მე-17 და მე-18 საუკუნეების მუსიკა

მე -16-17 საუკუნეების მიჯნაზე, მრავალხმიანობამ, რომელიც დომინირებდა რენესანსის მუსიკაში, დაიწყო ჰომოფონიის დათმობა (ბერძნულიდან "homos" - "ერთი", "იდენტური" და "ტელეფონი" - "ხმა", "ხმა"). მრავალხმიანობისგან განსხვავებით, სადაც ყველა ხმას აქვს თანაბარი უფლებები, ჰომოფონიურ მრავალხმიანობაში არის ერთი, შემსრულებელი მთავარი თემა, ხოლო დანარჩენები აკომპანიმენტის (აკომპანიმენტის) როლს თამაშობენ. აკომპანემენტი, როგორც წესი, არის აკორდების (ჰარმონიების) სისტემა. აქედან მომდინარეობს მუსიკის შედგენის ახალი ხერხის სახელწოდება - ჰომოფონიურ-ჰარმონიული.

იდეები იმის შესახებ საეკლესიო მუსიკა. ახლა კომპოზიტორები ცდილობდნენ არა იმდენად, რომ ადამიანმა უარი თქვას მიწიერ ვნებებზე, არამედ გამოავლინა მისი სულიერი გამოცდილების სირთულე. გამოჩნდა ნაწარმოებები, რომლებიც დაწერილი იყო რელიგიურ ტექსტებზე ან თემებზე, მაგრამ არ იყო განკუთვნილი ეკლესიაში სავალდებულო შესრულებისთვის. (ასეთ ნაწარმოებებს სულიერს უწოდებენ, რადგან სიტყვა „სულიერს“ უფრო ფართო მნიშვნელობა აქვს, ვიდრე „ეკლესიური“.) მე-17-18 საუკუნეების მთავარი სულიერი ჟანრები. - კანტატა და ორატორიო. გაზრდილი მნიშვნელობა საერო მუსიკა: ჟღერდა სასამართლოში, არისტოკრატების სალონებში, საზოგადოებრივ თეატრებში (პირველი ასეთი თეატრები მე-17 საუკუნეში გაიხსნა). ჩამოყალიბდა ახალი სახეობამუსიკალური ხელოვნება - ოპერა.

ინსტრუმენტული მუსიკა ასევე გამოირჩევა ახალი ჟანრების გაჩენით, განსაკუთრებით ინსტრუმენტული კონცერტი. ვიოლინო, კლავესინი და ორღანი თანდათან გადაიქცა სოლო ინსტრუმენტებად. მათთვის დაწერილმა მუსიკამ საშუალება მისცა გამოეჩინა არა მხოლოდ კომპოზიტორის, არამედ შემსრულებლის ნიჭიც. უპირველეს ყოვლისა დაფასებული იყო ვირტუოზულობა (ტექნიკური სიძნელეებთან გამკლავების უნარი), რომელიც თანდათან გახდა თვითმიზანი და მხატვრული ღირებულება მრავალი მუსიკოსისთვის.

მე-17-18 საუკუნეების კომპოზიტორები, როგორც წესი, არა მხოლოდ ქმნიდნენ მუსიკას, არამედ ოსტატურად უკრავდნენ ინსტრუმენტებზე და ვარჯიშობდნენ. პედაგოგიური მოღვაწეობა. მხატვრის კეთილდღეობა დიდწილად დამოკიდებულია კონკრეტულ მომხმარებელზე. როგორც წესი, ყველა სერიოზული მუსიკოსი ცდილობდა ადგილის მოპოვებას მონარქის ან მდიდარი არისტოკრატის კარზე (აზნაურობის ბევრ წევრს ჰქონდა საკუთარი ორკესტრი ან ოპერის თეატრები) ან ტაძარში. უფრო მეტიც, კომპოზიტორთა უმეტესობა ადვილად აერთიანებდა საეკლესიო მუსიკას საერო მფარველისთვის სამსახურთან.

ორატორიო და კანტატა

როგორც დამოუკიდებელი მუსიკალური ჟანრიორატორიო (იტალიური ორატორიო, გვიანდელი ლათინური ორატორიუმიდან - „სამლოცველო“) იტალიაში ჩამოყალიბება დაიწყო მე-16 საუკუნეში. მუსიკათმცოდნეები ორატორიის წარმოშობას ლიტურგიკულ დრამაში ხედავენ (იხილეთ სტატია „შუა საუკუნეების ევროპის თეატრი“) - თეატრალური წარმოდგენები, რომლებიც მოგვითხრობენ ბიბლიურ მოვლენებზე.

მსგავსი მოქმედებები ტაძრებშიც ხდებოდა - აქედან მოდის ჟანრის სახელი. თავდაპირველად ორატორიები იწერებოდა წმინდა წერილის ტექსტებზე და ისინი განკუთვნილი იყო ეკლესიაში შესასრულებლად. მე-17 საუკუნეში კომპოზიტორებმა დაიწყეს ორატორიების შედგენა სულიერი შინაარსის თანამედროვე პოეტური ტექსტების საფუძველზე. ორატორიოს სტრუქტურა ახლოსაა ოპერასთან. ეს არის მთავარი ნამუშევარი სოლო მომღერლების, გუნდისა და ორკესტრისთვის, დრამატული სიუჟეტით. თუმცა, ოპერისგან განსხვავებით, ორატორიოში არ არის სასცენო მოქმედება: ის საუბრობს მოვლენებზე, მაგრამ არ აჩვენებს მათ.

იტალიაში მე-17 საუკუნეში. გაჩნდა კიდევ ერთი ჟანრი - კანტატა (იტალიური კანტატა, ლათინური კანტოდან - "ვმღერი"). ორატორიოს მსგავსად, კანტატას ჩვეულებრივ ასრულებენ სოლისტები, გუნდი და ორკესტრი, მაგრამ ორატორიოსთან შედარებით ის უფრო მოკლეა. კანტატები იწერებოდა სულიერ და საერო ტექსტებზე.

იტალიის მუსიკა

მე-16 საუკუნის ბოლოს იტალიაში არსებობდა ა ხელოვნების სტილიბაროკო (um. barocco-დან - „უცნაური“, „უცნაური“). ამ სტილს ახასიათებს ექსპრესიულობა, დრამატულობა, გართობა და ხელოვნების სხვადასხვა სახეობის სინთეზის (კომბინაციის) სურვილი. ეს თვისებები სრულად გამოიხატა ოპერაში, რომელიც წარმოიშვა XVI-XVII საუკუნეების მიჯნაზე. ერთი ნაწარმოები აერთიანებდა მუსიკას, პოეზიას, დრამას და თეატრალურ მხატვრობას.თავდაპირველად ოპერას სხვა სახელი ჰქონდა: „დრამა მუსიკისთვის“ (იტალ. dramma per musica); სიტყვა "ოპერა" (იტალიური ოპერა - "კომპოზიცია") გაჩნდა მხოლოდ მე -17 საუკუნის შუა ხანებში. „დრამის მუსიკის“ იდეა დაიბადა ფლორენციაში, ფლორენციული კამერატას მხატვრულ წრეში. წრის შეხვედრები იმართებოდა პალატაში (იტალიური კამერიდან - „ოთახი“), სახლის გარემოში. 1579 წლიდან 1592 წლამდე გრაფი ჯოვანი ბარდის სახლში იკრიბებოდნენ განმანათლებლები მუსიკის მოყვარულები, პოეტები და მეცნიერები. მას ასევე სტუმრობდნენ პროფესიონალი მუსიკოსები - მომღერლები და კომპოზიტორები Jacopo Peri (1561 - 1633) და Giulio Caccini (დაახლოებით 1550-1618), თეორეტიკოსი და კომპოზიტორი ვინჩენცო გალილეი (დაახლოებით 1520-1591), ცნობილი მეცნიერის გალილეო გალილეის მამა.

ფლორენციული კამერატის მონაწილეები შეშფოთებულნი იყვნენ მუსიკალური ხელოვნების განვითარებით. ისინი მის მომავალს მუსიკისა და დრამის შერწყმაში ხედავდნენ: ასეთი ნაწარმოებების ტექსტები (მე-16 საუკუნის რთული საგუნდო პოლიფონიური საგალობლების ტექსტებისგან განსხვავებით) გასაგები გახდებოდა მსმენელისთვის.

წრის წევრებმა უძველეს თეატრში იპოვეს სიტყვებისა და მუსიკის იდეალური შეხამება: ლექსები წარმოითქმოდა გალობაში, ყოველი სიტყვა, ყოველი მარცვალი ნათლად ჟღერდა. ასე გაუჩნდა ფლორენციულ კამერატას იდეა სოლო სიმღერის ინსტრუმენტთან - მონოდიის თანხლებით (ბერძნულიდან "monos" - "ერთი" და "ოდა" - "სიმღერა"). ახალი სტილისიმღერას უწოდეს რეჩიტატივი (იტალიური რეციტარიდან - „წარმოთქვა“): მუსიკა ტექსტს მოჰყვა და სიმღერა იყო ერთფეროვანი რეციდივა. მუსიკალური ინტონაციები შთამბეჭდავი იყო - აქცენტი კეთდებოდა სიტყვების მკაფიო წარმოთქმაზე და არა პერსონაჟების გრძნობების გადმოცემაზე.

ადრეული ფლორენციული ოპერები შედგენილი იყო ნაკვეთებზე უძველესი მითოლოგია. ახალი ჟანრის პირველი ნამუშევრები, რომლებიც ჩვენამდე მოვიდა, არის კომპოზიტორების პერის (1600) და კაჩინის (1602) ამავე სახელწოდების ორი ოპერა "ევრიდიკე". ისინი შეიქმნა ორფეოსის მითის საფუძველზე. სიმღერას თან ახლდა ინსტრუმენტული ანსამბლი, რომელიც შედგებოდა ცემბალოს (ფორტეპიანოს წინამორბედი), ლირა, ლუტი, გიტარა და ა.შ.

პირველი ოპერების გმირებს ბედი განაგებდა და მის ნებას მაცნეები აცხადებდნენ. აქცია დაიწყო პროლოგით, რომელშიც განდიდებული იყო ხელოვნების სათნოებები და ძალა. შემდგომი წარმოდგენები მოიცავდა ვოკალურ ანსამბლებს (ოპერის ნომრები, სადაც რამდენიმე მონაწილე ერთდროულად მღერის), გუნდი და საცეკვაო ეპიზოდები. მათ მონაცვლეობაზე აშენდა მუსიკალური კომპოზიცია.

ოპერამ სწრაფად დაიწყო განვითარება და, პირველ რიგში, სასამართლო მუსიკად. თავადაზნაურობა მფარველობდა ხელოვნებას და ასეთი ზრუნვა აიხსნებოდა არა მხოლოდ სილამაზის სიყვარულით: ხელოვნების კეთილდღეობა ძალაუფლებისა და სიმდიდრის სავალდებულო ატრიბუტად ითვლებოდა. IN მთავარი ქალაქებიიტალიამ - რომი, ფლორენცია, ვენეცია, ნეაპოლი - განავითარეს საკუთარი საოპერო სკოლები.

Საუკეთესო თვისებები სხვადასხვა სკოლები- ყურადღება პოეტურ სიტყვაზე (ფლორენცია), მოქმედების სერიოზული სულიერი ელფერები (რომი), მონუმენტურობა (ვენეცია) - შერწყმულია კლაუდიო მონტევერდის (1567-1643) ნაშრომში. კომპოზიტორი დაიბადა იტალიის ქალაქ კრემონაში, ექიმის ოჯახში. მონტევერდი ახალგაზრდობაში განვითარდა როგორც მუსიკოსი. წერდა და ასრულებდა მადრიგალებს; უკრავდა ორღანზე, ალოტასა და სხვა ინსტრუმენტებზე. მონტევერდი სწავლობდა მუსიკის შედგენას იმ დროის ცნობილი კომპოზიტორებისგან. 1590 წელს, როგორც მომღერალი და მუსიკოსი, მიიწვიეს მანტუაში, ჰერცოგ ვინჩენცო გონზაგას კარზე; მოგვიანებით იგი სასამართლოს სამლოცველოს ხელმძღვანელობდა. 1612 წელს მონტევერდიმ სამსახური დატოვა მანტუაში და 1613 წლიდან დასახლდა ვენეციაში. დიდწილად მონტევერდის წყალობით, მსოფლიოში პირველი საჯარო შენობა გაიხსნა ვენეციაში 1637 წელს. ოპერის თეატრი. იქ კომპოზიტორი ხელმძღვანელობდა სან მარკოს ტაძრის სამლოცველოს. სიკვდილამდე კლაუდიო მონტევერდიმ წმინდა ბრძანებები მიიღო.

პერისა და კაჩინის ნამუშევრების შესწავლის შემდეგ, მონტევერდიმ შექმნა საკუთარი ნამუშევრებიამ ჟანრის. უკვე პირველ ოპერებში - "ორფეოსი" (1607) და "არიადნე" (1608) - კომპოზიტორმა შეძლო მუსიკალური საშუალებებით ღრმა და ვნებიანი გრძნობების გადმოცემა და მძაფრი დრამატული მოქმედებების შექმნა. მონტევერდი მრავალი ოპერის ავტორია, მაგრამ შემორჩენილია მხოლოდ სამი - ორფეოსი, ულისეს დაბრუნება სამშობლოში (1640; ეფუძნება ძველბერძნულ ეპიკურ პოემას ოდისეას) და პოპეას კორონაცია (1642).

