Przybyłeś do opery. Występ jeszcze się nie zaczął, ale muzycy zebrali się już w orkiestronie – tak nazywa się pomieszczenie znajdujące się poniżej, przed sceną. Stroją swoje instrumenty, a hałas jest niewyobrażalny. Wydaje się, że z tego chaosu dźwięków nie da się uzyskać harmonijnego, spójnego i pięknego dźwięku. Ale będą też śpiewacy solowi i chór... Do kierowania tą dużą grupą muzyczną potrzebny jest dyrygent (franc. diriger – kierować, kierować, prowadzić).
nie tylko upewnia się, że wszyscy grają równo. Dokładnie przemyśla intencję kompozytora – charakter brzmienia muzyki. Uczy się utworu z wykonawcami, wskazuje, kiedy powinien wejść ten czy inny instrument, czy ma grać szybko, czy wolno, głośno czy cicho. potrzebny w operze i orkiestrze symfonicznej, w chórze i zespole pieśni i tańca – wszędzie tam, gdzie muzykę wykonuje duże grono. Chór prowadzi dyrygent chóralny – chórmistrz. Dawno, dawno temu zespołem wykonawców kierował muzyk grający na klawesynie lub organach. Grał swoją rolę, jednocześnie wyznaczając tempo i podkreślając rytm. Po instrument klawiszowy przestał brać udział w wykonywaniu dzieł orkiestrowych, a kierownictwo przeszło na pierwszego skrzypka. A teraz w niektórych miejscach widać, że niewielki zespół instrumentalny prowadzi skrzypek. Jednak z biegiem czasu skład orkiestry stawał się coraz większy i wkrótce skrzypek stał się zbyt trudny do wykonania. grając samemu, zarządzając tak dużym zespołem. Na początku XIX wieku pojawiła się bliska nam koncepcja dyrygenta orkiestry. To prawda, że w tym czasie dyrygent nadal był zwrócony twarzą do publiczności, ponieważ odwracanie się do niej tyłem uważano za nieprzyzwoite. Dlatego musiałem stać tyłem do orkiestry i dyrygować, nie widząc jej członków.
Pierwszymi, którzy porzucili tę niewygodną dla orkiestry i dyrygenta pozycję, byli niemieccy kompozytorzy Feliks Mendelssohn i Ryszard Wagner. Na początku XIX wieku kompozytorzy i dyrygenci Carl Maria Weber, Ludwig Spohr i inni po raz pierwszy używali do dyrygowania małej drewnianej batuty. Zrobili to całkowicie niezależnie od siebie. Nowy sposób dyrygowania tak mi się spodobał, że batuta stała się wiernym pomocnikiem dyrygenta. Mówią, że kiedy wspaniały rosyjski kompozytor Aleksander Konstantinowicz Głazunow przybył do Anglii, gdzie miał dyrygować, wówczas nie wiedząc po angielsku, nauczył się tylko jednego wyrażenia. Zwrócił się z nią do orkiestry: „Panowie, proszę, abyście zagrali końcem kija to, co narysuję”.
Teraz część dyrygentów porzuca pałeczkę. - to jest dusza orkiestry. Tak jak np. różni pianiści wykonujący ten sam utwór, grają go na różne sposoby, tak dyrygent może w utworze uwypuklić tematy klasycznie jasne lub romantycznie podniecające, niektóre cechy może uwydatnić, a inne złagodzić, przyćmić. Dyrygent musi zatem być muzykiem wykształconym: znać historię muzyki, historię innych sztuk, mieć nienaganne rozeznanie w stylu dzieła i biegle posługiwać się epoką, w której powstało. musi mieć doskonały słuch, opanować niektóre (lub jeszcze lepiej, niektóre) instrument muzyczny. W XX wieku światowej sławy zasłynęli tacy dyrygenci, jak Leopold Stokowski, Arturo Toscanini, Willy Ferrero i Herbert von Karajan. Wybitny sowieccy dyrygenci byli Nikołaj Semenowicz Gołowanow i Samuil Abramowicz Samosud. Radziecka sztuka dyrygencka została wychwalana przez Bohatera Pracy Socjalistycznej, Artystę Ludowego ZSRR Jewgienija Aleksandrowicza Mrawińskiego, a w kolejnych pokoleniach twórcy ludowi ZSRR Giennadij Rozhdestvensky i Jewgienij Swietłanow.
Zobacz wartość Konduktor w innych słownikach
Konduktor- dyrygent, m. 1. osoba dyrygująca orkiestrą, kapelmistrz (muzyk). Orkiestra bez dyrygenta. 2. Pracownik monitorujący przepływ dokumentów biurowych, postęp prac biurowych............
Słownik wyjaśniający Uszakowa
Dyrygent M.— 1. Kto dyryguje orkiestrą lub chórem, dokonując własnej interpretacji utworu muzycznego. 2. przestarzały Dyrektor tańca na balu.
Słownik wyjaśniający autorstwa Efremowej
Konduktor- -A; m. [z francuskiego. diriger - zarządzać] Osobą, kierownik orkiestry, występ chóru, opery lub baletu. D. orkiestra. Słynny d. Graj pod kierunkiem dyrygenta.
◁ Konduktor,......
Słownik wyjaśniający Kuzniecowa
„Dyrygenta można porównać do dwóch osób na raz: po pierwsze do reżysera w teatrze dramatycznym, po drugie do kontrolera ruchu drogowego. Techniczną funkcją dyrygenta jest koordynacja różnych grup w orkiestrze. Orkiestra symfoniczna może liczyć od 60 do 120 osób, co sprawia, że jest to zgromadzenie zatłoczone. Na scenie wszyscy ci ludzie siedzą tak, że często się nie widzą i nie słyszą. Powiedzmy, że przez ścianę dźwiękową oddzielającą pierwsze skrzypce, siedzące z przodu, od puzonów z tyłu, w prawym skrajnym rogu, po prostu nie zdają sobie sprawy, że grają inni. Jeśli członkowie orkiestry się rozejdą, nastąpi katastrofa, zacznie się kakofonia.
Aby temu zapobiec potrzebny jest właśnie dyrygent – tak, aby muzycy byli ze sobą skoordynowani, aby grali harmonijnie, w tym samym tempie i nastroju, jak to mówią, „oddychać razem”. Poza tym dyrygent musi wcześniej pokazać wprowadzenie niektórych instrumentów. Oczywiście muzycy sami potrafią liczyć pauzy, potrafią odliczyć 25 taktów i zacząć od nowa, ale czasami liczbę taktów w pauzie mierzy się w setkach, a czasem niektóre instrumenty mają tylko po kilka nut w utworze, a pomiędzy dla nich są minuty całkowitej ciszy. Dyrygent musi dokładnie znać partyturę i wskazać muzykom moment wejścia. Funkcja dyrygenta w tej formie nie istniała zawsze, dopiero od początku XIX wieku. Wcześniej w orkiestrze była oczywiście pierwsza osoba, ale był to albo pierwszy skrzypek, albo osoba stojąca za klawesynem – często był to sam kompozytor dyrygujący własnym utworem. Ale orkiestry w czasach baroku były mniejsze, znacznie łatwiejsze w zarządzaniu i było mniej instrumentów – i to nie tylko liczbowych. W XVIII wiek orkiestra posiadała znacznie mniej odmian instrumentów dętych i perkusyjnych niż romantyczna orkiestra czasów Czajkowskiego i Wagnera.
Claudio Abbado dyryguje I Symfonią Gustava Mahlera
Nie można jednak zapominać o drugiej, twórczej funkcji dyrygenta. W ogóle, jeśli nazwiesz w twarz jakiegoś dyrygenta kontrolerem ruchu, będzie to jak policzek, a członkowie orkiestry właśnie tak nazywają złych dyrygentów, czyli wiedzą tylko, jak pokazać tempo i siatkę rytmiczną – i nic więcej. Z dobrym dyrygentem można porównać do dobrego reżysera w teatrze: to osoba, która buduje formę przedstawienia, ustala tempo, rytm, nastrój, zarysowuje charaktery bohaterów – w tym przypadku poszczególnych instrumentów Orkiestra symfoniczna. A co najważniejsze, tworzy interpretację powierzonego mu dzieła.
Dyrygenci, podobnie jak muzycy innych specjalności, studiują w konserwatorium - uważa się jednak, że jest to zawód związany z wiekiem. Mówią, że 40–50 lat to dla dyrygenta młodość, dojrzałość przychodzi później. W oranżerii pracują nad techniką dyrygowania, aby ruchy rąk i ciała były jak najbardziej wyraźne, precyzyjne i wyraźne. Jest to rodzaj chiromancji lub, bardziej prymitywnie, tłumaczenia na język migowy: musisz bez słowa wyjaśnić muzykom swoje intencje - tempo, niuanse, dynamikę, charakter frazy muzycznej, cechy równowagi faktura orkiestrowa, w jakich grupach instrumentów się znajdują ten moment ważniejsze, inne mniej. Jest to niewerbalna metoda komunikacji za pomocą gestów, która odbywa się nie tylko rękami, ale także całym ciałem. Niektórzy szczególnie kolorowi dyrygenci tańczą nawet przy konsoli, ale to nic nie znaczy – czasami takie aktywne ruchy ciała są zupełnie bezużyteczne, dobrzy dyrygenci często ograniczają się do bardzo oszczędnych gestów – a brzmienie orkiestry może przypominać erupcję wulkanu.
Leonard Bernstein dyryguje VI Symfonią Beethovena
Orkiestra symfoniczna to nie maszyna, a partytura nie jest dokładną instrukcją obsługi; nie wszystkie instrukcje, które tam są, odnoszą się dokładnie do muzyki. Tak, oczywiście, istnieją wskazówki dotyczące tempa, uderzeń, szczegółów artykulacji i frazowania, ale jest to raczej wskazówka do działania, a nie cel, ale środek do jego osiągnięcia. Powiedzmy, że tempo adagio jest powolne – ono samo ma swoje gradacje i zmiany, a dla każdego dyrygenta czas w adagio pulsuje inaczej – to jest pole do interpretacji. Tekst autora nie jest postrzegany jako coś niezmiennego. To dla dyrygenta punkt wyjścia do stworzenia własnej lektury i wizji: tak jak sztuka Czechowa, Goethego czy Ibsena jest punktem wyjścia dla reżysera. Tylko w muzyce klasycznej, akademickiej obowiązuje niezachwiana zasada: tekst autora podawany jest bez konstruktywnych zmian. Nie da się zmienić instrumentacji, zamienić partii symfonii, radykalnie zmienić tempa, zmienić charakteru na przeciwny. Tworzysz interpretację w granicach wyznaczonych przez kompozytora. Reżyserzy w teatrze dramatycznym mają większą swobodę: robią ze sztuką, co chcą – dla nich tekst autora jest gipsem, z którego mogą uformować, co chcą. Dyrygenci zajmują się ukończonym dziełem sztuki, ich zadaniem jest nadanie mu nowej perspektywy, nowego brzmienia i własnej, indywidualnej intonacji. To trudniejsze, ale jeszcze bardziej interesujące.”
Zwykli ludzie, którym daleko do muzyki klasycznej, nie zawsze rozumieją, co dokładnie robi ten mężczyzna w smokingu, machający rękami przed muzykami starającymi się zagrać jak najlepiej. Jednak żaden koncert orkiestrowy nie obejdzie się bez tego uczestnika. Czym zajmuje się dyrygent, jaka jest jego rola i dlaczego słuchacze chętniej kupują bilety, jeśli jest sławny?
Od starożytnej Grecji do współczesności
Na długo przed Toscaninim, Furtwänglerem, von Karajanem i Bernsteinem ich dziełem zajmował się już Pherecydes z Patras, znany w Starożytna Grecja jako „Rozrusznik serca”. Według źródła historyczne już w 709 r. p.n.e. sterował złotą pałką grupą ośmiuset muzyków, podnosząc ją i opuszczając i dbając o to, aby muzycy „zaczynali w tym samym czasie” i „wszyscy mogli trzymać się razem”.
Zadania dyrygenta zmieniły się na przestrzeni ostatnich ponad tysiąca lat, jednak zawód ten nadal owiany jest pewną mistyczną aurą. Rzeczywiście, zadziwiająca jest zdolność jednej osoby, trzymając w dłoni jedynie drewniany kij, do zapewnienia harmonijnego brzmienia czasem setek instrumentów.
Jak to się dzieje, że dźwięki wydobywające się w wyniku tajemniczego tańca przy centrali powodują czasem wysublimowany zachwyt, chwytając słuchaczy, którzy nie mogą zapomnieć uczuć, które dręczyły ich do końca życia?
Oto wielka tajemnica sztuki i dzięki Bogu nie da się jej całkowicie rozwikłać.
Jeśli wyciągniemy bardziej przyziemne analogie, dyrygent jest muzycznym odpowiednikiem menadżera drużyna sportowa. Nigdy nie da się dokładnie ocenić, co robi, ale zawsze wiadomo, jaki rezultat osiąga. Orkiestra w zasadzie może obejść się bez dyrygenta, ale w większości przypadków nadal woli grać pod jego kierunkiem. Więc czym dokładnie się zajmuje? To tylko niektóre z wielu rzeczy, które dyrygent robi, świadomie lub nieświadomie, na podium.
Metronom
„Cały obowiązek dyrygenta polega na tym, aby zawsze potrafił wskazać właściwe tempo” – stwierdził Ryszard Wagner, który sam doskonale opanował ten zawód i był także wielkim kompozytorem. Zwykle używany do sterowania orkiestrą prawa ręka(z kijem lub bez), ale na bezbłędne wykonanie wpływają również inne elementy. Dyrygenta nie da się zastąpić metronomem (co pięknie ilustruje alegoryczny film Felliniego „Próba orkiestry”), jego działania znaczą znacznie więcej.
Interpretacja
Zadaniem dyrygenta jest ożywienie partytury. Aby to zrobić, używa swojego własne zrozumienie pracy i wyraża ją poprzez indywidualny język migowy. On jakby „rzeźbi” linię muzyczną, podkreśla niuanse i indywidualność elementy muzyczne, zarządzając muzykami, a tak naprawdę tworząc wiele od nowa. Procesy te są zwykle wyrażane lewą ręką. Chociaż wszyscy dyrygenci mają pewne wspólne gesty, większość największych ma swój własny, niepowtarzalny styl. Na przykład Furtwängler w niektórych momentach spontanicznie wykonywał dość dziwne ruchy. Valery Gergiev poruszał palcami, wyrażając charakter muzyki, co sam tłumaczył tym, że jest pianistą.
Umiejętność słuchania
„Najlepsi dyrygenci to najlepsi słuchacze” – mówi Tom Service, dziennikarz i autor fascynującej książki „Muzyka jako alchemia: podróże z wielkimi dyrygentami i ich orkiestrami”. Niczym piorunochron przejmują ładunek emocjonalny dzieła i skupiają uwagę na jego najmocniejszych stronach. Ważne jest, aby dyrygent rozumiał muzykę głębiej niż zwykli ludzie, a następnie wyrażał własną hiperświadomość, udostępniając ją publicznie.
Dyktatura
„Musisz narzucać swoją wolę – nie siłą, ale musisz potrafić przekonać ludzi o słuszności swojego punktu widzenia!” – powiedział Pierre Boulez, legendarny kompozytor i dyrygent. Choć większość dyrygentów uważa się obecnie za demokratów, nie może to być prawdą. Nie oznacza to, że dyktatury nie da się uniknąć, ale nie jest to łatwe. Boulez podaje przykład Orkiestry Filharmonii Berlińskiej, nazywając ją grupą indywidualności: „Jeśli dyrygent nie nada im zbiorowego kierunku, zostaną pozbawieni steru i żagli”.
Dyrygent-dyrygent
W wielu językach słowo „dyrygent” brzmi jak „dyrygent”. No cóż, jest coś wspólnego, bo każdy słuchacz odbiera muzykę uchem, patrzy na to, co robi dyrygent, i poprzez ten wizualny obraz powstaje połączenie wizualne, rodzaj pomostu między naszymi oczami a wrażeniami melodycznymi. Czasami po prostu nie można oderwać wzroku od pilota, widok jest hipnotyzujący.
„Dyrygentura jest znacznie trudniejsza niż gra na jednym instrumencie. Musisz poznać kulturę, wszystko obliczyć i zaprezentować to, co chcesz usłyszeć” – mówi Boulez.
Co poza muzyką?
Dyrygenci potrzebują instynktu muzycznego, intuicji i wrodzonej muzykalności, ale poza tym muszą dużo wiedzieć. Zwykle spędzają wiele godzin na przygotowaniach, zanim zasiądą za konsolą. Często ma charakter akademicki i obejmuje badanie dokumentów historycznych, takich jak listy, specyfikacje instrumentów pewien okres lub dane biograficzne autorów. Jak wszystkie wielkie tajemnice, wspaniała muzyka powstaje tylko dzięki ogromnej ilości ciężkiej pracy.
Czy zastanawialiście się kiedyś: po co nam dyrygent w orkiestrze? Przed orkiestrą stoi mężczyzna, tyłem do publiczności, macha rękami, ale nic nie gra. Czy muzycy tego potrzebują? Okazuje się, że jest to potrzebne. A wiele zależy od tego, jak i co dyrygent pokaże swoją batutą.
Wyobraź sobie biegaczy na linii startu. Przygotowywali się do startu i pędzenia naprzód... I nagle, zamiast strzelać, krzyczą: „No, no, dalej, uciekajcie czy coś!” Jak myślisz, jak biegacze w takiej „drużynie” będą w stanie w tym samym momencie oderwać się od startu?
Weź więc pod uwagę, że wyjaśniliśmy pierwszą odpowiedzialność dyrygenta. Orkiestra, która czasami liczy ponad sto osób, potrzebuje jasnego polecenia, aby wszyscy mogli zacząć grać w tym samym czasie. Jednak w przeciwieństwie do biegaczy, którzy jeden po drugim dotrą do mety, członkowie orkiestry muszą wszyscy wspólnie dokończyć muzykę – znowu na znak dyrygenta.
Ale obowiązki dyrygenta nie ograniczają się do tego. Wiesz, że w tym samym utworze muzycznym są zarówno głośne, jak i... ciche miejsca. A teraz orkiestra gra ten utwór. Jeden z muzyków zacznie grać cicho nieco wcześniej niż to konieczne; inni pomyślą, że muszą grać ciszej, wręcz przeciwnie, później; a trzeci zupełnie zapomni, gdzie grać ciszej... Wyobrażasz sobie, jakie to będzie zamieszanie?
I tu znowu na pierwszy plan wysuwa się dowódca-dyrygent. To na jego sygnał wszyscy muzycy, niezależnie od tego, ilu ich jest, mogą grać jednocześnie „cicho” lub „głośno”. To kolejna odpowiedzialność dyrygenta.
Znasz różne utwory muzyczne. Na przykład marsz – muzyka jest zawsze głośna, wyraźna, wesoła. Muzyka kołysanki jest zupełnie inna – cicha, delikatna, kojąca.Teraz wyobraź sobie, że to nie mama śpiewa tę kołysankę, ale gra stuosobowa orkiestra! Wszyscy muzycy wiedzą, że muszą grać cicho, ale bardzo trudno to zrobić bez cudzej obserwacji, a tu, jak się okazuje, bardzo potrzebny jest dyrygent, który nie gra sam, ale słucha, ocenia z zewnątrz jak brzmi orkiestra i pokazuje, kto tego potrzebuje. Grając trochę głośniej lub trochę ciszej, „wyrównuje się” dźwięczność orkiestry. To jego trzeci obowiązek.
Jest też czwarty. Jeśli zrobimy poranne ćwiczenia do muzyki i pod okiem trenera liczy nas: „raz, dwa, trzy”, abyśmy nie stracili tempa. Dlaczego bęben grzmi, kiedy maszerują w szyku? Aby wszyscy dotrzymali kroku, w równej formacji. W przeciwnym razie jeden pójdzie trochę szybciej, drugi pozostanie w tyle. To muzyka, która organizuje wszystkich.
A teraz wyobraźcie sobie, że orkiestra gra walca. Niektórzy muzycy trochę się pospieszyli, inni zwolnili tempo. A jeśli muzycy nie będą mieli dyrygenta przed oczami, to już wkrótce przestaną grać razem i „rozchodzą się”. Konduktor na to nie pozwoli. Zawsze pilnuje, aby muzycy utrzymywali odpowiednie tempo, aby nie przeciągać walca jak kondukt pogrzebowy i odwrotnie, aby nie zakończyć go szaleńczym galopem.
Ale to nie koniec obowiązków dyrygenta.
Muzykę graną przez orkiestrę należy wykonać dobrze, jak to się mówi, „z duszą”. Ale każdy człowiek czuje i rozumie muzykę na swój własny sposób. Nawet ta sama piosenka różni artyściśpiewają na różne sposoby, każdy z własną „ekspresją”. Kiedy jednak w orkiestrze jest wielu muzyków, potrzebna jest jedna osoba, aby zgodnie z jej wolą wszyscy grali z tą samą dyktowaną przez niego „ekspresją” – potrzebny jest dyrygent. Tylko dzięki jego znakowi będzie można gdzieś zwolnić, a wręcz przeciwnie, przyspieszyć tempo, by muzyka zabrzmiała bardziej wyraziście. I okazuje się, że muzykę niejako wykonuje jeden dyrygent na jednym wielkim instrumencie, w który zlewają się dziesiątki innych, wykonując ją na swój sposób, tak, jak on to czuje.
Dlatego słucham tego samego kompozycja muzyczna w wykonaniu tej samej orkiestry, ale pod kontrolą różnych dyrygentów, za każdym razem zauważamy coś nowego.
Weźmy za przykład pierwszy gest dyrygenta, gdy podaje początek utworu. Dla jednego jest to podły, surowy gest ręką, dla drugiego to zaledwie ledwo zauważalny ruch dwóch palców; trzeci ma szeroki gest obiema rękami. To rozróżnienie może na papierze wydawać się nieco mechaniczne. Ale spójrzcie na ręce konduktorów i ich twarze! Tutaj język gestów, wyraz oczu okazuje się najbardziej przystępny, najbardziej zrozumiały i zrozumiały, mimo że dyrygenci mogą należeć do różne narodowości, mówić w inne języki. I ten język jest zrozumiały nie tylko dla każdego wykonawcy, każdego muzyka. Potrafi wiele powiedzieć, po prostu ludzkich rzeczy, słuchaczowi, który uważnie obserwuje dyrygenta, czując się z nim.
