Jeden z najbardziej znani malarze przeszłością jest Gustav Klimt, którego obrazy są dziś bardzo poszukiwane. Niestety jego dzieł jest niewiele, a wszystkie już dawno znalazły swoje miejsce w najlepszych kolekcjach na świecie. Ale kiedy zdarzy się cud i jego obrazy zostaną wystawione na aukcję, ich cena jest bajeczna.
początek czasu
Człowiek, którego nazwisko jest dziś znane każdemu intelektualiście, urodził się niedaleko stolicy Austrii, w miejscowości Baumgarten. Gustaw, urodzony 14 lipca 1862 r., był drugim dzieckiem. Jego ojciec był grawerem i jubilerem, więc wszystkim swoim licznym dzieciom udzielał pierwszych lekcji rzemiosła. Rodzina żyła w biedzie, ale w wieku czternastu lat młody talent wstępuje do szkoły artystycznej i rzemieślniczej. Tam Gustav Klimt, którego obrazy zadziwiają wszystkich bez wyjątku, studiował u takich luminarzy jak Ferdinand Laufberger i Julius Viktor Berger. Kilka lat później do tej samej placówki trafił młodszy brat artysty, Ernst. Razem malowali ze zdjęć portrety szlacheckich obywateli i sprzedawali je za sześć guldenów. To były ich pierwsze niezależne zarobki.
Pierwsze kroki w sztuce
W 1879 roku artysta Gustav Klimt, jego brat i Franz von Mach dekorują dziedziniec wiedeńskiego Muzeum Historii Sztuki, po czym otrzymują pierwsze poważne zlecenie. Z pałacu Stureny („Cztery alegorie”) i łaźni w Karlsbadzie wyłania się szczególny styl, który odróżni obrazy Gustava Klimta od dzieł innych malarzy. Dlatego trio artystów przestaje ze sobą współpracować i każdy z nich wyrusza w swoją własną podróż przez życie.
Znalezienie własnego stylu
Artysta Klimt niemal natychmiast zyskał uznanie wymagającej publiczności. Z rąk cesarza Franciszka Józefa otrzymuje Złoty Krzyż za zasługi dla sztuki po zakończeniu pracy w Burgtheater. Dlatego mistrz zostaje wysłany w podróż po Starym Świecie, podczas której odwiedza Monachium i Wenecję. Wyjazd ten dostarczył mu wielu wrażeń i inspiracji do dalszej pracy.
Po zakończeniu malowania głównej klatki schodowej Moskiewskiego Muzeum Historii Sztuki Gustav odchodzi od akademickiego sposobu rysowania. Jego szczególny sposób wykonania uzyskał już gotową formę. W kolejnych latach członkiem Związku zostaje artysta Gustav Klimt, o którego obrazach marzy każdy kolekcjoner. sztuki piękne". Ale w 1892 roku czekają go ciężkie straty: najpierw umiera jego ojciec, a potem brat Ernst. W 1894 roku Klimt wraz ze swoim wieloletnim partnerem Franzem Matchem udekorowali Uniwersytet Wiedeński, zanim Gustav pracował nad salami węgierskiego zamku Esterhazy.
Uznanie w życiu
Prace przy wnętrzach lokali, w szczególności wykonawstwo obrazy alegoryczne, trzy wydziały „Filozofia”, „Prawoznawstwo” i „Medycyna” popchnęły artystę do rysowania płócien. Zakłada w Wiedniu „Secesję” i zostaje jej prezesem, pisze swoje pierwsze pejzaże, pasjonuje się ekspresjonizmem. Obrazy Gustava Klimta z tego okresu wyróżniają się zamiłowaniem do mozaik i form zdobniczych. Jest to charakterystyczna cecha pracy mistrza w przyszłości.
Gustava Klimta, którego obrazy zostały nagrodzone złotym medalem na im światowa wystawa w Paryżu (obraz „Filozofia”), tworzy freski Beethovena. Ta jego praca, ukończona w 1902 roku, była aktywnie dyskutowana przez publiczność, a Rodin ją podziwiał. Mistrz jedzie na wycieczkę do Włoch, staje się poszukiwany, słuchają go. W 1908 roku artysta zorganizował własną wystawę, na której zaprezentował szesnaście obrazów. Dwa z nich zostały natychmiast nabyte przez renomowane instytucje – Galerię Sztuki Nowoczesnej w Rzymie i Austriacką Galerię Państwową.
W Paryżu, który Klimt odwiedził w 1909 roku, zapoznał się z twórczością Toulouse Lautreca, Van Gogha, Gauguina, Matisse'a, Muncha, Bonnarta. Rok później bierze udział w dziewiątym obrazie „Śmierć i życie”, który został wysoko oceniony na Wystawie Światowej w Rzymie w 1911 roku. Po niej artysta ponownie wyrusza w podróż do Europy.
Ostatnie lata życia wielkiego malarza
Pomimo miłości publiczności twórczość Gustava Klimta była krytykowana przez ekspresjonistów. Po śmierci matki w 1915 roku artysta coraz częściej wybiera ciemne kolory palety. Nadal bierze udział w najbardziej prestiżowych wystawach na świecie, zostaje honorowym członkiem Akademii Sztuk Pięknych w Monachium i Wiedniu, pisze arcydzieła malarstwa. Artysta umiera na zawał serca 6 lutego 1918 roku, wyjeżdżając duża liczba niedokończona praca. Po nim umierają także inni wielcy malarze tamtych czasów.
„Pocałunek” Gustava Klimta – najsłynniejszy obraz artysty
Ta praca jest słusznie uważana za jedną z najlepszych wśród spuścizny mistrza. Powstał w 1907 roku i zaraz po prezentacji został wykupiony przez rząd Austro-Węgier. Za najbardziej uznawany jest emocjonalny, olśniewająco jasny „Pocałunek” Gustava Klimta wyraziście w historii malarstwa XX wieku. Co jest w niej szczególnego?
