Poemat symfoniczny. Pojęcie to pojawiło się w sztuce muzycznej w 1854 roku: Węgierski kompozytor Franciszek Liszt zdefiniował „poemat symfoniczny” dla swojego utworu orkiestrowego „Tasso”, pierwotnie pomyślanego jako uwertura. Tą definicją chciał podkreślić, że Tasso to nie tylko oprogramowanie kompozycja muzyczna. Treścią niezwykle ściśle wiąże się z poezją. Liszt napisał później dwanaście kolejnych poematów symfonicznych. Najbardziej znanym z nich są Preludia. Na podstawie jej wiersza francuski poeta- Romans Lamartine'a „Preludia” (dokładniej „Preludia”), w którym całe życie ludzkie postrzegane jest jako ciąg epizodów – „preludiów” prowadzących do śmierci.
Dzieło Liszta rozwinęło też najbardziej charakterystyczną dla poematu symfonicznego formę: swobodną, ale z wyraźnymi cechami cykl symfoniczny, jeśli jest wykonywany bez przerwy między częściami - strona. W poszczególnych epizodach poematu symfonicznego występuje podobieństwo do głównych odcinków formy sonatowej: głównej i strony poboczne ekspozycja, opracowanie i repryza. A jednocześnie poszczególne epizody wiersza można postrzegać jako części symfonii.
Po Liszcie wielu kompozytorów zwróciło się ku stworzonemu przez niego gatunkowi. Klasyk muzyki czeskiej Bedřich Smetana ma cykl poematów symfonicznych, które łączy wspólny tytuł „Moja ojczyzna”. Uwielbiałem ten gatunek niemiecki kompozytor Richarda Straussa. Powszechnie znane są jego Don Juan, Don Kichot, Wesołe sztuczki Tilla Ulenspiegla. Fiński kompozytor Jean Sibelius napisał poemat symfoniczny „Kalevala”, oparty na źródło literackie, leży fińska epopeja ludowa. Kompozytorzy rosyjscy woleli nadawać swoim utworom orkiestrowym tego typu inne definicje: uwertura fantasy, ballada symfoniczna, uwertura, obraz symfoniczny.
Gatunek obrazu symfonicznego, powszechny w muzyce rosyjskiej, ma pewne różnice. Jego programowanie nie jest związane z fabułą, ale rysuje pejzaż, portret, gatunek lub scenę batalistyczną. Chyba wszyscy znają takie obrazy symfoniczne, jak „Sadko” Rimskiego-Korsakowa, „W Azji Środkowej” Borodina, „Baba Jaga”, „Kikimora” i „Czarodziejskie jezioro” Lyadova. Inna odmiana tego gatunku – fantastyka symfoniczna – również uwielbiana przez kompozytorów rosyjskich, wyróżnia się większą swobodą konstrukcyjną, często obecnością elementów fantastycznych w programie.
Symfonia. Wśród wielu gatunków muzycznych jedno z najbardziej zaszczytnych miejsc zajmuje symfonia. Zawsze, od chwili powstania aż po dzień dzisiejszy, z wyczuciem odzwierciedlała swoje czasy: symfonie Mozarta i Beethovena, Berlioza i Mahlera, Prokofiewa i Szostakowicza są refleksje nad epoką, nad człowiekiem, nad drogami świata i życia na ziemi. Symfonia jako niezależny gatunek muzyczny powstała stosunkowo niedawno, jakieś dwa i pół wieku temu. Jednak w tym historycznie krótkim okresie przebył długą drogę.
Słowo symfonia w tłumaczeniu z języka greckiego oznacza po prostu współbrzmienie. W starożytnej Grecji tak nazywano przyjemne połączenie dźwięków. Później zaczęto oznaczać albo orkiestrę, albo wstęp do suity tanecznej. Termin ten na początku XVIII wieku zastąpił obecne pojęcie uwertury. Pierwsze symfonie w obecnym znaczeniu pojawiły się w środkowej Europie w drugiej połowie XVIII wieku. A miejsce i czas jej narodzin nie są przypadkowe. Powstałe jednocześnie w różnych częściach Europy, w trzewiach starych, ukształtowanych wcześniej form muzycznych – suity tanecznej i uwertura operowa, symfonia ostatecznie powstała w krajach języka niemieckiego – strona. we Włoszech sztuka narodowa była opera. W przedrewolucyjnej Francji, nasyconej już atmosferą wolnej myśli i buntu, na pierwszy plan wysunęły się inne sztuki. Takie jak literatura, malarstwo i teatr - bardziej konkretne, bezpośrednio i zrozumiale wyrażające nowe idee, które niepokoją świat. Kiedy kilka dekad później przyszło do muzyki, pieśń „Carmagnola” i „Marsylianka” wkroczyła w szeregi wojsk rewolucyjnych jako pełnoprawny bojownik.
Symfonia jest nadal najbardziej złożonym ze wszystkich rodzajów muzyki niezwiązanych z innymi sztukami.- wymagała innych warunków do jej powstania, do pełnego postrzegania: wymagała refleksji, uogólnienia - praca spokojna i skoncentrowana. To nie przypadek, że centrum myśli filozoficznej, odzwierciedlającej przemiany społeczne w Europie końca XVIII wieku, znalazło się właśnie w Niemczech, z dala od społecznych burz. W tym samym czasie rozwinęły się bogate tradycje w Niemczech i Austrii. muzyka instrumentalna. Stąd wzięła się symfonia. Wywodzi się z twórczości kompozytorów czeskich i austriackich, aw ostatecznej formie. nabyte w dziele Haydna, aby rozkwitnąć wraz z Mozartem i Beethovenem. Ta klasyczna symfonia (Haydn, Mozart i Beethoven weszli do historii muzyki jako „klasycy wiedeńscy”, gdyż większość ich twórczości związana jest z tym miastem) rozwinęła się jako cykl czterech części, w których ucieleśniono różne stronyżycie człowieka.
