„...Vrubel doskonale wyraził swoją myśl; był z natury idealny. We wszystkim, co zrobił, jest pewna pewność”.
(A.Ya.Golovin)
M. Vrubel. Panel „Wyrok Paryża”
Michaił Aleksandrowicz Wrubel (1856-1910) to jedna z najbardziej złożonych i kontrowersyjnych postaci kultury rosyjskiej przełomu XIX i XX wieku.
Swoje umiejętności prezentował w różnych formach Dzieła wizualne: malarstwo, grafika, rzeźba i architektura, próbując zbliżyć się do mistrzów renesansu
Vrubel – u początków rosyjskiej symboliki i modernizmu
Język artystyczny Vrubela ukształtował się w systemie wizualnym stylu secesyjnego, a także opierał się na obiektywności i walorach dotykowych formy, zapożyczonych przez artystę z tradycji rosyjskiej sztuki akademickiej, a w szczególności od swojego nauczyciela P.P. Chistyakova.
Jego twórczość łączy w sobie dwa nurty i, bazując na tego połączenia powstaje semantyczna niejednoznaczność obrazów. Symbol mistrza to znak o nieskończonej liczbie interpretacji. Tworzone przez niego obrazy są wieloaspektowe, są symbolami wywołującymi u widza liczne skojarzenia.
Malarz przez symboliczny obraz tworzy obraz istnienia świata. Wszyscy bohaterowie artysty są wielowartościowymi obrazami-symbolami, w których zawarte jest autorskie rozumienie świata, odzwierciedlenie autorskiego „ja”.
Główne tematy obrazów artysty Vrubela
Motyw religijny
Prace Vrubela na tematy religijne zostały najpełniej zawarte wczesny okres jego działalność. Następnie zajmował się restauracją malowideł w kościele św. Cyryla w Kijowie („Lamentacja”), a następnie stworzył szkice do obrazów katedry Włodzimierza w Kijowie („Lament nagrobny”, „Matka Boska z Dzieciątkiem”) , który pozostał na papierze.
Tematem przewodnim twórczości mistrza jest wizerunek Demona
Temat ten stał się dla artysty całym światem złożonych przeżyć. Obraz ten po raz pierwszy zwrócił na siebie uwagę artysty podczas tworzenia szkiców do katedry Włodzimierza w Kijowie, namalował go, ale później dzieło to zniszczył.
Ilustracje M. Vrubela do „Demonu” Lermontowa
W 1890 roku artysta namalował zamyślony obraz „Siedzącego demona” – pierwsze dzieło powstałe z cyklu demonicznego obejmującego malarstwo, rysunek i rzeźbę. Później mistrz wykonał wyrzeźbioną głowę „Demona”, na której ten sam obraz ukazano bardziej okrutnie.
W 1891 roku artysta zaczął ilustrować wiersz „Demon”, którego w tamtym czasie nikt inny nie próbował ilustrować.
M. Vrubel „Demon pokonany”
W 1898 roku powrócił do tematu „demonicznego”, po długich wahaniach zaczął tworzyć „Latającego demona”, którego niestety nigdy nie ukończył. Przybiera wizerunek „Pokonanego Demona”. Demon na tym obrazie wygląda na ogarniętego szaleństwem. Po długiej przerwie artysta powrócił do tego cyklu w 1904 roku i stworzył obraz „Azrael” (demon śmierci).
Motyw bajkowy
M. Vrubel „Księżniczka łabędzi”
Sporo ważne miejsce W twórczości Vrubela pojawił się motyw baśniowej epopei i opery rosyjskiej. Tworzy liczne obrazy, wśród których znajdują się słynna „Księżniczka łabędzi”, panel „Bogatyr”, dekoracje teatralne do oper Rimskiego-Korsakowa.
Bardzo ostatni temat artysta stał się wizerunkiem „proroka”, co zaczęło się od ilustracji do słynny wiersz stał się łabędzim śpiewem mistrza, pracował nad nim do końca życia, temat ten poświęcony był tragicznej misji twórcy. Artysta nazwał najnowszą odmianę tego tematu „Wizją Ezechiela”
Vrubel jako mistrz uniwersalny
Artysta, jak wspomniano powyżej, starał się pozostawić ślad we wszystkich obszarach sztuki pięknej, na wzór artystów renesansu. Mistrz próbował swoich sił różne gatunki: portret („Głowa kobiety. E.L. Prahova”), fantasy („Siedzący demon”), pejzaż („Krzew bzu”) itp., pracując w różnych technikach.
On stworzył:
- panele monumentalne i dekoracyjne („Faust”),
- dzieła malarstwa teatralnego (scenografia dla „Sadka”) oraz sztuki dekoracyjnej i użytkowej (odrodzenie majoliki),
- rzeźba dekoracyjna („Maska Lwa”) itp.
Środki artystyczne Vrubela
M. Vrubel „Dziewica z Dzieciątkiem”
Kolorystyka malarza opiera się na trzech barwach:
- złoty;
- fioletowy (kolor świtu)
- niebiesko-liliowy (kolor nocy i nieba).
To zestawienie kolorów jest charakterystyczne dla jego twórczości.
Kolorystyka artysty zmienia się wraz z pewnym etapem jego twórczości. Dojrzały mistrz używa ciemniejszych, bogatszych i ponurych odcieni swojej kolorystyki.
Na przykład,
- przy najpotężniejszym szkicu do obrazu katedry Włodzimierza „Lament nagrobny”, powstałym we wczesnym okresie, schemat kolorów składa się z jasnożółtych, różowych, niebiańskich odcieni;
- w powstałych w późnym okresie „Demonach” posługuje się jaskrawymi odcieniami złota, fioletu i perły.
M. Vrubel „Głowa proroka”
U Vrubela roztwór koloru zawsze pokrywa się z zadaniami figuratywnymi, symbolicznymi i stylistycznie postawionymi. Metaforyczny charakter zawartości barwnej obrazu jest charakterystyczny dla malarstwa tego artysty. Bardzo wąski wybór kolorów artysty i niesamowita ilość ich zestawień mają na celu stworzenie osobistego systemu symbolicznego.
Antydynamiczne kompozycje mistrza to duże obrazy na ogólnym tle, nie ma interakcji między obiektami dzieła. Charakterystyczne dla obrazów Vrubela są także mozaikowe, fasetowane formy, zacierające granice postaci i przedmiotów. Głębia i przestrzeń obrazów są płaskie.
W najnowszych pracach mistrza widać tendencję do ekspresjonizmu, jego malarstwo staje się bardziej pesymistyczne, a kolorystyka staje się ciemniejsza i bardziej ponura, zwiększając napięcie płócien. Choć początkowo jego malarstwo charakteryzowało się ekspresją, wczesne prace bardziej nawiązywały do trendów romantycznych.
Wszystkie moje twórcze życie artysta poświęcił się służbie pięknu. Jego motto brzmiało: „Prawda jest w pięknie”.
Podobało ci się? Nie ukrywaj swojej radości przed światem – dziel się nią17 marca 1856 roku w Omsku urodził się rosyjski artysta Michaił Aleksandrowicz Wrubel, który zajmował się niemal wszystkimi rodzajami i gatunkami sztuk pięknych: malarstwem, grafiką, rzeźbą dekoracyjną i sztuką teatralną.
W latach 1880-1890 twórcze poszukiwanie Vrubel nie znalazł wsparcia Akademii Sztuk i krytyków sztuki. Artyści i krytycy, którzy później zjednoczyli się wokół magazynu „World of Art”, uczynili Vrubela „jednym ze swoich”, jego prace zaczęły być stale eksponowane na wystawach World of Art i retrospektywach Diagilewa, a na początku XX wieku obrazy Vrubela stał się organiczną częścią rosyjskiej secesji. „Za sławę w dziedzinie artystycznej” 28 listopada 1905 roku otrzymał tytuł akademika malarstwa – już w chwili całkowitego zaprzestania działalności artystycznej.
