WSTĘP

Sztuka dekoracyjna to rozległa dziedzina działalność twórcza osoba. Wyroby z ceramiki, drewna, szkła i tekstyliów są najstarszymi wytworami ludzkiej pracy i twórczości, wyznaczają postępowy rozwój cywilizacyjny i kulturowy na wszystkich etapach dziejów. Powstała na najwcześniejszym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego sztuka dekoracyjna i użytkowa przez wiele stuleci była najważniejszą, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem kreatywność artystyczna. Jednak rola i znaczenie sztuki zdobniczej w ogólnym procesie kulturowym jest nadal niedoceniana. W światowej historii sztuki nie jest ona zwykle izolowana jako szczególny obszar działalności estetycznej, ale rozpatrywana jedynie w jej funkcji użytkowej: jako projektowanie produktów przedmiotowych i środowiska życia, jako produkt rzemiosła lub produkcja przemysłowa. W zasadzie jest to prawdą: sztuka dekoracyjna jest ściśle związana z produkcją materialną i architekturą. Trudno się zgodzić, że o poziomie kulturowym epoki decydują wyłącznie ludzie widoki obrazkowe sztuka i architektura oraz przedmioty artystyczne - meble, naczynia, tekstylia, dekoracje - służą jedynie codziennym potrzebom ludzi i świecą odbitym światłem „sztuki wysokiej”.

Praca ta stawia sobie za cel kompleksowe studium współczesnej krajowej sztuki zdobniczej, ustalając problemy rozwoju produkcji masowej w kontekście sytuacji społeczno-kulturowej w Rosji w XX wieku.

Praca stawia następujące zadania:

Zasady współczesnego kształtowania wyrobów przedmiotowych i dekoracyjnych;

Ich wpływ na kształtowanie się stylu artystycznego świata przedmiotów i środowiska życia

Zwrócono uwagę na specyficzne miejsce sztuki zdobniczej w kulturze wizualnej epoki nowożytnej.

DZIAŁ BADAWCZY

Historia sztuki dekoracyjnej i użytkowej

Sztuka i rzemiosło ludowe są efektem twórczości wielu pokoleń mistrzów. Jest jednym w swoim strukturę artystyczną i jest niezwykle różnorodny pod względem cech narodowych, które przejawiają się we wszystkim, od wyboru (wykorzystania) materiału po interpretację form wizualnych.

Zrodzona wśród rolników, hodowców bydła i myśliwych sztuka ludowa przez całą historię swego rozwoju związana jest z przyrodą, prawami jej odnowy i przejawami jej życiodajnych sił.

Samo istnienie człowieka jest nierozerwalnie związane z przyrodą, która dostarcza materiału do mieszkania i ubrania, pożywienia, wyznacza rytm życie człowieka zmiana dnia i nocy, zmiana pór roku. Dlatego wszystko to znajduje odzwierciedlenie w pracach Sztuka ludowa, stanowiący integralne zjawisko kultury każdego narodu.

Znane stwierdzenie, że sztuka ludowa jest ściśle związana z życiem codziennym, dotyczy nie tylko sztuki i rzemiosła. Nieodłączne są także pieśni i tańce, epopeje i baśnie Życie codzienne ludzie, ponieważ ucieleśniali marzenia o pięknie, pomysły na temat lepsze życie, o dobru i złu, o harmonii świata. Podczas dożynek, pożegnania zimy, powitania wiosny, w rozmaitych obrzędach i rytuałach kreatywność manifestowała się w sposób złożony, wielofunkcyjny. Pod tym względem sztukę ludową nazywa się synkretyczną, tj. łączenie różnych funkcji przedmiotów i łączenie ich ze sobą życie codzienne(Załącznik, rys. 1).

A dziś wyroby artystyczne wykonane przez rzemieślników ludowych z różnych materiałów są nieodzowną częścią codziennego życia człowieka. Weszły w życie codzienne jako niezbędne przedmioty, pełniąc określone funkcje użytkowe. Są to dywaniki podłogowe i naczynia ceramiczne, tkane narzuty i haftowane obrusy, drewniane zabawki oraz biżuteria do odzieży damskiej. Ich przemyślana forma i proporcje, wzór ornamentu i kolor samego materiału charakteryzują estetykę tych rzeczy, ich treść artystyczną, zamieniając przedmiot użytkowy w dzieło sztuki. Wszystkie tego typu produkty należą do dziedziny dekoracji sztuka stosowana, w sferze, w której duchowe i materialne zasady twórczości okazują się organicznie zjednoczone. Świat tego obszaru jest ogromny.

Wiele obiektów artystycznych wytwarzają przedsiębiorstwa wyposażone w zaawansowaną technologię, która pozwala im produkować przedmioty w dużych ilościach. Wykazują jednak mechaniczne powtórzenie oryginalnej próbki. Ten rodzaj produkcji nazywa się przemysłem artystycznym. Obok niego, lecz wyraźnie różniące się charakterem produktu, znajduje się sztuka i rzemiosło ludowe, w którym wygląd przedmiotu, jego kształtowanie cechy artystyczne zależą od ręcznej pracy twórczej mistrza artysty, która determinuje ostateczny wynik. Dlatego znaczenie mistrza jest tak wielkie Sztuka ludowa. Poziom artystyczny tworzonej przez niego rzeczy zależy od tego, jak opanował swoje rzemiosło, jak wykorzystał swoją wiedzę i umiejętności praktyczne.

W wyniku rozwoju sztuki ludowej wypolerowano kształt wyrobów, zachowano piękne i wymowne motywy zdobnicze, a także tradycja artystyczna jako system światopoglądowy rzemieślników ludowych i jako rzemieślnicza podstawa kreatywności.

Wszystkie te cechy charakteryzujące sztukę i rzemiosło ludowe ujawniły się podczas jej trwania rozwój historyczny. Twórczy rozwój materiału pochodzący od niepamiętnych czasów, doskonalenie funkcji każdego przedmiotu doprowadziło do nadania rzeczom dodatkowego znaczenia. Na przykład zamek w kształcie lwa miał w opinii mistrza wzmacniać funkcję ochronną tego przedmiotu gospodarstwa domowego. Ozdoba w postaci obręczy okalającej korpus narzędzia tokarskiego wizualnie wzmocniła kształt.