მონტევერდის ნამუშევრები ჰარმონიულად აერთიანებს მუსიკასა და ტექსტს. ოპერები დაფუძნებულია მონოლოგზე, რომელშიც ყოველი სიტყვა ნათლად ჟღერს, მუსიკა კი მოქნილად და დახვეწილად გადმოსცემს განწყობის ჩრდილებს. მონოლოგები, დიალოგები და საგუნდო ეპიზოდები შეუფერხებლად მიედინება ერთმანეთში, მოქმედება ვითარდება ნელა (მონტევერდის ოპერებში სამი-ოთხი მოქმედებაა), მაგრამ დინამიურად. Მნიშვნელოვანი როლიკომპოზიტორმა ორკესტრს გადასცა. მაგალითად, ორფეოსში მან გამოიყენა იმ დროისთვის ცნობილი თითქმის ყველა ინსტრუმენტი. საორკესტრო მუსიკა არა მხოლოდ თან ახლავს სიმღერას, არამედ თავად მოგვითხრობს სცენაზე მიმდინარე მოვლენებზე და გმირების გამოცდილებაზე. "ორფეოსში" პირველად გამოჩნდა უვერტიურა (ფრანგ. ouverture, ან ლათ. apertura - "გახსნა", "დასაწყისი") - ინსტრუმენტული შესავალი ძირითადი მუსიკალური ნაწარმოების შესახებ. კლაუდიო მონტევერდის ოპერებმა მნიშვნელოვანი გავლენა იქონია ვენეციელი კომპოზიტორები, საფუძველი ჩაუყარა ვენეციურ საოპერო სკოლას.

მონტევერდი წერდა არა მხოლოდ ოპერებს, არამედ სასულიერო მუსიკას, რელიგიურ და საერო მადრიგალებს. ის გახდა პირველი კომპოზიტორი, რომელიც არ დაუპირისპირდა მრავალხმიან და ჰომოფონურ მეთოდებს - მისი ოპერების საგუნდო ეპიზოდები მოიცავს პოლიფონიურ ტექნიკას. მონტევერდის შემოქმედებაში ახალი შერწყმული იყო ძველთან - რენესანსის ტრადიციებთან.

მე-18 საუკუნის დასაწყისისთვის. ნეაპოლში დაარსდა საოპერო სკოლა. ამ სკოლის მახასიათებლები - გაზრდილი ყურადღებასიმღერაზე, მუსიკის დომინანტური როლი. სწორედ ნეაპოლში შეიქმნა ბელ კანტოს ვოკალური სტილი (იტალიური bel canto - „ლამაზი სიმღერა“). ბელ კანტო განთქმულია ხმის არაჩვეულებრივი სილამაზით, მელოდიის და ტექნიკური სრულყოფილებით. მაღალ რეგისტრში (ხმის დიაპაზონში) სიმღერა გამოირჩეოდა ტემბრის სიმსუბუქითა და გამჭვირვალობით, დაბალ რეგისტრში იყო ხავერდოვანი რბილი და სქელი. შემსრულებელს უნდა შეეძლოს ხმოვანი ტემბრის მრავალი ჩრდილის რეპროდუცირება, ასევე ოსტატურად გადმოეცა ბგერების მრავალი სწრაფი თანმიმდევრობა, რომლებიც ზედმეტად ასახავს მთავარ მელოდიას - კოლორატურას (იტალიური კოლორატურა - "დეკორაცია"). განსაკუთრებული მოთხოვნა იყო ხმის ხმის თანასწორობა - სუნთქვა არ უნდა ისმოდეს ნელი მელოდიებით.

მე-18 საუკუნეში ოპერა იტალიაში მუსიკალური ხელოვნების მთავარ ფორმად იქცა, რასაც ხელი შეუწყო მომღერლების მაღალმა პროფესიონალურმა დონემ, რომლებიც სწავლობდნენ კონსერვატორიებში (იტალიური კონსერვატორია, შეცდომა ლათინური კონსერვაცია - „მე ვიცავ“) - საგანმანათლებლო დაწესებულებები, რომლებიც ამზადებდნენ მუსიკოსებს. იმ დროისთვის იტალიური საოპერო ხელოვნების ცენტრებში - ვენეციასა და ნეაპოლში შეიქმნა ოთხი კონსერვატორია. ჟანრის პოპულარობა გაზარდა ასევე ოპერის თეატრებმა, რომლებიც გაიხსნა ქვეყნის სხვადასხვა ქალაქში, საზოგადოების ყველა სეგმენტისთვის მისაწვდომმა. იტალიური ოპერები იდგმებოდა ევროპის ძირითადი დედაქალაქების თეატრებში და კომპოზიტორები ავსტრიიდან, გერმანიიდან და სხვა ქვეყნებიდან წერდნენ ოპერებს იტალიური ტექსტების მიხედვით.

აღსანიშნავია იტალიური მუსიკის მიღწევები მე-17-18 საუკუნეებში. და ინსტრუმენტული ჟანრების სფეროში. კომპოზიტორმა და ორგანისტმა გიროლამო ფრესკობალდიმ (1583-1643) ბევრი რამ გააკეთა ორგანული შემოქმედების განვითარებისთვის. „საეკლესიო მუსიკაში მან საფუძველი ჩაუყარა ახალ სტილს. მისი კომპოზიციები ორღანისთვის არის ფანტასტიკური (თავისუფალი) ხასიათის დეტალური კომპოზიციები. ფრესკობალდი ცნობილი გახდა მისი ვირტუოზული დაკვრით და ორღანისა და კლავირის იმპროვიზაციის ხელოვნებით. ხელოვნება. აყვავდა ვიოლინო.იმ დროისთვის ვიოლინოს წარმოების ტრადიციები განვითარდა იტალიაში.ამათის, გუარნერის, სტრადივარის ოჯახების მემკვიდრეობითმა ხელოსნებმა ქალაქ კრემონადან შეიმუშავეს ვიოლინოს დიზაინი, მისი დამზადების მეთოდები, რომლებიც საიდუმლოდ ინახებოდა. და გადაეცემა თაობიდან თაობას.ამ ოსტატების მიერ შექმნილ ინსტრუმენტებს საოცრად ლამაზი, თბილი ხმა აქვს, მსგავსი ადამიანის ხმა. ვიოლინო ფართოდ გავრცელდა, როგორც ანსამბლი და სოლო ინსტრუმენტი.

რომაული ვიოლინოს სკოლის ფუძემდებელია არკანჯელო კორელი (1653-1713), კონცერტო გროსოს ჟანრის (მმ. კონცერტო გროსო - „დიდი კონცერტი“) ერთ-ერთი შემქმნელი. კონცერტში ჩვეულებრივ მონაწილეობს სოლო ინსტრუმენტი (ან ინსტრუმენტების ჯგუფი) და ორკესტრი. "დიდი კონცერტი" ეფუძნებოდა სოლო ეპიზოდების მონაცვლეობას და მთელი ორკესტრის ჟღერადობას, რომელიც მე-17 საუკუნეში იყო კამერული და უპირატესად სიმებიანი ორკესტრი. კორელისთან ერთად სოლოები ძირითადად ვიოლინო და ჩელო იყო. მისი კონცერტები შედგებოდა სხვადასხვა ხასიათის ნაწილებისგან; მათი რაოდენობა თვითნებური იყო.

ვიოლინოს მუსიკის ერთ-ერთი გამორჩეული ოსტატია ანტონიო ვივალდი (1678-1741). იგი ცნობილი გახდა, როგორც ვიოლინოს ბრწყინვალე ვირტუოზი.

მის თანამედროვეებს იზიდავდა მისი შესრულების დრამატული სტილი, სავსე მოულოდნელი კონტრასტებით. აგრძელებდა კორელის ტრადიციებს, კომპოზიტორი მუშაობდა "გრანდ კონცერტის" ჟანრში. მის მიერ დაწერილი ნაწარმოებების რაოდენობა უზარმაზარია - ოთხას სამოცდათხუთმეტი კონცერტი, ორმოცი ოპერა, კანტატები და ორატორიო.

კონცერტების შექმნისას ვივალდი ცდილობდა ნათელი და უჩვეულო ბგერებისკენ. ის ურევდა სხვადასხვა საკრავის ტემბრებს, მუსიკაში ხშირად აერთიანებდა დისონანსებს (მკვეთრ თანხმოვნებს); სოლისტად აირჩია იმ დროს იშვიათი ინსტრუმენტები - ფაგოტი, მანდოლინა (ითვლება ქუჩის ინსტრუმენტად). ვივალდის კონცერტები შედგება სამი მოძრაობისგან, პირველი და ბოლო შესრულებულია სწრაფი ტემპით, ხოლო შუა ნელი ტემპით. ვივალდის ბევრ კონცერტს აქვს პროგრამა - სათაური ან თუნდაც ლიტერატურული მიძღვნა. ციკლი "სეზონები" (1725) პროგრამული საორკესტრო მუსიკის ერთ-ერთი ადრეული მაგალითია. ამ ციკლის ოთხი კონცერტი - "გაზაფხული", "ზაფხული", "შემოდგომა", "ზამთარი" - ხატავს ბუნების ფერად სურათებს. ვივალდიმ შეძლო მუსიკაში გადმოეცა ჩიტების სიმღერა ("გაზაფხული", პირველი მოძრაობა), ჭექა-ქუხილი ("ზაფხული", მესამე მოძრაობა) და წვიმა ("ზამთარი", მეორე მოძრაობა). ვირტუოზულობა და ტექნიკური სირთულე მსმენელს არ აშორებდა, მაგრამ ხელს უწყობდა დასამახსოვრებელი იმიჯის შექმნას. ვივალდის საკონცერტო ნამუშევარი გახდა ბაროკოს სტილის ნათელი განსახიერება ინსტრუმენტულ მუსიკაში.

ოპერასერია და ოპერაბუფა

მე-18 საუკუნეში ჩამოყალიბდა ისეთი საოპერო ჟანრები, როგორიცაა ოპერა სერია (იტალიური ოპერა სერია - "სერიოზული ოპერა") და ოპერა ბუფა (იტალიური ოპერა ბუფა - "კომიკური ოპერა"). Operaseria დამკვიდრდა ალესანდრო სკარლატის (1660-1725) შემოქმედებაში, დამფუძნებელი და ყველაზე დიდი წარმომადგენელინეაპოლიტანური ოპერის სკოლა. სიცოცხლის განმავლობაში მან ასზე მეტი ასეთი ნაწარმოები შექმნა. ოპერასერიისთვის ისინი ჩვეულებრივ მითოლოგიურ ან ისტორიულ შეთქმულებას ირჩევდნენ. იგი გაიხსნა უვერტიურათ და შედგებოდა დასრულებული ნომრებისგან - არიები, რეჩიტატივები და გუნდები. მთავარ როლს დიდი არიები ასრულებდნენ; ისინი, როგორც წესი, სამი ნაწილისგან შედგებოდა, მესამე კი პირველის განმეორებაა. არიებში გმირები გამოხატავდნენ თავიანთ დამოკიდებულებას მიმდინარე მოვლენებთან.

არსებობდა რამდენიმე სახის არიები: გმირული, პათეტიკური (ვნებიანი), საბრალო და ა.შ. თითოეულისთვის გამოიყენებოდა კონკრეტული წრე. ექსპრესიული საშუალებები: გმირულ არიებში - გადამწყვეტი, მომწვევი ინტონაციები, მხიარული რიტმი; საჩივრებში - მოკლე, წყვეტილი მუსიკალური ფრაზები, რომლებიც აჩვენებს გმირის მღელვარებას და ა.შ. რეჩიტატივები, მცირე ფრაგმენტები ემსახურებოდა დრამატული ნარატივის განვითარებას, თითქოს წინსვლას. გმირებმა განიხილეს შემდგომი მოქმედების გეგმები და უამბეს ერთმანეთს მომხდარი მოვლენების შესახებ. რეჩიტატივები დაყოფილი იყო ორ ტიპად: secco (იტალიური secco-დან - „მშრალი“) - სწრაფი კვნესა კლავესინის მწირი აკორდების ქვეშ და აკომპანიატო (იტალიური assotraniato - „აკომპანიმენტით“) - გამომხატველი გამოთქმა ხმით. ორკესტრი. Secco-ს ხშირად იყენებდნენ მოქმედების გასავითარებლად, ხოლო accompaniato გამოიყენებოდა გმირის აზრებისა და გრძნობების გადმოსაცემად. გუნდები და ვოკალური ანსამბლები კომენტარს აკეთებდნენ მომხდარზე, მაგრამ არ მიიღეს მონაწილეობა ღონისძიებებში.

მოქმედი სტრიქონების რაოდენობა დამოკიდებული იყო სიუჟეტის ტიპზე და მკაცრად იყო განსაზღვრული; იგივე ეხება პერსონაჟებს შორის ურთიერთობებს. სოლო ვოკალური ნომრების ტიპები და მათი ადგილი სასცენო მოქმედება. თითოეულ პერსონაჟს ჰქონდა ხმის საკუთარი ტემბრი: ლირიკული გმირები - სოპრანო და ტენორი, კეთილშობილი მამა ან ბოროტმოქმედი - ბარიტონი ან ბასი, ფატალური ჰეროინი - კონტრალტო.

