” (próżność marności). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsza de Heem przedmioty ucieleśniające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, drogocenne przybory) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) sąsiadują z czaszką lub klepsydrą jako przypomnienie przemijania życia. Bardziej demokratyczna „kuchenna” martwa natura powstała w Rotterdamie w twórczości Florisa van Schotena i Francoisa Reykhalsa, a jego najlepsze osiągnięcia związane są z nazwiskami braci Cornelisa i Hermana Saftlevena.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” przekształca się w pracach Willema van Aelsta, Uriana van Strecka, a zwłaszcza Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena, w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowe obrusy, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do elegancji i bogactwa, które ukształtowało się w holenderskim społeczeństwie w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania wypierane są przez soczyste, barwnie nasycone, złoto-ciepłe barwy. Wpływ światłocienia Rembrandta sprawia, że ​​kolory na obrazach Kalfa jarzą się od wewnątrz, poetyzując obiektywny świat.

Willema Kalfa. Martwa natura z kielichem - nautilusem i misą z chińskiej porcelany. Muzeum Thyssen - Bornemisza, Madryt

Mistrzami obrazu „trofeów myśliwskich” i „ptaszków” byli Jan-Baptiste Veniks, jego syn Jan Veniks i Melchior de Hondekuter. Ten typ martwej natury rozpowszechnił się szczególnie w drugiej połowie - końcu wieku w związku z arystokratyzacją mieszczan: urządzaniem majątków i rozrywką łowiecką. malowanie dwa najnowsi artyści wykazuje wzrost dekoracyjności, koloru, chęć uzyskania efektów zewnętrznych.

Niesamowita zdolność holenderskich malarzy do przekazywania świat materialny w całym swoim bogactwie i różnorodności docenili go nie tylko współcześni, ale także Europejczycy w XVIII i XIX wieku, widzieli w martwych naturach przede wszystkim i dopiero to genialne mistrzostwo w przekazywaniu rzeczywistości. Jednak dla samych Holendrów XVII wiek te obrazy były pełne znaczeń, były pokarmem nie tylko dla oczu, ale i dla umysłu. Obrazy weszły w dialog z odbiorcą, przekazując mu ważne prawdy moralne, przypominając o ułudzie ziemskich radości, daremności ludzkich aspiracji, kierując myśli ku refleksje filozoficzne o sensie życia człowieka.