Na płótnie znajdują się różnego rodzaju wzory: rozsypane różnobarwne kwiaty, biegnące loki, motyw szachownicy z czarnych, białych i zielonych prostokątów, arabeski wstęgowe, skręcone spirale. Abstrakcja fragmentów naturalistycznie zinterpretowanych postaci, dziwacznych ornamentów wygląda po prostu luksusowo na złotym tle. Para, która jest przedstawiona pośrodku, objęła się i połączyła pasjonujący pocałunek. Mozaikowe stroje kochanków tylko potęgują efekt namiętności, stworzonej przez mistrza za pomocą ozdobnych detali i ich głębokiego kontrastu z elementami naturalistycznymi. Twarz dziewczynki, ręce i nogi są bardzo realistycznie pomalowane. Ale części ciała są otoczone, a miejscami całkowicie pokryte, płaszczyznami z abstrakcyjnym motywem, który pasuje do kolorów podłoża i faktury tkaniny.
Obraz ma ulubiony format artysty - kwadrat. Gustav ignoruje horyzont i głębię przestrzeni, spycha rzeczywistość i aktualny czas na dalszy plan. W ten sposób pocałunek zakochanego młodzieńca i dziewczyny nabiera uniwersalnej skali.
Symbolika pocałunku
Gustav Klimt, którego obrazy zawsze były obciążenie semantyczne i użył symboliki w Pocałunku. Tak więc na pierwszy rzut oka prostokąty przedstawione na ubraniach mężczyzny mają tylko wartość dekoracyjna. Ale są to falliczne symbole, które uosabiają męską zasadę. Łączą się z kobiecością, zaszyfrowaną w motywie kobiecego stroju. Są to spirale, koła i owale, które można uznać za artystyczne znaki kobiecych genitaliów. Ten związek jest harmonijny i energetyczny, rodzi życie i je kontynuuje.
Płótno „Pocałunek” jest absolutnie niezwykłe i oburzające. Jak każdy Poprzednia praca, miał swoich fanów i zaciekłych przeciwników. Jednak to właśnie ona wyznacza szczyt tzw. złotego okresu twórczości artysty. Obraz stał się emblematem wiedeńskiej secesji, urzekający złotą poświatą, przyćmionym erotyzmem (w końcu tylko ręce, stopy i twarze postaci ukazały się na oku), oczywistą czystością.
Cherchez la femme, czyli Szukaj kobiety
Ulubionym motywem Gustava Klimta były kobiety i ich ciała. Lubił malować sceny z mitologii, postacie biblijne, boginie olimpijskie, nimfy i zwykłe dziewczyny, które stały się nieziemskie. Otoczone złotym światłem (wiele dzieł geniusza miało właśnie takie szykowne tło) zdawały się być ideałem piękna, pięknem i uwodzicielskim zarazem. Jako prawdziwy artysta ubóstwiał płeć piękną, jej boski podziw, zmysłowość, mistycyzm i kobiecość.
Na swoich płótnach malował nagie kobiety, a dopiero potem ubierał ich ciała w bajecznie drogocenne szaty. Tajemniczy blask drogocennych kamieni, rozwiane włosy, blask jedwabistej skóry i najcieńsza suknia z pajęczyny stworzyły pokusę, zakrywającą półnagie ciało.
Fatalne damy geniuszu
Artysta przełomu wieków pochłonął wszystkie sprzeczne opinie tamtej epoki. Szukał kobiety idealnej i współczesnej, której przedstawiał na swoich obrazach. Malował nie tylko prawdziwi ludzie, którą na przykład była Sonya Knips, której portret wyraża jednocześnie lekkość, niewinność, niepokój i zamyślenie. Każda dama przedstawiona przez Gustawa jest śmiertelna. Na obrazie „Miłość” twarz bohaterki zamarła w słodkiej ekstazie, ale dalej tło cienie gęstnieją. W końcu na młodego mężczyznę i dziewczynę czeka starość i śmierć. Doskonały przykład takimi pięknościami są następujące obrazy: „Syrenka”, „ złota Rybka”, obie wersje „Judyty”, „Węże wodne”. Dzieło „Trzy wieki kobiety”, przedstawiające małą dziewczynkę, kobietę w kwiecie wieku i urody oraz staruszkę, również przepełnione jest głęboką filozofią.
Ciekawe, że mistrz nie był żonaty, chociaż miał liczne powieści. Być może nigdy nie znalazł swojego ideału…
Gustav Klimt (1862 - 1918) - austriacki malarz. Gustav Klimt jest jednym z najbardziej wybitni przedstawiciele nowoczesny styl.
BIOGRAFIA GUSTAVA KLIMTA
Urodzony na przedmieściach Wiednia w rodzinie rytownika. Absolwent Szkoła wiedeńska sztuka dekoracyjna. Wczesne prace artysty składały się głównie z dużych fresków dla teatrów i były malowane w stylu naturalistycznym. W obrazach przedstawiających postacie alegoryczne, wykonanych przez Klimta w latach 1890-1891 na sklepieniach Wielkiej Klatki schodowej wiedeńskiego Kunsthistorisches Museum, po raz pierwszy pojawiają się cechy, które stały się głównymi w jego twórczości - wyraźna sylwetka i zamiłowanie dla ornamentalizmu. Po 1898 roku twórczość Gustava Klimta nabiera bardziej dekoracyjnego, symbolicznego charakteru.
Gustav Klimt był liderem wiedeńskiej awangardy przełomu wieków. Będąc przede wszystkim artystą dekoracyjnym, Klimt przewodził wiedeńskiemu stowarzyszeniu nowatorskich artystów „Secesja” – ruchowi protestu przeciwko estetycznemu konserwatyzmowi i moralizatorstwu poprzedniego pokolenia.
Za najlepsze obrazy Klimta uważa się późniejsze portrety artysty, z ich płaskimi, niecieniowanymi powierzchniami, przezroczystymi, mozaikowymi kolorami i kształtami oraz falistymi, ozdobnymi liniami i wzorami.