Pierwsza część symfonii- szybki, aktywny, czasem poprzedzony powolnym wstępem. Jest napisany w formie sonatowej.
Druga część- powolny - zwykle zadumany, elegijny lub sielankowy, czyli poświęcony spokojnym obrazom natury, spokojnemu odpoczynkowi lub snom. Są części drugie i żałobne, skoncentrowane, głębokie.
Trzecia część symfonii- menuet, a później z Beethovenem i scherzo. To jest gra, zabawa, zdjęcia na żywo życie ludowe, fascynujący okrągły taniec...
Finał- to wynik całego cyklu, konkluzja ze wszystkiego, co zostało pokazane, przemyślane, odczute w poprzednich częściach. Często finał jest afirmujący życie, uroczysty, zwycięski lub uroczysty.
W ogólnym schemacie symfonie różnych kompozytorów są bardzo różne. O ile więc symfonie Haydna są w większości bezchmurne, radosne i tylko w nielicznych ze 104 dzieł tego gatunku, które stworzył, pojawiają się tony poważne lub smutne, o tyle symfonie Mozarta są znacznie bardziej indywidualne, postrzegane niekiedy jako prekursory sztuki romantycznej – strona . Symfonie Beethovena pełne są obrazów walki. W pełni odzwierciedlały czas - epokę Wielkiego rewolucja Francuska, wzniosłe, obywatelskie idee inspirowane nią. Symfonie Beethovena są monumentalne dzieła pod względem głębi treści, rozmachu i siły uogólnienia nie ustępują operze, dramatowi, powieści. Wyróżnia ich głęboki dramatyzm, heroizm, patos. Ostatnia z symfonii Beethovena, Dziewiąta, zawiera chór śpiewający entuzjastyczny i majestatyczny hymn „Uściski, miliony” do wersetów ody Schillera „Do radości”. Kompozytor maluje tu majestatyczny obraz wolnej, radosnej ludzkości, dążącej do powszechnego braterstwa.
W tym samym czasie co Beethoven, w tym samym Wiedniu żył inny wspaniały austriacki kompozytor, Franz Schubert. Jego symfonie brzmią jak liryczne wiersze, jak głęboko osobiste, intymne wypowiedzi. z Schubertem w muzyka europejska, w gatunku symfonicznym pojawił się nowy nurt - romantyzm. Przedstawicielami muzycznego romantyzmu w symfonii są Schumann, Mendelssohn, Berlioz. Jako pierwszy stworzył Hector Berlioz, wybitny kompozytor francuski Symfonia programowa , pisząc dla niej program poetycki w formie opowiadania o życiu artystki.
Symfonia w Rosji to przede wszystkim Czajkowski. Jego kompozycje symfoniczne to pasjonujące, pasjonujące opowieści o walce człowieka o życie, o szczęście. Ale to także Borodin: jego symfonie wyróżniają się epickim rozmachem, mocą i prawdziwie rosyjskim zasięgiem. Są to Rachmaninow, Skriabin i Głazunow, którzy stworzyli osiem symfonii - pięknych, jasnych, zrównoważonych. Symfonie D. Szostakowicza uosabiają wiek XX z jego burzami, tragediami i dokonaniami. Odzwierciedlają wydarzenia z naszej historii i obrazy ludzi – współczesnych kompozytorowi, budujących, walczących, poszukujących, cierpiących i zwycięskich. Symfonie S. Prokofiewa wyróżniają się epicką mądrością, głębokim dramatem, czystymi i jasnymi tekstami oraz ostrymi dowcipami.
Każda symfonia to cały świat.Świat artysty, który go stworzył. Świat czasu, który go zrodził. Słuchając klasycznych symfonii stajemy się bogatsi duchowo, łączymy się ze skarbami ludzkiego geniuszu, dorównującymi tragediom Szekspira, powieściom Tołstoja, wierszom Puszkina, obrazom Rafaela.
Wśród autorzy krajowi symfonie N. Miaskowskiego, A. Chaczaturiana, T. Chrennikowa, W. Salmanowa, R. Szczedrina, B. Tiszczenki, B. Czajkowskiego, A. Terteryana, G. Kanczeli, A. Sznittkego.
Scherzo. Włoskie słowo scherzo w tłumaczeniu to żart. Od dawna jest wpajany muzyce, aby określić jej charakter - żywy, wesoły, figlarny. Beethoven wprowadził nazwę scherzo dla jednej ze środkowych części symfonii zamiast dotychczasowego tradycyjnego menueta – miejsce. A w połowie XIX wieku kompozytorzy zaczęli tak nazywać sztuki niezależne, nie tylko zabawne, ale czasem dramatyczne lub złowrogie. Scherza Chopina są więc powszechnie znane – utwory fortepianowe, wyróżniające się bogactwem obrazów, różnorodnością treści.
Przebijają się cechy idealistycznej abstrakcji, retoryki, pozornie oratorskiego patosu. Jednocześnie wielkie jest fundamentalne znaczenie twórczości symfonicznej Liszta: konsekwentnie realizując swoją ideę „renowacji muzyki poprzez jej powiązanie z poezją”, osiągnął niezwykłą doskonałość artystyczną w szeregu kompozycji.
Programowanie leży u podstaw zdecydowanej większości Liszta utwory symfoniczne. Wybrana działka sugerowała nową środki wyrazu, inspirowały śmiałe poszukiwania w zakresie formy i orkiestracji, które Liszt zawsze odznaczał się genialnym dźwięcznością i błyskotliwością. Kompozytor zazwyczaj wyraźnie rozróżniał trzy główne grupy orkiestry – smyczki, instrumenty dęte drewniane i blaszane – oraz pomysłowo wykorzystywał głosy solowe. W tutti orkiestra brzmi harmonijnie i wyważenie, aw kulminacyjnych momentach, podobnie jak Wagner, często stosował potężne unisono blaszane na tle figur smyczkowych.