TO მე-18 საუკუნის შუა ხანებივ. აშკარა გახდა ოპერის სერიალის ნაკლოვანებები. სპექტაკლი ხშირად ემთხვეოდა სასამართლო ზეიმებს, ამიტომ ნამუშევარი ბედნიერად უნდა დასრულებულიყო, რაც ზოგჯერ წარმოუდგენლად და არაბუნებრივი ჩანდა. ხშირად ტექსტები იწერებოდა ხელოვნური, დახვეწილი ენით. კომპოზიტორები ზოგჯერ უგულებელყოფდნენ შინაარსს და წერდნენ მუსიკას, რომელიც არ შეესაბამებოდა სიენას ხასიათს ან სიტუაციას; გამოჩნდა ბევრი კლიშე და არასაჭირო გარე ეფექტი. მომღერლებმა აჩვენეს საკუთარი ვირტუოზულობა, მთლიანობაში არიას როლზე ფიქრის გარეშე. ოპერასერიას ეწოდა "კონცერტი კოსტიუმებში". საზოგადოებამ არ გამოავლინა სერიოზული ინტერესი თავად ოპერის მიმართ, მაგრამ დადიოდა სპექტაკლებზე ცნობილი მომღერლის "გვირგვინის" არიისთვის; აქციის დროს მაყურებლები დარბაზში შევიდნენ და გამოვიდნენ.

Operabuffa ასევე ჩამოყალიბდა ნეაპოლიტანური ოსტატების მიერ. ასეთი ოპერის პირველი კლასიკური მაგალითია კომპოზიტორ ჯოვანი ბატისტა პერგოლესის (1710-1736) „ქალბატონის მსახური“ (1733). თუ ოპერასერიაში არის არიები წინა პლანზე, მაშინ ოპერა ბუფაში არის სალაპარაკო დიალოგები, მონაცვლეობით ვოკალური ანსამბლები. ოპერბუფას სულ სხვა მთავარი გმირები ჰყავს. ეს, როგორც წესი, უბრალო ხალხია – მოსამსახურეები, გლეხები. სიუჟეტი ეფუძნებოდა გასართობ ინტრიგას შენიღბვით, მსახურები ატყუებდნენ სულელ მდიდარ მფლობელს და ა.შ. მუსიკა მოითხოვდა მოხდენილ სიმსუბუქეს, მოქმედება კი სისწრაფეს.

იტალიელმა დრამატურგმა და ეროვნული კომედიის შემქმნელმა კარლო გოლდონიმ დიდი გავლენა მოახდინა ოპერაბუფაზე. ამ ჟანრის ყველაზე მახვილგონივრული, ცოცხალი და ცოცხალი ნაწარმოებები შექმნეს ნეაპოლიტანელმა კომპოზიტორებმა: ნიკოლო პიჩინიმ (1728-1800) - „ჩეჩინა, ან კარგი ქალიშვილი“ (1760); ჯოვანი პაისიელო (1740-1816) - " სევილიელი დალაქი"(1782), "მილერის ცოლი" (1788); მომღერალი, მევიოლინე, კლავესინი და კომპოზიტორი დომენიკო ციმაროზა (1749-1801) - "საიდუმლო ქორწინება" (1792).

მშვილდოსანი სიმებიანი საკრავები

თანამედროვე სიმებიანი ინსტრუმენტების - ვიოლინოს, ალტის, ჩელოსა და კონტრაბასი - წინამორბედები არიან ვიოლი. ისინი გამოჩნდნენ მე-15 საუკუნის ბოლოს - მე-16 საუკუნის დასაწყისში. და მალე, რბილი და ნაზი ხმის წყალობით, მათ დაიწყეს წამყვანი როლის თამაში ორკესტრებში.

თანდათანობით, ვიოლები შეიცვალა ახალი, უფრო მოწინავე მშვილდი სიმებიანი ინსტრუმენტებით. IN XVI-XVII სსმათ შექმნაზე ოსტატთა მთელი სკოლები მუშაობდნენ. მათგან ყველაზე ცნობილია დინასტიები ვიოლინოს შემქმნელები, რომელიც წარმოიშვა ჩრდილოეთ იტალიაში - ქალაქებში კრემონასა და ბრეშიაში.

კრემონას სკოლის დამაარსებელია ანდრეა ამატი (დაახლოებით 1520 - დაახლოებით 1580). განსაკუთრებით ცნობილია თავისი ხელოვნებით ნიკოლო ამატი(1596-1684), მისი შვილიშვილი. მან ვიოლინოს სტრუქტურა თითქმის სრულყოფილი გახადა, ინსტრუმენტის ჟღერადობა გააძლიერა; ამავდროულად შენარჩუნებული იყო ტემბრის სირბილე და სითბო. გუარნერების ოჯახი მოღვაწეობდა კრემონაში მე-17-18 საუკუნეებში. დინასტიის დამაარსებელია ანდრეა გუარნერი (1626-1698), ნიკოლო ამატის მოწაფე. გამოჩენილი ოსტატი აზუზეპე გუარნერი (1698-1744 წწ.) განვითარდა ახალი მოდელიამათის ინსტრუმენტისგან განსხვავებული ვიოლინო.

ამათის სკოლის ტრადიციები გააგრძელა ანტონიო სტრადივარმა (1644-1737). სწავლობდა ნიკოლო ამათთან და 1667 წელს გახსნა საკუთარი ბიზნესი. სტრადივარმა, სხვა ოსტატებზე მეტად, მოახერხა ვიოლინოს ხმის მიახლოება ადამიანის ხმის ტემბრთან.

მაგინის ოჯახი ბრეშაში მუშაობდა; საუკეთესო ვიოლინოები შექმნა ჯოვანი მაგინმა (1580-1630 ან 1632).

უმაღლესი რეგისტრის სტრიქონი მშვილდი ინსტრუმენტი-ვიოლინო. მას მოსდევს ხმის დიაპაზონის შემცირების რიგით ალტი, ჩელო და კონტრაბასი. ვიოლინოს სხეულის (ან რეზონანსული ყუთის) ფორმა ჰგავს კონტურს ადამიანის სხეული. სხეულს აქვს ზედა და ქვედა გემბანი (გერმანული Decke - „სახურავი“), პირველი ნაძვისგან არის დამზადებული, მეორე კი ნეკერჩხლისგან. გემბანები ემსახურება ხმის ასახვას და გაძლიერებას. ზემოდან არის რეზონატორის ხვრელები (ლათინური ასო f-ის სახით; შემთხვევითი არ არის, რომ მათ "f-ხვრელებს" უწოდებენ). კისერი მიმაგრებულია სხეულზე; ის ჩვეულებრივ მზადდება აბონენტისაგან. ეს არის გრძელი ვიწრო ფირფიტა, რომელზედაც გადაჭიმულია ოთხი სიმი. ქინძისთავები გამოიყენება სიმების დაჭიმვისა და მოსაწყობად; ისინი ასევე თითის დაფაზე არიან.

ალტი, ჩელო და კონტრაბასი სტრუქტურით ვიოლინოს მსგავსია, მაგრამ უფრო დიდი. ალტი არც თუ ისე დიდია, მხარზე უჭირავს. ჩელო ალტიზე დიდია და დაკვრისას მუსიკოსი სკამზე ზის და ინსტრუმენტს იატაკზე, ფეხებს შორის დებს. კონტრაბასი უფრო დიდია ვიდრე ჩელო, ამიტომ შემსრულებელს უწევს ადგომა ან დაჯდომა მაღალ სკამზე და ინსტრუმენტი მის წინ მოათავსოს. დაკვრისას მუსიკოსი სიმების გასწვრივ ამოძრავებს მშვილდს, რომელიც არის ხის ხელჯოხი დაჭიმული ცხენის თმით; სიმები ვიბრირებს და მელოდიურ ხმას გამოსცემს. ხმის ხარისხი დამოკიდებულია მშვილდის მოძრაობის სიჩქარეზე და ძალაზე, რომლითაც იგი აჭერს სიმს. მარცხენა ხელის თითებით შემსრულებელი ამოკლებს სიმს, აჭერს მას სხვადასხვა ადგილას თითის დაფასთან - ამ გზით ის აღწევს სხვადასხვა სიმაღლეებიხმა. ამ ტიპის ინსტრუმენტებზე ბგერის წარმოქმნა შესაძლებელია აგრეთვე მშვილდის ხის ნაწილით სიმის ამოჭრით ან დარტყმით. მშვილდოსანი სიმების ხმა ძალიან გამომხატველია, შემსრულებელს შეუძლია მუსიკას საუკეთესო ნიუანსების დამატება.

მუსიკის ევოლუცია

მე-18 საუკუნის პირველ ნახევარში მუსიკის ევოლუცია ბრწყინვალე ეპოქას აღწევს. მე-17 საუკუნის დასაწყისში წარმოშობილი ფორმები სრულყოფილების უმაღლეს დონეს აღწევს. ოთხი დიდი ოსტატი მუშაობს ოთხში სხვადასხვა ქვეყნებში, თავისი შემოქმედებით განსაზღვრავენ ამ პერიოდის მთელ მუსიკალურ ხელოვნებას: ალექსანდრო სკარლატი იტალიაში, ჟან ფილიპ რამო საფრანგეთში, იოჰან გეორგ ჰენდელი ინგლისში და იოჰან სებასტიან ბახი გერმანიაში.

გემოვნებიდან და ტენდენციებიდან გამომდინარე, შეიძლება მათი ნამუშევრები განსხვავებულად შეფასდეს. მაგრამ ის, რომ ოთხივემ, თითოეულმა თავის სფეროში, თანაბარი სრულყოფილად შეასრულა თავისი მისია, ეჭვს არ იწვევს. მათგან ორი გერმანელია. მათი შემოქმედების ძალამ კონცენტრირება მოახდინა თავის ირგვლივ ყველაფერი მნიშვნელოვანი, რაც მანამდე მიღწეული იყო ევროპული მუსიკის მიერ.

მე-18 საუკუნის პირველ ნახევარში იტალიური მუსიკა ჯერ კიდევ დომინირებდა და, ალბათ, არასოდეს ყოფილა ასეთი ბრწყინვალე. გერმანიაში ჯერ კიდევ მე-17 საუკუნეში გაავრცელეს ჩვეულება იტალიელების თანამდებობაზე სასამართლო სამლოცველოებში და თეატრებში მსახურობისა და მთელი იტალიური ოპერის დაარსების ჩვეულებაც კი. სპექტაკლების ბრწყინვალება და პომპეზურობა აღემატებოდა იმ დრომდე ნანახს. იტალიელები ყველგან ჩნდებიან და პირველ ადგილებს იკავებენ ინგლისში, პოლონეთში, რუსეთში და არა მხოლოდ გერმანიაში. მხოლოდ საფრანგეთი მტკიცედ ეწინააღმდეგება იტალიური ოპერის შემოტევას და თანაბრად უარყოფს მის ცუდ და კარგ მხარეებს.

ვენეციას განშორების შემდეგ ნეაპოლი ხელმძღვანელობდა მე-18 საუკუნის დასაწყისში. მუსიკალური მოძრაობაოპერის სფეროში. ფრანჩესკო პროვენზეალესა და ალექსანდრო სკარლატის წყალობით ნეაპოლი, რომელსაც აქამდე მნიშვნელოვანი როლი არ ჰქონდა მუსიკის განვითარებაში, თავის სახელს ანიჭებს სკოლას კონკრეტული მიმართულების და ამით ადიდებს.

ფრანჩესკო პროვენცეალე არის არაერთი ოპერების კომპოზიტორი: კომიკური ("მისი ცოლის მონა"), სერიოზულად უძველეს თემებზე (კიროსი, კრერკსი, ერითრეა და ა.შ.). ფრანჩესკო პროვენზეალეს გავლენა მოახდინა ვენეციელებმა, მაგრამ შედეგად მან შეიმუშავა სტილი, რომელიც მალე გახდა დამახასიათებელი მთელი ნეაპოლიტანური საოპერო სკოლისთვის, შემდეგ კი მე-18 საუკუნის მთელი იტალიური ოპერისთვის.

ალექსანდრო სკარლატი დაიბადა 1659 წელს სიცილიაში, გარდაიცვალა ნეაპოლში მე -17 საუკუნეში, კარისიმის სტუდენტი, 1679 წელს რომში პირველი ოპერის "უდანაშაულო შეცდომა" დადგმის შემდეგ, იგი გახდა დირიჟორი 1680 წელს შვედეთის დედოფლის ქრისტინას კარზე. , რომელიც რომში ცხოვრობდა. 1694 წელს სკარლატი გახდა ვიცე-მეფის დირიჟორი ნეაპოლში. XVII 03-დან XVII 08 წლამდე ის მართავს მეტრიზას (მუსიკალურ სკოლას) რომის ერთ-ერთ ეკლესიაში, შემდეგ ისევ ბრუნდება ნეაპოლში. სკარლატის ნამუშევრების რაოდენობა კოლოსალურია: მხოლოდ 1 XVIII ოპერა, 700 კანტატა და ა.შ.

