Kto nie nakarmił serca, kto nie był zachwycony

Ta książka...

V. A. Żukowski

Biblia- skarbnica duchowości i dziedzictwo kulturowe- wywarł ogromny wpływ na rozwój całej kultury światowej. Powstał w okresie od XII wieku. pne mi. na początku II wieku. N. e., nadal pozostaje jedną z moich ulubionych i najczęściej czytanych książek.

Biblia- dzieło składające się z wielu ksiąg napisanych w Inne czasy i różnych autorów. Dlatego tłumaczenie jego nazwy z języka greckiego staje się jasne: „Biblia” - „książki”. Główną częścią Biblii jest Zniszczony I Nowy Przymierze.

Co tak bardzo przyciąga ludzi do Biblii? Przede wszystkim ideały dobroci, sprawiedliwości, bezinteresownej służby ludziom i wiary w wartość osoby ludzkiej. Przez dwa tysiące lat ludzkość związała wiele swoich myśli i ideałów z osobą Jezusa Chrystusa. Szczerze w niego wierzyli, w sposób święty szanowali jego nauki i przymierza. Słuchali go i chwalili. Modlili się za niego...

Starali się uchwycić nieśmiertelny obraz Chrystusa w dziełach sztuki najwięksi mistrzowie. Trudno zliczyć ile dzieł artyści z różnych epok poświęcone są tematyce i obrazom biblijnym. Malowidła w rzymskich katakumbach, bizantyjskie ikony i mozaiki, sztuka surowego średniowiecza i uroczystego renesansu... Michał Anioł i El Greco, Durer i Andriej Rublow, Rembrandt i Rubens... Lista nazwisk największych artystów świata mogłaby kontynuować dokładnie tak, jak lista kompozytorów, którzy stworzyli dzieła muzyczne na tematy Pisma Świętego: J. S. Bach, F. J. Haydn, W. A. ​​Mozart, L. van Beethoven, P. I. Czajkowski, S. V. Rachmaninow...

To samo można powiedzieć o literatura światowa. Rzadko się zdarza, aby jakikolwiek artysta lub pisarz nie odniósł się bezpośrednio lub pośrednio do wątków i obrazów Biblii. Przyciągała poetów swoją obrazowością, bogactwem i pięknem wypowiedzi artystycznej. W tej serii są Dante Alighieri, I.V. Goethe i J.G. Byron, A.S. Puszkin, B.L. Pasternak i I.A. Brodski... Materiał ze strony

Począwszy od XX wieku aż do stron Biblia odwrócił się i kino światowe.

Dzieła sztuki tworzone o tematyce biblijnej nigdy nie były prostą ilustracją Pisma Świętego. Zawierają treści duchowe i głębokie znaczenie moralne. Niestety, historie zapożyczone z mitologii biblijnej nie są dziś znane każdemu. Tłumaczy się to przede wszystkim tym, że sztuka chrześcijańska jest głęboko symboliczna i ściśle kanonizowana przez religię, dlatego nie jest łatwo ją zrozumieć. Ta okoliczność nie zawsze pozwala nam dziś docenić to czy inne dzieło sztuki.

Nie, oczywiście, nie są „niekochani” w tym sensie, że ktoś ich rzekomo nie lubi, ale w tym sensie, że są przeciwni namiętnie kochanym. Na przykład jest wiele obrazów na temat „Zuzanna i starsi” lub „Batszeba” - być może ze względu na „truskawkowy” charakter fabuły lub „Grzech pierworodny Adama i Ewy” - i gdzie jeszcze można mówisz średniowiecznym malarzom nadzy ludzie przedstawiać?! Artyści uwielbiali także malować Judytę w trakcie odpiłowywania głowy Holofernesowi lub zaraz po niej – efektownie i z ukrytą sprzecznością: łagodną damę – i nagle takie krwawe skłonności! A także „Ofiara Izaaka”, „Powrót syna marnotrawnego” i wiele innych różnych historii.

Zobaczmy więc, w jakich opowieściach biblijnych sztuki piękne rzadko się odwoływali i przywróćmy trochę sprawiedliwości, wspominając o nich.

„Stworzenie Ewy”. Średniowieczna miniatura księgowa z XIV-XV wieku.

Oczywiście jeszcze nie obraz, ale dość szczegółowy obraz. Porusza mnie swoją szczegółową wykonalnością - w ten sposób Pan wziął żebro Adama, a na jego końcu w cudowny sposób uformowała się najpierw głowa kobiety, a potem reszta ciała. Głowa najprawdopodobniej natychmiast zaczęła dawać zalecenia: więc tutaj jest bardziej, bardziej wypukła, ale tutaj można ją trochę usunąć! Na zdjęciu Bóg wydaje się jej grozić: nie osiągaj zbyt dobrych wyników!

„Bóg sprowadza Ewę do Adama” Bizantyjska mozaika XII wiek.

Adam jest oczywiście zakłopotany: okazuje się, jakie ciekawe rzeczy można zrobić z moich żeber! „Daj mi dwa!”

„Noe wypuści gołębicę”. Książka w miniaturze.

O Kainie i Ablu nie wspominam – często przedstawiano ich w chwili bratobójstwa w najróżniejszych efektownych pozach, więc pomińmy kilka pokoleń. Więc Noe.

Wiadomo, że w czasie potopu Noe pływał na swojej arce wraz z gromadą wszelkiego rodzaju żywych stworzeń. Aby dowiedzieć się, czy nadszedł czas na lądowanie, trzykrotnie wypuścił gołębicę. Za pierwszym razem ptak wrócił z pustymi rękami, za drugim razem przyniósł liść oliwny, co wskazywało, że gdzieś ziemia była już wolna od wody, a za trzecim razem gołąb nie wrócił - pozostało gdzieś zbudować gniazdo . Noe zdał sobie sprawę, że katastrofa się skończyła i nadszedł czas, aby szukać brzegu.

Kolejny Noe z gołębiem. Mozaika przedstawiająca bazylikę św. Marka w Wenecji (XII-XIII w.)

Nawiasem mówiąc, początkowo Noe wypuścił kruka, ale ten znalazł zwłoki w wodzie i natychmiast zaczął sobie pomagać, zapominając o swoim patronie. Potem musiałem skorzystać z pomocy „niemięsożernego” gołębia.

„Trzy anioły odwiedzają Abrahama”, Aert de Gelder

Historia opowiada o tym, jak praojciec Abraham przyjął jako gościa trzech aniołów, którzy pojawili się przed nim w zwykłej, ludzkiej postaci. W ogóle był osobą bardzo gościnną, mimo że był szlachetnym i zamożnym starcem, ale tym razem zupełnie się załamał, jakby czuł, że goście nie są łatwi: sam pobiegł za najlepszym cielęciem, żeby je ugotować i podawane do stołu bez niewolników. W dowód wdzięczności aniołowie obiecali mu długo oczekiwanego następcę. Jego żona Sara śmiała się nawet do siebie – w końcu miała już 90 lat, ale aniołowie wyrzucali jej brak wiary. Ale rzeczywiście stara kobieta wkrótce poczęła i urodziła syna, Izaaka, przodka Żydów. Niedobrze jednak spotkało konkubinę Hagar, która dawno temu urodziła syna Abrahama Ismaila – została wypędzona wraz z potomstwem na pustynię. To prawda, że ​​​​oboje przeżyli, a rodzina muzułmańska wywodzi się od nich. To prawda, że ​​„Wypędzenie Hagar” to właśnie temat uwielbiany przez artystów.

„Śmierć Sodomy” Kerstian de Keinik.
Fabuła jest dobrze znana, ale rzadko przedstawiana. Na drodze w lewo, za uciekającą grupą ludzi, widoczna jest biała postać – to nadmiernie ciekawska żona Lota. Uciekając z niszczonej przez aniołów Sodomy, naruszyła rozkaz aniołów i odwróciła się – i natychmiast zamieniła się w słup soli. Następnie córki Lota musiały przylutować ojca i na zmianę rodzić z nim dzieci (wnuki?), aby linia nie została przerwana. Ale to już ukochana przez malarzy fabuła „truskawkowa”.

Kolejna Sodoma. Artysta Peter Shawbreck.
Jeśli pamiętacie, Gomora została zniszczona w ten sam sposób. Tutaj, na zdjęciu, wszyscy już uciekli, pozostała tylko żona-filar i krzyki umierających sodomitów tonących w ogniu.

„Samolot Jakuba”, Mikael Lukas Wilman
Bardzo dziwna mistyczna fabuła - Jakub śnił o schodach prowadzących do nieba i aniołach, którzy po nich wspinali się i schodzili. To jak tunel do innego wymiaru.

„Jakub i Rachela” Giacomo d'Antonio de' Nigretti Palma Vecchio, XVI w.

Z Jakubem wiąże się jeszcze jedna piękna historia. Od pierwszego wejrzenia po prostu zakochał się śmiertelnie w swojej kuzynce Racheli. O prawo do jej poślubienia pracował u jej ojca, swego wuja Labana, przez siedem lat, „a wydawało mu się, że to kilka dni, bo ją kochał”. Wujek był takim owocem i w ciemności, gdy nadeszła pora, wsunął Jakubowi swoją najstarszą córkę, mniej piękną, Leę. Kiedy oszustwo wyszło na jaw, Jakub został poproszony o przepracowanie kolejnych siedmiu lat, jeśli zabierze dwie córki Labana. Oznacza to, że jeśli zakochał się w 17-letniej dziewczynie, miał już 31-letnią kobietę. I Jakub to zrobił! Jest taka cudowna powieść „Jak kilka dni”. Przeczytaj, to cudowne! Czytając tę ​​książkę, poznałem biblijne legendy, chociaż nie są one ze sobą prawie powiązane.

„Praca na zgniliźnie”. Fresk z XIV wieku, Serbia.
Hiob jest człowiekiem prawym, którego Bóg postanowił poddać próbie i nawet zgodził się w tej sprawie z diabłem. Biedny Hiob został pozbawiony majątku, dzieci, mieszkania i „nagrodzony” trądem. I usiadł na kupie łajna, i gliniastym odłamkiem zdrapywał strupy ze swojej objętej zapaleniem skóry. Jego żona oczywiście narzekała i narzekała na Boga, który poddał jej prawego męża takim próbom, ale nie przestała karmić swego biedaka. Fresk przedstawia bardzo ciekawą technikę karmienia - za pomocą takiej szpatułki (miłosierdzie to miłosierdzie, a trąd to nie żart!). Ze względu na tak niezwykłe szczegóły umieściłem ten obraz tutaj, ale ogólnie Hiob był często przedstawiany w lochach. On, jeśli pamiętacie, pozostał wierny Panu, za co zwrócono mu zdrowie i majątek, a w tej samej liczbie urodziły się nowe dzieci.

„Córki faraona niosące małego Mojżesza”, fresk z III wieku w synagodze Dura-Europos w Syrii

Bardzo nietypowy archaiczny obraz. Księżniczka i jej pokojówki nie są przedstawiane w znanych nam klasycznych tradycjach, postrzegamy je jako rzeczywiste orientalne kobiety czym naprawdę byli. Jedna pokojówka jak widać musiała się całkowicie rozebrać i wejść do wody, żeby złapać koszyk z dzieckiem. A fabuła zawsze była dość popularna.