Liszt wszedł do historii muzyki jako twórca nowej gatunek romantyczny- „poemat symfoniczny”: po raz pierwszy wymienił dziewięć utworów ukończonych do 1854 r. i opublikowanych w latach 1856-1857; później napisano jeszcze cztery wiersze.
Poematy symfoniczne Liszta to główne utwory programowe w swobodnej formie jednoczęściowej. (Tylko ostatni poemat symfoniczny - Od kołyski do grobu (1882) - jest podzielony na trzy małe części, które trwają bez przerwy.), gdzie często łączy się różne zasady kształtowania (sonata, wariacja, rondo); czasami ta jednogłosowość „wchłania” elementy czterogłosowego cyklu symfonicznego. powstanie ten gatunek został przygotowany przez cały bieg rozwoju symfonizmu romantycznego.
Z jednej strony istniała tendencja do jedności wieloczęściowego cyklu, jego unifikacji przez przekrojowe tematy, łączenie części (Symfonia Szkocka Mendelssohna, Symfonia d-moll Schumanna i inne). Z drugiej strony poprzedniczką poematu symfonicznego była programowa uwertura koncertowa, swobodnie interpretowana forma sonatowa(Uwertury Mendelssohna, a wcześniej – „Leonora” nr 2 i „Koriolan” Beethovena). Podkreślając ten związek, Liszt nazwał wiele swoich przyszłych poematów symfonicznych w pierwszych wersjach uwerturami koncertowymi. Przygotowywał narodziny nowego gatunku i dużych dzieł jednoczęściowych na fortepian, pozbawionych szczegółowego programu - fantazji, ballad itp. (Schubert, Schumann, Chopin).
Krąg obrazów ucieleśnionych przez Liszta w poematach symfonicznych jest bardzo szeroki. Był zainspirowany literatura światowa wszystkich epok i ludów - od starożytnego mitu („Orfeusz”, „Prometeusz”), angielskiego i niemieckie tragedie XVII-XVIII wieku („Hamlet” Szekspira, „Tasso” Goethego) po wiersze współczesnych Francuzów i Węgier („Co słychać na górze” i „Mazeppa” Hugo, „Preludia” Lamartine'a, „Do Franza Liszta” Vörösmarty’ego). Jak w praca na fortepianie, Liszt w swoich wierszach często ucieleśniał obrazy malarstwa („Bitwa pod Hunami” na podstawie obrazu niemiecki artysta Kaulbacha, „Od kołyski aż po grób” na podstawie rysunku węgierskiego artysty Zichy’ego) itp.
Ale wśród pstrokatej różnorodności wątków wyraźnie wyłania się pociąg do tematu heroicznego. Liszta pociągały wątki przedstawiające silny duchem ludzi, obrazy wielkich ruchów ludowych, bitew i zwycięstw. Ucieleśniał w swojej muzyce obraz starożytny bohater Prometeusz, który stał się symbolem odwagi i nieugiętej woli. Jak romantyczni poeci różnych krajów(Byron, Hugo, Slovatsky) Liszt martwił się o losy młodego Mazepy – człowieka, który przezwyciężył niesłychane cierpienia i osiągnął wielka chwała (Taka uwaga dla młodości Mazepy (według legendy był przywiązany do zadu konia, który przez wiele dni i nocy biegł po stepie), a nie do historycznych losów hetmana Ukrainy – zdrajcy ojczyzny – jest typowy, w przeciwieństwie do Puszkina, dla zagranicznych romantyków).. W „Hamlecie”, „Tasso”, „Preludiach” kompozytor gloryfikował życie wyczyn człowiek, jego odwieczne dążenia do światła, szczęścia, wolności; w „Węgrzech” wyśpiewywał chwalebną przeszłość swojego kraju, jego heroiczną walkę o wyzwolenie; „Lament dla Bohaterów” poświęcony rewolucyjnym bojownikom, którzy polegli za wolność ojczyzny; w „Bitwie Hunów” namalował obraz gigantycznego starcia ludów (bitwa wojsk chrześcijańskich z hordami Attyli w 451 r.).
Arkusz jest wyjątkowo dopasowany do dzieła literackie, które stanowiły podstawę programu poematu symfonicznego. Podobnie jak Berlioz, zwykle poprzedza partyturę szczegółowym przedstawieniem fabuły (często bardzo obszernej, obejmującej zarówno historię powstania pomysłu, jak i abstrakcyjne rozumowanie filozoficzne); czasami - fragmenty wiersza i bardzo rzadko ograniczają się tylko do ogólnego nagłówka („Hamlet”, „Świąteczne dzwony”). Ale w przeciwieństwie do Berlioza Liszt interpretuje szczegółowy program w sposób uogólniony, nie oddający konsekwentnego rozwoju fabuły przez muzykę. Zwykle dąży do stworzenia jasnego, wyrazistego obrazu. główny bohater i skupić całą uwagę słuchacza na jego przeżyciach. Ten centralny obraz jest również interpretowany nie w konkretnej codzienności, ale w uogólniony, wzniosły sposób, jako nośnik wielkiej idei filozoficznej.
W najlepszych poematach symfonicznych Lisztowi udało się stworzyć niezapomniane obrazy muzyczne i pokazać je na różne sposoby sytuacje życiowe. Im bardziej wielopłaszczyznowe są okoliczności, w których walczy bohater i pod wpływem których ujawniają się różne aspekty jego charakteru, tym jaśniej ujawnia się jego wygląd, tym bogatsza jest treść dzieła jako całości.
Charakterystykę tych warunków życia tworzy szereg muzycznych środków wyrazu. Duża rola gra uogólnienie poprzez gatunek: Liszt wykorzystuje pewne, historycznie ugruntowane gatunki marsza, chorału, menueta, pastorału i inne, które przyczyniają się do konkretyzacji obrazy muzyczne i uczynić je łatwiejszymi do zrozumienia. Często używa techniki wizualne do tworzenia obrazów burz, bitew, wyścigów itp.
