Tradičný anglický čajový večierok „five o’clock“ (1880), umelkyňa Mary Cassatt

Van Gogh, Matisse, Gauguin, Dali... A stovky ďalších mužov, géniov maľby, ktorých všetci dobre poznajú, ktorých poznáme a milujeme už od detstva. Ale zdá sa, že predstavitelia krásnej polovice ľudstva zostávajú bokom... Ako často možno počuť urážlivú, nespravodlivú otázku: „Prečo medzi ženami nie sú známe umelkyne? Možno to nemajú?"

Samozrejme, nie je to pravda. Dnes si pripomenieme veľkých umelcov, ruských i zahraničných, ktorých obrazy sú právom považované za svetové majstrovské diela. Sedem skvelých mien, sedem ťažkých osudy žien vo svete výtvarné umenie, ktorý je všeobecne považovaný za mužský...

Natália Gončarová(1881-1962) - prababička tej istej Natálie Nikolajevny Gončarovej, manželky Alexandra Sergejeviča Puškina (umelec svojho času navrhol „Príbehy cára Saltana“, čím vzdal hold slávna rodina).

Študovala maľbu pod vedením o vynikajúci umelec a učiteľ Konstantin Korovin. Spolu s manželom M. F. Larionovom, jedným zo zakladateľov ruskej avantgardy, zorganizovala združenie „ somársky chvost" V roku 1915 dostala pozvanie od Sergeja Diaghileva pracovať na ruských sezónach - turné operných a baletných umelcov v Paríži.

Natalya Goncharova súčasnou hodnotou svojich obrazov predbehla všetkých umelcov sveta. V roku 2008 prekonal cenový rekord v „ženskej kategórii“ obraz „Kvety“, ktorý sa predal na aukcii Christie’s za viac ako 10 miliónov dolárov. kľúčové diela Ruská avantgarda, keďže kombinuje prvky európsky impresionizmus a absolútne inovatívny smer, ktorú vytvorila Gončarová a jej manžel - tzv. "Rayizmus". Všetky objekty, ktoré vidíme, sú súčtom lúčov lámaných od tých istých objektov. Umelec experimentoval aj s primitivizmom, využíval ikonografiu.

V roku 2010 na londýnskej aukcii obraz „Španielska chrípka“ vytvoril ďalší cenový rekord - jeho šťastný majiteľ sa rozišiel s 1,216 miliónmi dolárov.

Dnes je väčšina diel Natálie Gončarovej in Tretiakovská galéria.

Natália Gončarová. "Páv pod jasným slnkom." 1911.

Frida Kahlo(1907-1954) - najznámejší mexický umelec, ktorú preslávili jej farebné autoportréty. Jej tvorbu výrazne ovplyvnila mexická kultúra a umenie národov predkolumbovskej Ameriky. Umelecký štýl Frida Kahlo bola charakterizovaná ako ľudové umenie alebo naivné umenie.

Frida mala celý život chatrné zdravie - ako šesťročná prekonala detskú obrnu, utrpela aj vážnu autonehodu v r. dospievania, po ktorej musela podstúpiť početné operácie, ktoré ju ovplyvnili na celý život. Práve po tragédii prvýkrát požiadala svojho otca o štetce a farby. Prvý obraz bol autoportrét, ktorý navždy určil hlavný smer kreativity. Do denníka si napísala: „Píšem o sebe, pretože trávim veľa času sama a pretože som téma, ktorú poznám najlepšie.“

V roku 1929 sa Kahlo vydala za umelca Diega Riveru. Ich búrlivý spolužitie sa stal legendou.

V roku 1937 sovietsky revolučný vodca Leon Trockij nakrátko našiel útočisko v dome Diega a Fridy, ktorí sa hlásia ku komunistickým názorom; s Fridou si začali románik.

V štyridsiatych rokoch sa obrazy Fridy Kahlo objavili na niekoľkých významných výstavách. Zároveň sa jej zhoršujú zdravotné problémy. Lieky a lieky určené na zníženie fyzického utrpenia ho menia stav mysle, čo sa jasne odráža aj na denníku, ktorý sa stal medzi jej fanúšikmi kultom. V roku 1953 jeho prvý osobná výstava doma. V tom čase už Frida nemohla vstať z postele a na vernisáž výstavy ju priviezli na nemocničnom lôžku. O rok neskôr kultová umelkyňa a ikona štýlu zomrela, ale jej život samotný, jasný obraz A úžasné maľby sa stali inšpiratívnou legendou pre milióny ľudí na celom svete...

Frida Kahlo. "Autoportrét (Diego v myšlienkach)." 1943.

Mária Baškircevová(1858 - 1884) - narodil sa v provincii Poltava. Je prvou z ruských umelcov, ktorých obrazy „Jean a Jacques“ a „Stretnutie“ zdobili steny Louvru. Väčšina jej diel však neprežila prvú svetovú vojnu. Okrem 150 obrazov, 200 kresieb a mnohých akvarelov zanechala Maria Bashkirtseva po sebe literárne dedičstvo- „Denník“, ktorý som si viedol od svojich 15 rokov vo francúzštine. Po jej smrti bola preložená do všetkých európskych jazykov a čoskoro vyšla aj v Amerike. Je pozoruhodné, že matka vytrhla z denníka všetky stránky, v ktorých sa spomínali feministické názory jej dcéry. Je známe, že Maria Bashkirtseva aktívne obhajovala práva žien. Jej povahe pripadali stiesnené aj akademické maliarske kánony. Najradšej pracovala pod holým nebom, maľovala tváre parížskych žien vytrhnutých z každodennej pouličnej krajiny.

Život umelkyne, žiaľ, nebol dlhý: zomrela na tuberkulózu vo veku iba 25 rokov. IN posledné roky Počas svojho života si umelkyňa dopisovala s Guyom de Maupassantom, ktorý pri jej hrobe povedal: „Toto bola jediná ruža v mojom živote, ktorej cestu by som posypal ružami s vedomím, že bude taká svetlá a taká krátka! A veľká Marina Tsvetaeva venovala zbierku Bashkirtsevovi rané texty"Večerný album".

Mária Baškircevová. "dažďový dáždnik" 1883.

Mary Cassattová(1844—1926) – slávny americký umelec a grafik, ktorý maľoval v štýle impresionizmu. Ona žila najviac počas svojho života vo Francúzsku sa priatelila s Edgarom Degasom a Berthe Morisotovou. Jej maľby boli inšpirované obrazmi sociálneho a osobného života žien, s osobitným dôrazom na úzke puto medzi matkami a deťmi.

Aj keď Máriina rodina namietala proti jej túžbe stať sa profesionálny umelec, začala študovať maľbu na Pennsylvania Academy of the Fine Arts vo Philadelphii. Neznášanlivosť k pokojnému tempu učenia a povýšeneckému postoju ostatných mužská polovicaštudentov a učiteľov sa rozhodla pokračovať v štúdiu sama a v roku 1886 sa presťahovala do Paríža.