„Proces małego Mojżesza”, Giorgione

Kiedy córka faraona przyniosła znalezione dziecko, aby pokazać je ojcu, dziecko wyrwało mu z głowy królewską koronę i rzuciło ją na ziemię. Faraonowi nie spodobało się to i postanowił wystawić Mojżesza na próbę. Przyniesiono dziecku naczynie z węglami i naczynie ze złotem i drogimi kamieniami. Anioł poprowadził rączkę dziecka, a ono chwyciło węgiel i włożyło go do ust. Od tego czasu wielu Żydów lekko pogrzebało. Podejrzenia faraona zostały rozwiane, a dziecko (na własny koszt) pozostawiono w pałacu.

„Mojżesz ratuje córki Jetry”, Rosso Fiorentino

Córki kapłana Jetry (w liczbie siedmiu) chciały napoić swoje owce ze źródła, lecz pasterze brutalnie je wypędzili. Młody Mojżesz stanął w obronie dziewcząt. Później ożenił się z jedną z nich. To taka nudna historia, zwykła codzienna scena, ale na zdjęciu jest przedstawiona jako wielka masakra.

„Samson ze szczęką osła”. Salomona de Bry

Ogólnie rzecz biorąc, szczęki zwierząt kopytnych były popularną bronią wśród starożytnych, ponieważ Kain zabił Abla tą samą bronią. Samson w malarstwie „zasłynął” z rozdarcia lwa pyska, zniszczenia filistyńskiej świątyni i nierozważnego odpoczynku na kolanach zdradzieckiej Delili, która obcięła mu włosy, w których przechowywana była siła śmiałka. Zasłynął także z zabicia 1000 Filistynów szczęką osła. Rzadko był tak przedstawiany – cichy, domowy, z miłością gładzący swoją broń.

„Saul rzuca włócznią w Dawida”, Guercino

Saul jest takim starożytnym królem Judy. Na początku wydawał się normalnym człowiekiem, ale potem zaczął się dziwnie zachowywać. Młody Dawid, który zabił olbrzyma Goliata, był bardzo popularny wśród ludu, ale Saul był o niego zazdrosny i ledwo mógł tolerować młodego człowieka. Podczas jednej z uroczystości w pałacu nie mógł się oprzeć i rzucił włócznią w Dawida, gdy ten radował pieśnią uszy otaczających go ludzi. Facetowi ledwo udało się uciec.

„Śmierć Absaloma”, Francesco Pesellino

Dawid, jakby na złość swemu przestępcy Saulowi, w końcu został królem. Miał syna Absaloma, który postanowił zbuntować się przeciwko ojcu i zebrał przeciwko niemu swoje wojsko. Jego armia została pokonana, a on sam uciekł, ale w czasie pościgu zahaczył swoimi długimi włosami o gałęzie dębu. W tej chwili jeden z dowódców Dawida rzucił w niego trzema włóczniami. Zwykle artyści przedstawiają go rzucającego wszystkimi trzema włóczniami na raz. Pomimo zdrady syna David opłakiwał go smutno.

„Śmierć Sysery” Artemisia Genileschi

Ta słodka dziewczyna, która tak spokojnie i sprawnie wbija kołek namiotowy w głowę śpiącego mężczyzny, to Jael z rodu Kenitów. Wódz kananejski Sysera, prześladowca Żydów i, jak mówią, człowiek zły, poddał się zabiegowi przybicia głowy do podłogi. Ogólnie Artemisia Genileschi uwielbiała takie historie, w których mężczyźni znajdowali się w różnych złych sytuacjach. Ona sama cierpiała z powodu mężczyzn i najwyraźniej mściła się w podobny sposób. Istnieje niefortunna historia, kiedy pozwała nauczyciela plastyki za zgwałcenie jej. Nauczyciel został skazany, ale niemal natychmiast uniewinniony i zwolniony z więzienia. Krążyły pogłoski, że był po prostu kochankiem Artemizji i obiecał się ożenić, ale tego nie zrobił, ponieważ był już żonaty.

„Kara Izebel” Andre Celestiego, XVII wiek

Izebel jest nikczemną córką króla Sydonu, złego władcy i ciemiężyciela narodu żydowskiego, który próbował wykorzenić jego religię. Prorok Eliasz walczył z nią. Za wszystkie swoje okrucieństwa Izebel otrzymała pełną cenę – w końcu została wyrzucona przez okno, jej ciało zostało stratowane przez konie i rozszarpane przez psy. Czy widzisz, jak psy zjadają starszą panią na zdjęciu? To jest zła Izebel.

„Jonasz i wieloryb” Jana Brueghela Starszego.

Bóg nakazał Jonaszowi udać się na ziemie pogańskie i głosić, lecz prorok postanowił uniknąć niebezpiecznej misji i zapragnął popłynąć statkiem w zupełnie innym kierunku. Wtedy na morzu zerwała się straszna burza, statek przewracał się z boku na bok, a żeglarze zaczęli rzucać losy, aby dowiedzieć się, kto rozgniewał Boga. Los padł na Jonasza. Prorok zdał sobie sprawę, że nie może uniknąć śmiertelnego losu i rzucił się w głębiny morskie, gdzie został połknięty przez dużą rybę (wieloryb, jak podają niektóre źródła). Kilka dni później wieloryb wypluł Jonasza bez szwanku, a on nadal musiał iść tam, gdzie mu kazano i głosić. Wszystko zakończyło się pomyślnie: Jonaszowi udało się nawrócić cały lud na prawdziwą wiarę.

Były to historie Starego Testamentu, a teraz przejdźmy do rzadkich historii Nowego Testamentu.

„Święta Rodzina” – Bartolome Esteban Perez Murillo, XVII wiek
Nieczęsto przedstawiano w ten sposób małego Chrystusa, św. Józefa i Dziewicę Maryję. I to jest bardzo urocze!

„Dzieciństwo Chrystusa w domu Józefa” Gerrit van Horst, XVII wiek.
Jest tu także rzadka fabuła – Józef uczy Jezusa rzemiosła stolarskiego, chłopiec pomaga mu trzymając świecę. Caravaggio ma również taki obraz.

Bardzo rzadka ikona grecka - Pierwsze kroki Jezusa Chrystusa(ok. XV-XVI w.). Niestety jest poważnie uszkodzony; Aby zrozumieć jej ikonografię, przytaczam późniejszą podobną ikonę:

Pierwsze kroki Jezusa Chrystusa. Grecja

„Nakarmienie pięciu tysięcy ludzi pięcioma bochenkami chleba” Lambert Lombard, XVI w

Legenda jest dobrze znana, ale rzadko była przedstawiana.

"Nie dotykaj mnie!" Lavinia Fontana

Były oczywiście takie dzieła, ale było ich niewiele (na przykład Giotto). Jest to pierwsze ukazanie się Chrystusa ludziom po Zmartwychwstaniu; Maria Magdalena go widziała, ale Chrystus zabronił jej się zbliżać: „Nie dotykaj mnie, bo jeszcze nie wstąpiłem do Ojca, ale idź do moich braci i powiedz im: Wstępuję do Ojca mego i Ojca waszego oraz Boga mego i Boga waszego.”

„Bezlitosny dłużnik” Domenico Fettiego

To już są przypowieści Chrystusa. Jedna z przypowieści opowiada o uwolnieniu pewnego niewolnika po darowaniu mu całego długu. A pierwszą rzeczą, którą zrobił po odzyskaniu wolności, było złapanie za gardło dłużnika, który był mu winien kilka groszy.

„Przypowieść o robotnikach w winnicy” Rembrandta
Opowieść o buncie winiarzy, którzy byli oburzeni, że płacą tyle samo tym, którzy pierwsi przyszli do pracy i pracowali cały dzień, i tym, którzy mieli tylko czas na pracę Ostatnia godzina. Winnica jest alegorią wiary, królestwa niebieskiego. Nie ma znaczenia, kto i kiedy to zaakceptuje, nagroda będzie taka sama dla wszystkich.

To rzadkie historie. Teraz będziesz wiedział, co jest pokazane na niektórych niezrozumiałe zdjęcia. I pewnie kiedyś do tego wrócimy.

Rosyjski artysta, muzyk i działacz teatralny Wasilij Polenow przez długi czas nie miał odwagi sięgnąć w swojej twórczości do tematu biblijnego. Aż do momentu, w którym wydarzyło się coś strasznego: jego ukochana siostra poważnie zachorowała i przed śmiercią kazała bratu obiecać, że zacznie „malować duży obraz na długo planowany temat „Chrystus i grzesznik”.

I dotrzymał słowa. Po stworzeniu tego obrazu Polenov zaczął tworzyć całą serię obrazów zatytułowanych „Z życia Chrystusa”, którym poświęca kilkadziesiąt lat niestrudzonych poszukiwań twórczych i duchowych. W tym celu Polenov podróżuje nawet przez Konstantynopol, Ateny, Smyrnę, Kair i Port Said do Jerozolimy.

Henryk Semiradski

Wybitny portrecista Henryk Semiradski, mimo iż był Polakiem z pochodzenia, już od młodości czuł organiczny związek z kulturą rosyjską. Być może ułatwiło to studiowanie w gimnazjum w Charkowie, gdzie rysunku uczył uczeń Karla Bryulłowa, Dmitrij Bezperchiy.

Semiradsky nadał malowniczości swoim płótnom o tematyce biblijnej, dzięki czemu stały się jasne, zapadające w pamięć i żywe.

Szczegół: Brał udział w malowaniu Katedry Chrystusa Zbawiciela.

Aleksander Iwanow

„Nauczycielem pozostawił jedynie boskiego Rafaela. Dzięki wysokiemu instynktowi wewnętrznemu przeczuwał prawdziwe znaczenie tego słowa: malarstwo historyczne. A jego wewnętrzne przeczucie zwróciło jego pędzel ku tematyce chrześcijańskiej, najwyższemu i ostatniemu stopniowi wzniosłości” – pisał o słynnym malarzu Nikołaj Gogol.

Aleksander Iwanow jest autorem obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, który kosztował go 20 lat prawdziwej pracy i twórczego poświęcenia. Iwanow wykonywał także akwarelowe szkice do murali „Świątynia Ludzkości”, ale prawie nikomu ich nie pokazywał. Dopiero po śmierci artysty rysunki te stały się znane. Cykl ten wszedł do historii sztuki pod nazwą „szkice biblijne”. Szkice te zostały opublikowane ponad 100 lat temu w Berlinie i od tego czasu nie były wznawiane.

Nikołaj Ge

Obraz Ge „Ostatnia wieczerza” zaszokował Rosję, podobnie jak kiedyś „Ostatni dzień Pompejów” Karla Bryullowa. Gazeta „St. Petersburg Vedomosti” donosiła: „Ostatnia wieczerza” zadziwia swoją oryginalnością na ogólnym tle suszonych owoców akademickiej postawy”, a członkowie Akademii Sztuk z drugiej strony nie mogli się zdecydować przez długi czas.

W „Ostatniej wieczerzy” Ge interpretuje tradycyjny wątek religijny jako tragiczną konfrontację bohatera, który poświęca się dla dobra ludzkości, z uczniem, który na zawsze wyrzeka się wskazań swego nauczyciela. W obrazie Judasza stworzonym przez Ge nie ma nic prywatnego, jest tylko ogólny. Judasz – obraz zbiorowy, Człowiek bez twarzy”.