Zwierzchnictwo centralny obraz rodzi zasadę monotematyzmu – cała praca opiera się na modyfikacji jednego tematu przewodniego. Tyle się buduje. heroiczne wiersze Liszta („Tasso”, „Preludia”, „Mazeppa”). Monotematyzm jest dalszy rozwój zasada wariacyjna: zamiast stopniowego ujawniania możliwości tematu, podaje się bezpośrednie porównanie jego odległych, często kontrastowych wariantów. Dzięki temu powstaje jeden i jednocześnie wieloaspektowy, zmienny obraz bohatera. Transformacja głównego tematu jest postrzegana jako ukazanie różnych aspektów jego charakteru - jako zmiany, które powstają w wyniku pewnych okoliczności życiowych. W zależności od konkretnej sytuacji, w jakiej działa bohater, zmienia się również struktura jego tematu.
(literatura oraz obraz, rzadziej filozofia lub historia; obrazy Natura). Poemat symfoniczny charakteryzuje się swobodnym rozwojem materiał muzyczny, najczęściej łącząc różne zasady kształtowania sonata oraz monotematyzm z cyklami i zmiana.
Pojawienie się poematu symfonicznego jako gatunku wiąże się przede wszystkim z nazwą Franciszek Liszt, który stworzył 12 dzieł tej formy w - gg. Niektórzy badacze wskazują jednak na esej związany z miastem Cesara Francka„Co słychać na górze” ( fr. Ce qu "on endend sur la montagne ), na podstawie wiersza Wiktor Hugo i poprzedzający dzieło Liszta na tej samej podstawie; Wiersz Franka pozostał jednak niedokończony i niepublikowany, a kompozytor ponownie zwrócił się do tego gatunku znacznie później. Bezpośredni poprzednik Liszta to tzw Feliksa Mendelssohna, przede wszystkim jego uwerturę „Hebrydy” ( -).
Po Liszcie wielu innych kompozytorów pracowało w tym gatunku - MA Bałakiriew , H. von Bülow , J. Gershwina , AK Głazunow , A. Dworaka , VS Kalinnikow , M. Karłowicz , SM Lapunow , S. S. Prokofiew , SV Rachmaninow , AG Rubinstein , C.Saens , I. Sibeliusa , A. N. Skryabin , B. Śmietana , Y. Sook , Z Fibicha , S. Frank , PI Czajkowski , MK Chiurlionis , A. Schönberga , E.Chaussona , D. D. Szostakowicz , R. Straussa , J. Enescu inny.
Inne gatunki również podlegały wpływowi poematu symfonicznego w ich rozwoju - symfonia , koncert , wiersz , sonata.
Napisz recenzję artykułu „Poemat symfoniczny”
Fragment charakteryzujący poemat symfoniczny
Do dziesiątej z baterii wyniesiono już dwadzieścia osób; dwa działa były zepsute, coraz więcej pocisków uderzało w baterię i leciało, brzęcząc i gwiżdżąc, kule dalekiego zasięgu. Ale ludzie, którzy byli na baterii, zdawali się tego nie zauważać; wesołe rozmowy i żarty słychać było ze wszystkich stron.- Chinenko! - krzyknął żołnierz na zbliżający się, świszczący granat. - Nie tutaj! Do piechoty! – dodał ze śmiechem inny, zauważając, że granat przeleciał i uderzył w szeregi okładki.
- Jaki przyjaciel? - zaśmiał się inny żołnierz do kucającego chłopa pod latającą kulą armatnią.
Kilku żołnierzy zebrało się na wale, obserwując, co dzieje się przed nimi.
„I zdjęli łańcuch, widzicie, wrócili” - powiedzieli, wskazując na szyb.
„Spójrzcie na swoje interesy” – krzyknął do nich stary podoficer. - Wrócili, czyli wróciła praca. - A podoficer, biorąc jednego z żołnierzy za ramię, pchnął go kolanem. Słychać było śmiech.
- Rzuć się na piąte działo! krzyknął z jednej strony.
„Razem, bardziej polubownie, w burlatskim” słychać było wesołe okrzyki tych, którzy zmieniali broń.
„Tak, prawie zrzuciłem czapkę naszego mistrza”, żartowniś o czerwonej twarzy zaśmiał się z Pierre'a, pokazując zęby. – Och, niezdarny – dodał z wyrzutem do piłki, która wpadła w koło i nogę mężczyzny.
- Cóż, lisy! inny śmiał się z wijących się milicjantów, którzy wchodzili do baterii po rannych.
- Al nie smaczna owsianka? Ach, wrony, kołysały się! - krzyczeli do milicji, która zawahała się przed żołnierzem z odciętą nogą.
„Coś w tym rodzaju, maleńka” – naśladowali chłopi. - Oni nie lubią namiętności.
Pierre zauważył, jak po każdym trafionym strzale, po każdej przegranej, ogólne ożywienie wybuchało coraz bardziej.
Od postępu chmura burzowa, coraz częściej na twarzach tych wszystkich ludzi (jakby w odbiciu od tego, co się dzieje) rozbłyskiwały coraz jaśniejsze pioruny ukrytego, płonącego ognia.
Pierre nie patrzył przed siebie na pole bitwy i nie interesowało go, co się tam dzieje: był całkowicie pochłonięty kontemplacją tego, coraz bardziej płonącego ognia, który w ten sam sposób (jak czuł) buchał w jego duszy.