Keď videla pastely Edgara Degasa vo výklade umeleckého obchodu, napísala priateľovi: „Musela som ísť a pritlačiť nos k oknu, aby som absorbovala všetko, čo som mohla z jeho maľby. Zmenilo mi to život. Videl som umenie tak, ako som ho chcel vidieť.“ S Degasom sa stretla v roku 1874. Pozval ju, aby sa zúčastnila na výstave impresionistov a diela Mary Cassattovej boli vystavené v roku 1879.

Cassatt sa stala mimoriadne zručnou v používaní pastelov a nakoniec vykonala mnohé zo svojich obrazov touto technikou.

Séria prísne napísaných, jemne dodržiavaných, nesentimentálnych malieb o matke a dieťati je hlavnou témou jej naj slávnych diel.

90. roky 19. storočia boli v Cassatte najrušnejšie a najrušnejšie tvorivé obdobie v jej živote. Napodobňovali ju mladí americkí umelci, ktorí potrebovali jej rady a podporu. Ako uznanie za jej prínos k umeniu získala v roku 1904 Čestnú légiu.

Mary Cassattová zomrela v roku 1926 na zámku Beaufren neďaleko Paríža a bola pochovaná v rodinnej krypte.

Mary Cassattová. "Ženy obdivujúce dieťa." 1897.

Zinaida Serebryaková(1884-1967) – ruský realistický umelec. Jej starý otec a pradedo sa venovali architektúre, otec sa venoval sochárstvu a maliarstvu, strýkovia boli slávny umelec a kritik Alexander Benois, takže Zinaida sa od detstva priatelila so štetcom a plátnom.

Serebryakova sa vydala za svojho bratranca; Príbuzní tento zväzok neschvaľovali a umelkyňa a jej manžel museli emigrovať a nechať svoje deti v Rusku. Zinaida Serebryakova mala to šťastie, že videla svojho syna až po 36 rokoch...

Dnes sa umelcove obrazy predávajú za neuveriteľné množstvo peňazí. A kým žila v Paríži, snažila sa uživiť maľovaním portrétov, no veľmi často ich jednoducho rozdávala zákazníkom. Kvôli chudobe bola Serebryakova dokonca nútená vyrábať vlastné farby. Do Ruska sa už nikdy nemohla vrátiť: Po druhé Svetová vojna odrezať ju od vlasti.

Najznámejším obrazom Zinaidy Serebryakovej je autorkin autoportrét „Na záchode“ (1909). Verejnosť prvýkrát začala hovoriť o talente autora po prezentácii diela na VII výstave Zväzu ruských umelcov (1910). Dnes je autoportrét 25-ročného umelca uložený v Treťjakovskej galérii. A obraz „Na raňajkách“ (1914), ktorého hrdinami boli deti Serebryakovej, sa nazýva jeden z najlepších detských portrétov v histórii maľby.

Zinaida Serebryaková. "Za záchodom." Autoportrét. 1909.

Berthe Morisot(1841-1895) - francúzsky umelec, ktorý maľoval v štýle impresionizmu. Bola praneterou slávneho umelca, majstra rokokového štýlu Jeana Honore Fragonarda, a bola vydatá za Eugena Maneta, brata jej priateľa a kolegu Edouarda Maneta. Znalcom impresionizmu sú črty tváre Berthy dobre známe, keďže ju Manet často maľoval.

Morisot sa narodil v Bourges v bohatej buržoáznej rodine. Ona a jej sestra Edma Morisot sa stali umelcami. Rodina po tom, čo sa Bertha rozhodla pre výber povolania, jej do kariéry nezasahovala. U K. Corota vyštudovala maľbu, pracovala s ním v plenéri.

V roku 1864 prvýkrát vystavovala svoje diela na jednej z najprestížnejších umeleckých výstav vo Francúzsku – Parížskom salóne. Jej práce boli vybrané do šiestich po sebe idúcich salónov, až kým sa v roku 1874 nepripojila k skupine „odmietnutých“ impresionistov vytvorených Cézannom, Degasom, Monetom, Morisotom, Pissarom, Renoirom a Sisleym a zúčastnila sa ich prvej výstavy v ateliéri fotograf Nadar.

Svetlo, naplnené svetlom a radostným pocitom zo života, obraz B. Morisota vytvára lákavé obrazy, ktoré v duši vyvolávajú pocit harmónie a krásy. V jej obrazoch nie sú žiadne sociálne motívy ani výbuchy emócií, no prinútili nás pozrieť sa na bežné a známe udalosti novým spôsobom. Každodenný život, sálalo z nich teplo, pohodlie a tiché rodinné šťastie. Tento smer maľby sa ukázal byť žiadaný, Berthine obrazy boli ľahko kúpené a vždy vzbudzovali záujem divákov na výstavách. Umelkyňa mala veľa nasledovníkov po celom svete, najmä medzi maliarkami.

Berthe Morisot. "Chytanie motýľov" 1874.

Elena Polenová(1850 – 1898) – sestra slávneho ruského maliara Vasilija Polenova. Umelec, ktorý na plátnach vytvoril rozprávkový svet.

Narodil sa v Petrohrade v rodine historika. Záujem o mýtické predmety pochádza z detstva: malú Lilu, ako ju volala jej rodina, vždy čítali Rusi ľudové rozprávky. Ona a jej brat študovali kresbu u slávneho umelca a učiteľa, autora knihy „ široký rozhľad“, Pavel Chistyakov. Keďže ženy v tom čase nesmeli vstúpiť na Akadémiu umení, dievča študovalo u Ivana Kramskoya na Petrohradskej škole Spoločnosti pre podporu umenia.

Osobný život Eleny Polenovej nikdy nevyšiel. Na rozdiel od tvorivého života: Treťjakov sám získal niekoľko diel do zbierky. Rozprávky obrázky jej prišli vo sne. A pracovala na plátnach na panstve filantropa Mamontova, Abramtsevo. Tu sa napríklad narodilo „Beast“ - monštrum, ktoré kradne dušu z kráľovstva jasných snov.

V posledných rokoch svojho života vytvorila umelkyňa veľa náčrtov fantastických kvetinových vzorov na rámovanie ikon, výšiviek a keramiky. Kreslenie kvetinové vzory Polenova ukázala nevyčerpateľnú fantáziu, zakaždým našla nové usporiadanie farieb, nový rytmus, vytvorila búrlivý a dynamický tok foriem. Elena Polenová zomrela 19. novembra 1898 v Moskve v rozkvete svojich síl a talentu bez toho, aby realizovala mnohé plány. Takže musela navrhnúť ruský pavilón Svetová výstava v Paríži v roku 1900...

Elena Polenová. "Ivan Tsarevich a Firebird." 1896.

IN Ruský prenájom Nový film Tima Burtona je vonku Veľké oči“ - príbeh americkej umelkyne Margaret Keane. Margaretine diela však boli známe pod menom jej manžela, ktorý svoju manželku presvedčil, že obrazy vytvorené mužmi majú oveľa väčšiu komerčnú hodnotu. Tento príbeh je skutočný a skutočne určený situáciou vo svete umenia. Poďme zistiť, prečo vieme o umelkyniach tak málo a prečo ich diela stále stoja oveľa menej ako tie, ktoré vytvorili muži.