Obrazy Klimta łączą dwie przeciwstawne siły; z jednej strony jest to pragnienie absolutnej swobody w przedstawianiu przedmiotów, co prowadzi do gry ornamentalnych form. Te obrazy malarza są w istocie symboliczne i należy je rozpatrywać w kontekście symbolizmu jako wyrazu świata nieosiągalnego, stojącego ponad czasem i rzeczywistością. Z drugiej strony jest to siła postrzegania natury i natury, której wpływ łagodzi blask ornamentyki w obrazach Gustava Klimta.
TWÓRCZOŚĆ GUSTAVA KLIMTA
Do najbardziej godnych podziwu dzieł artysty należy panel do Burgtheater w Wiedniu (1888), seria mozaikowych fresków w Pallas Stoclet, bogatej prywatnej rezydencji w Brukseli. Pod koniec życia w 1917 roku Klimt zdobył pełne oficjalne uznanie, zostając honorowym profesorem akademii sztuk pięknych w Wiedniu i Monachium.
Obraz Gustava Klimta „Pocałunek”. Na polu kwiatowym, z ornamentu i abstrakcyjnych form wyrasta sylwetka całującej się pary. W kolorystyce obrazu dominuje złoty ton przeplatany jasnymi plamami polnych kwiatów i bogatym wzorem ubrań. Erotyczny charakter nadają scenie zmysłowych linii, bujnej ornamentyki i pikantnego smaku - symbolu luksusu i dekadencji. Ten styl jest często określany jako Art Nouveau. Klimt namalował wiele portretów, głównie kobiet, a także kompozycje mitologiczne i alegoryczne. Szkice elementów sztuki stosowane i mozaiki Gustava Klimta odniosły ogromny sukces, ale malowidła ścienne wykonane przez artystę dla Uniwersytetu Wiedeńskiego wywołały skandal i zostały uznane krytycy sztuki„pornograficzny” z początku XX wieku. Gustaw Klimt zmarł w 1918 roku.
Secesja (niem. Sezession, z łac. secessio – odejście, separacja), nazwa zrzeszeń artystów z Monachium, Wiednia, Berlina, którzy odrzucali doktryny akademickie i występowali jako prekursorzy stylu Art Nouveau. Wiedeńska Secesja powstała w 1897 roku i zjednoczyła artystów austriackiej secesji- „styl secesyjny” (Sezessionsstil) – wokół pisma „Ver Sacrum” (Ver Sacrum), założonego w 1898 roku. Pismo było także organem austriackiego symbolizmu literackiego (Hugo von Hofmannsthal, Rainer Maria Rilke). Na czele stowarzyszenia stał malarz Gustav Klimt. Charakterystyczne cechy tym stylem w malarstwie była mozaikowa wielobarwność i wyrafinowana ornamentyka, w grafice - geometryczna wyrazistość wzoru z jego ogólną swobodną dekoracyjnością, w architekturze - rytmiczne porządkowanie podziałów, zwięzłość wystroju, racjonalność rozwiązań kompozycyjnych i konstrukcyjnych. Mistrzowie tego stylu (Josef Maria Olbrich, Otto Wagner, Josef Hofmann, Karl Moser i inni) odznaczali się zamiłowaniem do ornamentyki prostoliniowej, zachowującej geometryczną sztywność nawet w najbardziej złożone kombinacje. W związku z tym „styl secesyjny” jest czasem nazywany „stylem kwadratowym” (Quadratstill).
Sto trzydzieści pięć milionów dolarów zapłacono na aukcji w 2006 roku za „Portret Adele Bloch-Bauer”, namalowany przez Gustava Klimta w 1907 roku.
W kompozycjach otwierających i zamykających serial anime „Elven Song” Mamoru Kanbe główni bohaterowie serialu pojawiają się przed widzem w zinterpretowanej formie najsłynniejszych obrazów Gustava Klimta: „Pocałunek”, „Przytul”, „ Kobieta w trzech wiekach”, „Portret Adele Bloch-Bauer I”, „Węże wodne I”, „Węże wodne II”, „Danae”.
Trzy wieki kobiety Węże wodne 
Danae
Gustav Klimt to austriacki malarz, światowej sławy mistrz przedstawiania kobiecego ciała. W pewnym momencie artysta otrzymał rozgłos prace „nasączone” nieskrywanym erotyzmem.
Na przełomie XVIII i XIX wieku obrazy o tak szczerej treści wydawały się zbyt odważne i zszokowały koneserów sztuki, przyzwyczajonych do dzieł mistrzów. szkoła klasyczna. Ale skandalizm nie stał się przeszkodą dla sławy, której Klimt był w obfitości za życia. Przedstawiciele europejskiej secesji uważają Klimta za twórcę tego nurtu. Dziś obrazy mistrza są sprzedawane za bajeczne pieniądze.
Dzieciństwo i młodość
Z narodowości Gustav Klimt jest Austriakiem, ale czeska krew płynęła także w jego żyłach od ojca, jubilera, którego dzieciństwo i młodość spędził w Czechach. W młodości matka przyszłej malarki żyła też sztuką – marzyła o zostaniu muzykiem. Plany przerwała liczna rodzina: Gustaw – drugi najstarszy z siedmiorga potomków Klimtów, 3 synów i 4 córki.
Najjaśniejszy przedstawiciel secesji urodził się latem 1862 roku w Penzing, jednej z 23 dzielnic Wiednia. Dorastał w Baumgarten. Penzing słynie malownicza przyroda, ponieważ leży na zboczu Alp Wschodnich, a jedną trzecią obszaru zajmują Lasy Wiedeńskie.
Praca jego ojca, złotnika, nie przynosiła dochodu, który pozwoliłby rodzinie żyć w dostatku. Ale wszystkie dzieci Ernesta i Anny Klimt, gdy dorosły, wybrały sztukę. Synowie zostali artystami, córki zrobiły karierę w branży modowej.