O dziesiątej żołnierze piechoty, którzy szli przed baterią w krzakach i wzdłuż rzeki Kamenki, wycofali się. Z baterii było widać, jak biegli z powrotem obok niej, niosąc rannych na swoich działach. Jakiś generał ze swoją świtą wszedł na kopiec i po rozmowie z pułkownikiem, patrząc gniewnie na Pierre'a, zszedł ponownie, nakazując położyć się osłonie piechoty, która stała za baterią, aby była mniej narażona na strzały. Następnie w szeregach piechoty na prawo od baterii rozległ się bęben, okrzyki dowodzenia, a z baterii było jasne, jak szeregi piechoty posuwają się naprzód.
Pierre spojrzał na szyb. Szczególnie jedna twarz przykuła jego uwagę. Był to oficer, który z bladą, młodą twarzą szedł tyłem, niosąc opuszczony miecz i niespokojnie rozglądał się wokół.
Szeregi żołnierzy piechoty zniknęły w dymie, słychać było ich przeciągły krzyk i częste wystrzały z armat. Kilka minut później przeszły stamtąd tłumy rannych i noszowych. Pociski zaczęły jeszcze częściej uderzać w akumulator. Kilka osób leżało nieoczyszczonych. W pobliżu armat żołnierze poruszali się bardziej ruchliwie i żwawiej. Nikt już nie zwracał uwagi na Pierre'a. Raz czy dwa razy został na niego ze złością nakrzyczany za to, że był w drodze. Starszy oficer ze zmarszczonym czołem przechodził dużymi, szybkimi krokami od jednego pistoletu do drugiego. Młody oficer, jeszcze bardziej zarumieniony, jeszcze sumienniej dowodził żołnierzami. Żołnierze strzelali, odwracali się, ładowali i wykonywali swoją pracę z ogromnym rozmachem. Podskakiwały po drodze jak na sprężynach.
Poematy symfoniczne Liszta to jedna z najjaśniejszych kart europejskiej muzyki romantycznej, obszar niestrudzonych poszukiwań twórczych, niesamowitych aktualizacji w dziedzinie tematyki, formy, orkiestracji i interakcji z różnymi korzeniami narodowymi. W wierszach charakterystyczne dla kompozytora pragnienie syntezy z innymi sztukami, tworzenia program działa. Obrazy starożytnych mitów („Prometeusz” i „Orfeusz”), obrazy arcydzieł literatury światowej („Tasso” według Goethego, „Mazeppa” i „Co słychać na górze” według Hugo, „Hamlet” według Szekspira , „Ideały” Schillera, „Preludia” Lamartine’a), obrazy Dzieła wizualne(„Bitwa pod Hunami” według Kaulbacha, „Od kołyski aż po grób” według Zichy’ego), wreszcie obrazy ojczyzny („Węgry”, „Lament nad bohaterami”) wszystko to znalazło wyraz w Opusy symfoniczne Liszta. Przy całej rozmaitości wątków i postaci, główne tematy, które ucieleśnia tu kompozytor, wielkość człowieka i jego czynów, żarliwe pragnienie wolności i szczęścia, nieodzowny triumf dobra i sprawiedliwości, uzdrawiające działanie sztuki, przyczyniające się do doskonalenie ludzkości, wyróżniają się z ulgą.
Zachwyca pięknem brzmienia poemat symfoniczny nr 1 „Co słychać na górze”, pierwotnie nazywany „Symfonią Górską”. Liszt zainspirował się tutaj poematem Victora Hugo pod tym samym tytułem. Program wiersza oparty jest na romantycznej idei przeciwstawienia majestatycznej natury ludzkim smutkom i cierpieniom. Co słychać w górach na wybrzeżu Bretanii? Szum wiatru z mroźnych wyżyn, ryk fal oceanu rozbijających się o skały, pasterskie melodie z zielonych łąk u podnóża skał... i krzyk cierpiącej ludzkości. I to wszystko można usłyszeć w muzyce.
Bohater poemat symfoniczny nr 2 „Tasso”- wielki włoski poeta renesansu Torquato Tasso (1544-1595), którego poemat „Wyzwolona Jerozolima” inspirował wielu na przestrzeni wieków, w tym Goethego. W wieku 35 lat poeta trafił do zakładu dla obłąkanych i jednocześnie do więzienia, trafiwszy tam za sprawą dworskich intryg. Legenda nazwała przyczyną uwięzienia miłość - zuchwałą, niszczącą wszelkie bariery klasowe miłość poety do siostry księcia Alfonsa Eleonory d'Este. Siedem lat później, wyszedłszy z lochu dzięki wstawiennictwu papieża, Tasso - już całkowicie załamany - został ogłoszony największym poetą Włoch i nagrodzony wieniec laurowy, wcześniej przyznany tylko raz wielkiemu Petrarce. Jednak śmierć przyszła wcześniej i dopiero trumna poety została ukoronowana laurami podczas uroczystej ceremonii na Kapitolu Rzymskim. opuszcza ich groby” – pisał Liszt w programie tego poematu dramatycznego, obrazującego wszystkie zakręty losu poety życia - od więzienia i wspomnień miłosnych po zasłużoną sławę.
Poemat symfoniczny nr 3 - „Preludia”. Jego nazwę i program kompozytor zapożyczył z wiersza francuskiego poety Lamartine'a pod tym samym tytułem. Liszt odszedł jednak znacznie od głównej idei wiersza, poświęconego rozważaniom nad słabością. ludzka egzystencja. Tworzył muzykę pełną heroicznego, afirmującego życie patosu. Obrazy życia są ucieleśnione przez Liszta w serii jasnych, kolorowych epizodów wypełnionych szczegółami gatunkowymi i malarskimi (marsz, sielanka, burza, bitwa, sygnały trąbek, melodie pasterskie). Porównywane są one na zasadzie kontrastu, a jednocześnie są ze sobą ściśle powiązane: w całym poemacie Liszt po mistrzowsku przetwarza temat przewodni, stosując charakterystyczną dla siebie zasadę monotematyzmu.