Szczegół: Nikołaj Ge po raz pierwszy zainteresował się opowieściami ewangelicznymi pod wpływem Aleksandra Iwanowa

Ilia Repin

Uważa się, że żaden z rosyjskich artystów, z wyjątkiem Karla Bryulłowa, nie cieszył się za życia taką sławą jak Ilja Repin. Współcześni podziwiali mistrzowsko wykonane wielopostaciowe kompozycje gatunkowe i pozornie „żywe” portrety.

Ilya Repin wielokrotnie powracał do tematu ewangelii w swojej twórczości. Udał się nawet jako pielgrzym do Ziemi Świętej, aby na własne oczy zobaczyć miejsca, w których przechadzał się i głosił Chrystus. "Prawie nic tam nie napisałem - nie było czasu, chciałem zobaczyć więcej... Namalowałem obraz rosyjskiej cerkwi - głowę Zbawiciela. Chciałem złożyć swój wkład dla Jerozolimy..." Później opowiadał : „wszędzie jest żywa Biblia”, „tak wspaniale poczułem żywego Boga”, „Boże! Jak wspaniale czujesz swoją małość aż do nieistnienia”.

Iwan Kramskoj

Iwan Kramskoj przez całą dekadę zastanawiał się nad swoim obrazem „Zmartwychwstanie córki Jaira”. Na początku 1860 r. wykonał pierwszy szkic, a dopiero w 1867 r. wykonał pierwszą wersję obrazu, która go nie zadowoliła. Aby zobaczyć wszystko, co zostało w ten sposób zrobione, Kramskoy podróżuje po Europie z obowiązkową wizytą w najlepszych muzeach na świecie. wyjeżdża do Niemiec. Odwiedza galerie sztuki w Wiedniu, Antwerpii i Paryżu, zapoznaje się z nową sztuką, a później wybiera się na Krym – w rejony Bakczysarai i Chufui-Kale, tak podobne do pustyni palestyńskiej.

Marka Chagalla

Autor słynnego „Przesłania biblijnego” Marc Chagall od dzieciństwa kochał Biblię, uważając ją za niezwykłe źródło poezji. Od kiedy pochodzi rodzina żydowska, wówczas dość wcześnie zaczęto pojmować podstawy nauczania w szkole przy synagodze. Wiele lat później, już jako dorosły, Chagall w swojej twórczości próbował zrozumieć nie tylko Stary Testament, ale także Nowy Testament i skłaniał się ku zrozumieniu postaci Chrystusa.

Departament Edukacji Komitetu Wykonawczego Rejonu Rechitsa

Państwowa instytucja edukacyjna „Szkoła średnia Kholmechi” w dystrykcie Rechitsa w obwodzie homelskim

Konkurs prac naukowych „Tematyka biblijna w sztuce światowej”

Nominacja: „Tematyka biblijna w sztuce światowej”

Temat: „Opowieści biblijne w dziełach sztuki”

Daria Witalijewna, ósma klasa.

Kierownik projektu: Petrienko

Anna Wiktorowna, nauczycielka historii

Obwód homelski, rejon Rechitsa, Kholmech,

2012

Wprowadzenie 3

Tematyka biblijna w malarstwie wczesnego średniowiecza 4

Artyści renesansu 7

A) Wczesny renesans 7

B) Wysoki renesans 10

B) Późny renesans 15

Odrodzenie północnoeuropejskie 18

Tematy biblijne w malarstwie rosyjskim 22

6) Tematyka biblijna w malarstwie XX wieku 25

7) Wniosek 28

8) Literatura 29

Wstęp

Od dwóch tysiącleci cały świat wychowuje się na baśniach i legendach, pieśniach i przypowieściach zaczerpniętych z Biblii.

Biblia docierała do nas przez wieki. Zakazali jej i spalili, ale przeżyła. Skompilowanie Biblii zajęło 18 wieków. Pracowało nad nim ponad 30 autorów. 66 ksiąg Biblii zostało napisanych w różnych językach przez ludzi żyjących w różnych czasach.

Wielcy artyści świata przedstawiali na swoich obrazach sceny biblijne. Zarówno artyści, jak i osoby zainteresowane sztukami pięknymi mają swoje własne wyobrażenie o Biblii: była ona przecież źródłem tematów dla niezliczonych dzieł malarstwa, grafiki i rzeźby powstałych na przestrzeni ogromnego, bo prawie dwutysięcznego okresu historycznego . Opowieściom biblijnym nadano formę wizualną w postaci tysięcy rzeźb, fresków, ikon, obrazów, rysunków i rycin. Każde takie dzieło oferuje własną wersję fabuły zaczerpniętej z Biblii, o której oryginalności decyduje osobowość i talent artysty, na który wpływa wielka różnorodność czynników społecznych i społecznych. życie kulturalne swojego kraju i swojej epoki.

W procesie realizacji badań planowane jest wykonanie następujących czynności zadania:

uogólniać studiowanie Biblii, ilustrując jej poszczególne wątki arcydziełami malarstwa światowego;

doskonalić umiejętności analizy obrazy umiejętności nabyte na lekcjach historii w zakresie korelacji tego, co przeczytali, z tym, co zobaczyli;

naucz się dostrzegać piękno w malarstwie.

Opowieści biblijne z wczesnego średniowiecza

O ukształtowaniu się pewnego stylu artystycznego można mówić już od około X wieku. Już wówczas wyraźnie widoczna była specyfika sztuki średniowiecznej. Są one równie typowe dla potocznego postrzegania malarstwa, że ​​wciąż na nowo pojawiają się w zamówieniach na projekty obrazów i paneli ołtarzowych. Pobożny laik chciał wiedzieć więcej o cierpieniu i śmierci Chrystusa, niż można było przeczytać w Ewangeliach. To pragnienie „zobaczenia jak najwięcej” (a ściślej: chęć zbadania w najdrobniejszych szczegółach scen ewangelicznych) wyrażało się zarówno w bezpośrednich przeżyciach religijnych, jak i w charakterystycznym dla tego poczucia bliskości doświadczenia religijnego z życiem codziennym. era. Ta integracja sztuki eventowej z rzeczywistością wymagała nowych sposobów widzenia, które znalazły wyraz w rozwoju różnych form i nowych motywów. Badając główny okres malarstwa gotyckiego, który trwał od połowy XIII do połowy XV wieku, z łatwością możemy prześledzić ten proces reorientacji estetycznej i tematycznej we wczesnej sztuce niderlandzkiej, a przede wszystkim w twórczości Jana van Eycka. Jego znane prace to jest Ołtarz Gandawski (patrz strona 3) na zlecenie Josa Veidta dla jego rodziny, V. Napis na informuje, że zostało rozpoczęte, „największy ze wszystkich”, a dokończył jego brat, „drugi w sztuce”. Poświęcony. składa się z 24 paneli przedstawiających 258 postaci ludzkich. Wysokość ołtarza w części środkowej sięga trzech i pół metra, szerokość (po otwarciu) wynosi pięć metrów. Malowidła tworzące ołtarz znajdują się po zewnętrznej i wewnętrznej stronie ołtarza. W stanie zamkniętym - na zewnątrz ołtarza przedstawionoi jego żona modlą się przed posągami I . Środkowy rząd przedstawia scenę. Kształty i oddzielone obrazem okna, w którym widać, co przypuszczalnie odpowiada widokowi z okna domu Veidtów. Górny rząd obrazów przedstawia postacie I prorokini, które przepowiadały nadejście. Po otwarciu wielkość ołtarza podwaja się. Pośrodku górnego rzędu znajduje się Bóg Ojciec zasiadający na tronie (niektóre źródła podają Chrystusa). U stóp Boga Ojca leży korona, symbolizująca wyższość nad wszystkimi królami.

Po lewej i prawej stronie tronu znajdują się wizerunki Matki Bożej i Jana Chrzciciela. Następnie pojawiają się obrazy aniołów grających muzykę. Anioły - bez skrzydeł. Jeden z aniołów (św. Cecylia) gra na organach z metalowymi piszczałkami. Serię uzupełniają nagie postacie i. Nad Adamem i Ewą znajdują się sceny morderstwa i ofiary Kaina i Abla. Pośrodku dolnej kondygnacji znajduje się scena kultu baranka ofiarnego, symbolizującego Chrystusa. Przed ołtarzem znajduje się symbol chrześcijaństwa. Na lewo od fontanny znajduje się grupa sprawiedliwych Starego Testamentu, po prawej stronie znajdują się ludzie, a za nimi świeccy. Na drzwiach bocznych po prawej stronie przedstawiono procesje i pielgrzymów. Na lewym skrzydle procesja wojska Chrystusa i Sędziów Sprawiedliwych.

Pierwsze datowane dzieło Van Eycka, Madonna z Dzieciątkiem, czyli Madonna pod baldachimem (1433). Madonna siedzi w zwyczajnym pokoju z dzieckiem na kolanach i przegląda książkę. Tłem jest dywan i baldachim, ukazane w pomniejszeniu perspektywy. W „Madonnie kanonika Van der Paele” (patrz s. 4) (1434) starszy ksiądz ukazany jest tak blisko Matki Bożej i jej patronki, św. Jerzego, który niemal dotyka białych szat jej czerwonego płaszcza i rycerskiej zbroi legendarnego pogromcy smoków.

Nie należy o tym zapominać duża rola w malarstwie odgrywały wczesne francusko-flamandzkie ilustracje do rękopiśmiennych książek, a twórczość Roberta Campina (mistrza z Flémalles) – jednego z twórców sztuki północnego renesansu, znalazła się w gronie tych mistrzów, którzy położyli podwaliny pod nową, bardziej swobodne podejście do ukazywania otaczającego świata i człowieka, do interpretacji obrazów religijnych Niestety od większości wczesne prace, które były znaczącymi kompozycjami ołtarzowymi, dotarły do ​​nas jedynie fragmenty. Pozwalają jednak także ocenić charakterystyczne cechy dzieła artysty. Godne uwagi jest pragnienie Kampena, aby „ugruntować” historie ewangelii i podkreślić dokładność zwykłych ludzi. postacie. Kompozycja „Boże Narodzenie” (patrz następne 5) jest jedną z najbardziej jasne prace Campena. Wszystkie postacie tego obrazu – od majestatycznej klęczącej Matki Bożej po wołu zaglądającego przez gonty zniszczonej ściany stajni – zostały oddane żywo i przekonująco, z niezwykłą perfekcją. Jednocześnie nie są one ze sobą powiązane, można je rozpatrywać jedynie według

