Zdjęcia martwych natur holenderskich artystów. Sekretne znaki holenderskiej martwej natury

Wraz z pejzaż martwa natura, która wyróżniała się intymnym charakterem, była szeroko rozpowszechniona w Holandii w XVII wieku. Artyści holenderscy do swoich martwych natur wybierali różnorodne obiekty, umieli je doskonale komponować, wydobywać cechy każdego obiektu i jego życie wewnętrzne, nierozerwalnie związane z życiem człowieka.
XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claesz (ok. 1597-1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne warianty „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, placki z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem, z niesamowitym umiejętnym oddaniem koloru, objętości, faktury każdego elementu. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie, przypadkowym układzie rzeczy, które przed chwilą mu służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana i znaleziona. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna jednoczy tematy i nadaje szczególnego brzmienia tym czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękki jedwab niebieskiej wstążki.
Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy, ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beierena są surowe w kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i martwe natury, arystokratyczny w doborze wykwintnych drogocennych przedmiotów, pełen powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypalaniem barw .
W dalszy rozwój martwa natura idzie tą samą drogą, co cała sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura zamienia się w ozdobę domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i umiejętności wykonania późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego.
Degeneracja społeczna, dobrze znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII wieku, dają początek tendencji do zbliżenia się z poglądy estetyczne Francuska szlachta doprowadziła do idealizacji obrazów artystycznych, ich wyrafinowania. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci swoje realistyczne podstawy i wkracza w okres długiego schyłku. Wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.

Praca Fransa Halsa i holenderski portret pierwszego połowa XVII wiek.

Fransa Halsa(holenderski. Fransa Halsa, MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Antwerpia – 1666, Haarlem) – wybitny portrecista tzw. złotego wieku sztuki niderlandzkiej.

• 1 Biografia
• 2 Interesujące fakty
• 3 Galeria
• 4 notatki
• 5 Literatura
• 6 Linków

Biografia

„Portret rodzinny Izaaka Massy i jego żony”

Hals urodził się około 1582-1583 jako syn flamandzkiego tkacza François Frans Hals van Mechelen i jego drugiej żony Adriantje. W 1585 roku, po upadku Antwerpii, rodzina Halsów przeniosła się do Haarlemu, gdzie artysta spędził całe swoje życie.

W latach 1600-1603 młody artysta studiował u Karela van Mandera, choć wpływów tego przedstawiciela manieryzmu nie da się odnaleźć w późniejszych dziełach Halsa. W 1610 Hals został członkiem cechu św. Łukasza i rozpoczyna pracę jako konserwator zabytków w gminie miejskiej.

Hals stworzył pierwszy portret w 1611 roku, ale sławę przyniósł Halsowi obraz „Uczta oficerów kompanii strzelców św. Jerzego” (1616).

W 1617 ożenił się z Lisbeth Rainers.

„Wczesny styl Halsa charakteryzuje się upodobaniem do ciepłych tonacji, wyraźnym modelowaniem form za pomocą ciężkich, gęstych pociągnięć. W latach dwudziestych XVII wieku Hals malował obok portretów sceny rodzajowe i kompozycje o tematyce religijnej” („Ewangelista Łukasz”, „Ewangelista Mateusz”, ok. 1623-1625)”.

„Cygański” Luwr w Paryżu

W latach 1620-1630. Hals namalował szereg portretów przedstawiających tryskających energią życiową przedstawicieli zwykłych ludzi („Błazen z lutnią”, 1620-1625, „Wesoły towarzysz pijaka”, „Malle Babbe”, „Cygan”, „Mulat”, „Chłopiec- rybak”; około 1630 r.).

Jedyny portret w pełna wysokość jest „Portret Willema Heithuissena” (1625-1630).

„W tym samym okresie Hals radykalnie zreformował portret grupowy, zrywając z konwencjonalnymi systemami kompozycji, wprowadzając do prac elementy sytuacji życiowych, które zapewniają bezpośredni związek między obrazem a widzem („Bankiet oficerów kompanii strzeleckiej im. Adriana”, ok. 1623-27; „Bankiet oficerów kompanii strzelców św. Jerzego”, 1627, „Portret grupowy kompanii strzelców św. Adriana”, 1633; „Oficerowie kompanii strzelców św. Jerzego", 1639)." Nie chcąc opuszczać Haarlemu, Hals odmówił wykonania rozkazów, jeśli wymagało to udania się do Amsterdamu. Jedyny portret grupowy, który rozpoczął w Amsterdamie, musiał zostać ukończony przez innego artystę.

W latach 1620-1640, okresie największej popularności, Hals namalował wiele podwójnych portretów pary: mąż jest na lewym portrecie, a żona jest po prawej stronie. Jedynym obrazem, na którym małżonkowie są przedstawieni razem, jest „Portret rodzinny Izaaka Massy i jego żony” (1622).

„Regenci domu opieki”

W 1644 Hals został prezesem cechu św. Łukasz. W 1649 ukończył portret Kartezjusza.

„Charakterystyka psychologiczna pogłębia się w portretach z lat czterdziestych XVII wieku. („Regents of the Hospital of St. Elizabeth”, 1641, portret młodzieńca, ok. 1642-50, „Jasper Schade van Westrum”, ok. 1645); w kolorystyce tych prac zaczyna dominować ton srebrnoszary. Później działa Khalsa są wykonane w bardzo swobodny sposób i rozwiązane w skąpej kolorystyce, zbudowanej na kontrastach czerni i bieli („Człowiek w czarne ubrania", około 1650-52," W. Cruza”, ok. 1660 r.); u niektórych z nich przejawiało się poczucie głębokiego pesymizmu („Regents of the Azyl”, „Regents of the Asylum”, oba - 1664).”

„Na starość Hals przestał otrzymywać zamówienia i popadł w biedę. Artysta zmarł w przytułku w Haarlemie 26 sierpnia 1666 roku.

Największa kolekcja obrazów artysty znajduje się w Muzeum Halsa w Haarlemie.

Założycielem niderlandzkiego portretu realistycznego był Frans Hals (Hals) (ok. 1580-1666), którego artystyczne dziedzictwo, swoją ostrością i siłą ogarniania wewnętrznego świata człowieka, wykracza daleko poza narodową kulturę holenderską. Artysta o szerokich horyzontach, śmiały innowator, zburzył wypracowane przed nim kanony portretu stanowego (szlacheckiego) XVI wieku. Interesowała go nie osoba ukazana zgodnie z jej pozycją społeczną w majestatyczno-podniosłej pozie i ceremonialnym stroju, ale osoba w całej swojej naturalnej istocie, charakterystyczna, ze swoimi uczuciami, intelektem, emocjami. Na portretach Halsa reprezentowane są wszystkie warstwy społeczne: mieszczanie, strzelcy, rzemieślnicy, przedstawiciele niższych klas społecznych, po stronie tych ostatnich szczególne sympatie, a w ich obrazach ukazał głębię potężnej pełni -krwawy talent Demokratyzm jego sztuki wynika z powiązań z tradycjami epoki rewolucji holenderskiej. Hals przedstawiał swoich bohaterów bez upiększeń, z ich bezceremonialnymi manierami, potężną miłością życia. Hals rozszerzył zakres portretu o wprowadzenie elementy fabuły, uchwycenie portretowanych w akcji, w betonie sytuacja życiowa, podkreślając mimikę, gest, postawę, natychmiast i dokładnie uchwycone. Artysta poszukiwał emocjonalnej siły i witalności cech portretowanych, przekazania ich niepohamowanej energii. Hals nie tylko zreformował portrety indywidualne i grupowe, ale był twórcą portretu z pogranicza gatunku codziennego.
Hals urodził się w Antwerpii, następnie przeniósł się do Haarlemu, gdzie mieszkał przez całe życie. Był osobą pogodną, ​​towarzyską, życzliwą i beztroską. Twórcze oblicze Khals ukształtowało się na początku lat 20. XVII wieku. Powszechną popularność przyniosły mu portrety grupowe oficerów kompanii strzeleckiej św. Jerzego (1627, Harlem, Muzeum Fransa Halsa) oraz kompanii strzeleckiej św. Adriana (1633, tamże). Podczas uczty przedstawiani są silni, energiczni ludzie, którzy brali czynny udział w walce wyzwoleńczej przeciwko hiszpańskim najeźdźcom. Wesoły, z domieszką humoru nastrój jednoczy funkcjonariuszy o różnych charakterach i obyczajach. Nie ma tu głównego bohatera. Wszyscy obecni są równymi uczestnikami uroczystości. Hals przezwyciężył czysto zewnętrzną więź postaci, charakterystyczną dla portretów jego poprzedników. Jedność asymetrycznej kompozycji uzyskuje się dzięki żywej komunikacji, nieskrępowanej swobodzie układania figur, które łączy falowy rytm.
Energiczny pędzel artysty z błyskotliwością i siłą rzeźbi tomy form. strumienie światło słoneczne suną po twarzach, błyszczą w koronkach i jedwabiu, błyszczą w okularach. Barwną gamę, w której dominują czarne garnitury i białe kołnierzyki, ożywiają dźwięczne złoto-żółte, liliowe, niebieskie i różowe baldachy oficerskie. Pełni świadomości własnej godności, a jednocześnie swobodnie, naturalnie, gestykulując, pojawiają się holenderscy mieszczanie z portretów Halsa, przekazując stan natychmiastowego ogarnięcia. Z rękami na biodrach oficer w kapeluszu z szerokim rondem uśmiecha się żarliwie (1624, Londyn, kolekcja Wallace). Naturalność i żywotność pozy, ostrość cech, najwyższa umiejętność operowania kontrastem bieli i czerni w malarstwie zwyciężają.
Portrety Halsa są zróżnicowane tematycznie i obrazowo. Ale portretowani są zjednoczeni wspólne cechy: integralność natury, miłość do życia. Hals jest malarzem śmiechu, pogodnego, zaraźliwego uśmiechu. Artysta iskrzącą się radością ożywia twarze przedstawicieli zwykłych ludzi, bywalców tawern i ulicznych chłopców. Jego bohaterowie nie zamykają się w sobie, zwracają wzrok i gestykulują w stronę widza.
Miłujący wolność oddech podsyca wizerunek „Cyganki” (ok. 1630, Paryż, Luwr). Hals podziwia dumne lądowanie jej głowy w aureoli puszystych włosów, uwodzicielski uśmiech, dziarski błysk w oczach, wyraz niezależności. Wibrujący zarys sylwetki, ślizgające się promienie światła, biegnące chmury, na tle których przedstawiona jest Cyganka, napełniają obraz dreszczykiem życia. Portret Malle Babbe (początek lat 30. XVII w., Berlin-Dahlem, Galeria Sztuki), właścicielki tawerny, nieprzypadkowo nazywanej „czarownicą z Harlemu”, rozwija się w małą scenkę rodzajową. Brzydka stara kobieta o płonącym chytrym spojrzeniu, gwałtownie się obracająca i uśmiechająca szeroko, jakby odpowiadała jednemu ze stałych bywalców jej tawerny. Złowroga sowa wyłania się w ponurej sylwetce na jej ramieniu. Uderza ostrość, wizje artysty, ponura siła i żywotność obrazu, który stworzył. Asymetria kompozycji, dynamika, soczystość kanciastego pociągnięcia pędzla potęgują niepokój sceny.
W połowie XVII wieku wyraźnie zaznaczono zmiany, jakie zaszły w społeczeństwie holenderskim; w miarę umacniania się w niej pozycji burżuazji, która utraciła kontakt z masami, staje się ona coraz bardziej konserwatywna. Zmienił się stosunek burżuazyjnych klientów do artystów realistów. Popularność stracił też Hals, którego demokratyczna sztuka stała się obca odradzającej się burżuazji, pędzącej za arystokratyczną modą.
Afirmujący życie optymizm mistrza został zastąpiony przez głęboką refleksję, ironię, gorycz, sceptycyzm. Jego realizm stał się bardziej psychologicznie głęboki i krytyczny, jego umiejętności bardziej wyrafinowane i doskonałe. Kolorystyka Halsa również się zmieniła, zyskując większą powściągliwość; w dominującej srebrnoszarej, zimnej tonacji, wśród czerni i bieli szczególnego brzmienia nabierają drobne, precyzyjnie odkryte plamki różowawej lub czerwonej barwy. Uczucie goryczy, rozczarowania wyczuwalne jest w „Portrecie mężczyzny w czerni” (ok. 1660 r., Petersburg, Ermitaż), w którym najwspanialsze barwne odcienie twarzy zostają wzbogacone i ożywają obok monochromatyczne odcienie czerni i bieli.
Najwyższym osiągnięciem Halsa są jego ostatnie portrety grupowe regentów i regentów (powierników) domu starców, wykonane w 1664 roku, na dwa lata przed śmiercią artysty, który samotnie zakończył życie w przytułku. Pełen próżności, zimny i wyniszczony, żądny władzy i zarozumiały, siedzący przy stole starego powiernika z grupy „Portret Regentów Zakładu dla Starców” (Harlem, Muzeum Fransa Halsa). Ręka starego artysty bezbłędnie trafnie stosuje swobodne, szybkie pociągnięcia. Kompozycja stała się spokojna i surowa. Oszczędność przestrzeni, układ figur, wręcz rozproszone światło, oświetlając w równym stopniu wszystkie przedstawione, przyczyniają się do skupienia się na charakterystyce każdego z nich. Lakoniczne kolory z przewagą czerni, bieli i szarości. Późne portrety Halsa stoją obok najwybitniejszych dzieł świata malarstwo portretowe: ich psychologizm bliski jest portretom największego z holenderskich malarzy – Rembrandta, który podobnie jak Hals, swoją chwałę życia przeżył, wchodząc w konflikt z mieszczańską elitą holenderskiego społeczeństwa.

Frans Hals urodził się około 1581 roku w Antwerpii w rodzinie tkacza. W młodości przybył do Haarlemu, gdzie mieszkał niemal bez przerwy aż do śmierci (w 1616 odwiedził Antwerpię, a w połowie lat 30. XVII wieku Amsterdam). Niewiele wiadomo o życiu Halsa. W 1610 wstąpił do cechu św. Łukasza, aw 1616 - do izby mówców (aktorów-amatorów). Bardzo szybko Hals stał się jednym z najbardziej znani portreciści Harlem.
W XV-XVI wieku. w malarstwie niderlandzkim istniała tradycja malowania portretów wyłącznie przedstawicieli środowisk rządzących, sławni ludzie i artystów. Sztuka Khalsa jest głęboko demokratyczna: na jego portretach możemy zobaczyć arystokratę, bogatego obywatela, rzemieślnika, a nawet osobę z samego dna. Artysta nie próbuje idealizować przedstawionych, najważniejsze dla niego jest ich naturalność i oryginalność. Jego szlachcice zachowują się równie nieskrępowanie, jak przedstawiciele niższych warstw społecznych, którzy na obrazach Halsa przedstawiani są jako ludzie pogodni, nie pozbawieni poczucia własnej wartości.
Duże miejsce w twórczości malarza zajmuje portret grupowy. Najlepsze prace tym gatunkiem stały się portrety oficerów kompanii strzelców św. Jerzego (1627) i kompanii strzelców św. Adriana (1633). Każda postać na obrazach ma swoją własną jasną osobowość, a jednocześnie prace te wyróżniają się integralnością.
Hals malował też na zamówienie portrety, na których zamożni mieszczanie i ich rodziny umieszczani są w swobodnych pozach („Portret Izaaka Massy”, 1626; „Portret Hethuisena”, 1637). Obrazy Halsa są żywe i dynamiczne, wydaje się, że osoby na portretach rozmawiają z niewidzialnym rozmówcą lub zwracają się do widza.
Przedstawiciele środowiska ludowego na portretach Halsa wyróżniają się żywą ekspresją i bezpośredniością. W obrazach ulicznych chłopców, rybaków, muzyków, bywalców tawern czuć sympatię i szacunek autora. Jego „Cygan” jest niezwykły. Uśmiechnięta młoda kobieta wydaje się zaskakująco żywa, a jej chytre spojrzenie skierowane jest na niewidzialnego dla widzów rozmówcę. Hals nie idealizuje swojego modela, ale wizerunek wesołej, rozczochranej Cyganki zachwyca swoim dziarskim wdziękiem.
Bardzo często portrety Halsa zawierają elementy sceny rodzajowej. Są to wizerunki dzieci śpiewających lub grających na instrumentach muzycznych („Śpiewający chłopcy”, 1624-1625). W tym samym duchu wystawiono słynne „Malle Babbe” (pocz. Artysta niemal groteskowo przedstawił kobietę z ogromnym kuflem piwa i sową na ramieniu.
w latach czterdziestych XVII wieku Kraj wykazuje oznaki punktu zwrotnego. Od zwycięstwa rewolucji minęło zaledwie kilkadziesiąt lat, a burżuazja przestała już być klasą postępową, opartą na demokratycznych tradycjach. Prawdziwość malarstwa Halsa nie przyciąga już bogatych klientów, którzy chcą widzieć się na portretach lepszymi niż są w rzeczywistości. Ale Hals nie porzucił realizmu, a jego popularność gwałtownie spadła. Na obrazie z tego okresu pojawiają się nuty smutku i rozczarowania („Portret mężczyzny w kapeluszu z szerokim rondem”). Jego paleta staje się ostrzejsza i spokojniejsza.
W wieku 84 lat Hals tworzy dwa ze swoich arcydzieł: portrety grupowe regentów (powierników) i regentów domu opieki (1664). Te ostatnie prace Holenderscy mistrzowie wyróżniają się emocjonalnością i jasną indywidualnością obrazów. Z wizerunków regentów - starców i kobiet - tchnie smutkiem i śmiercią. Wrażenie to podkreśla również kolorystyka, utrzymana w tonacji czerni, szarości i bieli.
Hals zmarł w 1666 roku w głębokiej nędzy. Jego prawdziwa, afirmująca życie sztuka wywarła wielki wpływ na wielu holenderskich artystów.

Obraz Rembrandta.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(holenderski. Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) – holenderski artysta, rysownik i rytownik, wielki mistrz światłocienia, największy przedstawiciel złotego wieku malarstwa niderlandzkiego. Udało mu się ucieleśnić w swoich pracach całą gamę ludzkich doświadczeń z takim bogactwem emocjonalnym, jakiego sztuka piękna nie znała przed nim. Dzieła Rembrandta, niezwykle różnorodne w przynależność gatunkowa, otwórz przeglądarkę ponadczasową świat duchowy ludzkich przeżyć i uczuć.

• 1 Biografia
• 1.1 Lata praktyki
• 1.2 Wpływ Lastmana i karawagistów
• 1.3 Warsztaty w Leiden
• 1.4 Generacja własny styl
• 1.5 Sukces w Amsterdamie
• 1.6 Dialog z Włochami
• 1.7 Straż nocna
• 1.8 Okres przejściowy
• 1.9 Późny Rembrandt
• 1.10 Ostatnie prace
• 2 Kwestie atrybucji
• 3 uczniów Rembrandta
• 4 Pośmiertna sława
• 5 W kinie
• 6 Notatki
• 7 Linków

Biografia

Lata praktyki

Rembrandt Harmenszoon („syn Harmena”) van Rijn urodził się 15 lipca 1606 r. (według niektórych źródeł w 1607 r.) w wielodzietnej rodzinie zamożnego właściciela młyna Harmena Gerritszoon van Rijna w Leiden. Rodzina matki pozostała wierna nawet po rewolucji holenderskiej religia katolicka.

„Alegoria muzyki” z 1626 roku – przykład wpływu Lastmana na młodego Rembrandta

W Lejdzie Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale największe zainteresowanie wykazywał w malarstwie. W wieku 13 lat został wysłany na studia artystyczne do Lejdy malarz historyczny Jacob van Swanenbürch, katolik z wiary. Prace Rembrandta z tego okresu nie zostały przez badaczy zidentyfikowane, a kwestia wpływu Swanenbürch na kształtowanie się jego twórczy sposób pozostaje otwarta: zbyt mało dziś wiadomo o tym artyście z Leiden.

W 1623 roku Rembrandt studiował w Amsterdamie u Pietera Lastmana, który kształcił się we Włoszech i specjalizował się w badaniach historycznych, mitologicznych i historie biblijne. Po powrocie do Lejdy w 1627 roku Rembrandt wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otworzył własny warsztat i zaczął rekrutować uczniów. W ciągu kilku lat zyskał znaczną sławę.

Jana Kalwina Jana Kalwina(1509-1564) – reformator kościoła i założyciel jednego z nurtów protestantyzmu. Podstawą Kościoła kalwińskiego są tzw. kongregacje – wspólnoty autonomiczne zarządzany przez proboszcza, diakona i starszych wybranych spośród świeckich. Kalwinizm był bardzo popularny w Holandii w XVI wieku. uczono, że codzienne rzeczy mają ukryte znaczenie, a za każdym obrazem powinna kryć się lekcja moralna. Przedstawione w martwej naturze przedmioty są niejednoznaczne: miały budujący, religijny lub inny wydźwięk. Na przykład ostrygi uważano za symbol erotyczny, co było oczywiste dla współczesnych: ostrygi rzekomo pobudzały potencję seksualną, a Wenus, bogini miłości, narodziła się ze skorupy poczucia winy. Z jednej strony ostrygi wskazywały na światowe pokusy, z drugiej otwarta muszla oznaczała duszę gotową do opuszczenia ciała, czyli obiecywała zbawienie. Oczywiście nie było ścisłych zasad czytania martwej natury, a widz odgadł dokładnie te symbole na płótnie, które chciał zobaczyć. Ponadto nie można zapominać, że każdy przedmiot był częścią kompozycji i mógł być odczytywany na różne sposoby – w zależności od kontekstu i ogólnego przesłania martwej natury.

kwiat martwa natura

Do XVIII wieku bukiet kwiatów z reguły symbolizował kruchość, ponieważ ziemskie radości są tak przemijające jak piękno kwiatu. Symbolika roślin jest szczególnie złożona i niejednoznaczna oraz popularna w Europa XVI-XVII wieków księgi emblematów, gdzie alegorycznym ilustracjom i mottom towarzyszyły teksty wyjaśniające. kompozycja kwiatowa nie było to łatwe do interpretacji: ten sam kwiat miał wiele znaczeń, czasem wprost przeciwnych. Na przykład narcyz wskazywał na miłość własną i jednocześnie był uważany za symbol Matki Bożej. W martwych naturach z reguły zachowywano oba znaczenia obrazu, a widz miał swobodę wyboru jednego z dwóch znaczeń lub ich połączenia.

Kompozycje kwiatowe często uzupełniano owocami, drobnymi przedmiotami, wizerunkami zwierząt. Obrazy te wyrażały główną ideę dzieła, podkreślając motyw przemijania, więdnięcia, grzeszności wszystkiego, co ziemskie i niezniszczalności cnót.

Na zdjęciu Jan Davidsz de Heem Jan Davids de Heem(1606-1684) Holenderski malarz znany ze swoich kwiatowych martwych natur. u podstawy wazonu artysta przedstawił symbole kruchości: zwiędłe i połamane kwiaty, kruszące się płatki i zaschnięte strąki grochu. Oto ślimak - kojarzy się z duszą grzesznika Wśród innych takich negatywnych obrazów są gady i płazy (jaszczurki, żaby), a także gąsienice, myszy, muchy i inne zwierzęta pełzające po ziemi lub żyjące w błocie.. W centrum bukietu widzimy symbole skromności i czystości: polne kwiaty, fiołki i niezapominajki. Otaczają je tulipany, symbolizujące przemijające piękno i bezsensowne marnotrawstwo (uprawa tulipanów była w Holandii uważana za jedno z najbardziej próżnych zajęć, a do tego nie tania); bujne róże i maki, przywodzące na myśl kruchość życia. Kompozycję wieńczą dwa duże kwiaty o pozytywnym znaczeniu. Niebieska tęczówka reprezentuje odpuszczenie grzechów i wskazuje na możliwość zbawienia przez cnotę. Czerwony mak, tradycyjnie kojarzony ze snem i śmiercią, zmienił swoją interpretację ze względu na swoje położenie w bukiecie: tutaj symbolizuje zadość czyniącą ofiarę Chrystusa Już w średniowieczu wierzono, że mak rośnie na ziemi nawodnionej krwią Chrystusa.. Inne symbole zbawienia to kłoski chleba, a motyl siedzący na łodydze symbolizuje nieśmiertelną duszę.

Obraz Jana Baumana Jan (Jean-Jacques) Bauman(1601-1653) – malarz, mistrz martwej natury. Mieszkał i pracował w Niemczech i Holandii.„Kwiaty, owoce i małpa” - dobry przykład warstw semantycznych i wieloznaczności martwej natury i znajdujących się na niej obiektów. Na pierwszy rzut oka połączenie roślin i zwierząt wydaje się przypadkowe. W rzeczywistości ta martwa natura przypomina również o przemijaniu życia i grzeszności ziemskiej egzystencji. Każdy przedstawiony obiekt przekazuje pewną ideę: ślimak i jaszczurka w tym przypadku wskazują na śmiertelność wszystkiego, co ziemskie; tulipan leżący obok miski z owocami symbolizuje szybkie więdnięcie; muszle rozrzucone na stole wskazują na stratę pieniędzy W Holandii w XVII wieku bardzo popularne było kolekcjonowanie wszelkiego rodzaju „osobliwości”, w tym muszli.; a małpa z brzoskwinią wskazuje na grzech pierworodny i zepsucie. Z drugiej strony fruwający motyl i owoce: kiście winogron, jabłka, brzoskwinie i gruszki - mówią o nieśmiertelności duszy i zadość czyniącej ofierze Chrystusa. Na innym, alegorycznym poziomie przedstawione na obrazie owoce, owoce, kwiaty i zwierzęta reprezentują cztery żywioły: muszle i ślimaki - wodę; motyl - powietrze; owoce i kwiaty - ziemia; małpa jest ogniem.

Martwa natura w sklepie mięsnym

Z ideą tradycyjnie kojarzony był wizerunek sklepu mięsnego życie fizyczne, personifikacja żywiołów ziemi, a także obżarstwo. Na obrazie Petera Aartsena Piotr Aartsen ( 1508-1575) był holenderskim malarzem, znanym również jako Pieter Long. Wśród jego prac znajdują się sceny rodzajowe oparte na opowieściach ewangelicznych, a także obrazy rynków i sklepów. prawie całą przestrzeń zajmuje stół zastawiony jedzeniem. Widzimy wiele rodzajów mięsa: zabity drób i rozbite tusze, wątróbki i szynki, szynki i kiełbasy. Obrazy te symbolizują nieumiarkowanie, obżarstwo i przywiązanie do cielesnych przyjemności. Skupmy się teraz na tle. Po lewej stronie obrazu w otworze okiennym umieszczona jest ewangeliczna scena ucieczki do Egiptu, która ostro kontrastuje z martwą naturą na pierwszym planie. Dziewica Maryja podaje biednej dziewczynie ostatni kawałek chleba. Zwróć uwagę, że nad naczyniem znajduje się okno, na którym leżą na krzyż dwie ryby (symbol ukrzyżowania) - symbol chrześcijaństwa i Chrystusa. Po prawej w głębi tawerna. Wesołe towarzystwo siedzi przy stoliku przy kominku, pije i zajada się ostrygami, które jak pamiętamy kojarzą się z pożądaniem. Obok stołu wisi zmasakrowane zwłoki, wskazujące na nieuchronność śmierci i przemijalność ziemskich radości. Rzeźnik w czerwonej koszuli rozcieńcza wino wodą. Ta scena odzwierciedla główną ideę martwej natury i nawiązuje do przypowieści o syn marnotrawny Przypomnij sobie, że w przypowieści o synu marnotrawnym jest kilka wątków. Jedna z nich opowiada o najmłodszym synu, który otrzymawszy od ojca majątek, sprzedał wszystko i wydał pieniądze na rozpustne życie.. Scena w karczmie, jak i masarnia pełna jedzenia, mówi o próżnym, rozpustnym życiu, przywiązaniu do przyjemności ziemskich, przyjemnych dla ciała, ale zgubnych dla duszy. W scenie ucieczki do Egiptu bohaterowie są praktycznie odwróceni tyłem do widza: wsuwają się głębiej w obraz, oddalając się od masarni. To metafora ucieczki od rozpustnego życia pełnego zmysłowych uciech. Rezygnacja z nich jest jednym ze sposobów na ocalenie duszy.

Martwa natura w sklepie rybnym

Martwa natura z rybami jest alegorią żywiołu wody. Prace takie, podobnie jak masarnie, często wchodziły w skład tzw. cyklu pierwszych elementów. W Europie Zachodniej powszechne były duże cykle malarskie, składające się z kilku obrazów i z reguły wiszących w jednym pomieszczeniu. Na przykład cykl pór roku (gdzie za pomocą alegorii przedstawiono lato, jesień, zimę i wiosnę) czy cykl żywiołów (ognia, wody, ziemi i powietrza). iz reguły powstawały do ​​dekoracji pałacowych jadalni. Na pierwszym planie obrazy Fransa Snydersa Fransa Snydersa(1579-1657) – flamandzki malarz, autor martwych natur i barokowych kompozycji animalistycznych.„Sklep rybny” przedstawia dużo ryb. Są tu okonie i jesiotry, karasie, sumy, łososie i inne owoce morza. Część już wycięta, część czeka na swoją kolej. Te wizerunki ryb nie mają żadnego podtekstu – śpiewają o bogactwie Flandrii.

Obok chłopca widzimy kosz z prezentami, które otrzymał na Mikołajki W katolicyzmie dzień Świętego Mikołaja obchodzony jest 6 grudnia. W te święta, podobnie jak w Boże Narodzenie, dzieciom wręcza się prezenty.. Wskazują na to przywiązane do kosza drewniane czerwone buty. Oprócz słodyczy, owoców i orzechów w koszyku znajdują się wędki – jako namiastka wychowania na „kija i marchewkę”. Zawartość koszyka mówi o radościach i smutkach ludzkiego życia, które nieustannie się zastępują. Kobieta wyjaśnia dziecku, że posłuszne dzieci otrzymują prezenty, a złe dzieci otrzymują karę. Chłopiec cofnął się przerażony: pomyślał, że zamiast cukierków dostanie ciosy rózgami. Po prawej stronie widzimy otwór okienny, przez który widać rynek miejski. Grupa dzieci stoi pod oknami i radośnie pozdrawia marionetkowego błazna na balkonie. Błazen jest nieodzownym atrybutem świąt ludowych.

Martwa natura z nakrytym stołem

W licznych wariacjach nakrycia stołu na płótnach holenderskich mistrzów widzimy chleb i placki, orzechy i cytryny, kiełbaski i szynki, homary i raki, potrawy z ostryg, ryb czy pustych muszli. Możesz zrozumieć te martwe natury w zależności od zestawu obiektów.

Na obrazie Gerrita Willemsa Hedy Gerrit Willems Heda(1620-1702) malarz martwych natur i syn malarza Willema Klasa Hedy. widzimy naczynie, dzbanek, wysoki szklany kielich i przewrócony wazon, garnek z musztardą, szynkę, zmiętą serwetkę i cytrynę. To tradycyjny i ulubiony zestaw Khedy. Lokalizacja przedmiotów i ich wybór nie są przypadkowe. Srebrne sztućce symbolizują ziemskie bogactwa i ich daremność, szynka – cielesne przyjemności, atrakcyjne z wyglądu, a kwaśne wnętrze cytryny reprezentuje zdradę. Zgaszona świeca wskazuje na kruchość i przemijalność. ludzka egzystencja, bałagan na stole - do zniszczenia. Wysoki szklany „flet” (w XVII wieku służył jako miarka z oznaczeniami) jest kruchy, jak ludzkie życie, a jednocześnie symbolizuje umiar i zdolność człowieka do kontrolowania swoich impulsów. Ogólnie rzecz biorąc, w tej martwej naturze, podobnie jak w wielu innych „śniadaniach”, za pomocą przedmiotów rozgrywa się temat próżności marności i bezsensowności ziemskich przyjemności.

Większość przedmiotów przedstawia martwa natura autorstwa Pietera Claesza Piotr Klas(1596-1661) – holenderski malarz, autor wielu martwych natur. Wraz z Khedą jest uważany za założyciela szkoły martwej natury z Harlemu, z jej geometrycznymi monochromatycznymi obrazami. są symbolami erotycznymi. Ostrygi, fajka, wino odnoszą się do krótkich i wątpliwych przyjemności cielesnych. Ale to tylko jedna z wersji czytania martwej natury. Spójrzmy na te obrazy z innej perspektywy. Tak więc muszle są symbolami kruchości ciała; fajka, przy pomocy której nie tylko palili, ale także puszczali bańki mydlane, jest symbolem nagłej śmierci. Współczesny Claesowi, holenderski poeta Willem Godschalk van Fockenborch, w wierszu „Moja nadzieja to dym” napisał:

Jak widać, bycie jest jak palenie fajki,
A jaka jest różnica - naprawdę nie wiem:
Jeden to tylko bryza, drugi to tylko dym. Za. Jewgienij Witkowski

Temat przemijania ludzkiej egzystencji przeciwstawia się nieśmiertelności duszy, a oznaki ułomności okazują się nagle symbolami zbawienia. Chleb i kieliszek wina w tle kojarzą się z ciałem i krwią Jezusa i wskazują na sakrament sakramentu. Śledź - kolejny symbol Chrystusa - przypomina nam o poście i postnym jedzeniu. A otwarte muszle z ostrygami mogą zmienić swoje negatywne znaczenie na dokładnie przeciwne, oznaczające ludzką duszę, oddzieloną od ciała i gotową do wejścia w życie wieczne.

Różne poziomy interpretacji przedmiotów dyskretnie mówią widzowi, że człowiek zawsze ma swobodę wyboru między tym, co duchowe, a tym, co wieczne, a tym, co ziemskie, przemijające.

Vanitas, czyli „naukowiec” martwa natura

Gatunek tzw. „uczonych” martwych natur nazwano vanitas – po łacinie oznacza to „marność nad marnościami”, innymi słowy – „memento mori” („pamiętaj o śmierci”). To najbardziej intelektualny typ martwej natury, alegoria wieczności sztuki, kruchości ziemskiej chwały i ludzkiego życia.

Miecz i hełm z luksusowym pióropuszem na obrazie Juriana van Strecka Juriana van Strecka(1632-1687) – amsterdamski malarz, znany ze swoich martwych natur i portretów. wskazują na przemijalność ziemskiej chwały. Róg myśliwski symbolizuje bogactwo, którego nie można zabrać ze sobą do innego życia. W „naukowych” martwych naturach często pojawiają się wizerunki otwartych książek lub niedbale leżących papierów z napisami. Nie tylko zachęcają do myślenia o przedstawionych przedmiotach, ale także pozwalają używać ich zgodnie z ich przeznaczeniem: czytać otwarte strony lub wykonywać to, co jest napisane notatnik muzyczny muzyka. Van Streck naszkicował głowę chłopca i otwarta książka: To jest tragedia Sofoklesa „Electra”, przetłumaczona na język niderlandzki. Te obrazy wskazują, że sztuka jest wieczna. Ale strony książki są pogięte, a rysunek jest wgnieciony. Są to oznaki początku zniszczeń, sugerujące, że nawet sztuka nie będzie przydatna po śmierci. Czaszka również mówi o nieuchronności śmierci, ale owinięty wokół niej kłos chleba symbolizuje nadzieję na zmartwychwstanie i życie wieczne. W połowie XVII wieku czaszka spleciona z kłosem chleba lub wiecznie zielonym bluszczem stała się obowiązkowym tematem przedstawiania martwych natur w stylu vanitas.

Źródła

• Żmija B.R. Problem i rozwój martwej natury.
• Zvezdina Yu. N. Emblematyka w świecie antycznej martwej natury. Do problemu odczytania symbolu.
• Tarasow Yu.A. Holenderska martwa natura z XVII wieku.
• Szczerbaczowa M. I. Martwa natura w malarstwie holenderskim.
• Widoczny obraz i ukryte znaczenie. Alegorie i emblematy w malarstwie Flandrii i Holandii drugiej połowy XVI-XVII wieku. Katalog wystawy. Muzeum Puszkina im. A. S. Puszkin.

W dziejach światowych sztuk pięknych miało miejsce niesamowite zjawisko Północna Europa XVII wiek. Jest znany jako martwa natura holenderska i jest uważany za jeden ze szczytów malarstwa olejnego.

Znawcy i profesjonaliści mają mocne przekonanieże takiej liczby wspaniałych mistrzów, którzy posiadali najwyższą technikę i stworzyli tak wiele światowej klasy arcydzieł, mieszkając na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego, nie widziano w historii sztuki.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabrał w Holandii od początku XVII wieku, wynikało z wyłonienia się po pierwszych antyfeudalnych rewolucjach zaczątków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożni chłopi. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy kształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderskie martwe natury stały się poszukiwanym towarem na wschodzącym rynku.

W ziemie północne W Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które powstały w walce z katolicyzmem. Między innymi ta okoliczność sprawiła, że ​​martwa natura holenderska stała się głównym gatunkiem całych warsztatów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, a zwłaszcza kalwini, zaprzeczali zbawczej wartości rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, wyrzucali nawet muzykę z kościół, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuki piękne rozwijały się według innych praw, ale sąsiedztwo terytorialne prowadziło do nieuchronnego wzajemnego oddziaływania. Naukowcy - historycy sztuki - znajdują wiele rzeczy, które łączą martwą naturę holenderską i flamandzką, zwracając uwagę na ich nieodłączne kardynalne różnice i unikalne cechy.

Martwa natura z wczesnymi kwiatami

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, bierze udział w Holandii specjalne formy i symboliczne imię spokojne życie» - wciąż równy. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem brutalna działalność Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadziła ze Wschodu luksusowe towary, których wcześniej nie widziano w Europie. Z Persji firma przywiozła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii, a to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych biur, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobre samopoczucie ich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów, cebulek tulipanów były tym, co dziś nazywa się wizualnym produktem reklamowym: plakatami i broszurami. Holenderska martwa natura z kwiatami jest więc przede wszystkim botanicznie dokładnym przedstawieniem kwiatów i owoców, jednocześnie wypełnionym wieloma symbolami i alegoriami. To najlepsze płótna całych warsztatów, na czele z Ambrosiusem Bosschaertem Starszym, Jakobem de Heinem Młodszym, Janem Baptistą van Fornenburgiem, Jacobem Woutersem Vosmarem i innymi.

Nakryte stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uniknąć wpływu nowych stosunków społecznych i rozwoju gospodarki. Holenderska martwa natura z XVII wieku opłacalny towar, i zorganizowano duże warsztaty do „produkcji” obrazów. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podstawy pod obrazy - deski lub płótna, zagruntowane, wykonane ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdej relacji rynkowej, doprowadziła do wzrostu w jakości martwych natur poziom bardzo wysoki.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycje kwiatowe malowano w wielu holenderskich miastach - Utrechcie, Delft, Hadze, ale to Haarlem stał się centrum rozwoju martwych natur przedstawiających nakryte stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie płótna mogą być zróżnicowane pod względem skali i charakteru, od złożonych i wielotematycznych po zwięzłe. Pojawiły się "Śniadania" - przedstawiające martwe natury holenderskich artystów różne etapy posiłki. Przedstawiały obecność człowieka w postaci okruchów, nadgryzionych bułeczek itp. Opowiadały ciekawe historie, pełne aluzji i moralizatorskich symboli, charakterystycznych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważane są obrazy Nicholasa Gillisa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Rulofa Kootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pieter Claesz i Willem Claesz Heda

Dla współczesnych symbole, którymi nasycona jest tradycyjna holenderska martwa natura, były istotne i zrozumiałe. Obrazy były podobne w treści do wielostronicowych książek i były za to szczególnie cenione. Ale istnieje koncepcja, która jest nie mniej imponująca zarówno dla współczesnych koneserów, jak i miłośników sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze w nim są najwyższe umiejętności techniczne, zaskakująco wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.

Cechy te korespondują pod każdym względem z płótnami dwóch czołowych mistrzów, których obrazy uważane są za najlepsze przykłady martwej natury tonalnej: Pietera Claesza i Willema Claesza Heada. Z niewielkiej liczby obiektów wybrali kompozycje pozbawione jasnych kolorów i szczególnej dekoracyjności, co nie przeszkodziło im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z czasem.

Próżność

Temat przemijania życia, równości wobec śmierci króla i żebraka był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. A w malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazwano vanitas - od łacińskiego „próżności marności”. Popularności martwych natur, podobnie jak traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Leiden.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu ówczesnych holenderskich mistrzów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Stenwijka i innych.

Sztuczne obrazy

Malowidła są od późnego średniowiecza najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą stać było rosnącą populację miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwalały na to umiejętności, tworzyli „sztuczki” lub „trompe-l'oeil”, z francuskiego trompe-l „oeil - złudzenie optyczne. Chodziło o to, że typowa holenderska martwa natura to kwiaty i owoce, zepsuty ptak i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, instrumenty optyczne itp. – zawierały zupełną iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazonie, który chcesz trzasnąć, to typowe wątki fałszywego obrazu.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu „tromple” - Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych - często przedstawiają niszę wpuszczoną w ścianę z półkami, na których znajduje się wiele różnych rzeczy. Zręczność techniczna artysty w przekazywaniu faktur i płaszczyzn, światła i cienia była tak wielka, że ​​ręka sama sięgała po książkę lub szklankę.

Czas kwitnienia i czas zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne odmiany martwej natury na obrazach mistrzów holenderskich osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, bo bogacenie się mieszczan rośnie, a bogate naczynia, szlachetne tkaniny i obfitość pożywienia nie wydają się obce we wnętrzach kamienicy czy bogatego wiejskiego majątku.

Obrazy powiększają się, zadziwiają ilością różnych faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to zrobić, tradycyjna holenderska martwa natura - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - jest uzupełniona egzotycznymi owadami lub małymi zwierzętami i ptakami. Oprócz tworzenia zwykłych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla pozytywnych emocji, aby zwiększyć atrakcyjność komercyjną fabuły.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzącego czasu, w którym ważna stała się wzmożona dekoracyjność, wywołująca imponujące wrażenie.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów przez malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, sama koncepcja złotego wieku, którą znało malarstwo holenderskie, odchodziła w przeszłość. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących kart.

Holenderscy artyści osiągnęli wielkie osiągnięcia w tworzeniu sztuki realistyczny kierunek, naturalne przedstawiające rzeczywistość, właśnie dlatego - że taka sztuka była pożądana w społeczeństwie holenderskim.

Dla artystów holenderskich malarstwo sztalugowe było ważne. Płótna Holendrów tego czasu nie mają takich wymiarów jak dzieła Rubensa i decydują raczej nie monumentalnie. zadania dekoracyjne, klientami holenderskich malarzy byli wysłannicy rządzącego kierownictwa organizacji, ale także druga klasa – mieszczanie, rzemieślnicy.

Jednym z głównych zadań malarzy holenderskich był człowiek i środowisko. Głównym miejscem w malarstwie holenderskim był gatunek codzienny oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im lepiej malarze bezstronnie, głębiej przedstawiali świat przyrody, tym bardziej znaczące i wymagające były ich wątki dzieła.

Malarze holenderscy wystawiali prace na sprzedaż, sprzedawali swoje obrazy na jarmarkach. Ich prace kupowali głównie ludzie z wyższych warstw społecznych – bogaci chłopi, rzemieślnicy, kupcy, właściciele manufaktur. Zwykłych ludzi nie było na to stać i z przyjemnością oglądali i podziwiali obrazy. Ogólna lokalizacja sztuki w okresie jej świetności XVII wiek pozbawiona tak potężnych konsumentów jak dwór, szlachta i kościół.

Prace wykonywano w niewielkim formacie, licząc na skromne i niezbyt duże wyposażenie domów holenderskich. Jednym z ulubionych zajęć Holendrów było malarstwo sztalugowe, które z dużą pewnością iw różny sposób reagowało na rzeczywistość działań. Na obrazach Holendrów bliska jest im rzeczywistość ich kraju, chcieli zobaczyć to, co jest im dobrze znane – morze i statki, przyrodę ich ziemi, ich dom, bieg życia, to, co otaczali ich wszędzie.

Jedna ważna motywacja do nauki środowisko pojawiały się w malarstwie holenderskim w tak naturalnych formach iz tak wyraźną ciągłością, jak nigdzie indziej w sztuce holenderskiej tamtych czasów. Pod tym względem łączy się również głębia jego skali: ukształtowały się w nim portrety i pejzaże, martwe natury i gatunek codzienny. Kilka z nich to martwa natura, malarstwo codzienne, jako pierwsze ukształtowało się w Holandii w dojrzałych formach i zyskało taki rozkwit, że stało się jedynym przykładem tego gatunku.

W pierwszych dwóch dekadach wyraźnie objawia się główny nastrój poszukiwań głównych artystów niderlandzkich, który przeciwstawia się właściwym trendom artystycznym - pociąg do poprawnego odwzorowania rzeczywistości, do dokładności jej wyrażania. Nie przez przypadek zwabiono artystów z Holandii dzieła Caravaggia. Twórczość tzw. karawagistów utrechckich - G. Honthorsta, H. Terbruggena, D. Van Baburena - wykazała wpływ na holenderską kulturę artystyczną.

Tworzyli malarze holenderscy w latach 20. i 30. XVII wieku główny widok odpowiedni drobno figurowany obraz, który przedstawia sceny z życia zwykłych chłopów i ich codziennych zajęć. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku malarstwo codzienne było jednym z głównych gatunków, których autorzy na przestrzeni dziejów przyjęli miano „Małych Holendrów” bądź ze względu na bezpretensjonalność fabuły, bądź z powodu niewielkich rozmiarów obrazów, a może z obu tych powodów. . Cechy dobrodusznego humoru wachlowały obrazy chłopów na obrazach Adriana van Ostade. Był demokratycznym pisarzem codziennym, zabawnym gawędziarzem Jana Steena.

Jeden z głównych malarzy portretowych Holandii, twórca holenderskiego portretu realistycznego Franza Halsa. Stworzył własną chwałę portrety grupowe cechy strzeleckie, w których wyrażał ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości, koleżeństwa.

Szczytem holenderskiego realizmu jest Harmens van Rijn Rembrandt, wyróżniający się niezwykłą witalnością i emocjonalnością, głębokim człowieczeństwem obrazów, wielką rozpiętością tematyczną. Malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże, był jednym z największych mistrzów akwaforty i rysunku. Jednak w jakiejkolwiek technice pracował, w centrum jego uwagi zawsze znajdował się człowiek, jego wewnętrzny świat. Swoich bohaterów często znajdował wśród holenderskiej biedoty. W swoich pracach Rembrandt łączył siłę i przenikliwość cechy psychologiczne z wyjątkowym mistrzostwem malarstwa, w którym najważniejsze są trafne tonacje światłocienia.

W pierwszej tercji XVII wieku ukształtowały się poglądy realistycznego krajobrazu holenderskiego, który rozkwitł w połowie stulecia. Pejzaż mistrzów holenderskich nie jest ogólnie przyrodą, jak w obrazach klasyków, ale narodowym, a mianowicie pejzażem holenderskim: wiatraki, pustynne wydmy, kanały, po których latem pływają łódki, a zimą łyżwiarze. Artyści starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotne powietrze i przestrzeń.

Martwa natura nabiera jasnego rozwoju w malarstwie Holendrów, różni się niewielkimi rozmiarami. Piotr Klas oraz Willem Kheda najczęściej przedstawiały tzw. śniadania: dania z szynką lub plackiem na stosunkowo skromnie zastawionym stole. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie, w naturalności, z jaką układają się rzeczy, które przed chwilą mu służyły. Ale ten nieład jest tylko pozorny, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana. W umiejętnym układzie przedmioty ukazane są w taki sposób, że można poczuć się jak w wewnętrznym życiu rzeczy, nie bez powodu Holendrzy nazywali martwą naturę „still leven” – „ciche życie”, a nie „naturę morte” " - "martwa natura".

Martwa natura. Pieter Claesz i Willem Heda

Subtelność, prawdomówność w odtwarzaniu rzeczywistości łączy się u holenderskich mistrzów z przenikliwym wyczuciem piękna, ujawniającym się w każdym jej zjawisku, nawet tym najbardziej niepozornym i codziennym. Ta cecha holenderskiego geniuszu artystycznego objawiła się chyba najdobitniej w martwej naturze; nieprzypadkowo gatunek ten był ulubieńcem Holandii.

Holendrzy nazywali martwą naturę „stilleven”, co oznacza „spokojne życie”, a słowo to nieporównanie trafniej oddaje znaczenie, jakie holenderscy malarze nadawali obrazowi rzeczy, niż „nature morte” – martwa natura. W przedmioty nieożywione widzieli szczególne, ukryte życie związane z życiem człowieka, z jego sposobem życia, przyzwyczajeniami, upodobaniami. Holenderscy malarze stworzyli wrażenie naturalnego „nieporządku” w układzie rzeczy: pokazali pokrojony tort, obraną cytrynę ze skórką wiszącą w spirali, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – to zawsze wydaje się, że ktoś dotknął tych przedmiotów, po prostu ich użył, niewidzialna obecność osoby jest zawsze odczuwalna.

Czołowymi mistrzami martwej natury holenderskiej pierwszej połowy XVII wieku byli Pieter Klas (1597/98-1661) i Willem Heda (1594-ok. 1680). Ulubionym tematem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy obiekty różne kształty i materiał – dzbanek do kawy, szklanka, cytryna, fajansowy talerz, srebrny talerz itp. – są ze sobą porównywane w taki sposób, aby ukazać cechy i atrakcyjność każdego z nich. Dzięki różnorodnym technikom Kheda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Tak więc blask światła gra inaczej na powierzchni szkła i metalu: na szkle - jasny, o ostrych konturach, na metalu - blady, matowy, na złoconym szkle - lśniący, jasny. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor - szaro-zielona kolorystyka.

W "Martwej naturze ze świecą" P. Klassa zwraca uwagę nie tylko dokładność odwzorowania materialnych walorów przedmiotów, ale również kompozycja i oświetlenie nadają im dużą ekspresję emocjonalną.

Martwe natury Klassa i Khedy wypełnione są szczególnym, łączącym ich nastrojem – jest to nastrój intymności i komfortu, dający początek wyobrażeniu o ugruntowanym i spokojnym życiu mieszczańskiego domu, w którym panuje dobrobyt i gdzie we wszystkim odczuwa się troskę ludzkie ręce i uważne oczy mistrza. Holenderscy malarze potwierdzają estetyczną wartość rzeczy, a martwa natura niejako pośrednio świadczy o życiu, z którym ich istnienie jest nierozerwalnie związane. Dlatego można go uznać za jedno z artystycznych wcieleń ważnego tematu sztuki holenderskiej - tematu życia osoby prywatnej. Otrzymała główną decyzję w r Malarstwo rodzajowe.[&&] Rotenberg I.E. sztuka zachodnioeuropejska XVII wiek Moskwa, 1971;

W drugiej połowie XVII wieku w społeczeństwie holenderskim następowały zmiany: rosło dążenie burżuazji do arystokratyzacji. Skromne „śniadania” Klasa i Khedy ustępują miejsca bogatym „deserom” Abrahama van Beyerna oraz Willema Kalfa, które obejmowały spektakularne naczynia fajansowe, srebrne naczynia, cenne kielichy i muszle w martwych naturach. Staje się trudniejsze konstrukcje kompozycyjne, bardziej dekoracyjne - farby. W przyszłości martwa natura traci swoją demokrację, intymność, swoją duchowość i poezję. Zamienia się we wspaniałą ozdobę domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i kunszcie wykonania późne martwe natury zapowiadają upadek wielkiego holenderskiego malarstwa realistycznego, który nastąpił na początku XVIII wieku i był spowodowany degeneracją społeczną holenderskiej burżuazji w ostatniej tercji XVII wieku , rozprzestrzenianie się nowych nurtów w sztuce związanych z przyciąganiem mieszczaństwa do gustów francuskiej szlachty. Sztuka holenderska traci związki z tradycją demokratyczną, traci swoje realistyczne podstawy, zatraca tożsamość narodową i wkracza w okres długiego schyłku.

Martwa natura ("Stilleven" - co w języku niderlandzkim oznacza "spokojne życie") - to osobliwa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego. Holenderska martwa natura z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją mistrzów niderlandzkich w obrębie gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” obejmuje z reguły różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – martwe ptaki i zwierzyna łowna. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i uśpionych, różnych ptaków – to tylko część najbardziej znane tematy martwe natury. W całości, te pojedyncze działki charakteryzują bliskie zainteresowanie Holendrów działkami Życie codzienne oraz ich ulubione rozrywki i zamiłowanie do egzotyki dalekich krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszle i owoce). Często w utworach z motywami natury „żywej” i „martwej” układany jest symboliczny podtekst, który jest łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.

Tak więc zestawienie poszczególnych przedmiotów mogło być wskazówką kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegarek; lub związane z moralnie potępionymi nawykami: pochodnie, fajki; lub wskazywał na romans; pisanie, instrumenty muzyczne, piecyk. Nie ulega wątpliwości, że wymowa tych kompozycji jest znacznie szersza niż ich symboliczna treść.

Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim wyrazistością artystyczną, kompletnością i umiejętnością ukazania życia duchowego. obiektywny świat. Preferując duże, wielkościowe obrazy z obfitością wszelkiego rodzaju przedmiotów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do ostatecznej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej.

Martwa natura jest jednym z gatunków, w których szczególnie wyraźnie manifestują się holenderskie cechy narodowe. Martwe natury przedstawiające skromne sprzęty domowe, tak powszechne w malarstwie holenderskim i bardzo rzadkie we flamandzkim, czy martwe natury z przedmiotami gospodarstwa domowego zamożnych warstw społeczeństwa. Martwe natury Pietera Claesza i Willema Hedy, spowite zimnym, rozproszonym światłem, o niemal monochromatycznej gamie kolorystycznej, czy martwe natury namalowane później przez Willema Kalfa, gdzie na życzenie artysty złote światło ożywia formy i żywe kolory obiektów ze zmierzchu. Wszystkie mają wspólne cechy narodowe, które nie pozwolą pomylić ich z malarstwem innej szkoły, w tym pokrewnej flamandzkiej. W holenderskich martwych naturach zawsze panuje spokojna kontemplacja i szczególna miłość do przekazu. prawdziwe formy namacalny materialny świat.

De Heem otrzymał powszechne uznanie dzięki wspaniałym obrazom kwiatów i owoców. Łączył detal obrazu w najdrobniejszych szczegółach z genialnym doborem kolorów i wyrafinowanym gustem w budowaniu kompozycji. Malował kwiaty w bukietach i wazonach, w których często fruwają motyle i owady, wieńce z kwiatów we wnękach, oknach i wizerunkach Madonn w odcienie szarości, girlandy z owoców, martwe natury z kieliszkami wypełnionymi winem, winogronami i innymi owocami i produktami. Hem po mistrzowsku wykorzystał możliwości koloru i osiągnął wysoki stopień przezroczystości, jego obrazy przyrody nieożywionej są całkowicie realistyczne. Płótna jego pędzla znajdują się w prawie wszystkich głównych galerie sztuki. Znaczącą dystrybucję otrzymała w Holandii w XVII wieku martwa natura, która wyróżniała się swoim charakterem. Artyści holenderscy do swoich martwych natur wybierali różnorodne obiekty, umieli je doskonale komponować, wydobywać cechy każdego obiektu i jego życie wewnętrzne, nierozerwalnie związane z życiem człowieka. XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claesz (ok. 1597-1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne wersje „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, placki z jeżynami, kruche szklane kielichy do połowy wypełnione winem na stole, z niesamowitą wprawą, oddając kolor, objętość, fakturę każdego przedmiotu. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie, przypadkowym układzie rzeczy, które przed chwilą mu służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana i znaleziona. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna jednoczy tematy i nadaje szczególnego brzmienia tym czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękki jedwab niebieskiej wstążki. Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Klasa i Hedy, ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beierena są surowe w kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i martwe natury, arystokratyczny w doborze wykwintnych drogocennych przedmiotów, pełen powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypalaniem barw . W dalszym rozwoju martwa natura podąża tymi samymi drogami, co cała sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura zamienia się w ozdobę domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i umiejętności wykonania późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego. Degeneracja społeczna, znana arystokratyzacja mieszczaństwa holenderskiego w ostatniej tercji XVII wieku, dają początek tendencji do zbieżności z poglądami estetycznymi francuskiej szlachty, prowadzą do idealizacji obrazów artystycznych, ich wyrafinowania. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci swoje realistyczne podstawy i wkracza w okres długiego schyłku. Wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.

Willem Heda (ok. 1594 - ok. 1682) jest jednym z pierwszych mistrzów holenderskiej martwej natury XVII wieku, którego twórczość była wysoko ceniona przez współczesnych. Szczególnie popularny w Holandii był taki rodzaj płótna jak „śniadanie”. Zostały stworzone na każdy gust: od bogatych po skromniejsze. Obraz „Śniadanie z krabem” wyróżnia się nietypową dla holenderskiej martwą naturą duży rozmiar(Dodatek I). Ogólna gama prac jest zimna, srebrno-szara z kilkoma różowawymi i brązowymi plamami. Kheda znakomicie przedstawił zastawiony stół, na którym przedmioty składające się na śniadanie ułożone są w misterny bałagan. Na talerzu leży krab z wypisanymi wszystkimi cechami, obok niego żółknie cytryna, której skórka elegancko wycięta, skręcając się, zwisa. Po prawej leżą zielone oliwki i apetyczna bułka z złota skorupa. Szklane i metalowe naczynia dodają martwej naturze solidności, ich kolor niemal zlewa się z całością.

Holenderska martwa natura inspiruje i współcześni artyści, swego czasu był to przełom, który nie mógł przejść niezauważony.Niderlandzka martwa natura jest interesująca nie tylko dla koneserów malarstwa, zapraszam do obcowania z malarstwem i historią.

Holenderska martwa natura miała kilka kierunków, na przykład obrazy zwierzyny łownej i pobitego ptaka były bardzo popularne, należało to do kategorii „Trofea myśliwskie”, teraz wydaje mi się, że te „amatorskie” martwe natury nie są zbyt przyjemne do oglądania przy zwłokach zwierząt, ale w XVII wieku łatwiej było się do tego odnosić.

Melchior de Hondekuter „Trofea myśliwskie”

Innym kierunkiem holenderskiej martwej natury są śniadania i desery, obrazy gotowanego jedzenia, które jest przyjemniejsze, często na obrazach można było zobaczyć owoce morza, drób, obfitość owoców.

BALTHAZAR VAN DER AST "Talerz z owocami i muszelkami" 1630 g

Najprzyjemniejszym nurtem siedemnastowiecznych martwych natur holenderskich są Kwiaty i owoce, które można by przedstawić razem na jednym obrazie, prawie zawsze na obrazach pojawia się wizerunek owadów, często motyli.

BALTHASAR VAN DER AST "Martwa natura z owocami"

Holenderska martwa natura znaczenie symboliczne, nie był to tylko obraz produktów, kwiatów itp. Główną ideą charakterystyczną dla ówczesnej holenderskiej martwej natury była przemijalność wszystkiego, co ziemskie i nieuchronność śmierci. Za pomocą symbolicznych przedmiotów, takich jak: zegar, więdnące róże, świeca, artyści mówili, że na tym świecie nic nie trwa wiecznie.Ponadto niektóre przedmioty wskazywały na potępione przez moralność nawyki, jak np. fajkę, czy intrygę pisarską , instrumenty muzyczne itd. Niestety w malarstwie nowożytnym symbolizm zaginął i nawet znawcy malarstwa nie są w stanie wyjaśnić znaczenia wszystkich symboli malarstwa holenderskiego XVII w. A w tamtych odległych czasach Holendrzy zbierali się wieczorami w domu właściciel martwej natury, obejrzał ją i przedyskutował, co oznacza ten czy inny symbol: zwiędły wieniec laurowy - przemijanie chwały, monety - próżność itp.

Jan Davids de Heem
Jan Davids de Heem

Proszę zwrócić uwagę, że na obrazach holenderskich artystów z XVII wieku kwiaty wydają się być zaczerpnięte z natury, ale nie zawsze tak było, ponieważ kompozycje składają się z roślin kwitnących i owocujących w różnym czasie. , artyści starannie namalowali go w różnym oświetleniu, w różne kąty itp. była to wykrojka, która była następnie wielokrotnie wykorzystywana przez artystów w ich martwych naturach.Aby wzbogacić swoje martwe natury, holenderscy artyści udawali się na wykonanie rysunków kwiatowych w ogrodach słynnych miłośników kwiatów w Amsterdamie, Brukseli, Leiden, itp.

Martwe natury z kwiatami w Holandii były popularne wśród szlachty i szlachty, prawie każda martwa natura z XVII wieku w Holandii przedstawiała tulipany, podczas gdy kraj przeżywał tulipanowy boom. Dom można było zastawić za cebulkę rzadkiego tulipana, uprawę tulipanów uważano za przywilej arystokratów.Było tak, że młynarz wymieniał swój młyn na jedną cebulkę tulipana, cebulka tulipana była uważana za dobry posag.Tulipany w tym czasie były jednokolorowe, rzadko dwukolorowe.Teraz można zrozumieć, dlaczego tulipany często spotyka się w martwych naturach holenderskich artystów.

Jan Davids de Heem
Jan Davids de Heem

Jednym z najsłynniejszych artystów malujących martwą naturę holenderską był Jan Davidsz de Heem, którego obrazy cieszyły się dużą popularnością.Jego obrazy wyróżniały się bogactwem kolorów, realizmem, wysoki stopień przezroczystość koloru.

Niektóre z najpiękniejszych holenderskich martwych natur autorstwa Jana Davidsza de Heema.