Sztuka i rzemiosło ludowe nie zaczęły funkcjonować w formie rzemiosła wszędzie i nie jednocześnie. Powstawały tylko tam, gdzie istniały odpowiednie warunki ekonomiczne (stabilny popyt, wystarczająca ilość lokalnych surowców itp.). Najbardziej aktywny rozwój

Jeszcze przed rewolucją rzemieślniczą formę rolnictwa testowali mistrzowie z regionu moskiewskiego i szeregu innych ośrodków sztuki ludowej. I tak, po upadku właścicieli rzemiosła miniaturowego Fedoskino, rzemieślnicy zorganizowali w 1903 r. artel, dzięki czemu zachował się trzon twórczo pracujących malarzy, a sztuka rzemiosła nie zanikła (załącznik, ryc. 3). ).

W latach 1920-1930. Kontynuowano proces tworzenia spółdzielczych arteli rybackich. Powstały nowe gałęzie przemysłu, ale główną uwagę zwrócono na umacnianie tradycyjnego rzemiosła na terenach, gdzie starożytne ośrodki sztuki ludowej skupiały kilka osady. Produkcja wyrobów z malowaniem Khokhloma na drewnie została przywrócona na dużą skalę w regionie Niżnego Nowogrodu, a produkcja ręcznie robionych koronek w regionie Wołogdy. Narodziły się także nowe rodzaje produktów. W ten sposób mistrzowie dawnego rzemiosła ikonograficznego przeszli do pracy w polu miniatury lakieru. Malarstwo papier-mache autorstwa rzemieślników ze wsi Palech w obwodzie iwanowskim zostało już w pierwszych pracach wysoko ocenione przez czołowych badaczy i badaczy sztuki ludowej.

Na początku lat 60. wznowiono dostawy wyrobów artystycznych na eksport. Następnie wydano szereg dekretów mających na celu wspieranie rozwoju rybołówstwa. W szczególności jest to akceptowane ważna decyzja w sprawie przyciągnięcia do pracy osób pracujących w domu. Umożliwiło to nie tylko powiększenie siły roboczej, ale także umożliwiło utworzenie w wielu republikach związkowych całych stowarzyszeń rzemieślników pracujących w domu. Mistrzowie rzemiosła artystycznego otrzymują szereg korzyści ekonomicznych. Zgodnie z zadaniami określonymi w dokumentach dyrektywnych regularnie zaczęto organizować wyprawy, konkursy, zjazdy rzemieślników i festiwale rzemieślnicze. Takie zintegrowane podejście do wzmacniania kreatywności mistrzów i promowania ich osiągnięć pozwoliło każdemu narodowi dostrzec wartości własnej kultury narodowej i przyciągnąć młodych ludzi do rzemiosła, które daje im możliwość wykazania się swoimi umiejętnościami. Dlatego z roku na rok zwiększa się liczba młodych ludzi chcących podjąć naukę w placówkach specjalnych.

Elegancja i artystyczna treść rzemiosła ludowego tworzą atmosferę święta i wprawiają w dobry humor. Wyroby rzemieślników ludowych są niezbędnymi atrybutami naszej codzienności, ożywiają codzienne życie ludzi i stają się głównym „ aktorzy"na specjalne okazje. Kostiumy w tradycjach ludowych są obowiązkowymi atrybutami zespoły folklorystyczne, targi, wystawy specjalne. Wreszcie niemal każdy przedmiot stworzony przez mistrzów rzemiosła artystycznego jest doskonałym prezentem na każde ważne wydarzenie w życiu. indywidualna osoba, rodzina lub zespół. I małe, łatwe do przenoszenia rzeczy - pamiątki - znaki pamięci Kultura narodowa ludzi, a nawet całego kraju.

W przeciwieństwie do masowych produktów pozbawionych twarzy, przedmioty ręcznie robione są zawsze wyjątkowe. Fachowo wykonane rzeczy domowe, ubrania, elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach takie rzeczy były przedmiotami użytkowymi, to w naszych czasach przeszły do ​​kategorii sztuki. Piękna rzecz zrobiona dobry mistrz, zawsze będzie miało wartość.

W ostatnie lata rozwój sztuki użytkowej otrzymał nowy impuls. Ten trend nie może się nie cieszyć. Piękne naczynia z drewna, metalu, szkła i gliny, koronki, tekstyliów, Biżuteria, hafty, zabawki - wszystko to po kilkudziesięciu latach zapomnienia znów stało się aktualne, modne i poszukiwane.

Historia Moskiewskiego Muzeum Sztuki Ludowej

W 1981 roku w Moskwie przy ulicy Delegackiej otwarto Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej. Jego kolekcja składała się z unikalnych próbek produktów wykonane samodzielnie krajowi mistrzowie z przeszłości, a także najlepsze prace współcześni artyści.

W roku 1999 wydarzyło się co następuje ważne wydarzenie - Muzeum Wszechrosyjskie Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej przyjęła do swoich zbiorów eksponaty z Muzeum Sztuki Ludowej Savva Timofeevich Morozov. Trzon tej kolekcji powstał jeszcze przed rewolucją 1917 roku. Opierał się na eksponatach z czasów pierwszych Rosjan muzeum etnograficzne. Był to tzw Muzeum rękodzieła Sztuki i Rzemiosła, otwarty w 1885 roku.

Muzeum posiada specjalistyczną bibliotekę, w której można zapoznać się z rzadkimi książkami z zakresu teorii i historii sztuki.

Kolekcja muzealna

Tradycyjne rodzaje sztuki dekoracyjnej i użytkowej są usystematyzowane i podzielone na działy. Podstawowy obszary tematyczne- są to ceramika i porcelana, szkło, biżuteria i metal, rzeźby z kości i drewna, tekstylia, miniatury laki i szlachetne materiały.

Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej posiada w swoich otwartych funduszach i magazynach ponad 120 tysięcy eksponatów. Rosyjski modernizm reprezentują dzieła Vrubela, Konenkowa, Golovina, Andreeva i Malyutina. Kolekcja radzieckiej porcelany propagandowej i tekstyliów z drugiej ćwierci ubiegłego wieku jest obszerna.

Obecnie to muzeum sztuki ludowej i rzemiosła uważane jest za jedno z najważniejszych na świecie. Najstarsze eksponaty o dużej wartości artystycznej pochodzą z XVI wieku. Kolekcja muzeum była zawsze aktywnie uzupełniana dzięki darom od osób prywatnych, a także dzięki wysiłkom wyższych urzędników państwowych w latach władzy radzieckiej.

W ten sposób wyjątkowa wystawa tekstyliów powstała w dużej mierze dzięki hojności obywatela francuskiego P. M. Tołstoja-Milosławskiego, który przekazał muzeum dużą kolekcję tekstyliów rosyjskich, wschodnich i europejskich zebranych przez N. L. Shabelską.

Dwa duże zbiory porcelanę ofiarowały muzeum znane osobistości Sztuka radziecka- Leonid Osipovich Utesov i małżonkowie Maria Mironova i Alexander Menaker.

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej może poszczycić się salami poświęconymi życiu Rosjan w różnych okresach. Tutaj możesz zapoznać się z domami przedstawicieli wszystkich klas. Konserwowano, odnawiano i wystawiano meble, naczynia, ubrania chłopów i mieszkańców miasta oraz zabawki dziecięce. Rzeźbione dekoracje listew i zadaszeń dachów, pieców kaflowych, skrzyń, które służyły nie tylko jako wygodne schowki na rzeczy, ale także jako łóżka, ponieważ zostały wykonane w odpowiednich rozmiarach, przywołują obrazy spokojnego, wyważonego i dobrze odżywionego życia rosyjski busz.

Miniatura lakieru

Miniatura lakierowa jako sztuka użytkowa największy dobrobyt osiągnięto w XVIII i XIX wieku. Ośrodkami artystycznymi dającymi siedzibę głównym kierunkom były miasta słynące z warsztatów malowania ikon. Są to Palech, Mstyora, Kholui i Fedoskino. Pudełka, broszki, panele, szkatułki wykonane z papier-mache malowano farbami olejnymi lub temperą i lakierowano. Rysunki były stylizowanymi wizerunkami zwierząt, roślin, postaci z baśni i eposów. Artyści, mistrzowie miniatur lakowych, malowanych ikon, wykonywali portrety na zamówienie i malowali sceny rodzajowe. Każda miejscowość wypracowała swój własny styl malarstwa, ale prawie wszystkie rodzaje sztuki użytkowej w naszym kraju łączą takie cechy, jak bogactwo i jasność kolorów. Szczegółowe rysunki, gładkie i zaokrąglone linie - to właśnie wyróżnia rosyjskie miniatury. Co ciekawe, obrazy dawnej sztuki dekoracyjnej i użytkowej inspirują także współczesnych artystów. Vintage rysunki często wykorzystywane do tworzenia tkanin do kolekcji modne ubrania.

Malarstwo artystyczne na drewnie

Obrazy Khokhloma, Mezen i Gorodets są rozpoznawalne nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Meble, szafki, pudełka, łyżki, miski i inne przybory gospodarstwa domowego wykonane z drewna, pomalowane jedną z tych technik, uważane są za uosobienie Rosji. Lekkie drewniane naczynia pomalowane na czarno, czerwono i Zielony kolor na złotym tle wygląda masywnie i ciężko - to charakterystyczna maniera Khokhloma.

Produkty Gorodets wyróżniają się wielobarwną paletą barw i nieco mniejszą okrągłością kształtów niż produkty Khokhloma. Jako fabuły wykorzystywane są sceny rodzajowe, a także wszelkiego rodzaju fikcyjni i prawdziwi przedstawiciele świata zwierząt i roślin.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa regionu Archangielska, w szczególności malarstwo na drewnie Mezen, to przedmioty użytkowe ozdobione specjalnymi wzorami. Rzemieślnicy Mezen używają w swoich pracach wyłącznie dwóch kolorów - czarnego i czerwonego, czyli sadzy i ochry, ułamkowych schematycznych rysunków pudeł, pudeł i skrzyń, fryzów w formie obramowań z powtarzających się ściętych postaci koni i jeleni. Statyczny, drobny, często powtarzający się wzór wywołuje wrażenie ruchu. Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych. Te rysunki, które są używane współcześni artyści, to inskrypcje hieroglificzne, którymi plemiona słowiańskie posługiwały się na długo przed powstaniem państwa rosyjskiego.

Rzemieślnicy przed wykonaniem dowolnego przedmiotu z litego bloku zabezpieczają drewno przed pękaniem i wysychaniem, dzięki czemu ich produkty mają bardzo długą żywotność.

Tace Zhostovo

Metalowe tace malowane w kwiaty - sztuka użytkowa Zhostova pod Moskwą. Tace Zhostovo, niegdyś pełniące wyłącznie funkcję użytkową, od dawna służą jako dekoracja wnętrz. Jasne bukiety dużego ogrodu i małych polnych kwiatów na czarnym, zielonym, czerwonym, niebieskim lub srebrnym tle są łatwo rozpoznawalne. Charakterystyka Bukiety Zhostovo Teraz ozdabiają metalowe pudełka herbatą, ciasteczkami czy słodyczami.

Szkliwo

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, taka jak emalia, odnosi się również do malowania metali. Najbardziej znane są wyroby rzemieślników z Rostowa. Przezroczyste farby ognioodporne nakłada się na blachę miedzianą, srebrną lub złotą, a następnie wypala w piecu. Techniką emalii na gorąco, bo tak nazywa się emalię, wykonuje się biżuterię, naczynia, rękojeści do broni i sztućce. Farby pod wpływem wysokich temperatur zmieniają kolor, dlatego rzemieślnicy muszą rozumieć zawiłości obchodzenia się z nimi. Najczęściej motywy kwiatowe są wykorzystywane jako tematy. Najbardziej doświadczeni artyści wykonują miniatury portretów ludzi i krajobrazów.

Majolika

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej daje możliwość zobaczenia dzieł uznanych mistrzów malarstwa światowego, wykonanych w nie do końca dla nich charakterystyczny sposób. Na przykład w jednej z sal znajduje się majolika Vrubela - kominek „Mikula Selyaninovich i Wołga”.

Majolika to wyrób wykonany z czerwonej gliny, malowany na surowej emalii i wypalany w specjalnym piecu w bardzo wysokiej temperaturze. W regionie Jarosławia sztuka i rzemiosło stały się powszechne i rozwinięte dzięki dużej liczbie złóż czystej gliny. Obecnie w szkołach w Jarosławiu dzieci uczą się pracy z tym tworzywem sztucznym. Sztuka użytkowa dla dzieci to drugi wiatr dla starożytnych rzemiosł, Nowy wygląd NA tradycje ludowe. To jednak nie tylko hołd tradycje narodowe. Praca z gliną rozwija umiejętności motoryczne, rozszerza kąt widzenia, normalizuje stan psychosomatyczny.

Gżel

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, w przeciwieństwie do sztuk pięknych, polega na utylitarnym, gospodarczym zastosowaniu stworzone przez artystów rzeczy. Porcelanowe czajniki, wazony na kwiaty i owoce, świeczniki, zegary, uchwyty do sztućców, talerze i filiżanki są niezwykle eleganckie i dekoracyjne. Na podstawie pamiątek Gzhel powstają nadruki na dzianinach i materiałach tekstylnych. Przyzwyczailiśmy się myśleć, że Gzhel to niebieski wzór na białym tle, ale początkowo porcelana Gzhel była wielokolorowa.

Haft

Haft tkaninowy jest jednym z najstarszych rodzajów robótek ręcznych. Początkowo przeznaczony był do ozdabiania ubiorów szlacheckich, a także tkanin przeznaczonych do rytuałów religijnych. Ta ludowa sztuka dekoracyjna i użytkowa przybyła do nas z krajów Wschodu. Ubrania bogatych ludzi haftowano kolorowym jedwabiem, złotymi i srebrnymi nićmi, perłami, drogimi kamieniami i monetami. Za najcenniejszy uważa się haft wykonany małymi ściegami, który daje wrażenie gładkiego, jakby wzoru narysowanego farbami. W Rosji haft szybko wszedł do użytku. Pojawiły się nowe techniki. Oprócz tradycyjnego ściegu satynowego i ściegu krzyżykowego zaczęto haftować ściegami mereżkowymi, czyli układaniem ażurowych ścieżek wzdłuż pustych przestrzeni utworzonych przez wyrwane nici.

Zabawki dla dzieci w Dymkowie

W przedrewolucyjnej Rosji Ośrodki rzemiosła ludowego, oprócz przedmiotów użytkowych, wyprodukowały setki tysięcy zabawek dziecięcych. Były to lalki, zwierzęta, naczynia i meble do zabawy dla dzieci oraz gwizdki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa tego kierunku jest nadal bardzo popularna.

Symbol ziemi Vyatka - zabawka Dymkowo - nie ma odpowiednika na świecie. Jasne kolorowe młode panie, panowie, pawie, karuzele, kozy są natychmiast rozpoznawalne. Żadna zabawka się nie powtarza. Na śnieżnobiałym tle wzory w postaci okręgów, linii prostych i faliste linie. Wszystkie rzemiosła są bardzo harmonijne. Emanują ogromną mocą pozytywna energia aby każdy, kto podniesie zabawkę, mógł ją poczuć. Może nie ma potrzeby umieszczać w kątach mieszkania chińskich symboli dobrobytu w postaci trójnożnych ropuch, plastikowych czerwonych rybek czy drzewa pieniężne, ale lepiej udekorować swój dom wyrobami rosyjskich rzemieślników - gliniane pamiątki Kargopola, Tuły lub Wiatki, miniatury drewniane rzeźby Rzemieślnicy z Niżnego Nowogrodu. Niemożliwe jest, aby nie przyciągnęły do ​​rodziny miłości, dobrobytu, zdrowia i dobrego samopoczucia.

Zabawka Filimonowska

W dziecięcych ośrodkach artystycznych w wielu regionach naszego kraju dzieci uczą się rzeźbić z gliny i malować na wzór rzemiosła ludowego środkowej Rosji. Dzieciom naprawdę podoba się praca z tak wygodnym i elastycznym materiałem, jak glina. Wymyślają nowe projekty zgodnie ze starożytnymi tradycjami. W ten sposób rozwija się krajowa sztuka użytkowa, która pozostaje poszukiwana nie tylko w ośrodkach turystycznych, ale w całym kraju.

Mobilne wystawy zabawek Filimonowa cieszą się we Francji dużą popularnością. Przez cały rok podróżują po kraju i towarzyszą im kursy mistrzowskie. Zabawki z gwizdkiem kupują muzea w Japonii, Niemczech i innych krajach. Statek ten, który ma stałe miejsce zamieszkania w regionie Tula, ma około 1000 lat. Prymitywnie wykonane, ale pomalowane na różowo-zieloną kolorystykę, wyglądają bardzo wesoło. Uproszczoną formę tłumaczy się tym, że zabawki mają w środku wnęki z wychodzącymi otworami. Dmuchając w nie, naprzemiennie zakrywając różne dziury, uzyskasz prostą melodię.

Szale Pawłowo

Przytulne, kobiece i bardzo jasne szale od tkaczy Pavlovo Posad stały się znane na całym świecie dzięki niesamowitej kolekcji modnych ubrań rosyjskiego projektanta mody Wiaczesława Zajcewa. Używał tradycyjnych tkanin i wzorów do szycia damskich sukienek, męskich koszul, innej odzieży, a nawet butów. Szalik Pavlovo Posad to dodatek, który można przekazywać z pokolenia na pokolenie, podobnie jak biżuteria. Trwałość i odporność szalików na zużycie jest powszechnie znana. Wykonane są z wysokiej jakości cienkiej wełny. Wzory nie blakną na słońcu, nie blakną od prania i nie kurczą się. Frędzle na szalach wykonują specjalnie przeszkoleni rzemieślnicy - wszystkie komórki ażurowej siateczki wiązane są w supełki w tej samej odległości od siebie. Motyw przedstawia kwiaty na czerwonym, niebieskim, białym, czarnym i zielonym tle.

Koronka Wołogdy

Słynna na całym świecie koronka Wołogdy jest tkana przy użyciu szpulek brzozowych lub jałowcowych z nici bawełnianych lub lnianych. W ten sposób powstają miarki, narzuty, szale, a nawet sukienki. Koronka Wołogdy to wąski pasek, który stanowi główną linię wzoru. Pustki są wypełnione sieciami i robakami. Tradycyjny kolor to biały.

Sztuka użytkowa nie stoi w miejscu. Rozwój i zmiany zachodzą nieustannie. Trzeba powiedzieć, że na początku ubiegłego wieku pod wpływem rozwijającego się przemysłu pojawiły się manufaktury przemysłowe wyposażone w szybkie maszyny elektryczne i powstała koncepcja produkcji masowej. Sztuka ludowa zaczął spadać. Dopiero w połowie ubiegłego wieku przywrócono tradycyjne rosyjskie rzemiosło. W ośrodkach artystycznych, takich jak Tuła, Włodzimierz, Gus-Chrustalny, Archangielsk, Rostów, Zagorsk itp. Budowano i otwierano szkoły zawodowe, kształcono wykwalifikowanych nauczycieli i kształcono nowych młodych mistrzów.

Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywności

Ludzie podróżują, poznają kultury innych narodów, uczą się rzemiosła. Co jakiś czas pojawiają się nowe rodzaje sztuki zdobniczej i użytkowej. Dla naszego kraju scrapbooking, origami, quilling i inne stały się takimi nowymi produktami.

Niegdyś betonowe ściany i płoty zdobiono różnorodnymi rysunkami i napisami wykonanymi w wysoce artystyczny sposób. Graffiti, czyli sztuka natryskowa, jest współczesne czytanie starożytny rodzaj malarstwa naskalnego. Możesz się z tego śmiać ile chcesz nastoletnie hobby, co oczywiście obejmuje graffiti, ale spójrz na zdjęcia w Internecie lub pospaceruj po własnym mieście, a odkryjesz dzieła naprawdę wysoce artystyczne.

Scrapbooking

Projektowanie notesów, książek i albumów, które istnieją w jednym egzemplarzu, nazywa się scrapbookingiem. Ogólnie rzecz biorąc, działalność ta nie jest całkowicie nowa. Albumy, których celem było utrwalenie dla potomności historii rodziny, miasta czy jednostki, powstawały już wcześniej. Nowoczesną wizją tej sztuki jest kreacja książki o sztuce z ilustracjami autorów, a także wykorzystanie komputerów z różnymi edytorami graficznymi, muzycznymi, fotograficznymi i innymi.

Quilling i origami

Quilling, tłumaczony na rosyjski jako „zwijanie papieru”, służy do tworzenia paneli, projektowania pocztówek, ramek do zdjęć itp. Technika ta polega na zwijaniu cienkich pasków papieru i przyklejaniu ich do podłoża. Im mniejszy fragment, tym bardziej eleganckie i dekoracyjne rzemiosło.

Origami, podobnie jak quilling, to praca z papierem. Tylko origami to praca z kwadratowymi kartkami papieru, z których formuje się najróżniejsze kształty.

Z reguły wszystkie rzemiosła związane z papiernictwem mają chińskie korzenie. Azjatycka sztuka i rzemiosło były pierwotnie rozrywką szlachty. Biedni nie stworzyli pięknych rzeczy. Ich przeznaczeniem jest rolnictwo, hodowla bydła i wszelkiego rodzaju brudna robota. Europejczycy, przyjmując podstawy techniki, która w przeszłości reprezentowała bardzo drobną i delikatną pracę z papierem ryżowym, przenieśli tę sztukę do dogodnych dla nich warunków.

Chińskie produkty wyróżniają się mnóstwem bardzo drobnych detali, które wyglądają monolitycznie i bardzo elegancko. Taka praca jest możliwa tylko przez bardzo doświadczeni rzemieślnicy. Ponadto cienkie wstążki papierowe można skręcić w ciasną i równą cewkę tylko za pomocą specjalnych narzędzi. Europejscy miłośnicy rękodzieła nieco zmodyfikowali i uprościli starożytne chińskie rzemiosło. Papier zwinięty w spirale o różnej wielkości i gęstości stał się popularną ozdobą pudeł kartonowych, wazonów na suszone kwiaty, ramek i paneli.

Mówiąc o sztuce dekoracyjnej i użytkowej, niesprawiedliwe byłoby pominięcie takich rzemiosł, jak malowanie jedwabiem, czy batik, drukowanie materiałów czy tłoczenie, czyli malowanie metali, tkanie dywanów, beading, makrama, dziewiarstwo. Jedne rzeczy odchodzą w przeszłość, inne stają się tak modne i popularne, że nawet przedsiębiorstwa przemysłowe zaczynają produkować sprzęt do tego typu twórczości.

Zachowanie starożytnych rzemiosł i eksponowanie najlepszych przykładów w muzeach to dobry cel, który zawsze będzie źródłem inspiracji dla ludzi zawody kreatywne i pomoże wszystkim innym dołączyć do piękna.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa sięga wieków wstecz. Człowiek przez cały swój rozwój tworzył przedmioty wartościowe estetycznie, odzwierciedlając w nich zainteresowania materialne i duchowe, dlatego dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej są nierozerwalnie związane z czasem ich powstania. W swoim podstawowym znaczeniu termin „sztuka dekoracyjna i użytkowa” odnosi się do projektowania przedmiotów codziennego użytku, które otaczają człowieka przez całe jego życie: mebli, tkanin, broni, naczyń, biżuterii, odzieży – tj. wszystko, co tworzy środowisko, z którym ma on codzienny kontakt. Wszystkie rzeczy, z których korzysta dana osoba, powinny być nie tylko wygodne i praktyczne, ale także piękne.

Koncepcja ta powstała w r kultura ludzka nie od razu. Początkowo to, co otacza człowieka na co dzień, nie było postrzegane jako mające wartość estetyczną, choć piękne rzeczy zawsze otaczały człowieka. Już w epoce kamiennej przedmioty gospodarstwa domowego i broń zdobiono ozdobami i nacięciami; nieco później pojawiły się ozdoby z kości, drewna i metalu; do pracy zaczęto używać szerokiej gamy materiałów - gliny i skóry, drewna i złota , włókna szklane i roślinne, pazury i zęby zwierząt.

Malowano naczynia i tkaniny, ozdabiano ubrania haftami, na broni i naczyniach stosowano nacięcia i tłoczenia, wykonywano biżuterię z niemal każdego materiału. Ale osoba ta nie pomyślała o tym, że znane rzeczy, które otaczają go przez całe życie, można nazwać sztuką i wyróżnić oddzielny prąd. Jednak już w okresie renesansu podejście do przedmiotów codziennego użytku zaczęło się zmieniać. Spowodowane to było rozbudzeniem zainteresowań ludzi przeszłością, związaną z powstającym wówczas kultem starożytności. Jednocześnie wzrosło zainteresowanie domem jako obiektem dorównującym pod względem estetycznym innym obiektom sztuki. Największy rozwój Sztuka dekoracyjna i użytkowa sięga epoki baroku i klasycyzmu. Bardzo często za wykwintną dekoracją – malowaniem, zdobieniem, tłoczeniem kryła się prosta, praktycznie wygodna forma przedmiotu.

W wysoce artystycznych dziełach mistrzów starożytnej Rusi zasada plastyczna przejawiała się we wszystkim: łyżki i kubki wyróżniały się rzeźbiarskimi formami, nienagannymi proporcjami, chochle przybierały zwykle postać ptaka - kaczki lub łabędzia, głowy a szyja służyła za uchwyt. Taka metafora miała znaczenie magiczne, a znaczenie rytualne decydowało o tradycyjności i trwałości takiej formy życie ludowe. Złote łańcuszki, monisty z eleganckich medalionów, kolorowe koraliki, wisiorki, szerokie srebrne bransoletki, szlachetne pierścionki, tkaniny zdobione haftem - wszystko to nadawało wielobarwności i bogactwa odświętnemu kobiecemu strojowi. Malowanie dzbanka wzorami, dekorowanie deski do krojenia rzeźbami, tkanie wzorów na tkaninie - wszystko to wymaga dużych umiejętności. Prawdopodobnie takie wyroby zdobione ozdobami zalicza się do sztuki dekoracyjnej i użytkowej również dlatego, że aby osiągnąć niesamowite piękno, trzeba włożyć w to ręce i duszę.

Nowoczesny proces artystyczny złożona i wieloaspektowa, tak jak współczesna rzeczywistość jest złożona i wieloaspektowa. Sztuka, zrozumiała dla każdego, otacza nas wszędzie – w domu i w domu Powierzchnia biurowa, w przedsiębiorstwie i w parku, w budynkach użyteczności publicznej - teatrach, galeriach, muzeach. Wszystko, od pierścionków, bransoletek i zestawów do kawy po kompletny kompleks tematyczny dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej dla dużych budynek publiczny- kryje w sobie różnorodne poszukiwania artystyczne mistrzów, którzy subtelnie wyczuwają dekoracyjne przeznaczenie przedmiotu, organizują i wypełniają pięknem nasze życie.

Aby stworzyć niezbędne udogodnienia dla człowieka, a jednocześnie ozdobić jego życie, artyści starają się zapewnić, że wszystkie rzeczy używane w życie codzienne nie tylko spełniły swoje zadanie, ale były też piękne, stylowe i oryginalne.

A piękno i korzyści są zawsze w pobliżu, gdy mistrzowie zabiorą się do pracy, i to od większości różne materiały(drewno, metal, szkło, glina, kamień itp.) tworzą przedmioty codziennego użytku będące dziełami sztuki.

Rola sztuki zdobniczej i użytkowej w życiu człowieka

2.2 Rola sztuki dekoracyjnej i użytkowej we współczesnym społeczeństwie

Aby zrozumieć, czy tak dziwna sytuacja z DPI powstała przypadkowo, czy nieprzypadkowo, należy przypomnieć lata trzydzieste i pięćdziesiąte XX wieku - długi okres powstawania „związków zawodowych” artyści radzieccy" To wtedy, podczas tworzenia Moskiewskiego Związku Artystów i Związku Artystów ZSRR, sekcje malarzy, grafików, rzeźbiarzy, projektantów, monumentalistów i „artystów użytkowych” zostały przydzielone na równych zasadach.

Prawdopodobnie przy rozwiązywaniu kwestii organizacyjnych związków wszystkie te sekcje cieszyły się naprawdę równymi prawami. Ale zamieszanie zaczęło się już wtedy. Sokolov K.F. Religia Narody słowiańskie. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.

Faktem jest, że nie jest łatwo wskazać malarza, który nigdy w życiu nie projektował żadnego muzeum, wystawy, kościoła czy ośrodka kulturalnego. Albo rzeźbiarz, który pracował wyłącznie w plastiku sztalugowym i nie wystawił ani jednej monumentalne dzieło. Albo grafik, który nigdy nie zilustrował ani jednej książki.

I tak okazało się, że wśród „równych” sekcji znalazły się trzy „najrówniejsze” – malarze, graficy i rzeźbiarze, którzy mogli uprawiać swoją „wysoką” sztukę sztalugową, a jednocześnie robić to wszystko, co w teorii wypadało w kompetencjach monumentalistów i projektantów. I oczywiście nikt nie mógł zabronić członkom sekcji „użytkowych” uprawiania „malarstwa sztalugowego”, ale na masowych wystawach ogólnounijnych mogli liczyć jedynie na hale „peryferyjne” i kupować od nich prace sztalugowe był raczej wyjątkiem niż regułą.

W związku z tym każdy artysta, który chociaż raz w życiu spróbował siebie malarstwo sztalugowe, grafika czy rzeźba (co byśmy bez tego obeszli?), przede wszystkim próbowały połączyć działy tworzące „sztukę w wąskim znaczeniu”. A jeśli z jakiegoś powodu to nie wyszło, wyjeżdżał „na obrzeża” – aby zostać monumentalistą lub projektantem. Były oczywiście wyjątki od tej reguły, ale tylko z powodów subiektywnych - jeśli np. wszyscy przyjaciele artysty N należeli już do Moskiewskiego Związku Artystów jako graficy, to dlaczego N próbował zostać malarzem lub grafikiem artysta narażony na ogromne ryzyko „dyskwalifikacji” w komisjach recepcyjnych? Lepiej udać się od razu do „naszych ludzi”...

Były też wyjątki innego rodzaju: w historii każdego ze „związków artystów radzieckich”, a także w istniejących obecnie rosyjskich związkach twórczych znane są okresy, gdy „na czele” byli monumentaliści lub projektanci. Ale te sytuacje miały i mają charakter wyłącznie subiektywny.

Gwoli ścisłości, zauważamy, że podział na malarzy i grafików był równie arbitralny i subiektywny. Na przykład, który malarz nigdy nie malował akwarelami i nigdy nie sięgał po pastele?

Ale zaklasyfikowanie malarza do grona grafików, choć oznaczało niemożność znalezienia się w zaszczytnym centrum jakiejkolwiek ogólnounijnej (a teraz ogólnorosyjskiej) wystawy, nie było jednak równoznaczne z wypadnięciem ze „sztuki w wąskim znaczeniu” - Cienki.

Jak już widzieliśmy, monumentaliści i projektanci nie stracili prawa do miana malarzy i grafików, a co za tym idzie, nie wypadli z „sztuki w wąskim znaczeniu”. Rzeźbiarze monumentalni nigdy nie wyróżniali się spośród „ogólnej wspólnoty rzeźbiarskiej”.

Jednak „specjaliści stosowane” mieli najmniej szczęścia. Okazali się odwieczną „drugą klasą”. Okazało się, że jubilerzy, ceramiki i artyści zajmujący się szkłem to nie rzeźbiarze, a miniaturzyści to nie malarze. Na bujnym i rozłożystym drzewie oficjalnego uznania sowieckiego otrzymali w najlepszym razie tytuł „Czczonego Artysty” lub „Czczonego Artysty”. Artysta Ludowy ZSRR, członek korespondent, a tym bardziej pełnoprawny członek Akademii Sztuk - te „wysokości” były dla nich transcendentalne. Co więcej, dla zdecydowanej większości „artystów użytkowych” praktycznie wykluczono „swobodną nawigację” (zamówienia od oficjalnych organizacji, zakupy Ministerstwa Kultury z wystaw itp.) - zmuszeni byli albo do zarabiania pieniędzy poprzez „rzemiosło ludowe”, albo „ lewicowy".

Po upadku władzy sowieckiej zniknęły formalne ograniczenia w działalności „specjalistów stosowanych”, ale piętno statusu „drugiej kategorii” pozostało. Całkiem niedawno jednemu z moich znajomych malarzy, który ubiegał się o przyjęcie do Moskiewskiego Związku Artystów Plastyków, zaproponowano wstąpienie do sekcji DPI tylko dlatego, że był na tyle nieostrożny, że przyniósł komisji selekcyjnej nie fotografie swoich prac sztalugowych, ale wydrukowane pocztówki z ich reprodukcje. I gdyby w naszych czasach nie było „alternatywnych” związków artystów, malarz ten pozostałby „artystą użytkowym”. Ramzin V.M. Poznaj Słowian. Moskwa, 1992.

Skąd więc bierze się ten aprioryczny „status naukowca stosowanego drugiej kategorii” i czy jest uzasadniony?

Jest bardzo prawdopodobne, że w warunkach monopolistycznej dominacji sowieckiego systemu dystrybucji taki „status drugiej kategorii” miał pewne przyczyny.

„Historycznie” – od XVIII do początków XX wieku – rosyjscy jubilerzy, dmuchacze szkła, ceramiki, hafciarki i inni „robotnicy użytkowi” byli w dużej mierze „bezpersonalni”. Opinia publiczna znała jedynie nazwiska właścicieli fabryk i warsztatów, a niemal wszyscy rzemieślnicy – ​​nawet ci najbardziej utalentowani – rzadko mieli okazję pokazać swoją indywidualność jako twórcy.

O malarzach i rzeźbiarzach Akademia Cesarska sztuka, sztywno narzucająca swój styl i „reguły gry”, prawie nigdy nie pozwalała na depersonalizację, zachowując dla historii nazwiska nawet wielu „uczniów”. Oraz zdecydowana większość „zwykłych” rzemieślników z branży jubilerskiej, szklarskiej i porcelanowej Imperium Rosyjskie bezpowrotnie popadł w zapomnienie. Bezprecedensowy rozwój autorskiej „sztuki dekoracyjnej i użytkowej ZSRR” nastąpił dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku.

A w latach 1930-1950 przywódcy związki twórcze i ich kuratorzy z organów partyjnych dość szczerze (w każdym razie zgodnie z tradycją „cesarską”) próbowali oddzielić „baranki od kóz”, „prawdziwych twórców” od „rzemieślników”.

Wtedy powstał podział artystów na „czystych i nieczystych” – „malarzy sztalugowych” i „artystów użytkowych”. Teoretycznie nie wypadało, aby „prawdziwi radzieccy” malarze i rzeźbiarze dorabiali na rzemiośle ludowym i robieniu zabawek (fakt, że wielu naprawdę prawdziwych artystów było zmuszonych do dorabiania jako ładowacze i palacze, nie jest teraz omawiany). Tak, teoretycznie „prawdziwi artyści” nie powinni byli tworzyć „klonów” swoich dzieł, wprowadzać swoich obrazów i rzeźb do strumienia przemysłowego – ale w przypadku „artysty użytkowego” wydaje się to być w porządku.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa Dagestanu

Pojawienie się i rozwój oryginalnej sztuki ludów Dagestanu sięga czasów starożytnych. Liczne znaleziska odkryte podczas wykopalisk archeologicznych...

Kultura i sztuka starożytnego Babilonu

Kolaż (z francuskiego kolaż - klejenie) - technika techniczna w sztuki piękne który polega na tworzeniu malowniczych lub prace graficzne poprzez przyklejanie przedmiotów i materiałów do dowolnego podłoża...

Potrzeby kulturalne współczesna młodzież

młodzieżowe społeczeństwo potrzeb kulturalnych Wśród problemy społeczne Współczesna młodzież doświadcza wielu najważniejszych trendów, których uwzględnienie pozwala mówić o nowych trendach w rozwoju młodzieży...

Metodyczne podstawy nauczania dzieci w wieku szkolnym papierowych technik plastycznych

Dzieci w każdym wieku uwielbiają pracować z papierem i tworzyć z niego własne małe arcydzieła. Jednym z ulubionych kreatywnych zajęć dzieci jest robienie papieru...

Sztuka i rzemiosło ludowe jako wybitne zjawisko kultury artystycznej ludności regionu Biełgorodu

Wśród nowoczesnych przedsiębiorstw przemysłowych regionu, które wykorzystują kompozycje zdobnicze i metody zdobienia odzieży, można wyróżnić: Fabrykę Borysów ceramika artystyczna, JSC „Rossiyanka”, „Nayada”...

Specyfika ukraińskiego baroku

Twórz dzieła sztuki wizerunkowej i dekoracyjnej, stare ręce...

Sztuka użytkowa Bizancjum IV-XIV w

Fragmenty arcydzieł sztuki użytkowej Bizancjum, które do nas dotarły, wskazują, że mistrzowie bizantyjscy dokonali wielkich osiągnięć nie tylko w architekturze, rzeźbie i malarstwie...

Od ponad wieku problematyka etniczna dosłownie w różnych formach wdziera się do humanistyki, porządkując na nowo mniej lub bardziej utrwalone koncepcje i odsłaniając w nich nowe treści. Rzeczywiście...

Połączenie metod etnograficznych, historyczno-kulturowych i psychologicznych jest zdaniem I. S. Kona niezbędne do prawidłowego badania zjawiska psychologiczno-filozoficznego...

Rola sztuki zdobniczej i użytkowej w życiu człowieka

Rola sztuki zdobniczej i użytkowej w życiu człowieka

Dlatego nie będziemy wymyślać żadnych nowych definicji DPI i zwracać się do rosyjskiego słownik encyklopedyczny(RES) - książka mająca na celu suche przedstawienie stereotypowych poglądów na wszelkie zjawiska naukowe...

Nowoczesne technologie w meblach drewnianych w stylu kazachskim na lekcjach w klasie VII

Produkcja filcu to złożony proces, który wymaga pewnych umiejętności. Artykuły gospodarstwa domowego i odzież były wykonane z wełny. Głównym surowcem do wykonywania miękkich wnętrz domowych była wełna. Od zebrania wełny i ułożenia jej na macie...