Text: Káťa Savčenková

Maria Bashkirtseva „V štúdiu“, 1881

Od polovice 60. rokov začali umelkyne premýšľať o tom, čo ich odlišuje od ich mužských kolegov.

Oblasť krásy a nehmotnosti sa nám dnes javí ako úplne prirodzený biotop pre ženy, no v priebehu storočí im bola v umení pripisovaná úloha múzy, verná manželka alebo mecenáš umelca. Ženy existovali „vedľa“ umenia, zatiaľ čo tvorba majstrovských diel bola výsadou mužov. Mená slávnej filantropky markízy Isabelly d'Este a Botticelliho múzy Simonetty Vespucci sa zapísali do dejín renesančného umenia, no koľkí z nás si pamätajú prvú renesančnú umelkyňu Sofonisbu Anguissolu? Prečo svet výtvarnej kultúry zachovalo tak málo odkazov na umelkyne? Je to historická nehoda, úmyselná diskriminácia alebo logický výsledok stáročí mužskej dominancie v spoločnosti?

V roku 1971 sa týmito otázkami zaoberala americká historička umenia Linda Nochlin vo svojej eseji „Prečo neexistovali skvelé ženské umelkyne“. Od polovice 60. rokov sa umelkyne začali skutočne zamýšľať nad tým, čo ich odlišuje od ich mužských kolegov, a aktívne si nárokujú právo vyjadrovať svoju osobitú, ženskú víziu sveta v umení. Článok Lindy Nochlin, napísaný na vtedy aktuálnu tému, sa stal jedným z kľúčových textov feministického umenia.

Nokhlin nedáva jasnú odpoveď na otázku položenú v názve štúdie a naznačuje, že podstata problému spočíva v celom komplexe rôzne dôvody. Jedným z najčastejších a najlogickejších argumentov pre slabú prítomnosť umelkýň v dejinách umenia je nedostatočný prístup k umeleckému vzdelávaniu. V stredoveku sa človek mohol naučiť zručnosti umelca najmä tým, že si osvojil vedomosti po rodovej línii, alebo bol najatý ako učeň k známym umelcom. Oba scenáre v osude dievčat boli skôr výnimkou z pravidla, nehovoriac o možnosti prijatia na umelecké školy, do ktorých sa ženám relatívne otvoril prístup až v 19. storočí. Napriek tomu práve tieto vzácne prípady dali svetu množstvo talentovaných umelcov.

Jeden z najrozšírenejších slávnych žien V klasická maľba, talianska baroková umelkyňa a nasledovníčka Caravaggia, Artemisia Gentileschi bola dcérou umelca Horatio Gentileschi. Keď ako dieťa vstúpila do dielne svojho otca, rýchlo preukázala svoju nadradenosť nad svojimi bratmi a následne sa stala prvou ženou prijatou na Florentskú akadémiu výtvarných umení. Jej súčasník a krajan Fede Galizia sa tiež naučil maliarskym zručnostiam od svojho otca miniaturistu a preslávil sa expresívnymi portrétmi a majstrovsky prevedenými zátišiami.

Ďalšou dôležitou prekážkou, ktorá bránila umelkyniam súťažiť na rovnakom základe v zručnosti s mužmi, bol zákaz kresieb aktov. Zákaz platil do r koniec XIX storočia a dokonca aj po jeho zrušení na dlhú dobu takéto náčrty neboli podporované. Britská umelkyňa Laura Knight sa stala prvou, ktorá sa odvážila namaľovať svoj autoportrét na stojane pred nahou modelkou, čo vyvolalo v britskej spoločnosti škandál. Stalo sa tak v roku 1913. Niet divu, že v takýchto podmienkach ženy ťažko konkurovali mužom v zobrazení ľudského tela a pracovali najmä v žánroch portrét, krajina a zátišie.

Ďalším populárnym vysvetlením sú sociálne obmedzenia, ktoré riadili životy žien v spoločnosti. Umiernenosť v správaní, vysoká morálka a služba záujmom jej manžela boli u dievčaťa cenené oveľa vyššie ako tvorivý impulz. Nochlin vo svojej eseji cituje príručku pre dobre vychované dievčatá z roku 1848, podľa ktorej „pre dievča je oveľa cennejšie, keď vie robiť niekoľko vecí slušne, ako preukazovať majstrovstvo v jednej veci“. Napokon, množstvo teoretikov zastávalo názor, že ženy v zásade nemôžu byť géniové pre svoju slabosť a prílišnú emocionalitu. Podobné tvrdenia nájdeme napríklad vo filozofii Rousseaua, Kanta a Schopenhauera.

Vľavo: Laura Knight, Autoportrét aktu, 1913. Vpravo: Laura Knight, Úsvit, 1936

Umiernenosť v správaní a služba záujmom jej manžela boli u dievčaťa cenené oveľa vyššie ako tvorivý impulz

Natalya Gončarová" Zelený les“, 1911

Rovnováha síl zapnutá umeleckej scény sa začali meniť až s príchodom 20. storočia, keď si ženy začali aktívnejšie určovať svoje miesto v spoločnosti. Do ich pozornosti sa dostal aj umelecký svet. Na začiatku 20. storočia sa sufražetkové hnutie dopustilo množstva sabotáží v r umelecké galérie Veľká Británia. Najznámejšou z týchto sabotáží bol útok na Sargentov portrét Sira Henryho Jamesa na Kráľovskej akadémii umení. 4. mája 1914 sa sufragistka Mary Woodová vyzbrojila mäsiarskym nožom a zakričala „Hlasy pre ženy!“ napadol portrét pred verejnosťou. Svoj čin neskôr vysvetlila ako túžbu upozorniť na odhodlanie žien bojovať za volebné právo a výšku odškodného, ​​ktoré jej bolo priznané, komentovala slovami: „Tento obraz by nestál za toľko, keby ho namaľoval žena." Mimochodom, od jej založenia v roku 1768 (napriek tomu, že medzi zakladateľmi boli dve umelkyne: Angelica Kaufman a Mary Moser), nebola do Kráľovskej akadémie prijatá ani jedna žena 160 rokov.

Paralelne s tým začiatkom 20. storočia rozprúdil medzinárodnú umeleckú komunitu zrod ruskej avantgardy. V snahe rozísť sa s akademizmom vo všetkých jeho prejavoch dala avantgarda umelkyniam možnosť prejaviť sa, rovnako ako im sovietsky systém dal volebné právo. Medzi hlavných avantgardných umelcov sú uctievané Natalya Goncharova, Lyubov Popova a Alexandra Ekster spolu s Michailom Larionovom a Vladimirom Tatlinom.

Ďalšia etapa dobývania ženami umelecký svet prišiel s formovaním feministického umeleckého hnutia v Spojených štátoch v 70. rokoch. Feministické umelkyne sa pridali k všeobecnej vlne protestných nálad spolu s aktivistkami hnutí za voľná láska, práva národnostných menšín a proti vojne vo Vietname si vyžiadali revíziu obrazu sveta.