ნეაპოლიტანური სკოლის სტილი მკვეთრად განსხვავებულია გამოხატული თვისებები. პირველ რიგში, ეს არის მელოდიური სტილი, რომელიც მთლიანად დაფუძნებულია ჩვენს მოდალურ და ტონალურ მაჟორ-მინორულ სისტემაზე. მელოდია არის ნეაპოლიტანური მუსიკის მთავარი ელემენტი, უხვად გაფართოებული მელოდია, ვნებიანი და მძაფრი, ძლიერი, უშუალო განცდის გამომხატველი. ეს გრძნობა ყველასთვის საერთოა – მაშინვე, პირველივე ბგერებიდან, გასაგები. ამრიგად, მელოდია ნეაპოლიტანურ სკოლაში ყველაზე ძლიერი განმაზოგადებელი და გამაერთიანებელი სოციალური ფაქტორია. მელოდიურობა (ვოკალურობა) ამ ლირიკულ-დრამატული მუსიკის არსებითი თვისებაა. აქედან მოდის მისი ფორმები, აქედან მოდის ნეაპოლიტანური ოპერების ექსპრესიული მელოდიური რეჩიტატივები მდიდარი ინსტრუმენტული თანხლებით, აქედან მოდის ამ ოპერების მთელი უნიკალური სტრუქტურა: არიების თანმიმდევრობა, რომლებიც დაკავშირებულია რეჩიტატივებთან.

ჟან ფილიპ რამო (1683-XVII 64) მე-18 საუკუნის საოპერო ხელოვნების ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელია საფრანგეთში. რამომ პირველად აჩვენა თავისი მუსიკალური მოღვაწეობა, როგორც ორგანისტ-თეორეტიკოსმა და როგორც კლავესინისა და რელიგიური მუსიკის კომპოზიტორმა. მხოლოდ XVII 33-ში მოახერხა თავისი ყურადღების მიპყრობა, როგორც თეატრის კომპოზიტორმა თავისი ოპერით „იპოლიტე“.

ეს თავიდან ბოლომდე ორიგინალური, ტიპიური ფრანგული ნამუშევარია: ყველაფერი ზომიერად, ყველაფერი ნათელია, ყველაფერი დაბალანსებულია, გრძნობას ზომიერებს გონიერება, გემოვნება და საზოგადოებრივი თავაზიანობის, გალანტურობისა და ირონიის ჩარჩოებით თავშეკავებული ადამიანის ჩვეული დისციპლინა. . რამოს მუსიკა არის სრული კონტრასტი იტალიური ტექსტის სენსუალურ სიშიშვლესთან და გერმანულ „საკუთარ თავში ჩაძირვასთან“, პირად ფსიქიკურ ცხოვრებაში. მართალია, რამოს შემოქმედებაში - იშვიათი შემთხვევა - ისინი გაერთიანდნენ დიდი კომპოზიტორიდა დიდი თეორეტიკოსი. კომპოზიტორის ტემპერამენტი კლებულობს მკვლევარის რაციონალურობით და, პირიქით, სპეკულაციურ დასკვნებს ამყარებს კომპოზიტორის გამჭრიახობა და განცდა, რადგან რამოს თეორიული ნაწარმოებები მაინც უფრო პრაქტიკოსი მუსიკოსის ნამუშევარია, გამოცდილებიდან გამომდინარე, ვიდრე ნამდვილი. მოაზროვნე.

რამოს მუსიკა ფიგურალური, პლასტიკური და თეატრალურია. მე-19 საუკუნის ბოლომდე თეატრი საფრანგეთის ინტელექტუალური ცხოვრების ერთ-ერთი უმნიშვნელოვანესი ორგანო იყო. მე-17 და მე-18 საუკუნეების ფრანგული მუსიკის უმეტესობა, ბერლიოზის ჩათვლით, ფიგურალური და პლასტიკურია და არის თეატრისა და ბალეტის მუსიკა. ყველა კონცერტი და კამერული მუსიკასაფრანგეთი კუპერინის სუიტებიდან დებიუსის საორკესტრო ნამუშევრებამდე და ბერლიოზის სიმფონიის და ორატორიოს ცენტრში ასოცირდება თეატრალურობასთან. აქ არის რამოს კიდევ რამდენიმე ოპერა: გალანტური ინდიელები (XVII 35), კასტორი და პოლუქსი (XVII 37) ჰებეს ტრიუმფები (XVII 39) დარდანუსი (XVII 39).

გლუკის რეფორმა ძალიან მნიშვნელოვანი იყო მუსიკალური დრამის ისტორიისთვის. მისი ამოსავალი წერტილი იყო ნეაპოლიტანური ოპერა, მაგრამ თავად რეფორმა მოხდა საფრანგეთის ტერიტორიაზე. თავის მუსიკაში გლუკმა გამოხატა თავისი ეპოქის ახალი იდეალები და შექმნა ნაწარმოები, რომელიც ჯერ კიდევ ეწინააღმდეგება დროს. უძველესი მითიგაცოცხლდა გულწრფელი და გულწრფელი, ბროლი სუფთა მუსიკადა მარტივი მოქმედებით: არა ინტრიგა, არა შუალედი, არა უმნიშვნელო პერსონაჟები(ერთი პათეტიკური კუპიდონი ჩნდება როგორც დათმობა ძველ საოპერო გემოვნებაზე). გუნდი და ბალეტი ქმნიან ორგანულ კავშირებს მოქმედებაში, ვიდრე შემთხვევითი ჩასმა. ცნობილი "არა" - ჯოჯოხეთის ჩრდილების მკაცრი პასუხი ორფეოსის ლოცვებზე - ერთ-ერთი ყველაზე ძლიერი დრამატული ეფექტია, ცეკვა და სიმღერა ელისეის მინდვრებში ერთ-ერთი ყველაზე შემაშფოთებელი მომენტია დასავლეთ ევროპის თეატრალურ მუსიკაში.

„ორფეოსი“ იტალიური ტექსტით იყო შედგენილი და მთავარი როლიც ალტისთვის იყო განკუთვნილი. მაგრამ იტალიელებს, მიჩვეულები სრულყოფილ სენსუალურ მელოდიას და კულტურული ფერის სიმდიდრეს, ვერ ხვდებოდნენ „ორფეოსის“ დრამატულად გამომხატველი მუსიკის სიმარტივე. გლუკმა განაგრძო თავისი მოღვაწეობა და შესთავაზა ვენეციელ საზოგადოებას ალკესტი, რასაც მოჰყვა სხვა ოპერა, პარიზი და ელენე.

XVIII საუკუნის პირველ ნახევარში, ჰენდელის (1685-XVII 59) და ბახის შემოქმედებით, გერმანულმა მუსიკამ ორი გიგანტური, მიუწვდომელი მწვერვალი დაწინაურდა. კარიერის დასაწყისში ჰენდელი ნეაპოლიტანური გავლენის ქვეშ იყო. ვინაიდან ის დომინანტური იყო, ისეთი ძლიერი ნიჭი, როგორიც ჰენდელის ნიჭი იყო, ვერ გადალახავდა მას და ამით არ გამდიდრებდა ტექნიკას. მისი ადრეული ნამუშევრები იტალიურ სტილში არ არის ექსპრესიული სილამაზის გარეშე, მაგრამ ისინი ჯერ კიდევ არ აძლევენ მთელ ჰენდელს. რაც მასში იყო საუკეთესო და ორიგინალური, სრულად ვერ გამოიხატებოდა მისთვის უცხო ფორმებში. გლუკის (და მოგვიანებით მოცარტის) მსგავსად, მას უნდა შეექმნა საკუთარი ხელოვნება. ინგლისმა, თავისი მრავალსაუკუნოვანი, მჭიდროდ ორგანიზებული საგუნდო რელიგიური მუსიკით, მისცა მას გავლენის სწორი საშუალება. პირადად მისთვის ძნელი იყო ოპერების წარუმატებლობისა და მთელი ბრძოლის ატანა საოპერო ბიზნესისთვის, მაგრამ მუსიკის თვალსაზრისით, ჰენდელის წარუმატებლობა ამ სფეროში აბსოლუტურად კარგ შედეგად უნდა ჩაითვალოს: წარუმატებლობამ ჰენდელს თვალები აუხილა და მარჯვნივ გაგზავნა. გზა, შესაძლოა მისი ნების საწინააღმდეგოდ. ჰენდელი წერდა ორატორიებს - ძირითადად მუსიკალურ დრამებს. აქ არის ჰენდელის ყველა ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარი ამ ტიპის: მესია (XVII 42) აკისე და გალატეა, ესთერი - XVII 32, დებორა - XVII 33, ალექსანდრეს ფესტივალი ან მუსიკის ტრიუმფი - XVII 36, საული - XVII 38, ისრაელი ეგვიპტეში - XVII 39, სამსონი - XVII 43, ბელშაცარი - XVII 44, იუდა მაკაბელი - XVII 46, იოსები - XVII 48, სუსანა, სოლომონი, თეოდორა, იფთა - XVII 48-XVII 51.

იოჰან სებასტიან ბახი (1685 - XVII 50) არის ევოლუციის გრძელი ჯაჭვის ბოლო წერტილი. ბახის ნამუშევრებია შენობის ძლიერი თაღები და უზარმაზარი ძეგლის გუმბათი. ბახის გავლენა უფრო ძლიერად იგრძნობოდა არა მის სიცოცხლეში, არამედ მე-19 საუკუნის დასაწყისიდან. და თუ არ შეიძლება დაეთანხმო მისი ხელოვნების თანამედროვე თაყვანისმცემელთა აზრს, რომ ბახი არის ყველაფრის შემოქმედი ევროპული მუსიკა, მაშინ ჩვენ შეგვიძლია სრულად მივიჩნიოთ ის მისი მამა თანამედროვე მუსიკა. ბახს არასოდეს ჰქონია შანსი ეწვია იტალიაში. მაშასადამე, მისმა თხზულებებმა შეინარჩუნა წმინდა გერმანული სიბრმავე. ამიტომ, თავისი დროის მუსიკის მცოდნეთა უმეტესობამ, უკვე მიჩვეული იყო ნეაპოლიტანური სკოლის რბილ რიტმებს, აქცენტებსა და კატილენებს, არ ესმოდა მისი ბრწყინვალე ნამუშევარი და სათანადო ყურადღებას არ აქცევდა: მისი კომპოზიციები პომპეზურად ჩანდა. სტუდენტების მცირე წრის და რამდენიმე გერმანელი ორგანისტის გარეთ, ბახის გავლენა მის ეპოქაზე უკიდურესად შეზღუდული იყო. მისი ნამუშევრები ძალიან იშვიათად იყო გრავირებული. მათი უმეტესობა დარჩა ხელნაწერებში და გადაწერა თავად კომპოზიტორმა.

ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი (XVII 56-XVII 91) მამამისის ლეოპოლდ მოცარტის მოსწავლე იყო. გამოჩენილი მევიოლინედა მასწავლებელი, რომელმაც გამოიცნო შვილის გენიალურობა და სიცოცხლე მიუძღვნა მის ჩამოყალიბებას. მიუნხენში, XVII 75 წლის კარნავალზე, შეადგინა ოპერა "კარის მებაღე", ხოლო იმავე წელს - "მწყემსი მეფე". XVII 81 წელს მიუნხენში შესრულდა მისი სერიოზული კლასიკური იტალიური ოპერა იდომენეო. XVII 82-ში შესრულებულია "გატაცება სერალიოდან"! XVII 86 წელს ვენენში დადგა "ფიგაროს ქორწინება". XVII 87 წელს პრაღაში აჩვენეს დონ ჟუანი. XVII 88 შედგენილია სამი დიდი სიმფონია g-moll, Es-dur და c-dur. XVII 90 წელს მან დაწერა ოპერა „ასე აკეთებს ყველა“. XVII 91 წელს დაიწერა ბოლო ოპერები "ტიტუსი", "ჯადოსნური ფლეიტა" და "რეკვიემი".

XVII გვიანი მუსიკალური კულტურა - XVIII დასაწყისშისაუკუნე მნიშვნელოვნად განსხვავდება წინა საუკუნეებისგან. ის მწვერვალზე ავიდა არა მხოლოდ რუსეთში, არამედ სხვა ქვეყნებშიც. ევროპის სოციალურ და კულტურულ სფეროებში ცვლილებები ხელს უწყობს ახალი არაევროპული მუსიკალური ფენომენების ჩართვას, ხოლო აუდიო მედიაზე მუსიკალური პროდუქტების მოხმარება ცვლის მუსიკისადმი დამოკიდებულებას. მისი გაგება იწყება, როგორც გლობალური ფენომენი და ძლიერდება მისი სამომხმარებლო და გასართობი ფუნქცია. როლი იზრდება პოპულარული კულტურადა პოპულარული მუსიკალური ჟანრები, ისინი გამოყოფილია ელიტური, დასავლეთ ევროპის კულტურისგან მუსიკალური კლასიკადა პროფესიულ-აკადემიური საკომპოზიტორო საქმიანობა.

ჩამოტვირთვა:

გადახედვა:

შესავალი

მე -17 საუკუნე - დასაწყისი ახალი ერამუსიკაში, განთავისუფლდა ეკლესიის ბატონობისაგან, შეიძინა ჟანრების, ფორმების, ფერების და გამოხატვის საშუალებების მზარდი მრავალფეროვნება. ყველაზე მნიშვნელოვანი ნაბიჯიამ გზაზე გაჩნდა ოპერა, საერო ხელოვნება, რომელმაც მემკვიდრეობით მიიღო რენესანსის იდეები, ხაზს უსვამდა მელოდიის სილამაზესა და ექსპრესიულობას, სოლო სიმღერებს და ადამიანური გრძნობების სიმდიდრეს. ფლორენციისა და რომის სამთავროების სასახლეებიდან ოპერა ვენეციის პირველ ოპერის თეატრში 1637 წელს მოვიდა. იმ პერიოდის იტალიური ოპერის მწვერვალია მუსიკალური დრამის შემქმნელის კლაუდიო მონტევერდის ნამუშევარი, სადაც მუსიკა განვითარდა მჭიდრო კავშირში. დრამატული მოქმედება, დახატა პერსონაჟების რთული და ჭეშმარიტი პერსონაჟები.