Sztuka dekoracyjna i użytkowa.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa (DAI)- sztuka wytwarzania przedmiotów gospodarstwa domowego, które mają walory artystyczne i estetyczne i są przeznaczone nie tylko do użytku praktycznego, ale także do dekoracji domów, obiektów architektonicznych, parków itp.

Całe życie prymitywnych plemion i cywilizacji było związane z pogaństwem. Ludzie czcili różne bóstwa, przedmioty - trawę, słońce, ptaka, drzewo. Aby „ułagodzić” niektórych bogów i „wypędzić” złe duchy, starożytny człowiek Budując dom, koniecznie uzupełnił go „amuletami” - płaskorzeźbą, ramami okiennymi, zwierzętami i znakami geometrycznymi, które mają znaczenie symboliczne i symboliczne. Odzież koniecznie chroniła właściciela przed złymi duchami za pomocą paska ozdobnego na rękawach, rąbku i kołnierzu, wszystkie naczynia miały także rytualny ornament.

Jednak od czasów starożytnych powszechne było dążenie człowieka do piękna w swoim otoczeniu. obiektywny świat, więc obrazy zaczęły nabierać coraz bardziej estetycznego wyglądu. Stopniowo tracąc swoje pierwotne znaczenie, zaczęły bardziej ozdabiać przedmiot niż przenosić jakąkolwiek magiczną informację. Stosowany do tkanin haftowane wzory Ceramikę dekorowano ornamentami i obrazami, najpierw wytłaczano i rysowano, a następnie nakładano gliną o innym kolorze. Później używano do tego celu kolorowych szkliw i emalii. Wyroby metalowe odlewano w kształtki, pokrywano bruzdami i nacięciami.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa obejmuje i artystycznie wykonane meble, naczynia, odzież, dywany, hafty, biżuteria, zabawki i inne przedmioty, a także ozdobne obrazy i rzeźby dekoracyjne wykończenie wnętrza i elewacje budynków, ceramika licowa, witraże itp. Bardzo popularne są formy pośrednie pomiędzy DPI a sztuką sztalugową – panele, gobeliny, abażury, dekoracyjne posągi itp. – które stanowią część architektonicznej całości, ją uzupełniają, ale można je też rozpatrywać osobno, jako samodzielne dzieła sztuki. Czasami w wazonie lub innym przedmiocie najważniejsza jest nie funkcjonalność, ale piękno.

Na rozwój sztuki użytkowej miały wpływ warunki życia każdego ludu, warunki naturalne i klimatyczne ich siedliska. DPI jest jednym z najstarszy gatunek sztuka. Przez wiele wieków rozwijała się wśród ludzi w formie ludowego rzemiosła artystycznego.

Haft. Ma swoje korzenie w czasach starożytnych, kiedy używano igieł z kości, a następnie z brązu. Haftowano na odzieży lnianej, bawełnianej i wełnianej. W Chinach i Japonii haftowano kolorowym jedwabiem, w Indiach, Iranie i Turcji - złotem. Haftowali ozdoby, kwiaty, zwierzęta. Nawet w obrębie jednego kraju istniały zupełnie różne rodzaje haftów w zależności od obszaru i narodowości tam zamieszkującej, takie jak haft czerwoną nicią, haft kolorowy, ścieg krzyżykowy, ścieg satynowy itp. Motywy i kolory często zależały od przeznaczenia przedmiotu, odświętnego lub codziennego.

Aplikacja. Wielokolorowe kawałki tkaniny, papieru, skóry, futra, słomy są przyszyte lub przyklejone do materiału o innym kolorze lub wykończeniu. Niezwykle ciekawe jest zastosowanie w sztuce ludowej, zwłaszcza ludów Północy. Aplikacje służą do ozdabiania paneli, gobelinów i zasłon. Często aplikacja jest wykonywana po prostu jako samodzielna praca.

Witraż. To jest spisek kompozycja dekoracyjna wykonane z kolorowego szkła lub innego materiału przepuszczającego światło. W klasycznym witrażu poszczególne kawałki kolorowego szkła łączono ze sobą przekładkami wykonanymi z najmiększego materiału - ołowiu. Są to witraże wielu katedr i świątyń w Europie i Rosji. Stosowano także technikę malowania na szkle przezroczystym lub kolorowym farbami silikatowymi, a następnie utrwalania poprzez wypalanie światłem. W XX wieku zaczęto wykonywać witraże z przezroczystych tworzyw sztucznych.

Nowoczesne witraże znajdują zastosowanie nie tylko w kościołach, ale także w lokalach mieszkalnych, teatrach, hotelach, sklepach, metrze itp.

Obraz. Kompozycje wykonane farbami na powierzchni tkanin, drewna, ceramiki, metalu i innych produktów. Obrazy mogą mieć charakter narracyjny lub ozdobny. Mają szerokie zastosowanie w sztuce ludowej i służą jako dekoracja pamiątek lub przedmiotów gospodarstwa domowego.

Ceramika. Produkty i materiały wykonane z gliny i różnych mieszanek z nią. Nazwa pochodzi od obszaru w Grecji, który od czasów starożytnych był ośrodkiem produkcji ceramiki, tj. do wyrobu naczyń i naczyń ceramicznych. Ceramikę nazywa się także płytkami licowymi, często pokrytymi malowidłami. Głównymi rodzajami ceramiki są glina, terakota, majolika, fajans, porcelana, masa kamienna.

Sznurówka. Produkty z ażurowymi nitkami. Ze względu na technikę wykonania dzieli się je na ręcznie robione (tkane na toczonych patykach - szpulkach, szyte igłą, szydełkowane lub dziane) i maszynowe.

Tkactwo z kory brzozowej, słomy, wikliny, łyka, skóry, nici itp. jeden z najstarszych rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej (znany już od czasów neolitu). Z tkactwa wytwarzano głównie naczynia, meble, karoserie samochodów, zabawki i pudełka.

Nitka. Sposób leczenie artystyczne materiały, w których rzeźbiarskie figury wycina się specjalnym narzędziem tnącym lub jakiś obraz wykonuje się na gładkiej powierzchni. Rzeźba w drewnie była najbardziej rozpowszechniona na Rusi. Obejmował ramy domów, mebli i narzędzi. Istnieją rzeźbione rzeźby wykonane z kości, kamienia, gipsu itp. Wiele rzeźb dotyczy biżuterii (kamienie, złoto, brąz, miedź itp.) I broni (drewno, kamień, metale).