Rozhovor s kurátorkou a účastníčkou výstavy „WACK: Art & The Feminist Revolution“, 2007

Avantgarda dala umelkyniam právo vyjadriť sa, rovnako ako im sovietsky systém dal právo voliť

Historicky bolo umenie vytvorené mužmi a predpokladalo pohľad na realitu z mužskej perspektívy. John Berger opísal absurdnosť tejto situácie vo svojom slávna kniha„The Art of Seeing“, ktorý kritizuje štandardný prístup k vnímaniu maľby. Správne poznamenal: „Vezmite si akékoľvek klasický, zobrazujúci nahú ženu. Skúste si predstaviť muža namiesto ženy a porozmýšľajte, ako by to vyzeralo.“ Feministické umelkyne považovali za svoju úlohu revíziu tejto perspektívy. Žena sa z objektu kontemplácie snažila stať kontemplátorkou, aby v umení odrážala sféru svojich záujmov, najmä pozorovanie seba samého. Vo svojich dielach si často kládli otázku, v čom to znamená byť ženou moderná spoločnosť, mať ženské telo, byť matkou a raz za mesiac zažiť menštruačné cykly.

Boj za rovnaké práva žien a mužov v umení bol namierený aj proti dominancii mužských umelcov v r muzeálnych zbierok. V roku 1977 sa v Brooklynskom múzeu konala výstava Women Artists: 1550–1950, venovaná výlučne ženskej kreativite. Na výstave boli prezentované diela 83 umelcov z 12 krajín. Kurátorkami boli aj dve ženy, jednou z nich bola spomínaná Linda Nochlin. Rozsah výstavy po prvý raz jasne ukázal počet umelkýň v dejinách umenia.

Zdalo by sa, že rovnováha konečne nastala. Umelkyne dosiahli svoje právo študovať umenie na rovnakom základe ako muži, vyjadrovať sa akýmkoľvek spôsobom umelecká forma akékoľvek problémy, ktoré sa ich týkajú, zobrazujú nahotu a otvorene ukazujú svoje telo verejnosti, získavajú prestížne umelecké ocenenia a organizujú retrospektívne výstavy v najväčšie múzeá mier. Výsledky mnohých štúdií však dokazujú, že sila mužov a žien v umeleckom svete stále nie je rovnaká.

Napríklad v zozname stoviek najdrahších diel, ktoré sa kedy predali na aukcii, zostavenom jedným z hlavných analytických zdrojov umeleckého trhu ArtNet, stále nie je ani jedno dielo vytvorené umelcom. Najdrahším obrazom ženy, ktorý sa dostal pod kladivo, bola "Datura" od Georga O'Keeffe (" biely kvetč. 1"), predaný za 44,4 milióna dolárov. Pre porovnanie, najviac drahá práca, ktorý sa kedy predal v aukcii, vytvoril Paul Cézanne a jeho hodnota bola 250 miliónov dolárov. Problém nespočíva v miere talentu „ženského“ a „mužského“ umenia, ale v tom, že to druhé bolo inštitucionalizované oveľa dlhšie a nie v posledná možnosť to ovplyvňuje jeho cenu.

Spravodlivosť trhového ocenenia umenia môže byť spochybnená, ale fakty zostávajú faktami: napríklad, že v Londýne Národná galéria Z 2300 diel v zbierke je len 11 od žien a z umelcov, ktorých Tate zastupuje, je 83 percent mužov. Existuje však dôvod domnievať sa, že situácia sa mení a bude meniť, a na začiatok by nám nezaškodilo, keby sme sa aspoň dozvedeli viac o ženách, ktoré zanechali svoju stopu v umení.

Guerrilla Girls "Musia byť ženy nahé, aby boli v múzeu?", 2004

Van Gogh, Matisse, Gauguin, Dali... A stovky ďalších mužov, géniov maľby, ktorých všetci dobre poznajú, ktorých poznáme a milujeme už od detstva. Ale zdá sa, že predstavitelia krásnej polovice ľudstva zostávajú bokom... Ako často možno počuť urážlivú, nespravodlivú otázku: "Prečo medzi ženami nie sú známe umelkyne? Možno im to nie je dané?" Samozrejme, nie je to pravda. Dnes si pripomenieme veľkých umelcov, ruských i zahraničných, ktorých obrazy sú právom považované za svetové majstrovské diela. Sedem veľkých mien, sedem ťažkých ženských osudov vo svete výtvarného umenia, ktoré je všeobecne považované za mužské...

Natália Gončarová(1881-1962) - prababička tej istej Natalya Nikolaevna Goncharova, manželka Alexandra Sergejeviča Puškina (umelec svojho času navrhol „Príbehy cára Saltana“, čím vzdal hold slávnemu vzťahu).
Študovala maľbu pod vedením vynikajúceho umelca a pedagóga Konstantina Korovina. Spolu s manželom M. F. Larionovom, jedným zo zakladateľov ruskej avantgardy, zorganizovala združenie „Oslí chvost“. V roku 1915 dostala pozvanie od Sergeja Diaghileva pracovať na ruských sezónach - turné operných a baletných umelcov v Paríži.
Natalya Goncharova súčasnou hodnotou svojich obrazov predbehla všetkých umelcov sveta. V roku 2008 prekonal cenový rekord v „ženskej kategórii“ obraz „Kvety“, ktorý sa v Christie's predal za viac ako 10 miliónov dolárov.Dielo je jedným z kľúčových diel ruskej avantgardy, keďže spája prvky európskeho impresionizmu a absolútne novátorské hnutie vytvorené Gončarovou a jej manželom – tzv. "Rayizmus". Všetky objekty, ktoré vidíme, sú súčtom lúčov lámaných od tých istých objektov. Umelec experimentoval aj s primitivizmom, využíval ikonografiu.
V roku 2010 na londýnskej aukcii obraz „Španielska chrípka“ vytvoril ďalší cenový rekord - jeho šťastný majiteľ sa rozišiel s 1,216 miliónmi dolárov.
Dnes je väčšina diel Natálie Gončarovej v Treťjakovskej galérii.

Natália Gončarová. "Páv pod jasným slnkom." 1911.

Frida Kahlo(1907-1954) je najznámejšia mexická umelkyňa, ktorá sa preslávila svojimi farebnými autoportrétmi. Na jej práci mala citeľný vplyv Mexická kultúra a umenie národov predkolumbovskej Ameriky. Umelecký štýl Fridy Kahlo bol charakterizovaný ako ľudové umenie alebo naivné umenie..
Frida mala celý život chatrné zdravie – trpela detskou obrnouvo veku šiestich rokov a tiež utrpel vážnu autonehoduv tínedžerskom veku, po ktorom musela podstúpiť početné operácie, čo ju ovplyvnilo na celý život. Práve po tragédii prvýkrát požiadala svojho otca o štetce a farby. Prvý obraz bol autoportrét, ktorý navždy určil hlavný smer kreativity. Vo svojom denníku napísala:"Píšem sám, pretože trávim veľa času sám a pretože som téma, ktorú poznám najlepšie."
V roku 1929Kahlo sa vydala za umelca Diega Riveru.Ich turbulentný spoločný život sa stal legendou.
V roku 1937 v dome Diega a Fridy, ktorí sa hlásia ku komunistickým názorom, našiel nakrátko útočisko sovietsky revolučný vodca Leon Trockij; s Fridou si začali románik.
V štyridsiatych rokoch Obrazy Fridy Kahlo sa objavujú na niekoľkých významných výstavách. Zároveň sa jej zhoršujú zdravotné problémy. Lieky a lieky určené na zníženie fyzického utrpenia menia jej stav mysle, čo sa jasne odráža aj v denníku, ktorý sa medzi jej fanúšikmi stal kultom. V roku 1953 jej prvá osobná výstava sa uskutočnila v jej domovine. V tom čase už Frida nemohla vstať z postele a na vernisáž výstavy ju priviezli na nemocničnom lôžku. O rok neskôr kultová umelkyňa a ikona štýlu zomrela, no jej život, jej živý obraz a úžasné maľby sa stali inšpirujúcou legendou pre milióny ľudí na celom svete...