ფრანგული საოპერო სკოლის დამფუძნებელი ჟან ბატისტ ლული დრამატული თეატრის გამოცდილებას ეყრდნობოდა.

საოპერო ხელოვნების შეუდარებელი მაგალითი მისი დახვეწილობისა და ლირიკული გამოხატვის სიღრმეში დატოვა ინგლისელმა კომპოზიტორმა ჰენრი პერსელმა.

ვოკალურ ჟანრთან ერთად ვითარდება ინსტრუმენტული ჟანრები. ორღანის, ბაროკოს ხელოვნების მეფეს, მოვიდა კლავესინი. იტალიელი D. Frescobaldi, გერმანელები D. Buxtehude, Handel და ყველაზე დიდი - J. S. Bach წერდნენ ამ ინსტრუმენტებისთვის. იტალიაში ქ სრული ხმაგაისმა ვიოლინო. არკანჯელო კორელის ვიოლინოს სონატები, ანტონიო ვივალდის სავიოლინო კონცერტები და მათი საორკესტრო კონცერტები მრავალი კომპოზიტორისთვის იყო მოდელი. ინსტრუმენტულმა მუსიკამ პიკს მიაღწია XVIII საუკუნის II ნახევარში.

მუსიკალური კულტურა ასევე განვითარდა რუსეთში. მე-17 საუკუნის შუა ხანებში რუსეთის მუსიკალურ კულტურაში აშკარად იგრძნობოდა ახალი ტენდენციები, შეიცვალა დამოკიდებულება მუსიკისადმი და მისი ადგილი ცხოვრებაში, გაჩნდა ახალი ჟანრები, ფორმები და სტილისტური პრინციპები.

ის, რომ რუსული მუსიკა შუა საუკუნეებში ჩამორჩებოდა დასავლეთ ევროპულ მუსიკას, უდავოა. მუსიკა, ისევე როგორც სხვა სახის მხატვრული შემოქმედება, განვითარდა ძველი რუსეთიარა მხოლოდ ნელა, ვიდრე ქვეყნებში დასავლეთ ევროპა, არამედ სხვა გზებითაც. მან შექმნა საკუთარი უნიკალური ღირებულებები, რომლებიც გამოირჩეოდა ნათელი ორიგინალურობითა და ორიგინალურობით.

მუსიკა საფრანგეთში მე -17 - მე -18 საუკუნის დასაწყისში

ფრანგულმა მუსიკამ განიცადა თავისი ძლიერი და ბრწყინვალე, მართლაც კლასიკური და მდიდარი პოსტ-რენესანსული პერიოდი ერთ საუკუნეზე ცოტა ნაკლები ხნის განმავლობაში. საფრანგეთში მთელი კულტურული და ისტორიული ეპოქა წარსულში გადადიოდა.

ფრანგული მუსიკის ისტორიაში მე-17 საუკუნე აღინიშნა შთამბეჭდავი კულმინაციით. ამ ბრწყინვალე ზოლმა მნიშვნელოვანი გავლენა იქონია ხელოვნების შემდგომ განვითარებაზე არა მხოლოდ საფრანგეთში, არამედ მის საზღვრებს მიღმაც.

Რთული გზა ისტორიული განვითარებაეკლიანი იყო ხალხისთვის. სისხლიანი ომებიდაუჯდა მას უზარმაზარი გაჭირვება და უთვალავი მსხვერპლი. მასები დაჩაგრულნი იყვნენ ჰონორარი, გაუსაძლისი გადასახადებისა და გადასახადების ტვირთის ქვეშ, მაშინ როცა ფეოდალური თავადაზნაურობა, ოფიციალური ბიუროკრატია და სასულიერო პირები ენით აუწერელ ფუფუნებაში იხრჩობოდა. სინათლისა და სიბნელის ამ წინააღმდეგობებით და მიუხედავად მათი საფრანგეთი XVIIსაუკუნეებმა შექმნა კლასიციზმის დიდი ხელოვნება, მის ჩრდილში იზრდებოდა და მომწიფდა ფრანგული მუსიკა.

ეროვნული აღზევებისა და კიდევ უფრო დიდი ეროვნული გაჭირვების ეპოქაში, საფრანგეთის ხალხი, თავისუფლებისმოყვარე და მხიარული, მუშაობს მინდვრებში და ვენახებში, ტყეში, ქალაქის სახელოსნოებსა და ქარხნებში, სასტიკ ბრძოლებში და ბოლოს ოჯახში. წრე კერა და სახლიგანაგრძო მისი სიმღერების შედგენა და სიმღერა, ჯერ კიდევ, როგორც რენესანსის დროს, ტემპერამენტული, მახვილგონივრული, დამცინავი, ტრაგიკული. მათ, როგორც ადრე, კვლავ ასახავდნენ ქვეყნის ცხოვრებას მისი ისტორიის ახალ ფაზაში, ხალხის გამოსახულებებს მათი შრომით, მშვიდობიანი და ძალადობრივი, მათი საჭიროებებით, ვნებებითა და საზრუნავით, სიხარულითა და მწუხარებით.

შემორჩენილია რამდენიმე სიმღერა, რომლის ავთენტურობა ზუსტად არის დადგენილი. იმ დროიდან ჩვენამდე მოღწეულ კრებულებში, რომლებიც გამოცემულ იქნა პარიზში, ლიონში, რუანში და სხვა ქალაქებში გამომცემლებისა და მოყვარული ფოლკლორისტების მიერ Bayard, Christophe, Leroy, თავად მელოდიები. ხალხური წარმოშობაშერეული პროფესიონალი კომპოზიტორებისა და მომღერლების ნაწარმოებებთან - მაგიდის სიმღერები, საცეკვაო სიმღერები, სათამაშო სიმღერები, სასიყვარულო სიმღერები. ეს სიმღერები, რომლებიც ოსტატურად აღადგენდნენ ნამდვილი ფოლკლორის ინტონაციურ სტრუქტურას, ხშირად იძენენ ძალიან ფართო პოპულარობას და გავრცელებას ხალხში. შედეგად, ჩამოყალიბდა ერთგვარი „სიმღერის ამალგამი“, რომელშიც ძნელი ჩანს ავთენტური ფოლკლორის მარცვლების ამოცნობა. ზოგჯერ ლიტერატურული წყაროები მოდიან სამაშველოში. ამგვარად, პოპულარული ლირიკული "Mon pere m" a donne un mari" ("მამაჩემმა ქმარი მაჩუქა") ნახსენებია პოლ სკარონის "კომიკურ ნოველაში", ხოლო ყოველდღიური "Si le Roi m" avait donne" ("თუ. მხოლოდ მეფე მომცემდა“ ) მოლიერის მიერ დასახელებული. სოფლის მრგვალი საცეკვაო სიმღერები, რომლებიც ჟანრის ადრეული შუა საუკუნეებით თარიღდება, უფრო ორიგინალურად არის შემონახული. რაც შეეხება ურბანულ ფოლკლორს, რომელიც ერთ დროს წარმოდგენილი იყო პონტ-ნეიფის მომღერლების რეპერტუარში, ეს რეპერტუარიც ძალიან მრავალფეროვანი იყო: იგი შედგებოდა სასამართლო არიებისგან, პლებეურად განმეორებით ინტონირებული, საოპერო ნაწყვეტებისგან (განსაკუთრებით ლულის დროიდან). ) და მხოლოდ ნაწილობრივ ნამდვილი "სიმღერები" ხელოსნები." ეს უკანასკნელი მოიცავს პოპულარულ რონდის მელოდიებს: „En revenant des noces“ („ქორწილი დაბრუნდი“) ან „Jl nous faut des tondeurs“ („დაგვჭირდებოდა ცხვრის გაპარსვა“) და ზოგიერთი სხვა, მათ შორის გლეხური (ფართოდ ცნობილი "მთესველის სიმღერა" - "Chanson de 1" aveine, ჩვეულებრივ შესრულებული მცირე დრამატიზაციის სახით).

სამი უდიდესი ფრანგი კომპოზიტორი - ლული, ფრანსუა კუპერინი უმცროსი და რამო დაწერეს airs de cour და პატივადაც კი მიაჩნდათ თავიანთი ინსტრუმენტული ნაწარმოებების წარდგენა ასეთი ადაპტაციისთვის, მით უმეტეს, რომ სიტყვიერი ტექსტების შეკვეთა დაიწყო საუკეთესო პოეტებისგან. კუპერინის ზოგიერთი რონდო ასევე იყო ქვეტექსტი, მათ შორის მისი ცნობილი კლავესინური ნაწარმოები "ამ ადგილებში სუფევს ყველაზე ნაზი მარშმელოუ" - პიესა, რომელიც გამოირჩევა მელოდიური ხმების განსაკუთრებულად დახვეწილი და ელეგანტური ორნამენტით.
მე-18 საუკუნის დასაწყისის ჟანრი air de cour შევიდა საოცრად სწრაფი დაცემის პერიოდში და, ადრეულ კლასიციზმთან საკმაოდ სინქრონულად, ჩავარდა.

იმ საუკუნის ფრანგული სოციალური აზროვნება მდიდარი და მრავალფეროვანი იყო. იგი ნათლად ასახავდა კლასთა ბრძოლას და თავად მოქმედებდა, როგორც მკვეთრი იდეოლოგიური იარაღი ამ ბრძოლაში.

ბრწყინვალე ფილოსოფოსი, მათემატიკოსი და ბუნებისმეტყველი რენე დეკარტი, რომელიც ასწავლიდა დუალისტურ მსოფლმხედველობას, მაინც იყო მამაცი მოაზროვნე და მებრძოლი თეოლოგიური სქოლასტიკის წინააღმდეგ. იგი ამტკიცებდა ადამიანის გონების პირველობასა და შემეცნებით ძალას, ცოდნის სიცხადისა და განსხვავებულობის კრიტერიუმებს.

დეკარტის აზრები მუსიკაზე, გამოხატული მის მიმოწერაში ჰაიგენსთან, მერსენთან და ადრე სისტემატურად წარმოდგენილი ცნობილ ტრაქტატში „Compendium musicae“ (1650), იყო გამჭრიახი და ნაყოფიერი. ისინი, როგორც წყლის წვეთი, ასახავდნენ დიდი მოაზროვნის დუალიზმს, მის მებრძოლს, როგორც უკომპრომისო რაციონალისტს და მის დაჟინებულ, თუმცა არა უტყუარ, ჭეშმარიტების ძიებას.

თეორიის სფეროში ფრანგმა მუსიკოსებმა ძალიან გაბედული და მნიშვნელოვანი ნაბიჯები გადადგნენ XVII საუკუნის პირველ ნახევარში. 1636-1637 წლებში გამოჩენილმა მკვლევარმა, მცირეწლოვანმა ბერმა მარენ მერსენმა გამოაქვეყნა ტრაქტატი "უნივერსალური ჰარმონია", რომელშიც ეს ლათინური გონება, ლაიბნიცისა და იოჰანეს კეპლერის თანამედროვე, პირველად ბოეთიუსისა და ეირიგენას შემდეგ ცდილობდა გამოესახა ადგილი. მუსიკის სამყაროში და ადამიანის ცხოვრებაში.

რუსო არის ისტორიკოსი, პოლიტიკური მოაზროვნე, რომელმაც დაწერა 1789 წლის რევოლუციის მთელი მეცნიერული დასაბუთება - ტრაქტატი „სოციალური კონტრაქტი“ და ამავე დროს არის ფრანგული კომიკური ოპერის ფუძემდებელი. ლიტერატურული და ფილოსოფიური კავშირების ეს სიგანე და ნაყოფიერება ერთ-ერთია დამახასიათებელი ნიშნებიმე-17-18 საუკუნეების ფრანგული მუსიკა.

მუსიკა ჟღერდა და განვითარდა, წამოაყენა ახალი ჟანრები, ფიგურული სფეროები, შემოქმედებითი მანერები - მხოლოდ ცოცხალ კომუნიკაციაში ხელოვნების სხვა სფეროებთან და სახეობებთან. იმ დროს ფრანგული დრამატული თეატრი, პოეზია, ფერწერა და არქიტექტურა ბრწყინვალე ზრდის პერიოდს განიცდიდა, რომელიც თავისი მნიშვნელობითა და მხატვრული დამსახურებით შეიძლება შევადაროთ არა მხოლოდ შუა საუკუნეების გოთიკას, არამედ რენესანსსაც კი, რომლის დროსაც ის იყო. შეიგრძენი მემკვიდრე.

ჩნდება ახალი ჟანრი - კლასიციზმი - ძლიერი და ღრმა ხელოვნება, რომელიც უყვარს ფრანგ ხალხს და გამოხატავს მათ გენიალურობას.კლასიციზმის ჭკუა იყო ფრანგული ოპერა XVII საუკუნე. მისი დაბადება მნიშვნელოვანი მოვლენა იყო ქვეყნის ეროვნული კულტურის ისტორიაში, რომელმაც მე -17 საუკუნის მეორე ნახევრამდე თითქმის არ იცოდა სხვა საოპერო ხელოვნება, გარდა იმპორტირებული იტალიურისა. თუმცა ფრანგული მხატვრული კულტურის ნიადაგი მისთვის სრულიად უცხო და უნაყოფო არ იყო.