W poemat symfoniczny nr 4 „Orfeusz” pomyślana jako uwertura do operę o tym samym tytule Gluck, mityczna legenda o piosenkarce o słodkim głosie została zawarta w uogólnionym planie filozoficznym. Orfeusz dla Liszta staje się zbiorowym symbolem sztuki. To jedno z najbardziej lapidarnych, pojemnych dzieł Liszta. Wiersz jest wielotematyczny, ale wszystkie tematy są ze sobą powiązane intonacyjnie, przepływając jeden w drugi. Długotrwały dźwięk „G” waltorni zostaje zastąpiony przez brzdąkanie harfy – to oczywiście obraz kifareda Orfeusza, który słucha świat. Magiczne brzmienie tych dźwięków na waltorniach wprawia w podniosły nastrój, wprowadza w poetycką atmosferę. Główna impreza w wiatrach i strunach typu diatonicznego ciąży ku szerokości epickiej, choć jej nie osiąga. Jest to obraz wszechświata, który artysta stara się poznać, zobiektywizowanej, bezosobowej rzeczywistości. Zastępujący go niewydłużony motyw łączący symbolizuje poszukiwania artysty. Z opadającą, opadającą figurą melodyczną Liszt przedstawia obraz muzyki-Eurydyki, której szuka Orfeusz. Chcąc nadać temu tematowi szczególną barwę ciepła i wyrazistości, Liszt powierza temat skrzypcom solo, a następnie wiolonczeli solo. Intencja programowa kompozytora jest tu przejrzysta i jasna: ideał jest nieosiągalny, Eurydyka jest tylko mirażem, którego nie da się utrzymać. Sztuka skazana jest na wieczne poszukiwania bez osiągnięć.
Poemat symfoniczny nr 5 „Prometeusz” poświęcony legendarnemu cierpiącemu i humaniście, który od wieków pobudza wyobraźnię elita twórcza ludzkość. Wiersz powstał jako uwertura do dramatu słynnego niemiecki poeta Gottfrieda Herdera. „Cierpienie (nieszczęście) i chwała (błogość)! W ten sposób można wyrazić w skondensowanej formie główną ideę tej aż nazbyt prawdziwej historii iw tej formie staje się ona jak burza, jak błyskawica. Smutek pokonany uporem niezwyciężonej energii - to właśnie stanowi w tym przypadku esencję muzycznej treści.
Poemat symfoniczny nr 6 „Mazepa”, poświęcony czemuś osobowość historyczna w losie którego wyraźnie ujawniło się uwielbiane przez romantyków przeciwieństwo cierpienia i triumfu. Wiersz Hugo publikowany jest w całości jako program w partyturze. Inspiracją dla Liszta była przede wszystkim główna, pierwsza część poematu, pełna barwnych obrazków, straszliwych detali, poczucia grozy śmierci – w porównaniu z tryumfem niezłomnego bohatera, witanego przez cały lud: „Pędzi, leci, upada i powstaje jako król!”
Koncepcja oprogramowania Poemat symfoniczny nr 7 „Świąteczne dźwięki” nie związane z wydarzenia historyczne lub wątki literackie. Wiadomo, że kompozytor wyśpiewał tu swój związek (czyli ślub) z księżną Karoliną Wittgenstein i nie mógł obejść się bez cechy portretu on i jego dziewczyna.
Poemat symfoniczny nr 8 „Lament nad bohaterami” stworzony na podstawie „Symfonii rewolucyjnej” (1830), poświęconej rewolucji francuskiej, której młody Liszt nie ukończył. Gorzkie lamenty i gloryfikacje walki rewolucyjnej, światowy smutek i społeczny protest zabrzmiały w tym niezwykłym w formie poemacie dramatycznym, w którym straszliwe werble i sceny egzekucji w środku zostały zastąpione przez jeden z najlepszych lirycznych tematów w twórczości kompozytora. Ogólny artystyczny związek tej pracy z jednym z najpopularniejszych utwory fortepianowe Liszta – „Kondukt żałobny”, stworzony jako muzyczny pomnik tragicznie zmarłych bohaterów rewolucji, jaka miała miejsce w jego rodzinnych Węgrzech. Pojawienie się tego dzieła nosi piętno tragicznego rozczarowania artysty romantycznego i wiąże się przede wszystkim z klęską rewolucji, która przetoczyła się przez kraje Europa Środkowa w latach 1848-49.
Poemat symfoniczny nr 9 „Węgry” często nazywany orkiestrowym ` Rapsodia węgierska`. Powstał w odpowiedzi na poświęcony Lisztowi wiersz węgierskiego poety Vereshmarty'ego. Tym wierszem Vörösmarty powitał półtorej dekady temu, w styczniu 1840 roku, przybycie do ojczyzny młodego, niespełna trzydziestoletniego, ale już światowej sławy pianisty. Trasy Liszta nabrały wówczas charakteru święta narodowego. Otrzymał tytuł honorowego obywatela miasta Pesztu; po koncercie w Teatr Narodowy, gdzie Liszt występował po węgiersku strój narodowy w imieniu narodu wręczono mu „szablę honoru”. Wrażenia te znalazły odzwierciedlenie w powstałych w tym samym czasie kompozycjach kompozytora o tematyce narodowej – „Marszu heroicznym w stylu węgierskim” oraz „Węgierskich melodiach i rapsodach narodowych”. Wiele lat później Liszt zapożyczył stamtąd trzy tematy do poematu symfonicznego „Węgry”: dwa heroiczne, marszowe i jeden w duchu zapalającym taniec ludowy chardasz.
Poemat symfoniczny nr 10 „Hamlet”- najnowszy wiersz okresu weimarskiego, umieszczony jednak w momencie wydania pod numerem dziesiątym. Podobnie jak wiele innych poematów symfonicznych Liszta, powstał z uwertury mającej na celu wystawienie tragedii szekspirowskiej. Wszyscy bohaterowie tragedii Szekspira są uchwyceni w muzyce - zarówno Hamlet, jak i Ofelia itp.