Frida Kahlo. "Autoportrét (Diego v myšlienkach)." 1943.

Mária Baškircevová(1858 - 1884) - narodil sa v provincii Poltava. Je prvou z ruských umelcov, ktorých obrazy „Jean a Jacques“ a „Stretnutie“ zdobili steny Louvru. Väčšina jej diel však neprežila prvú svetovú vojnu. Okrem 150 obrazov, 200 kresieb a mnohých akvarelov zanechala Maria Bashkirtseva po sebe aj literárne dedičstvo - „Denník“, ktorý si viedla vo francúzštine od svojich 15 rokov. Po jej smrti bola preložená do všetkých európskych jazykov a čoskoro vyšla aj v Amerike. Je pozoruhodné, že matka vytrhla z denníka všetky stránky, v ktorých sa spomínali feministické názory jej dcéry. Je známe, že Maria Bashkirtseva aktívne obhajovala práva žien. Jej povahe pripadali stiesnené aj akademické maliarske kánony. Najradšej pracovala pod holým nebom, maľovala tváre parížskych žien vytrhnutých z každodennej pouličnej krajiny.
Život umelkyne, žiaľ, nebol dlhý: zomrela na tuberkulózu vo veku iba 25 rokov. V posledných rokoch svojho života si umelkyňa dopisovala s Guyom de Maupassantom, ktorý pri jej hrobe povedal: „Toto bola jediná ruža v mojom živote, ktorej cestu by som posypal ružami s vedomím, že bude taká svetlá a taká krátka. !“ A skvelá Marina Tsvetaeva venovala Bashkirtsevovi zbierku raných textov „Evening Album“.

Mária Baškircevová. "dažďový dáždnik" 1883.

Mary Cassattová(1844-1926) — slávny americký umelec a grafik, ktorý maľoval v štýle impresionizmu. Väčšinu života prežila vo Francúzsku a bola priateľkou s Edgarom Degasom a Berthe Morisotovou. Jej maľby boli inšpirované obrazmi sociálneho a osobného života žien, s osobitným dôrazom na úzke puto medzi matkami a deťmi.
Hoci Maryina rodina namietala proti jej túžbe stať sa profesionálnou umelkyňou, začala študovať maľbu na Pensylvánskej akadémii výtvarných umení vo Philadelphii. Netolerovala pokojné tempo učenia a povýšenecký postoj mužskej polovice študentov a učiteľov, rozhodla sa pokračovať v štúdiu sama a v roku 1886 sa presťahovala do Paríža.
Keď videla pastely Edgara Degasa vo výklade umeleckého obchodu, napísala priateľovi: „Musela som ísť a pritlačiť nos k oknu, aby som absorbovala všetko, čo som mohla z jeho maľby. Zmenilo mi to život. Videl som umenie tak, ako som ho chcel vidieť.“ S Degasom sa stretla v roku 1874. Onpozval ju na výstavu impresionistov a diela Mary Cassattovej boli vystavené na výstave v roku 1879.
Cassatt sa stala mimoriadne zručnou v používaní pastelov a nakoniec vykonala mnohé zo svojich obrazov touto technikou.
Séria prísne napísaných, rafinovane dodržiavaných, nesentimentálnych obrazov matky a dieťaťa je hlavnou témou jej najznámejších diel.
Deväťdesiate roky 19. storočia boli pre Cassatt najživším a najkreatívnejším obdobím jej života. Napodobňovali ju mladí americkí umelci, ktorí potrebovali jej rady a podporu.Ako uznanie za jej prínos k umeniu sa v roku 1904dostal Rád čestnej légie.
Mary Cassatt zomrela v roku 1926v Chateau de Beaufren neďaleko Paríža a bol pochovaný v rodinnej krypte.

Mary Cassattová. "Ženy obdivujúce dieťa." 1897.

Zinaida Serebryaková(1884−1967) - ruský realistický umelec. Jej starý otec a pradedo sa venovali architektúre, jej otec sa venoval sochárstvu a maľbe, medzi jej strýkov patril aj slávny umelec a kritik Alexander Benois, takže Zinaida sa od detstva priatelila so štetcom a plátnom.
Serebryakova sa vydala za svojho bratranca; Príbuzní tento zväzok neschvaľovali a umelkyňa a jej manžel museli emigrovať a nechať svoje deti v Rusku. Zinaida Serebryakova mala to šťastie, že videla svojho syna až po 36 rokoch...
Dnes sa umelcove obrazy predávajú za neuveriteľné množstvo peňazí. A kým žila v Paríži, snažila sa uživiť maľovaním portrétov, no veľmi často ich jednoducho rozdávala zákazníkom. Kvôli chudobe bola Serebryakova dokonca nútená vyrábať vlastné farby. Do Ruska sa už nikdy nemohla vrátiť: Druhá svetová vojna ju odrezala od vlasti.
Najznámejším obrazom Zinaidy Serebryakovej je autorkin autoportrét „Za záchodom“ (1909). Verejnosť prvýkrát začala hovoriť o talente autora po prezentácii diela na VII výstave Zväzu ruských umelcov (1910). Dnes je autoportrét 25-ročného umelca uložený v Treťjakovskej galérii. A obraz „Na raňajkách“ (1914), ktorého hrdinami boli deti Serebryakovej, sa nazýva jeden z najlepších detských portrétov v histórii maľby.

Zinaida Serebryaková. "Za záchodom." Autoportrét. 1909.