osobno. Mistrz był bliski rozwiązania problemu, który niezmiennie stawał przed malarzami tamtych czasów: jak „umieścić” różne postacie i przedmioty, jak uporządkować świat obrazu? Na to pytanie Kampen znalazł zaskakująco prostą odpowiedź: kompozycję obrazu podporządkował nie prawom geometrii i optyki (jak robili to jego współcześni we Włoszech), ale prostej logice domowego komfortu, tak dobrze znanej każdemu Holenderowi. Kampen buduje kompozycje swoich obrazów z tą samą znajomą łatwością, z jaką troskliwa i doświadczona gospodyni domowa porządkuje. „Zły łotr na krzyżu” (patrz s. 6) (1430-1432) to jedyny zachowany fragment dużego tryptyku. Tradycyjne jest złote tło, na którym ukazane są postacie ukrzyżowanego mężczyzny i dwóch świadków jego męki. Jednocześnie plastyczność nagiego ciała w malarstwie Kampena pozbawiona jest konwencji, sprawia wrażenie namalowanej z życia. Twarze obecnych na egzekucji są bardzo indywidualne i wyraziste. Artysta, posługując się złotym tłem, niczym we frankfurckim ołtarzu, pozostawia otwartą dolną część obrazu, w której pojawia się odległa przestrzeń pejzażowa. Mniej więcej ten sam czas można przypisać maleńkiemu dyptykowi Ermitażu, na którego skrzydłach przedstawiono „Trójcę” oraz „Madonnę z Dzieciątkiem przy kominku” (patrz s. 7). Wizerunek Syna Bożego jest tu zbliżony konstrukcyjnie do Chrystusa frankfurckiej „Trójcy”, jednak jego martwe ciało nie imituje rzeźby, lecz jest podporządkowane ogólnej strukturze obrazowej kompozycji. Jeśli lewe drzwi dają obraz świata nadzmysłowego, to prawe artysta zwraca się ku ukazaniu otoczenia rzeczywistego: przed widzem znajduje się typowy pokój mieszczańskiego domu z charakterystycznym dla tamtych czasów wyposażeniem. Za kratowym oknem widać domy miasteczka. Maria ukazana jest w przytulnym wnętrzu: z naturalnością prostej kobiety siedzi przy kominku, otoczona zwykłymi przedmiotami gospodarstwa domowego. Jednak widz na pierwszy rzut oka dostrzega w tym obrazie coś więcej, wykraczającego poza zwyczajność: życie przestrzeni ukazanej przez artystę zdaje się zatrzymać, nie podlegać zwykłemu upływowi czasu; rzeczy, przy całej swojej konkretności, są postrzegane jako przynależne nie do prozaicznej rzeczywistości, ale do jakiejś innej, idealnej dla świata. Każdy przedstawiony przedmiot, stając się symbolem, zdaje się emanować niezniszczalnym pięknem: umywalka i ręcznik symbolizują zatem czystość Maryi, otwarte okno i bijące z niego światło – obecność duchowe pochodzenie, kominek - siły zła, przed którymi Maryja chroni dziecko.

Artyści renesansu

Renesans to bardzo trudna epoka. Widzimy tu setki nazwisk, dziesiątki traktatów o sztuce, a tylko niektóre z nich są bezpośrednio poświęcone estetyce.

Kultura renesansu jest bogata w nazwiska, zwłaszcza nazwiska artystów Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Raphael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Tycjan Vecellio (1488-1576), El Greco (1541-1541-1541-1541-1541-1541). 1614) itd.

Artyści dążą do uogólnień treść ideologiczna, synteza, ich ucieleśnienie w obrazach. Jednocześnie wyróżnia je chęć podkreślenia najważniejszej, najważniejszej rzeczy na obrazie, a nie szczegółów, szczegółów. W centrum znajduje się obraz osoby – bohatera, a nie boskiego dogmatu przybierającego ludzką postać. Wyidealizowany człowiek jest coraz częściej interpretowany jako obywatel, tytan, bohater, czyli jako człowiek nowoczesny, kulturalny.

Wielu artystów tamtych czasów tworzy jedno i myśli o czymś zupełnie innym. Często tworzą naprawdę nowe formy sztuki, więc nie ma żadnych wątpliwości co do ich nowości, ale jednocześnie ci sami mistrzowie są dosłownie rozerwani na strzępy w swoim życiu wewnętrznym i duchowym, nie wiedzą, co robić, bez końca żałują i na przemian pędzą z jednej pozycji artystycznej na drugą .

Sam renesans jest tradycyjnie podzielony na kilka etapów:

· Wczesny renesans (trecento i quattrocento) – połowa XIV – XV w.;

· Wysoki renesans (cinquecento) – do drugiej tercji XVI w.;

· Późny renesans – druga tercja XVI – pierwsza połowa XVII wieku.

A) Wczesny renesans - połowa XIV - XV wieku.

We wczesnym renesansie na pierwszy plan wysuwa się wolna indywidualność człowieka i ta indywidualność jest tu zwykle bardzo mocno wyrażana.

Giotto di Bondone (kluczowa postać wczesnego renesansu, pierwsza, która obdarzyła figurę uczuciem, określiła kompozycję, zindywidualizowała przestrzeń i wydarzenie). Jego styl malarski był obowiązkowy w XIV wieku. Pod nazwiskiem Giotto di Bondone (1266/1267 –

1337) wiąże się ze zdecydowanym zwrotem w stronę sztuki realistycznej. Do najsłynniejszych dzieł Giotta, które przetrwały do ​​dziś, zalicza się obrazy o tematyce ewangelicznej w Chapel del Arena w Padwie oraz obrazy o tematyce z życia Franciszka z Asyżu w kościele Santa Croce we Florencji.

W tych arcydziełach mistrz porzuca płaski charakter obrazów ikonograficznych, opierając się na syntezie objętości i płaszczyzny. Za jeden z najbardziej wzruszających obrazów Giotta słusznie uważa się wizerunek Chrystusa w scenie „Pocałunek Judasza” (patrz s. 9) (freski kaplicy Arena w Padwie, 1304-1306). Mistrzowi udało się przekazać wysoki dramat tej sceny poprzez spojrzenie Chrystusa zwrócone na zdrajcę. Jednocześnie Giotto potrafił przekazać spokój Chrystusa połączony z wyraźną świadomością przeznaczonego mu losu.

Temat fresku „Chrystus i Judasz” przewija się jako motyw przewodni przez cały cykl padawski („Spotkanie Marii i Elżbiety” (zob. s. 10), „Ucieczka do Egiptu” (zob. s. 11), „Żałoba Chrystusa” ( patrz strona 12) itd.). Innowacja Giotta wywarła ogromny wpływ na sztuki piękne renesansu.

Wybitny mistrz Wczesny renesans uważał Sandro Botticelli (1445-1510). Jego prace opierają się na tematyce religijnej i mitologicznej, charakteryzują się poezją duchową, grą linearnych rytmów i subtelnym kolorem. „Ukrzyżowanie” (patrz strona 13), „Chrystus dźwigający krzyż” i „Mistyczne Narodzenie” (patrz strona 14) stanowią ucieleśnienie niezachwianej wiary Botticellego w odrodzenie Kościoła. Te dwa obrazy odzwierciedlają odrzucenie przez artystę świeckiej Florencji epoki Medyceuszy.

Wielkim malarzem wczesnego renesansu był Masaccio (1401 - 1428) - malarz, w którego obrazach lakonizm, energiczny rozwój akcji, wyrazistość mimiki i ruchów przeciwstawiały się dawnej spokojnej gadatliwości, pełnej wstawionych epizodów historii. „Cud ze Statirem” (por. s. 16-17) (1428) to kompozycja wielofigurowa: wchodząc do miasta Chrystusa, on i jego uczniowie zostali poproszeni o opłatę – statir (monetę). Z rozkazu Chrystusa Piotr złowił w jeziorze rybę, a w jej pysku znalazł statir, który został przekazany strażnikowi. Majestat postaci apostołów wchodzących do miasta, męskość twarzy o zindywidualizowanych rysach ludzi z

ludzie, naturalność gestów i ruchów, wprowadzenie momentów gatunkowych w scenie poszukiwania monety przez Piotra – wszystko to ma jasny, głęboko prawdziwy charakter.

W innym dziele Masaccio, obrazie „Wypędzenie z raju” (patrz s. 18), po raz pierwszy w malarstwie renesansowym pojawia się obraz nagich postaci silnie modelowanych bocznym światłem. Zamieszanie, wstyd i skrucha są ukazane poprzez ruchy i mimikę twarzy. Innowacyjne poszukiwania Masaccio są drogami dalszego rozwoju malarstwa realistycznego.

Wielki holenderski malarz Bosch reprezentuje zupełnie inne zjawisko artystyczne. Miał encyklopedyczną wiedzę z zakresu teologii i nauk ścisłych, literatury i medycyny. Jakoś niezrozumiale udało mu się połączyć średniowieczną fantastykę, folklor, tendencje satyryczne i moralizujące. Całą twórczość artysty przesiąknięty jest jednym tematem: walką dobra ze złem, siłami boskimi i piekielnymi. „Ogród ziemskich radości” 9 cm. sl 19-20) czy „Ogród rozkoszy” (1503). Po lewej stronie tryptyku przedstawiony jest Raj, po prawej Piekło, a pomiędzy nimi obraz ziemskiej egzystencji. Lewa strona „Ogrodu rozkoszy” przedstawia scenę „Stworzenia Ewy”, a sam raj błyszczy i mieni się jasnymi, spełniającymi kolory. Na tle fantastycznego rajskiego krajobrazu, wypełnionego różnorodnymi zwierzętami i roślinami, mistrz ukazuje budzącego się Adama. Adam, który właśnie się obudził, podnosi się z ziemi i ze zdumieniem patrzy na Ewę, którą pokazuje mu Bóg. Znany krytyk sztuki C. de Tolnay zauważa, że ​​niesamowite spojrzenie, jakie Adam rzuca na pierwszą kobietę, jest już krokiem na drodze do grzechu. A Ewa wydobyta z żebra Adama to nie tylko kobieta, ale także narzędzie uwodzenia. W kompozycji „Ogród ziemskich radości” znajdują się trzy plany: na pierwszym planie przedstawiono „różne radości”, drugi zajmuje kawalkada licznych jeźdźców dosiadających różnych zwierząt, trzeci (najdalszy) zwieńczony jest błękitnym niebem , gdzie ludzie latają na skrzydlatych rybach i przy pomocy własnych skrzydeł Cały obraz może ukazać się widzowi w innym świetle: sam artysta wymyślił ten koszmar, wszystkie agonie i udręki dzieją się w jego duszy. Bosch był jednak człowiekiem głęboko religijnym i nie wyobrażał sobie nawet, że trafi do piekła. Prawdopodobnie artysty należy szukać wśród obrazów, które w jego obrazach niosą ze sobą Światło i Dobro, nie bez powodu przynależał do Bractwa Najświętszej Marii Panny.

B) Wysoki renesans - do drugiej tercji XVI wieku.

Okres wysokiego renesansu był stosunkowo krótki i kojarzony jest przede wszystkim z nazwiskami trzech genialnych mistrzów – Leonarda da Vinci (1452-1519), Raphaela Santiego (1483-1520) i Michała Anioła Buonarrotiego (1475-1564).

Leonardo da Vinci był najbardziej uderzającą osobowością, ukazującą światu ideał „człowieka uniwersalnego” renesansu. Łącząc rozwój nowych środków języka artystycznego z uogólnieniami teoretycznymi, stworzył majestatyczne płótna, wśród których najbardziej znane to „Ostatnia wieczerza” (patrz s. 22) i „La Gioconda”. Kompozycję „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci zamówił władca Mediolanu książę Lodovico Moro. Od młodości, poruszając się w kręgu wesołych bachantów, książę stał się tak zepsuty, że nawet młoda niewinna istota w postaci cichej i bystrej żony nie była w stanie zniszczyć jego destrukcyjnych skłonności. Ale chociaż książę czasami spędzał, jak poprzednio, całe dnie w towarzystwie przyjaciół, darzył swoją żonę szczerym uczuciem i po prostu szanował Beatrice, widząc w niej swojego anioła stróża.