ასევე არსებობდა ფრანგული ბალეტის ორი ტიპი: დრამატული და კომიკური. ეს უკანასკნელი განსაკუთრებით პოპულარული იყო.

განვითარება მუსიკალური თეატრისაერთოდ არ მისდევდა ელემენტარულ სქემას: ჯერ - ბალეტი, შემდეგ - ოპერა. მოხდა ჟანრების შერწყმა.

კომპოზიტორმა ლულიმ ასევე დებიუტი შეასრულა ამ ჟანრებში ადრეულ პერიოდში. თავის „ლირიკულ ტრაგედიებში“ (როგორც ეძახდნენ მის ოპერებს) ლულიმ შემოიტანა დეკლამაციის ელემენტები და დიდი ყურადღება დაუთმო გუნდებსა და ცეკვებს.

მე-18 საუკუნეში ბურჟუაზიის მზარდი გავლენით ჩამოყალიბდა მუსიკალური და სოციალური ცხოვრების ახალი ფორმები. თანდათან კონცერტები სცილდება სასახლის დარბაზებისა და არისტოკრატული სალონების საზღვრებს. INა.ფილიდორი (დანიკანი)ორგანიზებული პარიზირეგულარული საჯარო „სულიერი კონცერტები“, ქF. J. Gossec-მა დააარსა სამოყვარულო კონცერტების საზოგადოება. აკადემიური საზოგადოების „აპოლონის მეგობრების“ საღამოები (დაარსებული ქმუსიკის სამეფო აკადემიის მიერ ორგანიზებული ყოველწლიური კონცერტების სერია იყო.

XVIII საუკუნის 20-30-იან წლებში. კლავესინი უმაღლეს მწვერვალს აღწევს. ფრანგ კლავესინთა შორის წამყვანი როლი ეკუთვნისფ.კუპერინი, პიესების მსგავსებისა და კონტრასტის პრინციპებზე დაფუძნებული უფასო ციკლების ავტორი. კუპერინთან ერთად J.F.Dandre და განსაკუთრებითJ.F. რამო.

IN 1733 წრამოს ოპერის „იპოლიტე და არიკას“ წარმატებულმა პრემიერამ ამ კომპოზიტორს სასამართლო ოპერაში - სამეფო მუსიკის აკადემიაში წამყვანი ადგილი უზრუნველჰყო. რამოს შემოქმედებაში ლირიკული ტრაგედიის ჟანრმა კულმინაციას მიაღწია. მისი ვოკალური და დეკლამატური სტილი გამდიდრებული იყო მელოდიური და ჰარმონიული გამომეტყველებით. მისი ორნაწილიანი უვერტიურა დიდი მრავალფეროვნებით გამოირჩევა, მაგრამ მის შემოქმედებაში ასევე წარმოდგენილია იტალიურ საოპერო „სინფონასთან“ მიახლოებული სამნაწილიანი უვერტიურა. რიგ ოპერებში რამო ელოდა მრავალ გვიანდელ მიღწევას მუსიკალური დრამის სფეროში, ამზადებდა ნიადაგს საოპერო რეფორმისთვის.კ.ვ.გლუკი. რამოს ეკუთვნის მეცნიერული სისტემა, რომლის რიგი დებულებები საფუძვლად დაედო თანამედროვე დოქტრინას.ჰარმონია(„ტრაქტატი ჰარმონიის შესახებ“, 1722; „ჰარმონიის წარმოშობა“, 1750 და სხვ.).

მე-18 საუკუნის შუა ხანებისთვის ლულის, რამოს და სხვა ავტორების გმირულ-მითოლოგიურმა ოპერებმა შეწყვიტეს ბურჟუაზიული აუდიტორიის ესთეტიკური მოთხოვნილებების დაკმაყოფილება. მათი პოპულარობა ჩამოუვარდება XVII საუკუნის ბოლოდან ცნობილ მკვეთრად სატირულ სამართლიან სპექტაკლებს. ეს სპექტაკლები მიზნად ისახავს საზოგადოების "უმაღლესი" ფენების ზნეობის დაცინვას და ასევე სასამართლო ოპერის პაროდიას. ასეთი კომიკური ოპერების პირველი ავტორები იყვნენ დრამატურგები A. R. Lesage და S. S. Favara. სამართლიანი თეატრის წიაღში მომწიფდა ახალი ფრანგული საოპერო ჟანრი - საოპერო კომიქსი. მისი პოზიციის განმტკიცებას ხელი შეუწყო პარიზში ჩამოსვლამ1752 წიტალიური საოპერო დასი, რომელმაც დადგა სერიაოპერის ბუფე, მათ შორის " მოახლე-ბედია„პერგოლეზი და საოპერო ხელოვნების საკითხებზე დაპირისპირება, რომელიც გაჩაღდა იტალიური ოპერის ბუფას მხარდამჭერებსა (ბურჟუაზიულ-დემოკრატიულ წრეებს) და მოწინააღმდეგეებს (არისტოკრატიის წარმომადგენლებს) - ე.წ. "ბუფონის ომი".

პარიზის დაძაბულ ატმოსფეროში ამ დაპირისპირებამ განსაკუთრებული აქტუალობა შეიძინა და საზოგადოების დიდი გამოხმაურება მოჰყვა. მასში აქტიურ მონაწილეობას იღებდნენ ფრანგი მოღვაწეებიგანმანათლებლობა, რომელიც მხარს უჭერდა "ბუფონისტების" დემოკრატიულ ხელოვნებას და რუსოს პასტორალს "სოფლის ჯადოქარი" () საფუძვლად დაედო პირველ ფრანგულ კომიკურ ოპერას. მათ მიერ გამოცხადებულმა ლოზუნგმა „ბუნების იმიტაცია“ დიდი გავლენა მოახდინა მე-18 საუკუნის ფრანგული საოპერო სტილის ჩამოყალიბებაზე. ენციკლოპედისტთა ნაშრომები ასევე შეიცავს ღირებულ ესთეტიკურ და მუსიკალურ თეორიულ განზოგადებებს.

მე-17 და მე-18 საუკუნეების დასაწყისი ერთ-ერთი მნიშვნელოვანი და ბრწყინვალე პერიოდია ფრანგული მუსიკის ისტორიაში. მუსიკალური ხელოვნების განვითარების მთელი პერიოდი.

მუსიკალური კულტურა რუსეთი XVII– XVIII საუკუნე

რუსულ კულტურაში არც ერთი წინა საუკუნე არ გამოირჩეოდა ისეთი მრავალფეროვნებით, წინააღმდეგობების სიუხვით და სხვადასხვა მიმართულების ტენდენციებს შორის ურთიერთობის სირთულით, როგორც მე -17 საუკუნე. ორი ძირითადი ეპოქის მიჯნაზე, იგი ამთავრებს ძველი რუსეთის პერიოდს და ამავე დროს ემზადება რუსეთის ისტორიაში ახალი პერიოდის დასაწყებად.

ახალმა ტენდენციებმა თანდათან შეარყია შუა საუკუნეების რელიგიური მსოფლმხედველობის საფუძვლები, შეაღწია კულტურისა და ცოდნის სხვადასხვა სფეროებში. ამავე დროს, ძველმა კვლავ შეინარჩუნა ძლიერი პოზიცია. ლიტერატურასა და ხელოვნებაში, ძველი რუსეთის ტრადიციები განაგრძობდა განვითარებას და ღირებული ნაყოფის მიღებას.

ძველსა და ახალს შორის ბრძოლა მე-17 საუკუნის ხელოვნებაშიც აისახება. IN მხატვრული შემოქმედებაროლი რეალისტური დასაწყისი. ლიტერატურაში ჩნდება წმინდა საერო ჟანრები. ლიტერატურისა და ხელოვნების განახლების ერთ-ერთი უმნიშვნელოვანესი წყარო იყო ხალხური ხელოვნება. საეკლესიო გალობის ხელოვნება ტენდენციების ბრძოლას არ შორდებოდა. 50-იანი წლებიდან რუსულად საეკლესიო სიმღერადამკვიდრდა პარტეს მრავალხმიანობის სტილი, რითაც თანდათან გვერდი აუწია ძველი ერთხმიანი სიმღერის ტრადიციას. ზნამენური მონოფონიური სიმღერიდან პოლიფონიურ პარტის სიმღერაზე გადასვლა შეუძლებელია მკაცრად განსაზღვრულ თარიღამდე. ეს პროცესი ხანგრძლივი და ეტაპობრივი იყო. მე-17 საუკუნის მეორე ნახევრის განმავლობაში ორივე სტილი აგრძელებდა ერთმანეთთან „თანაცხოვრებას“ და თანაბარი რჩებოდა. მხოლოდ საუკუნის ბოლოს გახდა პარტეს სიმღერის სტილი დომინანტი.

ღრმა ცვლილებები რუსული ხელოვნების მთელ სტრუქტურაში XVII კულტურასაუკუნეები ასოცირდებოდა ხელოვნებისადმი ახალ დამოკიდებულებასთან, მისი მნიშვნელობისა და ადგილის ახლებურ გაგებასთან ადამიანის ცხოვრებაში.

მე-17 საუკუნის მოწინავე მუსიკალური და ესთეტიკური აზროვნების ერთ-ერთი ყველაზე ღირსშესანიშნავი ძეგლია კრემლის მოსკოვის სრეტენსკის ტაძრის დეკანოზის, იოანიკი კორნევის ტრაქტატი „ღვთაებრივი გალობის შესახებ“.

მე-17 საუკუნეში საერო მუსიკალურმა ხელოვნებამ ჯერ კიდევ ვერ შეძლო ეკლესიის სრული ტრიუმფი და რუსული საზოგადოების კულტურულ ცხოვრებაში დომინანტური მნიშვნელობა შეიძინა. მაგრამ მისი როლი საგრძნობლად იზრდება, ჩნდება მუსიკალური ხელოვნების ახალი ჟანრები და სახეები.

Ხალხური მუსიკალური შემოქმედებაასევე პირველ ადგილზეა. საქორწილო ცერემონია ფართოდ იყო გავრცელებული. მაგრამ ისინი ყველაზე ფართოდ აისახა ფოლკლორის ხელოვნება სოციალური პროცესებიდა მე-17 საუკუნის რუსული რეალობის მოვლენები, სავსე მწვავე შეჯახებით.

Ერთად ტრადიციული ტიპები სიმღერის ფოლკლორიგაჩნდა ახალი ჟანრები. ეს მოიცავს, უპირველეს ყოვლისა, სოციალური პროტესტის სიმღერებს, რომლებიც მრავალფეროვანია თემით და ხასიათით - კომიკურ-სატირული, ეპიკური, „გაბედული“ სიმღერები სახალხო აჯანყებების შესახებ, ხალხისთვის საყვარელი განმათავისუფლებელი ბრძოლის გმირების შესახებ. სტეპან რაზინის შესახებ სიმღერების ფართო სპექტრი შეიქმნა. ამ სიმღერების ჩანაწერები გაკეთდა არა უადრეს მე-18 საუკუნის მეორე ნახევრისა.

მე-17 საუკუნეში გაიზარდა მუსიკის ახალი ევროპული ფორმების შეღწევა რუსული საზოგადოების ცხოვრებაში. გამოჩნდნენ „გერმანული“ მუსიკის მრავალი მოყვარული, რომლებიც საკუთარ საცხოვრებელ სამლოცველოებს ინახავდნენ; მუსიკოსები პოლონეთიდან, გერმანიიდან და ჰოლანდიიდან მოწვეულნი არიან სასამართლო ცერემონიებისა და გასართობი მიზნებისთვის.

მე-17 საუკუნეში ევროპული სასამართლო ეტიკეტის ერთ-ერთი სავალდებულო აქსესუარი იყო თეატრი. ამ მხრივ დასავლური ფეოდალური მონარქიების გვერდის ავლით სურვილი რუსეთში პირველი თეატრის შექმნის მიზეზი გახდა. ამ თეატრის სცენაზე ბალეტი "ორფეოსი", სპექტაკლი "ჯუდიტი", სპექტაკლი "კომედია უძღები შვილი" და უფრო მეტი.

მე-17 საუკუნის ბოლოს რუსულ მუსიკაში საკონცერტო სტილის აყვავება დაკავშირებულია ნიკოლაი დილეცკის, როგორც კომპოზიტორის, თეორეტიკოსისა და მასწავლებლის საქმიანობასთან. მაღალკვალიფიციური და განათლებული მუსიკოსი, ფართო პერსპექტივით, დილეცკიმ ახალი პერსპექტივები გაუხსნა რუსული მუსიკას. რუსულ მუსიკაში ამ პერიოდმა დიდი ბიძგი მისცა მუსიკალური კულტურის განვითარებას.