Berthe Morisot (1841-1895) — Francúzsky umelec, ktorý maľoval v štýle impresionizmu. Bola praneterou slávneho umelca, majstra rokokového štýlu Jean Honore Fragonarda,bola vydatá za Eugena Maneta, brat svojho priateľa a kolegu Edouarda Maneta. Znalcom impresionizmu sú črty tváre Berthy dobre známe, keďže ju Manet často maľoval.
Morisot sa narodil v Bourges, v bohatej buržoáznej rodine. Ona a jej sestra Edma Morisot sa stali umelcami. Rodina po tom, čo sa Bertha rozhodla pre výber povolania, jej do kariéry nezasahovala. U K. Corota vyštudovala maľbu, pracovala s ním v plenéri.
V roku 1864 prvýkrát vystavovala svoje diela na jednej z najprestížnejších umeleckých výstav vo Francúzsku – Parížskom salóne.. Jej práca bola vybraná na účasť na šiestich salónoch v rade, až kým sa v roku 1874 nepripojila k skupine „odmietnutých“ impresionistov, ktorú vytvoril Cézanne., Degas , Monet , Morisot, Pissaro, Renoir a Sisley , a zúčastnili sa ich prvej výstavyv ateliéri fotografa Nadara.
Svetlo, naplnené svetlom a radostným pocitom zo života, obraz B. Morisota vytvára lákavé obrazy, ktoré v duši vyvolávajú pocit harmónie a krásy. V jej obrazoch nie sú žiadne sociálne motívy ani výbuchy emócií, no prinútili nás pozrieť sa na bežné a známe udalosti každodenného života novým spôsobom, sálalo z nich teplo, pohodlie a tiché rodinné šťastie. Tento smer maľby sa ukázal byť žiadaný, Berthine obrazy boli ľahko kúpené a vždy vzbudzovali záujem divákov na výstavách. Umelkyňa mala veľa nasledovníkov po celom svete, najmä medzi maliarkami.

Berthe Morisot. "Chytanie motýľov" 1874.

Elena Polenová(1850 - 1898) - sestra slávneho ruského maliara Vasilija Polenova. X umelkyňa, ktorá na svojich plátnach vytvorila rozprávkový svet.
Narodil sa v Petrohrade v rodine historika. Záujem o mýtické predmety pramení z detstva: malá Lila, ako ju volala jej rodina, vždy čítala ruské ľudové rozprávky. Ona a jej brat študovali kresbu u slávneho umelca a učiteľa, autora metódy „širokého pohľadu“, Pavla Chistyakova. Keďže ženy v tom čase nesmeli vstúpiť na Akadémiu umení, dievča študovalo u Ivana Kramskoya na Petrohradskej škole Spoločnosti pre podporu umenia.
Osobný život Eleny Polenovej nikdy nevyšiel. Na rozdiel od tvorivého života: Treťjakov sám získal niekoľko diel do zbierky. V snoch sa jej vynárali rozprávkové výjavy z obrazov. A pracovala na plátnach na panstve filantropa Mamontova, Abramtsevo. Tu sa napríklad narodilo „Beast“ - monštrum, ktoré unáša dušu z kráľovstva jasných snov.
V posledných rokoch svojho života vytvorila umelkyňa veľa náčrtov fantastických kvetinových vzorov na rámovanie ikon, výšiviek a keramiky. Pri kreslení kvetinových vzorov Polenova ukázala nevyčerpateľnú fantáziu, zakaždým našla nové usporiadanie kvetov, nový rytmus, vytvorila búrlivý a dynamický tok foriem. Elena Polenová zomrela 19. novembra 1898 v Moskve v rozkvete svojich síl a talentu bez toho, aby realizovala mnohé plány. Musela teda navrhnúť ruský pavilón na svetovej výstave v Paríži v roku 1900...

Elena Polenová. "Ivan Tsarevich a Firebird." 1896.

Ak si myslíte, že všetci veľkí umelci sú minulosťou, potom ani netušíte, ako veľmi sa mýlite. V tomto článku sa dozviete o najznámejších a talentovaných umelcov modernosť. A verte, že ich diela zostanú vo vašej pamäti o nič menej hlboko ako diela maestrov z minulých období.

Wojciech Babski

Wojciech Babski – moderný Poľský umelec. Štúdium ukončil na Sliezskom polytechnickom inštitúte, no spojil sa s. IN V poslednej dobe kreslí hlavne ženy. Zameriava sa na vyjadrenie emócií, snaží sa dosiahnuť čo najväčší efekt pomocou jednoduchých prostriedkov.

Miluje farby, ale na dosiahnutie najlepšieho dojmu často používa odtiene čiernej a šedej. Nebojte sa experimentovať s rôznymi novými technikami. V poslednej dobe si získava čoraz väčšiu obľubu aj v zahraničí, hlavne vo Veľkej Británii, kde úspešne predáva svoje diela, ktoré sa už nachádzajú v mnohých súkromných zbierkach. Okrem umenia sa zaujíma o kozmológiu a filozofiu. Počúva jazz. V súčasnosti žije a pracuje v Katoviciach.

Warren Chang

Warren Chang - moderný americký umelec. Narodil sa v roku 1957 a vyrastal v Monterey v Kalifornii. V roku 1981 s vyznamenaním promoval na Art Center College of Design v Pasadene, kde získal titul BFA. Počas nasledujúcich dvoch desaťročí pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti v Kalifornii a New Yorku, než sa v roku 2009 vydal na dráhu profesionálneho umelca.

Jeho realistické maľby možno rozdeliť do dvoch hlavných kategórií: biografické interiérové ​​maľby a maľby zobrazujúce ľudí pri práci. Jeho záujem o tento štýl maľby sa datuje od tvorby umelca zo 16. storočia Johannesa Vermeera a rozširuje sa na námety, autoportréty, portréty rodinných príslušníkov, priateľov, študentov, interiéry ateliérov, učebne a domovy. Jej cieľom je realistické maľby Vytvorte náladu a emócie pomocou manipulácie so svetlom a použitím tlmených farieb.

Chang sa preslávil po prechode na tradičné výtvarné umenie. Za posledných 12 rokov si vyslúžil množstvo ocenení a vyznamenaní, z ktorých najprestížnejšie je Master Signature od Oil Painters of America, najväčšej komunity olejomaľby v Spojených štátoch. Iba jeden človek z 50 má možnosť získať toto ocenenie. Warren v súčasnosti žije v Monterey a pracuje vo svojom ateliéri a tiež vyučuje (známy ako talentovaný učiteľ) na San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – taliansky umelec. Narodil sa v Blair 15. októbra 1955. Diplom zo scénografie získal na Inštitúte umenia v Spolete. Ako umelec je samouk, keďže si samostatne „postavil dom poznania“ na základoch položených v škole. Olejom začal maľovať vo veku 19 rokov. V súčasnosti žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho rané maľby sú zakorenené v surrealizme, ale postupom času sa začína zameriavať na blízkosť lyrického romantizmu a symbolizmu, pričom túto kombináciu umocňuje vynikajúcou prepracovanosťou a čistotou svojich postáv. Animované a neživé predmety nadobúdajú rovnakú dôstojnosť a vyzerajú takmer hyperrealisticky, no zároveň sa neskrývajú za oponou, ale umožňujú vám vidieť podstatu vašej duše. Všestrannosť a sofistikovanosť, zmyselnosť a osamelosť, premyslenosť a plodnosť sú duchom Aurelia Bruniho, živeného nádherou umenia a harmóniou hudby.

Aleksander Baloš

Alkasander Balos je súčasný poľský umelec špecializujúci sa na olejomaľbu. Narodil sa v roku 1970 v poľských Gliwiciach, no od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.