Kiedy nagle zmarła, Lodovico Moro poczuł się samotny i opuszczony. Zrozpaczony, złamawszy miecz, nie chciał nawet patrzeć na dzieci i oddalając się od przyjaciół, marudził samotnie przez piętnaście dni. Następnie, wzywając Leonarda da Vinci, nie mniej zasmuconego tą śmiercią, książę rzucił się mu w ramiona. Pod wrażeniem smutnego wydarzenia Leonardo wymyślił swoje dzieło - „ Ostatnia Wieczerza" Następnie władca Mediolanu stał się człowiekiem pobożnym.

Na swój fresk na ścianie refektarza klasztoru Santa Maria della Grazie da Vinci wybrał moment, w którym Chrystus mówi do swoich uczniów: „Zaprawdę powiadam wam, jeden z was mi da”. Te słowa poprzedzają kulminację uczuć, najwyższy punkt intensywności relacji międzyludzkich, tragedię. Ale tragedia nie dotyczy tylko Zbawiciela, to także tragedia najwyższego renesansu, kiedy wiara w bezchmurną harmonię zaczęła się kruszyć, a życie nie wydawało się już takie spokojne.

„Jeden z was mnie zdradzi…” – i lodowaty oddech nieuchronnego losu dotknął każdego z apostołów. Po tych słowach na twarzach

wyrażano różnorodne uczucia: niektórzy byli zdumieni, inni oburzeni, jeszcze inni zasmuceni. Młody Filip, gotowy do poświęcenia, Jakub w tragicznym oszołomieniu rozłożył ręce, Piotr, który chwycił nóż, miał już rzucić się na posła, prawa ręka Judasz ściska sakiewkę z fatalnymi srebrnymi monetami... Po raz pierwszy w malarstwie najbardziej złożona gama uczuć znalazła tak głębokie i subtelne odbicie. Wszystko to na fresku wykonane jest z niesamowitą prawdą i starannością, nawet fałdy na obrusie zakrywającym stół wyglądają jak prawdziwe.

W dziele Leonarda wszystkie postacie kompozycji znajdują się na tej samej linii – twarzą do widza. Chrystus przedstawiony jest bez aureoli, apostołowie bez charakterystycznych dla nich atrybutów stare obrazy. Wyrażają swój niepokój emocjonalny poprzez mimikę i ruchy.

Najbardziej znane były także jego obrazy, takie jak „Zwiastowanie”, „Madonna z kwiatem” (patrz s. 23) ( Madonnę Benoit), „Pokłon Trzech Króli” 9cm. śl. 24), „Madonna w grocie” (zob. s. 25). Przed Leonardem da Vinci artyści byli zwykle przedstawiani duże grupy ludzi, z wyróżniającymi się twarzami na pierwszym planie i w tle. Obraz „Madonna w grocie” po raz pierwszy przedstawia cztery postacie: Madonnę, anioła, małego Chrystusa i Jana Chrzciciela. Ale każda figura jest uogólnionym symbolem. „Renesans” znał dwa rodzaje obrazów. Były to albo statyczny obraz uroczystej ceremonii, albo opowieść, narracja na jakiś temat. W „Madonnie…” nie ma ani jednego, ani drugiego: to nie jest ani historia, ani zapowiedź, to samo życie, jego fragment, a tutaj wszystko jest naturalne.

Zazwyczaj artyści przedstawiali postacie na tle krajobrazu, na tle natury. W Leonardo są w naturze, natura otacza bohaterów, oni żyją w naturze. Da Vinci odchodzi od technik oświetleniowych i rzeźbienia obrazów za pomocą światła. Nie ma ostrej granicy między światłem i cieniem, granica wydaje się być rozmyta. To jego słynna, wyjątkowa mgiełka „sfumato”.

Młodszy współczesny Leonardo, wielki malarz Rafael przeszedł do historii jako twórca szeregu arcydzieł związanych z wizerunkiem Madonny ( obrazy artystyczne Matka Boska).

Największe dzieło Rafaela – „ Madonna Sykstyńska„(patrz strona 27). Na obrazie Rafaela Madonna ukazuje się zmarłemu papieżowi Juliuszowi II

stała się dla swego ludu fenomenem, o którym opowiadały starożytne legendy. W takich legendach wyrażano aspiracje ludu do sprawiedliwości, pragnień i potrzeb. zwykli ludzie wyobraź sobie niebiańską królową i patronkę w bliskiej odległości. Jednak Rafael nie ograniczył się tylko do przypomnienia średniowiecznej legendy. W historii powstania najsłynniejszego dzieła Rafaela wiele wciąż jest owiane tajemnicą; niektórzy historycy sztuki uważają, że jego Maryja prawie straciła aurę świętości; korona nie migocze na jej głowie; brokatowe tkaniny nie są trzymane za nią wręcz przeciwnie, ma na sobie narzutę i płaszcz z gładkiej tkaniny, nogi ma bose stopy i w istocie jest to prosta kobieta Nic dziwnego, że wiele osób zauważyło, że trzymała dziecko tak, jak zwykle trzymają je wieśniaczki. Ale ta bosa kobieta jest podziwiana przez wiatr jako królowa - kochanka nieba. Papież Sykstus zdjął przed nią tiarę i starannie umieścił to w kącie. Ziemski władca, niczym Mędrcy przed bożonarodzeniowym żłóbkiem, obnaża czoło, a przed widzem pojawia się starzec, niemal drżący z podniecenia. Na zdjęciu nie ma ziemi ani nieba, w głębinach nie ma znajomego krajobrazu ani dekoracji architektonicznej. Całą wolną przestrzeń pomiędzy postaciami wypełniają chmury, u dołu gęstsze i ciemniejsze, u góry bardziej przejrzyste i promienne. Ciężka, starcza postać św. Sykstusa, pogrzebana w ciężkich fałdach tkanych na złoto szat papieskich, zamarła w uroczystym uwielbieniu. Jego wyciągnięta do nas dłoń wymownie podkreśla główną ideę obrazu – ukazanie się ludziom Matki Bożej. Po drugiej stronie pochylona jest Święta Barbara, a obie postaci zdają się wspierać Maryję, tworząc wokół niej zamknięty krąg. Niektórzy nazywają te figury pomocniczymi, wtórnymi, ale jeśli je usuniesz (choćby tylko mentalnie) lub choćby nieznacznie zmienisz ich położenie w przestrzeni, harmonia całości natychmiast zostanie zniszczona. Zmieni się znaczenie całego obrazu i samego obrazu Maryi. Z czcią i czułością Madonna przyciska do piersi siedzącego w jej ramionach syna. Ani matki, ani dziecka nie można sobie wyobrazić oddzielnie, ich istnienie jest możliwe jedynie w nierozerwalnej jedności. Maryja, orędowniczka człowieka, niesie swojego Syna do ludzi. Jej samotna procesja jest wyrazem całej żałobnej i tragicznej ofiary, na jaką skazana jest Matka Boża.

Ostatnim tytanem wysokiego renesansu był Michał Anioł – wielki rzeźbiarz, malarz, architekt i poeta. Pomimo swoich wszechstronnych talentów nazywany jest pierwszym kreślarzem Włoch

dzięki najważniejszemu dziełu dojrzałego już artysty – malowaniu sklepienia Kaplica Sykstyńska w Pałacu Watykańskim (patrz s. 27) (1508-1512). Całkowita powierzchnia fresku wynosi 600 m2. metrów. Jest to artystyczna ilustracja scen biblijnych ze stworzenia świata. Sufit Kaplicy Sykstyńskiej przedstawia niemal wszystkie kluczowe momenty z Biblii, od stworzenia świata po „ Sąd Ostateczny" Na suficie Kaplicy Sykstyńskiej Michał Anioł stworzył obrazy, w których do dziś widzimy najwyższy przejaw ludzkiego geniuszu i ludzkiej odwagi. Tymczasem nie opuszczała go myśl, że spiskują przeciwko niemu wrogowie. „Nie obchodzi mnie” – napisał w jednym ze swoich listów – „ani zdrowie, ani ziemskie zaszczyty, żyję w największych trudach i tysiącach podejrzeń”. Z kolei w innym liście (do brata) słusznie oświadczył: „Pracuję siłą, bardziej niż jakakolwiek inna osoba”.

Największy Przedstawiciel szkoła wenecka- Tycjan Vecellio (ok. 1489/90-1576). Prace Tycjana przyciągają nowością rozwiązań, zwłaszcza problemów kolorystycznych i kompozycyjnych. Po raz pierwszy w kompozycji na jego płótnach pojawia się obraz tłumu. Najsłynniejsze dzieła Tycjana: „Magdalena pokutująca” (por. s. 28-29), „Święty Sebastian” itp. Wykonana przez niego galeria portretów współczesnych była przedmiotem głębokich studiów i naśladowań przez kolejne pokolenia malarzy europejskich .

Niemiecki renesans był dziełem jednego pokolenia artystów i został wyczerpany koniec XVI wiek. Pracował jednocześnie z Dürerem największy artysta- Mathis Niethardt (1460/1470 -1528), nazywany Grunewaldem. Jest mistrzem wyrazistych, dramatycznych obrazów religijnych przesiąkniętych mistyczną wizją. Grunewald bardziej kojarzy się z dziedzictwem gotyku niż Durer, jednak siłą obrazów i wielkością wyczucia natury jest nierozerwalnie związany z renesansem. Bogactwo kolorystyczne jego malarstwa należy do najwyższych osiągnięć narodowej kultury artystycznej.Dürer miał zaledwie 27 lat, gdy wymyślił „Apokalipsę” (patrz s. 30-31). Odważna decyzja! Nawet forma publikacji była nietypowa. Współcześni byli przyzwyczajeni do książek religijnych z rycinami i ilustracjami, które kupowali ze względu na tekst, ilustracje odgrywały w nich skromną rolę.
Dürer wymyślił coś zupełnie nowego: 15 rycin z krótkimi cytatami

rewolucje połączone w jedną całość - Album ilustracji. Album obrazów. W czasach Dürera nie było nawet nazwy takiej publikacji!
„Apokalipsa” to najbardziej tajemnicza, najciemniejsza, najbardziej zagmatwana część „Nowego Testamentu”. Dürer wzniósł kamienne miasta na kartach swojej „Apokalipsy” i wyhodował potężne drzewa, sprowadził tłumy ludzi, sprawił, że rzeki płynęły, lasy szumiały, trawa szumią, statki kołyszą się na falach, a łabędzie powoli suną po wodzie. I do nieba w górze piękny świat umieszczał wizje – czasem tajemnicze i groźne, czasem pozostające na wysokościach gór, czasem lecące na ziemię.

„Adam i Ewa” Albrechta Durera to jedno z najwspanialszych dzieł artysty. To arcydzieło malarstwa światowego wszystkich czasów i narodów. Przez stulecia historię Adama i Ewy opowiadano jako historię Upadku, za co przodkowie ludzkości zostali wypędzeni z raju... Dürer zapomniał o wszystkim, co wiedział i czego nauczał o tym od dzieciństwa. I przypomniałam sobie wszystko, co wiedziałam o pięknie i miłości.

Oprócz portretów Albrecht Dürer malował także obrazy ołtarzowe i kompozycje tradycyjne dla Europy Północnej. Najtragiczniejszym z nich jest „Siedem namiętności Maryi” (zob. s. 32), w którym Dürer ubrał oprawców Chrystusa w stroje swoich współplemieńców i rówieśników. A tym mówił: Golgota nie jest gdzieś i kiedyś. To jest tu i teraz. Golgota jest wszędzie, gdzie bezbronni ludzie są prześladowani i torturowani, gdzie kładzie się na nich ciężkie krzyże cierpienia, gdzie są krzyżowani. Golgota jest wszędzie, gdzie są ludzie, którzy zgadzają się powalić te krzyże, nałożyć je innym na ramiona, przebić gwoździami ręce i nogi innych ludzi, torturować i krzyżować oddanych w ich władzę. Najbardziej świąteczna, jasna i nieskazitelna schemat kolorów- „Święto Różańca” (patrz s. 33), gdzie artysta rozkoszując się swym kunsztem malował czerwony brokat, fioletowo-fioletowy aksamit, granatowy jedwab, groźny połysk stali, ciemne sukno, blask złota i kamienie szlachetne, szlachetny wzór dywanu, delikatność bladoczerwonych i białych róż.

Oprócz kompozycji ołtarzowych zachowało się wiele wizerunków Matki Bożej. Madonna Durera (patrz strona 34) jest najczęściej młoda, urocza, o miękkiej twarzy, delikatnych ustach i zamyślonych, na wpół przymkniętych oczach. Kiedy przyjrzeć się bliżej jej wcieleniom, wydaje się, że wszystkie wracają do prawdziwego obrazu.

15

B) Późny renesans – druga tercja XVI – pierwsza połowa XVII wieku

Okres późnego renesansu charakteryzował się szeregiem ważnych zmian w sztuce. Wielu malarzy, poetów, rzeźbiarzy i architektów porzuciło idee humanizmu, dziedzicząc jedynie manierę i technikę (tzw. manieryzm) wielkich mistrzów renesansu.

Do głównych twórców manieryzmu należą Jacopo Pontormo (1494-1557) i Angelo Bronzino (1503-1572), którzy zajmowali się głównie portretem. Twórczość Jacopo Tintoretto (1518-1594), przedstawiciela szkoły weneckiej późnego renesansu, który w wielkości swoich planów próbował konkurować z Michałem Aniołem, można w całości przypisać manieryzmowi. Tworzy surrealistyczny świat, w którym zawsze obecne są osobiste emocje artysty.

Pontormo Jacopo (1494-1557) - założyciel tzw. ruchu manierystycznego, czyli antyklasycznego. Termin manieryzm wywodzi się ze słowa „sposób”, czyli sposobu lub charakteru pisma, w wąskim znaczeniu – stylu dzieła sztuki.

Największe miejsce W twórczości Pontormo dominują obrazy głęboko tragiczne, wyrażone przede wszystkim w malowidłach kościelnych i malarstwie, w „Złożeniu do grobu” powstałym w latach 1525-1528 (patrz strona 35) dla kościoła Santa Felicita. Akcja rozgrywa się na fantastycznym, neutralnym tle. Postacie ułożone są jedna nad drugą na płaszczyźnie obrazu i sprawiają wrażenie pozbawionych grawitacji, jakby unosiły się w różnych pozach. Kolorystyka opiera się na czystych, dysonansowych barwach. Umieszczone są w dużych miejscach i tworzą mistyczne oświetlenie.

Jeden z główni malarze Wenecją był Jacopo Robusti, nazywany Tintoretto (1518-1594), który stworzył własny styl artystyczny.Jego złożone kompozycje z dużą ilością figur i działaniem dużych mas w szybkim ruchu są pełne dynamiki i ekspresji. Charakteryzuje go tragiczne postrzeganie życia, spowodowane rozdźwiękiem między ideałem a rzeczywistością. Sięgnął po tematykę biblijną. Malowidła z tego okresu przepojone są pewną dozą mistycyzmu („Wprowadzenie Maryi do Świątyni” (patrz s. 36), malowidła w budynku bractwa św. Rocha). Tintoretto pracował nieprzerwanie, intensywnie i bezinteresownie, często za darmo.

Domenico Theocopuli (1541-1614) (tak naprawdę nazywa się El Greco) legendarny mistrz, którego losy są tajemnicze i pełne cudów. Jego malarstwo zajmuje szczególne miejsce w historii sztuki europejskiej. El Greco to jeden z najwybitniejszych malarzy późnego renesansu, autor obrazów o tematyce religijnej i historie mitologiczne i obrazy rodzajowe.

Dzięki obrazom ołtarzowym „Trójca” (patrz s. 37), „Zmartwychwstanie Chrystusa” i innym artysta zyskał szeroką sławę.

W 1579 r. dla katedry w Toledo El Greco wykonał „Espolio” (patrz s. 38) („Zdjęcie szat Chrystusa”). Kompozycja odniosła bezprecedensowy sukces.

Główny motyw twórczości El Greco zawsze pozostał obrazy religijne, wykonywane dla kościołów, klasztorów, szpitali w Toledo, Madrycie i innych miastach. Artystę interesują motywy męczeństwa świętych („Męczeństwo św. Mauritiusa”), tematyka „świętej rodziny” („Święta Rodzina” (patrz s. 40)), sceny z życia Jezusa Chrystusa ( „Niesienie krzyża” (patrz s. 39), „Modlitwa o Kielich”). Szczególne miejsce w twórczości El Greco zajmują wizerunki świętych; artysta często ukazuje ich rozmawiających ze sobą („Św. Jan i św. Franciszek”, „Apostołowie Piotr i Paweł” (zob. s. 41)). Później działa El Greco („Laokoon”, „Otwarcie piątej pieczęci” (por. s. 44)), w których wyobraźnia artysty przybiera dziwaczne, surrealistyczne formy, nie były rozumiane przez współczesnych.

Założyciel realistyczny kierunek V Malarstwo europejskie Wiek XVII to Michał Anioł da Caravaggio (1573-1610). Płótna mistrza wyróżniają się prostotą kompozycji i napięciem emocjonalnym wyrażonym poprzez kontrasty światła i cienia. Wśród obrazów Caravaggia nie ma tematów świątecznych, takich jak „Zwiastowanie”, „Zaręczyny”, „Wprowadzenie do świątyni”, które tak umiłowały mistrzów renesansu. Fascynują go tematy tragiczne. Na jego płótnach ludzie cierpią i doświadczają okrutnej męki. Caravaggio obserwował te trudy życia. Na obrazie „Ukrzyżowanie św. Piotra” (por. s. 43) widzimy egzekucję apostoła, który został ukrzyżowany na krzyżu do góry nogami. „Nawrócenie Saula” (patrz strona 44) ukazuje bezlitosne prześladowania chrześcijan, ich śmierć pod piętą konia i moment wglądu Saula. W drodze do Damaszku nagle oślepił go promień z nieba i spadając z konia, usłyszał głos Chrystusa: „Saulu, dlaczego mnie prześladujesz?” Po objawieniu Saula

zostaje jednym z najbardziej oddanych uczniów Chrystusa – apostołem Pawłem. Jak dramat ludowy Caravaggio ukazuje scenę „Złożenia do grobu” (patrz następne 45). Martwe ciało Chrystusa jest starannie podtrzymywane przez uczniów. Zamarznięta dłoń Zbawiciela wisi na płycie trumny, nad czarną przestrzenią grobu.

W obrazy Caravaggia W opowieściach ewangelicznych uderza codzienny wygląd bohaterów. W scenach ewangelicznych ukazuje życie zwyczajni ludzie. Współcześni Caravaggia świadczą: gardził wszystkim, co nie zostało skopiowane z życia. Artystka nazywała takie obrazy bibelotami, rzeczami dziecięcymi i lalkowymi.

Europa przyjęła innowacyjnego ducha Włochów, a we Włoszech Kościół zdecydowanie odrzucił naturalizm Caravaggia. I najwyraźniej nie przez przypadek, bo włoski renesans już się skończył. Włochy powiedziała prawie wszystko, co mogła powiedzieć. Nadeszła kolej na renesans północnoeuropejski.

Renesans północnoeuropejski

Szczytem północnoeuropejskiego renesansu było dzieło Harmensa Van Rijna Rembrandta (1606 – 1669). Rembrandt, być może bardziej niż ktokolwiek inny, potrafił głęboko poruszający, zgodnie z prawdą odsłonić niewyczerpane bogactwo wewnętrzny świat osoba.

Holenderscy malarze po raz pierwszy zobaczyli człowieka takim, jakim jest za życia i odzwierciedlili w sztuce różne aspekty jego codziennej egzystencji. Niektórzy z nich podeszli do rozwiązania trudniejszego zadania – odzwierciedlenia piękna i znaczenia świat duchowy zwyczajna osoba

Wydawać by się mogło, że Rembrandt, sięgając po tematykę biblijną i ewangeliczną, odchodzi od przedstawiania społeczeństwa swoich czasów. Rzeczywiście, jego biblijni i ewangeliczni bohaterowie pod wieloma względami przypominają zwykłych ludzi swoich czasów, którzy niezmiennie wzbudzają sympatię artysty. Jego zdaniem bohaterowie biblijni są żywymi personifikacjami piękna cechy ludzkie. Artysta w nich widzi wielkość duchowa, wewnętrzna integralność, surowa prostota, wielka szlachetność. W niczym nie przypominają drobnych, zadowolonych z siebie mieszczan jego współczesnych. Na płótnach artysty coraz częściej odbijają się autentyczne ludzkie namiętności, coraz częściej teatralny dramat, „straszne” wydarzenie ustępuje miejsca prawdziwemu dramatowi życia. Te nowe cechy wyraźnie widać na obrazie Ermitażu „Zejście z krzyża” (patrz s. 46), namalowanym w 1634 roku. Noc. Żałobna cisza. Cichy tłum ludzi otaczał ogromny krzyż, na którym ukrzyżowano Chrystusa. Przybyli na Golgotę, aby złożyć ostatni hołd swemu nauczycielowi. W zimnym świetle pochodni zdejmują z krzyża jego zwłoki. Jeden z mężczyzn, wchodząc po drabinie, wyrywa gwoździe, którymi ukrzyżowano Chrystusa na poprzeczce; inni biorą w ramiona jego przesuwające się ciało; kobiety przygotowują łóżko dla szczątków, rozkładając na ziemi duży, ciężki materiał. Wszystko odbywa się powoli, w pełnej szacunku i smutnej ciszy. Przeżycia zgromadzonych są różne: na niektórych twarzach widać gorzką rozpacz, na innych odważny żal, na jeszcze innych przerażenie, ale każda z obecnych osób jest głęboko przeniknięta doniosłością wydarzenia. Smutek starego człowieka, który przyjmuje zmarłego Chrystusa, jest nieograniczony. Trzyma go z zauważalnym wysiłkiem, ale bardzo ostrożnie, ostrożnie, wzruszająco dotykając policzka

ciało bez życia. Maria jest wyczerpana żałobą. Nie może ustać, traci przytomność, wpada w ramiona otaczających ją ludzi. Jej wychudzona twarz była śmiertelnie blada, powieki zamknięte, a osłabiona ręka wyciągnięta do przodu opadła bezradnie. Obraz urzeka głęboką penetracją i życiową prawdą. Dopiero przesada niektórych ruchów i gestów przypomina nam o barokowych hobby Rembrandta.