Dziewica z Dzieciątkiem, 1884
Po lewej: wersja gotowa. Po prawej: szkic ołówkiem włoskim, 1884
Ikona powstała w latach 1884-1885 do dekoracji jednopoziomowego ikonostasu marmurowego kościoła św. Cyryla w Kijowie. To właśnie ta praca sprawiła, że Vrubel stał się znany opinii publicznej i stał się punktem wyjścia w jego późniejszej karierze artysty i dekoratora. Pomimo tego, że obraz wykonany jest zgodnie ze wszystkimi kanonami ikonografii prawosławnej, krytycy zauważają jego wyrazistość i niezwykłość.
Historycy sztuki, krytycy i artyści jednogłośnie uznali sukces nie tylko obrazu Matki Bożej, ale także innych dzieł wykonanych przez Vrubela w kościele św. Cyryla. Na przykład słynny kolekcjoner P. M. Tretiakow pochwalił to dzieło Vrubela, specjalnie przyjechał do Kijowa, aby je obejrzeć i ubolewał, że nie może go kupić do swojej kolekcji, a krytyk i właściciel galerii S. K. Makovsky uważał, że debiutanckie dzieło Vrubela w cerkwi Kiryłowskiej to „najwyższe osiągnięcie Vrubela” i podkreślił, że osiągnięcie to ma charakter „głęboko narodowy”, odrzucając oskarżenia Vrubela o „nierosyjskie (polskie) pochodzenie” i „estetyczny kosmopolityzm”, a historyk i krytyk sztuki A. N. Benois również zwrócił uwagę na umiejętności Vrubela i podkreślił, że w porównaniu z dziełami Vrubela w kościele św. Cyryla freski V. M. Wasnetsowa „wydają się być powierzchownymi ilustracjami”.
Dziewczyna na tle perskiego dywanu, 1886
Obraz przedstawia nastolatkę ubraną w różową satynową sukienkę na tle perskiego dywanu, z rękami złożonymi na róży i bogato inkrustowanym sztyletem - tradycyjnymi symbolami miłości i śmierci. Na szyi dziewczynki wisi naszyjnik z pereł, a jej palce nabijane są pierścionkami.
Do tej pory kolory obrazu wyraźnie przyciemniły. Vrubel często spieszył się w swojej pracy i naruszał technologię, stosując werniksy retuszowe, które szybko wysuszały powierzchnię obrazu. Obecnie obraz znajduje się w zbiorach Kijowskiego Muzeum Sztuki Rosyjskiej.
Latający demon, 1899
Jest to niedokończony obraz Michaiła Wrubla, namalowany w 1899 roku i będący częścią serii ilustracji do wiersza Michaiła Lermontowa „Demon”. Z niewiadomego powodu nie dokończył dzieła.
Demon pokonany, 1902
W 1900 roku Vrubel ponownie zwrócił się do tematu „Demon”. Nie ukończywszy jeszcze obrazu „Latający demon”, w 1901 roku artysta zaczął pisać wstępne szkice do obrazu „Pokonany demon”. Vrubel był ogólnie zdrowy, chociaż otaczający go ludzie zauważyli jego drażliwość. Pomimo przeważnie negatywnych recenzji ówczesnej krytyki, jego popularność wśród koneserów sztuki rosła.
Obraz wykonany na płótnie olejnym. Jego tło to górzysty obszar o szkarłatnym zachodzie słońca. Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby wciśniętego pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru. Obraz został namalowany indywidualny styl Vrubela z efektem krystalicznych krawędzi, co sprawia, że jego obrazy bardziej przypominają witraże lub panele. Artysta osiągnął ten efekt za pomocą płaskich pociągnięć wykonanych szpachelką.
Siedzący demon, 1890
Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi dotąd kwiatami. Tło zdjęcia to górzysty obszar o szkarłatnym zachodzie słońca. Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby wciśniętego pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.
W 1891 roku Vrubel napisał trzydzieści ilustracji do rocznicowego wydania dzieł Lermontowa pod redakcją Konczałowskiego. Większość prace związane z wierszem Lermontowa „Demon”, o którym już wspominaliśmy. Szkic tego obrazu powstał w 1890 roku i znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Pan, 1899
Obraz przedstawia Pana, starożytną postać mitologia grecka. Jednak jest on przedstawiany na tle typowego krajobrazu północno-rosyjskiego (zwykła, krzywa brzoza, las, rzeka), co upodabnia go do wizerunku goblina
Obraz powstał w 1899 roku, należy do tzw. „cyklu baśniowego” i uważany jest za jego szczyt. Namalowany podczas pobytu artysty i jego żony w majątku księżnej Marii Teniszewy ( Wieś Chotylewo, obwód Orł). Początkowo Vrubel zaczął malować portret swojej żony na tle krajobraz leśny, jednak go nie ukończył i dosłownie w ciągu zaledwie kilku dni napisał go na tym samym płótnie Nowe zdjęcia. Źródłem inspiracji dla Vrubela była historia Anatola France’a „Święty Satyr”.
Portret K. D. Artsybusheva, 1897
O portrecie Konstantina Dmitriewicza Artsybusheva, namalowanym przez Michaiła Aleksandrowicza Wrubela, można powiedzieć, że jest to portret rosyjskiego intelektualisty z czasów powstawania kapitalizmu w Rosji.
Bohater portretu to człowiek nowej formacji, nowego industrialu rozwijającą się Rosję, kraju, w którym zaczyna się cenić nie tylko pochodzenie szlachty, ale także inteligencję, talent i aktywność stanowisko cywilne. Dlatego Vrubel wybrał odpowiednie środki artystyczne. Nic z zewnątrz nie rzuca się w oczy. Artsybushev siedzi przy stole z książkami ułożonymi w jego biurze. Z tyłu znajduje się także regał z książkami i dokumentami biznesowymi. Czerwony kolor siwiejącego motyla Artsybusheva i lekko marszczony dywan na podłodze przełamują monotonię szarozielonych odcieni obrazu. To tradycyjny realistyczny portret, którego bohater nie pozuje, ale wręcz przeciwnie, jest w stanie zamyślenia, w wygodnej pozie, w wygodnym i znajomym otoczeniu. Ale ten portret nie byłby portretem Vrubela, gdyby wizerunek Artsybusheva nie odczuwał wewnętrznej dynamiki, jak skręcona sprężyna. Ostre przechylenie głowy, złamany obrót ramion, ponure spojrzenie spod szerokich brwi - myśli bohatera dalekie są od kontemplacji. Tworząc portret Artsybusheva, Vrubel wymyślił już swojego „Demona”.
Sny księżniczki, 1896
Panel Vrubela „Księżniczka snów” nazywany jest najsłynniejszym panelem w Moskwie. Powstał na podstawie fabuły dramatu wierszowanego Edmonda Rostanda „La Princesse lointaine”, w rosyjskim tłumaczeniu T. L. Szczepkiny-Kupernika pt. „Księżniczka snu”. Premiera sztuki na scenie rosyjskiej miała miejsce w styczniu 1896 roku w Petersburgu. Romantyczna historia o wzniosłym pragnieniu miłości i doskonałego piękna, którego kontemplację osiąga się za cenę śmierci, odniósł ogromny sukces wśród publiczności.
Malowniczy panel jest obecnie wystawiany w Sali Vrubela w Galerii Trietiakowskiej.
Księżniczka Łabędzi, 1900
Księżniczka z płótna Vrubela jest tajemnicza i enigmatyczna, jej twarz jest smutna. Księżniczka Łabędzi ukazana jest na tle zapadającego nad morzem zmierzchu, wąskiego pasa zachodu słońca na horyzoncie i odległego miasta (tłem była sceneria spektaklu – miasto Ledeniec wykonane przez artystkę).