Prototyp oprogramowania bitwy poemat symfoniczny nr 11 - „Bitwa Hunów” dość nietypowe. Jest obrazowy. Napisany w latach 1834-1835 przez modnego malarz historyczny Wilhelm von Kaulbach namalował fresk o tej samej nazwie na głównej klatce schodowej nowego Muzeum Berlińskiego. Obraz przedstawia krwawą bitwę, która szalała przez cały dzień i pozostawiła tylko kilku rannych na ziemi. Kontynuuje w niebie, gdzie pośrodku jednej grupy stoi potężny Hun w hełmie z uniesionym mieczem, a drugą grupę przyćmiewa lecący anioł z krzyżem. Liszta fascynował głęboko humanistyczny sens twórczości artysty: triumf chrześcijańskiej miłości i miłosierdzia nad pogańską dzikością i krwiożerczością.
http://s017.radikal.ru/i441/1110/09/f47e38600605.jpg
Poemat symfoniczny nr 12 „Ideały” zainspirowany wierszem Schillera pod tym samym tytułem: "Ideał - nie ma nic bardziej pożądanego i nie ma nic bardziej nieosiągalnego. Drogę do niego znajdzie tylko ten, kto tworzy powoli i nigdy nie niszczy"...
Latem 1881 roku kompozytor, przytłoczony myślami o zbliżającej się śmierci, pisze swoją ostatnią poemat symfoniczny nr 13 „Od kołyski aż po grób”, zainspirowany rysunkami pióra „Od kołyski do trumny”, podarowanymi mu przez słynnego węgierskiego artystę Mihaly'ego Zichy'ego. http://s017.radikal.ru/i403/1110/71/363fe132803b.jpg Na prośbę księżnej Wittgenstein słowo „trumna” zastąpiono słowem „grób”, a ostatecznie wiersz nazwano „Od kołyski do grób." Muzyka ostatniego wiersza Liszta jest smutna i pogodna...
Dwa odcinki z „Fausta” Lenaua – „Nocna procesja” i „Taniec w wiejskiej karczmie (Mephisto Waltz)”. Obrazy Fausta i Mefistofelesa niepokoiły Liszta przez całe jego życie twórcze życie. Lenau jest zdominowany przez Mefistofelesa, ducha zaprzeczenia i zniszczenia, obdarzonego nieugiętą wolą i niepohamowaną siłą namiętności. Zwycięstwo zła jest niewątpliwe: taki Mefistofeles z łatwością ujarzmia Fausta – człowieka zdezorientowanego, to ogarniętego zachwytem, to pogrążonego w otchłani rozpaczy, nie mogącego zapanować ani nad swoimi uczuciami, ani nad okolicznościami życiowymi. Sekcja początkowa„Nocna procesja” zbudowana jest na ostrym kontraście. Jego pierwszy temat, żałobny i ponury, to opis stanu umysłu Fausta. Bohaterowi przeciwstawia się spokój wiosenna natura: w przejrzystym brzmieniu smyczków, dętych drewnianych, rogów słychać trele słowika, szelest drzew, szum strumieni. Odległe bicie dzwonu zwiastuje centralny epizod – właściwą procesję. Liszt oparł ją na temacie katolickiej pieśni „Pange lingua gloriosi” („Śpiewaj, język”), której tekst przypisuje się Tomaszowi z Akwinu. Wchodzi więcej instrumentów, procesja się zbliża, a potem znika w oddali. Znowu panuje cisza. I brzmi to jak eksplozja rozpaczy temat początkowy: „szlochając gwałtownie”, zgodnie z notą autora, opadają motywy skrzypiec, fletów i obojów. Zanikają w tępych basach grupa smyczkowa, oprawiając w ten sposób całość dzieła w obraz duszy bohatera, który dla Liszta jest ważniejszy od malowniczych szkiców. Walc mephisto stanowi ostry kontrast z pierwszym odcinkiem. To prawdziwy poemat walca - szybki, ekscytujący, całkowicie pozbawiony wolnych temp. Po mistrzowsku porównuje się dwa obrazy: prawdziwy codzienny taniec z efekty komiczne i fantastyczny taniec. Pierwszy ucieleśnia grę wiejskich muzykantów, a pełna orkiestra symfoniczna imituje brzmienie zespołu chłopskiego. Muzycy długo się przygotowują, dostrajają, zbierają odwagę. Wreszcie altówki i wiolonczele pewnie wykonują temat wiejski, niegrzeczny, ostro zaakcentowany, zgodnie z uwagą autora. Zabawa rośnie, wszyscy nowi tancerze wirują w brutalnym tańcu. Potem, zmęczeni, zatrzymują się. Rozpoczynają się wiolonczele w niezwykle wysokim rejestrze nowy temat(dopisek autora "delikatnie, czule") - ospały, zmysłowy, chromatyczny, nie mieszczący się w wyraźnym tanecznym schemacie. To był Mefistofeles; jego temat dopełnia zanikający dźwięk solo skrzypiec. Rozpoczyna się jeszcze bardziej porywczy epizod fantastyczny. A kiedy wiejski taniec powraca, diabelska melodia nie pozwala mu się odwrócić, zniekształca jego motywy – posłuszni woli Mefistofelesa, stają się równie połamani, schromatyzowani. Teraz rządzi sam diabeł. Taniec zamienia się w szaloną bachanalię, metrum trzygłosowe zostaje zastąpione dwugłosowym, „ruch walca zamienia się w coś w rodzaju dzikiego boćwiny, pełnego ognia i nieokiełznanej namiętności”. W punkcie kulminacyjnym taniec urywa się, a fantastyczny epizod powtarza się jeszcze raz; znacznie zredukowany, kończy się spokojnymi głosami natury (kadencja fletu solo, harfa glissando). Ale ostatnie słowo pozostaje za Mefistofelesem: szaleńczy taniec znów eksploduje, złowrogo triumfująco, diaboliczny motyw jest wielokrotnie potwierdzany w basach orkiestry. Nagle wszystko cichnie, znika w oddali; pozostaje tylko cichnący szelest kotłów i pizzicato wiolonczeli i kontrabasów. Po glissando harfy Liszt napisał ostatnią linijkę z Lenau: „I, szalejąc, połyka ich morze namiętności”.
Dyrygent Arpad Joo (węg. Árpád Joó) urodził się w Budapeszcie 8 czerwca 1948 roku, pochodzi ze starożytnej węgierskiej rodziny, cudowne dziecko. Jeszcze w dzieciństwie został zauważony przez Zoltana Kodai i znalazł się pod jego patronatem, studiował w Akademii Muzycznej w Budapeszcie. Franciszka Liszta w Pala Kadosi i Josefa Gata. W 1962 roku wygrał Konkurs Pianistyczny im. Liszta i Bartóka w Budapeszcie. Następnie studiował dyrygenturę w Juilliard School i na Indiana University, studiował u Igora Markiewicza w Monte Carlo. W latach 1973-1977. główny dyrygent Orkiestra Symfoniczna Knoxville, 1977-1984. - Orkiestra Filharmonii Calgary, 1988-1990. - Orkiestra Symfoniczna Hiszpańskiego Radia i Telewizji. Występował z Londynem Orkiestra symfoniczna. Pracował jako gościnny dyrygent z European Community Orchestra. Nagrywanie przez dyrygenta pełny cykl Pisma Kodálya i Bartóka stały się wydarzeniem nie tylko na Węgrzech. W 1985 roku, w setną rocznicę śmierci Liszta, nagrał z Budapeszteńską Orkiestrą Symfoniczną komplet swoich poematów symfonicznych, za co otrzymał prestiżową nagrodę im. „Grand Prix du Disque” w Paryżu bezpośrednio z rąk francuskiego ministra kultury Léotarda. Dlaczego Francuzi tak bardzo lubili Liszta w wykonaniu Budapesters i Arpada Joo? Zapewne miękkość i plastyczność interpretacji. Nie ma typowych oszałamiających „efektów specjalnych” i sztucznego zewnętrznego patosu, ale są za to płynące z głębi serca melodie.
Słuchać:http://www.youtube.com/watch?v=yfhf7_mUccY
Ferenc Liszt - Komplet poematów symfonicznych
Budapeszteńska Orkiestra Symfoniczna / Arpad Joo
Nagrany Budapeszt 1984/5 DDD
1987 „Grand Prix Du Disque”, Paryż, Francja
Franciszek Liszt (1811-1886)
CD1
Poemat symfoniczny nr 1. Co słychać na górze („Symfonia górska”) (według Hugo, 1847-1857) (30:34)
Poemat symfoniczny nr 2. Tasso. Skarga i triumf (przez Goethego, 1849-1856) (21:31)
Poemat symfoniczny nr 3. Preludia (po Lamartine, 1850-1856) (15:52)
CD2
Poemat symfoniczny nr 4. Orfeusz (jako wstęp i zakończenie Orfeusza Glucka, 1856)(11:36)
Poemat symfoniczny nr 5. Prometeusz (według Herdera, 1850-1855) (13:29)
Poemat symfoniczny nr 6. Mazeppa (przez Hugo, 1851-1856) (15:54)
Poemat symfoniczny nr 7. Świąteczne dźwięki (Caroline Wittgenstein, 1853-1861) (19:47)
CD3
Poemat symfoniczny nr 8. Lament dla bohaterów (na podstawie pierwszej części „Symfonii rewolucyjnej”, 1830-1857) (24:12)
Poemat symfoniczny nr 9. Węgry (odpowiedź na patriotyczny wiersz Vörösmarty'ego, 1839-1857) (22:22)
Poemat symfoniczny nr 10. Hamlet (według Szekspira, 1858-1861)(14:35)
CD4
Poemat symfoniczny nr 11. Bitwa Hunów (według fresku Kaulbacha, 1857-1861) (13:58)
Poemat symfoniczny nr 12. Ideały (według Schillera, 1857-1858)(26:55)
Poemat symfoniczny nr 13. Od kołyski aż po grób (wg ryciny M. Zichy, 1881-1883)
I. Kołyska (6:31) / II. Walka o byt (3:14) / III. Grób (7:38)
CD5
Dwa odcinki z „Fausta” Lenaua (1857-1866)
I. Nocna procesja (15:15)
II. Taniec w wiejskiej tawernie (Mephisto Waltz nr 1) (11:54)
Walc Mephisto nr 2 (1880-1881) (11:41)
Apel i hymn węgierski (1873) (10:13)
Ewa Kwiatkowska () zaktualizowała link audio:
Czy potrekovo
http://files.mail.ru/973FB84356324B3886DFA2E0A4CF6F9B
G. Krauklis `F. Liszt Poematy symfoniczne`
Moskwa, 1974, 144 s.
Książka jest popularnonaukowym esejem poświęconym poematom symfonicznym Liszta.
TREŚĆ
Symfonizm programowy F. Liszta i jego poematów symfonicznych 5
„Co słychać na górze” („Ce qu'on entend sur la montagne”) 30
"Tasso. Skarga i triumf” („Tasso. Lamento e trionfo”) 43
„Preludia” („Preludia”) 53
Orfeusz 62
Prometeusz 71
"Mazeppa" ("Mazeppa") 77
„Świąteczne dźwięki” („Fest-Klänge”) 85
„Lament dla bohaterów” („Héroїde funèbre”) 93
„Węgry” 99
„Hamleta” 107
„Bitwa Hunów” („Hunnenschlacht”) 114
„Ideały” („Die Ideale”) 122
Notatki 135
Aplikacje 140
Referencje 141