Jak dyrygent rozmawia z orkiestrą? Gesty: ruchy batuty (której dyrygenci używają od około 200 lat), ruchy rąk, samych palców. A on sam nie stoi w miejscu: rytmicznie kołysze się, pochyla i wykonuje różne ruchy głową. Nawet twarz i oczy pomagają mu w pracy – a tutaj ekspresję można zmieniać w nieskończoność.
Dyrygent nie może mówić, bo po pierwsze odwróci to uwagę muzyków i słuchaczy od muzyki, a po drugie często będzie musiał po prostu krzyczeć w głośnych miejscach, aby muzycy usłyszeli. Wyobraź sobie taki obraz!
Dyrygentów można porównać do ludzi niemych, których można wytłumaczyć także gestami rąk i mimiką. Dyrygent skazany jest na całkowite milczenie, a tym bardziej wymowne stają się jego gesty i mimika.
„Ale jak” – pytasz – „orkiestra gra bez dyrygenta?”
Sekret jest prosty. Okazuje się, że jest tam też dyrygent, ale go nie zauważamy, bo sam siedzi i gra na jakimś instrumencie, a wszystkie swoje obowiązki dyrygenckie wykonuje z wyprzedzeniem – na próbach. Takie orkiestry wykonują zazwyczaj małe utwory muzyczne, których na próbach można się nauczyć, aby potem po prostu grać z pamięci. A komendę do rozpoczęcia wydaje jeden z członków orkiestry.
Teraz możesz sobie wyobrazić, jaka jest rola dyrygenta. To rola osoby, która ponosi ogromną odpowiedzialność zarówno wobec kompozytora, którego dzieło wykonuje, jak i wobec orkiestry, która mu całkowicie ufa, i wobec słuchaczy, którzy tylko poprzez dyrygenta mogą poznać dzieło, pokochać je, albo pozostań obojętny.
Rysunek Yu. Łobaczowa.
Dyrygentura jest najważniejszą częścią wykonania muzycznego, w której najgłębiej i najszerzej objawia się jego istota. Ze wszystkich zawodów muzycznych zawód dyrygenta jest najtrudniejszy i najbardziej odpowiedzialny. Dyrygent zostaje umieszczony w szczególnych warunkach: jego instrumentem jest cała grupa wykonawców. Prawdziwy artysta-muzyk potrzebuje specjalnego powołania do swojego instrumentu. Dla dyrygenta jest to orkiestra lub chór. Dlatego musi „poczuć grupę wykonawczą jako pojedynczy wielobarwny i wielobrzmiący instrument, składający się z żywych, indywidualnie myślących, odczuwających i tworzących muzyków - artystów” (A. Pazovsky). Jego zadaniem jest ujarzmić ich i przewodzić. „Dyrygent jest odpowiedzialny przed publicznością nie tylko za siebie, ale także za zespół, którym kieruje” – mówił słynny dyrygent A.P. Iwanow – Radkiewicz. Ponadto dyrygent odpowiada także przed samym zespołem; jego zadaniem jest wskazanie każdemu członkowi zespołu, jak powinien grać, aby całość wykonania najpełniej odsłoniła zamierzenia twórcze kompozytora”.
Sztuka dyrygenta polega na twórczej interpretacji utworu muzycznego, swoje zamierzenia artystyczne przekazuje grupie wykonawców za pomocą gestów, wyrazistej mimiki, a także słów objaśniających podczas prób.
Dyrygentura to rodzaj tłumaczenia muzyki na język gestów i mimiki, przełożenia obrazu dźwiękowego na wizualny w celu kontrolowania zbiorowego występu. Naturalność języka dyrygenta, jego oparcie na życiu ogólnym i specyficznych skojarzeniach muzycznych sprawiają, że jest on zrozumiały zarówno dla zawodowych muzyków, niewprawnych członków zespołów orkiestrowych, jak i w pewnym stopniu nawet dla słuchaczy.
O złożoności zawodu dyrygenta decyduje jego wielofunkcyjność. Dyrygent tworzy własną interpretację utworu muzycznego, wybiera konkretne wykonanie dźwiękowe tej interpretacji, precyzyjnie rozdziela czas gry i kontroluje jakość wykonania. Rozumiejąc intencję kompozytora, przekazuje wykonawcom swoje wyobrażenie o treści ideowej i artystycznej dzieła oraz skłania ich do dokładnego przekazania swoich planów słuchającej publiczności. W razie potrzeby dostosowuje dźwięk w trakcie występu. Dyrygent jest zarówno aktorem, jak i reżyserem spektaklu, a także nauczycielem zespołu wykonawczego. Aby stworzyć warunki do świadomego wykonywania muzyki, niezbędny jest stały i intensywny kontakt mentalny dyrygenta z orkiestrą i publicznością. A to wymaga umiejętności, a co najważniejsze, specjalnych cech osobistych i cnót. „Twoje myśli, Twoje postrzeganie świata powinny wychodzić od Ciebie z taką siłą, która sprawi, że orkiestra będzie przeżywała te same pragnienia i pasje w tym samym czasie co Ty, tak aby muzycy nie mogli powstrzymać się od wyrażenia ich w swoim wykonaniu. Musisz zastąpić ich wolę swoją” – napisał słynny francuski dyrygent Charles Munsch.
Ważna różnica Różnica między dyrygentem a wykonawcą-solistą polega na tym, że solista-instrumentalista lub wokalista pracując nad utworem, w procesie przygotowań ma możliwość wielokrotnego sprawdzenia swojej interpretacji. Dyrygent ma zazwyczaj bardzo ograniczony czas na próby. Próbę z zespołem wykonawczym musi rozpocząć z gotowym planem występu. Dyrygent ma obowiązek przed próbą usłyszeć utwór muzyczny tak wyraźnie, jak usłyszał muzykę kompozytor. Nienaganny wewnętrzny śpiew utworu powinien dać dyrygentowi prawidłowe wyobrażenie o muzyce. Nauka dyrygowania oznacza naukę doskonałego słyszenia muzyki za pomocą ucha wewnętrznego i urzeczywistniania swojego pomysłu. Wszystko, co kompozytor pomyślał i poczuł, komponując swoją muzykę, dyrygent musi przemyśleć, odczuć i zrozumieć oraz móc duchowo przyzwyczaić się do dzieła. Dlatego podstawą zawodu dyrygenta jest zdolność dyrygenta do poznania i wewnętrznie usłyszenia tego wszystkiego, co zostanie odtworzone przez grupę wykonawczą.
Dyrygent prowadzi zbiorowe wykonanie utworu muzycznego, czując grupę orkiestrową jako jeden instrument. Musi zatem wiedzieć, jaką barwę i zakres ma każdy instrument, jakie są jego możliwości techniczne i artystyczne. Ponadto dyrygent musi umieć grać na tych instrumentach. Na próbach i hala koncertowa będzie musiał urzec orkiestrę swoim planem wykonania, swoją interpretacją dzieła, ujawnić pomysł artystyczny kompozytor, wzywaj wykonawców do współtworzenia, buduj wspólnotę w zespole.
W kultura muzyczna Każdy kraj ma obszar charakteryzujący się szczególną wyjątkowością i oryginalnością. To sztuka gry na instrumentach ludowych – solo, zespołowo lub z orkiestrą – przybliżająca arcydzieła szerokiemu gronu odbiorców twórczość kompozytora i skarby folkloru muzycznego.
Rosyjska orkiestra ludowa - koncepcja ta uogólnia wszystkie liczne odmiany formacji zbiorowych składających się z Rosjan instrumenty ludowe formą, jedną z najmłodszych wśród innych orkiestr.
Co to jest orkiestra?
Orkiestra jest greckie słowo, dosłownie oznaczające „miejsce do tańca”. W starożytnej Grecji tak nazywano część sceny najbliższą publiczności, na której znajdował się chór, a później muzycy z towarzyszącymi śpiewowi instrumentami. I tak później nazwą „orkiestra” objęto stosunkowo dużą grupę instrumentalistów wspólnie wykonujących utwór muzyczny, niezależnie od tego, gdzie się znajdowali.
Minęło ponad sto lat, odkąd wspaniały muzyk i patriota rosyjskiej sztuki instrumentalnej V.V. Andreev wraz z grupą takich jak on entuzjastów wystąpił na koncercie. Specjalny znaczenie historyczne Występ ten polegał na tym, że po raz pierwszy w historii muzyki rosyjskiej przed zdumioną publicznością wystąpiło ośmiu bałałajków. To małe „Krąg Miłośników Bałałajki” było darem, wokół którego później powstała Wielka Orkiestra Rosyjska. Dlatego 20 marca 1888 roku, dzień pierwszego publicznego występu zespołu, można uznać za urodziny rosyjskiej orkiestry ludowej.
Przez te ponad sto lat orkiestra przeszła Wielka droga rozwój i pierwszy, najtrudniejszy i najbardziej odpowiedzialne kroki wraz z orkiestrą wykonali V.V. Andriejew.
Orkiestra jest w swej istocie zjawiskiem wyjątkowym w całej historii muzyki. Z jednej strony powstał na tle narodowym podstawa folkloru jako zbiór wspólny życie ludowe narzędzia. Z drugiej strony same instrumenty zostały znacznie ulepszone przez Andreeva i jego współpracowników. Udoskonalenia wprowadzono w taki sposób, aby bałałajki, domry, gusli stały się jak najbardziej dostępne dla początkowego masowego rozwoju oraz profesjonalnego i Sztuka ludowa. Prymitywna wiejska zabawka, niczym bałałajka w życiu codziennym, Andreev, dzięki licznym ulepszeniom konstrukcyjnym, zamieniła się w instrument koncertowy i odniósł z nią niezwykły sukces. Nic dziwnego, że nazywano go „bałałajką Paganiniego”. Ale Andreev na tym się nie kończy. Jego marzeniem jest odnalezienie, udoskonalenie i ożywienie wszelkich instrumentów ludowych. Według rysunków Andreeva mistrz muzyki Nalimov stworzył rodzinę trójstrunowych domrów. Wkrótce uczeń N.A. Rimskiego - Korsakow, kolega z pracy Andreeva - N. Fomin ulepszył gusli, dostosowując do niego mechanizm klawiatury. Andreev połączył wszystkie te instrumenty z bałałajkami i stworzył orkiestrę, którą zaczęto nazywać „wielkim rosyjskim”. Czasami, aby wzbogacić paletę barw i nadać brzmieniu więcej charakteru, Andreev wprowadzał do orkiestry muzykę ludową instrumenty dęte: breloczki, rogi, litość i bębny - tamburyn, pokrowce.
Do lat trzydziestych naszego wieku orkiestra istniała w niezmienionej wersji „Andreevsky”, po czym rozpoczęła się stopniowa rozbudowa składu instrumentalnego. W tym czasie w orkiestrze pojawiły się harmonijki ustne i akordeony guzikowe, pełniąc początkowo skromne funkcje dynamicznego wsparcia. Coraz śmielej zaczęto używać różnych ludowych instrumentów dętych, a później dętych i dętych instrumenty perkusyjne Orkiestra symfoniczna. Stan aktulany Rosyjska orkiestra ludowa jest zdeterminowana wynikami rozwoju wykonawstwa orkiestrowego. Nowoczesna orkiestra zawiera wszystko, co najlepsze, co powstało w poprzednich latach.
Dyrygent orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych musi znać skład orkiestry, aby móc instrumentować utwory do wykonania w orkiestrze. Współcześni Rosjanie orkiestry ludowe, zarówno profesjonalni, jak i amatorzy, w większości mają ten sam skład instrumentalny: grupa domra, grupa bałałajka, akordeony guzikowe, instrumenty klawiszowe (rzadziej pierścieniowe lub szarpane), gusli, różne instrumenty perkusyjne. W niektórych przypadkach wprowadza się również akordeony, harmonijki orkiestrowe lub barwowe, flet i obój.
Ten zestaw narzędzi jest najczęściej używany. Jednak w Ostatnio wzbogacanie barwy, poszerzanie możliwości technicznych i artystycznych instrumentów ludowych, instrumentów dętych drewnianych i dętych coraz częściej wprowadza się do ich składu - zhaleika, brelok do kluczy, rogi Włodzimierza, piszczałki, a także fortepian, gitara (lub gitara elektryczna), skłonił się kontrabas i inne narzędzia.
Wynika to z faktu, że każdy prowadzący, w zależności od zadań stojących przed zespołem lub instrumentacji partytury poznanego utworu, zmuszony jest różnicować kompozycję, wprowadzać niezbędne narzędzia, zmień ich proporcje w głównych grupach.
Każdy z instrumentów orkiestry pełni lepiej jedną funkcję – melodyczną, basową czy akompaniamentową. Ale w miarę potrzeby, aby rozwiązać określone problemy artystyczne, instrumentom można przypisać nietypowe dla nich funkcje; na przykład: małe domramy, prima bałałajki – akompaniament, domramy basowe i kontrabasowe – dyrygowanie melodią i tak dalej.
Każdy z instrumentów orkiestry ma swoją odrębną kolorystykę, swoje możliwości techniczne i artystyczne, mocne i słabe strony.
Znajomość wszystkich tych cech wykonawczych pomoże dyrygentowi skutecznie rozwiązać wiele problemów, jakie stawia przed nim codzienna praca.
Stojąc na czele grupy wykonawczej, dyrygent musi mieć wszystkich jej członków w zasięgu wzroku, monitorować ich pracę, w razie potrzeby wygładzać błędy i zapobiegać zniekształceniom. Aby to zrobić, musiał rozwinąć intuicję i krytyczną obserwację. Musimy nauczyć się nie tylko przewodzić, ale także skupiać uwagę i energię, właściwie zarządzać czasem, stresem i wysiłkiem.
Proces dyrygowania jest złożony i wieloaspektowy. Na przykład w pewnej sytuacji występ koncertowy Aktywność umysłowa jest jedną z najbardziej wielofunkcyjnych w ludzkiej praktyce. Zachodząca na tle aktywnej świadomości, odbywa się w warunkach ścisłej tymczasowej nieodwracalności, tworząc stałą stresująca sytuacja ze względu na niemożność poprawienia błędów.
TEMAT 3
WYMOGI ZAWODOWE I PSYCHOLOGICZNE – PEDAGOGICZNE DLA OSOBOWOŚCI DYRYgentA
Wielki francuski kompozytor i dyrygent koncertowy Hector Berlioz jako jeden z pierwszych sformułował zespół istotnych cech niezbędnych dyrygentowi: „Dyrygent musi widzieć i słyszeć, musi szybko reagować i być zdecydowany, znać sztukę kompozycji, umieć charakteru i wolumenu instrumentów, umieć czytać partyturę, a ponadto posiadać szczególny talent i inne, niemal nieokreślone dary, bez których nie będzie możliwe ustalenie niewidzialne połączenie między nim a wszystkimi, których kontroluje…” ( słownik encyklopedyczny, M., 1987).
Dyrygentura to złożony kompleks różne rodzaje działalność muzyczna, który obejmuje działania występujące sekwencyjnie lub jednocześnie i mające na celu różne cele. Każdy z nich wykonywany jest z większym lub mniejszym wysiłkiem, powodowany i motywowany różnymi motywami oraz towarzyszącym im odpowiednim emocjom. Liczne funkcje, jakie pełni dyrygent w momencie kierowania spektaklem, są ze sobą powiązane, a czasem pojawiają się w sprzecznych, a nawet sprzecznych relacjach. Żadna inna forma sztuki performatywnej nie zna takiej oryginalności.
Dyrygent to jeden z najciekawszych i najbardziej złożonych zawodów twórczych. Słowo „dyrygent” pochodzi od francuskiego „dirider” i oznacza „...lidera, osobę kierującą zbiorowym wykonaniem dzieła muzycznego”.
Dyrygent to nie tylko lider, organizator, tłumacz, ale także nauczyciel.
A nauczyciela i dyrygenta łączy wiele: dobra wola, takt, umiejętność „rozpalania” ludzi i prowadzenia ich. „Nie ma potrzeby udowadniać niepodważalnej pozycji lidera Grupa muzyczna jest w zasadzie jego mentorem i nauczycielem. Jego obowiązkiem jest kształcenie zespołu, doskonalenie kultury wykonawczej, umiejętność rozumienia i odczuwania figuratywnej i emocjonalnej treści muzyki” – napisał słynny nauczyciel, dyrygent, profesor Konserwatorium Leningradzkiego Ilya Aleksandrovich Musin.
Każdy muzyk zajmujący się dyrygenturą musi mieć świadomość, że dyrygowanie nie jest celem samym w sobie, ale środkiem komunikacji z grupą, sposobem przekazywania informacji, językiem, w którym dyrygent przemawia do grupy.
Dyrygent musi posiadać cały szereg różnorodnych umiejętności. Psychologowie nazywają zdolnościami te cechy osobowości, które zapewniają pomyślne wykonanie jakiejkolwiek czynności, dzieląc je na zdolności ogólne i specjalne. Umiejętności są wynikiem rozwoju. Tworzą się i osiągają taki czy inny poziom, pod warunkiem aktywnego zaangażowania osoby w ściśle określone działania.
Dla rozwoju zdolności muzyczne konieczna jest predyspozycja do uprawiania sztuki - zamiłowanie do myślenie artystyczne, Dostępność twórcza wyobraźnia. Konieczne jest posiadanie takich zdolności muzycznych, jak muzykalność, muzyczne ucho i rytm, pamięć muzyczna. Ważne są także zdolności wykonawcze – gra na instrumencie, technika manualna. W strukturze muzykalności konieczne jest posiadanie trzech podstawowych zdolności muzycznych: zmysłu modalnego, umiejętności dobrowolnego posługiwania się reprezentacjami słuchowymi odzwierciedlającymi ruch wysokości dźwięku oraz zmysłu muzyczno-rytmicznego. Zdolności te stanowią rdzeń muzykalności. Przez większość badaczy muzykalność jest rozumiana jako wyjątkowe połączenie zdolności i aspektów emocjonalnych człowieka, przejawiające się w aktywności muzycznej. Znaczenie muzykalności jest ogromne nie tylko pod względem estetycznym i Edukacja moralna, ale także w rozwoju kultura psychologiczna osoba.
Muzykiem nazwać należy osobę, która wyczuwa piękno i wyrazistość muzyki, która potrafi dostrzec w dźwiękach dzieła określoną treść artystyczną, a jeśli jest wykonawcą, to następnie odtwarza tę treść. Muzykalność zakłada subtelnie zróżnicowane postrzeganie muzyki, ale umiejętność dobrego rozróżniania dźwięków nie oznacza, że jest ona percepcja muzyczna i że ten, kto go posiada, jest muzykalny.
Wiadomo, że dyrygent musi mieć niezwykły słuch do muzyki. Słuch muzyczny jest pojęciem złożonym i obejmuje wiele elementów, z których najważniejsze to wysokość tonu, słuch modalny (melodyczny i harmoniczny), barwa i słuch dynamiczny. Istnieje również absolutne i względne ucho muzyczne. Obecność wysokości absolutnej (pasywnej lub aktywnej) często wskazuje na ogólny talent muzyczny. Im lepszy słuch dyrygenta, tym pełniejsze jest jego opanowanie orkiestry. Mieć doskonały słuch przydatne dla dyrygenta, ale nie konieczne. Ale musi mieć dobrego względny skok, co umożliwia rozróżnienie stosunków wysokości dźwięków, pobieranych jednocześnie i sekwencyjnie. Nawet uznany muzyk musi stale doskonalić swój słuch.
Najważniejszym narzędziem pracy dyrygenta jest wysoko rozwinięte ucho wewnętrzne. Słuch wewnętrzny odnosi się do zdolności muzyka do wyobrażenia sobie dźwięku zarówno poszczególnych tonów, jak i akordów, a także całości, w procesie odczytywania partytury. Czytanie partytury bez instrumentu, jak czytanie książki bez wypowiadania słów na głos, jest kwestią wprawy i każdy dyrygent musi opanować to do perfekcji.
Podstawa komunikacji, jednoczenia ujednolicony system Działalność dyrygenta i orkiestry to przenikająca się uwaga lidera i zespołu. Dyrygent musi umieć nawiązać i stale utrzymywać kontakt z każdym z członków orkiestry, a także z całym zespołem jako całością.
Rozwój zdolności muzycznych idzie w parze z rozwojem uwagi słuchowej, jednak najpierw odpowiemy na pytanie – na czym polega istota uwagi?
Uwaga jest stan psychiczny osobę, która charakteryzuje intensywność jego aktywność poznawcza. Otaczający nas świat nieustannie wpływa na człowieka w wielu jego aspektach, ale tylko część tego, co dzieje się wokół, trafia do świadomości. Ujawnia to selektywny charakter naszego poznania. Jednocześnie staramy się skupić na czymś dla nas ważnym, przyglądamy się, słuchamy, zwracamy uwagę. Uwaga jest szczególnym rodzajem działalności człowieka, który wyraża się w koncentracji świadomości na rozwiązywaniu problemów pojawiających się w procesie indywidualnym lub wspólne działania. Uwaga przyczynia się do skutecznego poszukiwania sposobów osiągnięcia celu.
Zarówno dyrygent, jak i nauczyciel muszą umieć rozdzielać swoją uwagę pomiędzy wiele obiektów, czy to orkiestrę, czy klasę.
Kierunkowość lub selektywność uwagi przejawia się w różne formy. Koncentracja uwagi zakłada jej organizację w sposób zapewniający głębię, dokładność i klarowność reprezentacji obiektów wiedzy w świadomości. Fokus jest warunek konieczny rozumienie i przechwytywanie informacji docierających do mózgu. Jedną z głównych właściwości uwagi jest objętość, rozkład i przełączanie uwagi z jednego obiektu na drugi. Bardzo ważne w działaniach dyrygenta skupiła się uwaga. Potrzebujesz umiejętności zainteresowania, wyznaczania zadań, wyszukiwania i znajdowania nowych rzeczy, porównywania ich ze starymi.
Zwrócono uwagę na badanie wielki czas wielcy naukowcy, muzycy, postacie różnych dziedzin sztuki: K. Stanisławski, L. Kogan, I. Hoffman, B. Teplov i inni.
Dyrygent orkiestry najczęściej posługuje się „uwagą kontrolującą” (zewnętrzną), która ma na celu rozwiązywanie problemów organizacyjnych: monitorowanie i regulowanie działań orkiestry. Jednocześnie kontakty wewnętrzne obejmują sferę intelektualną związaną z procesem twórczym.
Kontakt wewnętrzny jest sposobem na zrozumienie wewnętrzny świat muzyk, wgląd w swoje twórcze ja. Należy zaznaczyć, że kontakty wewnętrzne mają podwójny kierunek słyszenia: pierwszy – dla kontrolowania pracy orkiestry, drugi – dla kontaktu dyrygenta z jego wewnętrzną brzmiącą orkiestrą.
Zdaniem wielu wybitnych dyrygentów, m.in. B. Waltera, F. Weingartnera, istota komunikacji dyrygenta z muzykami polega na wzajemnym obciążaniu psychicznym, powstaniu między ludźmi szczególnego „prądu duchowego”.
Ze wszystkich umiejętności niezbędnych dyrygentowi do wykonywania swoich czynności, na pierwszym miejscu należy postawić uwagę słuchową. Uwaga słuchowa jest niezbędna każdemu muzykowi-wykonawcy. Grając na instrumencie muzyk uważnie słucha jego wykonania, porównując go z pomysłami, które powstały w jego głowie.
W działalności dyrygenta oba rodzaje uwagi słuchowej – performatywnej i pedagogicznej – łączą się w organiczną jedność. Słuchając swojego polifonicznego „instrumentu”, dyrygent rozwiązuje problemy podobne do zadań każdego nauczyciela – instrumentalisty pracującego ze swoim uczniem – musi osiągnąć jak najdoskonalsze ucieleśnienie wykonywanego utworu.
Posiadanie rozwiniętej pamięci muzycznej ma ogromne znaczenie dla rozwoju działalności wykonawczej dyrygenta. Problem pamięci muzycznej można uznać za jeden z najbardziej złożonych i obecne problemy przedstawienie muzyczne.
Gra pamięciowa ma stosunkowo niedawne pochodzenie. W czasach W. Mozarta, J. Haydna, L. Beethovena tylko nieliczni wykonawcy uważali to za konieczne. W tamtych czasach pamięć nie była uważana za niezbędną część integralna kompleks talentów muzycznych. Zalecano zapamiętywanie jedynie skomplikowanych epizodów lub tekstów w miejscach przewracania stron. Jednak „gra nutami” wprowadza własne niedogodności związane z podwójną uwagą.
Wykonanie bez nut jest obecnie akceptowane jako norma. Gra z pamięci zapewnia większą swobodę wypowiedzi niż gra z nut, co nie tylko ogranicza wykonawcę, ale także mu przeszkadza. Jednak niedogodności związane z rozdzielaniem uwagi podczas wykonywania nut zostały zastąpione innymi - koniecznością stabilnego zapamiętywania i wiernego tekstowo odtwarzania.
W pedagogice muzycznej od dawna pojawia się pytanie o sposoby zapamiętywania muzyki, o znaczenie grania na pamięć jako podstawy wolności twórczej wykonawcy. Empirycznie odkryto wiele przydatnych, cennych technik praktyczne zalecenia, co sprowadzało się do zwiększenia produktywności zapamiętywania muzyki.
Zapamiętywanie muzyki jest składnikiem złożonego aktu psychologicznego i nie może być rozpatrywane poza indywidualnym wyglądem muzyka, poza warunkami środowiskowymi i charakterem jego działalności. Każdy musi sam określić, w jakim stopniu powinien polegać na tym czy innym rodzaju pamięci.
Pamięć jest zwykle rozumiana jako zapamiętywanie, zachowanie, a następnie odtworzenie okoliczności życia i działalności człowieka, jego przeszłych doświadczeń.
Pamięć muzyczna– pojęcie syntetyczne, obejmujące pamięć słuchową, ruchową, logiczną, wzrokową i inne. Podobnie jak wszystkie umiejętności, nadaje się do znacznego rozwoju.
Ważne jest, aby dyrygent rozwijał pamięć słuchową, która służy jako podstawa udana praca W każdej dziedzinie sztuka muzyczna; logiczne – związane ze zrozumieniem treści dzieła, wzorców rozwoju myśli kompozytora; silnikowy – związany z techniką manualną dyrygenta; pamięć wzrokowa– w nauce i zapamiętywaniu partytury.
Rozwój pamięci poprawia się w procesie zajęć praktycznych. Specjalistyczna literatura z zakresu psychologii wskazuje na szereg czynników wpływających na szybkość, dokładność i siłę zapamiętywania. W działalności muzycznej możemy zastosować najważniejsze z nich – maksymalne uruchomienie procesu pracy nad partyturą, w tym maksymalną aktywność słuchową. Lepsze słyszenie muzyki oznacza lepsze jej zapamiętywanie. Pamięć słuchową można znacząco rozwinąć poprzez codzienny trening słuchu, a następnie naukę harmonii za instrumentem, co stopniowo wykształci w sobie nawyk rozumienia muzyki w obrazach dźwiękowych. Skoncentruj się na zapamiętywaniu, chęć uczenia się na pamięć przyczynia się do sukcesu firmy.
Cechy pamięci muzycznej wiążą się ze specyfiką myślenia muzycznego, które wyznacza intonacyjna istota sztuki muzycznej. Intonacja funkcjonuje jako model, za pomocą którego informacja jest odtwarzana w muzyce - obraz artystyczny. Pamięć muzyczną można zdefiniować jako element systemu myślenia muzycznego, w którym treści artystyczne rejestrowane są poprzez intonację.
Zewnętrzną formą przejawu pamięci muzycznej jest utwór muzyczny, w którym zapisana jest treść artystyczna. Będąc efektem działalności twórczej kompozytora lub wykonawcy, utwór muzyczny jest zmaterializowaną formą ludzkiej pamięci muzycznej. Świadomość treści w nim zapisanych wiąże się z analizą intonacji. Realizując się w percepcji słuchacza, jest narzędziem w złożonym procesie poznawania istoty dzieła muzycznego.
Młody dyrygent musi znać utwór na pamięć i postępować niemal bez patrzenia na partyturę. Wymóg ten podyktowany jest kilkoma względami. Zanurzając się w partyturze, dyrygent zostaje pozbawiony możliwości żywej i bezpośredniej komunikacji z wykonawcami. Dyrygent, który nie patrzy na muzyków i nie zwraca się do nikogo, nie jest interesujący, gdyż siła wpływu dyrygenta na wykonawców znacznie się zmniejsza lub całkowicie zanika.
Prowadzenie sercem ma swoje zalety. Dyrygując z pamięci, dyrygent opiera się na perspektywie dźwiękowej. Jego myślenie muzyczne obejmuje szerszą przestrzeń muzyczną, jednocześnie jest bardziej skoncentrowana.
Zapamiętywanie przyczynia się do głębszego opanowania utworu i dokładniejszego przestudiowania partytury.
Pamięć muzyczna jest powiązana z pamięcią ogólną, nawykami i charakterem. Zależy to w dużej mierze od uwagi, determinacji i innych cech osobowości.
Dyrygent musi dobrze posługiwać się techniką manualną. Ręczna technika dyrygenta wzięła swoją nazwę od łacińskiego słowa „manos”, co oznacza „ręka”. Technika ręczna to pewien zestaw gestów i technik, które pozwalają dyrygentowi przekazać wszystkie swoje intencje: niezbędne informacje o tempie, rytmie, metrum, charakterze, dynamice; pokazanie głównych wstępów do instrumentów lub ich grup; Twoja interpretacja dzieła. Najważniejsze wspólna własność gest dyrygenta polega na tym, że gest dyrygenta jest dwufunkcyjny. Ma niesamowitą zdolność przewidywania przyszłości i jednocześnie uchwycenia teraźniejszości.
Dyrygent posługuje się systemem technik i gestów, które wpływają na charakter wykonawców – członków orkiestry. Wyzwalają, wyzwalają własne siły twórcze. Dyrygent osiąga pożądany dźwięk nie potężnym rozkazem, nie mocą, jaką daje mu pozycja lidera, ale taktem pedagogicznym; nigdy nie nakazuje, nigdy nie żąda, ale przekonuje, znajdując słowa najbardziej potrzebne, najprawdziwsze i najprecyzyjniejsze; ekscytuje, chwyta za wnętrzności muzyka, ucieka się do różnego rodzaju porównań, starając się być jak najlepiej zrozumianym.
Możliwości rozwoju i doskonalenia technik manualnych są nieograniczone. Ale technologia będzie zbawienna, jeśli będzie nią dysponował dyrygent, który doskonale zna partyturę, głęboko myśli, ma doskonały słuch i wie, jak zapanować nad dźwiękiem całej orkiestry i każdego muzyka z osobna.
Praktyka potwierdza, że wszyscy wybitni dyrygenci na pewnym etapie działalność zawodowa znacznie zmniejszają amplitudę ruchów: są wśród nich tacy mistrzowie dyrygentury, jak Gustav Mahler, Richard Strauss, Arturo Toscanini, Evgeny Mravinsky, Evgeny Svetlanov, Herbert von Karajan i inni. Zgromadził najbogatszych doświadczenie artystyczne w praktyce byli przekonani, że najważniejsza rzecz w sztuce dyrygenta nie polega na tym działania fizyczne, ale w czynnikach i zmianach psychologicznych, wśród których dominującą pozycję zajmują wpływy sugestywne.
Emocjonalny i wolicjonalny wpływ dyrygenta na orkiestrę to jego zdolność do inspirowania wykonawców. Największym stopniem inspiracji jest inspiracja twórcza. Różne stopnie inspiracji, od entuzjazmu po prawdziwe podekscytowanie, przyczyniają się do przepływu wszelkich działań twórczych.
Stworzenie optymistycznego nastroju i inspiracji nie jest łatwym zadaniem dla każdego dyrygenta, ale staje się trudniejsze, gdy trzeba dać z siebie to samo stan emocjonalny wśród muzyków orkiestrowych - ludzie także z różne postacie i temperamenty, które mogłyby pojawić się w codziennej pracy bez odpowiedniej inspiracji twórczej. Dyrygent musi potrafić zainspirować wykonawców, wywołać w nich taki wzniosły, twórczo aktywny stan, dzięki któremu szczególnie wyostrza się ich uwaga i predyspozycja do wrażliwej reakcji na ekspresyjne gesty dyrygenta.
Inspiracja, inspiracja i praca są dla dyrygenta nierozłączne.
Proces dyrygowania jest złożony i wieloaspektowy. W kontekście występu koncertowego aktywność umysłowa jest jedną z najbardziej wielofunkcyjnych czynności w ludzkiej praktyce. Zachodząca na tle aktywnej świadomości, odbywa się w warunkach ścisłej tymczasowej nieodwracalności, tworząc ciągłą stresującą sytuację z powodu niemożności poprawienia błędów. Ilość informacji, jaką dyrygent musi przetworzyć w jednostce czasu, jest ogromna. Najtrudniejsze jest jednak to, że ta aktywność psychologiczna realizowana jest w sytuacji sprzeczności pomiędzy procesami zarządzania a kreatywnością.
Podstawą komunikacji spajającej działania dyrygenta i orkiestry w jeden system jest przenikająca się uwaga reżysera i zespołu. Dyrygent musi umieć nawiązać i stale utrzymywać kontakt psychologiczny z każdym z członków orkiestry i z całym zespołem jako całością.
Indywidualność człowieka w całym jego bogactwie przejawia się w jego intelekcie, który można rozpatrywać w systemie zdolności umysłowych człowieka. Każda z umiejętności odgrywa określoną rolę w powodzeniu w opanowaniu określonych umiejętności przez daną osobę. wiedza naukowa. Zdolności umysłowe istoty ludzkie mają swoje indywidualne różnice, charakterystyczne dla każdej osobowości - są to głębia i elastyczność umysłu, stabilność, powierzchowność, bezwładność, świadomość, niezależność, naśladownictwo.
Wiele kreatywni ludzie(naukowcy, nauczyciele, muzycy) w rdzeniu ich inteligencji leżała intuicja, subtelna wrażliwość, która determinowała skalę ich myślenia i umiejętność formułowania nieszablonowych podejść do rozwiązywania określonych problemów.
Działalność dyrygenta ma charakter twórczy. Kreatywność to obiektywne i subiektywne tworzenie czegoś nowego i działalność twórcza jest formą intuicyjnie transformacyjnej postawy wobec świata. Praca twórcza – ze swej natury, cech, specyfiki – sama w sobie nieuchronnie rodzi bolesne myśli i sprzeczne odczucia u każdego, kto się z nią zetknie. Wątpliwości w procesie twórczym to najczęstsze zjawisko.
Zawód muzyka - dyrygenta zawsze ujawnia moralny i etyczny charakter człowieka oraz kreatywna praca, szczególnie w chwilach szczęścia, oświeca wewnętrznie człowieka.
Dyrygent musi mieć wyobraźnię. Wyobraźnia jest magicznym darem, rodzi obrazy i odkrycia. Twórcza wyobraźnia to zdolność, która pomaga nam przejść od pomysłu do realizacji. Już w procesie studiowania partytury dyrygent staje przed problemami wykonawczymi, problemami interpretacji artystycznej, co powoduje, że nie da się już obejść się bez artystycznej wyobraźni, bez fantazji. W proces twórczy fantazja, wyobraźnia artystyczna - to wszystko. Trzeba się rozwijać i szkolić twórcza wyobraźnia, intuicja.
Wszystko zaczyna się od talentu. Talent to zdolność do pracy (bez pracy nie ma geniuszu), to niesamowite wgląd w istotę dzieła. Potrzeby talentów ostrożna postawa. Prawdziwy talent dyrygencki to absolutna rzadkość. Talent ten zakłada umiejętność ujęcia zjawiska muzycznego w jego wszechstronnym znaczeniu – historycznym, społecznym, ludowym i narodowym. A to nie jest dane wielu.
Ze wszystkich zawodów wykonawczych zawód dyrygenta jest najtrudniejszy i najbardziej odpowiedzialny. Dyrygent jest pośrednikiem pomiędzy kompozytorem a publicznością, a to wielka odpowiedzialność. Profesor Konserwatorium w Petersburgu K.A. Olkhov powiedział: „O złożoności zawodu dyrygenta decyduje wielofunkcyjność roli dyrygenta, który jest myślicielem tworzącym interpretację dzieła, inżynierem planującym konkretne ucieleśnienie dźwięku tej interpretacji, swego rodzaju dyspozytor, który precyzyjnie rozdziela czas i jakość dźwięku, kontroler, jakość wykonania. Dyrygent pełni rolę „mistrza”, który w razie potrzeby „poprawia” szczegóły. Dyrygent łączy funkcje aktora i reżysera, wymyślając i inscenizując „ przedstawienie muzyczne„i jednocześnie odgrywać w nim główną rolę”.