დასკვნა

მე-17 საუკუნის ბოლოს - მე-18 საუკუნის დასაწყისის მუსიკალური კულტურა მნიშვნელოვნად განსხვავდება წინაგან. ის მწვერვალზე ავიდა არა მხოლოდ რუსეთში, არამედ სხვა ქვეყნებშიც. ევროპის სოციალურ და კულტურულ სფეროებში ცვლილებები ხელს უწყობს ახალი არაევროპული მუსიკალური ფენომენების ჩართვას, ხოლო აუდიო მედიაზე მუსიკალური პროდუქტების მოხმარება ცვლის მუსიკისადმი დამოკიდებულებას. მისი გაგება იწყება, როგორც გლობალური ფენომენი და ძლიერდება მისი სამომხმარებლო და გასართობი ფუნქცია. იზრდება მასობრივი კულტურისა და პოპულარული მუსიკალური ჟანრების როლი, ისინი გამოყოფილია ელიტის კულტურის, დასავლეთ ევროპის მუსიკალური კლასიკოსებისა და პროფესიული აკადემიური საკომპოზიტორო საქმიანობისგან.

მე-17 და მე-18 საუკუნეების ბოლოს. იწყება ახალი მუსიკალური კანონები, რომლებსაც კომპოზიტორები და მუსიკოსები დიდხანს გაჰყვებიან. ამ საუკუნემ მსოფლიო მუსიკას მისცა, რომელმაც ფასდაუდებელი წვლილი შეიტანა მსოფლიო კულტურულ მემკვიდრეობაში. მე -18 საუკუნის კომპოზიტორები ცნობილია ისეთი პიროვნებებით, როგორიცაა:

ეს არის ერთ-ერთი უდიდესი გერმანელი კომპოზიტორი, რომლის პიროვნებისა და შემოქმედებისადმი ინტერესი დროთა განმავლობაში არ ქრება, პირიქით, იზრდება. მაგრამ, სამწუხაროდ, მას სიცოცხლეშივე არ მიუღია აღიარება. იოჰანს მუსიკის გარდა სხვა კარიერა არ ჰქონდა, რადგან მისი წინაპრები განთქმულნი იყვნენ მუსიკალურობით.

Დაიბადა მომავალი გენიოსი 1685 წელს ქალაქ ეიზენახში. მუსიკაში პირველი ნაბიჯები მამას ევალება, რომელმაც ვიოლინოზე დაკვრა ასწავლა. ბახს ლამაზი ხმა ჰქონდა და ქალაქის სკოლის გუნდში მღეროდა. მის გარშემო მყოფებს ეჭვი არ ეპარებოდათ, რომ ბიჭი შესანიშნავი მუსიკოსი გახდებოდა.

ნაადრევად ობოლი გახდა, 15 წლის ასაკში, იოჰანმა დაიწყო დამოუკიდებელი ცხოვრება. მიუხედავად იმისა, რომ ახალგაზრდა კომპოზიტორი ცხოვრობდა დამძიმებულ ვითარებაში და ხშირად მოძრაობდა, ბახის ინტერესი მუსიკისადმი არასოდეს შენელდა; ის მუდმივად აფართოებდა მუსიკის ცოდნას თვითგანათლებით.

თავისი თანამემამულე კომპოზიტორებისგან განსხვავებით, რომლებიც ყველაფერში ცდილობდნენ უცხოელი მუსიკოსების მიბაძვას, ბახი თავის ნაწარმოებებში აქტიურად იყენებდა გერმანულ ხალხურ სიმღერებსა და ცეკვებს. მაგრამ იოჰანი იყო არა მხოლოდ ნიჭიერი კომპოზიტორი, არამედ შესანიშნავი შემსრულებელი ორღანისა და კლავესინზე. თუ მას კომპოზიტორად არ იცნობდნენ, მაშინ ყველა აღიარებდა მის ოსტატობას ამ ინსტრუმენტებზე დაკვრის.

მაგრამ სასამართლო საზოგადოებას არ მოსწონდა კომპოზიტორის მუსიკა: ის ძალიან კაშკაშა, ემოციური და ადამიანური იყო. მაგრამ მიუხედავად იმისა, რომ საზოგადოებამ არ აღიარა მისი ნამუშევრები, ის არასოდეს მოერგო მათ გემოვნებას. შენი საუკეთესო მუსიკალური ნაწარმოებებიბახი წერდა ლაიფციგში, სადაც ოჯახთან ერთად გადავიდა საცხოვრებლად და სიცოცხლის ბოლომდე დარჩა. იქ მან შექმნა ყველაზეკანტატები, „წმინდა იოანეს ვნებანი“, „მათე ვნებანი“, მესა ბ მინორში.

კომპოზიტორის ყველაზე დიდი სიხარული, თანადგომა და თანადგომა მისი ოჯახი იყო. ვაჟები ასევე გახდნენ ნიჭიერი მუსიკოსები და პოპულარობა ბახის სიცოცხლეშივე მოიპოვეს. მისი მეორე ცოლი და უფროსი ქალიშვილი ძალიან მშვენიერი ხმა. ამიტომ, იოჰანმა განაგრძო მუსიკალური ნაწარმოებების წერა ოჯახისთვის.

სიცოცხლის ბოლო წლებში ბახს მხედველობის სერიოზული პრობლემები დაეწყო, წარუმატებელი ოპერაციის შემდეგ კი დაბრმავდა. მაგრამ ამის მიუხედავად, მან არ მიატოვა შემოქმედება და განაგრძო კომპოზიციების შექმნა, კარნახით ჩაწერისთვის. მისი სიკვდილი პრაქტიკულად შეუმჩნეველი დარჩა მუსიკალურ საზოგადოებაში და ის მალევე დავიწყებას მიეცა. მისი მუსიკისადმი ინტერესი მხოლოდ 100 წლის შემდეგ გაჩნდა, როდესაც მენდელსონის თაოსნობით შესრულდა მისი ერთ-ერთი ულამაზესი ქმნილება „St. Matthew Passion“ და ამავე დროს გამოვიდა მისი მუსიკალური კომპოზიციების კრებული.

მუსიკის ეს გენიოსი არ დააფასეს მისმა თანამედროვეებმა, რომლებმაც ვერ გაიგეს მისი ნიჭის სრული ძალა და სიღრმე, არ მოსწონდათ იგი ძლიერი და დამოუკიდებელი ხასიათისთვის, მაგრამ საუკუნეების შემდეგ ისინი დაინტერესდნენ მისი შემოქმედებით და აღფრთოვანებული არიან მისი ნიჭით. ვოლფგანგი დაიბადა 1756 წლის 27 იანვარს. მამამისი სასამართლოს მუსიკოსი იყო და, როდესაც ადრე შეამჩნია მოცარტის დის მუსიკალური შესაძლებლობები, დაიწყო მისი მუსიკის სწავლება.

ამით დაიწყო ვოლფგანგის მოღვაწეობა. ბიჭმა მუსიკისადმი განსაკუთრებული შესაძლებლობები ადრეულ ასაკში გამოავლინა: 5-6 წლის ასაკში მან უკვე შექმნა თავისი პირველი მუსიკალური ნაწარმოებები, ამასთან გააჩნდა უნიკალური მუსიკის ყური და საოცარი მეხსიერება. მამა, როცა ხედავს, რომ მის შვილს იშვიათი მუსიკალური ნიჭი აქვს, გადაწყვეტს საკონცერტო ტური დაიწყოს, რათა ვოლფგანგმა დიდება მოიპოვოს და სასამართლოს მუსიკოსი არ გახდეს.

მაგრამ იმისდა მიუხედავად, რომ ყველა აღფრთოვანებული იყო ბიჭით და 12 წლის ასაკში მისი ნამუშევრები ცნობილი გახდა, საზოგადოებამ ვერ შეძლო მისი სრული პოტენციალის შეფასება. ახალგაზრდა მუსიკოსი. ამიტომ, ტურიდან დაბრუნების შემდეგ, ვოლფგანგი სასამართლოს მუსიკოსი გახდა და ძალიან განიცდიდა იმ ვითარებას, რომელშიც ის აღმოჩნდა. მაგრამ არ სურდა შეეგუა უპატივცემულობას და არასათანადო მოპყრობას, მან დატოვა ზალცბურგი ვენაში.

ვენაში ყოფნის დროს მისი ნიჭი აყვავდა. მალე ის დაქორწინდა ლამაზი გოგოსახელად კონსტანცე ვებერი და მშობლების უკმაყოფილებამაც კი ვერ შეუშალა ხელი მათ ბედნიერებას. ვენაში გატარებულ წლებს იოლად ვერ ვუწოდებთ, პირიქით. გაჭირვებაში ყოფნისას მოცარტი ძალიან მძიმედ მუშაობდა, რამაც მის ჯანმრთელობაზე იმოქმედა. მიუხედავად იმისა, რომ მისი ოპერები "ფიგაროს ქორწინება" და "დონ ჯოვანი" წარმატებულია, საზოგადოება მაინც ვერ აცნობიერებს ვოლფგანგის სრულ გენიალურობას.

სიკვდილამდე ცოტა ხნით ადრე მოცარტმა დაწერა თავისი უდიდესი ნამუშევარი- ოპერა "ჯადოსნური ფლეიტა". პარალელურად ქმნის „რეკვიემს“, მაგრამ არ აქვს დრო, რომ დაასრულოს. 1791 წლის 4-5 დეკემბრის ღამეს ბრწყინვალე კომპოზიტორი გარდაიცვალა. მისი გარდაცვალების გარემოებები დღემდე უცნობია, რაც ექსპერტებს შორის ბევრ კამათს იწვევს. მხოლოდ მისი გარდაცვალების შემდეგ მუსიკალური საზოგადოებადა მთელმა მსოფლიომ აღიარა მოცარტის გენიალურობა და მისი ნამუშევრები დღემდე შედევრად ითვლება მუსიკაში.

მისი "სეზონები" რამდენიმე საუკუნის მანძილზე სხვა გენიალური ნაწარმოებების ტოლფასია. ვირტუოზი მევიოლინე, რომელმაც აღიარება სიცოცხლეშივე მიიღო, ბევრი იმოგზაურა, შესანიშნავი მასწავლებელი - ეს ყველაფერი ცნობილზეა იტალიელი კომპოზიტორიანტონიო ვივალდი.

ანტონიო დაიბადა 1678 წლის 4 მარტს და გახდა ოჯახში ერთადერთი შვილი, რომელმაც მუსიკალური კარიერა აირჩია. მისი მუსიკალური ნიჭიძალიან ადრე გამოჩნდა და მისი პირველი მასწავლებელი იყო ჯოვანი ბატისტა, რომელმაც იმ დროისთვის ვირტუოზის სახელი მოიპოვა. მისი შესრულების სტილის შესწავლა ვარაუდობს, რომ ბიჭი გაკვეთილებს ატარებდა სხვა ცნობილი მუსიკოსებისგან.

ახალგაზრდა ანტონიო გადაწყვეტს აირჩიოს მღვდლის კარიერა და 1693 წლის 18 დეკემბერს იღებს ყველაზე დაბალ საეკლესიო წოდებას. მოგვიანებით მან მიიღო კიდევ სამი „ქვედა“ და ორი „უმაღლესი“ საეკლესიო წოდება, რომელიც აუცილებელი იყო მღვდლობის მისაღებად. მაგრამ მიუხედავად სულიერი კარიერისა, ვივალდიმ წარმატებით განაგრძო მუსიკის დაკვრა.

და მისმა ინტენსიურმა სწავლამ შედეგი გამოიღო: ანტონიო დაინიშნა მასწავლებლად ვენეციის ერთ-ერთ საუკეთესო „კონსერვატორიაში“. მისმა ფართო და მრავალფეროვანმა მუსიკალურმა მოღვაწეობამ „კონსერვატორია“ ერთ-ერთ ყველაზე თვალსაჩინო გახადა ქალაქში. შემოქმედების დასაწყისში კომპოზიტორმა დიდი ყურადღება დაუთმო ინსტრუმენტულ მიმართულებას, რაც აიხსნება იმით, რომ იტალიის ჩრდილოეთი ნაწილი და ვენეცია ​​საუკეთესო ინსტრუმენტალისტების ცენტრად ითვლებოდა.

ანტონიო ვივალდიმ პოპულარობა მოიპოვა იტალიის ფარგლებს გარეთ, მისი ნამუშევრები წარმატებული იყო და მასთან სწავლა დიდ პატივად ითვლებოდა. მანტუაში კომპოზიტორი ხვდება ანა ჟიროს და მის და პაოლინას. მალე ორივე გოგონა გახდა ვივალდის სახლის მუდმივი მცხოვრები, რამაც გამოიწვია ეკლესიის ხელმძღვანელობის უკმაყოფილება, რომელსაც უკვე არ მოსწონდა ის, რომ ანტონიო ხშირად მოგზაურობდა.

1737 წლის 16 ნოემბერს, კარდინალის სახელით, კომპოზიტორს აეკრძალა ფერარაში შესვლა, რაც იმ დღეებში სირცხვილად ითვლებოდა. ეს იმას ნიშნავდა, რომ ახლა ვივალდის მთელი სულიერი კარიერა განადგურდა და საკმაოდ მნიშვნელოვანი მატერიალური ზიანი მიაყენა. მისი ურთიერთობა "კონსერვატორიის" ხელმძღვანელობასთან უფრო და უფრო უარესდებოდა. და ეს არ იყო მხოლოდ მისი ხშირი მოგზაურობა - ვივალდის მუსიკა უკვე ძველმოდურად ითვლებოდა.

1740 წლის ბოლოს ანტონიო დაშორდა "კონსერვატორიას", რომელიც მას მრავალი წლის დიდებას ემსახურებოდა. ხანგრძლივი მოგზაურობისთვის ემზადება და ფინანსური სირთულეების წინაშე დგას, ვივალდი აწყობს თავისი კონცერტების გაყიდვას დაბალ ფასად. 62 წლის ასაკში კომპოზიტორი გადაწყვეტს დატოვოს იტალია და იპოვნოს ბედნიერება სხვა ქვეყნებში. მაგრამ, მიუხედავად იმისა, რომ ოდესღაც ყველამ მიიღო და მისი ნამუშევრები აღფრთოვანებული იყო, სიცოცხლის ბოლოს ანტონიო ვივალდი ყველამ დაივიწყა და მიატოვა. ცნობილი იტალიელი ვირტუოზი გარდაიცვალა 1741 წლის 28 ივლისს ვენაში. ის იმდროინდელი კომპოზიტორების ერთ-ერთი გამორჩეული წარმომადგენელია და მის ინსტრუმენტულ კომპოზიციებს ღირსეული ადგილი უჭირავს მსოფლიო მუსიკალურ მემკვიდრეობაში.

მე-18 საუკუნის კომპოზიტორებმა დიდი გავლენა მოახდინეს მუსიკის მომავალ განვითარებაზე, თუმცა მათ სიცოცხლეში ყოველთვის არ მიიღეს აღიარება და პოპულარობა. უბრალოდ, იმ ეპოქის საზოგადოებამ ვერ დააფასა მათი ნიჭის სრული ძალა, მათი სილამაზე და სიღრმე. მათზე დაწესებული ჩარჩო ძალიან ვიწრო იყო მათი ნიჭისთვის, მათთვის მუსიკა იყო ცხოვრების აზრი. მაგრამ მათმა შთამომავლებმა შეძლეს მათი შრომის დაფასება და მათი ბრწყინვალე ნამუშევრები დღემდე გრძელდება ყველა კონცერტზე.

1. ინგლისური მუსიკის მოკლე ისტორია
2. მოუსმინეთ მუსიკას
3. ინგლისური მუსიკის გამოჩენილი წარმომადგენლები
4. ამ სტატიის ავტორის შესახებ

ინგლისური მუსიკის მოკლე ისტორია

წარმოშობა
  წარმოშობა ინგლისური მუსიკა- კელტების მუსიკალურ კულტურაში (ხალხი, რომელიც ცხოვრობდა პირველ ათასწლეულში თანამედროვე ინგლისისა და საფრანგეთის ტერიტორიაზე), რომელთა მატარებლები, კერძოდ, იყვნენ ბარდები (ძველი კელტური ტომების მომღერალი-მთხრობელები). ინსტრუმენტულ ჟანრებს შორისაა ცეკვები: ჯიგი, ქვეყნის ცეკვა, რქა.

მე-6-მე-7 სს
  VI საუკუნის ბოლოს. - VII საუკუნის დასაწყისი ვითარდება საეკლესიო საგუნდო მუსიკა, რომელთანაც ასოცირდება პროფესიული ხელოვნების ფორმირება.

მე-11 - მე-14 სს
  მე-11-14 სს. Გავრცელება მუსიკალური და პოეტურიმინსტრული. მინსტრელი - შუა საუკუნეებში, პროფესიონალი მუსიკოსი და პოეტი, ზოგჯერ მთხრობელი, რომელიც ემსახურებოდა ფეოდალს. XIV საუკუნის II ნახევარში. ვითარდება საერო მუსიკალური ხელოვნება, იქმნება ვოკალური და ინსტრუმენტული სასამართლო სამლოცველოები. მე-15 საუკუნის პირველ ნახევარში. ჩნდება პოლიფონისტების ინგლისური სკოლა, ჯონ დანსტაბლის ხელმძღვანელობით

მე-16 საუკუნე
  მე-16 საუკუნის კომპოზიტორები
კ.ტაი
დ ტავერნერი
თ.ტალისი
D. Dowland
დ.ბული
სამეფო კარზე საერო მუსიკის ცენტრი გახდა.

მე-17 საუკუნე
 მე-17 საუკუნის დასაწყისში. ჩამოყალიბდა ინგლისური მუსიკალური თეატრი, რომელიც წარმოიშვა საიდუმლო პიესებიდან (შუა საუკუნეების მუსიკალური და დრამატული ჟანრი).

მე-18-19 სს
  მე-18-მე-19 საუკუნეები - კრიზისი ინგლისურ ეროვნულ მუსიკაში.
 უცხოური გავლენები შეაღწევს ეროვნულ მუსიკალურ კულტურაში, იტალიური ოპერა იპყრობს ინგლისელ მაყურებელს.
ინგლისში მოღვაწეობდნენ გამოჩენილი უცხოელი მუსიკოსები: G. F. Handel, I. K. Bach, J. Haydn (2-ჯერ ეწვია).
  მე-19 საუკუნეში ლონდონი ევროპული მუსიკალური ცხოვრების ერთ-ერთ ცენტრად იქცა. აქ იმოგზაურეს: ფ. შოპენი, ფ. ლისტი, ნ. პაგანინი, გ. ბერლიოზი, გ. ვაგნერი, გ. ვერდი, ა. დვორაკი, პ. ი. ჩაიკოვსკი, ა. კ. გლაზუნოვი და სხვები. შეიქმნა კოვენტის თეატრი - ბაღი ( 1732), სამეფო მუსიკის აკადემია (1822), უძველესი მუსიკის აკადემია (1770, პირველი საკონცერტო საზოგადოება ლონდონში)

XIX-XX საუკუნეების მიჯნა.
  ჩნდება ეგრეთ წოდებული ინგლისური მუსიკალური აღორძინება, ანუ მოძრაობა ეროვნული მუსიკალური ტრადიციების აღორძინების მიზნით, რაც გამოიხატება ინგლისურ ენაზე მიმართვაში. მუსიკალური ფოლკლორიდა მე-17 საუკუნის ოსტატების მიღწევები. ეს ტენდენციები ახასიათებს ახალი ინგლისური კომპოზიციის სკოლის მუშაობას; მისი გამორჩეული წარმომადგენლები არიან კომპოზიტორები E. Elgar, H. Parry, F. Dilius, G. Holst, R. Vaughan Williams, J. Ireland, F. Bridge.

შეგიძლიათ მუსიკის მოსმენა

ინგლისური მუსიკის გამოჩენილი წარმომადგენლები

  G. Purcell არის მეჩვიდმეტე საუკუნის უდიდესი კომპოზიტორი.
  11 წლის ასაკში პერსელმა დაწერა თავისი პირველი ოდა, რომელიც მიეძღვნა ჩარლზ II-ს. 1675 წლიდან პერსელის ვოკალური ნაწარმოებები რეგულარულად იბეჭდებოდა სხვადასხვა ინგლისურ მუსიკალურ კრებულებში.
  1670-იანი წლების ბოლოდან. პერსელი არის სტიუარტის სასამართლო მუსიკოსი. 1680-იანი წლები - პერსელის შემოქმედების აყვავების დღე. იგი ერთნაირად წარმატებით მუშაობდა ყველა ჟანრში: ფანტასტიკისთვის სიმებიანი საკრავები, მუსიკა თეატრისთვის, ოდები - მისასალმებელი სიმღერები, პერსელის სიმღერების კრებული "ბრიტანული ორფეოსი". მისი სიმღერების ბევრმა მელოდიამ, ხალხურ ჰანგებთან ახლოს, მოიპოვა პოპულარობა და იმღერა პერსელის სიცოცხლეში.
  1683 და 1687 წლებში გამოიცა ტრიო კრებულები - სონატები ვიოლინოსა და ბასისთვის. ვიოლინოს ნაწარმოებების გამოყენება იყო ინოვაცია, რომელმაც გაამდიდრა ინგლისური ინსტრუმენტული მუსიკა.
  პერსელის შემოქმედების მწვერვალია ოპერა "დიდო და ენეასი" (1689), პირველი ეროვნული ინგლისური ოპერა (ვირგილიუსის "ენეიდაზე" დაფუძნებული). ეს არის ყველაზე დიდი ფენომენი ინგლისური მუსიკის ისტორიაში. მისი სიუჟეტი გადამუშავებულია ინგლისური ხალხური პოეზიის სულისკვეთებით - ოპერა გამოირჩევა მუსიკისა და ტექსტის მჭიდრო ერთიანობით. პერსელის სურათებითა და გრძნობებით მდიდარი სამყარო მრავალფეროვან გამოხატულებას პოულობს - ფსიქოლოგიურად ღრმადან უხეშ პროვოკაციულებამდე, ტრაგიკულიდან იუმორისტულამდე. თუმცა, მისი მუსიკის დომინანტური განწყობა სულიერი ლირიზმია.
 მისი შემოქმედების უმეტესობა მალევე დავიწყებას მიეცა და პერსელის ნამუშევრები ცნობილი გახდა მხოლოდ მე-19 საუკუნის ბოლო მესამედში. 1876 ​​წელს მოეწყო პერსელის საზოგადოება. მისი მოღვაწეობისადმი ინტერესი დიდ ბრიტანეთში ბ.ბრიტენის საქმიანობით გაიზარდა.

B.E. Britten (1913 - 1976)

  მე-20 საუკუნის ინგლისური მუსიკის ერთ-ერთი უდიდესი ოსტატი - ბენჯამინ ბრიტენი - კომპოზიტორი, პიანისტი და დირიჟორი. მუსიკის წერა 8 წლის ასაკში დაიწყო. 1929 წლიდან სწავლობს სამეფოში მუსიკალური კოლეჯილონდონში. უკვე მის ახალგაზრდულ ნამუშევრებში გამოიკვეთა მისი ორიგინალური მელოდიური ნიჭი, ფანტაზია და იუმორი. ადრეულ წლებში ბრიტენის შემოქმედებაში მნიშვნელოვანი ადგილი ეკავა სოლო ვოკალურ და საგუნდო ნაწარმოებებს. ბრიტენის პირადი სტილი ნაციონალურს უკავშირდება ინგლისური ტრადიცია(სწავლა შემოქმედებითი მემკვიდრეობაპერსელი და სხვები ინგლისელი კომპოზიტორებიმე -16 - მე -17 საუკუნეებში). ბრიტენის საუკეთესო ნამუშევრებს შორის, რომლებმაც აღიარება მიიღეს ინგლისში და სხვა ქვეყნებში, არის ოპერები "პიტერ გრაიმსი", "ოცნება". ზაფხულის ღამე" და სხვა. მათში ბრიტენი ჩნდება როგორც დახვეწილი მუსიკალური დრამატურგი - ნოვატორი. "ომის რეკვიემი" (1962) არის ტრაგიკული და გაბედული ნაწარმოები, რომელიც ეძღვნება მწვავე თანამედროვე პრობლემები, გმობს მილიტარიზმს და მოუწოდებს მშვიდობისაკენ. ბრიტენმა გასტროლები გამართა სსრკ-ში 1963, 1964, 1971 წლებში.

მუსიკალური ბენდებიმე -20 საუკუნე
"Როლინგ სტოუნზი"

  1962 წლის გაზაფხულზე გიტარისტმა ბრაიან ჯონსმა მოაწყო ჯგუფი, რომლის სახელი იყო Rolling Stones. როლინგ სტოუნსი შედგებოდა მიკ ჯაგერისგან (ვოკალი), ბრაიან ჯონსი და კიტ რიჩარდსი (გიტარა), ბილ უაიმენი (ბასი - გიტარა) და ჩარლი უოტსი (დრამი).
  ამ ჯგუფმა ბრიტანულ სცენაზე მოუტანა მძიმე და ენერგიული მუსიკა, შესრულების აგრესიული სტილი და მოდუნებული ქცევა. მათ უგულებელყვეს სასცენო კოსტიუმები და ეცვათ გრძელი თმა.
 ბითლზებისგან განსხვავებით (რომლებიც სიმპათიას იწვევდნენ), როლინგ სტოუნზი საზოგადოების მტრების განსახიერება გახდა, რამაც მათ საშუალება მისცა მიეღოთ მუდმივი პოპულარობა ახალგაზრდებში.

"Ხოჭოები"

  1956 წელს ლივერპულში შეიქმნა ვოკალური და ინსტრუმენტული კვარტეტი. ჯგუფის შემადგენლობაში შედიოდნენ ჯონ ლენონი, პოლ მაკარტნი, ჯორჯ ჰარისონი (გიტარა), რინგო სტარი (დრამი).
  ჯგუფმა დიდი პოპულარობა მოიპოვა სიმღერების "დიდი ბით" სტილში შესრულებით, ხოლო 60-იანი წლების შუა პერიოდიდან ბითლზის სიმღერები უფრო რთული გახდა.
  მათ პატივი მიაგეს სასახლეში დედოფლის წინაშე.

ამ სტატიის ავტორის შესახებ

ჩემს ნამუშევრებში გამოვიყენე შემდეგი ლიტერატურა:
- მუსიკალური ენციკლოპედიური ლექსიკონი. ჩ. რედ. R.V.Keldysh. 1990 წ
- ჟურნალი „სტუდენტური მერიდიანი“, 1991წ. სპეციალური ნომერი
- მუსიკალური ენციკლოპედია, ჩვ. რედ. იუ.ვ.კელდიში. 1978 წ
- თანამედროვე ენციკლოპედია„ავანტა პლუსი“ და „ჩვენი დღეების მუსიკა“, 2002 წ. რედ. ვ.ვოლოდინი.