V detstve študoval umenie pod vedením svojho otca Jana, samouka a sochára, takže nízky vek, umeleckej činnosti dostal plnú podporu od oboch rodičov. V roku 1989, vo veku osemnástich rokov, Balos odišiel z Poľska do Spojených štátov amerických, kde bol školský učiteľ a umelkyňa na čiastočný úväzok Katie Gaggliardi povzbudili Alkasandera, aby sa prihlásil umelecká škola. Balos potom získal plné štipendium na University of Milwaukee, Wisconsin, kde študoval maľbu u profesora filozofie Harryho Rozina.

Po absolvovaní bakalárskeho štúdia v roku 1995 sa Balos presťahoval do Chicaga študovať na School of Fine Arts, ktorej metódy vychádzajú z práce Jacquesa-Louisa Davida. Obrazový realizmus a portrétna maľba tvoril väčšinu Balosovej tvorby v 90. rokoch a začiatkom 21. storočia. Balos dnes používa ľudskú postavu na zvýraznenie čŕt a na vyzdvihnutie nedostatkov. ľudská existencia bez ponúkania akýchkoľvek riešení.

Predmetné kompozície jeho obrazov sú určené na samostatnú interpretáciu diváka, až potom obrazy nadobudnú svoj skutočný časový a subjektívny význam. V roku 2005 sa umelec presťahoval do severnej Kalifornie, odvtedy sa námet jeho tvorby výrazne rozšíril a teraz zahŕňa voľnejšie maliarske metódy vrátane abstrakcie a rôznych multimediálnych štýlov, ktoré pomáhajú vyjadrovať myšlienky a ideály existencie prostredníctvom maľby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks je súčasná americká umelkyňa. Narodil sa v roku 1977 v Ridgewoode, New Jersey. O maľovanie som sa začal zaujímať ešte ako dieťa. Študoval na New School v New Yorku a Štátna univerzita Montclair a absolvoval Boston College v roku 1999 s titulom B.A. Zároveň študovala maľbu na akadémii Lorenzo Medici vo Florencii.

Potom pokračovala v magisterskom štúdiu na New York Academy of Art na oddelení figuratívneho umenia, ktorú ukončila v roku 2001. Vyštudovala Fullerton College v roku 2006. Istý čas prednášala na univerzitách a vzdelávacie inštitúcie po celej krajine vyučovala maľbu na New York Academy of Art, ako aj na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.

„Pomocou filtrov, ako je sklo, vinyl, voda a para, skresľujem Ľudské telo. Tieto filtre vám umožňujú vytvárať veľké plochy abstraktný dizajn s farebnými ostrovčekmi, ktoré prekukávajú časti ľudského tela.

Moje obrazy menia moderný pohľad na už zabehnuté, tradičné pózy a gestá kúpajúcich sa žien. Pozornému divákovi by mohli veľa povedať o takých zdanlivo samozrejmých veciach, akými sú výhody plávania, tanca a pod. Moje postavy sa tlačia na sklo sprchového okna, deformujúc svoje vlastné telá, uvedomujúc si, že tým ovplyvňujú notoricky známy mužský pohľad na nahú ženu. Hrubé vrstvy farby sa miešajú tak, aby z diaľky napodobňovali sklo, paru, vodu a mäso. Zblízka však úžasné fyzikálne vlastnosti Olejová farba. Experimentovaním s vrstvami farieb a farieb nachádzam bod, v ktorom sa abstraktné ťahy štetcom stávajú niečím iným.

Keď som prvýkrát začal maľovať ľudské telo, bol som ním okamžite fascinovaný a dokonca posadnutý a veril som, že svoje obrazy musím urobiť čo najrealistickejšími. „Vyznával som“ realizmus, až kým sa nezačal odkrývať a odhaľovať protiklady v sebe. Teraz skúmam možnosti a potenciál štýlu maľby, kde sa stretáva reprezentačná maľba a abstrakcia – ak oba štýly dokážu koexistovať v rovnakom čase, urobím to.“

Antonio Finelli

taliansky umelec – “ Pozorovateľ času“ – Antonio Finelli sa narodil 23. februára 1985. V súčasnosti žije a pracuje v Taliansku medzi Rímom a Campobasso. Jeho diela boli vystavené vo viacerých galériách v Taliansku i v zahraničí: Rím, Florencia, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a nachádzajú sa aj v súkromných a verejných zbierkach.

Kresby ceruzkou" Pozorovateľ času„Antonio Finelli nás vezme na večnú cestu vnútorný svetľudskú dočasnosť a s tým spojenú svedomitú analýzu tohto sveta, ktorej hlavným prvkom je prechod časom a jeho stopy na koži.

Finelli maľuje portréty ľudí akéhokoľvek veku, pohlavia a národnosti, ktorých mimika naznačuje prechod v čase a umelec tiež dúfa, že na telách svojich postáv nájde dôkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svoje diela jednou vecou, spoločný názov: „Autoportrét“, pretože vo svojich kresbách ceruzou zobrazuje nielen osobu, ale umožňuje divákovi kontemplovať skutočné výsledky plynutie času v človeku.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni je 37-ročná talianska umelkyňa, dcéra diplomata. Má tri deti. Dvanásť rokov žila v Ríme a tri roky v Anglicku a Francúzsku. Vyštudovala dejiny umenia na BD School of Art. Potom získala diplom reštaurátora umenia. Predtým, ako našla svoje povolanie a začala sa naplno venovať maľbe, pracovala ako novinárka, koloristka, dizajnérka a herečka.

Flaminiaina vášeň pre maľovanie vznikla v detstve. Jej hlavným médiom je olej, pretože miluje „coiffer la pate“ a tiež sa hrá s materiálom. Podobnú techniku ​​spoznala v dielach umelca Pascala Toruu. Flaminia je inšpirovaná veľkými majstrami maľby ako Balthus, Hopper a François Legrand, ako aj rôznymi umelecké hnutia: street art, čínsky realizmus, surrealizmus a renesančný realizmus. Jej obľúbený umelec Caravaggio. Jej snom je objaviť terapeutickú silu umenia.

Denis Černov

Denis Černov - talentovaný Ukrajinský umelec, narodený v roku 1978 v Sambir, Ľvovská oblasť, Ukrajina. Po ukončení štúdia v Charkove umelecká škola v roku 1998 zostal v Charkove, kde v súčasnosti žije a pracuje. Študoval aj v Charkove Štátna akadémia dizajn a umenie, odbor grafika, absolvoval v roku 2004.

Pravidelne sa zúčastňuje umelecké výstavy, na tento moment sa ich uskutočnilo viac ako šesťdesiat, a to tak na Ukrajine, ako aj v zahraničí. Väčšina diel Denisa Černova je uložená v súkromných zbierkach na Ukrajine, v Rusku, Taliansku, Anglicku, Španielsku, Grécku, Francúzsku, USA, Kanade a Japonsku. Niektoré diela sa predávali v Christie's.

Denis pracuje v širokej škále grafických a maliarske techniky. Kresby ceruzkou sú jednou z jeho najobľúbenejších maliarskych metód, zoznam jeho tém kresby ceruzou je tiež veľmi rôznorodý, maľuje krajiny, portréty, akty, žánrové skladby, knižné ilustrácie, literárne a historické rekonštrukcie a fantázie.

Publikácie v sekcii Múzeá

Predchodcovia slávnych: ruskí umelci 19. storočia

Rusko je právom hrdé na svojich umelcov - „Amazonky avantgardy“ Gončarovovú alebo Rozanovovú a pred nimi - Serebryakovú alebo Ostroumovú-Lebedevovú a pred nimi... A kto prišiel pred nimi? Povieme vám, kto vydláždil cestu rozkvetu kreativity žien v 20. storočí. Otázku študovala Sofya Bagdasarová.

Počet žien, ktoré maľovali, začal narastať ako lavína od roku 1900. Ale v minulom storočí ich spočítate na jednej ruke. Bolo to spôsobené jednak nízkou dostupnosťou ženské vzdelanie a s patriarchálnou myšlienkou, aké povolania sú vhodné pre dámy. Situácia sa postupne menila.

Romanovci

Dielo Márie Fjodorovny, manželky Pavla I. Portrét Pavla I. 1790

Prvými profesionálnymi umelkyňami v Rusku boli, samozrejme, cudzinci – Dorothea Gsell (manželka maliara pozvaného Petrom I.), Marie-Anna Collot (svokra sochára Falconeta), Elisabeth Vigée-Lebrun (manželka sv. umelec Jean-Baptiste Lebrun) a ďalší.

Možno prvým ruským umelcom bol aj cudzinec – bola to cisárovná Mária Feodorovna, manželka Pavla I. Rusa veľkovojvodkyňa Od roku 1776 si užívala plody svojho vynikajúceho nemeckého vzdelania: písala pastelom, kreslila na sklo olovenými ceruzkami a ako jedna z prvých na svete ovládala aj sústružnícke umenie. Jej najlepšie portréty na jaspise či acháte sú portréty príbuzných. Aj dcéry cisárovnej maľovali a vyrezávali basreliéfy. A čo je najdôležitejšie, Maria Feodorovna učila nielen svoje deti, ale podieľala sa aj na výchove všetkých svojich ženských predmetov. Zakladala ústavy a školy, vymýšľala vzdelávacie programy, teda načrtla jasný plán rozvoja vzdelávania žien v Rusku, ktorého sa krajina držala celé storočie.

Jej menovkyňa, ďalšia cisárovná Mária Feodorovna (manželka jej pravnuka) sa tiež venovala maľbe Alexandra III). Jej dcéra po nej zdedila schopnosť kresliť, veľkovojvodkyňa Oľga Alexandrovna. To jej pomohlo nakŕmiť svoje deti v exile: aj keď jej akvarely neboli také talentované, kupujúci boli radi, že majú niečo „od Romanovcov“.

Šľachtičné-amatérky

Postupne to bolo ako v Európe: každá vzdelaná slečna musela vedieť tancovať, vyšívať a kresliť. Medzi šľachtičnými dobami Alexandra a Mikuláša sa objavili amatérske umelkyne, ktoré si zdobili albumy a pamätné knihy rôznymi skicami. Dámy pracovali podľa vzoru diel iných umelcov: napríklad slúžka Jekaterina Bakunina (vydatá Poltoratskaja), subjekt Puškinovej vášne, vytvorila svoj „autoportrét“ vytvorením kópie kresby od Oresta. Kiprensky; kópiami sú aj jej portréty matky a manžela.

Niektoré dámy ovládali pastelovú techniku ​​(dcéra generála Kamenského Alexandra Rževskaja, neter paninských grófov Alexandra Repnina). Mladé dámy z rodín Sheremetev, Dolgoruky a Apraksin sa zaoberali kreslením. Maľovanie miniatúr na slonovine sa považovalo za slušné - ako to urobila Anna Buturlina, praneter Kancelár Voroncov. A tí najtalentovanejší sa odvážili maľovať olejmi - „mužskou“ technikou náročnou na prácu. Medzi nimi dcéra vedúceho Smolného inštitútu Alexandra Buhler a Gogolova sesternica Glafira Psel, žiačka generálneho guvernéra Malého Ruska.

G. Psel. Portrét sestry. 1839

A. Buturlina. Autoportrét. 1817

E. Bakunina (Poltoratskaja). Portrét matky. 1828

Dcéry a sestry

Mária Durnová. Portrét chlapca. 1820

Aristokratov, samozrejme, učili hosťujúci učitelia. Dievčatá narodené v umeleckých rodinách ovládali umenie inak. Najviac skoré príklady očividne dcéra historický maliar Trofim Durnova Maria a slávny žánrový maliar Venetsianov Alexander. Diela Venetsianovej už nie sú amatérske a nebála sa maľovať olejmi. Je len škoda, že závislosť na príbuznom-učiteľovi je zrejmá: samozrejme, dievča vytvorilo žánrové maľby. Previnili sa tým však aj umelci neskorších generácií: vezmite si Olgu Lagodu-Shishkinu, ktorá v 70. rokoch 19. storočia študovala na cisárskej akadémii umení. Stala sa najprv študentkou a potom manželkou slávneho Ivana Šiškina. Olga Lagoda-Shishkina, rovnako ako jej manžel, maľovala v žánri krajiny. Sofya Kuvshinnikova, jeho študentka a dlhoročná milenka, sa inšpirovala dielom Isaaca Levitana.

Ku koncu storočia si ženy z umeleckých rodín nachádzajú svoj vlastný jazyk. Nikto nebude obviňovať Polenovovu talentovanú sestru Elenu, že ju napodobňuje rozprávky. Dcéra Konstantina Makovského, Elena Luksh-Makovskaya, mala tiež svoj vlastný štýl.

Usilovní študenti

Odborná príprava žien sa začala koncom 30. rokov 19. storočia, keď boli v rámci Imperiálnej spoločnosti na podporu umenia otvorené kurzy kreslenia pre dievčatá. Študovali tam Evdokia Bakunina a Ekaterina Khilkova. Zachoval sa obraz Khilkovej zobrazujúci tieto činnosti. Postupom času začali byť ženy prijímané na Moskovskú školu maľby, sochárstva a architektúry. Dve študentky školy, Antonina Rzhevskaya a Emilia Shanks, - jediné ženy, prijatý do Zväzu potulných. V roku 1842 boli v Petrohradskej škole kreslenia pre dobrovoľníčky v Petrohrade otvorené ženské večerné kurzy.

Ženy mali povolený vstup Cisárska akadémia umenie - prvýkrát ako dobrovoľníci, až 30 ľudí, vrátane budúca manželka Shishkina. Pre ženy XIX storočia, kedy sa začalo uvažovať o emancipácii, míľnikom bol rok 1854, kedy medailu akadémie prvýkrát prevzala žena – Suchovo-Kobylinova sestra Sophia. (Mimochodom, o dva roky skôr sa predsedníčkou Akadémie stala žena – cisárova sestra, veľkovojvodkyňa Mária Nikolajevna.) V roku 1873 na Akadémii bolo študentkám umožnené študovať v rovnakých triedach ako študentkám, ale už nad časom sa počet dievčat natoľko zvýšil, že sa rozhodli urobiť si z nich vlastné oddelenie. Zmiešané učenie a dokonca aj in vládna agentúra, bol pokročilý fenomén: