• ×

    • Literatura włoska: najlepsi pisarze i dzieła. Literatura włoska XX wieku

    28.02.2019

    Literatura włoska wXX wiek

    Literatura włoska odgrywa znaczącą rolę w paneuropejskim procesie literackim XX wieku. Wkład zaawansowanej literatury i sztuki włoskiej w ciągu ostatniego ćwierćwiecza jest szczególnie znaczący: włoski geniusz artystyczny jest reprezentowany we współczesnej kulturze światowej przez takich nazwisk jak pisarze Alberto Moravia i Vasco Pratolini, dramaturg Eduardo de Filippo, artysta Renato Guttuso, rzeźbiarz Giacomo Manzu, reżyserzy Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Federico Fellini i inni.

    Jednak w XX wieku miejsce literatury włoskiej w ogólnej panoramie literatury zachodnioeuropejskie znacznie się zmienił. Wzloty i upadki włoskiego proces literacki były w ścisłym związku z tymi społecznymi wydarzeniami historycznymi, które zdeterminowały wspólne losy Włoch.

    Zasadne jest ustalenie następującej periodyzacji literatury włoskiej XX wieku: od początku lat 900. do Wielkiej Rewolucji Październikowej i końca I wojny światowej; 1918-1922; okres „czarnych dwudziestu lat” faszyzmu (1922-1943); epoka ruchu oporu i pierwsze powojenne piętnaście lat; lata 60. XX wieku.

    Drogi zaawansowanej literatury włoskiej w pierwszej połowie XX wieku. były trudne. Na długo przed I wojną światową włoska proza ​​i poezja zaczęły odczuwać symptomy kryzysu. Od początku wieku tradycja ta stopniowo zanikała powieść społeczna; rosną wpływy zachodnioeuropejskiej dekadencji; literatura imperialistycznej reakcji rodzi się w osobie Gabriele D'Annunzio i jego naśladowców. Włoscy awangardziści, hałaśliwie deklarujący się pod koniec lat 90. jako odnowiciele podupadłych kanonów literackich, okazali się heroldami kultu maszyny, brutalnej siły, idei militarystycznych i faszyzmu.

    Wojna 1914-1918 doprowadziło do upadku wielu humanistycznych złudzeń, do rozpanoszenia się tendencji szowinistycznych w kulturze włoskiej. Włoska inteligencja twórcza wyszła z tej epoki zdezorientowana, tracąc wiarę w stare obyczaje i obyczaje Wartości kulturowe, ale bez znajdowania nowych perspektyw. Poszukiwanie prawd duchowych przez mieszczańskich pisarzy włoskich ograniczało się w tamtych latach do wąskiej sfery psychologicznej i estetycznej. Tak więc powieść pisarza Italo Zvevo (1861-1928) Świadomość Zenona (1924), która odniosła sukces, jest w całości zbudowana na introspekcji, następuje w niej zerwanie z obrazem realnego świata zewnętrznego.

    W najostrzejszej sytuacji społeczno-politycznej początku lat dwudziestych we Włoszech, kiedy siły rewolucyjnego ruchu robotniczego walczyły z rosnącym zagrożeniem faszyzacji kraju, czołowi pisarze włoscy, zjednoczeni wokół wpływowego pisma Ronda, nawoływali do odejścia od „aktualności”, powrót do tematu i form klasycznych projektów literatura XIX w. Dlatego faszyzm, który doszedł do władzy jesienią 1922 roku, uznał literaturę włoską ideologicznie bezbronną. Mussolini i jego klika nie zwlekali z rozpoczęciem prześladowań lewicowej inteligencji demokratycznej. Faszystowskie „ustawy nadzwyczajne” z 1926 r. zdelegalizowały młodą Komunistyczną Partię Włoch, wszystkie stowarzyszenia opozycyjne i organy prasowe, umieściły myśl i kulturę antyfaszystowską w pozycji przestępczych „elementów wywrotowych”.

    Dwadzieścia lat dominacji faszyzmu niekorzystnie wpłynęło na literaturę włoską, odizolowało ją od głównych problemów społecznych, co doprowadziło do rozdrobnienia i stagnacji. Oficjalna ideologia faszystowska ze swoją reakcyjną demagogią nie mogła przyciągnąć utalentowanych sił twórczych. Inteligencja włoska nie chciała iść na służbę faszyzmowi, ale odcięta od życia ludu przeżyła poważny kryzys ideowy i twórczy. Nie chcąc śpiewać o faszyzmie, wielu pisarzy zajmuje się „sztuką dla sztuki”. Dla tak zwanej „prozy artystycznej” tamtych lat charakterystyczna jest tylko umiejętność formalna. W poezji końca lat 20. pojawił się tzw. nurt „hermetyzmu”. Nazwa mówi sama za siebie: poezja „hermetyczna” zamyka się w kręgu subiektywno-lirycznych przeżyć, zaszyfrowanych w asocjacyjnych obrazach. Wśród „hermetycznych” poetów byli wielkie talenty Ludzie: Eugenio Montale (ur. 1896), Giuseppe Ungaretti (1883-1970), Umberto Saba (1883-1967). Tworzyli wiersze pełne głębokiego liryzmu, tragicznego sensu życia, ale niedostępne percepcji szerokiego czytelnika ze względu na złożoność środków wyrazu. Charakterystyczne są już same nazwy niektórych zbiorów poetyckich: Radość wraków Ungarettiego, Muszle mątwy Montale'a.

    Iluzorycznym sposobem przekształcania „antypoetyckiej” rzeczywistości był kierunek „realizm magiczny”, na którego czele stał Massimo Bontemnelli (1878-1960). „Realizm magiczny” starał się wypełnić granicę między rzeczywistością a fantastyką, łącząc fantazję z realistycznymi szczegółami.

    Weto narzucone przez faszyzm prawdomównemu przedstawianiu życia ludowego doprowadziło do zerwania we włoskiej literaturze „czarnej dwudziestki” z jedną z najbardziej owocnych tradycji prozatorskich przełomu XIX i XX wieku. - z tzw. szkołą „weryzmu” (vero – prawdomówny, prawdziwy). „Weryzm” na jego twarzy najlepsi przedstawiciele- Giuseppe Verga, Matilda Serao, Grazia Deledd, Luigi Capuana i inni - realistycznie przedstawili ciężkie życie ludu pracującego we Włoszech. Najważniejszym kontynuatorem tradycji „werystycznej” w literaturze włoskiej lat dziewięćdziesiątych był Luigi Pirandello (1867-1936). Jednak w jego twórczości jeszcze przed 1914 r. (zbiór opowiadań „Powieści roku”, wydawany od 1901 r., powieść „Spóźniony Mattia Pascal”, 1904 r.) narastały nastroje ponure, pesymistyczne, poczucie beznadziejnej samotności.

    Bezsensowność życia, całej ludzkiej egzystencji brzmi jak motyw przewodni w powieści Pirandella Wirowanie* (1916). W bolesnej atmosferze faszyzmu pogłębia się tragizm postawy Pirandella: przychodzi pisarz

    do koncepcji niepoznawalności życia, nieuchwytności jakiejkolwiek prawdy. Człowiek nie może nawet zrozumieć siebie, ponieważ jego wewnętrzny świat jest zbiornikiem sprzecznych namiętności i impulsów. Ten agnostycyzm, połączony z nienawiścią pisarza do zatęchłego, świętoszkowatego, mieszczańskiego stylu życia, objawia się z wielką intensywnością w oryginalnych sztukach Pirandella, powstałych w latach 1917 - 1929. Sława dramatopisarza Pirandella przyćmiła sławę prozaika Pirandella. .

    Już w pierwszej sztuce nowego okresu Pirandello (zwrócił się do teatru w czasie I wojny światowej) pesymistyczne credo pisarza znalazło pełne odzwierciedlenie. Tytuł tego dramatu - "Tak jest - jeśli tak ci się wydaje" (1917, zrewidowany w 1925) - można umieścić jako motto do prawie wszystkich jego późniejszych dramatów. Ustami jednego z bohaterów, który pełni rolę rzecznika autora, Pirandello pokazuje, że relacji, jakie wytworzyły się między urzędnikiem Ponzą, jego żoną i teściową, nie da się wyjaśnić prawdziwą logiką. Ponza i jego teściowa uważają się nawzajem za wariatów: teściowa uważa swoją żonę za swoją córkę, która według Ponzy dawno zmarła. A młoda kobieta jakby nie ma własnego prawdziwego ja, nazywając siebie „tą, za którą każdy z nich mnie uważa”.

    W dramacie Pirandello Sześć postaci w poszukiwaniu autora (1921), który go przyniósł światowa sława, temat niepoznawalności wewnętrznego świata człowieka łączy się z tematem sztuki. W sześcioosobowej rodzinie życie duchowe każdego z nich jest obce i niezrozumiałe dla reszty. Każdy nosi rodzaj "maski uczuć", odpowiadającej zewnętrznym formom życia. „Każdy z nas na próżno wyobraża sobie niezmiennie jednego, całego, podczas gdy mamy tysiąc i więcej pozorów” – mówi ojciec rodziny. Rodzina przychodzi do teatru z prośbą o urzeczywistnienie swojego dramatu na scenie: być może wtedy prawda i prawdopodobieństwo zbiegną się w czasie, ratując ich przed tragicznym nieporozumieniem. Przed i sztuka okazuje się bezsilna, by pokazać całą wszechstronność człowieka i zapobiec ponuremu rozwiązaniu rodzinnego dramatu.

    Temat separacji, wyobcowania ludzi od siebie i od innych nierozerwalnie łączy się w najlepszych sztukach Pirandella z przedstawianiem okrutnej rzeczywistości społecznej. Złudzenia, jakie tworzy sobie bohater Pirandello, okazują się daremną próbą ukrycia się przed fałszem mieszczańskiej moralności, przed prawdziwą biedą i niesprawiedliwością. Tak więc w sztuce „Naga sukienka” (1922) biedna, samotna dziewczyna Ersilia, oszukana przez ludzi, zdezorientowana i popełniła brzydki czyn, w którym bardzo żałuje, chce umrzeć, pozostawiając legendę o czystości. Jednak szaty pięknego kłamstwa zdzierają z niej ciekawscy, chcący dotrzeć do sedna „prawdy”. Jednocześnie mimowolnie obnażają się jej oskarżyciele, również przebierając się w łachmany szlachetnych uczuć. Ale ci szczęśliwsi zostają Święty spokój ponieważ każdy z nich zdążył już przystosować się do życia. A Ersilia, odrzucona na bok, odrzucona, umiera, „nie mogąc się ubrać”.

    W tragedii "Henryk IV" (1922) bohater, który przeżył głęboki szok moralny, udaje szaleńca, który wyobraża sobie, że jest cesarzem Niemiec Henrykiem IV. Próbuje ukryć się pod maską średniowiecznego króla, żyć z nieistniejącymi już zmartwieniami i uczuciami. Ale nawet to złudne wyjście odbierają mu dawni wrogowie, którzy w jego „szaleństwie” widzą odbicie rzeczywistych faktów. W spektaklu „Życie, które ci daję” (1923), matka, która straciła Syna, nie jest w stanie siłą własnego ducha zachować dla siebie obrazu zmarłego.

    Tym samym bohater Pirandella jest nadal osobą cierpiącą, biegającą dookoła, głęboko wplecioną w codzienność społecznej egzystencji. Ale dla pisarza-idealisty ta historycznie zdeterminowana rzeczywistość staje się wieczną kategorią filozoficzną.

    W poszukiwaniu przezwyciężenia ludzkiej alienacji Pirandello raz po raz powraca do tematu sztuki, do teatru. Był głęboko zainteresowany samymi zasadami gra aktorska mający na celu ujawnienie wewnętrznej niekonsekwencji osoby. Pirandello stworzył swego rodzaju trylogię „teatru w teatrze”, której pierwszą częścią było przedstawienie „Sześć postaci w poszukiwaniu autora”. W kolejnych dwóch sztukach o teatrze dramatopisarz odnajduje jednak w akcji teatralnej ten środek komunikacji międzyludzkiej, który jest w stanie potwierdzić prawdy moralne. Tak więc w sztuce „Każdemu na swój sposób” (1924) postacie teatralne pomogły dwóm autentycznym bohaterom dramatu życiowego uświadomić sobie ich uczucia, zaakceptować wniosek zaproponowany przez aktorów na scenie. „Zrobili to, czego oczekiwała sztuka” – mówi jeden z „widzów” spektaklu.

    W jednym ze swoich najbardziej przenikliwych i nowatorskich dramatów, Today We Improvise (1929), Pirandello powraca od zamkniętych problemów psychologicznych do żywej rzeczywistości – życia rodzinnej Sycylii z jej okrutna moralność i uprzedzeń, zniszczony „kodeks honorowy”. Bohaterka, młoda kobieta, Mommin, grzęźnie w zamkniętym domu męża, który dręczy ją zazdrością, zarzuca niemoralne zachowanie jej sióstr, które zostały śpiewaczkami. Zabrania samej Momminie śpiewania; ale siła sztuki podbija ten stęchły świat – wygrywa kosztem życia Mom-miny. Fabuła spektaklu przeplata się z ogólnymi poglądami Pirandella na temat celów i form sztuki, przedstawionymi przez jednego z bohaterów - wyimaginowanego reżysera. Aktorzy, którzy rzekomo improwizują, odrywając się od autorskiego tekstu, wprowadzają widza w system aktorski.

    Pirandello radykalnie unowocześnił teatr włoski, wprowadził tam głębokie, uniwersalne problemy. Najlepsze dramaty Pirandella to nie filozoficzne abstrakcyjne schematy, ale głębokie tragedie cierpiących ludzi.

    Faszyzm próbował na wszelkie możliwe sposoby domagać się „praw własności” do Pirandello, który był jedynym włoskim pisarzem lat 20. i 30. XX wieku, który zdobył światową sławę. Jednak wewnętrzny patos twórczości Pirandella, jego tęsknota za humanistycznymi wartościami podeptanymi przez okrutne życie, jego wiara w oczyszczającą moc sztuki - wszystko to oczywiście należało nie do faszystowskiej demagogii, ale do autentycznie wysokiej Kultura narodowa Włochy.

    Tylko nieliczni pisarze włoscy w okresie dyktatury faszystowskiej przebijali się do tematu społecznego, co w tych przypadkach niezmiennie wiązało się z potępieniem faszyzmu. To właśnie w tych latach zostały określone główne problemy twórczości jednego z najwybitniejszych współczesnych pisarzy włoskich, Alberto Moravii (ur. 1907). Karierę literacką rozpoczął od powieści Obojętny (1929), która od razu przyniosła autorowi sławę.

    W tej powieści mistrzostwo analizy psychologicznej tkwiące w talencie Morawy nabrało już społecznego, antyfaszystowskiego zabarwienia. „Obojętni” to przedstawiciele uprzywilejowanych warstw włoskiego społeczeństwa, niemoralni, cyniczni, obojętni na dobro i zło. Bohater powieści, Gino, z całkowitą apatią obserwuje upadek swojej siostry, skorumpowanej przez kochanka matki. Gino nie czuje urazy, wstydu (żyje z jego środków), nie ma potrzeby zemsty ani buntu. Pokazując tę ​​utratę kryteriów moralnych wśród burżuazyjnej młodzieży lat dwudziestych XX wieku, którą faszystowscy hackerzy wychwalali wówczas jako „pokolenie nowych Rzymian”, Moravia działała obiektywnie jako demaskator duchowego zepsucia, które przyniósł ze sobą faszyzm.

    W latach trzydziestych Morawy jednak nie poruszały w swojej twórczości konkretnych tematów społeczno-politycznych, zagłębiając się coraz bardziej w psychologię „obojętnych” – burżuazji, intelektualistów, urzędników, piętnując ich oportunizmem, duchowym chłodem. W tych latach w cyklu alegorycznych opowiadań Morawy (zbiór Epidemia, 1944) można usłyszeć sceptycyzm, niedowierzanie w postęp społeczny, motyw absurdalności świata. Pisarz nie jest w stanie uciec od otaczającej go dusznej atmosfery.

    Nastroje antyfaszystowskie zostały wyraźniej wyrażone w literaturze włoskiej pod koniec lat trzydziestych XX wieku pod wpływem walki narodu hiszpańskiego z faszyzmem i jako protest przeciwko imperialistycznej akcji Włoch w Abisynii. Moravia tworzy w tym czasie ostro satyryczną powieść „Masquerade”, w której pewien latynoamerykański dyktator zostaje dość jawnie wyśmiany. Powieść została wydrukowana we Francji, gdzie Morawy mieszkały na początku lat 40.

    Najwyższym osiągnięciem prozy włoskiej w przededniu II wojny światowej była książka pisarza Elio Vittoriniego (1908-1966) Rozmowy sycylijskie, napisana w latach 1938-1941. W tym oryginalnym w swoim gatunku utworze orientacja antyfaszystowska łączy się ze zwrotem ku motywowi ludowemu, choć pod wieloma względami jest to jeszcze warunkowe. Rozmowy sycylijskie to opowieść o na wpół realnej, na wpół alegorycznej podróży autora-narratora do ojczyzny, na Sycylię, dokąd udaje się, niejasno licząc na uwolnienie się od uczucia „abstrakcyjnej wściekłości”, jakie wywołuje w nim codzienność.

    Stają się zwykli ludzie spotkani na swojej drodze obrazy symboliczne towarzyszy pisarzowi w myślach. Opuszczona, głodująca sycylijska wioska zamienia się w personifikację ojczyzny, zbezczeszczoną, znieważoną, skrywającą ukrytą złość. Z imponującą siłą zapisany jest w księdze obraz Matki, który zawiera także symboliczne uogólnienie: cierpiąca wieśniaczka jest żywym protestem przeciwko faszyzmowi, który wysyła chłopskich synów na śmierć w niesprawiedliwej wojnie o podbój Abisynii.

    Książka jest napisana w „języku ezopowym”; pisarz ucieka się do aluzji, pominięć, pozostawia wiele w podtekście, korzystając z doświadczenia stylistycznego Hemingwaya. Niemniej jednak dla włoskiego czytelnika wyraźny był protest zawarty w Rozmowach sycylijskich przeciwko dyktaturze faszystowskiej, która w równym stopniu dławi życie ludowe, jak życie duchowe inteligencji. Głębokim zadaniem książki było przede wszystkim rozwiązanie problemu intelektualisty, próba znalezienia dla niego wyjścia. I choć odpowiedź jest dana w „Rozmowach sycylijskich” w warunkowej, symbolicznej formie, to jednak jej znaczenie polega na uzyskaniu duchowego kontaktu z ludźmi.

    W 1937 roku założyciel i przywódca Włoskiej Partii Komunistycznej, Antonio Gramsci, zmarł w faszystowskim lochu po 11 latach najcięższego więzienia. Dopiero po zakończeniu II wojny światowej naród włoski i cały świat dowiedział się o „Zeszytach więziennych” Gramsciego – opracowaniach historyczno-filozoficznych, literacko-estetycznych, które tworzył w więzieniu. Dzieła literackie Gramsciego, zebrane w tomie „Literatura i życie narodowe”, rozwijają ważne dla kultury włoskiej problemy estetyki marksistowskiej w ich narodowo-historycznej interpretacji.

    Gramsci wprowadza do swojej teorii estetycznej pojęcie „ludu narodowego” (nazionale-popolare), rozumiejąc go jako kulturę ściśle związaną z najważniejszymi problemami życia ludowego. „Dzieło sztuki jest popularne, gdy jego treść moralna, kulturowa, psychologiczna jest bliska moralności, kulturze i odczuciom narodu, rozumianym nie jako coś statycznego, ale jako będące w ciągłym rozwoju” – napisał. Gramsci podkreślał, że Włochy wciąż stoją przed zadaniem stworzenia takiej prawdziwie ludowo-narodowej literatury i sztuki, gdyż „inteligencja włoska jest daleka od ludu i związana z tradycją kastową”.

    Z tych stanowisk Gramsci krytykował włoską kulturę mieszczańską okresu faszyzmu, biczując jej sceptycyzm, oderwanie od życia ludzi, demagogię faszystowskich siekaczy z ich immoralizmem i kultem siły jako „nową wartością”. Wiązał powstanie zaawansowanej kultury włoskiej z nadchodzącym potężnym ruchem ludowym, na bazie którego zlikwidowana zostanie przepaść między inteligencją a masami.

    Znaczenie idei Gramsciego dla rozwoju współczesnej kultury włoskiej jest ogromne; ich rosnący wpływ znajduje odzwierciedlenie w całym życiu intelektualnym kraju w okresie powojennym.

    Prawdziwość idei Gramsciego potwierdziła sama historia. Antyfaszystowski ruch oporu, który rozwinął się w latach 1943-1945, zakończył się 25 kwietnia 1945 r. ogólnonarodowym powstaniem przeciwko faszystom i hitlerowskiemu okupantowi. Upadek reżimu Mussoliniego, utworzenie szerokiego ludowego „frontu oporu” pomogły najlepszym siłom kultury włoskiej wyjść z duchowej szaty, znaleźć źródło inspiracji w narodzie i jego walce. walki, zburzono bariery między ludem a inteligencją, która w przeważającej mierze brała udział w ruchu oporu.

    W surowej codzienności ludu, oświetlonej płomieniami walki antyfaszystowskiej, pisarze włoscy dostrzegli prawdziwą treść historyczną. Przedstawienie rzeczywistości, środowiska ludzi, powrót do tematów społecznych, wyzwolenie z formalistycznych kanonów „hermetyzmu” – to główne zmiany estetyczne, jakie epopeja Ruchu Oporu wniosła do literatury włoskiej. Zwrot ten znalazł swoje artystyczne ucieleśnienie w utworach, które pojawiły się we Włoszech w pierwszych latach po zakończeniu wojny, a następnie pogłębił się i utrwalił w latach 59., głównie w bogatej i różnorodnej prozie włoskiej.

    Pierwszy dekada powojenna strumień nowych, młodych sił dołączył do literatury włoskiej. To pokolenie odczuwało potrzebę opowiedzenia przede wszystkim o doświadczeniach ruchu oporu, o bestialstwie nazistów, o życiu partyzantów. Wątki te zajęły wiodące miejsce w powojennych powieściach i opowiadaniach, w prozie pamiętnikarskiej i scenariuszach filmowych. Takimi są „Ludzie i nieludzie” Wittorscha (1945), który opowiada o wysokim poświęceniu antyfaszystów przeciwstawiających się „nieludziom”, złym i głupim nazistom. Takie są powieści „Agnese idzie na śmierć” (1949) Renaty Vigano, „Fausto i Anna” (1952) Carlo Caesoli, opowiadanie „Droga do pajęczych gniazd” (1949) Italo Calvino, opowiadania Marcello Venturiego i wiele innych. Pisarze zwrócili się także do obrazu niedawnej, minionej epoki faszyzmu, starając się ukazać ciężki los ludzi w latach „Czarnej Dwudziestki” i nieustannego oporu („Chrystus zatrzymał się pod Eboli” Carlo Leviego , 1945, „Starzy towarzysze” Carlo Caesoli, 1953, „Speranza” Silvia-Maggi Bonfanti, 1954, Lands of Sacramento Francesco Iovine, 1950, powieści Vasco Pratoliniego).

    Od początku lat 50. temat współczesności, problemy życia i pracy włoskiego ludu, „kwestie sumienia”, które dotyczą włoskiej inteligencji w powojennym świecie, coraz bardziej dominowały we włoskiej literaturze. od początku lat pięćdziesiątych. Życie biednych mieszkańców Neapolu poświęcone jest powieściom i opowiadaniom Dome-daco Rea („What Cummeo Saw”, 1956), sztukom Eduardo de Filippo („Neapol Millionaire”, 1945, „Filumena Marturano”, 1947, "Leży na długie nogi", 1948 itd.). K. Kassola pisze o losach młodych ludzi w Małżeństwie powojennym (1957); przyczyny katastrof chłopskich i miejskich bezrobotnych na Sycylii ujawnia Danilo Dolci w dokumentalnych reportażach „Bandyci w Partiniko” (1955), „Śledztwo w Palermo” (1956). Eseje K. Levy'ego „Słowa-kamienie” (1955) pokazują wzrost świadomości zwykli ludzie którzy stają do walki o swoje prawa, pokonując zamrożone zwyczaje i uprzedzenia. Ostre problemy moralne i etyczne, z którymi boryka się inteligencja w kontekście stabilizacji włoskiego kapitalizmu, porusza I. Calvino w opowiadaniach Construction Speculation (1957) i Smog Cloud (1958).

    Mimo różnic poglądów politycznych i maniery artystycznej, wszystkich tych pisarzy łączy wspólne stanowisko estetyczne i obywatelskie; chęć realistycznego pokazania włoskiej rzeczywistości, oceny teraźniejszości i przeszłości swojego kraju na podstawie losów zwykły człowiek, twórca historii. Narodził się więc we włoskiej literaturze i sztuce na przełomie ruchu oporu i pierwszego. lata powojenne, kierunek neorealizm. Neorealizm był jednocześnie powrotem do tradycji realistycznej ruchy modernistyczne 20-30, którzy nie byli w stanie znieść „obciążenia” ruchu oporu; jednocześnie był realizmem współczesności, starając się ukazać współczesnego człowieka i kształtującą go rzeczywistość. literatura neorealistyczna, kino, sztuka Włochy były ważnym etapem rozwoju narodowej tradycji realistycznej, wielkim osiągnięciem kultury włoskiej, które stawiało ją na awangardowym miejscu w kulturze zachodnioeuropejskiej lat powojennych.

    Chociaż włoski neorealizm w literaturze nie był bynajmniej jednorodny ani pod względem artystycznym, ani teoretycznym, to jednak „wspólne pochodzenie” nadało tej literackiej polifonii pewien ogólny ton.

    Włoski neorealizm lat 40. i 50. można scharakteryzować jako kierunek antyfaszystowski, demokratyczny, stawiający problemy społeczne w ich narodowym, włoskim przebraniu, przepojony humanistycznym nastrojem, wiarą w siłę solidarności ludowej, w wysokie walory duchowe zwykły człowiek. Pisarze neorealistyczni starali się uwolnić literaturę włoską od klerykalnego obskurantyzmu, od prowincjonalizmu i naśladownictwa, od niejasności języka poetyckiego.

    Neorealizm jest autobiograficzny. Dokumentalne autentyczne epizody wojny, okupacji hitlerowskiej, walk partyzanckich zostały ubarwione liryczną intonacją narracji. Historia głównego bohatera opowieści Calvina i Cassoli, Pratoliniego i Bonfantiego na wiele sposobów ucieleśniona ścieżka życia oraz ewolucja samych autorów w latach ruchu oporu. Taki „dokument liryczny” był wyraźnym zabiegiem metodologicznym neorealizmu: bohater, a wraz z nim autor, „realizuje się”, wybiera swoją drogę pośród prawdziwych strasznych wydarzeń, starć społeczno-historycznych, a nie w wąskim kręgu przeżyć psychicznych. „Dokument liryczny” jest swoistym stemplem czasu we włoskim neorealizmie, który dążył do ponownego odczucia, przejścia przez siebie tych wydarzeń z życia ludzi, które pozostały poza literaturą „Czarnej Dwudziestki”.

    Neorealizm charakteryzuje się odwołaniem do nowego kręgu bohaterów. Są to prości ludzie, których przedstawia się nie ze smutną litością, ale z poczuciem dumy ze swoich mocnych stron i możliwości. Początkowo obrazy te były podawane tylko na rysunku zewnętrznym, a potem zaczęły nabierać głębi i wszechstronności. Tak więc bohaterka powieści Renaty Viganò, stara wieśniaczka Agnese, która pod wpływem nagłego impulsu trafiła do oddziału partyzanckiego, stopniowo uświadamia sobie, że wzniosłe cele walki wyzwoleńczej i bez wahania oddaje jej życie. Tacy są „starzy towarzysze” z opowieści K. Kassola – podziemni komuniści, którzy nie stracili wiary w nadchodzące zwycięstwo w najbardziej ponurych latach faszyzmu. Bohaterowie esejów Leviego „Słowa-Kamienie”, odważni Speranza z opowiadania Bonfantiego, przeżywają trudne kształtowanie się charakterów w toku dramatycznych wydarzeń, w których są uczestnikami. To prawda, że ​​bohater narracji neorealistycznej nie zawsze dorasta do skali typowej postaci.

    Ściśle związana z pojawieniem się nowego bohatera jest kolejna cecha neorealizmu – jego humanizm i optymizm, chęć ukazania wielkiej siły solidarności ludowej – temat, który przenika wiele książek o wojnie partyzanckiej i walce o lepszą przyszłość w post- wojna Włochy. Motyw ten wybrzmiewa z wielką siłą w wielu włoskich filmach neorealistycznych z lat 50. (Droga nadziei, Dziewczyny z Placu Hiszpańskiego, Gorzki ryż, Dwa grosze nadziei).

    Neorealizm tchnął nowe życie we wszystkie gatunki literackie. Powieść odrodziła się jako epicka narracja o wydarzeniach i czynach ludzi, a nie jako „strumień świadomości”. Eduardo de Filippo (ur. 1900) w swoich komediach starał się łączyć tradycje włoskiego teatru dialektalnego z dramaturgią psychologiczną Pirandella.

    Poezja stopniowo uwalniała się od „hermetycznej” złożoności. Poeta Salvatore Quasimodo (1901-1970), który zaczynał jako „hermetyk”, zwrócił się do rzeczywistości w okresie ruchu oporu (zbiór Dzień po dniu, 1947, w którym zebrano jego antyfaszystowskie wiersze z okresu walki wyzwoleńczej ). Quasimodo śpiewa o wyczynie partyzantów, w jego wierszach brzmi temat obywatelski, potwierdza wiarę w prawdziwe wartości życiowe (zbiory „Życie nie jest snem”, 1949, „Niezrównana ziemia”, 1958). Poeta Pier-Paolo Pasolini (ur. 1922) czerpie nadzieję z życia rzymskich robotników na obrzeżach nadchodzącego wyzwolenia ludu pracującego, całej ludzkości (wiersz „Popioły Gramsci”, 1957).

    Poeta i gawędziarz Gianni Rodari (ur. 1920) tworzy nową literaturę dziecięcą, przepojoną duchem życiowej prawdy, wolną od klerykalnej moralności i drobnomieszczańskiego sentymentalizmu. W poezji Rodariego („Księga wesołych wierszy”, 1951, „Wiersze w niebie i na ziemi”, 1960 itd.) jest bliskość do włoskiego folkloru dziecięcego. Jego bajki Przygody Cipollina (1951), Podróż Błękitnej Strzały (1957) i wiele innych łączą w sobie dziarski humor, społeczną satyrę i wiarę w lepszą przyszłość wszystkich dzieci na świecie.

    Wielkim podbojem neorealizmu była prostota i klarowność języka, jego szerokie zastosowanie mowa ludowa zarówno prozą, jak i poezją. To właśnie dzieła neorealistyczne, ze wszystkimi ich zaletami i wadami, zdeterminowały oblicze literatury włoskiej drugiej połowy lat czterdziestych i pięćdziesiątych.

    Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli prozy neorealistycznej jest pisarz Vasco Pratolini (ur. 1913).

    Pratolini urodził się we Florencji, w biednej rodzinie, wcześnie rozpoczął pracę zawodową, studiował z przerwami. Pratolini zaczął pisać pod koniec lat trzydziestych, ale prawie nigdy nie publikował w czasach faszyzmu. Talent pisarza, aktywnego uczestnika ruchu oporu, ujawnił się po zakończeniu II wojny światowej.

    Dzieło Pratoliniego opierało się na materiale autobiograficznym: życiu ubogich w jego rodzinnej dzielnicy, rodzinne miasto. W okresie ruchu oporu poszerzyły się horyzonty pisarza: wątek walki antyfaszystowskiej wpływa do „kroniki rodzinnej”, podsycanej liryzmem i poezją, pieśń przyjaźni i solidarności nabiera społecznego patosu.

    Pratolini stara się spojrzeć na los swojego pokolenia w perspektywie historycznej. W powieści The Quarter (1945) przedstawia życie i trudne ścieżki młodych mężczyzn i kobiet z robotniczej dzielnicy Florencji w latach trzydziestych XX wieku, w zatrutej atmosferze faszyzmu. Książka przesiąknięta jest głęboką wiarą w żywotność tej młodzieży, w jej przyszłość, którą, jak stopniowo zaczynają rozumieć bohaterowie książki, będą musieli „zwyciężyć barykady”, jak powietrze i słońce.

    Najlepsza powieść Pratoliniego, Opowieść o biednych kochankach (1947), która przyniosła mu europejską sławę, opowiada o losach rodzinnej Florencji w mrocznym okresie jawnego terroru faszystowskiego w latach 1925-1926. Autorka rysuje codzienne życie mieszkańców małej uliczki przy Via del Corno, zamieszkałej przez ludzi pracy. W ich smutkach i radościach, uczuciach i czynach powstaje żywy i piękny obraz narodu, bogaty i wielowymiarowy charakter narodowy, który łączy w sobie godność człowieka, odwaga i życzliwość, optymizm i odporność. Via del Corno staje się niejako bohaterem zbiorowym, w którym oczywiście pojawiają się także cienie generowane przez biedę i ignorancję, ale przeważa wysokie poczucie sprawiedliwości i człowieczeństwa. To właśnie nie pozwala Via del Corno zaakceptować faszyzmu z jego ideologią przemocy i skorumpowanej moralności.

    Ale są w powieści Pratoliniego bohaterowie wyższego rzędu, w których osobistych losach skondensowany jest historyczny los ludu. Przede wszystkim jest to kowal Corrado, nazywany Maciste („siłacz”), u którego cechy ludowego, narodowego charakteru łączą się z wysokim ideałem społecznym i wolą walki. Maciste jest komunistą, a jego oddanie wielkiej sprawie sprawia, że ​​jest do tego zdolny bohaterski czyn. „Straszna noc” atakuje codzienne życie Via del Corno: uzbrojeni faszyści przemierzają miasto, rozprawiając się z postępowymi postaciami. Machiste ściga się na swoim motocyklu od ulicy do ulicy, ostrzegając przed niebezpieczeństwem. Czarne koszule zabijają odważnego antyfaszystę. Życie i śmierć Corrado to przykład dla innych, dla młodych ludzi z Via del Corno - Hugo i Gesuina, Mario i Milena, którzy po " Straszna noc zrozumiał, po której stronie stoi prawda. Przekonanie o ostatecznym zwycięstwie ludu, mimo chwilowego triumfu sił ciemności, jest ideowym patosem powieści. Epopeja Ruchu Oporu pomogła pisarce we właściwym spojrzeniu na tragiczne wydarzenia z przeszłości i osiągnięciu artystycznych wyżyn realistycznego uogólnienia.

    Po kilku utworach poświęconych życiu ludowemu powojennych Włoch, Pratolini w powieści Metello (1955) powraca do obrazu przeszłości, starając się ukazać w historii Włoch nosicieli prawdziwego postępu. Bohaterem powieści jest młody robotnik Metello, który na początku XX wieku przewodził strajkowi generalnemu we Florencji. Zarówno temat dzieła, jak i jego centralny charakter były dla literatury włoskiej materiałem zupełnie nowym; sama koncepcja tego, co zostało przedstawione, była również nowatorska - przedstawiała bieg historii poprzez walkę klasy robotniczej i kształtowanie jej samoświadomości. Pomysł ten znalazł przekonujące artystyczne wcielenie w całej powieści. Urokliwy jest obraz młodego pracującego chłopca Metello, który przechodzi przez szkołę życia i solidarności pracowniczej na rusztowaniach. Organizowany przez niego strajk kształtuje charakter jego, jego żony Ersidii i wielu innych. W tym sensie powieść Pratoliniego jest powieścią „edukacji sensorycznej”. Publiczność w nim jest nierozerwalnie związana z osobistymi doświadczeniami, co wnosi bogactwo i kompletność do wewnętrznego świata bohaterów. Wszystkie te niezwykłe dla włoskiej tradycji sukcesy artystyczne na żywym materiale sprawiły, że "Metello" stało się pewnym kamieniem milowym w literackim rozwoju lat 50. Wokół powieści rozgorzały czytelnicze i krytyczne dyskusje.

    Ale jednocześnie książka Pratoliniego ujawniła kilka istotnych „wrodzonych wad” neorealizmu: jego niezdolność do powiększania wydarzeń, odchodzenia od kroniki. Sam Metello jest bardziej „przeciętnym typem” niż uogólnioną typową postacią. Jego wizerunek jest mniej znaczący niż wizerunek Maciste, choć zgodnie z intencją autora musiał dźwigać duży ciężar.

    „Metello” Pratolini niejako ucieleśniał „sufit” neorealizmu jako metodę, która w drugiej połowie lat 50. wykazywała wyraźne symptomy kryzysu. Zmieniona sytuacja społeczno-historyczna we Włoszech, ustanowienie w nich dominacji kapitału monopolistycznego, wymagały od pisarzy postępowych jaśniejszego stanowiska ideologicznego. Ogólnodemokratyczne nastroje, wiara w solidarność ludu i siła jego podstaw moralnych okazały się niewystarczające do zrozumienia nowych procesów społecznych. Niejasność poglądów społeczno-politycznych doprowadziła wielu neorealistycznych pisarzy do zamętu, niemożności artystycznego opanowania nowej rzeczywistości; w ich pracy zabrzmiały nuty rozczarowania; niektórzy zaczęli „wzbogacać” swoją paletę o techniki modernistyczne; niektórzy zamilkli na chwilę.

    Postępowa krytyka włoska słusznie zwracała uwagę, że realistyczna wizja świata nie mieści się już w ramach neorealizmu, że literatura zbliżyła się do poszukiwania nowych sposobów odzwierciedlenia bardziej złożonej rzeczywistości.

    Lata sześćdziesiąte XX wieku. pokazał, że neorealizm, który niewątpliwie odegrał ogromną rolę w rozwój literacki Włochy nie definiują już głównego nurtu literatury.

    Problem relacji między tak zwanym społeczeństwem „neokapitalistycznym” a człowiekiem stał się najbardziej dotkliwy w literaturze włoskiej ostatniej dekady. Dylemat ten ujawnia się w literaturze przede wszystkim od wewnątrz, w ukazaniu wewnętrznego świata jednostki. Ten nurt w literaturze przejawia się w przenoszeniu zainteresowania na moralny i psychologiczny kompleks współczesnego człowieka. Jednak biorąc pod uwagę duchowe wartości ludzkie, włoski realizm na obecnym etapie pozostaje zdecydowanie społeczny. To z pewnością wpływa na „zakwas” Ruchu Oporu i neorealistyczne wrażenia.

    Równie ważny dla literatury włoskiej lat 60. był problem moralnej odpowiedzialności człowieka wobec społeczeństwa, wobec swojej epoki. Ten ładunek etyczny można odczuć we wszystkich gatunkach współczesnej literatury włoskiej – czy to będzie reportaż, powieść filozoficzno-alegoryczna czy poezja publicystyczna. Następuje proces intelektualizacji włoskiego realizmu, poszukiwania nowych środków artystycznych. ucieleśnieniem tego złożonego problemu moralnego i społecznego.

    W ogólnym zarysie można zarysować kilka wątków tematycznych i problemowych prozy włoskiej ostatniej dekady.

    Antyfaszystowska, antywojenna powieść pogłębia się, wzywając, by nie zapominać o nieludzkości, o uniemożliwieniu powrotu do przeszłości. Najciekawsza pod tym względem jest powieść pisarza Marcello Venturiego (ur. 1925) Biała flaga nad Kefallinią (1963). Opowiada o brutalnej masakrze wojsk nazistowskich wraz z dywizją włoską, która odmówiła poddania się w 1943 roku, na małej wyspie archipelagu jońskiego. Wskrzeszając prawdziwe wydarzenie z przeszłości, pisarz podkreśla nierozerwalny związek między przeszłością a teraźniejszością. Tej strasznej psychologii „nadczłowieka”, rzekomo mającego prawo do przemocy i mordu, którą wychowała ideologia faszyzmu i nazizmu, nie należy wskrzeszać.

    Cała grupa pisarzy, z wielką siłą satyrycznej ekspozycji, pokazuje inną - bardziej "nowoczesną" - formę wypaczenia ludzkiej psychiki w szponach "neokapitalizmu" z jego fetyszyzacją technologii i depersonalizującymi formami zarządzania człowiekiem. Powieść psychologiczna Libero Bijarettiego „Kongres” (1964) brzmi przejmująco, ukazując oportunizm, duchowego renegata byłego postępowego dziennikarza, który poszedł do pracy w dużym monopolu, tracąc przekonania w zamian za bezpieczną egzystencję.

    Groteskowa powieść Goffredo Parise'a The Boss (1964) pokazuje, jak duża firma zmienia młodego pracownika w „robota z pomysłami na produkcję”, który kłania się urokowi kwitnącego monopolistycznego przedsiębiorstwa.

    Problemy moralne i etyczne naszych czasów pojawiły się ze szczególną ostrością w powojennej twórczości Alberta Moravii.

    Wydarzenia walki wyzwoleńczej wywarły głęboki wpływ na pisarza, pod wieloma względami zmieniły zakres jego zainteresowań i tematyki w latach pięćdziesiątych. W zbiorze opowiadań „Opowieści rzymskie” (1953) odwołuje się do codziennego życia zwykłych ludzi, rysując ich uczucia i przeżycia, nieszczęścia i zwykłe szczęście, odsłaniając w lakonicznej powieści psychologicznej duchowy świat postaci ludowych – robotników i sprzedawczynie, drobne sklepikarze, pracownicy i bezrobotni „wieczne miasto”. Jednak bohaterowie Moraw z reguły są sami, nikt nie wyciągnie do nich pomocnej dłoni. Motyw solidarności ludowej, tak charakterystyczny dla literatury neorealistycznej, nie występuje w Opowieściach rzymskich. "

    Hołdem dla ruchu oporu, zdaniem samego autora, była powieść Chocharka (1957). W środku książki prosta kobieta którzy przeżyli okropności wojny i okupacji hitlerowskiej. Morawy pokazały siłę charakteru ludu, potępiły wojnę, która wypacza samą naturę człowieka. W powieści pojawił się także nowy bohater dla Moraw – antyfaszystowski intelektualista, który ginie z rąk najeźdźców. Niemniej jednak ten obraz pokazał oczywistą nieznajomość takich ludzi w życiu autora: jego Michele znów jest samotnikiem.

    Jednak od połowy lat pięćdziesiątych Morawy ponownie powróciły do ​​starych wątków, z wielką wrażliwością na analizę psychologiczną, ujawniając nowe odcienie upadku moralnego włoskiej burżuazji modelu powojennego. W powieści Pogarda (1954) niemal pamfletowe ujawnienie współczesnej pseudo-sztuki burżuazyjnej „dla mas” łączy się z tematem wyobcowania ludzi w wyniku rosnącej siły stosunków monetarnych. Temat ten jest jeszcze bardziej niepokojący w Nudzie Morawy (1960). Słowem „nuda” artysta Dino określa swoją boleśnie odczuwaną izolację od realnego życia, która pozbawia go możliwości tworzenia, artystycznego postrzegania świata. Jego bogata matka uważa taki dystans za normę: sfetyszyzowane świeckie związki zastępują naturalne ludzkie uczucia, pieniądze stają się ciałem i krwią. Jednak bohater szuka wyjścia z sytuacji wyłącznie w dziedzinie erotyki. Łącząc seks i wyobcowanie w jeden węzeł, przeładowując powieść opisem erotycznych. sceny, Morawy znacznie osłabiły społeczny i artystyczny wydźwięk jego książki.

    W tym miejscu należy powiedzieć, że we współczesnej literaturze włoskiej coraz trudniej jest spotkać pozytywnego bohatera. Zniknęły obrazy odważnych i niezłomnych ludzi neorealizmu, do których tak wiele rąk wyciągało się, którzy zwyciężyli samą śmiercią. Nowa rzeczywistość społeczna najwyraźniej nie została jeszcze wystarczająco „opanowana” przez literaturę włoską lat 60., która swoją ostro krytyczną postawą wobec porządku burżuazyjnego nie jest w stanie nadrobić tej straty.

    Jednym z nielicznych wyjątków pod tym względem jest Trwałość rozumu Vasco Pratoliniego (1963), napisana przez autora po długim milczeniu i kilku twórcze porażki. W The Persistence of Mind Pratolini stara się połączyć kilka linii swojej pracy: zainteresowanie młody bohater, spojrzenie na rzeczywistość z perspektywy historycznej i ukazanie wewnętrznego świata człowieka z perspektywy ludzi.

    Ta powieść jest niewątpliwym sukcesem autora, któremu udało się artystycznie przekonująco pokazać „ rozwój duchowy facet pracujący, przechodzący od swego rodzaju anarchistycznego „komunizmu uczuć” do realizacji surowego obowiązku wobec życia, do stałości umysłu. Przesuwając sekwencję czasu w narracji, Pratolini przeplata narrację pierwszoosobową z retrospekcjami. Technika ta odtwarza w duszy nastolatka obraz życia we Włoszech w dwudziestoleciu powojennym. Konflikty społeczne wkraczają w jego duchowe doświadczenie wraz z młodzieńczymi namiętnościami i rozczarowaniami. Pratolini pokazuje, jak najlepsza część włoskiej młodzieży pracującej, przez samą logikę życia, przez same warunki swojej egzystencji, dochodzi do idei walki, do ideałów komunizmu. Wraz z młodym Brunonem, pędzącym i niekonsekwentnym, autor wydobywa komunistę „starej gwardii” Milloskiego, który bez krzykliwych frazesów swoim życiem i czynami stopniowo przekonuje młodzieńca o słuszności swojej sprawy.

    Niepogodzenie się z „neokapitalizmem”, wrogim życiu ludzi i swobodnemu rozwojowi jednostki, prowadzi postępową literaturę włoską do tworzenia dzieł prawdziwych, społecznie nasyconych.

    Wykład nr 24

    Literatura włoska XX wieku

    Plan

    1. ogólna charakterystyka Literatura włoska XX wieku.

    2. Ideowa i artystyczna oryginalność twórczości A. Moravii:

    a) krótki zarys życia i drogi twórczej pisarza;
    b) tragiczne rozdarcie i samotność ludzi w powieści „Obojętni”;
    c) obraz Rzymu w powieści „Rzymanka” i zbiorze „Opowieści rzymskie”;
    d) problematyka powieści „Czochara”;
    e) cechy stylu A. Morawy.

    3. Ideowa i artystyczna oryginalność twórczości U. Eco:

    a) Krótki przegląd drogi twórczej pisarza;
    b) Imię róży jako powieść intertekstualna;
    c) problemy powieści "Wahadło Foucaulta".

    1. Ogólna charakterystyka literatury włoskiej XX wieku

    Literatura włoska XX wieku jest ściśle związana ze złożonymi procesami historycznymi i politycznymi, które miały miejsce w kraju i na świecie jako całości. Na rozwój literatury i kultury na początku wieku wpływ miała ideologia faszystowska, następnie historyczne doświadczenia II wojny światowej i ruchu oporu doprowadziły do ​​przesunięć w życiu narodowym we wszystkich sektorach społeczeństwa. W literaturze pojawia się inny kierunek, odwołanie do wątków wojny i oporu, refleksja nad dramatycznymi wydarzeniami kraju i zmianą walorów estetycznych. Dowodem na to są prace Elio Vittoriniego, Italo Calvino, Carlo Levi, Renaty Vingano.

    Nurt włoskiego neorealizmu odbił się echem na całym świecie. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku wiele postaci włoskiego kina i literatury wystąpiło w zgodzie z neorealizmem. Program działa Włoskim neorealizmem był film Rosselliniego „Rzym – miasto otwarte” i powieść Vasco Pratoliniego „Opowieść o biednych kochankach”. Twórczość Alberta Moravii kojarzona jest z neorealizmem. Literatura ta dążyła do wiernego przedstawienia rzeczywistości, szukając nowych środków umiejętność artystyczna, proste i jasne język literacki. Teoretyk włoskiego neorealizmu D. Zavatini pisał: „Ludzie władczo pukają do drzwi sztuki i biada nam, jeśli ich nie otworzymy”.

    Powszechnie znana jest praca Dino Buzzatiego (1906-1972), który nie ruch literacki. Buzzati był postrzegany przez krytyków jako następca Kafki. Pisał o losach człowieka w warunkach nieludzkiej cywilizacji, oddawał absurd życia, obracał się w fantazję. W przeciwieństwie do Kafki, włoski pisarz nie wyrzeka się wiary w zdolność człowieka do zachowania godności.

    Potwierdzają to powieści Barnabo z Gór (1933), Tajemnica Starego Lasu (1935), Pustynia Tatarska (1939), a także opowiadania fantastyczne (zbiór Siedmiu posłańców (1942)).

    Postmodernizm w literaturze włoskiej reprezentuje twórczość Umberto Eco (ur. 1932), pisarza i filozofa, semiotyka i krytyka. W swoich pismach podejmuje problemy estetyki postmodernistycznej ("Dzieło otwarte" (1962), "Poetyka Joyce'a" (1966), "Traktat o semiotyce ogólnej" (1975)). Powieści Eco - "Imię róży" (1980), "Wahadło Foucaulta" (1988) - mają charakter filozoficzny, ujawniają pragnienie pisarza stworzenia obrazu świata w dynamice kultury i rozwoju świadomości. Kosmologiczny model świata powstaje w powieści „Imię róży”. Ewolucję świadomości europejskiej prześledziliśmy w Wahadle Foucaulta, w którym nowoczesność ukazana jest w retrospektywie minionych epok.

    2. Ideowa i artystyczna oryginalność twórczości A. Moravii:

    A. Krótki zarys życia i twórczości pisarza

    Alberto Morawy(1907-1990) – znany włoski powieściopisarz i autor opowiadań, który za Pirandello zwrócił się ku tematowi wyobcowania i rozbicia ludzi we współczesnych Włoszech lat 20. (powieść Obojętny (1929)), który rozwinął wątki antyfaszystowskie i antywojenne (powieści „Masquerade” (1941), Chochara (1957)), po wojnie zbliżył się do literatury neorealistycznej (New Roman Tales (1959)). Autorka pisała o upadku i rozpadzie rodzin mieszczańskich, o losach artysty w warunkach współczesnej cywilizacji (powieści Pogarda (1954), Nuda (1960)), o zwykłych Włochach – mieszkańcach Rzymu, w których przedstawieniu liryczny łączy się z ironicznym, smutny z zabawnym. Realizm Moraw wyróżnia się subtelnością analizy społeczno-psychologicznej i satyrycznymi intonacjami. Alberto Moravia (prawdziwe nazwisko Pinkerle) urodził się w Rzymie, a obraz „wiecznego miasta” jest uchwycony w jego twórczości. Ojciec pisarza jest architektem. Ciężka choroba gruźlicy kości, która dotknęła Alberta w wieku 9 lat i zmusiła go do spędzenia wielu lat w sanatoriach leczniczych, w dużej mierze zdeterminowała jego pasję do czytania, ostatecznie skłoniła go do spróbowania swoich sił w działalności literackiej. W wieku 16 lat zaczął pisać swoją pierwszą powieść, którą ukończył w 1925 roku i wydał własnym kosztem w 1929 roku pod tytułem Obojętny. Ta książka jest jednym z najpotężniejszych dzieł autora. Decydowała o jego przyszłości. W pierwszej połowie lat 30. Moravia mieszkał w Londynie, potem w Paryżu. Publikacja powieści „Masquerade” (1941), w której fikcyjny wizerunek dyktatora jednego z krajów Ameryki Środkowej, przedstawiony w satyryczny sposób, wzbudziła gniew Mussoliniego, który nie bez powodu dostrzegł karykaturę o sobie. Wprowadzono zakaz wydawania ksiąg morawskich. W 1943 roku został ogłoszony „postacią dywersyjną” i zmuszony do ukrywania się w górach. Do Rzymu wrócił dopiero po wyzwoleniu przez sojuszników. Uznanie, jakie spotkało pisarza po opublikowaniu jego pierwszej powieści, umacniało się z biegiem lat. Kluczowe dzieła Moraw - „Obojętni”, „Opowieści rzymskie”, „Ciochara”.

    B. Tragiczny rozłam i samotność ludzi w powieści „Obojętni”

    Powieść została pomyślana przez młodego pisarza jako tragedia. Wydarzenia ograniczają się do wąskiego kręgu jednej rzymskiej rodziny, uosabiającej społeczną tragedię epoki – obojętność. Biznesmen Leo Merumechi był przez wiele lat kochankiem Mariagrazii, zamożnej wdowy z dwójką dzieci. Przez lata Leo zrujnował kobietę, a kiedy się zestarzała, uwiódł jej córkę Carlę. Dziewczyna nie kochała Leo, ale nie miała innej perspektywy, bo jest wiano. Jej brat Michele, ospały i bezwładny młody człowiek, rozumie podłość Leo, który rozbił ich rodzinę, zrujnował ich. Ale silniejsza od nienawiści jest jego obojętność, obojętność na normy moralne. Michele zmusza się do kłótni z Leo, a kiedy dowiaduje się, że Leo został kochankiem jego siostry, strzela do niego. Ale wszystkie próby kończą się niepowodzeniem, Michele nie ma szczerego impulsu. Rozwiązanie niczego nie zmienia w sytuacji młodych bohaterów. Leo postanawia poślubić Carlę, ale jej życie będzie równie nudne i fałszywe jak życie jej matki, jak życie całego otoczenia, które uczyniło jej brata i siostrę „obojętnymi”. Obraz Michele jest złożony. Bohater jest bystry, ale nie zdecydowany, zarozumiały, ale tchórzliwy. Brakuje mu energii, chęci przeciwstawiania się temu, co się dzieje. Koncentracja na introspekcji oddziela Michele od otaczających go osób. Potrafi żartować z siebie, zdając sobie sprawę ze swojej obojętności i bezsilności, ale nie jest w stanie ich przezwyciężyć i działać. Obojętność rodzi duchową głuchotę, pragnienie zamknięcia się w sobie. Wszystkie wydarzenia w powieści rozgrywają się w ciągu dwóch dni. Za oknami pada deszcz. Tylko przez chwilę promienie słoneczne przebijają się przez chmury, nie wnikając do środka ciemny świat antybohaterowie powieści morawskiej.

    W Obojętnym Moravia przechodzi od psychologii jednej postaci do psychologii innej, podkreślając emocje i wewnętrzny świat każdego z nich.

    Postacie w „Obojętnym” nie rozwijają się. Wszystkie postacie na końcu pozostają takie same, jak na początku powieści. We wszystkich scenach wszyscy pozostają w swojej roli, zachowując się tak samo: spokojna zuchwałość Leo, zazdrosne wybryki Mariagrazii, wybuchy gniewu i oburzenia Carli, ustępujące miejsca pokorze, daremne próby wszczęcia kłótni przez Michele. Napięcie sytuacji rośnie dopiero w wyniku działań Leo. Jest jedynym motorem wydarzeń, wie, co chce osiągnąć.

    Powieść „Obojętni” jest pierwszym kamieniem milowym na twórczej ścieżce Moraw. To powieść obyczajowa z tamtych czasów, obnażająca wady społeczne. Powieść ukazuje duchową pustkę Młodsza generacja klasy uprzywilejowane lat 20. Akcja rozgrywa się w czasach, gdy Mussolini twierdził, że idee faszyzmu będą inspirować młodzież moralną sprawnością starożytnych Rzymian. Nienawiść Moraw do tego małego światka, do tego typu psychologicznego, do egoizmu nie tylko nie słabła, ale z biegiem lat nabrała biczującej mocy satyry. Pisarz niczego nie wybacza obojętnym. Faszyzm pozostawił gorzki posmak w duszy pisarza na całe życie, dał początek refleksji moralnej. I z każdym rokiem ten antyfaszystowski ton wybrzmiewał coraz wyraźniej, choć Moravia przyznał, że nie miał pojęcia o demaskowaniu System społeczny faszyzm.

    C. Obraz Rzymu w powieści „Rzymanka” i zbiorze „Opowieści rzymskie”

    W 1947 roku pisarka stworzyła powieść „Rzymanka” (1947), w 1953 „Opowieści rzymskie”, które później uzupełniono o nowe zbiory, dzięki czemu pojęcie „historia rzymska” zaczęło upominać się o status termin literacki. Obraz Rzymu w tych utworach nabiera globalnego uogólnienia, a jednocześnie powieść i opowiadania odznaczają się naturalną konkretnością i lokalnością. Bohaterami dzieł są zwykli mieszkańcy Rzymu, zmuszeni do poszukiwania sposobów na przetrwanie za wszelką cenę, a najczęściej za cenę porzucenia moralności. W "Rzymance" główna bohaterka Adrian - kobieta o twarzy Madonny i duchowym cynizmie nierządnicy - staje się "dostępna" bez większych wyrzutów sumienia, choć marzy o pięknej miłości. W jej życiu jest trzech mężczyzn, aw każdym z nich jest cząstka jej duszy. Pierwszym z nich jest obsesyjnie zakochany w Adrianie szef faszystowskiej policji Asturity, drugim silny bandyta Sonzogno, do którego Adriana darzy cielesną namiętność, a trzecim uczeń ze szlacheckiej rodziny Giacomo Diodati, członek antyfaszystowskiego ruchu oporu, którego Adriana kocha duszą. Wydarzenia zaplatają się pod koniec powieści: Giacomo trafia do więzienia, w przypływie dziwnej apatii (motyw fatalnej obojętności!) Wymienia swoich towarzyszy z ruchu oporu. Adriana żąda od Asturity natychmiastowego uwolnienia Giacomo. Zakochany policjant bez zastrzeżeń spełnia jej prośbę. Zdrada Giacomo nie pociąga za sobą żadnych konsekwencji, ale młody człowiek nie może sobie wybaczyć swojego niehonorowego czynu i odbiera sobie życie.

    Kobieta gorzko opłakuje Giacomo, prawie nie zauważając śmierci Asturity i Sonzogno. Adriana chce powierzyć swoje przyszłe dziecko, którego ojciec uważany jest przez przystępnego Rzymianina za bandytę Sonzogno, rodzinie ukochanego Giacomo. Temat przyszłości Italii wiąże się z tą narodzoną istotą, a sam obraz nierządnicy Adriany wydaje się być wyklarowany: rysy Madonny, ludzkiej matki, są w nim wyostrzone. Ta praca charakteryzuje się moralnością, części gospodarstwa domowego, ale przede wszystkim psychologiczne. Jednocześnie wyczuwalny jest w nim podtekst polityczny, potępienie faszyzmu jako moralnego zubożenia.

    W 1953 roku ukazała się pierwsza książka Opowieści rzymskich autorstwa Alberto Moravia. W 1959 roku pisarz wydaje drugi tom. Roman Tales wskrzesza tradycję Boccaccia: krótką, pełną wydarzeń nowelę z nieoczekiwanym zakończeniem. Jest jeden temat: życie robotniczego Rzymu, pokazane na szkicach. Jednocześnie jego osoba pracująca jest samotnikiem, „małym” człowiekiem. Bohater jest zasadniczo nowy na Morawach. To facet z miasta, ten co jeździ taksówką, stoi za ladą, zmywa naczynia w restauracji, błąka się w poszukiwaniu pracy.

    Żywotność, demokracja i liryzm zbliżają dzieło do neorealizmu, ale w przeciwieństwie do neorealistów Moravia nigdy nie porusza tematu solidarności zwykłych ludzi. Są rozdzieleni, samotni. Ten motyw rozbicia brzmi w opowiadaniu „Romulus i Remus” niemal tragicznie: dwaj dawni przyjaciele z ruchu oporu, Remo i Romolo, okazują się po wojnie niemalże żebrakami, a jeden z nich, zdając sobie sprawę ze swojego grzechu, ograbił drugiego. Jakby nic się nie zmieniło od tamtych odległych czasów, kiedy Romulus zabił swojego brata Remusa, a później założył miasto, które nazywa się Rzym. Tragizm w opowieściach pisarza sąsiaduje z komiksem.

    Jedna i ta sama technika łączy wszystkie „Opowieści rzymskie”: autor milczy, a bohaterowie opowiadań sami opowiadają o tym, co ich spotkało. Dzięki temu Moravia wyraźniej ujawnia swoich nieudaczników w opowiadaniu, jeszcze wyraźniej oddziela swoją pozycję artystyczną od tych autorów, którzy nieustannie kręcą się na scenie, prowokując swoich bohaterów do bezimiennych uwag.

    D. Problematyka powieści „Chochara”

    Moravia zwrócił się ku przedstawieniu życia ludu podczas drugiej wojny światowej w powieści Ciocara (1957), którą sam określił jako „obiektywną narrację o cierpieniu i biedzie, które dały początek ruchowi oporu”. Bohaterką powieści jest pochodząca z Chocharii wieśniaczka Chezira, która opuściła rodzinne strony, przeniosła się do Rzymu i została kupcem. Jej postać uosabia takie cechy charakteru osoby z ludu, jak wytrzymałość i energia, odwaga i wytrzymałość. Na jej los spadają ciężkie próby: wraz z córką Rosettą musi w czasie wojny opuścić Rzym, pokonać wiele trudności, znając los uchodźców. Cesira nie poddawała się obawom, gdy spadały brytyjskie bomby i przeprowadzano niemieckie naloty. Cesira musiała znosić znęcanie się nad córką przez żołnierzy. To był straszny cios, który złamał Rosettę. Wszystko to opowiedziane jest w powieści z perspektywy Cheziry. Opowiada o swoim doświadczeniu, niczego nie ukrywając, wspomina dobrych i złych ludzi, których spotkała na swojej drodze.

    W utworze dawne wizerunki pisarki pojawiają się w nowej odsłonie: zhańbiona Rosetta spokojnie, a nawet niemal ochoczo zostaje nierządnicą, ale Chezira ma nadzieję przywrócić córce dawną wiarę w życie i dobro.

    Pojawia się w "Chochar" i postać intelektualisty. To antyfaszysta Michele Festa, nie członek Ruchu Oporu, ale osoba bliska mu duchem. Ta postać nie wygląda jak bohater Obojętnych. Jest aktywny w swoim człowieczeństwie. Michele ginie od faszystowskiej kuli, stając w obronie mieszkańców obcej mu wioski. Śmierć Michele odpowiada bólem w sercu Cesiry, oczyszcza jej duszę.

    Powieść potępia wojnę jako zbrodnię przeciwko ludzkości. Cesira dochodzi do tego wniosku, przeżywszy cierpienia, i kończy swoją opowieść słowami: „Udało nam się wyjść z wojny, by znów wrócić do naszego życia, w którym oczywiście było jeszcze wiele ciemność i błędy, ale to było jedyne życie, jakie mogliśmy prowadzić, tak jak powiedziałby nam Michele, gdyby był z nami”.

    D. Cechy stylu A. Morawy

    W proces twórczy Morawy niejednokrotnie modyfikowały technikę stylu i nowatorską strukturę. Jego ideałem jest „jasnowidzący dystans”. Pisarz przygląda się pod mikroskopem niektórym aspektom współczesnej rzeczywistości, kreuje typ i nastrój. Jego słownictwo jest dość proste, wręcz skromne, główny nacisk kładziony jest na składnię. Ten styl niemal neguje elementy liryczne.

    Autor nie stawia sobie za zadanie zilustrowania wydarzeń społecznych, ale jest stan psychiczny społeczeństwo. Czasami Moravia celowo pogarsza ten stan, uciekając się do parodii i maski. Pisarza zawsze pociągały maski. Nie odtwarza rzeczywistości, ale urządza maskarady, czasem wydające się bardziej wiarygodne niż sama rzeczywistość.

    W powieściach istnieje tendencja do dramatyzowania akcji. Tragedia jest jego zdaniem sztuką syntetyczną, a syntezę osiąga w powieści. Najważniejszą rzeczą w literaturze morawskiej zawsze była osoba, chociaż przedstawiając prawdziwą osobę, często uciekał się do abstrakcji, a nawet absurdu. Mimo okoliczności życiowych człowiek jest z natury człowiekiem i pozostaje w ciągłym konflikcie z porządkiem społecznym.

    3. Oryginalność ideowa i artystyczna twórczości U. Eco

    A. Krótki przegląd drogi twórczej pisarza

    Umberto Eco(ur. 1932) - jeden z najwybitniejszych pisarzy współczesnych Włoch. Słynny językoznawca, semiotyk, specjalista od kultury masowej, profesor Bolonii i kilku światowych uniwersytetów. Udało mu się stać symbolem nie tylko ścisłej nauki akademickiej, ale także swobodnych poszukiwań artystycznych.

    W 1980 roku U. Eco opublikował swoją pierwszą powieść Imię róży, która przyniosła mu światową sławę literacką. W 1988 i 1994 pojawiają się Wahadło Foucaulta i Wyspa Ewy. W przerwach między twórczością artystyczną Eco regularnie publikuje zbiory artykułów publicystycznych i naukowych. Obmyśla komputerowe egzaminy, by wyselekcjonować studentów na swoje seminarium (konkurencja 70 osób na miejsce) i prowadzi wykłady, które przyciągają takie tłumy, że brakuje nawet miejsc w sąsiednich teatrach.

    Jako historyk kultury Eco znany jest w świecie naukowym z książek: „Estetyka Tomasza z Akwinu” (1970), „Gospodarstwo domowe” (1973), „Na peryferiach imperium” (1977), „Na lustrach” (1985), „Semiologia życia codziennego” (1987) oraz Sztuka i piękno w średniowiecznej etyce (1987).

    Krytyk literacki Eco słynie z Poetyki Joyce'a (1966), dla współczesnego językoznawstwa za dzieło bazowe uważa się pracę Poszukiwanie idealnego języka (1993).

    Jego prace Dzieło otwarte (1962), Semiologia komunikacji wizualnej (1967), Traktat o semiotyce ogólnej (1975) i Granice interpretacji (1990) są uznawane za fundamentalne dla światowej semiotyki.

    B. Imię róży jako powieść intertekstualna

    „Imię róży” – pierwsza powieść Umberto Eco, wydana w 1980 roku, stała się pierwszą powieścią intelektualną, która znalazła się na szczycie list bestsellerów i przyniosła autorowi światową sławę. Do sukcesu dzieła przyczyniła się również adaptacja filmowa. Pisarz otrzymał prestiżową włoską Nagrodę Stregi (1981) i francuską Nagrodę Medici (1982).

    Okazało się, że życie mieszkańców XIV-wiecznego klasztoru benedyktynów może zainteresować ludzi XX wieku. I to nie tylko dlatego, że autorka zaczęła intrygi detektywistyczne i miłosne. Ale także dlatego, że powstał efekt osobistej obecności.

    Umberto Eco maluje obraz średniowieczny świat, trafnie opisuje wydarzenia historyczne. Do swojej powieści autor wybrał interesującą kompozycję. We wstępie autor donosi, że w jego ręce wpadł stary rękopis mnicha imieniem Adson, który opowiada o wydarzeniach, które go spotkały w XIV wieku. W stanie nerwowego podniecenia autor rozkoszuje się przerażającą historią Adsona i tłumaczy ją dla współczesnego czytelnika. Późniejszy opis wydarzeń jest podobno tłumaczeniem starego rękopisu.

    Sam rękopis Adsona podzielony jest na siedem rozdziałów, według liczby dni, a każdy dzień – na epizody poświęcone kultowi. Tak więc akcja powieści rozgrywa się w ciągu siedmiu dni.

    Opowieść zaczyna się od prologu: „Na początku było Słowo, a Słowo było u Boga, i Bogiem było Słowo”.

    Intrygować: [Do klasztoru przybywa młody mnich Adson, w imieniu którego opowiadana jest ta historia, przydzielony uczonemu franciszkaninowi Wilhelmowi z Baskerville. Wilhelm, były inkwizytor, zostaje przydzielony do zbadania sprawy nieoczekiwana śmierć mnich Adelma Otransky. Wilhelm i jego asystent rozpoczynają śledztwo. Mogą rozmawiać i chodzić wszędzie oprócz biblioteki. Jednak śledztwo utknie w martwym punkcie, ponieważ wszystkie korzenie zbrodni prowadzą do biblioteki, która jest główną wartością i skarbcem opactwa, w której znajduje się ogromna ilość bezcennych ksiąg. Wejście do biblioteki jest wzbronione nawet dla mnichów, a książki nie są rozdawane wszystkim i nie wszystkim, którzy są w bibliotece. Ponadto biblioteka przedstawia labirynt, z którym wiążą się legendy o „wędrujących ogniach” i „potworach”.

    Wilhelm i Adson odwiedzają bibliotekę pod osłoną nocy, z której z trudem udaje im się wydostać. Tam spotykają nowe tajemnice. Wilhelm i Adson ujawniają sekretne życie opactwa (spotkania mnichów ze skorumpowanymi kobietami, homoseksualizm, narkotyki). Sam Adson ulega pokusie miejscowej wieśniaczki. W tym czasie w opactwie dochodzi do nowych morderstw (Wenancjusza odnajduje się w beczce z krwią, Berengara z Arundel w wannie z wodą, Seweryna ze św. Emmerana w jego komnacie z ziołami), związanych z tą samą tajemnicą, która prowadzi do biblioteki, a mianowicie do pewnej książki. Wilhelmowi i Adsonowi udaje się częściowo rozwikłać labirynt biblioteki i znaleźć skrytkę „African Limit”, zamurowane pomieszczenie, w którym przechowywana jest cenna książka.

    Aby rozwiązać zagadkę morderstwa, kardynał Bertrand Podzhetsky przybywa do opactwa i od razu zabiera się do pracy. Zatrzymuje Salvatore, nieszczęsnego dziwaka, który chcąc zwrócić na siebie uwagę kobiety z czarnym kotem, kogutem i dwoma jajkami, został zatrzymany wraz z nieszczęsną wieśniaczką. Kobieta (Adson rozpoznał w niej swoją przyjaciółkę) została oskarżona o czary i uwięziona.

    Podczas przesłuchania piwniczny Remigiusz opowiada o mękach Dolchina i Małgorzaty, których spalono na stosie, io tym, jak nie opierał się temu, mimo że był w związku z Małgorzatą. W desperacji piwnicznik bierze na siebie wszystkie morderstwa: Adelmę z Ontanto, Venantię z Salvemek „za to, że był zbyt uczony”, Berengara z Arundel „z nienawiści do biblioteki”, Seweryna ze św. Emmerana „za zbieranie ziół”.

    Adsonowi i Wilhelmowi udaje się jednak rozwiązać zagadkę biblioteki. Jorge – niewidomy starzec, główny kustosz biblioteki, ukrywa przed wszystkimi „Granicę Afryki”, w której znajduje się druga księga „Poetyki” Arystotelesa, ciesząca się ogromnym zainteresowaniem, wokół której w opactwie toczą się niekończące się spory . Na przykład w opactwie nie wolno się śmiać. Jorge działa jako sędzia dla każdego, kto śmieje się w niewłaściwy sposób, a nawet rysuje śmieszne obrazki. Jego zdaniem Chrystus nigdy się nie śmiał i zabrania śmiać się innym. Wszyscy traktują Jorge z szacunkiem. Boją się go.

    Jednak Jorge przez wiele lat był prawdziwym władcą opactwa, który znał i trzymał wszystkie swoje sekrety przed resztą. Kiedy zaczął ślepnąć, wpuścił do biblioteki niezrozumiałego mnicha, a na czele opactwa postawił mnicha, który był mu posłuszny. Gdy sytuacja wymknęła się spod kontroli i wiele osób zapragnęło rozwikłać tajemnicę „afrykańskiego limitu” i wejść w posiadanie księgi Arystotelesa, Jorge kradnie truciznę z laboratorium Severina i nasyca nią strony cenionej księgi. Mnisi, przewracając się i zwilżając palce śliną, stopniowo umierają. Z pomocą Malachiasza Jorge zabija Severina, zamyka opata, który również umiera.

    Wilhelm rozwiązuje to wszystko ze swoim asystentem. Wreszcie Jorge daje im do przeczytania Poetykę Arystotelesa, która obala pogląd Jorge o grzeszności śmiechu. Według Arystotelesa śmiech ma wartość poznawczą, utożsamia go ze sztuką. Dla Arystotelesa śmiech to „dobra, czysta moc”. Śmiech jest w stanie złagodzić strach: kiedy człowiek się śmieje, nie dba o śmierć. Właśnie tego Jorge tak się boi. Przez całe życie Jorge nie śmiał się i zabraniał innym tego robić, ten ponury starzec, ukrywając prawdę przed wszystkimi, ustanowił kłamstwo.

    W wyniku prześladowań Jorge Adson upuszcza latarnię, aw bibliotece wybucha pożar, którego nie da się ugasić. Za trzy dni całe opactwo spłonie. Zaledwie kilka lat później Adson, przemierzając te miejsca, dociera do popiołów, znajduje kilka cennych fragmentów, aby później jednym słowem lub zdaniem można było odtworzyć choćby znikomą listę zaginionych ksiąg.]

    Na tym polega ciekawa fabuła powieści. „Imię róży” to rodzaj kryminału, którego akcja toczy się w średniowiecznym klasztorze. Krytyk Cesare Zaccaria uważa, że ​​odwołanie pisarza do gatunku detektywistycznego wynika z faktu, że „ten gatunek był lepszy od innych w wyrażaniu nienasyconego ładunku przemocy i strachu tkwiącego w świecie, w którym żyjemy”. Tak, bez wątpienia wiele konkretnych sytuacji powieści i jej głównego konfliktu jest wręcz „czytanych” jako alegoryczne odzwierciedlenie sytuacji obecnego, XX wieku.

    Wydarzenia w powieści dają nam wyobrażenie, że mamy przed sobą detektywa. Autor z podejrzliwym uporem proponuje właśnie taką interpretację.

    Yu Łotman pisze, że „fakt, że franciszkański mnich z XIV wieku, Anglik Wilhelm z Baskerville, wyróżniający się niezwykłą przenikliwością, odsyła czytelnika swoim nazwiskiem do opowieści o najsłynniejszym wyczynie detektywistycznym Sherlocka Holmesa i jego kronikarza nosi imię Adson (wyraźna aluzja do Watsona w Conan Doyle), wyraźnie orientuje czytelnika. Taką rolę pełnią odniesienia do środków odurzających stosowanych przez Sherlocka Holmesa w XIV wieku dla podtrzymania aktywności intelektualnej.

    Y. Łotman sugeruje, że jest to średniowieczny detektyw, a jego bohaterem jest były inkwizytor (łac. inkwizytor – śledczy i badacz jednocześnie) – to Sherlock Holmes we franciszkańskiej sutannie, który wezwany jest do rozwikłania przebiegłej zbrodni.

    Jednak w powieści W. Eco wydarzenia wcale nie toczą się według kanonów detektywa, a były inkwizytor, franciszkanin William z Baskerville, okazuje się bardzo dziwnym Sherlockiem Holmesem. Nadzieje pokładane w nim przez opata klasztoru i czytelników nie spełniają się w sposób najbardziej zdecydowany: zawsze przychodzi za późno.

    Yu Łotman pisze: „Ostatecznie okazuje się, że cała „detektywistyczna” linia tego dziwnego kryminału jest całkowicie przesłonięta innymi wątkami. Zainteresowanie czytelnika przenosi się na inne wydarzenia i zaczyna on zdawać sobie sprawę, że został po prostu oszukany, że przywołując w pamięci cienie bohatera „Psa Baskerville'ów” i jego wiernego towarzysza-kronikarza, autor zaprosił nas do wzięcia udziału udział w jednej grze, podczas gdy on sam gra zupełnie inną. To naturalne, że czytelnik próbuje się domyślić, w jaki rodzaj gry się z nim toczy i jakie są reguły tej gry. On sam znajduje się w sytuacji detektywa, ale tradycyjne pytania, które zawsze nurtują wszystkich Sherlocka Holmesa, Maigreta i Poirota: kto popełnił (popełnia) morderstwo (morderstwa) i dlaczego, są uzupełnione o wiele bardziej złożonym pytaniem: dlaczego i dlaczego przebiegły semiotyk z Mediolanu występujący w potrójnej masce: benedyktyn z prowincjonalnego niemieckiego klasztoru z XIV wieku, słynny historyk tego zakonu, ks. J. Mabillon, i jego mityczny tłumacz francuski, Abbé Vallee? Podobnie jak w przypadku powieści detektywistycznej, gdzie podane są wyraźne paralele ze słynnym „Psem Baskerville'ów”, tak iw przypadku powieści historycznej wskazane jest źródło pierwotne – „Narzeczeni” Manzoniego. Ale nawet tutaj istnieje tylko złudzenie powieści historycznej. Nie wdrożono romans, który jest zredukowany do jednego odcinka. Cała akcja rozgrywa się w tej samej ograniczonej przestrzeni – klasztorze. Znaczna część tekstu - refleksje i wnioski. To nie jest struktura powieści historycznej. Zdaniem Łotmana autor niejako otwiera przed czytelnikiem dwoje drzwi naraz, prowadzących w przeciwnych kierunkach. Na jednej napisana jest kryminał, na drugiej powieść historyczna. Otwarte dla czytelnika dwoje drzwi prowadzą, jak się okazuje, w ślepy zaułek. Przed nami model labiryntu. To nie przypadek, że obraz labiryntu zajmuje centralne miejsce w powieści. Postmodernizm będzie charakteryzował się koncepcją kłącza, jako prototypu symbolicznego labiryntu, bez wyraźnie określonego centralnego kierunku.

    Głównym elementem tej pracy będzie również tekst, który zdaniem autora wyrasta poza granice językowe i staje się całościowy. Tekst to życie monastyczne średniowiecza, to sama historia, to freski na ścianach świątyni, zwyczaje, obyczaje. Nieprzypadkowo cała intryga opiera się na poszukiwaniu zaginionej drugiej części Poetyki Arystotelesa. „Dla mnie tekst jest nieograniczony” – pisał teoretyk postmodernizmu J. Derrida. „To absolutna całość… Nie ma nic poza tekstem”. Stanowisko postmodernistycznych teoretyków, do których należy sam U. Eco, że historia i społeczeństwo są tym, co można „czytać” jako tekst, doprowadziło do postrzegania kultury ludzkiej jako jednego „intertekstu”, który służy jako pretekst do każdy nowy tekst. Dlatego w powieści Imię róży jest tak wiele różnych reminiscencji, zaczerpniętych nie tylko z klasycznego kryminału i powieści historycznej, ale także z filozofii średniowiecznej i starożytnej, współczesnej semiotyki. Tak więc według R. Bartha „każdy tekst jest intertekstem; obecne są w nim inne teksty różne poziomy w mniej lub bardziej wskazanych formach. Przez pryzmat intertekstu świat jawi się jako wielki tekst, w którym wszystko zostało już powiedziane, a nowe jest możliwe tylko na zasadzie kalejdoskopu: mieszanie się pewnych elementów daje nowe kombinacje.

    W powieści „Imię róży” dużo mówią o śmiechu i nie jest to przypadkowe. Najprawdopodobniej jest to nie tyle śmiech, ile ironia, którą w postmodernizmie nazywa się pastiszem, uosabiającym tzw. negatywny patos. Tak więc bohaterowie powieści dużo rozmawiają o śmiechu i jego miejscu kultura ludzka o tym, czy Chrystus się śmiał. Śmiechowi poświęcona jest również zagubiona część samej Poetyki Arystotelesa.

    Powieści towarzyszą Notatki na marginesie Imienia róży, w których autor błyskotliwie opowiada o procesie powstawania swojej powieści.

    Dzieło kończy łacińska fraza, która w tłumaczeniu brzmi: „Róża o tym samym imieniu – będziemy dalej z naszymi imionami”. Róża” zaczynają się od „wyjaśnienia” znaczenia tytułu.

    Jak pisze W. Eco, początkowo chciał zatytułować książkę „Opactwo zbrodni”, ale taki tytuł nastawia czytelnika na kryminał i wprowadza w konsternację tych, których interesuje tylko intryga. Tytuł „Imię róży”, zauważa U. Eco, odpowiadał mu, „ponieważ róża jest niejako symboliczną postacią tak pełną znaczeń, że prawie nie ma znaczenia ... Imię, zgodnie z zamierzeniami, dezorientuje czytelnika… Nazwa powinna mylić myśli, a nie je dyscyplinować”. Pisarz podkreśla tym samym, że tekst żyje własnym życiem, często niezależnym od niego. Stąd nowe, odmienne odczytania, interpretacje, do których powinien odnosić się tytuł powieści. I nieprzypadkowo autor umieścił ten łaciński cytat z dzieła z XII wieku na końcu tekstu, aby czytelnik mógł poczynić różne przypuszczenia, przemyślenia i porównania, oszołomiony i spierać się.

    C. Problematyka powieści „Wahadło Foucaulta”

    Niniejsza praca poświęcona jest problematyce cybernetyki, analizie poprzednika tej współczesnej nauki – średniowiecznych nauk Kabały, problematyce społeczeństwa informacyjnego, a także historii świata zakulisowego. To dziwna narracja, łącząca w sobie cechy stylistyczne traktatu naukowego i prozy artystycznej.

    „Wahadło Foucaulta” można przypisać tak zwanemu nowoczesnemu dyskursowi naukowemu, żywemu ucieleśnieniu kryzysu racjonalności, kiedy myśl naukowa celowo odrzuca język ścisłej logiki, język pojęć i terminów, i stara się wyrazić w irracjonalnych obrazy i za pomocą fascynującej fabuły.

    Powieść jest fascynującą opowieścią o narodzinach i przemianach zakonów religijnych w Europie, które radykalnie wpłynęły na wszelkie idee, wartości i wytwory rąk ludzkich – od Mozarta i Einsteina po Napoleona, rosyjską bezpiekę carską, Stalina i Hitlera, od narzędzi tortur po Wieżę Eiffla i komputery IBM.

    To nie przypadek, że powieść zbudowana jest wokół głównego bohatera – wahadła Foucaulta. Uosabia z jednej strony centrum Wszechświata, az drugiej wielką iluzję, bo w ogóle nie ma centrum. Zgodnie z postmodernistycznym paradygmatem na świecie nie ma centralnych pojęć, logiki, zasad i wartości. Świat jest tylko chaosem, a wahadło w tym sensie jest absolutnym odpowiednikiem współczesnego modelu świata chaotycznego. Z każdym pociągnięciem autor wyraźnie pokazuje kolejny stopień przewrotu świata, w którym my wszyscy – neokabaliści i postmoderniści, żebracy i bankierzy, artyści i urzędnicy, święci i grzesznicy – ​​kręcimy się w naszych sukcesach i szczegółach.

    1. Literatura zagraniczna. XX wiek: podręcznik. dla stadniny. / wyd. NP Mikhalskaya [i inni]; pod sumą wyd. N. P. Michałskaja. - M.: Drop, 2003. - S. 388-397.

    2. Kostyukovich, orbity E. Eco / E. Kostyukovich // Nazwa róży / U. Eco. - M., 1998. - S. 654-649.

    3. Łotman, D. Wyjście z labiryntu / Y. Łotman // Imię róży / W. Eco. - M.: komora księgowa, 1989. - S. 467-481.

    4. Potapova, Z. M. Włoska powieść dzisiaj / Z. M. Potapova. - M., 1977.

    5. Eco, U. Notatki na marginesach „Imię róży” / U. Eco // Nazwa róży / U. Eco. - M.: Izba Księgowa, 1989. - 496 s.

    Posępna atmosfera faszystowskiej dyktatury była silnie odzwierciedlona w literaturze włoskiej omawianego okresu. Wpływ faszyzmu objawiał się nie tylko wśród jego bezpośrednich trubadurów i apologetów, ale także wśród niektórych pisarzy, którzy byli przeciwni faszyzmowi.

    Gabriel D'Annunzio, jeden z najwybitniejszych włoskich pisarzy i poetów, który stał się powszechnie znany już w 1930 r koniec XIXw w.

    Po tym, jak został faszystą, jego kreatywność zubożyła. Z roku na rok pisał coraz mniej. Ostatnie dzieła D'Annunzia to głównie pompatyczne przemówienia i trzeszczące przemówienia publicystyczne.

    Ewolucja innego ważnego włoskiego pisarza, powieściopisarza i dramatopisarza Luigiego Pirandello przebiegała inaczej. Przyłączając się na wczesnym etapie twórczości do tzw. verismo (włoskiej odmiany naturalizmu), od początku lat 20. całkowicie zerwał z tym nurtem i zaczął rozwijać nowy, stworzony przez siebie styl, zwany „humoryzmem”.

    Pirandello uznaje niedostateczną naturalistyczną reprodukcję rzeczywistości, uważa, że ​​nie da się jej poznać za pomocą bezpośrednich, „zwykłych” środków. Świat nie jest taki sam, a osoba nie jest taka sama, jak nam się wydaje; jesteśmy obecni na tragikomicznym spektaklu, którego prawdziwy sens można zrozumieć jedynie poprzez zdarcie z jego uczestników nawykowych masek.

    Dlatego Pirandello obdarza swoich bohaterów swego rodzaju podwójnym życiem: żyją w świecie codzienności, szarej i codziennej, oraz w świecie wyobraźni, upiornym i pięknym. Granice między tym, co realne, a tym, co irracjonalne, zacierają się, codzienność jawi się jako coś nielogicznego i niezrozumiałego, a świat marzeń i fikcji nabiera całkiem realnych konturów.

    Wątek „twarzy i maski”, świata realnego i świata wyobrażonego rozwijał pisarz w wielu swoich utworach różnych gatunków – w opowiadaniach z ostatnich tomów obszernego cyklu „Powieści w rok”, w powieść „Jeden, nie jeden, sto tysięcy”, a zwłaszcza w dramaturgii. .

    Paradoksalna forma służyła w nich ujawnieniu prawdziwego oblicza postaci, a czasem bardzo ostrej treści społecznej, obnażeniu mieszczańskiej moralności.

    W przyszłości, w opresyjnej atmosferze faszystowskiej dyktatury, dzieło Pirandella nabiera cech pojednania z otaczającą rzeczywistość. W jego późne sztuki(„Nowa kolonia”, „Legenda o synu odmieńca”) niemal całkowicie znikają kwestie społeczne, a bohaterowie zamieniają się w abstrakcyjne symbole.

    Obóz antyfaszystowski we Włoszech nie był tak szeroki i monolityczny jak w niemieckim środowisku literackim. Wiele znaczących dzieł stworzył najwybitniejszy antyfaszystowski pisarz Giovanni Germanetto, który wyemigrował z kraju po przejęciu władzy przez Mussoliniego.

    Najlepsze z nich (przede wszystkim jego opowiadanie The Barber's Notes) poświęcone są włoskiej klasie robotniczej i jej walce wyzwoleńczej. Ważny w twórczości Germanetto był obraz ideologicznej formacji i rozwoju rewolucyjnego bojownika.

    Ukryty protest przeciwko faszyzmowi znalazł odzwierciedlenie w twórczości Alberto Moravia, Francesco Iovine, Cesare Pavese i kilku innych młodych pisarzy. Łączyło ich zainteresowanie losami inteligencji w społeczeństwie kapitalistycznym, jej ideologiczne poszukiwania.

    Zubożenie i nędza klasy uprzywilejowanej zostały przedstawione w powieści Moravii Obojętny ; podłość interesów środowiska burżuazyjnego - w książce Jovine'a "The Fickle Man"; niezadowolenie inteligencji jest w książce Pavese'a Ciężka praca.

    Wszystkie te prace zostały napisane z wielkim mistrzostwem psychoanalizy i spotkały się z bardzo wrogą oficjalną krytyką, gdyż zdzierały maskę z wyimaginowanego dobrobytu, który rzekomo panował w faszystowskim „pokoleniu nowych Rzymian”.

    Jednak oprócz ducha sprzeciwu w twórczości tych pisarzy pojawiały się także nastroje pesymizmu i sceptycyzmu, niepewność co do możliwości walki ze złem.

    Literatura włoska zajmuje ważne miejsce w kulturze Europy. Stało się tak pomimo faktu, że sam język włoski uzyskał literackie zarysy dość późno, około lat pięćdziesiątych XII wieku. Wynikało to z silnego wpływu łaciny we Włoszech, gdzie była ona najczęściej używana. Szkoły, które miały przeważnie charakter świecki, wszędzie nauczały łaciny. Dopiero gdy udało się pozbyć tego wpływu, zaczęła się kształtować autentyczna literatura.

    renesans

    Pierwsze słynne dzieła literatury włoskiej sięgają renesansu. Kiedy sztuka rozkwita w całych Włoszech, literatura z trudem za nią nadąża. Do tego okresu należy jednocześnie kilka znanych na całym świecie nazwisk - Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Dante Alighieri. W tym czasie Włoch literatura francuska Renesans nadaje ton całej Europie. I to nie jest zaskakujące.

    Dante jest słusznie uważany za twórcę włoskiego języka literackiego. Żył i tworzył na przełomie XIII-XIV wieku. Jego najsłynniejszym dziełem była Boska komedia, która zawierała pełną analizę kultury późnego średniowiecza.

    W literaturze włoskiej Dante pozostał poetą i myślicielem, który nieustannie szukał czegoś zasadniczo nowego i odmiennego od codziennego życia. Miał muzę, którą wielbił o imieniu Beatrice. Ta miłość w końcu nabrała tajemniczego, a nawet mistycznego znaczenia. W końcu wypełnił nim każde ze swoich dzieł. Wyidealizowany obraz tej kobiety jest jednym z kluczowych w twórczości Dantego.

    Sława przyszła do niego po wydaniu opowiadania „Nowe życie”, które opowiadało o miłości, która odnowiła głównego bohatera, zmuszając go do innego spojrzenia na wszystko wokół. Składał się z kanzonów, sonetów i opowiadań prozą.

    Dante poświęcił też wiele czasu traktatom politycznym. Ale jego głównym dziełem jest nadal Boska Komedia. To wizja życia pozagrobowego, gatunek bardzo popularny w ówczesnej literaturze włoskiej. Wiersz jest alegoryczną budowlą, w której gęsty las, gdzie główny bohater, reprezentuje ludzkie grzechy i złudzenia, a najsilniejszymi namiętnościami są pycha, zmysłowość i własny interes.

    Postać " Boska komedia„wraz z przewodnikiem udaje się w podróż przez piekło, czyściec i raj.

    Najbardziej kompletny obraz pisarzy i dzieł tego kraju można skompilować z encyklopedii Mokulsky'ego. Literatura włoska na podstawie tego opracowania ukazuje się w całej okazałości.

    Jednym z najbardziej znanych poetów lirycznych we Włoszech jest Francesco Petrarka. Żył w XIV wieku, był wybitnym przedstawicielem pokolenia humanistów. Ciekawe, że pisał nie tylko w Włoski ale także po łacinie. Co więcej, światową sławę zyskał właśnie dzięki poezji włoskiej, którą za życia traktował z pewną dozą pogardy.

    W pracach tych regularnie nawiązuje do swojej ukochanej o imieniu Laura. Czytelnik z sonetów Petrarki dowie się, że po raz pierwszy spotkali się w kościele w 1327 roku, a dokładnie 21 lat później jej już nie było. Nawet po tym Petrarka śpiewał ją przez dziesięć lat.

    Oprócz wierszy poświęconych miłości do Laury, te włoskie cykle zawierają utwory o charakterze religijnym i politycznym. Włoska literatura renesansu jest postrzegana przez wielu przez pryzmat poezji Petrarki.

    Jeszcze jeden jasny przedstawiciel Kropka włoski renesans w literaturze - Giovanni Boccaccio. Miał znaczący wpływ na rozwój m.in kultura europejska z ich dziełami. Boccaccio napisał wiele wierszy opartych na tematach ze starożytnej mitologii, aktywnie wykorzystywał gatunek opowieści psychologicznej w swojej twórczości.

    Jego głównym dziełem był zbiór opowiadań „Dekameron”, jedno z najbardziej uderzających dzieł włoskiej literatury renesansu. Opowiadania w tej książce, jak zauważają krytycy, są nasycone humanistycznymi ideami, duchem wolnej myśli, humorem i pogodą ducha, odzwierciedlają pełną paletę współczesnego autorowi włoskiego społeczeństwa.

    Dekameron to zbiór 100 historii opowiadanych sobie przez siedem pań i 13 mężczyzn. Podczas zarazy, która ogarnęła kraj, uciekają do odległej posiadłości na wsi, gdzie spodziewają się przeczekać epidemię.

    Wszystkie historie przedstawione są łatwym i eleganckim językiem, narracja tchnie różnorodnością i życiową prawdą. Boccaccio wykorzystuje w tych opowiadaniach wiele technik artystycznych, przedstawiając ludzi o różnym charakterze, wieku i kondycji.

    Miłość, którą maluje Boccaccio, zasadniczo różni się od wyobrażeń o nim romantyczny związek z Petrarką i Dantem. Giovanni ma palącą pasję, która graniczy z erotyką, odrzucając ustalone wartości rodzinne. Literatura włoskiego renesansu jest w dużej mierze oparta na Dekameronie.

    Wielki wpływ odegrali także pisarze innych państw. Włoska i francuska literatura renesansu rozwijała się bardzo szybko i dynamicznie, reprezentowana także przez takie nazwiska jak Pierre de Ronsard i wielu innych.

    XVII wiek

    Kolejnym ważnym etapem jest rozwój literatury włoskiej XVII wieku. W tym czasie w kraju istniały dwie szkoły – pindarystów i pejzaży morskich. Na czele marinistów stoi Giambattista Marino. Jego najbardziej znanym dziełem jest wiersz „Adonis”.

    Drugą szkołę literatury w języku włoskim założył Gabriello Chiabrera. Był bardzo płodnym autorem, spod którego pióra wyszła duża liczba sztuk pasterskich, epickich poematów i odów. W tym samym rzędzie trzeba wspomnieć o poecie Vincenzo Filicaia.

    Co ciekawe, zasadnicza różnica między tymi szkołami polega na trikach technicznych i kwestiach związanych z formą pracy.

    Mniej więcej w tym samym czasie w Neapolu pojawia się krąg, z którego wyłania się Akademia Arkadyjska, do której uczęszcza wielu znani poeci i satyryków tego okresu.

    W XVIII wieku, po okresie pewnego zastoju, narodził się błyskotliwy przedstawiciel włoskiej literatury klasycznej, dramaturg i librecista. Na swoim koncie ma ponad 250 spektakli.

    Światową sławę Goldoni przynosi komedii „Sługa dwóch panów”, która do dziś znajduje się w repertuarze wielu teatrów na całym świecie. Wydarzenia tej pracy rozgrywają się w Wenecji. Głównym bohaterem jest Truffaldino, łobuz i oszust, któremu udało się uciec z biednego miasteczka Bergamo do bogatej i odnoszącej sukcesy Wenecji. Tam zostaje zatrudniony jako służący Signora Rasponiego, który w rzeczywistości jest dziewczyną w przebraniu Beatrice. W przebraniu zmarłego brata stara się odnaleźć swojego kochanka, który przez pomyłkę i niesprawiedliwość zostaje oskarżony o morderstwo i zmuszony do ucieczki z Wenecji.

    Truffaldino, który chce zarobić jak najwięcej, służy jednocześnie dwóm panom i początkowo udaje mu się to.

    Giacomo Leopardiego

    W XIX wieku literatura włoska nadal się rozwija, ale nie ma wielkich nazwisk, takich jak Dante czy Goldoni. Możemy zwrócić uwagę na romantycznego poetę Giacomo Leopardiego.

    Jego wiersze były bardzo liryczne, choć pozostawił po sobie bardzo niewiele – kilkadziesiąt wierszy. Po raz pierwszy ujrzeli światło dzienne w 1831 roku pod singlem zatytułowanym „Songs”. Wiersze te były całkowicie przepojone pesymizmem, który zabarwił całe życie samego autora.

    Leopardi ma nie tylko poezję, ale także prozę. Na przykład „Eseje moralne”. Tak nazywa się jego esej filozoficzny, a także formułuje swój światopogląd w „Dzienniku refleksji”.

    Całe życie poszukiwał i niezmiennie doświadczał rozczarowań. Twierdził, że potrzebuje miłości, pożądania, ognia i życia, ale na wszystkich pozycjach był rozbity. Poeta przez większość życia był niepełnosprawny, nie mógł więc w pełni współpracować z uczelniami zagranicznymi, choć regularnie to oferowały. Dręczyła go również myśl, że chrześcijaństwo jest tylko iluzją. A ponieważ Leopardi był z natury mistyczną naturą, często znajdował się przed bolesną pustką.

    W poezji przedstawiał poczucie prawdy i naturalne piękno, będąc zwolennikiem idei Rousseau.

    Leopardi był często nazywany wcielonym poetą światowego smutku.

    Raffaello Giovagnoli

    Klasyka literatury włoskiej zaczęła nabierać kształtu pod koniec XIX wieku. Włoski historyk i powieściopisarz składa hołd gladiatorowi o tym samym imieniu, który przewodzi powstaniu niewolników, które miało miejsce w Starożytny Rzym. Warto zauważyć, że ta postać jest bardzo realna.

    Ponadto sama narracja Giovagnoliego, oprócz historycznych prawd i faktów, przeplatana jest wątkami lirycznymi, które tak naprawdę nie istniały. Na przykład u włoskiego pisarza Spartak zakochuje się w patrycjuszu Valerii, który traktuje go przychylnie.

    W tym samym czasie kurtyzana z Grecji, Eutibida, zakochana jest w samym Spartakusie, którego miłość bohater kategorycznie odrzuca. W rezultacie to urażony Eutibida odgrywa jedną z decydujących ról w pokonaniu armii Spartakusa i jego dalszej śmierci.

    Końcówka jest bardzo wiarygodna. Powstanie niewolników zostało rzeczywiście brutalnie stłumione, a Spartakus zabity.

    Wielki wkład w rozwój włoskiej literatury dziecięcej wnieśli pisarze z południa kraju. Na przykład dziennikarz Carlo Collodi pisze słynną bajkę „Przygody Pinokia. Historia drewnianej lalki”. W Rosji, oczywiście, jest lepiej znany w interpretacji Aleksieja Nikołajewicza Tołstoja, który napisał Złoty klucz lub Przygody Pinokia.

    Sam Collodi, pochodzący z Florencji, gdy we Włoszech toczyła się wojna o niepodległość (1848 i 1860), zgłosił się na ochotnika do armii Toskanii.

    W literaturze włoskiej XX wieku wyraźnie wyróżnia się na tle innych, jest włoskim dramaturgiem i pisarzem, laureatem literackiej Nagrody Nobla w 1934 roku. Współczesna literatura włoska w osobie Pirandella to fascynująca i pomysłowa narracja, za pomocą której autor jednocześnie ożywia scenę i dramat.

    Absurd ma wielki wpływ na autora. Spektakl ten ukazuje sprzeczności, jakie powstają między życiem codziennym a sztuką, na tym przykładzie ukazuje dramat społeczny ludzi, którzy nie są w stanie oprzeć się maskom narzuconym im przez społeczeństwo. Oni sami tylko żądają od autora, by napisał dla nich sztukę.

    Spektakl dzieli się na plan rzeczywisty i fantastyczny. W pierwszym grają bohaterowie jeszcze nienapisanej sztuki, w drugim już widz dowiaduje się o tragedii, która ich spotkała.

    Pirandello rozpoczął swoją działalność literacką jako autor popularnego w 1889 roku zbioru Radosny ból. W wielu jego wczesnych wierszach łączy się chęć pokazania innym swojego wewnętrznego świata, a także duchowy bunt przeciwstawiający się beznadziejności otaczającego życia. W 1894 roku pisarz wydał zbiór opowiadań „Miłość bez miłości”, a następnie zbiór „Powieści na rok”, w których starał się połączyć ukazanie wewnętrznego świata małego człowieka z jego duchowym wewnętrznym buntem przeciwko beznadziejnemu życiu. W rezultacie niektóre z utworów stały się podstawą kilku sztuk Pirandella.

    Pisarz wszedł do literatury jako autor opowiadający o życiu małych miasteczek i wsi na Sycylii, ukazujący warstwy społeczne zamieszkującej je ludności. Na przykład w słynnych opowiadaniach „Błogosławieństwo” i „Szczęście” wyśmiewa przedstawicieli duchowieństwa, którzy ukrywają swoją chciwość za ostentacyjnym miłosierdziem.

    W niektórych swoich pracach celowo odchodzi od włoskiego tradycjonalizmu. Tak więc w opowiadaniu skupia się „Czarny szal”. portret psychologiczny oraz poczynań głównej bohaterki, która jest starą panną, która postanowiła ułożyć sobie życie, nie bacząc na potępienie innych. Jednocześnie autor momentami ostro krytykuje porządek społeczny, w którym ludzie są gotowi zrobić wszystko dla zysku. Taka krytyka instytucje publiczne są wyeksponowane w opowiadaniu „Ciasny frak”, w którym profesor zostaje zaproszony na ślub swojej uczennicy. Staje się świadkiem tego, jak z powodu uprzedzeń społecznych bliskie jest zniszczenie przyszłego życia osobistego dziewczyny.

    Podobny bunt opisano w pracy „Gwizdek pociągu”. W centrum opowieści znajduje się księgowy, który pod wpływem chwilowego impulsu odczuwa niezadowolenie ze swojego życia. Marząc o podróżach i tułaczkach, rozumie, jak nieważne jest życie wokół niego, unosi się do iluzoryczny świat w którym w końcu traci rozum.

    Pojawiają się w dziele Pirandella i motywy polityczne. Tak więc w opowiadaniach „Głupiec” i „Jego Królewska Mość” pokazane są subtelne intrygi polityczne, pokazując jednocześnie, jak często są one małostkowe.

    Często przedmiotem krytyki jest sprzeczności społeczne. W opowiadaniu „Wachlarz” główną bohaterką jest biedna wieśniaczka, którą porzuciła ukochana osoba, a kochankę po prostu okradziono. Myśli, że samobójstwo to jedyny sposób na rozwiązanie wszystkich jej problemów.

    Jednocześnie Pirandello pozostaje humanistą, dając główne miejsce w swojej twórczości rzeczywistości ludzkich uczuć. Krótka historia „Wszystko jest jak u porządnych ludzi” opowiada o tym, jak bohater podbija swoją ukochaną bezinteresowna miłość wybaczając nawet zdradę, której się dopuściła.

    Sam Pirandello często woli zagłębiać się w psychologię swoich bohaterów, krytykując rzeczywistość społeczną i posługując się taką techniką jak groteska. Bohaterowie ukazani są w maskach społecznych, które w toku akcji muszą zrzucić. Na przykład w opowiadaniu „Some Commitments” główny bohater zostaje zdradzony przez żonę. Jej kochanek jest urzędnikiem gminy, do którego przychodzi poskarżyć się na niewierność żony. A kiedy dowiaduje się całej prawdy, nie tylko wybacza żonie, ale także pomaga jej kochankowi. W rzeczywistości, jak rozumie czytelnik, nigdy nie był zazdrosny o żonę, a jedynie przywdział społeczną maskę urażonego i oszukanego męża. Kochanek też nosił maskę, ale już zacnego urzędnika.

    Pirandello bardzo dyskretnie posługuje się groteską w swoich utworach. Na przykład w opowiadaniu „W milczeniu” ujawnia się tragedia młodego człowieka, który zna całe okrucieństwo świata, co prowadzi go do smutnego, a nawet tragicznego zakończenia. Jest zmuszony popełnić samobójstwo i zabić młodszego brata.

    W sumie Pirandello napisał sześć powieści podczas swojej kariery literackiej. W Nędznikach krytykuje społeczne uprzedzenia i społeczeństwo, przedstawiając kobietę, która sama stara się stać obiektem krytyki ze strony innych.

    A w swojej najsłynniejszej powieści, The Late Mattia Pascal, ukazuje wyłaniającą się sprzeczność między prawdziwym obliczem człowieka żyjącego we współczesnym społeczeństwie a jego społeczną maską. Jego bohater postanawia rozpocząć życie czysta karta, układając wszystko tak, aby inni uważali go za zmarłego. Ale w rezultacie przybiera tylko nową skorupę, zdając sobie sprawę, że życie poza społeczeństwem jest niemożliwe. Zaczyna być po prostu rozdarty między sobą prawdziwym a fikcyjnym, co symbolizuje przepaść między rzeczywistością a ludzką percepcją.

    Prezentowana jest literatura włoska XXI wieku sławny pisarz, nasz współczesny Niccolò Ammaniti. Urodził się w Rzymie, studiował na Wydziale Biologii, ale nigdy go nie ukończył. Mówią, że jego Praca dyplomowa stanowiły podstawę jego pierwszej powieści, zatytułowanej „Gills”. Powieść ukazała się w 1994 roku. Opowiada o chłopcu z Rzymu, u którego zdiagnozowano guza. Niemal wbrew swojej woli trafia do Indii, gdzie nieustannie znajduje się w najróżniejszych, często nieprzyjemnych sytuacjach. W 1999 roku powieść została sfilmowana, ale film nie odniósł dużego sukcesu.

    W 1996 roku ukazał się zbiór opowiadań pisarza pod ogólnym tytułem „Brud”, wśród których znalazły się tak znane dzieła jak „ Ostatni rok ludzkości”, „Żyć i umrzeć w Prenestine”. Na podstawie opowiadania „Nie będzie wakacji”, powstał także film, w którym główną rolę zagrała Monica Bellucci. Generalnie wiele prac Ammanitiego ma wielokrotnie filmowano.

    W 1999 roku współczesny włoski pisarz wydał kolejną ze swoich powieści: „Odbiorę cię i zabiorę”. Jej akcje toczą się w fikcyjnym mieście położonym w środkowych Włoszech. Ale prawdziwa chwała przychodzi do niego w 2001 r. Zagrzmiał swoją powieścią „Nie boję się”. Dwa lata później sfilmował go reżyser Gabriele Salvatores.

    Wydarzenia tej pracy rozgrywają się w latach 70. XX wieku. W odległej włoskiej prowincji mieszka 10-letni Michele, który spędza całe lato grając w gry z przyjaciółmi.

    Pewnego dnia znajdują się w pobliżu opuszczonego domu, w którym znajduje się tajemniczy dół, przykryty pokrywą. Nie mówiąc o niej nikomu, następnego dnia Michele wraca do swojego znaleziska, znajdując tam chłopca siedzącego na łańcuchu. Zaopatruje tajemniczego więźnia w chleb i wodę. Dzieci poznają się. Okazuje się, że chłopiec ma na imię Filippo, został porwany dla okupu. Michele dowiaduje się, że zbrodnię zorganizowała grupa dorosłych, w tym jego własny ojciec.

    Wielokrotnie Ammaniti urzeka czytelników tak pasjonującymi historiami, ilustrującymi, jaka może być współczesna literatura włoska. Pisze nie tylko książki, ale także scenariusze. Tak więc w 2004 roku na podstawie jego historii ukazał się film „Vanity Serum”. W 2006 roku krytycy niekonsekwentnie zareagowali na jego nową powieść As God Commands. Ale jednocześnie praca zyskuje aprobatę społeczności czytelników, a nawet Nagrodę Stregi. W 2008 roku ukazał się film o tym samym tytule, który ponownie wyreżyserował Salvatores.

    W 2010 roku Ammaniti napisał powieść „Ja i Ty”, którą Bernardo Bertolucci już teraz ożywia na ekranie. Co więcej, mistrz wraca do kręcenia filmu po 7 latach przerwy, interesując się fabułą Ammaniti.

    Wśród jego najnowszych dzieł należy wyróżnić popularny zbiór opowiadań „Delikatny moment” i powieść „Anna”, która stała się siódmą w jego twórczej biografii.

    Udział Włoch w I wojnie światowej po stronie Ententy pogłębił już ostre sprzeczności w kraju o zacofanej strukturze społeczno-gospodarczej, odwiecznych nierozwiązanych problemach i biedzie, jakimi były Włochy końca XIX wieku. To pobudza ruch rewolucyjny, prestiż partii socjalistycznej. W 1921 roku we Włoszech powstała Partia Komunistyczna. Jednak rok później do władzy doszedł Mussolini i ustanowił w kraju faszystowski reżim dyktatorski, który wszedł do historii Włoch pod nazwą „Czarna dwudziestka”. Kultura została podporządkowana polityce i totalitaryzmowi, co doprowadziło do polaryzacji inteligencji, z której większość nie akceptowała faszyzmu. W trakcie lata powstały w niewoli „Zeszyty więzienne” Antonio Gramsci(1891-1937), który stworzył podstawy kultury ludowo-demokratycznej i estetyki marksistowskiej.

    Wielu pisarzy, którzy nie chcieli śpiewać o faszyzmie, kryło się za pojęciami „sztuki czystej”, tzw. „prozą artystyczną” i obecnym „hermetyzmem” (wł. poesia ermetica), który rozwinął się pod koniec lat dwudziestych. „Hermetycy” skupiali się na doznaniach kameralnych i subiektywnych, zaszyfrowanej poetyce. Ich prace są proste w formie. Starali się przede wszystkim wyrazić uczucia, a nie myśli do przekazania ukryty świat Stany umysłowe. Dołączone do „uszczelniaczy” Eugeniusz MONTALE(1896-1981) - laureat Nagrody Nobla w 1975 r., Giuseppe UNGARETTI(1888-1970), Umberto SABA(1883-1957).

    Zaszyfrowane obrazy asocjacyjne są typowe dla „Zabawy rozbitków” (1932) i „Poczucia czasu” (1933) Ungaretti, „Wypadki” (1939) Montale. Ungaretti własne linie, które oddają „hermetyczne poczucie świata”:

    Ale moje krzyki ranią jak błyskawica Ochrypły dzwon niebios I załamuję się z przerażenia. (Przetłumaczone przez E. Solonowicza)

    Poezja Umberto Saby, jedynego z wielkich artystów, który wymknął się awangardowym poszukiwaniom, należy do klasycznej tradycji narodowej. Jest wierny rzeczywistości, szczęśliwym wymiarom tego, czego doświadczył w dzieciństwie. Jasny, bezchmurny wiersz poety jest rodzajem ochrony osoby, radości i piękna przed „otchłanią” rozpaczy:

    Słowa, w których kiedyś odbijało się ludzkie serce - nagie i zaskoczone. Chciałabym znaleźć dla siebie zakątek na świecie, żyzną oazę, w której mogłabym Cię łzami oczyścić z wszechoślepiającego kłamstwa. I tam i wtedy stopiłby się, jak śnieg w słońcu, smutek, który na zawsze żyje w pamięci. (Przetłumaczone przez E. Solonowicza)

    U początków dojrzałej liryki włoskiej – „Pieśni orfickie” wydane w 1914 roku KAMPANIE Dino(1885-1932), jedyny zbiór poety, nazwany „włoskim Rimbaudem” ze względu na jego włóczęgostwo i chaotyczne życie.

    Poeta Salvatore QUASIMODO(1901-1968), laureat Nagrody Nobla z 1959 roku, zajął się poezją w latach trzydziestych, podążając zarówno za hermetyzmem, jak i poezją hellenistyczną, którą tłumaczył (zbiory „Woda i Ziemia”, „Erato i Apollo”). Gwałtowny zwrot odnotowały jego wiersze z okresu konspiracji, odzwierciedlające nowy patos walki partyzanckiej („I nagle nadszedł wieczór”, 1942; „Życie nie jest snem”, 1949). Wiersze Quasimodo są zwięzłe i wyraziste:

    Noc się skończyła, a księżyc rozpływa się w lazur, odpływając poza kanały. Wrzesień jest tu wytrwały na równinie, a jego jesienne łąki są zielone, jak południowe wiosenne doliny. Zostawiłem moich towarzyszy i zakopałem serce w starym murze, by pamiętać o tobie samym. Och, jak daleko jesteś od księżyca, kiedy w oczekiwaniu na świt stukot kopyt po bruku! (Przetłumaczone przez L. Martynov)

    Kultura początku wieku przezwycięża kryzys wartości moralnych, duchowych i estetycznych. Na gruzach romantycznych ideałów Risorgimento i upadku fundamentów pozytywizmu popularność zyskuje filozofia idealistyczna, intuicjonizm i agnostycyzm. Asymilacja idei Nietzschego na włoskim gruncie ma swoją specyfikę. Ideologia nacjonalistyczna przenika kulturę, zabarwia włoską awangardę, zwłaszcza futuryzm. Ogromne znaczenie w reorientacji całej kultury włoskiej miała koncepcja estetyczna Benedetto CROCE (1866-1952). Opierając się na założeniu, że „sztuka to czysta intuicja”, sytuowała się między intuicjonizmem a pozytywizmem.

    Włoska dekadencja, zastąpiona przez awangardę, rozwija się dość intensywnie, jakby próbowała dogonić inne kraje europejskie. Splatają się w nim przeciwstawne tendencje: „poezja krwi i żelaza” jako reakcja na XX wiek oraz chęć ukrycia się przed chaosem stulecia i hukiem dział w spokojnym, prowincjonalnym życiu. Główne mity i maski dekadencji we Włoszech stworzył Gabriele D”ANNUZIO (1863-1938), poeta, prozaik, dramaturg. Jego opowiadania, które ukazały się pod koniec wieku i zostały opublikowane później pod ogólnym tytułem „Powieści Pescari” (1902) charakteryzują się eklektyzmem; można w nich rozpoznać doświadczenie weryzmu i naturalizmu Zoli, analizę psychologiczną Maupassanta i zderzenia moralno-psychologiczne Dostojewskiego; jest w nich dużo okrutnego fanatyzmu i silne pragnienie wyrafinowanych uczuć.

    W powieściach D'Annunzio „Triumf śmierci” (1894) i „Płomień” (1900) mit nadczłowieka i zdobywcy, który wcześniej znalazł miejsce w jego zbiorach poetyckich („Elegie rzymskie”, 1892) , jest zaakcentowane.Piękne przykłady liryków zawierają najlepszą kreację poetycką pisarza - cykl "Pieśni chwały Niebu, Morzu, Ziemi, Bohaterom" (1903-1912), składający się z pięciu ksiąg. najnowsza powieść D „Annunzio, pisane przed wojną „Może – tak, może – nie” (1910), raczej słabe artystycznie, ale istotne dla zrozumienia ewolucji pisarza, wyrażało zachwyt nad techniką i szybkością. Od „nadczłowieka”, rozkoszującego się w ataku torpedowym, niedaleko oficjalnego poety faszyzmu, któremu rząd Mussoliniego nadał tytuł książęcy w 1924 roku, oraz idola nacjonalistycznej młodzieży.



    Podobne artykuły
     
    Kategorie
    Materiał wideo
    Popularny
    Nowy