Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www. wszystkiego najlepszego. pl/

Wprowadzenie

W rozwoju każdego stylu przychodzi faza, kiedy wewnętrzne sprzeczności między ustalonymi tradycyjnymi metodami kształtowania a ciągle zmieniającymi się wymaganiami życia wobec przedmiotu, treści zadań architektonicznych i projektowych, nie da się dalej rozstrzygnąć za pomocą środków tego stylu. Te sprzeczności gromadzą się przez długi czas, stopniowo spowalniając rozwój stylu i stopniowo prowadząc go do starzenia się, rozkładu, rozkładu. Na ruinach starego, często w ścisłym z nim związku, powoli, ewolucyjnie wyrasta nowy styl. To właśnie ten przebieg wydarzeń jest najbardziej typowy dla procesu zmiany stylu.

Możliwy jest jednak również gwałtowny, lawinowy wzrost sprzeczności, powodujący w błyskawicznym tempie konieczność przełamania starego i ustanowienia nowego trendu. Takim mniej powszechnym przypadkiem jest sytuacja, która doprowadziła do upadku barokowego stylu architektonicznego w Rosji i powstania klasycyzmu. Jednocześnie sytuacja ta pozwala wyraźnie dostrzec pewne aspekty procesu zmiany stylów, które przy dłuższej ścieżce ewolucji tracą ostrość konturu.

1. Klasycyzm i barok: dwa style tej samej epoki

Długie współistnienie klasycyzmu i baroku trudno uznać za przypadek. Taka synchroniczność świadczy o ich wzajemnym powiązaniu, co oczywiście nie eliminuje istotnych różnic w cechach i genezie obu stylów. Barok był bezpośrednim spadkobiercą renesansu, ale spadkobierca był wyraźnie rozczarowany. Oto, co na przykład A.F. Losev o Montaigne: „Jego „Eksperymenty” są pozbawione jakiegokolwiek systemu, posypane starożytnymi cytatami, chociaż od starożytności byli mu bliscy tylko stoicy, a potem zbliżyli się do niego tylko sceptycy”. Montaigne był prekursorem Kartezjusza, ale tutaj należy zwrócić uwagę na wzmiankę o stoicyzmie i sceptycyzmie jako bezpośrednio związanych ze stylem barokowym. Jeśli klasycyzm wywodził się z augustianizmu w postaci zsekularyzowanego dualizmu między naturą a człowiekiem, który powinien być usunięty przez monizm podporządkowania się jakiejś jednej (ale nie jedynej możliwej) formie, to barok wywodził się z uniwersalności stoickiego Logosu, jedność w postaci organizmu nasyconego oddechem pneumy. W kontekście tego samego augustianizmu podkreślał psychologiczną złożoność indywidualnej osobowości. W światopoglądzie zamiast sztywnej, monofonicznej hierarchii uniwersalizmu tkwiącej w klasycyzmie, powstał polifoniczny uniwersalizm plastyczności, deklarujący możliwość wielokrotnych wariacji tej samej formy czy tematu. Nieustanne bieganie fugi Bacha towarzyszy „człowiekowi faustowskiemu”. Barok historyczny jako zjawisko wyprzedził klasycyzm, jednak patrząc dalej na zmianę stylów, należy go uznać raczej za spadkobiercę niż poprzednika klasycyzmu. Powszechnie wiadomo, że pojawienie się baroku wiąże się z kontrreformacją. Kanony i cele zakonu jezuitów znalazły swój wyraz właśnie w stylu barokowym. Wystarczy przypomnieć główną świątynię jezuicką Il Gesu w Rzymie (1568-1584), zbudowaną według projektu G. Vignoli. Jest to być może pierwszy typowy projekt w historii architektury, zrealizowany w przestrzeniach od Paragwaju po Inflanty. Główna cecha baroku - jego oszustwo, symulacja dała mu możliwość przekształcenia w swoich fanów i wrogów „żołnierzy Jezusa” - protestantów, z ich nieodłącznym kultem pracy. „Barok – jak zauważa J. Deleuze – wymyśla niekończącą się produkcję lub niekończący się proces pracy. Problemem nie jest to, jak zakończyć fałdę, ale jak ją kontynuować, przejść z nią przez sufit, skierować w nieskończoność ”Dlatego złożone formy i kontrapunkt, za którymi kryje się symetria liczb i funkcji, okazały się w stanie gloryfikować cnoty purytanów (na przykład oratorium G. F. Haendla „Juda Machabeusz”). Odwoływanie się do wątków starotestamentowych jest również charakterystyczne dla literatury barokowej. „Raj utracony” J. Miltona i „Największy potwór świata” P. Calderona. Temat katastrofy, wynikającej ze zderzenia wolnej woli i Prawa, dominuje w tragicznym gatunku epoki. Jednocześnie rozumienie Prawa jest bardzo eklektyczne: może być starotestamentowe, gnostyckie i racjonalistyczne. W tym drugim przypadku stwierdza się zbieżność z klasycyzmem. Gnostyckie cechy baroku znalazły swój wyraz w zamiłowaniu do astrologii i alchemii, o czym świadczy nie tylko literatura epoki. Tak więc I. Kepler nigdy nie ukrywał swojego zaangażowania w astrologię, służyła mu nawet jako środek do zarabiania na życie. I. Newton wolał milczeć na ten temat, jak również na temat swojego antytrynitaryzmu. Newtonowski program fizyki jest jednak nasycony nie tylko matematyką (w jej racjonalistycznym, kartezjańskim rozumieniu), ale także duchem alchemii, z którego jego twórcy udało się wydobyć wiele idei naukowych.

Jego słynna odpowiedź na całkowicie uzasadnione zarzuty kartezjanów w sprawie odrodzenia zasady magicznej – „Ja nie wymyślam hipotez” – to nic innego jak truizm.

Połączenie sztywnych zasad klasycyzmu i elastycznego baroku widać we wszystkich późniejszych stylach. O przewadze jednego nad drugim decydują wyłącznie względy taktyczne, które powinny zapewnić jak największą skuteczność. „Czy wiesz – mówi Balzacian Vautrin – ten „Napoleon katorgi”, zwracając się do młodego Rastignaca, „jak oni tu docierają? Trzeba wbić się w tę ludzką masę kulą armatnią lub przeniknąć jak zaraza. Z pierwszym można porównać klasycyzm, z drugim barok. Obaj byli narzędziami New Age do formowania Nowego Człowieka. Tak więc dominację klasycyzmu można dostrzec w nowoczesności z jej projektami futurystów i Le Corbusiera, jego patosem powagi. Postmodernizm preferuje techniki barokowe. Przechodzi do języka kodów binarnych i chaosu deterministycznego. Wykazuje troskę o środowisko i pokrywa świat siecią sieci informacyjnych, symulując „nieznośną lekkość bytu”.

2. Rosyjski barok

Barok jest epoką wielką ze względu na wielkie zniszczenia i równie wspaniałe kreacje, pozostał w historii punktem zwrotnym w rozwoju sztuki światowej. Jednocześnie styl sztuki baroku na zawsze wkroczył w życie ludzi w takich krajach jak Włochy, Hiszpania czy Austria. Barok stał się stylem życia całych ludów i kultur do tego stopnia, że ​​na przykład Rzym, mimo swojego uniwersalnego znaczenia jako Wiecznego Miasta, już zawsze będzie postrzegany jako barokowy. Literatura hiszpańska lub niemiecka filozofia i muzyka są naszym zdaniem przede wszystkim barokowe. Dlatego nigdy nie będziemy w stanie ustalić, gdzie zaczyna się styl barokowy, a gdzie się kończy. Możliwe jest jedynie określenie podstawowych zasad i wzorców kształtowania, kierunków rozwoju historycznego. Aby uniknąć dwuznaczności i sprzeczności w interpretacji terminu „barok”, lepiej jest używać nie krótkich, ale bardziej szczegółowych sformułowań. Przez długi czas nie można było ustalić terminu „barok” w Rosji. Na przykład z powrotem połowa dziewiętnastego w. Krytyka rosyjska, obalając jednak styl klasycyzmu w architekturze, „nie widziała alternatywy dla kolumn i kopuły”. Dyskutowano o zaletach stylu neogotyckiego i „neorenesansowego”, ale unikano słowa „barok”. Architekt A. Bryullov podczas podróży emeryta do Włoch w 1822 r. był oburzony „zboczonym smakiem” i absurdalnością budowli F. Borrominiego. Dopiero w 1880 r. badacz starożytnej architektury rosyjskiej N. Sułtanow wprowadził termin „rosyjski barok”, oznaczający przedpiotrową architekturę Rusi w XVII wieku. Od tego czasu istnieje stabilna koncepcja, według której pierwsza faza stylu „rosyjskiego baroku” ukształtowała się w latach czterdziestych XVII wieku. i styl ten rozwijał się „w ciągłej kolejności, aż do dzieł VI Bazhenova, które go dopełniły”.

Według definicji D. Lichaczowa „barok rosyjski przejął wiele funkcji renesansu, ponieważ… prawdziwy renesans nie był wcześniej w stanie w pełni zamanifestować się na Rusi”. Wniosek ten wynika z „szczególnej gęstości” rozwoju stylów artystycznych na Rusi, które zasadniczo odróżniają swoją duchową treść od zachodnioeuropejskich pierwowzorów. „Rosyjski barok jako całość, spełniając swoją renesansową funkcję, historycznie przeciwstawiał się średniowieczu, a nie renesansowi. Stąd jego wesołość i umiar, obce patosowi zachodniego baroku”. Termin „rosyjski barok” nie jest akceptowany przez wszystkich, w każdym razie jest warunkowy i należy go cytować. Pod względem formalnym styl ten jest bliższy manieryzmowi; wyróżnia etapy „baroku Golicyna” i „baroku naryszkina” – architekturę „wzoru rosyjskiego” końca XVII wieku, „baroku Piotrowego” pierwszej ćwierci XVIII wieku, „dojrzałego baroku rosyjskiego” czas elżbietański. Ten ostatni styl najbardziej wyraziście wcielił się w twórczość wybitnego architekta F. B. Rastrelliego Młodszego w Petersburgu. W tych latach Rosja szybko doganiała Europę, a techniki kompozytorskie zostały połączone w oryginalną architekturę stworzoną przez Rastrelliego. klasycyzm europejski, barok i rokoko francuskie (patrz rokoko elżbietańskie). Słusznie więc badacze zwracają uwagę, że zachowanie elementów klasycyzmu, racjonalizmu i pragmatyzmu architektury czasów Piotra Wielkiego zapewniało łatwość i naturalność przejścia do klasycyzmu II wieku. połowa XVII I wiek, „prawie omijając etap prawdziwie europejskiego baroku”.

3. Klasycyzm w Rosji

Kontynuując tradycje renesansu (podziw dla starożytnych ideałów harmonii i miary, wiara w potęgę ludzkiego umysłu), klasycyzm był także swego rodzaju antytezą, gdyż wraz z utratą renesansowej harmonii, jedności uczucia i rozumu, tendencja estetycznego doświadczania świata jako harmonijnej całości została utracona. Takie pojęcia, jak społeczeństwo i osobowość, człowiek i natura, żywioły i świadomość, w klasycyzmie ulegają polaryzacji, wykluczają się wzajemnie, co zbliża go (przy zachowaniu wszystkich kardynalnych różnic światopoglądowych i stylistycznych) do baroku, przesiąkniętego także świadomością generalizmu. niezgody wywołanej kryzysem renesansowych ideałów.

Architektura klasycyzmu jako całość charakteryzuje się logicznym układem i geometrią trójwymiarowej formy. Ciągłe odwoływanie się architektów klasycystycznych do dziedzictwa starożytna architektura oznaczało nie tylko wykorzystanie poszczególnych jego motywów i elementów, ale także zrozumienie ogólnych praw jego architektury. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliższych starożytności niż w architekturze poprzednich epok; w budynkach stosuje się go w taki sposób, aby nie przesłaniał ogólnej struktury budynku, ale stał się jego subtelnym i powściągliwym akompaniamentem. Wnętrze klasycyzmu charakteryzuje się wyrazistością podziałów przestrzennych, miękkością barw. Wykorzystując szeroko efekty perspektywy w malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym, mistrzowie klasycyzmu zasadniczo oddzielili przestrzeń iluzoryczną od rzeczywistej. Urbanistyka klasycyzmu XVII wieku, genetycznie związana z zasadami renesansu i baroku, aktywnie rozwinęła (w planach twierdz) koncepcję „miasta idealnego”, stworzyła własny typ rezydencji (Wersal). Na 2. piętrze. 18 wiek pojawiają się nowe techniki planistyczne, które przewidują organiczne łączenie zabudowy miejskiej z elementami natury, tworzenie otwartych przestrzeni, które przestrzennie łączą się z ulicą czy nasypem. Subtelność lakonicznego wystroju, celowość form, nierozerwalna więź z naturą są nieodłącznie związane z budowlami (głównie wiejskimi pałacami i willami) przedstawicieli palladianizmu XVIII - wczesno. XIX wiek

Rozkwit rosyjskiego klasycyzmu przypada na ostatnią trzecią XVIII - pierwszą trzecią XIX wieku, choć już na początku XVIII wieku. naznaczony twórczym odwołaniem się (w architekturze Petersburga) do doświadczenia urbanistycznego Klasycyzm francuski XVII wiek (zasada systemów planowania symetryczno-osiowego). Rosyjski klasycyzm ucieleśniał nowy etap historyczny w rozkwicie rosyjskiej kultury świeckiej, bezprecedensowy dla Rosji pod względem zakresu, narodowego patosu i ideologicznej pełni. Wczesny rosyjski klasycyzm w architekturze (1760-70; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) nadal zachowuje plastyczność, wzbogacenie i dynamikę form właściwą dla baroku i rokoka. Architekci dojrzałego okresu klasycyzmu (1770-90; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starov) stworzyli klasyczne typy stołecznego zespołu pałacowo-pałacowego i dużego wygodnego budynku mieszkalnego, które stały się wzorami w szerokiej zabudowie podmiejskich majątków szlacheckich i w nowa, frontowa zabudowa miast. Sztuka zespołu w podmiejskich osiedlach parkowych jest znaczącym narodowym wkładem rosyjskiego klasycyzmu w światową kulturę artystyczną. W budownictwie majątkowym powstała rosyjska wersja palladianizmu (N. A. Lwów), nowy typ pałac kameralny (C. Cameron, J. Quarenghi). Cechą rosyjskiego klasycyzmu w architekturze jest bezprecedensowa skala zorganizowanej urbanistyki państwowej: opracowano regularne plany ponad 400 miast, powstały zespoły centrów Kostromy, Połtawy, Tweru, Jarosławia i innych miast; praktyka „regulowania” planów urbanistycznych z reguły sukcesywnie łączyła zasady klasycyzmu z historycznie ukształtowaną strukturą planistyczną starego rosyjskiego miasta. Przełom XVIII-XIX wieku. naznaczone największymi osiągnięciami urbanistycznymi w obu stolicach. Powstał wspaniały zespół centrum Petersburga (AN Woronikhin, A. D. Zacharow, J. Thomas de Gaumont, później K. I. Rossi). Na innych zasadach urbanistycznych ukształtowała się „klasyczna Moskwa”, którą w okresie jej renowacji i odbudowy po pożarze 1812 r. zabudowano małymi dworkami o przytulnych wnętrzach. Początki regularności były tu konsekwentnie podporządkowane ogólnej dowolności obrazowej struktury przestrzennej miasta. Najwybitniejszymi architektami późnego klasycyzmu moskiewskiego są D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev.

4. Niektóre cechy okresu krytycznego między barokiem a klasycyzmem w architekturze rosyjskiej

architektoniczny klasycyzm barokowy urbanistyka

Charakterystyka każdego rozwinięty styl nie przedstawia szczególnych trudności metodologicznych. Kolejna sprawa to analiza punkt zwrotny między dwoma specyficznymi stylami, sprzecznymi w swej istocie. Jak dochodzi do takiego złamania? Interesuje nas nie tyle pytanie - co jest tego przyczyną w sensie ogólnym, ile wyjaśnienie podstawowych wzorców w zmianie stylów. W poszukiwaniu takich prawidłowości świadomie pozwolimy na polemiczne wyostrzenie sformułowań, aby ostrzej wydobyć proponowany punkt widzenia. Przejście od baroku do klasycyzmu było jednym z najszybszych w zmieniających się stylach architektury krajowej. Koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku to wciąż okres rozkwitu baroku. Połowa lat sześćdziesiątych XVIII wieku to już czas szerokiego rozpowszechnienia się klasycyzmu. Przez niezwykle krótki okres pięciu do siedmiu lat następuje całkowita zmiana upodobań estetycznych. Rosyjska architektura barokowa XVIII wieku. była historycznie uwarunkowanym, złożonym i osobliwym zjawiskiem, które pochłonęło wiele tradycji architektury rosyjskiej XVII wieku oraz szereg cech rodzimej architektury okresu bezpośrednio poprzedzającego – tj. początek XVIII wieku oraz wpływ współczesnej architektury głównych krajów europejskich. Te bardzo różne składniki tworzyły jednak mocny stop, który posiadał cechy wyjątkowej oryginalności. Oba kierunki nie znały jeszcze wówczas swoich przyszłych nazw, jednak istotę różnic stylistycznych, ich granic wyraźnie widać na przykładach najlepszych budowli powstałych lub zaprojektowanych niemal w tych samych latach. Dobitnie soczystej dekoracyjności i dynamizmowi barokowych form przeciwstawia się nieco sucha racjonalistyczna architektura wczesnego klasycyzmu. Najwybitniejsze budowle rosyjskiego baroku - Zimowy pałac B. F. Rastrelli i katedra morska św. Mikołaja S. I. Chevakinskrgo, tak typowa w swej przepełnionej brawurą, zostały ukończone do 1762 r. W tym samym czasie, już w 1760 r., A. F. Kokorinow projektował Dom Rozrywki pod Oranienbaumem – dzieło, w którym zasady dominuje nowy kierunek w architekturze. Plan, sylwetka, cała bryła konstrukcji są bardzo zwarte, z podkreśloną dominacją. linie poziome. Szczegóły są wykonane w formy klasyczne no i proporcje W tym samym roku A.F. Kokorinov wraz z Zh.B. M. Wallen Delamotte tworzy pierwszą wersję projektu Wielkiego Gostiny Dvor w Petersburgu. W tej wersji, która stała się podstawą ostatecznej decyzji podjętej dwa lata później, zarysowana została już idea majestatycznego budynku biznesowego w swej prostocie z wyważonym rytmem dwukondygnacyjnych arkad rozciętych skromnymi pilastrami porządku toskańskiego . W latach 1763-1764. opracowywane są projekty dla Akademii Sztuk (A. F. Kokorinov i J.-B. Vallin Delamotte), sierocińców w Moskwie (K. I. Blank) i St. Petersburgu (Yu. M. Felten) - pierwsze obiekty specjalnie zaprojektowane do celów edukacyjnych. Spośród nich budynek Akademii Sztuk Pięknych jest najlepsza praca okres początkowy rosyjski klasycyzm. Zlokalizowany w odpowiedzialnym miejscu, z główną fasadą zwróconą w stronę głównej arterii wodnej stolicy - rzeki Newy, przyczynia się do organizacji architektonicznej znacznego odcinka wału. Plan budynku opiera się na dobrze przemyślanym procesie treningu funkcjonalnego dla artystów: główne obszary pracy znajdują się wzdłuż zewnętrznego obwodu budynku i wokół ogromnego okrągłego dziedzińca, który zapewnia im dobre oświetlenie. Powierzchnia ścian jest obficie rozczłonkowana, ale artykulacje o wyraźnie określonych proporcjach rzędowych mają głównie charakter płaski. Okres upadku, stopniowej degradacji nie poprzedził zmiany stylu. Wręcz przeciwnie, właśnie w momencie największego rozkwitu barok okazał się niezdolny do rozwiązywania nowych problemów, a budynki w stylu klasycystycznym natychmiast pojawiły się z zaskakującą szybkością. Taka szybkość w zmianie stylów nie jest typowa. Jest to, jak już wspomniano, charakterystyczna cecha tego właśnie przełomu – od baroku do klasycyzmu – i była spowodowana ogólną sytuacją, gdy sztucznie spowolniono rozwój historyczny zaczął nadrabiać stracony czas. Pojęcie baroku jako integralnego stylu przestało nie tylko dominować w architekturze, ale w ogóle mieć znaczący wpływ na jej dalszy rozwój. Odrębne cechy starego systemu, choć pojawiały się przez pewien czas w niektórych elementach struktur wczesnego klasycyzmu, były jedynie pozostałościami, które stopniowo ulegały dezaktualizacji. Tylko na prowincji formy barokowe istniały bezwładnie prawie do dziś koniec XVIIIw w. Historycznymi przesłankami zmiany stylu są czynniki materialne i ideologiczne. Jako najważniejsze należy wymienić znaczny wzrost potęgi militarnej i politycznej Rosji, któremu towarzyszy szybki wzrost jej potencjału gospodarczego.

Nie mniej ważnymi przesłankami zmiany stylu były idee oświecenia, humanizmu, ideały człowieka naturalnego, charakterystyczne dla całej postępowej myśli XVIII wieku. Coraz głośniej słychać było wezwanie do rozsądku jako głównego kryterium i miary wszystkich dokonań. Idee racjonalizmu były szeroko rozwijane od drugiej połowy wieku.

W architekturze wszystkie te czynniki doprowadziły do ​​poważnych zmian. Dobra koniunktura gospodarcza kraju spowodowała szybki rozwój budownictwa we wszystkich dziedzinach. Zmiany porządku ideowego wymagały znacznego poszerzenia wątków architektonicznych, innej treści figuratywnej. Ciągle pojawiały się niespotykane wcześniej tematy i zadania.

Tymczasem architekturę baroku wyróżniała wąskość tematyczna. Sfera architektury jako sztuki ograniczała się głównie do budownictwa pałacowego i sakralnego. Jeśli trzeba było tworzyć budowle o innym przeznaczeniu, to rozwijano je w tych samych, zbliżonych do pałacu, ceremonialnych, bardzo uroczystych formach, czego przykładem jest projekt Gostiny Dvor w Petersburgu, zaproponowany przez F. B. Rastrellego w 1757 r.

Rozwój form barokowych na drodze ich dalszego komplikowania mógłby trwać dość długo, ale sam zakres stosowania tych form nie mógł być w żaden sposób rozszerzony. Możliwości stylu zderzyły się z rzeczywistością. To zadecydowało o jego losie.

Do połowy XVIII wieku zaistniała potrzeba tworzenia różnego rodzaju nowych gmachów użyteczności publicznej lub takich, które w okresie baroku nie miały znaczenia artystycznego - np. budynki przemysłowe, magazynowe, handlowe. Nowe zadania pojawiły się także w budownictwie mieszkaniowym. Ostatecznie miasto jako całość jako jednostka społeczna otrzymało istotnie inną charakterystykę niż dotychczas i wymagało w tym zakresie innego rozwiązania planistycznego i kubaturowego.

Cały ten wzrost wymagań miał miejsce w skali gigantycznego kraju.

Tradycyjne metody twórcze nie radziły sobie z takimi zadaniami. Ale tego rodzaju, choć prostsze, zadania stanęły przed architektami już na początku XVIII wieku. Architektura czasów Piotra Wielkiego charakteryzuje się jasnymi i praktycznymi decyzjami opartymi na jasnych racjonalistycznych zasadach. Tradycje racjonalizmu pojawiły się w architekturze rosyjskiej na początku XVIII wieku, oczywiście nie po raz pierwszy. Tradycje te żyły od dawna, ale były epoki szczególnie sprzyjające ich rozwojowi i takie czasy, kiedy racjonalizm istniał w architekturze utajony jako zjawisko szczątkowe okresu poprzedniego. Rosyjski barok drugiej ćwierci XVIII wieku. nie ustrzegła się też wpływu poprzedzającej ją architektury Piotrowej, a racjonalizm tej ostatniej wpisał odrębne elementy w cechy stylistyczne merytorycznie przeciwnego mu kierunku.

Nawet w twórczości czołowego mistrza baroku Rastrelli widać elementy racjonalizmu. Na przykład fantastycznie bogata i złożona w formie dekoracja budynków pałacowych tego architekta nie narusza prostoty i przejrzystości planów.

W pracach D. V. Ukhtomsky'ego i S. I. Chevakinsky'ego tendencje racjonalistyczne są jeszcze bardziej zauważalne. Warto przypomnieć projekt Uchtomskiego Domu Inwalidów w Moskwie czy dzwonnicę Katedry Marynarki Wojennej św. uznać ją za dzieło Czewakinskiego. Obaj architekci byli uczniami I.K. Korobowa, którego działalność częściowo pokrywała się z okresem baroku. Jednak wśród ówczesnych mistrzów Korobow, jeden ze chwalebnych emerytów Piotra Wielkiego, zachował najbardziej racjonalistyczną orientację swojej pracy. To za sprawą Korobowa tradycje racjonalizmu były kontynuowane w twórczości jego licznych uczniów, a w twórczości najmłodszego z nich, A.F. kierunek architektoniczny.

Racjonalizm jako dążenie do jasności, zrozumiałości, logiki obrazu architektonicznego - wszystkiego jako całości i poszczególnych jego składników - stał się głównym czynnikiem kształtowania nowego stylu. Jej zasady domagały się szczególnie harmonijnej, logicznie spójnej koncepcja artystyczna. Koncepcja taka powstała już wcześniej w klasycznych szkołach architektury starożytności i renesansu. Architekci zaczęli wnikliwie studiować dziedzictwo starożytności (w jedynej wtedy dostępnej interpretacji rzymskiej) i renesansu. Ścisła uwaga na klasykę stała się niejako drugorzędnym czynnikiem w kształtowaniu architektury wczesnego klasycyzmu rosyjskiego.

Oczywiście w rosyjskich warunkach tamtych lat badanie klasycznych tradycji kształtowania mogło odbywać się tylko poprzez znajomość prac teoretycznych Witruwiusza, Andrei Palladio, Vignoli i uwraza, w których mierzono rysunki lub szkice zabytków architektury umieszczony. Niewystarczalność tej metody znajomości zdała sobie sprawę bardzo szybko. Charakterystyczne jest, że jeśli młody B. F. Rastrelli wyjechał swego czasu za granicę nie dalej niż do Niemiec, gdzie zapoznał się dopiero z doświadczeniami współczesnej architektury niemieckiej, to już w pierwszej połowie lat 50. do Włoch w celu studiowania architektury starożytności i renesansu. Od 1760 roku nowo powstała Akademia Sztuk Pięknych zaczęła regularnie wysyłać swoich najlepszych uczniów za granicę, zobowiązując ich do zapoznania się z zabytkami klasyki architektury.

Wreszcie kolejnym czynnikiem wpływającym na kształtowanie się nowego stylu w Rosji było powiązanie architektury rosyjskiej ze współczesną architekturą innych krajów, wśród których Francja była wówczas krajem wiodącym we wszystkich dziedzinach ideologii.

Dla architektury rosyjskiej powiązania z architekturą francuską stały się bardzo znaczące już w pierwszej ćwierci XVIII wieku, kiedy to zaproszony do Rosji J.-BA Leblon stworzył tu nie tylko jeden z fundamentalnych projektów planistycznych dla św. młodej stolicy Rosji.

Tendencje racjonalizmu charakterystyczne dla tej gałęzi architektury francuskiej, której Leblon był przedstawicielem, zbiegły się z głównym kierunkiem architektury rosyjskiej początku XVIII wieku. Zmiana orientacji architektury w okresie postpiotrowym doprowadziła także do zmiany charakteru związków z architekturą francuską. Sukcesem zaczęły cieszyć się rokokowe sztuczki, które w samej Francji do tego czasu poniosły poważną klęskę. Konkurs na projekt elewacji głównej kościoła św. Sulpicja w Paryżu zwiastowała zwrot w rozwoju idei architektonicznych. To właśnie na tym konkursie odrzucono zasady rokokowego dekoratyzmu, doprowadzonego przez J. O. Meissoniera do najwyższego stopnia wyrafinowania, i preferowano ścisłą i klasycznie przejrzystą kompozycję J. N. Servandoniego, która została wówczas w zasadzie wdrożona w 1733 r. -- 1745

Rozwój życia społecznego w latach 50. XVIII wieku skłonił architekturę rosyjską do skupienia się na zaawansowanych osiągnięciach architektów francuskich. Ważny kamień milowy w zwycięstwie klasycyzmu we Francji była rywalizacja o utworzenie Place Louis XV w Paryżu. W wyniku kilku kolejnych rund konkursu (koniec lat czterdziestych – początek lat pięćdziesiątych XVIII wieku) zwyciężył projekt J.A. Gabriela, co oznaczało zatwierdzenie nowych poglądów na zasady urbanistyczne. Po raz pierwszy w historii świata o placu miejskim zadecydowano w relacji i powiązaniu z całą przestrzenią miasta.

Sukces J.-J. Suflet przy kościele św. Genevieve w Paryżu i budowa przez Gabriela kameralnej rezydencji pałacowej Petit Trianon w Wersalu oznaczały już ostateczne zwycięstwo nowego nurtu w architekturze francuskiej.

W Rosji z zainteresowaniem i uwagą studiowano prace teoretyków architektury M. A. Laugiera, J. F. Blondela i innych. Pomysł Blondela był zbyt oczywistym francuskim posmakiem narodowym i daleki był jeszcze od konsekwentnej realizacji klasycznych form, co między innymi przyczyniło się do odrzucenia projektu. Ale to już był przypadek w ogólnym biegu historii. Od końca lat 50. XVIII wieku to zaawansowana architektura francuska zbliżała się pod względem celów i aspiracji do architektury rosyjskiej.

Na przykładzie przejścia od baroku do klasycyzmu można pokusić się o wydedukowanie pewnych ogólnych prawidłowości w zmianie stylów architektonicznych.

Nowo powstający styl spełnia nowe wymagania iw tym sensie jego droga jest zawsze oryginalna i niezbadana. Im bardziej innowacyjny jest ten neofita, tym szersze muszą być tradycje, na których się opiera. Ale jednocześnie wyłaniający się kierunek odnosi się z całkiem zrozumiałym antagonizmem do metod swojego poprzednika, który w pewnym momencie ujawnił swoją niekonsekwencję. Dlatego każdy nowy styl szuka oparcia w tradycjach sztuki nie okresu bezpośrednio poprzedzającego, ale bardziej odległego, a przede wszystkim tradycji „dziadów”. Wszak poprzedni styl również zaprzeczył kierunkowi, który istniał przed nim, dlatego za każdym razem tradycje „dziadkowe” stają się głównym źródłem zapożyczeń.

Rzeczywiście, rosyjska architektura barokowa drugiej tercji XVIII wieku jest znacznie bliższa duchem zabudowie Rusi końca XVII wieku niż architekturze epoki Piotra I.

Z tego samego powodu dążenie do oświecenia, utylitaryzm i wszechogarniający racjonalizm, charakterystyczne dla architektury Piotrowej, znalazły samodzielną kontynuację w architekturze klasycyzmu. Tak oryginalny budynek zespołu instytucji naukowych, jak Kunstkamera, wymyślony za czasów Piotra I, nie otrzymał żadnego dalszy rozwój jako nowy typ budowli, nawet bez powtórzeń, przynajmniej uproszczonych. Tymczasem architektura klasycyzmu rozpoczęła się właśnie od powstania tego rodzaju obiektu: budynek Akademii Sztuk łączył w sobie najwyższy ośrodek sztuki, muzeum, placówkę edukacyjną „trzech najszlachetniejszych” sztuk z internatem i nawet dołączony do niego teatr, pracownie artystów i mieszkania mieszkalne dla kadry pedagogicznej.

Epoka Piotrowa nie przyniosła wiele bliska Uwaga budowli pałacowych, ale przywiązywał wielką wagę do budownictwa użytkowego, podnosząc je do poziomu prawdziwej architektury. Admiralicja w Petersburgu została zdecydowana nie tylko jako przedsiębiorstwo przemysłowe połączone z budowlą obronną, ale jako pomnik potęgi morskiej Rosji. Budynek był bardzo niski, a materiał - szachulcowy - nie był wcale monumentalny, ale sama idea szerokiej, rozpiętej na 400 metrów konstrukcji, zaznaczonej pośrodku wieżą z iglicą, była ideą wspaniałej architektury.

Jeden z wielkich mistrzów rosyjskiego baroku, S. I. Chevakinsky, jako architekt kolegiów admiralicji, zaprojektował i zbudował wiele użytkowych konstrukcji dla floty krajowej. Ale wśród tych jego dzieł nie ma budynków podobnych do Admiralicji, znaczących w ich projekcie architektonicznym. Po zbudowaniu Katedry Marynarki Wojennej św. Mikołaja Czewakinski stworzył za pomocą architektury radosny, radosny hymn. Niemniej jednak w budownictwie użytkowym epoka nie wymagała od niego niczego poza siłą i użytecznością.

Charakterystyczne jest, że na początku lat 60. XVIII wieku, rozpoczynając projekt budowy magazynu drewna na wyspie Nowa Holandia w Petersburgu, Czewakinski opracował nową technologię składowania drewna, a także stworzył plan budowy, ale nie poradził sobie z rozwiązanie figuratywne elewacji, a tę część prac powierzono architektowi nowego kierunku – Wallenowi Delamotte.

Racjonalizm, który stanowi podstawę koncepcji klasycyzmu, odbił się także echem w tradycjach architektury początku XVIII wieku, choć, jak już wspomniano, sama rosyjska architektura barokowa w pewnym stopniu korzystała z tych tradycji.

W tym miejscu chciałbym podkreślić, że najważniejsze tradycje nigdy nie umierają. Rozwijają się spiralnie w górę. Z każdym kolejnym obrotem część ruchu, relatywnie rzecz biorąc, przechodzi w cień. Panujący wówczas styl jedynie toleruje taką „zacienioną” tradycję, a często wykorzystuje ją nawet w odwrotnym znaczeniu.

Wniosek

Każdy nowo wyłaniający się kierunek charakteryzuje się antagonistycznym nastawieniem do swojego poprzednika. Co więcej, można pozornie twierdzić, że narodzinom nowego stylu towarzyszy obowiązkowe odrzucenie bezpośrednio bliskich tradycji przeszłości. Z drugiej strony nowy styl jest szeroko oparty na głębszych tradycjach, w twórczym zrozumieniu których kładzie się podstawę do jego dalszego rozwoju. Jaka jest różnica między barokiem a klasycyzmem

W sztuce i architekturze XVIII wieku dominowały dwa podstawowe style – barok i klasycyzm. To nie przypadek, że współistniały obok siebie przez długi czas, w tej samej epoce. Nie sposób nie zauważyć ich bliskiego związku, chociaż istnieje również wiele charakterystycznych cech charakterystycznych tylko dla określonego kierunku. Jaka jest różnica między barokiem a klasycyzmem i jak patrząc na obraz lub budynek określić, do jakiego stylu należą? Czym jest barok i klasycyzm

Barok to styl artystyczny, który wywodzi się z Włoch i był szeroko rozpowszechniony w sztuce europejskiej do połowy XVIII wieku.

Klasycyzm to styl artystyczny charakterystyczny dla sztuki Europy, szczególnie wyraźny w drugiej połowie XVIII wieku.

Porównanie baroku i klasycyzmu

W jaka jest różnica między barokiem a klasycyzmem?

Barok i klasycyzm są nurtami antagonistycznymi, choć mają też wiele wspólne cechy ponieważ powstały w tej samej epoce.

TheDifference.ru ustalił, że różnica między barokiem a klasycyzmem jest następująca:

1. Barokowy różni się gwałtownością i dynamizmem form. Klasycyzm charakteryzuje się harmonią i równowagą wszystkich detali.

2. Barok stawia na przepych, przepych, przepych, pompatyczność, bogactwo dekoracji. Klasycyzm ceni powściągliwość i prostotę linii, wystrój jest używany bardzo ostrożnie.

3. Barok wykorzystuje iluzje przestrzenne, które zaburzają proporcje i nadają skalę. Klasycyzm opiera się na harmonii proporcji, wywodzącej się z tradycji antycznej.

Hostowane na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Klasycyzm i barok: dwa style tej samej epoki. Logika planowania i geometria formy w architekturze klasycyzmu. Zasada systemów planowania symetryczno-osiowego. Cechy okresu krytycznego między stylami. Sztuka zespołu w osiedlach parkowych.

raport, dodano 12.08.2016


Cechy stylu architektonicznego we Francji XVII wieku, problem jego definicji i wyboru między barokiem a klasycyzmem. Urbanistyka we Francji w dobie absolutyzmu. Pałac Luksemburski. Twórczość Francois Mansarta. Architektura drugiej połowy XVII wieku.

praca semestralna, dodano 29.09.2013


Historia światowej urbanistyki. Układ ulic prostych w Rzymie. Zespołowe techniki budowlane. Monumentalna kolumnada przed katedrą św. Petra jako przykład kompozycji barokowej. Klasycyzm w światowej urbanistyce. Planowanie estetyki Wersalu.

praca semestralna, dodano 26.08.2013


Uwarunkowania powstania, charakterystyka historyczna, cechy konstrukcyjne, cechy charakterystyczne, krytyka i zakończenie epoki baroku. Opis „miasta idealnego” renesansu. Specyfika form architektonicznych i typów budowli w stylu barokowym.

streszczenie, dodano 31.05.2010


Historia powstania, cechy powstania i charakterystyka stylu barokowego, jego rola w architekturze światowej. Opis architektury świątynnej okresu baroku. Specyficzne cechy Rosyjski barok, istota i znaczenie pięciokopułowych świątyń w jego architekturze.

streszczenie, dodano 17.04.2010


Architektura klasycyzmu: rygor formy i rozwiązania przestrzennego, geometria wnętrz. Połączenie wyraźnej sylwetki architektonicznej i zwięzłej dekoracji zewnętrznej, typowej dla stylu romańskiego. Architektura w stylu barokowym, gotyckim, empirowym, rokoko.

prezentacja, dodano 26.11.2014


Uwzględnienie głównych stylów architektury: romańskiego, gotyku, baroku, rokoka, klasycyzmu, modernizmu i renesansu. Architektura (architektura) jako system budynków i budowli, które tworzą przestrzenne środowisko życia i działalności ludzi.

prezentacja, dodano 03.10.2014


Pojęcie i zasady architektury jako sztuki projektowania i wznoszenia różnorodnych budowli, budowli i ich zespołów. Klasyfikacja tego procesu kulturowego i stylów powszechnych w XVIII wieku: narszkinowski, klasyczny barok i klasycyzm.

prezentacja, dodano 12.12.2013


Pojęcie i ogólna charakterystyka baroku jako stylu architektonicznego, jego cechy i właściwości. Zespoły architektoniczne Rzymu, analiza twórczości Lorenza Berniniego. Architektura Petersburga i okolic. Przejawy klasycyzmu w architekturze Europy Zachodniej.

test, dodano 10.04.2013


Styl architektoniczny jako zespół charakterystycznych cech i znaków architektury. Historia i główne etapy rozwoju architektury starożytności, średniowiecza, renesansu, baroku, klasycyzmu. Czynniki, które wpłynęły na kształtowanie się współczesnej architektury.

Budynek w stylu klasycyzmu: Nationalrat (Nationalrat), Rada Narodowa - niższa izba parlamentu austriackiego. Żyła. 1874 -1884 Budynek zaprojektował architekt Theophil Hansen. Konstrukcja miała przypominać starożytną Grecję – „kolebkę demokracji”.

Często porównuje się style w architekturze, które są ściśle ze sobą powiązane w architekturze krajów europejskich: imperium, barok, rokoko, klasycyzm.

Każdy z tych stylów powstał na szczycie określonej epoki, poprzedziły je pewne kluczowe dla rozwoju cywilizacji wydarzenia. Style różniły się podejściem do projektowania budynków, opartym na specjalnych filozofiach charakterystycznych dla określonego okresu historycznego.

Imperium i barok

Empire i barok z pozoru to zupełnie inne style, jednak mają ze sobą coś wspólnego – podkreśloną teatralność, dekoracyjność. Barok powstał w XVI wieku pod wpływem ruchu reformistycznego, osłabienie wpływów kościół katolicki, wzmocnienie władzy świeckiej.

Barok odzwierciedla pragnienie bogactwa i luksusu oraz ich zewnętrzną ekspresję. Kolebką stylu były Włochy, gdzie barok pojawił się w wyniku rozwoju renesansu. Z Włoch styl rozprzestrzenił się na całą Europę, gdzie dominował aż do XVIII wieku. W niektórych krajach baroku obowiązuje rózne powody rozwijał się w wolnym tempie: na przykład w Niemczech i Austrii z powodu wojny trzydziestoletniej praktycznie nie prowadzono budowy na dużą skalę, a styl zaczął pojawiać się w architekturze dopiero w drugiej połowie XVII wieku.

Jeśli ideałem renesansu była osoba harmonijnie doskonała, osoba, dla której nie ma sprzeczności między tym, co osobiste, a tym, co publiczne, to człowieka XVII wieku cechuje niekończące się zderzenie tych zasad; jeśli bohater dzieł sztuki renesansu charakteryzował się jednością ze światem zewnętrznym, naturą, to bohater New Age jest świadomy swojej zależności od środowiska i okoliczności zewnętrznych. Dramat rzeczywistości, upadek ideału renesansu doprowadził do powstania nowych form postrzegania świata. Optymistyczny realizm renesansu zostaje zastąpiony poczuciem niestabilnej pozycji osoby, którą charakteryzuje taki czy inny konflikt wewnętrzny: zderzenie praw jednostki i obowiązku publicznego, bunt przeciwko ślepemu posłuszeństwu wobec władz świeckich lub kościelnych autorytetów, świadomość niekonsekwencji bytu. Człowiekowi coraz trudniej jest odnaleźć się w nowych stosunkach społecznych, które coraz mniej potrzebują wszechstronnego człowieka renesansu, a coraz bardziej – osoby-funkcji. To tragiczne zderzenie znajduje wyraz w dwóch kierunkach myślenia, w dwóch sposobach odnoszenia się do świata, wreszcie w dwóch stylach artystycznych. - barok i klasycyzm.

Pochodzenie terminu „barok” jest niejasne, znane jest jedynie tłumaczenie z języka włoskiego: dziwne, pretensjonalne. Można przypuszczać, że barokowy reprezentuje nie tylko styl artystyczny (barok jest często uważany tylko za kierunek artystyczny), ale także specjalny obraz relacji ze światem i ze światem. Wiąże się to z kryzysem ideałów humanizmu, przewrotami społeczno-politycznymi charakterystycznymi dla XVII wieku. Mentalność człowieka barokowego charakteryzuje poczucie zamętu i zamętu, poczucie sprzeczności świata, nietrwałości szczęścia, wszechmocy losu i przypadku. Optymistyczny ideał renesansu „zastępuje pesymistyczna ocena rzeczywistości i entuzjastyczny podziw dla człowieka i jego możliwości – przez podkreślanie jego dwoistości, niekonsekwencji i zepsucia”; „rozbieżność między wyglądem rzeczy a ich istotą jest stale pojmowana, odczuwa się fragmentację bytu, zderzenie zasad cielesnych i duchowych, między przywiązaniem do zmysłowego piękna świata a świadomością kruchości ziemskiej egzystencji” .

Pojawienie się baroku kojarzone jest najczęściej z kontrreformacją. Faktem jest, że po burzliwych wydarzeniach z przeszłości, zaciekłych wojnach religijnych, Europa została zdewastowana i zniszczona. W środku rozdartej wojną Europy tylko Rzym uniknął religijnych burz i przewrotów. Pozostał bastionem Kościoła katolickiego, choć pod jego wpływem naciskany, ale nadal bardzo silny, zwłaszcza po Soborze Trydenckim, stąd też rodzi się pragnienie potwierdzenia triumfu oficjalnego kościoła. Według współczesnego francuskiego teoretyka E. Mala głównymi ideami ówczesnego kościoła były: męczeństwo, wizja, ekstaza, śmierć. Te motywy religijne w umysłach ludzi były związane ze znaczeniem i dobrym celem sprawiedliwej egzystencji. Nie mogły istnieć tylko na racjonalnych podstawach, z pewnością musiały być wymieszane z silną emocją, która robi wrażenie na wierzącym i ma silny wpływ na każdego innego człowieka. W tym potężnym ładunku emocjonalnym odcisnąć się miał nie tylko mistyczny stan obcowania z sakramentem zakonnym, ale także triumfalne poczucie zwycięstwa Kościoła nad jego reformatorami. Dlatego barok pojawia się początkowo w sztuce sakralnej, przede wszystkim w architekturze. Zarówno styl romański, jak i gotyk miały dość określone i podniesione do poziomu regularności zasady tworzenia budowli. Linie tych budynków były wyraźne i określone. Barok to „zamieszanie zakrzywionych, przecinających się, opalizujących mas kamiennych, które utraciły swoją »kamienistość« i zdają się nabierać właściwości lepkiego tworzywa sztucznego”. Stopniowo barok przeszedł od architektury do rzeźby, malarstwa i innych form życia duchowego.

Może powstać pytanie: w jaki sposób tak szybki i dynamiczny (początkowo tylko artystyczny) styl łączył się z kryzysem ducha, jak barok, jak to ma miejsce w ramach sztuka kościelna był w stanie zrekompensować duchowe zamieszanie i poczucie zagubienia, o których właśnie rozmawialiśmy? Należy zauważyć, że kontrreformacja nie była w stanie przezwyciężyć różnic religijnych – reformatorzy domagali się jedynie wysokiej moralności w uczuciach religijnych. Kościół w tym przypadku walczył o władzę – ziemską i duchową. Potrzebowała apologetów, rzeczników i po prostu parafian. Miał zapanować nad światem wewnętrznym człowieka, który już zakosztował niebezpieczeństw racjonalizmu, określić zakres grzechu i pobożności, a także losy wszystkich kategorii ludności – od mieszczan po królów. Można było wciągnąć się w swoje łono, przeciwstawiając surowe życie protestanta jaskrawą rozrywką katolicyzmu. Dlatego w „sztuce baroku, nawet gdy bezpośrednio służyła kościołowi, nie ma zbyt wiele tego, co nazywa się pobożnością, mimo że cuda, wizje, ekstazy mistyczne są nieustannie przedstawiane. W tych ekstazach zmysłowość, „cielesność”, a nawet jawna erotyka przebijają się zbyt wyraźnie” [tamże, s. 97].

Jeden z najsłynniejszych teoretyków baroku Emmanuele Tesauro(1592-1675) nazwał główną zasadą „myślenia barokowego” – „zasadą szybkiego rozumu”. Bystry umysł żyje według praw innych niż prawa myślenia, jest pełen fantazji, metafor, łączących to, co ważne i codzienne, poważne i zabawne, zabawne i smutne. Splata naturę i człowieka, boskie i stworzone przez ludzki geniusz. Geniusze o bystrym umyśle „z nieistniejącego dają początek istniejącemu. Rozum z niematerialnego tworzy byt, a teraz lew staje się człowiekiem, orzeł miastem. Łączy kobietę z wyglądem ryby i tworzy syrenę jako symbol pieszczot, łączy ciało kozy z wężem i tworzy chimerę - hieroglif oznaczający szaleństwo. W takim systemie myślenia stopniowo zacierają się granice najróżniejszych zjawisk, aw sztuce pojawia się pewne lekceważenie celowości, bo to, co nazywamy „zdrowym rozsądkiem”.

Te cechy baroku znalazły odzwierciedlenie w całości w dzieło Caravaggia, Bernini we Włoszech, Velazquez w Hiszpanii, Van Dyck i Rubens we Flandrii.

kreacja Paweł Rubens(1577-1640) szczególnie wyraźnie ukazuje przenikanie się baroku do życia świeckiego, jego uwolnienie od wątków religijnych i istnienie jako szczególnej mentalności w kontekście kultury XVII wieku. W jego obrazach króluje nieustający ruch, napięcie, walka ludzi ze zwierzętami, często fantastyka, podniecenie i triumf życia. „Sprawił, że podziwiałem naturalne zdrowie i naturalną siłę. A wszystko to z powodzeniem połączył z wymogami wspaniałego wystroju, przepychu, wychwalania monarchów…”. W twórczości artystów tego czasu „duch religijny niepostrzeżenie wymknął się” ze sztuki. „Były to czasy opery, kantaty i oratorium, ale także ceremonii teatralnych, górnolotnych od, ozdobnych przemówień, długich tytułów, długich peruk, alegorii i hiperboli w poezji, ciężkiego zawiłego dowcipu, emblematów i metafor” [tamże, s. 97].

W literaturze wyraża się to w chęci wyzwolenia wyobraźni, zadziwienia i oszołomienia czytelnika, w upodobaniu do nieoczekiwane obrazyłączenie pojęć, porównywanie oddalonych od siebie obiektów. Tutaj przeplatają się najróżniejsze formy życia, realizowana jest zasada - od wielkiego do śmiesznego jeden krok, bo w baroku istnieją razem, jak inne przeciwieństwa: piękni i brzydcy (np. w sonetach poświęconych piękne damy, z równym podziwem można opisać zarówno ich piękne włosy, jak i pełzające po nich owady), entuzjazm i chamstwo, i tak dalej. Na jednym biegunie sztuki barokowej znajduje się obraz buntownika, wolnego i nieskrępowanego, nie mieszczącego się w utartych granicach zachowań, jak na przykład Don Giovanni, depczący wierność w miłości, kochający za każdym razem jak za pierwszym razem, bezlitośnie zabijający rywale lub bohater liryczny Pracuje Cyrano de Bergerac(1619-1655). Z drugiej purytański buntownik, asceta i surowiec, niczym bohater wiersza „Raj utracony” wielkiego angielskiego poety Johna Miltona(1608-1674). Dla baroku i jego teoretyków dowcip jest obowiązkowy jako umiejętność łączenia pojęć (co uznano za jeden z przejawów umysłu), a główne cechy takiej zdolności to wszechstronność i dalekowzroczność. Tesauro uważa, że ​​jasnowidzenie przenika „… w substancję, materię, formę, przypadek, jakość, przyczynę, skutek, cel, sympatię, jak przeciwieństwo, to samo, wyższe, niższe, a także emblematy, imiona własne i pseudonimy”. Wszechstronność jednak szybko obejmuje wszystkie te istoty i ich relacje, „łączy je i rozdziela, zwiększa lub zmniejsza, oddziela jedne od drugich i z zadziwiającą zręcznością stawia jedno w miejsce drugiego”.

Barok jako styl życia był bardziej charakterystyczny dla kręgów dworskich, arystokratycznych, ale i wśród zwykłych ludzi występowały pewne przejawy tego stylu, wyrażające się w komicznych, parodystycznych lub ascetycznie poprawnych formach zachowań bliskich etyce protestanckiej.

Klasycyzm rozwinęła się i najwyraźniej wyraziła w warunkach monarchii absolutnej we Francji. Nie oznacza to, że nie miało to miejsca w innych krajach. Klasycyzm, podobnie jak barok, był immanentny we wszystkim kultura XVII wiek. Jeśli barok ze swoim bogactwem i różnorodnością doznań skłania się ku sensacji jako sposobowi zmysłowego poznawania świata, to klasycyzm wymaga racjonalistycznej klarowności, uporządkowanej metody dzielenia całości na części i sekwencyjnego rozpatrywania każdej z nich. Wymaga to wewnętrznej harmonii, poczucia proporcji i spokoju ducha. Mentalność osoby wyrażającej orientację klasycystyczną cechuje dążenie do zjednoczenia wokół monarchy, uporządkowanie. Pamięć o wojnach religijnych poprzedni wiek a pragnienie stabilności zmusiło go do zaakceptowania ścisłej hierarchii absolutyzmu, ścisłej regulacji władzy królewskiej.

Klasycy w sztuce charakteryzują się tworzeniem monumentalne dzieła, obraz aktywnych bohaterów, pełnych energia życiowa i zdolni - dzięki zdolności do ujarzmienia namiętności, które ich opanowują - stanąć na wysokości zadania w celu rozwiązania skomplikowanych, tragicznych konfliktów. Dlatego teatr skłania się ku tragediom opartym na wątkach historycznych, w których zderzenie obowiązku i uczucia zawsze kończy się zwycięstwem obowiązku. W tym kierunku pracowali wielcy francuscy dramatopisarze - Kornelia(1606-1684) i Racine'a(1639-1699). Ale była też komedia klasycyzmu, obnażająca sprzeczności otaczającego świata, o czym świadczy dzieło, które do dziś nie straciło na aktualności. Molier(1622-1673).

Teorię klasycyzmu cechuje kult rozumu, który łączy ten styl z racjonalizmem filozoficznym. Rozum w klasycyzmie jest źródłem i miarą piękna; dla konsekwentnego klasycysty wartość grafika jest w dużej mierze zdeterminowany stopniem jego logicznej harmonii i klarowności, uporządkowaniem kompozycji. Tym tłumaczy się skłonność klasyków do przedstawiania jako bohaterów ludzi, którzy potrafią trzeźwo myśleć, rozumować i podporządkowywać swoje postępowanie dyktatowi rozsądku nawet w chwilach najtrudniejszych i burzliwych doświadczeń. Ta sama chęć uporządkowania dyktowała różnym rodzajom sztuki, w zależności od ich specyfiki, pewne zasady, według których dzieła te powinny powstawać. Zasady te dotyczyły nie tylko tematu czy fabuły dzieła, ale także je usprawniały. Struktura wewnętrzna. Na przykład w dramaturgii istniały słynne „trzy jedności”: jedność miejsca, jedność czasu i jedność akcji. Jedność miejsca sprawiła, że ​​wszystkie wydarzenia odbywały się tylko w jednym miejscu, w jednej scenerii na scenie; jedność czasu wymagała, aby akcja rozpoczęła się i zakończyła w ciągu jednego dnia; wymagała tego jedność działania centralny konflikt była jasno określona i wyjątkowa. Najpełniej nakreślił normatywną stronę sztuki klasycyzmu Nicolas Boileau(1636-1711) w traktacie poetyckim "Sztuka poetycka", gdzie domagał się podporządkowania natchnienia artystycznego rozumowi:

Trzeba przemyśleć pomysł i dopiero potem pisać.

Chociaż nie jest dla ciebie jasne, co chcesz powiedzieć,

Nie szukaj na próżno prostych i precyzyjnych słów...

Wiek XVII przyniósł ludzkości wysoki dorobek kulturalny niemal we wszystkich dziedzinach działalności. Ale raz jeszcze zauważamy, że był to czas kontrastów: splendor dworu „Króla Słońce” Ludwik XIV sprzeciwiali się biednym, mającym nie tylko jutro, ale i dzisiaj lud; najwspanialszym umysłom tego stulecia - szlachcicowi, który nie umie czytać i pisać i się tym chełpi. Z tych kontrastów rodzi się szczególny dramat czasu, który przygotował zarówno idee Oświecenia, jak i późniejsza wielość w rozwoju kultury czasów nowożytnych.

W epoce klasycyzmu, która nastąpiła po baroku, rola kontrapunktu zmalała (choć rozwój sztuki kontrapunktu nie ustał), a do głosu doszła homofoniczna struktura utworów muzycznych. W muzyce jest mniej ornamentów. Utwory zaczęły skłaniać się ku wyraźniejszej strukturze, zwłaszcza te pisane w formie sonatowej. Modulacje (zmiana tonacji) stały się elementem strukturyzującym; utwory zaczęto odbierać jako pełną dramatyzmu podróż przez sekwencję tonacji, serię odjazdów i przyjazdów do toniki. Modulacje występowały również w muzyce barokowej, nie pełniły jednak funkcji strukturalnej. W utworach epoki klasycznej wiele emocji ujawniało się często w obrębie jednej części utworu, podczas gdy w muzyce baroku jedna partia niosła jedno, wyraźnie zarysowane uczucie. I wreszcie w dzieła klasyczne zwykle dochodziło do emocjonalnego szczytu, który ustępował pod koniec pracy. W utworach barokowych po osiągnięciu tej kulminacji do ostatniej nuty pojawiało się lekkie wyczucie głównego wzruszenia. Mnogość form barokowych stała się punktem wyjścia do rozwoju formy sonatowej, rozwijając wiele wariantów podstawowych kadencji.

Gatunki Barok

Kompozytorzy baroku pracowali w różnych gatunki muzyczne. Opera, która pojawiła się w okresie późnego renesansu, stała się jednym z głównych baroków formy muzyczne. Przywołać można twórczość takich mistrzów gatunku jak Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i innych. Gatunek oratoryjny osiągnął swój szczyt w twórczości JS Bacha i Haendla; opery i oratoria często wykorzystywały podobne formy muzyczne.

Formy muzyki sakralnej, takie jak msza i motet, stały się mniej popularne, ale na formę kantatową zwróciło uwagę wielu kompozytorów protestanckich, w tym Johann Bach. Rozwinęły się takie wirtuozowskie formy kompozytorskie jak toccatas i fugi. Sonaty i suity instrumentalne powstawały zarówno na pojedyncze instrumenty, jak i na orkiestry kameralne. Gatunek koncertu występował w obu postaciach: na jeden instrument z orkiestrą oraz jako Concerto grosso, w którym mała grupa instrumenty solowe kontrastują z pełnym zespołem. Splendoru i splendoru wielu dworom królewskim dodawały także utwory w formie uwertury francuskiej, z kontrastowymi częściami szybkimi i wolnymi.

Utwory klawiszowe były dość często pisane przez kompozytorów dla własnej rozrywki lub jako materiał dydaktyczny. Takimi utworami są dojrzałe kompozycje J. S. Bacha, powszechnie uznawane arcydzieła intelektualne epoki baroku: Dobrze temperowany klawesyn, Wariacje Goldbergowskie i Sztuka fugi.

Muzykę baroku dzieli się na trzy okresy: muzykę wczesnobarokową (1600-1654), muzykę dojrzałego baroku (1654-1707) i muzykę późnego baroku (1707-1760).

Muzyka wczesnego baroku

Warunkowy punkt przejściowy między epokami baroku i renesansu można uznać za stworzenie przez włoskiego kompozytora Claudio Monteverdiego (1567-1643) jego stylu recytatywnego i konsekwentny rozwój włoska opera. Początek przedstawień operowych w Rzymie, a zwłaszcza w Wenecji, oznaczał już uznanie i rozpowszechnienie nowego gatunku w całym kraju. Wszystko to było tylko częścią większego procesu, który obejmował wszystkie sztuki, a szczególnie wyraźnie przejawiał się w architekturze i malarstwie. Kompozytorzy renesansu zwracali uwagę na opracowanie każdej części utworu muzycznego, zwracając niewielką lub żadną uwagę na zestawienie tych części. Osobno każda partia mogła brzmieć znakomicie, ale harmonijny efekt dodania był raczej kwestią przypadku niż regularności. Pojawienie się basu generalnego wskazywało na istotną zmianę w myśleniu muzycznym – mianowicie, że harmonia, czyli „dodawanie części w jedną całość”, jest równie ważna jak same w sobie partie melodyczne (polifonia). Myślenie harmoniczne istniało również wśród niektórych kompozytorów poprzedniej epoki, takich jak Carlo Gesualdo, ale w epoce baroku stało się powszechnie akceptowane. Dodać należy, że termin „harmonia” jest tu użyty w znaczeniu „łączenia dźwięków w współbrzmienia i ich regularnego następowania po sobie”, czyli harmonii hierarchicznej, akordowej, tonalnej. Znacząca postać wczesnego baroku, opowiadająca się po stronie katolicyzmu, przeciwstawiająca się narastającym ideologiom, kulturom i wpływ opinii publicznej Protestantem był Giovanni Gabrieli. Jego prace należą do stylu „wysokiego renesansu” (rozkwit renesansu). Jednak niektóre z jego innowacji w dziedzinie instrumentacji (mianowanie pewien instrument własne, specyficzne zadania) jednoznacznie wskazują, że był jednym z kompozytorów, którzy wpłynęli na powstanie nowego stylu.

Dojrzała muzyka baroku

Okres centralizacji władzy zwierzchniej w Europie często nazywany jest absolutyzmem. Absolutyzm osiągnął apogeum za panowania francuskiego króla Ludwika XIV. Dla całej Europy dwór Ludwika był wzorem do naśladowania. W tym muzyka wykonywana na dworze. Zwiększona dostępność instrumentów muzycznych (zwłaszcza klawiatur) dała impuls do rozwoju muzyka kameralna. Dojrzały barok różni się od wczesnego baroku wszechobecnością nowego stylu i zwiększoną separacją form muzycznych, zwłaszcza w operze. W teorii muzyki dojrzały barok definiuje skupienie się kompozytorów na harmonii i próbach stworzenia spójnych systemów. szkolenie muzyczne. W kolejnych latach doprowadziło to do powstania wielu prac teoretycznych.

Wybitnym przedstawicielem nadwornych kompozytorów dworu Ludwika XIV był Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Już w wieku 21 lat otrzymał tytuł „kompozytora nadwornego”. muzyka instrumentalna». kreatywna praca Lully od początku był mocno związany z teatrem. Po zorganizowaniu dworskiej muzyki kameralnej i komponowaniu „airs de cour” zaczął pisać muzykę baletową. Ale najważniejsze w twórczości Lully'ego wciąż było pisanie oper.

Kompozytor i skrzypek Arcangelo Corelli (1653-1713) znany jest ze swojej pracy nad rozwojem gatunku Concerto Grosso. Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, których utwory były publikowane i wykonywane w całej Europie.

Muzyka późnego baroku

Dokładna granica między dojrzałym a późnym barokiem jest przedmiotem dyskusji; leży gdzieś między 1680 a 1720 rokiem. Znaczna część złożoności jego definicji polega na tym, że w różnych krajach style zmieniały się niezsynchronicznie; innowacje już przyjęte jako reguła w jednym miejscu były świeżymi odkryciami w innym. Włochy, dzięki Arcangelo Corellemu i jego uczniom Francesco Geminianiemu i Pietro Locatelli, stają się pierwszym krajem, w którym barok przechodzi z okresu dojrzałego do późnego. Za ważny kamień milowy można uznać niemal absolutną dominację tonalności jako strukturyzującej zasady komponowania muzyki. Jest to szczególnie zauważalne w prace teoretyczne Jean Philippe Rameau, który zajął miejsce Lully'ego jako głównego kompozytora francuskiego. Formy odkryte w poprzednim okresie osiągnęły dojrzałość i wielką zmienność; koncert, suita, sonata, Concerto grosso, oratorium, opera i balet nie miały już ostro wyrażonych cech narodowych.

Antonio Vivaldiego (1678-1741) - włoski kompozytor, urodził się w Wenecji. Sławę Vivaldiemu przyniosły nie występy koncertowe czy koneksje na dworze, ale publikacje jego dzieł, w tym sonat triowych, sonat skrzypcowych i koncertów. Zostały one opublikowane w Amsterdamie i szeroko rozpowszechnione w całej Europie. Właśnie do tych, dopiero wówczas rozwijających się gatunków instrumentalnych (sonata barokowa i koncert barokowy), Vivaldi wniósł największy wkład.

Jan Sebastian Bach urodził się 21 marca 1685 roku w Eisenach w Niemczech. W ciągu swojego życia skomponował ponad 1000 utworów z różnych gatunków, z wyjątkiem opery. Ale za życia nie osiągnął żadnego znaczącego sukcesu. W ostatnie latażycia i po śmierci Bacha jego sława jako kompozytora zaczęła podupadać: jego styl uznano za staromodny w porównaniu z rozkwitającym klasycyzmem. Był bardziej znany i zapamiętany jako wykonawca, nauczyciel i ojciec Bachs Jr., przede wszystkim Carla Philippa Emmanuela, którego muzyka była bardziej znana.

Dopiero wykonanie Pasji według Mateusza przez Mendelssohna, 79 lat po śmierci J.S. Bacha, ożywiło zainteresowanie jego twórczością. Obecnie J.S. Bach jest jednym z najpopularniejszych kompozytorów wszechczasów.

Sztuka XVII-XVIII wieku ukształtowała dwa niesamowite style - klasycyzm i barok. Te dwa główne paneuropejskie style istniały obok siebie przez dwa stulecia. Pomimo oczywistych różnic, ściśle ze sobą współpracowali. Klasycyzm i barok w swoim rozwoju znalazły swoje miejsce nie tylko w architekturze światowej i rosyjskiej, ale także w rzeźbie, literaturze, wystroju wnętrz i sztuce. Porównanie klasycyzmu i baroku, dwóch stylów, jasnego, skandalicznego i niepowtarzalnego, rozważymy dalej.

Historia klasycyzmu

Klasycyzm po łacinie oznacza „wzorowy”. Niezapomniane miejsce w kultura europejska powstał w XVII wieku. Była to epoka umacniania się monarchii, wszystko miało być idealne i jednocześnie luksusowe, co widać po nienagannych figurach. świat starożytny.

Francja stała się założycielem stylu klasycyzmu, w którym latał duch wolności i doskonałości człowieka, zarówno duchowego, jak i fizycznego. Surowe, idealne sylwetki w zespołach architektonicznych, antyczne historie w malarstwie i rzeźbie, bogata, ale powściągliwa dekoracja wnętrz. Wszystko to są cechy klasycyzmu.

W Rosji ten styl został ustalony za czasów Katarzyny II, jej pragnienie europeizacji kraju odegrało kluczową rolę w budowie słynnych zabytków architektury tamtych czasów.

Klasycyzm to klasyka, harmonia człowieka i natury, prosta i zwięzła w swoim kierunku. Styl, w którym należy przestrzegać pewnych zasad, bardzo szybko znalazł się w kulturze pałacowej w Niemczech, Włoszech, Anglii i Rosji.

Historia baroku

Barokowy oznacza - „rozwiązły”, „skłonny do ekscesów”. Włochy stały się założycielem tego pompatycznego stylu. Koniec XVI wieku - renesans, umocnienie władzy katolickiej, jasny, śmiały i majestatyczny, miał imponować. Wszystkie charakterystyczne elementy baroku znalazły odzwierciedlenie w katolickich miastach Włoch.

Jednak kraje europejskie przejęły również pewne atrybuty i elementy „rozwiązłego” stylu włoskiego. Anglia, Francja, Rosja wykorzystały nową kulturę w swojej architekturze i wnętrzach, aby podkreślić ich blask i wyjątkowość.

Styl, nastawiony na tworzenie iluzji bogactwa i luksusu kościoła, a także włoskiej szlachty, znalazł następnie odzwierciedlenie we wszystkich krajach Europy, Ameryki i Rosji. I pozostał nieśmiertelnym towarzyszem Kościoła katolickiego.

Porównanie i klasycyzm

Te dwa style idą obok siebie od wieków. Mają jednak oczywiste różnice w historii i celu stworzenia, w ucieleśnieniu w sztuce.

Porównanie klasycyzmu i baroku

Wizualnie klasycyzm i barok

Główne cechy barok i klasycyzm luksus i dyskretne bogactwo. Oba style znajdują odzwierciedlenie w drogie prace dzieła sztuki i uderzające konstrukcje architektoniczne. Rozważ najsłynniejsze obiekty dwóch różnych stylów z tego samego okresu.

Klasycyzm to oczywiście Place des Revolts i Panteon w Paryżu. Izaaka i Kazana w Petersburgu. wielki teatr w Warszawie. Słynny obraz Jacquesa-Louisa Davida „Przeprawa Napoleona przez Alpy” doskonale oddaje styl klasycyzmu w malarstwie. „Psyche obudzona pocałunkiem Kupidyna” to najsłynniejsza rzeźba klasycyzmu. „Apollo i nimfy” to przykład stylu klasycznego, niesamowitego w swoim pięknie.

Natomiast barok znany jest nam z Soboru Smolnego w Petersburgu, Opery w Odessie i oczywiście Kościoła katolickiego w Watykanie. Rubens i Caravaggio to najbardziej rozpoznawalni malarze baroku. A Włoch objawia nam całą ekspresję baroku w swoich oszałamiających rzeźbach.

Klasycyzm i barok w architekturze

Jak widać z opisów i porównań obu stylów, różnice między barokiem a klasycyzmem są oczywiste. W tym ostatnim jest to odwoływanie się przede wszystkim do architektury antycznej, w baroku – do przepychu kościołów katolickich.

Klasycyzm i barok w architekturze, porównanie na przykładzie dwóch wybitnych zabytków

Bazylika Santa Croce we Włoszech jest typowym przykładem włoskiego baroku. Charakterystyczne cechy - bujny wystrój i wiele posągów na fasadzie. Rzeźby, balkony, kolumny, skomplikowana bryła budynku. Centrum wieńczy ogromne okrągłe okno – wykraczające już poza standardy typowej architektury. Kariatydy i Atlantydy, dziwaczne formy – to wszystko cechy charakterystyczne baroku.

Klasycyzm to Teatr Bolszoj w Moskwie. Na jego przykładzie możemy dostrzec charakterystyczne cechy w architekturze tego stylu. Prostota i zwięzłość. Monumentalność i surowość. Przejrzyste formularze, kolumny. Małe standardowe okna. Dyskretny wzór stiukowy na elewacji z typowymi wzorami ze świata antycznego. Wyraźny geometryczny kształt konstrukcji. Przyjemna dyskretna jednolita kolorystyka całego budynku.

Architektura baroku i klasycyzmu jest bardzo różna w porównaniu. Na pierwszy rzut oka można je od siebie odróżnić: uderza pretensjonalność baroku, oczywiście są to złożone dzieła architektoniczne. Natomiast budowle w stylu klasycyzmu mają tak wyraźne proporcje i surowy wygląd, że mimowolnie skłaniają do refleksji nad ich wielkością i monumentalnością.

Klasycyzm i barok w malarstwie

Pochodzące z tego samego okresu klasycyzm i barok mają jednak w sztuce cechy charakterystyczne.

Michał Anioł jest jednym z najbardziej znanych włoscy artyści, które wyznaczyły nowy styl w malarstwie – barok. Są to głównie przedmioty religijne, żywe obrazy, emocjonalne sceny z życia zwykli ludzie. Kontrast kolorów, światło i półmrok, wiele przedmiotów gospodarstwa domowego, realizm emocji. Wyznawcy tego stylu w sztuce – Guido Reni i Guido.

Klasycyzm jest nie mniej malowniczy, ale jest traktowany jako podstawa starożytna Grecja. Raphael, Giulio Romano na swoich płótnach przedstawiają idealne fizyczne formy boskich postaci. Zimne mityczne historie fascynują zwięzłością, niczym nie zbędnym, przemyślaną kompozycją i przestrzenią dopracowaną w najdrobniejszych szczegółach aktorzy.

Można wyróżnić główne elementy w porównaniu nurtów sztuki klasycyzmu i baroku. Po pierwsze, jest to prawdziwa emocjonalność baroku, siła fabuły i barwność obrazów, a po drugie powściągliwe piękno starożytnej mitologii, zrozumiałe i zwięzłe w swojej manifestacji.

Porównanie klasycyzmu i baroku we wnętrzu

Oprócz wybitne prace sztuka i niesamowite zabytki architektury, barok i klasycyzm znajdują odzwierciedlenie we wnętrzach domów i pomieszczeń. Dalej - z wyrównanie klasycyzmu i baroku w wystroju pomieszczeń.

Te dwa style wniosły do ​​wnętrza swoje główne cechy. Przede wszystkim jest drogi. W obu przypadkach jest to luksus i bogactwo. A potem można mówić o rozwiązania kolorystyczne. Barok to zawsze jasne, zawsze złote, marmurowe, lakierowane powierzchnie. Pęczek dodatkowe przedmioty, skomplikowane formy mebli i dziwaczne wzory baldachimów i obić foteli. Oczywiście jest to piękno, w którym chcesz się zanurzyć, każdy przedmiot, który chcesz studiować. Podziw i pompatyczność, które królowie tak bardzo kochają.

Klasycyzm pod tym względem kontrastuje z barokiem. Powściągliwe pastelowe kolory, które współgrają ze sobą. Spokojne, ale nie mniej majestatyczne wnętrze powstało raczej po to, by koić, a nie przeszkadzać. Głównie jasne odcienie, wyrazistość linii, poprawność obiektów. Funkcjonalność atrybutów wnętrza nie jest jednak pozbawiona uroku.

Klasycyzm i barok w Rosji

Te dwa style pojawiły się w Rosji w XVIII wieku. Rosja carska pozostawała w ścisłym kontakcie z państwami europejskimi i nie chciała pozostać w tyle w możliwości zademonstrowania swojej wielkości.

Barokowy i ucieleśniony, głównie Rastrelli. To on był wówczas zaangażowany w odbudowę i budowę głównych budynków Petersburga. Oczywiście style zostały zrusyfikowane, przyjmując podstawowe zasady obu kierunków, zachowano tradycyjną rosyjską architekturę. Klasztor Smolny jest chyba najbardziej jasny przedstawiciel barokowy w Sankt Petersburgu, podczas gdy „punktem kulminacyjnym” klasycyzmu jest oczywiście Sobór Kazański. U początków tego stylu w Rosji byli architekci V. Bazhenov, M. Kazakov, I. Starov, kościoły i domy zbudowane według ich projektów można zobaczyć w Moskwie.

Barok i klasycyzm w sztuce rosyjskiej architektury duża rola. Zarówno w przejawie historycznym – założenie Petersburga, nowej Moskwy, jak iw walce o równouprawnienie rosyjskich pisarzy klasycyzmu.

Teraz nie można sobie wyobrazić naszych miast bez Ermitażu, Akademii Nauk i Pałacu Taurydzkiego.

Klasycyzm i barok w naszych czasach

We współczesnym świecie architekci często sięgają po barok i klasycyzm, porównując i mieszając te style. Czasy królów i cesarzy minęły, ale umiłowanie luksusu i wielkości pozostało. Teraz można już zobaczyć nowoczesne zamki w stylu barokowym gdzieś na Rublowce lub klasycystyczną daczę innego oligarchy we wsi Nirvana pod Petersburgiem.

W Hotelu Trezzini można zanurzyć się w królewskim luksusie, aw Restauracji Empire skosztować dań współczesnych królów. Ale to już dziś luksus, choć wciąż nie dla każdego.