Pierwsze kroki twórcza biografia małego Gustawa powstały pod okiem ojca, który nauczył syna mieszania farb i nakładania kresek na płótno. W wieku 14 lat młody artysta został uczniem szkoły artystycznej i rzemieślniczej w Wiedniu. Rok później w instytucja edukacyjna, działającego przy Muzeum Austriackim, wszedł także brat Gustawa, Ernst.
Klimt wybrał specjalizację w malarstwie architektonicznym. Idolem młodego człowieka podczas studiów okazał się Hans Makart, który pracował w gatunku historycznym. Co zaskakujące, w lata studenckie przyszła gwiazda Modernizm różnił się od swoich postępowych towarzyszy tym, że szanował konserwatywną zasadzkę edukacji akademickiej.
Obraz
Na początku lat 80. XIX wieku bracia Gustav i Ernst wraz ze swoim przyjacielem Franzem Maczem malowali freskami teatry prowincji austro-węgierskiej. W połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku młodzi artyści dekorowali teatr dworski i Kunsthistorisches Museum w Wiedniu, za co Franciszek Józef odznaczył najzdolniejszego z trójcy, Gustawa Klimta, Złotym Krzyżem. Odznaczenie cesarskie, otrzymane w wieku 26 lat, otworzyło mu drogę do chwały. Malarz został członkiem honorowym uniwersytetów w Wiedniu i Monachium.
Na początku lat 90. XIX wieku ojciec i brat Gustava Klimta zmarli jeden po drugim. Żałoba po stracie bliskich odcisnęła piętno na twórczości mistrza – szybko wypracował indywidualny styl, dzięki któremu obrazy stały się rozpoznawalne. W tym tragicznym czasie Klimt poznał swoją muzę Emilię Flöge, z którą nie rozstał się do końca życia.
W drugiej połowie lat 90. XIX wieku przyszły twórca secesji przewodził grupie artystów zwanej Secesją Wiedeńską. Młodzi austriaccy buntownicy odrzucili te ramy malarstwo akademickie, zaskakujące i szokujące społeczeństwo zbyt śmiałymi dziełami.
Pierwsze prace Klimta, które przyniosły mu skandaliczną sławę, były projektami. W 1894 otrzymał zamówienie na 3 obrazy na sufit auli Uniwersytetu Wiedeńskiego, które ukończył 6 lat później. Prezentacja obrazów „Filozofia”, „Medycyna” i „Orzecznictwo” społeczeństwu przerodziła się w skandal.
Oburzeni konserwatywni obywatele nazwali dzieło pornografią i wezwali do uwięzienia malarza. Gustav Klimt nie przyjmował już rządowych zamówień, ale nie zrezygnował z malowania kobiecych aktów. Jednocześnie erotyzm i zmysłowość na jego płótnach nie przekraczały cienkiej granicy, poza którą zamieniały się w wulgarność i wulgarność.
Koniec lat 90. XIX wieku nazywany jest „złotym okresem” w twórczości secesyjnego mistrza. Do dzieł tego czasu Klimt użył płatków złota, obrazy z końca lat 90. XIX wieku są najdroższe i najbardziej znane. Słynny „Pocałunek” - jasny wzór Secesja, przywodząca na myśl piękno mozaiki weneckiej. Obraz obrazu jest często używany do ozdabiania kieliszków do szampana.
W 1899 roku Gustav Klimt ponownie wywołał szok, prezentując publiczności płótno „Naga prawda”. Symboliczna naga rudowłosa dziewczyna z lusterkiem w dłoni uosabiała to bardzo „ naga prawda". Malarz odpowiedział na falę krytyki, jak można się spodziewać po genialnym awanturniku, Nowe zdjęcia z tym samym skandalicznym „charakterem”. Nazywana „Złotą rybką”, pokazała publiczności „piąty punkt” tego samego piękna z ognistymi włosami i wspaniałe formy.
Gustav Klimt był ulubieńcem losu. Był wychwalany za życia. mistrz mody bombardowani zamówieniami, które były sowicie opłacane. Mógł wybrać tematy i wątki, które wydawały mu się interesujące. Ale wszędzie element obowiązkowy byli kobiece ciała i nieskrywany erotyzm.
najbardziej znane obrazy„Złoty okres” austriackiego guru secesji nazywany jest oprócz „Pocałunku” i „Nagiej prawdy” płótnami „Portret Adele Bloch-Bauer”, „Węże wodne”, „Nadzieja”, „Trzy wieki” kobiety” i „Drzewo miłości”. Ostatnie dzieło - fresk, namalowany w latach 1905-1909, można oglądać w brukselskim Pałacu Stocleta. Fresk ma inne nazwy - „Drzewo wiedzy” i „Drzewo życia”.
Spuścizną po Gustavie Klimcie są także pejzaże malowane w jego „charakterystycznym” stylu malarstwa. Dla nich mistrz wziął kwadratowe płótna, wierząc, że taka forma „poszerza” przestrzeń. W ciągu ostatnich pięciu lat życia Klimt malował tylko pejzaże. Najbardziej znane to „Jabłoń” i „Brzozowy Gaj”.
Życie osobiste
Temperament modernisty był legendarny. Współcześni Klimtowi szeptali, że Gustav miał powiązania z prawie każdym modelem. Mistrzowi przypisuje się ojcostwo od 14 do 40 dzieci urodzonych przez panie, które zamawiały portrety, modelki i po prostu „kapłanki miłości”, którym płacił pieniądze. Mówi się, że młode damy ze szlacheckich rodów ustawiały się w kolejce i były gotowe na wiele, byle tylko dostać cenny portret samego Gustava Klimta.