W latach 40. Rembrandt kilkakrotnie podejmował temat świętej rodziny. Jednym z najlepszych rozwiązań tego tematu jest obraz Ermitażu „Święta Rodzina” (patrz s. 47), namalowany przez artystę w 1645 roku. Scena gospel budzi widzowi wiele skojarzeń z życiem codziennym. życie ludowe, współczesny Rembrandtowi. Ciszę i spokój zakłócają jedynie znajome odgłosy życia w domu. Płonące drewno trzeszczy i słychać cichy, monotonny dźwięk siekiery stolarskiej. Pokój spowity jest delikatnym półmrokiem; Światło delikatnie wlewa się z różnych źródeł, drżąco przesuwając się po twarzy Maryi, oświetlając kołyskę, nadając obrazowi nutę duchowości. Dziecko poruszyło się lekko we śnie, a kobieta posłuchała subtelnie instynkt macierzyński, podnosi wzrok znad czytania, podnosi zasłonę i z niepokojem patrzy na dziecko. Ona jest tą samą wrażliwością, tą czujnością. Zasadniczo o wielkim człowieczeństwie i duchowości obrazu decyduje jedno spojrzenie. Jasna wzniosłość uchwyconego momentu znajduje również odzwierciedlenie w fakcie, że anioły w milczeniu schodzą do matki i chłopca.

W 1660 roku Rembrandt stworzył słynny obraz „Assur, Haman i Estera” (patrz strona 48) . Fabuła filmu została oparta na biblijnym micie znanym jako „Święto Estery”. Haman, pierwszy wezyr i przyjaciel perskiego króla Assura, okrutnie oczerniał Żydów przed królem, mając nadzieję na ich eksterminację. Wtedy królowa Estera, która przybyła z Judei, stanęła w obronie swego ludu. Zaprosiwszy na ucztę Aszura i Hamana, opowiedziała o oszczerstwach wezyra, a królowi ukazało się zdradzieckie oblicze człowieka, którego uważał za swego przyjaciela. Artysta ukazuje ten moment uczty, kiedy Estera zakończyła opowieść i zapadła głęboka, bolesna cisza. Piękne oczy królowej są smutne. Nie patrząc na swoje dłonie, Esther machinalnie marszczy chusteczkę. Wciąż jest całkowicie zdana na łaskę tego, czego doświadczyła. Wypowiedzenie słów nagany było dla niej boleśnie trudne; jak król, wierzyła, że ​​wezyr, traktował go tak

do kolegi. Assur był zszokowany tym, co usłyszał i gorzko rozczarowany. Jego duże oczy zalany łzami. Jednocześnie budzi się w nim szlachetny gniew i mocno ściska berło. Haman jest przedstawiony w głębokim cieniu, sam. Od króla i królowej oddzielała go niewidzialna przepaść. Świadomość zagłady przygniata go jak ciężar nie do uniesienia: siedzi zgarbiony, z opuszczoną głową i zamkniętymi oczami; dłoń trzymająca kubek leży bezsilna na stole. Nie dręczy go nawet strach przed śmiercią, ale poważna świadomość moralnej samotności. Rozumie, że Assur i Estera nigdy mu nie wybaczą, niezależnie od tego, jak trudno im potępić przyjaciela.

Niewiele jest w historii sztuki postaci tak tajemniczych i kontrowersyjnych jak Bruegel. Renesansowa idea znaczenia osobowości ludzkiej nie pasowała koncepcje artystyczne Bruegla. W swoich rysunkach i obrazach często całkowicie ukrywa twarze, pozbawiając postacie jakiejkolwiek indywidualności. Podobną tendencję można zaobserwować w przedstawianiu postaci biblijnych. Przenosi je gdzieś na bok, ukrywa wśród zwykłych ludzi. Tak widzimy Maryję i Pana na placu wiejskim, Jana Chrzciciela z Chrystusem w tłumie ludzi, a „Adoracja Trzech Króli” (por. w. 49) jest na ogół ukryta za zasłoną śniegu.

Człowiek Bruegla ma wolność wyboru i ponosi odpowiedzialność za własne nieszczęścia. Człowiek zmuszony jest dokonywać wyboru między dobrem a złem, między wiarą a niewiarą nieustannie, przez całe życie – tak jak jego przodkowie zmuszeni byli dokonywać tego wyboru i jak wielu innych ludzi dokonuje tego dzisiaj. Stąd kolejną cechą dzieł Bruegla, upodabniającą je do ikon, a bardzo rzadko spotykaną w sztuce współczesnej, jest łączenie warstw czasowych i przestrzennych. W takich obrazach jak „Procesja na Golgotę” (patrz s. 50), „Spis ludności w Betlejem”, „Rzeź niewiniątek”, „Kazanie Jana Chrzciciela” (patrz s. 51), „Nawrócenie Pawła” (patrz s. 52 ), „Boże Narodzenie”, na rycinie „Wniebowzięcie Najświętszej Marii Panny” postacie biblijne są obecne wśród współczesnych Bruegla prowadzących swoje codzienne, normalne życie, sceny biblijne rozgrywane są na tle flamandzkich krajobrazów miejskich i wiejskich. Przykładowo postać Zbawiciela ugiętego pod ciężarem krzyża niemal ginie wśród wielu innych wrażeń którejkolwiek z osób przedstawionych na obrazie, a osoby te dokonują moralnego wyboru, nie zdając sobie sprawy, że widzą Boga przed sobą. ich. W później działa Bruegel pogłębia nastrój pesymistycznej refleksji.

W słynnym „Ślepym” (patrz strona 53) (1568) przypowieść ewangeliczna została wykorzystana do ucieleśnienia idei ślepej ludzkości, która utraciła wolę walki i biernie podąża za losem-szczęściem. Przywódca, prowadzący łańcuch ślepych kalek, upada, reszta, potykając się, w niekontrolowany sposób podąża za nim; ich bezradne gesty są konwulsyjne, piętno niszczycielskich namiętności i występków ostro pojawia się na ich twarzach, odrętwiałych z przerażenia, zamieniając je w śmiertelne maski. Przerywany i nierówny rytm ruchu postaci rozwija wątek nieuchronnej śmierci. Jednak tak jak poprzednio, pogodna, harmonijna natura tła jawi się jako kontrastowa alternatywa dla ludzkiej próżności, z jej idyllicznym spokojem, jakby sugerującym wyjście z tragicznego impasu.

Tematy biblijne w malarstwie rosyjskim

Obrazy Ziemi Świętej, wydarzenia ewangeliczne, które miały miejsce w świętych miejscach, stały się przedmiotem zrozumienia i przedstawienia na płótnie wielu rosyjskich artystów. Część z nich osobiście odwiedziła kraje regionu biblijnego, m.in. i przy pomocy Cesarskiego Ortodoksyjnego Towarzystwa Palestyny. Niezapomniane wrażenia niezwykłe kolory, orientalny smak znalazły odzwierciedlenie w twórczości pielgrzymów podróżujących ze sztalugami, co wzmocniło oddziaływanie ich obrazów na widza.

Początek czasu i wszystkiego na planecie, stworzenie świata i człowieka, upadek w raju, pierwsze morderstwa brata po bracie, globalna powódź – refleksja nad tymi globalnymi tematami filozoficznymi opisanymi w Biblii niezmiennie dostarczała pożywki dla artystycznych rozumienie wydarzeń Starego Testamentu w malarstwie rosyjskim. Te kluczowe dla ludzkiego światopoglądu tematy podejmowali mistrzowie różnych szkół i ruchów, wszyscy chcieli przekazać widzowi własną wizję obrazów generowanych przez jego wyobraźnię i przenoszonych na płótno. Jednym z tych mistrzów był Iwan Aiwazowski. Należący z religii do Ormiańskiego Kościoła Apostolskiego, Aiwazowski stworzył wiele obrazów o tematyce biblijnej. Obraz „Chaos. Stworzenie świata” (patrz strona 54) Aiwazowskiego miał zaszczyt znaleźć się na wystawie stałej Muzeum Watykańskie. Papież Grzegorz XVI przyznał artyście złoty medal. Przy tej okazji Gogol żartobliwie powiedział artyście: „Twój „chaos” wywołał chaos w Watykanie”.

Wszyscy ewangeliści opisują cuda, których Jezus Chrystus dokonywał podczas swego ziemskiego życia. Były to zarówno zjawiska zmieniające naturę rzeczy, jak i uzdrowienia cierpiących, czy nawet zmartwychwstanie. Wszystkie cuda nie były dokonywane w formie sztuczek, ale miały na celu zapewnienie ludzi i ich zbawienia; żaden z uzdrowionych lub zmartwychwstałych nie powrócił do swojego poprzedniego grzesznego życia. W ten sposób objawiła się Boska istota Syna Bożego, a świadkowie cudownych czynów mogli uwierzyć sobie i szerzyć naukę Prawdy wśród innych. Przykładem jest obraz „Jezus Chrystus ratuje tonącego Piotra” (patrz strona 55) N. M. Aleksiejewa (1813–1880). 1850

Alegoryczny i metaforyczny charakter przepowiadania Chrystusa ułatwił wyznawcom zrozumienie Jego nauczania. W opowieściach ewangelicznych

Ponad 30 ukończonych historii opisanych jest w formie przypowieści – budujących, symbolicznych historii opowiadanych ludziom przez Chrystusa. Fabuła przypowieści była prosta, zazwyczaj zaczerpnięta z życia codziennego i zrozumiała dla słuchaczy. Sam Chrystus wyjaśnił apostołom powód używania przypowieści w ten sposób: „ponieważ wam dano poznać tajemnice Królestwa Niebieskiego, a im nie dano..., dlatego mówię do nich w przypowieściach, bo patrząc nie widzą i słuchając nie słyszą i nie rozumieją.” Rosyjscy artyści chętnie wykorzystywali w swoich obrazach tematykę przypowieści ewangelicznych. „Rozmowa Chrystusa z uczniami” (patrz strona 56) Botkin Michaił Pietrowicz. 1867, „Kazanie na górze” (patrz strona 57) Łomtew Nikołaj Pietrowicz (1817–1859). 1841, „Kazanie Chrystusa w świątyni” A. A. Iwanow. Lata 50. XIX w., „Chrystus Siewca” (patrz strona 58) Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin. 1915, „Syn marnotrawny” (patrz s. 59) Nikołaj Dmitriewicz Losev. 1882

Popularna w zachodniej sztuce pięknej i dość rzadka w malarstwie rosyjskim, biblijna historia ucieczki Świętej Rodziny do Egiptu odzwierciedla wydarzenia po Bożym Narodzeniu. O ucieczce do Egiptu wspomina jedynie Ewangelia Mateusza. Gdy mędrcy, przynosząc swoje dary Dzieciątkowi Jezus, nie wrócili do króla Heroda, anioł ukazał się we śnie prawemu Józefowi i rozkazał: „Wstań, weź Dzieciątko i Jego Matkę i uciekaj do Egiptu, a bądź tam, dopóki wam nie powiem, gdyż Herod chce szukać Dziecka, aby Go zniszczyć” (Mt 2,13). Józef wykonał ten rozkaz i nocą wraz z Dziewicą Maryją i Dzieciątkiem Jezus udał się do Egiptu, gdzie pozostał aż do śmierci Heroda. Fabuła ta jest przedstawiona na obrazach „Ucieczka do Egiptu” (patrz strona 60) N. Kosheleva (1890)

Cykl Męki Pańskiej to cykl opowiadań oparty na końcowych fragmentach Ewangelii, opowiadających o ostatnich dniach ziemskiego życia Jezusa Chrystusa, Jego ofiarnej śmierci i cierpieniu (męce) na krzyżu: od Ostatniej Wieczerzy z uczniami do „Złożenie w grobie” (patrz strona 61) i Zmartwychwstanie. W tym cyklu możemy wyróżnić takie tematy jak: „Modlitwa o Kielich” (patrz s. 62), „Proces Piłata”, „Bezczeszczenie Chrystusa”, „Biczowanie Chrystusa”, „Niesienie krzyża”, „Ukrzyżowanie”, „Złożenie do grobu”. ” „

Po Ostatniej Wieczerzy Chrystus udał się do gaju oliwnego (Ogród Getsemani) i modlił się do Ojca: „Ojcze mój! Jeśli to możliwe, niech ode mnie odejdzie ten kielich” (Mt 26,39). Ten odcinek nosi tytuł „Modlitwa o kielich”. Obok Chrystusa ukazują trzech uczniów, którzy zasnęli z Nim w ogrodzie: Piotra, Jakuba i Jana.
Następnie wykonaj następujące odcinki: „Niesienie krzyża”, Ukrzyżowanie, „Złożenie do grobu”. Wizerunek cierpiącego Zbawiciela w koronie cierniowej z rękami złożonymi na piersi lub z otwartymi dłońmi,

ukazujący rany od gwoździ, w starożytnej sztuce rosyjskiej nazywany jest „Człowiekiem boleści”.