Obraz poświęcony postaci z opery Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” (na podstawie powieści Puszkina). A.P. Iwanow mówił o tym obrazie: „Czy to nie sama Dziewica-Uraza, zgodnie ze słowami starożytnego wiersza, „rozpryskuje skrzydłami łabędzimi po błękitnym morzu” przed dniami wielkich katastrof?”, odnosząc się do postaci z „Opowieści pułkowej” Igora”. Aleksander Blok również bardzo kochał ten obraz i zawsze trzymał jego reprodukcję w swoim biurze w Szachmatowie. Inspiracją był duży wiersz z podtytułem „Do Vrubela”.
Pierwszy rosyjski symbolista Michaił Wrubel miał szczególny sposób wykonywania swoich dzieła sztuki, dlatego jego obrazy trudno pomylić z dziełami innych artystów. Każdy, kto znał artystę i jego przyjaciół, zwracał uwagę na szczególny temperament i niepowtarzalny charakter mistrza, co znalazło odzwierciedlenie w jego wspaniałych dziełach. Przyjrzyjmy się bliżej twórczości wielkiego rosyjskiego artysty i przedstawmy galerię najbardziej znane obrazy Michaił Wrubel.
Trochę biografii i cech kreatywności...
Portret Vrubela
Wrubel Michaił Aleksandrowicz urodził się w 1856 roku w mieście Omsk i już w wieku 10 lat mała Misza wykazywała zdolności artystyczne, w tym rysunkowe. Ani jego bliscy, ani on sam nie myśleli, że zostanie artystą, ale już jego pierwsze szkice i szkice świadczyły o jego ogromnym potencjale twórczym.
Z biegiem czasu, studiując w Akademii Sztuk, Vrubel rozwinął szczególny styl artystyczny, jak mówią, swój własny styl. Fakt, że głównym bohaterem jego dzieł był demon, zrodził wiele plotek, że artysta zaprzedał duszę diabłu, a kiedy mieszkaniec innego świata ujawnił mistrzowi swoje prawdziwe oblicze, Michaił Vrubel stał się ślepy i szalony.
Artysta dużo podróżował, wyobraźmy sobie więc chwile wglądu mistrza i malowania w czasie i przestrzeni.
Okres kijowski. 1880-1889
Artysta w ciągu pięciu lat swojego życia w Kijowie wykonał ogrom pracy, ale co najważniejsze, potrafił dotknąć i przyswoić sobie początki malarstwa rosyjskiego.
W chórze kościoła Cyryla, namalowanym przez samego Vrubela, namalował monumentalny fresk „Zstąpienie Ducha Świętego na Apostołów”. Mistrzowi udało się trafnie połączyć korzenie bizantyjskiego stylu malowania ikon z własnymi badaniami portretowymi.
Do malowania postaci apostołów i Matki Bożej artysta użył prawdziwe prototypy ludzie, z którymi komunikowałem się mieszkając w Kijowie.
Ikona namalowana przez Vrubela dla ikonostasu kościoła św. Cyryla gloryfikowała artystę i stała się punktem wyjścia na jego twórczej drodze.
Jak zauważają eksperci, ikona została wykonana zgodnie ze wszystkimi kanonami ikonografii chrześcijańskiej, ale Vrubel nadał jej portretową wyrazistość i niezwykłość.
Krążyły pogłoski, że mistrz potajemnie zakochał się w żonie swojego klienta, krytyku sztuki Adrianie Prachowie, i to ona, Emilia i ich najmłodsza córka patrzyły z ikony na parafian kościoła.
W zbiorze twórczym artysty znajduje się wiele autoportretów, ale ten, namalowany podczas pobytu w Kijowie, najtrafniej oddaje cechy charakteru i aspiracje mistrza.
Grafika zajmowała szczególne miejsce w twórczości i właśnie w ten sposób powstał autoportret. Celowe, choć nieco intensywne spojrzenie symbolizuje, że artysta wciąż prowadzi poszukiwania twórcze, wciąż szuka swojego szczególnego sposobu przekazywania rzeczywistości na płótnie i w rzeźbie.
Rozmyte kontury również wskazują na poszukiwania młodego artysty, ale w pewnie narysowanych ołówkowych liniach można już wyczuć zdecydowaną rękę mistrza.
Wracając do Kijowa po podróży do Włoch, Vrubel ponownie pogrążył się w kreatywności, a jeden z kijowskich przedsiębiorców zlecił mu namalowanie portretu swojej córki.
Vrubel jak zawsze podszedł do sprawy szczegółowo i wykonał portret w sposób, który eksperci nazywają „portretem fantastycznym”. I tutaj sprzeczna natura artysty jest w rękach dziewczyny piękne róże, a obok niego ostry sztylet.
Latem 2018 roku Ukrposzta wydała znaczek o nominale 5 hrywien, na którym widnieje obraz artysty i podpis: „Wrubel Michajło Oleksandrowicz”.
Moskwa. 1890-1902
Najwięcej było w Moskwie słynny obraz.
Siedząc otoczony niezwykłe kwiaty, Demon ze skrzyżowanymi ramionami patrzy smutno w dal. Pracując nad ilustracją dzieł M. Lermontowa, Vrubelowi udało się dokładnie przekazać obraz bohater literacki. Wcielony w swojego Demona cechy ludzkie, wewnętrzne sprzeczności, hart ducha i ciągłe wątpliwości.
Wydaje się, że wykonany na płótnie obraz Demona ostatecznie potwierdza, że wątpiący mistrz odnalazł swój własny, specyficzny styl.
Dla kochanków męt a podróże to nasz materiał.
Vrubel żył w kulturze rosyjskiej i znajdował w niej inspirację. Obraz „Księżniczka łabędzi” powstał pod wpływem opery Mikołaja Rimskiego-Korsakowa na podstawie baśni Aleksandra Puszkina.
Artysta pracował nad scenografią do spektaklu, a jego pierwsza żona wcieliła się w księżniczkę. Wizerunek księżniczki Vrubela jest smutny i tajemniczy, zawiera wielką symbolikę, a samo dzieło jest prawdziwą perłą jego twórczej kolekcji.
Obraz jest daleki od obrazu scenicznego, ponieważ Vrubel ucieleśnia w obrazie całą dwoistość istoty łabędzia - pragnienie nieba, czegoś jasnego i pragnienie ciemne wody głębiny morskie.
To nie jest obraz, ale ilustracja do dzieła Michaiła Lermontowa „Demon”. Ale pod względem artystycznego wykonania i przekazu obrazów ilustracja ta zajmuje ważne miejsce w twórczości artysty.
Wykonana czarną akwarelą ilustracja oddaje całą tragedię randki Demona z Tamarą, a początkowa choroba artysty jest już widoczna w nastroju obrazu.
Na wszystkich ilustracjach Demon pozostaje w jednej niezmienionej pozie, „upadły anioł”, mocno osadzony w świecie ciemnych sił. Ale Tamara jest zawsze obecna różne pozy, którym artystka podkreśliła wątpliwości co do dokonanego przez siebie wyboru – pomiędzy niebiańskim a ziemskim.
Odchodząc od wizerunku demona, Vrubel ze swoją charakterystyczną pasją zaczął pisać bajki.
Obraz ten uważany jest za najsłynniejszy panel w stolicy Rosji, a został napisany przez artystę na podstawie dramatu Edmonda Rostanda. W tym czasie namalował dwa płótna, które miały być wystawione na wystawie przemysłowej w Niżny Nowogród. Komisja nie pozwoliła jednak na ich obejrzenie.
Savva Morozov chciał ratować sytuację, wystawiając we własnym pawilonie „Księżniczkę snów” i „Mikułę Selyaninowicza”, jednak publiczność przyjęła obrazy z wrogością.
Niedokończony obraz Michaiła Vrubela stał się dla artysty powrotem po 8-letniej przerwie do tematu Demona.
Sama praca wykonana jest w ciemnej, ponurej kolorystyce. Demon nosi brązową tunikę przewiązaną paskiem. Szybował nad górami Kaukazu i rzeką, ale większość szczegółów nie została narysowana, więc ostateczny plan nie jest jasny.
Demon leci, tak jak sam artysta chciał latać, ale po sposobie i ciemnych kolorach obrazu widać, że Vrubel był już bardzo chory. A symbolika objawiała się w swojej niekompletności...
W 1901 r. Nadieżda Zabela i Michaił Wrubel urodzili syna, któremu nadano imię Savva. Chłopiec silny fizycznie i zdrowy, miał wadę - rozszczep wargi.
Malarz obwiniał za to tylko siebie, ale przerywając pracę nad „Pokonanym demonem” stworzył portret Sawwuszki. Patrzy na nas ze zdjęcia twarz dziecka, ale zniekształcony strachem i poważnym spojrzeniem.
Do opisu obrazu zawsze dołączona jest wzmianka, że narodziny syna z „rozszczepioną wargą”, a co ważniejsze, jego nagła śmierć w 1903 roku, wpędziły artystę w jeszcze większą depresję.
Ostatnie prace
Pomysł napisania tej historii zrodził się już w 1899 roku, a wstrząsy życiowe i postępująca choroba ostatecznie utwierdziły autora w słuszności swojego wyboru, a w 1902 roku Vrubel ukończył swoje płótno.
Piękne tło obrazu jest Krajobraz górski, zalana światłem szkarłatnego zachodzącego słońca, a na pierwszym planie postać pokonanego demona. Wydaje się, że utknął pomiędzy górną a dolną krawędzią obrazu i nie może uciec.
Wystawiony w Petersburgu na wystawie World of Arts obraz wywołał prawdziwą sensację, a pierwsi widzowie obserwowali, jak autor przepisuje swoje płótno.
Ostatnia wielkoformatowa praca malarza, stworzona na ścianach szpitala przez V.P. Serbsky, stał się szczytem jego twórczości.
Ta synteza żywe kolory i ekspresja w pełni ujawniona potencjał twórczy i mistrzostwo malarstwa. Spojrzenie Serafina emanuje pewnością siebie i nadzieją, a miecz i lampa w rękach anioła są żywymi symbolami walki przeciwieństw.
To wspaniałe dzieło Vrubela znane jest również pod innymi nazwami - „Azrael”, a także „Anioł z mieczem i kadzielnicą”.
Portret ten powstał dzięki temu, że Vrubel, który całkowicie stracił kontakt z rzeczywistością, mógł malować w krótkich chwilach oświecenia.
Sam rosyjski poeta pozował artyście rano, a nieco później do sali szpitalnej przyszedł artysta Walentin Sierow i wieczorami namalował portret samego Vrubela.
I tak w tym samym czasie z pędzli dwóch wielkich rosyjskich artystów wyszły dwa portrety - poety Walerego Bryusowa i malarza Michaiła Wrubela.
Ciekawe fakty z życia Michaiła Vrubela...
- Vrubel rozpoczął pracę nad wizerunkiem Demona jeszcze podczas malowania kościoła św. Cyryla. Tutaj się to objawiło sprzeczny charakter artysta. Rysując jasne wizerunki aniołów na ikonach, w warsztacie rysuje szkice demonów.
- W trakcie pracy nad dziełem artysta często się zmieniał oryginalny plan. Tak pojawiły się wizerunki morskich księżniczek na obrazie „Perłowa muszla”.
- Raczej smutny fakt, ale udręka psychiczna i tragedie życiowe ostatecznie doprowadziły Vrubela do szpitala psychiatrycznego. Swoją karierę rozpoczął od namalowania kościoła św. Cyryla, który stoi na terenie szpitala, w szpitalu i zakończył swoją życiową podróż.
- Obraz „Pokonany demon” był już w galerii wesoły, a artysta przyszedł i na nowo napisał swojego pokonanego demona.
- Za życia nie dał się poznać jako artysta, ludzie śmiali się z jego dzieł. Ale pewnego dnia jego przyjaciele artyści zorganizowali dużą wystawę jego obrazów... Vrubel został rozpoznany, ale było już za późno, był już poważnie chory.
- Wieczorem przed śmiercią Vrubel otworzył okno i wdychając mroźne powietrze, powiedział: „Jedziemy do Akademii!” Następnego dnia w Akademii Sztuk Pięknych rozpoczęły się nabożeństwa żałobne w intencji artysty, a w całej okolicy rozległy się lamenty pogrzebowe.
Vrubel zmarł w 1910 roku, a naukowcy i historycy sztuki wciąż spierają się o jego miejsce w sztuce rosyjskiej i światowej. Ale jedno jest pewne – Michaił Aleksandrowicz Wrubel niczym kometa przetoczył się przez życie, pozostawiając swój wyjątkowy i jasny ślad na horyzoncie kultury rosyjskiej i światowej.
Otoczony ludźmi przez całe życie pozostawał sam, przechodząc drogę od pustelnika-alchemika do proroka, swoją twórczością znacznie wyprzedzającą swoje czasy, przepowiadając na swoich obrazach niektóre wydarzenia z własnego życia.
Jak artysta Vrubel powstał szybko. Do sztuki przyszedł już jako dorosły, wykształcona osoba. Michaił Wrubel nie miał ani uczniów, ani naśladowców, którzy utworzyli szkołę. Przez całe życie odniósł sukces, ale w tym czasie artysta był już beznadziejnie chory i nie potrzebował zaszczytów. Podążaj za nim przez długi czas Wzmocniło się wyobrażenie o nim jako o osobie dziwnej i niezrównoważonej. Dla Vrubela ważne było twórcze życie, a nie tworzenie sztuki. Zaskakiwał znajomych absurdalnymi z ich punktu widzenia wybrykami: w stanie braku równowagi potrafił zapisać piękny obraz, nad którym długo i ciężko pracował, z pozbawionym sensu wizerunkiem jeźdźca cyrkowego; w przypływie złości podarł piękne akwarele i wyrzucił wspaniałe szkice. Cenił nie tyle wynik, co samą pracę twórczą, proces, moment artystycznego wglądu. Wszechstronnie wykształcony, znał kilka języków europejskich, zawsze schludnie, a nawet elegancko ubrany, uprzejmy i taktowy, choć czasami potrafił patrzeć z góry na swojego rozmówcę, Vrubel prawie przez całe życie był biedny, czasem zostawał z pięcioma kopiejkami w kieszeni lub ledwo utrzymywał się na utrzymaniu niewielkie wynagrodzenie otrzymywane za lekcje rysunku. Miał bolesną świadomość niesprawiedliwości, ale nie dążył specjalnie do sukcesu, nie interesował się sprawami artystycznymi, nawet nie chodził na wystawy. Ale jednocześnie zraniona duma czasami zmuszała go do rezygnacji obraźliwe słowa w obliczu przyjaciół-artystów, którzy mu przebaczyli, interpretując jego słowa jako kaprysy chorego geniusza. Ze swojego życia sam Vrubel stworzył legendę. Jest to cecha nieodłącznie związana z osobowością romantyczną. Pragnął osiągnięć mocne wrażenia, duże wydarzenia. Życie wewnętrzne pełen konfliktów, wstrząsy, jakby jego życie zewnętrzne się trzęsło. Kręgi odbiegające od jego wewnętrznego napięcia docierały nie tylko do wszystkich codziennych okoliczności życia, ale przenikały w głąb każdego dzieła. Ręką artysty zdawało się kierować jego wewnętrzny ból, jego duchowa walka. Ruch ręki stał się bezpośrednim wyrazem ruchu duchowego.
W samej naturze twórczości Vrubela, w systemie jego myślenia artystycznego można odnaleźć liczne przejawy koncepcji romantycznej kreatywność artystyczna. Vrubel był być może pierwszą postacią rosyjskiej kultury artystycznej, która zapoczątkowała ruch w stronę symboliki. W koniec XIX V. kultura artystyczna Rosja przeżywała okres kształtowania się nowego stylu (w Rosji nazywano go „nowoczesnym”). Język malarstwa w tym stylu stał się żywy wyraźne cechy dekoracyjność, solidną podstawę liniowo-strukturalną, a w dodatku podporządkował swoje odkrycia nie tylko obrazowi, ale także przekształceniom natury. W Rosji Vrubela można uznać za twórcę tego stylu.
Wraz z Vrubelem zadomowił się w sztuce rosyjskiej nowy typ artysta - artysta uniwersalny. Vrubel malował obrazy i duże panele, malował ściany świątyni i wykonywał witraże, tworzył ilustracje i znaki książkowe, zajmował się dekoracją teatralną i sztuka stosowana, rzeźbę i architekturę, wykonywał nawet szkice grzebieni i malowidła na bałałajkach w Talashkinie (posiadłość księżniczki Tenishevy).
Głowa demona (tynk malowany) (1890)
Głowa lwa libijskiego (maska z dużym reliefem) (1892)
Sadko (szkic naczynia, majolika) (1899)
Michaił Aleksandrowicz Wrubel (1856-1910) urodził się w rodzinie wojskowej i spędził dzieciństwo w różne miasta- w Omsku, Astrachaniu, Petersburgu, Saratowie, Odessie. Po ukończeniu gimnazjum klasycznego przez 5 lat studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu i dopiero wtedy, w 1880 r., wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Już w latach przedakademickich obudziło się w nim zainteresowanie sztuką, które pojawiło się w niektórych rysunkach, które świadczyły o niezwykłym charakterze jego talentu. W Akademii szczęście uśmiechnęło się do Vrubela - zwrócił na niego uwagę P.P. Chistyakov, który kształcił prawie wszystkich najlepszych malarzy ostatniej trzeciej XIX wieku. Tymczasem Vrubelowi nie udało się ukończyć Akademii. Został powołany przez A.W. Prachowa, historyka sztuki i archeologa, który w tym czasie nadzorował malowanie katedry Włodzimierza, do pracy w Kijowie jako muralista.
Vrubel spędził pięć lat (1884-1889) w Kijowie, sporadycznie wyjeżdżając tam, zwłaszcza do Włoch. W Kijowie Vrubel wyraźnie objawia się w monumentalizmie i malarstwo sztalugowe i w grafice. Już wtedy ukształtował się jego system figuratywno-obrazowy, już wtedy odkrył w sobie głód kategorii symbolicznych, a w swojej sztuce skuł zasadę nowego stylu.
W czasie studiów twórczość artysty w naturalny sposób dzieliła się na dwie linie - jedna prowadziła do tradycyjnych obrazów akademickich (np. „Uczta Rzymian”), druga pobudzała niezależną twórczość: malował akwarelowe portrety znajomych, malował akwarelową kompozycję w swoim własny warsztat (podzielił się nim z przyjaciółmi Serowem i Dervizem). Następnie zaczął malować obraz, którego nie ukończył („Hamlet i Ofelia”) i powrócił do fabuły którego pięć lat później.
Autoportret (1882)
Ucztowanie Rzymian (1883)
Hamlet i Ofelia (1884)
Eksperymenty te nie przyniosły większego sukcesu. Ale w tych latach rozwinęła się pozycja artystyczna Vrubela. Wraz z przyjaciółmi po raz pierwszy doświadczył wpływu Repina i skorzystał z jego rad. Ale jego twórczy temperament nie pozwolił mu pozostać w ramach postaw twórczych charakterystycznych dla starszych Pieredwiżników. W swojej poważnej, przemyślanej pracy akwarelowej nad portretami i kompozycjami Vrubel poszukiwał tego, co nazywał „pełną miłości rozmową z naturą”. Stanowisko to otworzyło przed artystą nową drogę.
Ta nowa droga zaczęła przynosić prawdziwe owoce podczas pracy w kościele św. Cyryla w Kijowie, gdzie Vrubel musiał odnowić stare malowidła freonowe z XII wieku. a w niektórych miejscach tworzą nowe kompozycje; artysta zetknął się twarzą w twarz z ogromnymi płaszczyznami ścian i sufitów. Rozmnażał się scena główna jego obrazu „Zstąpienie Ducha Świętego” na sklepieniu chóru bez tektury, według małego szkicu, pełniącego funkcję stary mistrz nie wiadomo skąd, zyskując pewność siebie i siłę renesansowego artysty. Vrubel martwił się wówczas stylem bizantyjskim; Główną jego cechę widział w poszanowaniu płaszczyzny, na której obraz został nałożony, dlatego przywiązywał szczególną wagę do wzoru, rytmu fałd i ogólnego zdobienia powierzchni. Starał się przeniknąć istotę dawnego stylu, ale jednocześnie unowocześnił swoich bohaterów. Artysta najlepiej zinterpretował średniowieczne dziedzictwo w scenie „Tombstone Lament”, gdzie głównym środkiem obrazowania stały się miękkie rytmy i gładkie linie.
Dziewica i Dzieciątko. Cerkiew Kiriłowska. Kijów (1885)
Zesłanie Ducha Świętego
Po pierwszym monumentalnym doświadczeniu miało nastąpić drugie. W Kijowie dobiegała końca budowa dużej katedry Włodzimierza, która miała być malowana. Na te obrazy jesteś już zaproszony doświadczeni rzemieślnicy— Wiktor Wasniecow i artyści akademiccy, bracia Swiedomski i Notarbinski. Vrubel, za namową Prahova, również zaczął pracować nad szkicami. Okazały się jednak na tyle niezwykłe, że przestraszyły klientów. Jedyne, co powstało ze szkiców Vrubela, to projekty ozdób, złożone z elementów organicznego świata kwiatów, liści, ptaków i kobiecych twarzy. Ozdoby Vrubela są niezwykle typowe dla stylu secesyjnego - zakrzywione linie, przeplatające się łodygi roślin, rozproszone iskierki pawich piór.
Wskrzeszenie. Szkic obrazu katedry Włodzimierza. Kijów
Sam Vrubel przywiązywał dużą wagę do swoich ozdób, ale pokładał w nim znacznie większe nadzieje kompozycje fabularne. Przede wszystkim pracował nad dwoma tematami – „Nagrobkiem” i „Zmartwychwstaniem” (1887). Szkic „Lament nagrobny”, wykonany czarną akwarelą, ukazujący zamrożony, zatrzymany ruch Matki Bożej nad ciałem Chrystusa, oczyszczony ze szczegółów, specyficznych znaków czasu i przestrzeni, szkic ten ucieleśnia odwieczny motyw śmierci. Tragiczne uczucie uwalnia się od przeciążenia. Postacie wydają się unosić w pozbawionej powietrza przestrzeni. Ich eteryczność podkreśla zimne światło, które przekształca scenę.
Lament pogrzebowy
Lament pogrzebowy (opcja)
Zainteresowanie mistycznym światłem, które przemienia rzeczywistość, pojawiło się w całej twórczości Vrubela w latach 80. Wszystko nabiera kształtu w Kijowie systemu artystycznego Vrubel. W graficznych autoportretach tamtych czasów, w rysunkach przedstawiających codzienne sceny z prawdziwego życia, światło pełni rolę środka dramatyzującego obraz artystyczny. Czasami wydaje się, że ma prawdziwe źródło, czasami wylewa się znikąd, losowo wyrywając przedmioty lub części postaci.
Portret starszej pani Knorre Knitting (1883)
Martwa natura. Tkaniny (1884)
Salieri wlewa truciznę do kieliszka Mozarta (1884)
Jednocześnie Vrubel opracował inne sposoby przekształcania rzeczywistości. W swoich pracach skłania się ku zdobniczej strukturze, która przejawia się zarówno w malarstwie, jak i grafice. Jednym z pierwszych pełnoprawnych i ukończonych obrazów Vrubela była „Dziewczyna na tle perskiego dywanu” (1886). Ze względu na piękno ozdobnego początku Vrubel ucieka się do inscenizacji sceny. Modelką artysty była córka właściciela sklepu z antykami. Vrubela przyciągnęła różnorodność dywanu, jasność sukni i samo wyposażenie antykwariatu z jego magicznym urokiem antyków.
Dziewczyna na perskim dywanie (1886)
Ozdobizm w grafice rozwija się na swój sposób. Vrubel natychmiast zaczął rysować na swój sposób. Do jego zadań należało nie tylko przedstawienie przedmiotu czy figury, ale także organizacja płaszczyzny arkusza, sprowadzenie tych elementów do określonej struktury. Głównym osiągnięciem tej konstrukcji było rytmiczne powtarzanie niektórych elementów graficznych - równoległych kresek, cieniowanych płaszczyzn, przecinków. Ozdoba nie kolidowała z fotografowanym obrazem.
W latach 80 Vrubel często nie musiał pracować nad obrazami wykonanymi przez farby olejne, czyli w technice, w jakiej miał w przyszłości tworzyć większość swoich arcydzieł. Ale już wtedy obmyślił plany przyszłego oprogramowania obrazy, już wtedy plany te powstawały boleśnie i skomplikowanie. Pracuje nad wizerunkiem Chrystusa, przez wiele lat pielęgnuje obraz Demona, podejmuje się obrazu o nim, pisze i przerabia wielokrotnie. Wreszcie pod koniec dekady powraca do „Hamleta i Ofelii”, czyniąc Hamleta bratem swojego jeszcze niespełnionego Demona. Z takimi myślami wkracza w najważniejszą dekadę swojej twórczości – lata 90-te.
Hamlet i Ofelia (1888)
Od 1889 do 1902 r Twórczość Vrubela przeżywa swój największy rozkwit, czas dojrzałości. To właśnie w tym czasie los pozwolił na pełny rozwój talentu artysty. W 1902 roku przyszła choroba i Vrubel musiał wycofać się z aktywnej twórczości, choć niektóre jego prace graficzne osiągnęły wysoka doskonałość. To było w latach 90-tych. Ujawnił się uniwersalizm artysty. W tym samym czasie zrealizowano temat Demona, który towarzyszył Vrubelowi przez prawie całe życie.
Pierwszy „Demon” został ukończony w 1890 roku. Stało się praca centralna artysta, zbierający w sobie wszystko, co zostało już wcześniej zrobione, i wyznaczający dalszą drogę. Vrubel stawia swojego bohatera jako przedstawiciela zasady demonicznej, a jednocześnie podkreśla złożoność swojego Demona - ducha łączącego wygląd męski i żeński. Demonizm Vrubela to demonizm w złagodzonej formie, poza skrajnościami indywidualizmu, z nutą tego powszechnego cierpienia ludzi, które niczym czerwona nić przewija się przez całą rosyjską kulturę. Kultura XIX V. Na tym zdjęciu Vrubel pojawia się jako symbolista. Treści jego symbolu nie da się określić z pełną dokładnością. Jest to niezwykle złożone i wieloaspektowe. Nie da się go sprowadzić do konkretnych kategorii – ospałości czy pragnienia piękna, melancholii czy odrzucenia. Obraz nie może zostać wyczerpany, pozostaje otwarty. „Demon” daje widzowi możliwość zatracenia się w domysłach, rozbudowując w nieskończoność treść obrazu w jego przedstawieniu.
Siedzący demon (1890)
To zanik konkretnej wyjątkowości idei, przywiązania do konkretu fakt z życia określa stosunek artysty do konwencjonalnego obrazu i język artystyczny. Vrubel rezygnuje z bezpośredniego postrzegania natury, od rejestrowania ruchu otaczającego świata – szuka czegoś trwałego, niepodlegającego natychmiastowej zmianie. Demon zamarł w pozycji oczekiwania i kontemplacji. Ten stan bezruchu może trwać długo. Wydaje się, że jest to część planu artysty, uwalniająca go od opisywania specyficznych warunków przestrzeni i czasu. Vrubel nie przedstawia, ale tworzy, buduje, konstruuje. Umiejscawia postać w przestrzeni w taki sposób, że obraz tworzy równowagę pomiędzy postacią a otoczeniem, pomiędzy pierwszym planem a głębią. Potężny tułów Demona, jakby wyrzeźbiony z solidnego materiału, znajduje się pośrodku. Oddziela od siebie równe części - ogromne nieziemskie kwiaty zajmujące całą płaszczyznę obrazu po prawej stronie i niebiańską przestrzeń otwierającą się po lewej stronie - dla Vrubela wszystkie części świata są jednorodne. Artystka pracuje szerokim pociągnięciem, często preferując szpachelkę od pędzla: pociągnięcie zamienia się w płaszczyznę koloru, plamy barwne leżące na powierzchni porównane są do mozaikowych kamieni. Ogólna barwna struktura odpowiada nie rzeczywistemu stanowi natury, ale stanowi ludzka dusza: szary, fioletowy, niebieski wyrażają melancholię, duchową tęsknotę.
Głowa demona
Głowa demona na tle gór
Demon i anioł z duszą Tamary
latający demon
latający demon
Demon wygląda
Demon przy bramie klasztoru
Demon na ścianach klasztoru
Demon patrzący w dolinę
Demon obserwujący taniec Tamary
Data Tamary i Demona
Tamara w trumnie
Tamara i demon
Po pierwszym obrazowym „Demonie” w latach 1891-1892. ukazała się seria rysunków do twórczości Lermontowa, a zwłaszcza do wiersza „Demon”. Najlepsze rysunki W wierszu znalazły się arkusze „Koń pędzi szybciej niż łania” oraz jedna z wersji „Tamara w trumnie”. W tym ostatnim kryje się cała czułość artysty do człowieka, jego współczucie. Na pierwszym rysunku, wykonanym akwarelą, zastosowano wszelkie środki, aby podkreślić szybki bieg konia z martwym jeźdźcem w siodle. Biegnące jedna po drugiej: plamy akwareli, fasetowane formy postaci przecinające powietrze, wir pociągnięć pędzla – to język Vrubela na tym rysunku.
Ilustracja „Książę Guidon i księżniczka łabędzi” (1890 r.)
Ilustracja „Grigory Pechorin na sofie” (powieść M.Yu. Lermontowa „Bohater naszych czasów”)
Ilustracja do wiersza M. Yu Lermontowa „Izmail-Bey”
Ilustracja „Pojedynek Peczorina z Grusznickim” (powieść M.Yu. Lermontowa „Bohater naszych czasów”)
Ilustracja do wiersza M.Yu Lermontowa „Dziennikarz, czytelnik i pisarz”
Ilustracja do wiersza M.Yu.Lermontowa „Syrenka” („Syrenka płynęła wzdłuż błękitnej rzeki, oświetlonej pełnią księżyca...”)
„Pokonany demon” (1902) – ostatnie ukończone płótno Vrubela – uzupełnia jego „demoniana”. Bohater artysty umiera – nie w bezsensownej i zimnej walce z życiem i śmiercią, ale w nierównej walce. To nie jest walka dobra ze złem. To walka z losem, który uciska jednostkę i ostatecznie ją zabija. Bohater broni się do końca. Obraz jego śmierci jest zarówno requiem, jak i swoistym hymnem oporu. Jest w tym hymnie coś podniosłego i podniosłego. Sam Vrubel nazwał swoje malarstwo ikoną. W „Pokonanym demonie” wyraźnie ujawnia się zasada stylu secesyjnego, który można określić mianem zdobnictwa. Wzrok widza porusza się po powierzchni obrazu (a nie w głąb), rozumiejąc rytm powtarzających się linii i plam, charakterystyczny dla wielu obrazów i paneli artysty: dla „Wenecji” (1893), w który motyw wspaniałej procesji daje podstawę do porównań na płaszczyźnie głów, postaci, luksusowych szat, dla „Bogatyra” (1898), gdzie formy roślinne, postacie bohatera i konia splatają się w wirującym rytmie, dla panele poświęcone Faustowi (1896), gdzie rytmy zorganizowane są przez formy ostrokątne, kolczaste i igłowe, dla szeregu dzieł graficznych. W „Pokonanym demonie” realne i fantastyczne łączą się, rzeczywistość zostaje pokonana przez deformację postaci. Pokonany bohater jest zgięty, złamany; jego ciało jest zakopane w fantastycznych piórach, przypominających bardziej rekwizyt niż żywy przejaw natury. Obok tego konwencjonalnego świata złamanego piękna, obraz zawiera całkowicie realne detale krajobrazu - szczyty gór artysta namalował ze zdjęć.
Demon pokonany (1902)
Latający demon (1899)
Wenecja (panel dekoracyjny) (1893)
Bogatyr (panel dekoracyjny) (1898)
Lot Fausta i Mefistofelesa (1896)
Wróżka (1895)
W innych przypadkach dominuje zasada naturalności, wtedy artysta szuka fantastyki w samym przedmiocie - na przykład w wieszczce, która odgaduje przyszłość ludzi („Wróżka” (1895). Jednak struktura figuratywna nadal pozostaje metaforyczna. Niczym sieć czasu, to płótno pokryte jest szaro-fioletową poświatą, przez którą niczym szlachetne kamienie prześwieca wewnętrzne światło rzeczy.
Panel „Hiszpania” (1894) zdaje się przybliżać nas do sytuacji codziennej. Artysta nie rozpuszcza jednak obrazów w codzienności. Wręcz przeciwnie, obciąża je. To napięcie koresponduje także z logiką kompozycyjną obrazu, w którym płaszczyzna obrazowa zmaga się z szybkim przemieszczaniem się w głąb, wyrażającym się przesadną redukcją obiektów pierwszego planu.
Hiszpania (1894)
Prace Vrubela rozświetla coś niezwykłego - nawet jeśli artysta nie wybiera jako tematu oczywiście wzniosłych motywów i sytuacji. Doskonałym przykładem w tym zakresie może być obraz „W stronę nocy” (1900). Artysta zwraca się w stronę sceny nocnej, która na wsi jest codziennością. Z tej sceny wydobywa coś tajemniczego, niemal mistycznego. Płoną piękne kwiaty ostu. Oni dają czadu nocny krajobraz dziwne refleksje. Konie pasące się w pobliżu ostrożnie i niespokojnie przestępują z nogi na nogę. Vrubel ożywia naturę, obdarza kwiaty wolą, dając im zdolność odczuwania i wpływania na ludzi swoją urzekającą magią.
Ku nocy (1900)
Ulubionym tematem artysty były kwiaty: z uwagą przyglądał się złożonej strukturze kwiatu, tworząc swoje szkice ołówkiem. Na obrazach mistrza często pojawiają się kwiaty. Czasem są to „kwiaty zła”, czasem obrazy elementów pozostających poza ludzką kontrolą. W obrazie „Liliowy” (1900) widz szczególnie dotkliwie odczuwa żywioł kwitnienia, wzrostu krzewu, zapach wydobywający się z kwiatów, odurzający i cierpki. Tajemnicza postać dziewczyny, Layerimg style=div style=laquo;Demon pokonanyp style=border=w widoczny sposób połączona z krzakiem bzu, wzmacnia ideę połączenia ożywionego i nieożywionego, przeplatania się form obu. Z tych splotów Vrubel rodzi postacie bardzo typowe dla europejskiej symboliki i modernizmu - pół ludzi, pół zwierząt, pół ludzi, pół roślin: „Księżniczka łabędzi” (1900), która powstała na płótnie z okresu opera Rimskitext-align: center;div style= 0text- wyrównanie: center;o-Korsakow, dwie młode kobiety, jakby wyrastające ze spirali „Perła” (1904), „Bogatyr” ze swoim ogromnym koniem wyrastającym z ziemi, niczym trawa i krzaki. Wszystko tutaj podlega metamorfozie. Jednym z centralnych obrazów, w którym tendencja ta szczególnie konsekwentnie objawiała się, jest „Pan” (1899). Przemieniając starożytnego dżentelmena w rosyjskiego goblina, Vrubel przedstawia go z przednim uchwytem w dłoni, jakby wyrastał z ziemi i wystał jak omszały kikut. Jego oczy świecą jak gwiazdy, równoważąc swoim blaskiem światło padające z miesiąca, którego połowa półksiężyca wyszła już za horyzont.
Księżniczka łabędzi (1900)
Perła (1904)
Już na portrecie Vrubel poddaje modela różnego rodzaju porównaniom. Wydaje się, że portret żony N.I. Zabeli-Vrubela (1898) jest w całości zbudowany na przeniesieniu pierwszego wrażenia z natury. Jest napisany łatwo, w plenerze. Ale kreując obraz kobiety pełnej wdzięku i piękna, malarka przyrównuje tu także jej sylwetkę i głowę do jakiegoś kwiatu, rozkwitającego bujnymi płatkami w stronę światła słonecznego.
Portret artysty N. I. Zabeli-Vrubel, żony artysty, w letniej sukience Empire, zaprojektowanej według planu artysty (1898)
Najczęściej, tworząc portret, Vrubel podchodził do modela z wcześniej istniejącym pomysłem i nadał temu modelowi własne cechy. Można to wyczuć na portretach z 1897 r. - K.D. Artsybushev, S.I. Mamontow. W charakterze najnowszy artysta podkreślał demonizm, niespokojną pasję. Interesujące jest rozwiązanie obrazowo-plastyczne, za pomocą którego artysta ucieleśniał swoje pomysły. To było tak, jakby ścisnął przestrzeń Mamontowa i przyszpilił ją do samolotu. Celowo podkreślając Biała plama przód koszuli artysta „umieścił” go na czubku trójkąta, powodując jego zataczanie się i nadając kompozycji niestabilny, dynamiczny charakter. Naprzemienne światło i cień dodatkowo wzmocniły tę dynamikę. Obok portretu Mamontowa możesz umieścić ostatni kawałek Vrubel - graficzny wizerunek Walerego Bryusowa (1906), narysowany węglem i optymistycznie. Stworzony przez artystę obraz wyraźnie wyraża ideę mistrza o poecie jako o proroku i nosicielu prawdy. Portret osiąga niezwykłą konstruktywność rysunku.
Portret K.D. Artsybusheva (1897)
Portret Savvy Mamontowa (1897)
Portret T.S. Lubatowicz jako Carmen (1895)
Księżniczka Wołchowa (NI Zabela) (1897)
Pani w kolorze fioletowym. Portret N.I. Zabela Vrubel (1900)
Od 1903 roku Vrubel zajmował się wyłącznie grafiką: w szpitalach nie można było malować farbami, a krótkie przerwy między zabiegami również nie sprzyjały tej działalności. Późniejsze rysunki pochodzą z różne gatunki. Przez okno szpitala artysta malował pejzaże. Pozowali mu pacjenci i sanitariusze, potem pojawiły się szkice portretowe. Czasem były całe sceny – ludzie grający w szachy, rozmawiający. Często artysta przedstawiał otaczające przedmioty, a potem pojawiały się martwe natury: karafka, szklanka, prześcieradło, szalik itp. Vrubel postrzega proste przedmioty jako rodzaj ożywionego ciała rzeczy. Jednocześnie nie powoduje żadnych odkształceń obiektywny świat metafora powstaje sama. Patrząc na zmięte prześcieradło czy wiszącą sukienkę, których kształty zostały odrysowane z niezwykłą starannością, pojawiają się skojarzenia, których znaczenie wykracza daleko poza sam przedmiot. Wyczuć można w artyście pragnienie zrozumienia najskrytszej istoty rzeczy najprostszych, rozpoznania ich pierwotnej natury.
Łóżko (1903-1904)
Dzwonek (1904-1905)
Jednocześnie w grafice powstają obrazy o innym charakterze: Vrubel zwraca się do tematu proroka. Rozpoczyna się próbą wykonania ilustracji do „Proroka” A.S. Puszkina jeszcze w latach 90. Wtedy temat ten zostaje niejako wyodrębniony, uzyskując niezależność. „Prorok” zastępuje „Demon”.
Jednym ze szczytów twórczości Vrubela są jego późne autoportrety graficzne, wykonane w latach 1904–1905. Kiedy nie było modeli, malował sam. Rysunki te zawierały cały program. Autoportrety nie są pozbawione pewnej dozy narcyzmu. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zauważysz, że każdy autoportret zawiera nieme pytanie lub wyrzut, zdumienie w obliczu nierozwiązywalnego problemy życiowe, ból, ukryta rozpacz czy odważna pokora. Wszystkie te uczucia są ukryte pod jakąś formą wyobcowania. Kiedy jednak wnikniesz w jego głąb, przed twoimi oczami ukaże się oszałamiający dokument. trudny los i tragiczny koniec. Na późniejszych rysunkach Vrubela obok elementów konstrukcyjnych pojawiają się przejawy ekspresjonizmu.
Walking on the Waters (szkic do malarstwa ściennego) (1891)
Wenecja. Most Westchnień (1894)
Księżniczka Sen (panel dekoracyjny) (1896)
Sześcioskrzydły Serafin (1904)
Jako prawdziwy artysta „nowego stylu” Vrubel nieustannie starał się ucieleśnić piękno. Wywyższał codzienność – w zwyczajności tego, co znane, nie znajdował motywów do swojej twórczości. Stąd odmowa gatunek codzienny, o którym artysta prawie nigdy nie wspominał, zainteresowanie Demonem i Prorokiem, Faustem i Hamletem. Wśród „modelek” artysty odnajdujemy piękne, wiecznie cenne przedmioty – dywany, muszelki, wspaniałe suknie, rzadkie kwiaty – azalie czy kompanule. Kult piękna był dla wielu ludzi tego pokolenia rodzajem religii. Twórczy artysta rozkoszował się tym pięknem, wznosząc się na wyżyny twórczej ekstazy. A upadki z tych szczytów kojarzyły się z rozpaczą, melancholią i melancholią. Życie artysty przebiegało pomiędzy tymi dwiema skrajnościami. Piękno często okazywało się ulotne; upadek był otrzeźwiający, ale ta trzeźwość sprawiła, że zapragnąłem wznieść się jeszcze wyżej. Pod koniec życia Vrubel miał wyrzuty, że gdzieś przekroczył granicę moralności. Ale ten zarzut sam w sobie był świadkiem prawdziwej moralności artysty.
W Omsku.
Jego ojciec był oficerem bojowym, uczestnikiem kampanii krymskiej, później został prawnikiem wojskowym. Przodkowie Vrubela ze strony ojca pochodzili z pruskiej Polski. Matka Vrubela zmarła, gdy chłopiec miał trzy lata, a gdy miał siedem lat, jego ojciec ożenił się ponownie z pianistą z dobrą szkołą.
Ze względu na służbę ojca rodzina Vrubelów stale się przeprowadzała, mieszkając na przemian w Omsku, Astrachaniu, Petersburgu, Saratowie, Odessie i ponownie w Petersburgu.
W 1874 r. Michaił Wrubel, po ukończeniu gimnazjum, wstąpił do gimnazjum Wydział Prawa Uniwersytecie w Petersburgu i jednocześnie uczęszczał na zajęcia wieczorowe w Akademii Sztuk Pięknych.
W 1879 r. Vrubel ukończył uniwersytet ze złotym medalem, po czym odbył służbę wojskową, otrzymując stopień bombardiera rezerwowego. Jesienią 1880 roku został przyjęty jako wolontariusz do Akademii Sztuk Pięknych. Wśród rysunki akademickie Wyróżniają się akwarele Vrubela „Zaręczyny Maryi z Józefem” (1881) i „Model w renesansowej oprawie” (1883).
W 1884 r. Michaił Wrubel opuścił akademię i za namową słynnego krytyka sztuki Adriana Prachowa udał się do Kijowa, aby wziąć udział w restauracji starożytnych malowideł w kościele św. Cyryla.
Aby namalować ikonostas, Vrubel udał się do Wenecji (1884-1885). Nie mając żadnego doświadczenia w pracy w gatunek monumentalny, artysta stworzył dla Kościoła Cyryla w ciągu roku kompozycje „Zstąpienie Ducha Świętego na Apostołów” w chórze i „Lamentacja” w niszy przedsionka, wizerunki proroka Mojżesza i „Anioły z labarum” ( trzech aniołów nad ciałem Chrystusa), ikonostas (przedstawienia Chrystusa, Matki Bożej z Dzieciątkiem, świętych Cyryla i Atanazego Aleksandryjskiego). Vrubel dodał także, imitując mozaikę, jednego z aniołów w kopule Katedra św. Zofii, wykonał ozdoby na filarach katedry Włodzimierza w Kijowie. Szkice Vrubela dla katedry Włodzimierza (odmiany wątków „Lament nagrobny” i „Zmartwychwstanie”) nie zostały zrealizowane.
W 1889 roku artysta przeniósł się do Moskwy, gdzie zbliżył się do słynnego filantropa Savvy Mamontova i został członkiem koła artystycznego Abramcewo. W tym okresie Vrubel stworzył panel „Wenecja” (1893), dzieła sztalugowe „Hiszpania” (około 1894) i „Wróżka” (1895). Brał udział w projektowaniu oper kompozytora Nikołaja Rimskiego-Korsakowa „Sadko” (1897), „Narzeczona cara” (1899), „Opowieści o carze Saltanie” (1900), wystawianych w Moskiewskiej Prywatnej Operze Rosyjskiej Savvy Mamontowa . Dla pracowni ceramicznej Abramcewo tworzył szkice detali architektonicznych i rzeźb majoliki - „Egipcjanka”, „Mizgir”, „Kupava” (1899‒1900). Vrubel brał także udział jako architekt przy projekcie elewacji domu Savvy Mamontova przy ulicy Sadowo-Spasskiej w Moskwie (1891).
Jednym z głównych wątków twórczości artysty był temat Demona, zapoczątkowany przez „Siedzącego demona” (1890), kontynuowany ilustracjami do wiersz o tym samym tytule Michaiła Lermontowa, a zakończyła się „Pokonanym demonem” (1902).
Vrubel pracował także jako ilustrator dzieł Aleksandra Puszkina, Williama Szekspira, Edmonda Rostanda, Johanna Goethego, Anatola France, eposów rosyjskich i mitologii starożytnej.
Prace Vrubela były wystawiane na wystawach stowarzyszeń Świat Sztuki (1898-1903) i Związku Artystów Rosyjskich (1903-1910).
Od 1902 r. Michaił Wrubel cierpiał na chorobę psychiczną i leczył się w klinikach psychiatrycznych. W okresach remisji stworzył szereg obrazów i rysunków z życia - „Drzewo przy płocie” (1903–1904), portret Fiodora Usolcewa (1904), „Po koncercie. Portret N.I. Zabeli-Vrubela” (1905). ), portret poety Walerego Bryusowa (1906) itp.
W latach 1905–1906 Vrubel stworzył akwarelowe szkice „Głowy Jana Chrzciciela”, „Jana Chrzciciela” i swojego ostatniego dzieła „Wizja proroka Ezechiela”.
W listopadzie 1905 roku artysta otrzymał tytuł akademika.
W 1906 roku Vrubel całkowicie stracił wzrok. Ostatnie lata spędził życie w klinice doktora Bari na Wyspie Wasiljewskiej w Petersburgu.
14 kwietnia (1 kwietnia, w starym stylu) 1910 roku zmarł Michaił Wrubel. Został pochowany na cmentarzu klasztoru Nowodziewiczy w Petersburgu.
W 1995 roku nazwisko artysty zostało przypisane do Omska muzeum państwowe sztuki piękne.
Był żonaty ze śpiewaczką Nadieżdą Zabelą (1868-1913). W 1901 roku mieli syna Savvę, który zmarł w 1903 roku na płatowe zapalenie płuc.
Materiał został przygotowany w oparciu o informacje z RIA Novosti oraz źródła otwarte