Trzeba uczciwie powiedzieć, że była inna opinia: artysta nie interesował się cielesną intymnością, był zwolennikiem związków platonicznych. Ale ta wersja wydaje się wątpliwa, gdy biografowie Klimta mówią o haniebnych, ale bardzo powszechnych w koniec XIXw- początek XX wieku, choroba, na którą cierpi artysta. Gustav został nagrodzony syfilisem przez dziewczynę łatwych cnót. Fakt jest odtwarzany w obraz sztuki„Klimt”, którego premiera odbyła się w 2006 roku.
Bez względu na to, ile kobiet było w łóżku Gustava, główną muzą, która pozostała w statusie panny młodej, była Emilia Flöge, utalentowana projektantka mody i właścicielka domu mody. Poprosił ją, aby zadzwoniła, kiedy będzie umierał. Ich związek trwał 27 lat, ale nigdy nie zakończył się małżeństwem i potomstwem.
Koneserzy twórczości Klimta zauważyli, że mistrz lubił dwa typy kobiet, które malował przez całe życie. Są to bujne rudowłose piękności (takie jak „Danae”) oraz brunetki o delikatnych rysach i figurach chłopców („Adel Bloch-Bauer”).
Śmierć
Słynny austriacki malarz zmarł w lutym 1918 roku. Przyczyną śmierci 55-letniego Klimta było zapalenie płuc, które po udarze okazało się śmiertelne.
Miejscem spoczynku artysty był cmentarz Hitzing w Wiedniu. Gustav Klimt pozostawił dziesiątki obrazów, które rozpoczął, niedokończonych.
Rosyjscy koneserzy secesji w październiku 2017 roku mieli niepowtarzalną okazję zapoznać się z twórczością Gustava Klimta. Wystawa prace graficzne dwa znani przedstawiciele Art Nouveau – Gustawa Klimta i – odbyła się w Muzeum Puszkina im. .
Dzieła sztuki
- 1899-1907 - „Filozofia”
- 1899-1907 - „Medycyna”
- 1899-1907 - "Orzecznictwo"
- 1901-1902 - "Złota rybka"
- 1903 - „Brzozowy gaj”
- 1903 - „Nadzieja”
- 1904-1907 - „Węże wodne”
- 1905 - „Trzy wieki kobiety”
- 1905-1909 - "Drzewo miłości"
- 1906 - "Adel Bloch-Bauer"
- 1907–08 - Pocałunek
- 1907-1908 - "Danae"
- 1912 - „Jabłoń I”
- 1913 - „Niewinność”
- 1917 – „Adam i Ewa”
Galeria obrazów Gustava Klimta
(Niemiecki Gustawa Klimta, 14 lipca 1862 w Baumgarten – 6 lutego 1918 w Wiedniu) – artysta austriacki. Gustav Klimt to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli stylu Art Nouveau.
Gustav Klimt malował symboliczne kompozycje, portrety i pejzaże w stylu Art Nouveau, podporządkowując płaskie obrazy wyrafinowanemu rytmowi ornamentalnemu, ułamkowemu układowi drobnych plam barwnych. Klimt to przywódca wiedeńskiej awangardy przełomu wieków, aktywny członek secesyjnego środowiska nowatorskich artystów. Najlepszym dziełem Gustava Klimta są jego późniejsze portrety, z ich płaskimi, niecieniowanymi powierzchniami, przezroczystymi, przypominającymi mozaikę kolorami i kształtami oraz falistymi, ozdobnymi liniami i wzorami. Obrazy Klimta łączą dwie przeciwstawne siły; z jednej strony jest to pragnienie absolutnej swobody w przedstawianiu przedmiotów, co prowadzi do gry ornamentalnych form. Prace te są w istocie symboliczne i należy je postrzegać w kontekście symboliki jako wyrazu nieosiągalnego świata ponad czasem i rzeczywistością. Z drugiej strony jest to siła percepcji natury, której wpływ łagodzi w jego obrazach przepych ornamentyki.
Pocałunek
Muzyka
Portret pianisty Josefa Pembauera
Dama w kapeluszu i boa z piór
Audytorium starego Burgtheater w Wiedniu
„Fryz Beethovena”. Fragment
Miłość
Atena Pallas
Judyta
Dwie dziewczyny z oleandrem
Muzyka
Pływ
Nuda Veritas
Trzy wieki kobiety
Artykuł K. Bohemskaya w książce „Art Calendar 100 rocznice", M., 1987 .
Gustav Klimt to austriacki artysta, jeden z tych, których twórczość zdeterminowała artystyczny klimat Wiednia przełomu wieków.
Był synem grawera Ernsta Klimta, w młodości uczęszczał do szkoły sztuk użytkowych. W młodości był pod wpływem stylu pompatycznego malarstwo historii Hansa Makarta. Ale sam Klimt wyróżniał się przede wszystkim zamiłowaniem do dekoracyjności. Już w jego wczesnych pracach jasny blask zapożyczony od Makarta łączy się z ornamentyką. Interesuje się także portretem. w 1888 roku
wykonał akwarelę „Wnętrze starego teatru ze sceny”, na której umieścił 131 małych portretów. Klimt malował scenografie teatralne, wykonywał ilustracje do książek, wraz z bratem i innymi artystami stworzył cykl murali w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Zyskał już renomę sławny artysta, kiedy na początku lat 90. zmienił się jego styl, nabrał wyraźnego symbolistycznego kolorytu. Rozpowszechnienie stylu Art Nouveau w Europie, czy Art Nouveau, jak nazywano go w Austrii, nie tylko wzruszyło Klimta, ale okazało się, że najważniejszy czynnik jego rozwój jako artysty.
Zamiłowanie do symboliki, wyrażone w Anglii w twórczości późnych prerafaelitów, w grafice O. Beardsleya, we Francji w twórczości G. Sea, zakochało się w Klimcie, którego dzieła w dużej mierze odzwierciedlają dzieła tych artyści.
W 1897 roku Wiedeń społeczeństwo sztuki„Secesja”, której pierwszy przewodniczący, na stałe długie lata zostaje Gustavem Klimtem. Takie towarzystwa powstawały wówczas w wielu europejskich stolicach, przyczyniały się do wymiany wystaw między artystami różnych krajów, aktualizacja język artystyczny. Przeciwstawiali się oficjalnej polityce w dziedzinie sztuki i osobistym gustom mecenasów i generalnie przyczyniali się do demokratyzacji kultury artystycznej.
Wiedeńska Secesja organizowała kilka wystaw rocznie, zapraszając artystów, przedstawicieli nowych nurtów artystycznych: w 1900 roku pokazano tu prace szkockiego architekta C. R. Mackintosha i szkoły z Glasgow, w 1902 - rzeźbę Beethovena Maks Klinger, dla środowiska, którego Klimt wykonał specjalny fryz, w tym samym roku wystawiano tu sztukę francuskich impresjonistów i postimpresjonistów, dzieła O. Beardsleya, D. Whistlera.
Gustav Klimt tworzył obrazy, które w swojej koncepcji artystycznej bliskie były przedmiotom sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Same wrażenia rzeczywistości posłużyły jedynie jako pretekst do obrazu, ale nie jako jego treść. Postacie i przedmioty stylizowano w duchu secesji. Tło Klimta było zawsze płaskie, utkane z małych wzorów. Kontrastem do tego tła były iluzoryczne, wolumetryczne interpretacje fragmentów obrazu – najczęściej twarzy.
Klimt przedstawiał postacie jako wydłużone, często uciekając się do ostro wyrazistej sylwetki profilowej. Inscenizacja postaci Klimta jest czysto warunkowa, rzeźbiarska; jeśli przedstawia dwie osoby, to najczęściej jest to fabuła uścisku, pocałunku, jeśli w kompozycji jest kilka postaci, to wszystkie łączą się w jedną grupę, a wokół nich rozciąga się to samo warunkowe ozdobne tło.
Modele przedstawione przez Klimta zawsze charakteryzują się wzmożoną emocjonalnością: są nerwowe, spięte, zmysłowe, agresywne. Był to jego indywidualny ton postrzegania rzeczywistości. Zostało to ujawnione w pracach przygotowawczych Klimta - jego rysunkach. Jeśli za życia artysty jego rysunki były mało znane i nie zostały podane wielkie znaczenie, potem w ostatnie lata Dziedzictwo graficzne Klimta przyciąga duże skupienie publiczne i kolekcjonerskie. W Europie z powodzeniem odbyło się kilka wystaw poświęconych wyłącznie rysunkom Klimta.
Jeśli w obrazach i malowidłach ściennych Klimta można znaleźć wiele „cytatów * z twórczości innych artystów, uderzające jest eklektyczne pochodzenie jego stylu, pompatyczna i nadmierna stylizacja języka artystycznego, to na rysunkach, gdzie artysta krótko zapisał wrażenia na temat? charakter i plany dotyczące przyszłych obrazów, objawia się jego wnikliwość. umiejętność ukazania istoty, charakteru modelki, stworzenia wyrazistym obrazem artystycznym zwięzłymi środkami.
Bezpośredniość i szczerość Klimta jako rysownika wyjaśniają historykowi, dlaczego on, jako osobowość artystyczna miał tak ogromne wpływy w Wiedniu na przełomie skazańców. Klimt był bardzo utalentowanym artystą, ale za cel swojej pracy uważał nie ujawnienie indywidualnego spojrzenia na świat, ale stworzenie pewnego stylu wspólnego dla sztuki plastycznej i dekoracyjnej. Dlatego zapożyczył i sam stworzył pewne „klisze” obrazów i ornamentów, które stale stosował w swoich pracach i które upodabniają je do siebie. Starał się nadać swoim utworom głęboki wydźwięk filozoficzny i psychologiczny. Niejasność obrazów i skojarzeń ucieleśnionych przez Klimta. jakby echem psychoanalitycznych konstrukcji jego współczesnego, wiedeńskiego lekarza Zygmunta Freuda.
Niejasność stosowanych przez artystę symboli, podkreślana wieloznaczność w odczytywaniu wszystkich jego kompozycji sprawiała, że nie poddawały się one jednemu, ściśle ustalonemu rozszyfrowaniu, ale mogły być interpretowane przez każdego w zależności od jego doświadczenia artystycznego. Tak więc opcje odczytania jego kompozycji „Nadzieja”, powstałej w 1903 roku i przedstawiającej młodą nagą kobietę z otwartym łonem, w środku którego leży dziecko, mogą być niejednoznaczne. Za nią szkielet i kilka potworów, przypominających kontynuację życie człowieka przechodzi pod znakiem śmierci.
Wśród najbardziej znane prace Klimt należy do fryzu, który wykonał w jadalni pałacu Stocklet w Brukseli, zbudowanej przez J. Hofmanna. Sam Pałac Stoklet pod względem architektonicznym - typowa praca Art Nouveau, a fryz Klimta pasuje do stylu budynku. Na Klimta wielkie wrażenie wytworzony mozaiki bizantyjskie, co jest szczególnie widoczne w scenerii tego pałacu. Właściwie mozaikowatość była jego nieodłączną cechą malowniczy styl- całe płaszczyzny na swoich obrazach komponował z pojedynczych kawałków koloru, wszelkiego rodzaju zawijasów i fragmentów zdobniczych. We fryzie Pałacu Stoklet pracuje bezpośrednio w technice mozaiki: barwna kompozycja składa się z kolorowej emalii, szkła, ceramiki, metalu, częściowo złoconego, kości słoniowej, masy perłowej.
Użycie drogich, egzotycznych materiałów w tym fryzie jest również w stylu Art Nouveau. Na tle fryzu drzewa o konarach stylizowanych na spiralne loki, z liśćmi i ptakami. We fryzie znajdują się również wizerunki postaci ludzkich – „Oczekiwanie” w postaci postaci kobiecej, której suknię zdobi ornament z loków i trójkątów przedstawiających oko. Twarz jest tak podobna do japońskiej, że można by pomyśleć, że jest kopią ryciny popularnego wówczas Hiroeige. Dwie pozostałe postacie łączą się w uścisku, przypominającym kompozycją motyw wielokrotnie powtarzający się w obrazach Klimta.
Jeśli fryz w Pałacu Stoklet był odpowiedni i łączył się z architekturą i gustem klienta, to panele dekoracyjne wykonane przez Klimta dla auli Uniwersytetu Wiedeńskiego wywołały niezadowolenie i nigdy nie zostały umieszczone w miejscu, do którego były przeznaczone . Tematyka panelu to „Prawoznawstwo*”, „Filozofia” i „Medycyna”. Panel „Medycyna” przedstawiał różne fazy życia człowieka, były tam figury matki z dzieckiem i kobiety w ciąży, przywodzące na myśl obraz „Nadzieja”, jestem starą kobietą, skopiowany z jednej z rzeźb Rodina. Połączenie naturalizmu obrazu ze złożonym schematem spekulatywnym zadecydowało o dominacji fabuły i idei nad kunsztem dzieła. To był powód niepowodzenia planu Klimta.
Ogólnie rzecz biorąc, w pierwszych latach naszego stulecia Klimt wielokrotnie wchodzi w konflikt z opinią publiczną, która nie akceptuje jego dzieł. W 1903 r. urządza się Secesja wystawa indywidualna Klimta, ale po tym artysta zrywa ze skojarzeniem, co wskazuje na jego nieporozumienia z kolegami.
Niemniej jednak, choć Klimt nie był artystą równym i nie zawsze był rozumiany przez współczesnych, miał ogromny wpływ na rozwój sztuki austriackiej na początku XX wieku. Klimt jako pierwszy wprowadził pojęcie wielkiego stylu do malarstwa austriackiego. Ostro w nim tkwiący indywidualny styl rysunek stał się gruntem poszukiwań dla artystów młodszych, przyszłych przedstawicieli ekspresjonizmu - Oskara Kokoschki i Egona Schielego.
Nowoczesny styl(z francuskiego moderne - nowoczesny, inna nazwa: art nouveau (fr. art nouveau, dosł. „nowa sztuka”), Jugendstil (niem. Jugendstil – „młody styl”) - kierunek artystyczny w sztuce, najpopularniejsze w drugiej połowie XIX - początku XX wieku. Cechy charakterystyczne nowoczesny styl to odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych” linii, zainteresowanie nowymi technologiami (np. w architekturze), rozkwit sztuki użytkowej.
Art Nouveau dążyło do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych tworzonych dzieł, do włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności. W innych krajach jest również nazywany: „tiffany” (nazwa pochodzi od L.K. Tiffany) w USA, „art nouveau” i „fin de siècle” (dosł. „koniec stulecia”) we Francji, „art nouveau” (więcej dokładnie „Jugendstil” – niemiecki Jugendstil, od nazwy ilustrowanego magazynu „Die Jugend” założonego w 1896 r.) w Niemczech, „styl secesyjny” (Secessionsstil) w Austrii, „styl nowoczesny” (styl nowoczesny, dosł. „ nowoczesny styl”) w Anglii, „liberty style” we Włoszech, „modernismo” w Hiszpanii, „Nieuwe Kunst” w Holandii, „spruce style” (styl sapin) w Szwajcarii.
W 2015 roku odbyła się premiera filmu Kobieta w złocie w reżyserii Simona Curtisa z Helen Mirren i Ryanem Reynoldsem w rola pierwszoplanowa, która opowiada historię Marii Altmann, która stara się zwrócić rodzinie portret Adele Bloch-Bauer – jedno z arcydzieł namalowanych przez Gustava Klimta.
„365” studiował obrazy austriackiego mistrza, aby odkryć, kim są te kobiety, które tajemniczo spoglądają na nas z jego płócien.
Gustav Klimt urodził się 14 lipca 1862 roku w austro-węgierskim mieście Baumgarten w rodzinie grawera i jubilera Ernesta Klimta. W rodzinie było siedmioro dzieci: trzech chłopców i cztery dziewczynki. Nawiasem mówiąc, wszyscy trzej synowie Ernesta zostali artystami.
Początkowo Gustav uczy się rysować od ojca, ale potem wstępuje do Wiedeńskiej Szkoły Sztuki i Rzemiosła przy Austriackim Muzeum Sztuki, gdzie specjalizuje się w malarstwie architektonicznym. Wtedy wzorem dla Gustawa był artysta Hans Makart, przedstawiciel akademizmu. A tak przy okazji, w przeciwieństwie do większości młodzi artyściówczesnego Klimta zgadza się z kanonami malarstwa akademickiego i nie przeciwstawia się zasadom konserwatywnego rysunku akademickiego.
Gustav, jego brat Ernst i ich przyjaciel Franz Match pracowali razem od 1880 roku - dekorowali freskami teatry i muzea. W 1888 roku Gustav Klimt został odznaczony „Złotym Krzyżem” – nadał mu go cesarz Franciszek Józef za zasługi dla sztuki. Ale po pewnym czasie w życiu Klimta przychodzi decydujący moment: jego ojciec i brat umierają, a cała odpowiedzialność za rodzinę spada na Gustawa.
Wydarzenia te nie mogły przejść bez śladu – zmienia się artystyczne spojrzenie Klimta, zaczyna kształtować się jego własny styl. W 1897 roku Klimt stanął na czele Secesji - stowarzyszenie artystyczne innowatorzy, stworzeni jako przeciwwaga dla konserwatywnych przedstawicieli sztuki. Gustav Klimt jest twórcą secesji w malarstwie austriackim. W jego pracach często można spotkać wyraźną sylwetkę i ornamentykę. . W ogóle, Głównym tematem jego prac jest kobiece ciało. Większość jego obrazów przesiąknięta jest erotyzmem.
Portret Adele Bloch-Bauer I (1907)
Obraz jest również znany jako „Złota Adele” lub „Złota Adele”. mona austriacka Lisa".
Adela - córka CEO Wiedeńska Unia Bankowa. W 1903 roku Gustav Klimt otrzymał zamówienie na portret Adele od swojego męża Ferdynanda Blocha-Bauera, ale obraz „Złota Adele” ukazał się dopiero w 1907 roku - w ciągu czterech lat Klimt wykonał dla niej ponad sto szkiców. Ten obraz jest uważany za jedno z najważniejszych dzieł artysty.
Portret Adele Bloch-Bauer II (1912)
Ten portret, wśród innych dzieł Klimta, wisiał w domu Adele do czasu aresztowania jej rodziny przez nazistów podczas II wojny światowej. Austriackie muzeum, w którym obraz znalazł się po wojnie, odmówiło jego zwrotu właścicielom. Ale potem rozprawa sądowa ten i kilka innych obrazów artysty wróciło w 2006 roku do Marii Altmann, siostrzenicy Ferdynanda Blocha-Bauera.
Judyta z głową Holofernesa
Judyta to heroiczny obraz młodej kobiety, która uratowała swój naród żydowski z niewoli asyryjskiej, odcinając głowę wrogiemu dowódcy Holofernesowi.
Historia Judyty zainspirowała wielu artystów w historii sztuki światowej. Klimt przedstawił także Judith jako uwodzicielkę, odważną i zdesperowaną. Tutaj jest śmiertelnym zwycięzcą. Dziewczyna wychodzi z namiotu Holofernesa, jeszcze półnaga, w dłoniach trzyma głowę wroga. Mimo wyniosłego wyglądu bohaterka Klimta pozostaje delikatna i kobieca.
Portret powstał w 1901 roku. Modelką była jego ukochana Adele Bloch-Bauer, córka dyrektora generalnego Wiedeńskiej Unii Bankowej. Chociaż Klimt nie reklamował faktu jej pozowania.
Praca wywołała kontrowersje. Judyta nie była szczęśliwa w małżeństwie, a zwycięstwo nad Holofernesem stało się swoistym wyzwaniem dla wszystkiego męskie społeczeństwo. Nic dziwnego, że Klimt przedstawił ją celowo zmysłowo, w złotych tonach, co oznacza symbol triumfu.
Kobieta w trzech wiekach (1905)
Na obrazie Klimt przedstawił cykl życia: z jednej strony spokojną młodą kobietę z dzieckiem na ręku, z drugiej starą, pogrążoną w depresji kobietę. Kontrastują nawet z kolorami, które tworzą nastrój: młodość jest przedstawiona jako jasna, promienna, podczas gdy starość jest szara i skazana na porażkę. Historycy sztuki nazywają cykl życia jednym z centralnych motywów twórczości artysty.
Danae (1907-1908)
Obraz „Danae” jest ilustracją mitu o Zeusie. Według tego mitu zakochał się w dziewczynie Danae i aby ją posiąść zesłał złoty deszcz, po którym Danae urodziła Perseusza. Klimt odrzuca wszystkie szczegóły i dokładnie uchwycił moment miłości Zeusa i Danae. Pomimo tego, że wiele obrazów artysty charakteryzuje się motywem erotycznym, Danae jest najbardziej dosadnym z jego dzieł.
Dama z wachlarzem (1917-1918)
Tworząc wizerunek orientalnej kobiety na tym obrazie, Gustav Klimt nie przedstawił żadnej konkretnej kobiety, tutaj obraz jest zbiorowy. Wdzięk i elegancja służyły jako modele do obrazu.
Dama w kapeluszu i boa (1909)
Pomimo tego, że widzimy tylko fragment twarzy kobiety, prawie jedno spojrzenie, artystka potrafiła oddać w nim całą siłę swojego charakteru. Pomimo tego, że jej ciało jest całkowicie zamknięte, zdjęcie nie jest pozbawione erotyzmu: ponownie oddaje to spojrzenie pełne pewności siebie i tajemnicy.
Portret Fritza Riedlera (1906)
Na pierwszy rzut oka wydaje się, że ten portret żony urzędnika państwowego jest niezwykle skromny. Ale to tylko na pierwszy rzut oka: przy bliższym przyjrzeniu się jej twarzy dostrzegamy powściągliwą zmysłowość: półotwarte usta, rumieniec. Tak, a krzesło, na którym siedzi, zdobią „pawie oczy” - symbole o podtekście seksualnym.
Mam nadzieję, że (1903)
Germa pracowała jako modelka, aby wesprzeć swoją rodzinę. Po tym, jak Germa zaszła w ciążę, chciała odejść z pracy, ale Klimt nie mógł pozwolić na odejście jednej z jej ulubionych modelek. Okazał się to bardzo wzruszający portret: mimo głębokiego, wyrażającego spokój spojrzenia przyszłej mamy, w tle widać przerażające grymasy, które można odczytać jako groźby i lęki o dziecko.
Dziewica (1913)
„Dziewczyna” Klimta to opowieść o przemianie dziewczynki w kobietę. główny bohater zdjęcie śpi spokojnie, jej wyraz twarzy jest również pogodny, nieskazitelny, widać koszulę nocną. I w tym czasie w jej sen wkraczają bardziej wyrafinowane i zmysłowe kobiety, którymi bohaterka ma się dopiero stać. Ale ten świat już bardzo zbliżył się do dziewczyny, ogarnął ją.
Dziewczyna z niebieskim welonem (1903)
Artysta poświęcił w tej pracy dużo uwagi włosom modelki: starannie je opracował, a kolor tła i welonu pięknie kontrastuje z kolorem włosów. Stanowią główną ozdobę dziewczynki. Mimo otwarte ciało, obraz okazał się średnio wytrawny, nie do końca erotyczny. Istnieje przypuszczenie, że modelką była Germa, znana nam z obrazu „Nadzieja I”.
Tekst: Anna Simonaeva, Sofia Zubareva