25

Sceny biblijne autorstwa malarzy XX wieku.

Marc Chagall h ludzka pochodnia oświetlająca duchowym światłem to, co trudno dojrzeć oczom, a za czym tęskni każda dusza do Boga – tak właśnie jest wizerunek Marca Zakharovicha Chagalla. „Biblijne przesłanie Marca Chagalla” liczy 17 płócien i jest tematycznie podzielony na dwie części. Pierwsza część „Przesłania”, połączona wspólną niebiesko-szmaragdową kolorystyką, kojarzona jest głównie z pięcioma księgami Pisma Świętego, zwanymi „Pięcioksięgiem Mojżesza”. Druga część, zaprojektowana przez artystę w jaskrawoczerwonych tonacjach, inspirowana jest jedną z najbardziej tajemniczych ksiąg Biblii – „Pieśń nad Pieśniami”. Stworzenie człowieka” (patrz strona 65). Zaznaczam, że obraz ma charakter programowy dla całej pierwszej części „Przesłania”. Opowieść o niej chciałbym rozpocząć słowami z „Księgi Rodzaju” – pierwszej księgi Pisma Świętego: „I stworzył Bóg człowieka na swój obraz” (Rdz 1,26). Biblia bardzo szczegółowo opisuje sposób, w jaki Bóg komunikował się z ludźmi. Stwórca ukazywał się prorokom lub innym wybranym ludziom, ale zawsze pozostawał niewidzialny. Dlatego nie mogli sobie wyobrazić pojawienia się Stwórcy ani nie mogli pojąć całej Jego nieskończonej głębi. Na tej podstawie w starożytnym języku żydowskim i na początku Tradycje chrześcijańskie brakowało obrazu Boga. Stąd na tym obrazie Chagalla nie widzimy Stwórcy, ale kontemplujemy Jego czyn: stworzenie pierwszego człowieka. I choć artysta podąża za tradycją, to jednak w tym obrazie porusza temat podobieństwa Stwórcy do Jego stworzenia, czyli do człowieka. Rozwiązuje go aż do geniuszu, prosto i jednocześnie głęboko sakralnie.

Kluczową postacią koła jest obraz Jezusa Chrystusa, ukazany przez Chagalla w najtrudniejszym i decydującym momencie losów ludzkości – ukrzyżowaniu. Tradycyjna żydowska chusta modlitewna (opowieści), przedstawiana przez Chagalla jako przepaska na biodra Jezusa, podkreśla Jego przynależność do narodu wybranego. Wiadomo, że Nowy Testament otwierają cztery księgi ewangelistów, które opisują życie Jezusa, uzupełniając się i pogłębiając, oglądając historię jakby z czterech stron świata. I tak w trzecim rozdziale Ewangelii Łukasza (Łk 3,23-38) zapisane jest drzewo genealogiczne Chrystusa. Wśród Jego krewnych lub przodków znajdują się imiona Dawida, Jakuba, Noego i Abrahama. Oto odpowiedź na tę zagadkę. Chagall umieścił na płótnie „Stworzenie człowieka” tylko tych bohaterów Biblii, którzy to zrobili

26

więź rodzinna z Jezusem Chrystusem. Pierwsze płótno drugiej części nosi tytuł „Raj”, drugie – „Wypędzenie z raju”. Wraz z Adamem i Ewą niezwykle piękny raj Chagalla jest pełnoprawnym bohaterem tych dwóch dzieł. W Biblii Raj – „Ogród Edenu” lub „Raj” – to ziemskie miejsce stworzenia człowieka. Podobnie jak w „Stworzeniu człowieka” Chagall umieścił słońce w centrum płótna „Raj” (patrz strona 66). Kompozycyjnie dzieli płótno na dwie części, które z kolei ukazują dwa wydarzenia: po lewej stronie - Adam i Ewa przed Upadkiem, po prawej - po nim. Chagall wypełnił swój bajeczny raj fantastycznymi roślinami, mitycznymi ptakami, zwierzętami i ledwo zauważalnymi, jakby nieziemskimi stworzeniami. Stworzył wyjątkowy świat, w którym każdy, kto go zamieszkuje, porusza się w przestrzeni tak, jak mu się podoba. Tutaj ryby pływają po niebie razem z ludźmi, a ptaki pływają w głębinach wód, nie zwracając uwagi na bawiących się w pobliżu ludzi. Dokładniej, nie ma takich pojęć jak niebo i ziemia, tutaj jest inny wymiar. Życie stworzeń w raju Chagalla jest bardzo podobne do snu, w którym każdy człowiek może przejść przez kamienną górę lub latać jak ptak z gałęzi na gałąź lub może poczuć się jak zwierzę, ryba, a nawet nieznana fantastyczna istota. Płótno „Wypędzenie z raju” (patrz strona 66), nasycone szmaragdowymi i chabrowymi odcieniami, jest obrazem jeszcze jaśniejszym niż płótno „Raj”. Z Biblii wiemy, że przez Eden płynęła rzeka. W Piśmie Świętym woda, czy to rzeka, czy strumień, jest kojarzona z życiem, a brak wody ze śmiercią. Dlatego w tekstach biblijnych często wspominano o rzekach wraz z korzyściami zbawiennymi. W ten sposób Bóg prowadzi świat jak rzeka (Wj 66:12), czyli mądrość księgi przymierza porównuje się do wodnego bogactwa rzek (Syr 24:27). Rzeka Chagall, przypominająca trzepoczącą lazurową wstęgę, jest bystra jak górski potok i niezwykle piękna, to naprawdę niebiańska rzeka, uosabiająca życie. Życie wewnątrz i wokół niej po prostu toczy się pełną parą. Przed Upadkiem ludzie nie wiedzieli, czym jest śmierć. Ich życie nie miało końca, jak ta rzeka. Po tym, jak ludzie wkroczyli na zakazany owoc raju z „Drzewa Wiedzy”, zakazano im życia w raju. W języku malarstwa Chagalla Bóg oddzielił pierwszych ludzi od niekończącej się rzeki życia. To nie przypadek, że Archanioł swoją błękitną jak woda laską wypędza Adama i Ewę nie z raju w ogóle, ale z rzeki. Rzeka niczym kobaltowa przegroda oddziela ich dawne rajskie życie od przyszłe życie poza niebem. Przed ludźmi stoi nie tylko dobroć i miłość, ale także poznanie zła i śmierci. Kolejne dwa płótna „Przesłań” poświęcone są przodkowi Noemu. Na obrazie „Arka Noego”

27

(zob. f. 68) Noe przedstawiony jest z przygnębionymi i zmęczonymi ludźmi płynącymi w nieznanym kierunku podczas potopu.

Salvador Dali w swojej twórczości także sięgał po tematykę biblijną. Dali zwrócił się ku klasycznemu dziedzictwu artystycznemu i stał się zagorzałym zwolennikiem katolicyzmu. W 1949 roku stworzył obraz„Madonna z Port Lligat”» (patrz strona 70), który został przedstawiony papieżowi Piusowi XII. Jeden z najwspanialszych obrazów tego okresu -„Chrystus z San Juan de la Cruz” (1951. Glasgow. Muzeum Sztuki). Szczytem duchowych poszukiwań Dali było płótno„Ostatnia wieczerza” (patrz strona 69)(1955. Waszyngton. Galeria Narodowa). On, podobnie jak wiele innych prac artysty, skonstruowany jest w formie zaszyfrowanego tekstu.

Wniosek

Sztuki piękne Religia chrześcijańska zawsze zarezerwowane dla obowiązków służbowych. Wspomagająca rola pośrednika, ilustratora Pisma Świętego. Ale ta funkcja służebna odsłoniła wielowiekową żywotność sztuki chrześcijańskiej. Dzieła wczesnego średniowiecza, renesansu i malarzy rosyjskich niezmiennie ukazują siłę duchową, siłę artystyczną i niewyczerpaność kanonu religijnego. Ale począwszy od włoskiego renesansu sztuka piękna stopniowo oddalała się od władzy kościoła, szczególna misja religijna i duchowość chrześcijańska ustąpiły miejsca pragmatyzmowi, kupieckim interesom, zmysłowości i próżności świat materialny. Szybka sekularyzacja sztuk pięknych i udoskonalenie metod formowania doprowadziły do ​​zauważalnej degeneracji tematów biblijnych. Zaczęto je wykorzystywać spekulacyjnie. Już na obrazach Rafaela Madonna wydawała się prosta, tylko nieco wyidealizowana Włoska dziewczyna, Jan Chrzciciel Leonarda da Vinci to słodki, przystojny mężczyzna, apostołowie na przedstawieniu Caravaggia to niegrzeczni chłopi. Anioły stały się nie do odróżnienia od kupidynów. Mimo tych katastrofalnych tendencji w sztuce dawnych mistrzów zachowana została harmonia obrazu i słowa, czystość moralna Chrześcijańska idea i wysublimowane piękno formy. W XVII wieku Styl barokowy jest nadal świetny, Rembrandt jest niezwykle uduchowiony; Malarze flamandzcy i Golan z XVII – XVIII wieku szczegółowo rozwinęli wątki Starego i Nowego Testamentu w swoich małych obrazach. W Europejskich Akademiach Sztuk zachowana została tradycja obowiązkowych „programów” – malowania obrazu opartego na historii biblijnej.

Historie biblijne znalazły wyjątkowe odbicie w języku rosyjskim sztuka akademicka; specjalne znaczenie ma kreatywność AA Iwanowa. Lista nazw scen biblijnych powstałych w historii światowej sztuki pięknej, nawet tej najsłynniejszej. Ogromny.

Literatura

VS. Koszelew /N. I Kosheleva / S.N. Temuszew / Historia Świata 8. klasa / Mińsk „Centrum Wydawnicze BSU” /2010

NA. Ionina / Sto wielkich obrazów / Moskwa „Veche” / 2001

Thein de Vries / Rembrant / Kijów, „Mystique” / 1995

Strony internetowe: