Podobnie jak inne rodzaje duchowej aktywności człowieka, muzyka jest sposobem rozumienia świata, dane człowiekowi aby nauczył się rozumieć siebie, dostrzegać piękno wszechświata i rozumieć sens życia. „Muzyka jest językiem uczuć” – powiedział Robert Schumann. Ale muzyka zaczęła uczyć się wyrażania uczuć dopiero pod koniec renesansu, na przełomie XVI-XVII wieku. Był to czas, kiedy człowiek uświadomił sobie, że jest zdolny do myślenia, odczuwania i tworzenia, kiedy sztuka świecka i narodziła się opera. Ekspresja ludzkich namiętności-afektów stała się naczelnym zadaniem sztuki muzycznej w XVIII wieku, a w epoce romantyzmu świat emocji i doznań staje się głównym obszarem, w którym kompozytorzy poszukują tematów, obrazów, a nawet środków ekspresji.
Uczucia, dźwięki, szkice otaczającego życia, ruch... Ale czy świat idei nie podlega muzyce? „Każde prawdziwie muzyczne dzieło ma swój pomysł” – powiedział Beethoven. Ideę wyrażoną w słynnej V Symfonii sam autor sformułował następująco: „Z ciemności do światła, przez walkę do zwycięstwa”. Wcale nie jest konieczne, aby słowa pomagały muzyce w ucieleśnieniu idei, czy to programu literackiego, libretta opery, epigrafu poetyckiego czy wyjaśnień autora. Nie znamy programu VI Symfonii Czajkowskiego, który według samego kompozytora istniał w jego wyobraźni, bardzo nieliczni znają fragmentaryczne wypowiedzi Czajkowskiego, konkretyzujące figuratywne i treści ideologiczne eseje. Jednak mało prawdopodobne jest, aby ktokolwiek miał wątpliwości, że jest to muzyka o życiu i śmierci, o pomieszaniu ludzkiego ducha, zrozumieniu tragicznej nieuchronności odejścia.
Emocje i doznania, ruch i zmiana, idee i wyobrażenia, codzienność i przyroda, rzeczywistość i fantastyka, najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i wielkie uogólnienia – wszystko jest dostępne dla muzyki, choć nie w takim samym stopniu. Co oznacza sztuka muzyczna, jakie wzorce leżą u jego podstaw, w jakich formach wyraża tak różnorodną treść?
Muzyka istnieje w specjalnym układzie współrzędnych, którego najważniejszymi wymiarami są przestrzeń dźwiękowa i czas. Oba wymiary składają się na podstawowe, gatunkowe właściwości muzyki, choć tylko pierwszy jest jej specyficzny – wysokość. Spośród tysięcy dźwięków otaczającego świata tylko dźwięki muzyczne mogą stać się muzyką (efekty szumu i perkusji stosowane są bardzo wybiórczo nawet w utworach współczesnych kompozytorów awangardowych). Ale sam dźwięk muzyczny nie może być odbierany ani emocjonalnie, ani estetycznie. Jeszcze nie muzyka - i całość dźwięki muzyczne, którą można porównać do palety artysty lub zestawu słów, którymi dysponuje poeta.
Uważa się, że głównymi środkami wyrazu muzyki są melodia, harmonia i rytm.
Nośnikiem znaczenia i najmniejszą jednostką strukturalną języka muzycznego jest intonacja, której istnienie potwierdza głęboki związek między dwoma światami – słownym i dźwiękowym – i dowodzi, że także na początku muzyki „było słowo. " Jednak tutaj pojęcie intonacji nabiera innego, znacznie głębszego i bardziej wszechstronnego znaczenia. Akademik B. Asafiew bardzo trafnie powiedział: „Muzyka jest sztuką intonowanego znaczenia”. Przodkowie wielu intonacje muzyczne intonacje mowy ludzkiej stały się, ale nie zwykłymi, ale takimi, które pojawiają się w momentach najżywszej ekspresji namiętności czy emocji. Intonacje płaczu, skargi, okrzyki czy pytania przywędrowały do muzyki z życia i nawet nie kojarząc się ze słowem (np. w gatunkach instrumentalnych), zachowują swoje pierwotne znaczenie emocjonalne i psychologiczne. Obowiązkowym atrybutem heroicznego początku w muzyce są intonacje rozkazujące, inwokacyjne - w szczególności kwarta wstępująca, na której ostatni dźwięk pada akcent metryczny.
W różne epoki różni kompozytorzy różnie manifestowali pewne właściwości harmonii: klasycy cenili w niej przede wszystkim umiejętność logicznego łączenia harmonii, uruchamiania procesu rozwój muzyczny i zbudować kompozycję (szczególnie wyraźną w formie sonatowej); romantycy znacznie zwiększali rolę ekspresyjno-emocjonalnych walorów harmonii, choć nie byli obojętni na dźwiękowy blask; Kompozytorzy impresjoniści całkowicie pogrążyli się w podziwianiu barwy dźwięku – nieprzypadkowo sama nazwa tego kierunku nawiązuje bezpośrednio do podobnego nurtu w malarstwie europejskim.
Przejawy właściwości ekspresyjnych trybu są bardzo różnorodne. Znane wszystkim tonacje dur i moll mają dość określony koloryt emocjonalny i kolorystyczny: dur brzmi lekko, optymistycznie i kojarzy się z radosnymi, jasnymi obrazami, muzyka pisana tonacją moll jest z reguły ponura i kojarzona z ekspresją nastrojów smutno-melancholijnych lub żałobnych.
Duże znaczenie w muzyce ma tempo - czyli szybkość wykonania, która zależy od częstotliwości naprzemiennych uderzeń metrycznych. Tempa wolne, szybkie i umiarkowane kojarzą się nie tylko z różnymi rodzajami ruchu, ale także z pewnym obszarem ekspresji. Nie sposób sobie wyobrazić np. elegii-romansu w szybkim tempie czy Krakowiaka w tempie adagio. Tempo ma duży wpływ na „nastrój gatunkowy” – to właśnie powolny charakter ruchu pozwala wyróżnić Marsz pogrzebowy od marsza musztry lub marsza scherzo, podczas gdy bardziej radykalne zmiany tempa mogą całkowicie zmienić ten gatunek - zamienić powolnego lirycznego walca w zawrotne scherzo, a walecznego menueta w majestatycznie imponującą sarabandę. Często tempo i metrum odgrywają decydującą rolę w tworzeniu obrazu muzycznego. Porównajmy dwa najsłynniejsze dzieła Mozarta – temat pierwszej części 40. symfonii i arię Paminy z drugiego aktu opery „Czarodziejski flet”. Oparte są na tej samej intonacji skargi - lamento, utrzymanej w elegijnej tonacji g-moll. Muzyka pierwszej części symfonii przypomina wzburzoną mowę, w której wprost wylewa się uczucie, stwarza wrażenie drżącego, niemal romantycznego impulsu. Tekst arii jest smutny, głęboki, beznadziejny, jakby skuty od wewnątrz łańcuchem, ale pełen ukrytego napięcia. Jednocześnie decydujący wpływ na charakter obrazu lirycznego ma tempo: w pierwszym przypadku szybkie, w drugim powolne, a także wielkość: w symfonii dwu- część, z tendencją do przygnębienie takt z motywami jambicznymi, w arii Paminy z pulsacją trójdzielną, złagodzoną i bardziej płynną.
Główne elementy język muzyczny
„Nie bójcie się teorii słów, harmonii, polifonii itp. Bądź dla nich przyjazny, a uśmiechną się do ciebie”.
(R. Schumann)
Bogaty i różnorodny środki wyrazu muzyka. Jeśli artysta rysując i malując, rzeźbiarz w drewnie lub marmurze, pisarz i poeta słowami odtwarzają obrazy otaczającego życia, to kompozytorzy robią to za pomocą instrumenty muzyczne. W przeciwieństwie do dźwięków niemuzycznych (szum, grzechotanie, szelest). Dźwięki muzyczne mają określoną wysokość i określony czas trwania. Ponadto mogą mieć inny kolor, brzmieć głośno lub cicho, być wykonywane szybko lub wolno. Melodia, rytm, tryb i harmonia, rejestr i barwa, dynamika i tempo – to wszystko ekspresyjne środki sztuki muzycznej.
Melodia
Świat muzyki pełen jest pięknych melodii Bacha, Mozarta, Griega, Chopina, Czajkowskiego...
Znasz już dużo muzyki. Pozostają w Twojej pamięci. Jeśli spróbujesz je zapamiętać, z pewnością zanucisz jakąś melodię. Pracujący pamięć muzyczna A. S. Puszkin znakomicie poszedł w „małej tragedii” „Mozart i Salieri”. Mozart woła do Salieriego:
Tak! Beaumarchais był twoim przyjacielem;
Skomponowałeś dla niego Tararę,
Chwalebna rzecz. Motyw jest jeden...
Powtarzam to, kiedy jestem szczęśliwy...
La-la-la-la...
„Tarar” – opera włoski kompozytor Antonio Salieri do libretta Pierre'a Beaumarchais.
Przede wszystkim Mozart przywołuje motyw - ekspresyjną cząstkę melodii. Motyw może powodować wyobrażenie o całej melodii, jej charakterze. Ale czym jest melodia? Melodia- rozwinięta i kompletna myśl muzyczna, wyrażona jednym głosem.
Słowo „melodia” pochodzi od dwóch słów – melos – pieśń i oda – śpiew. Ogólnie rzecz biorąc, melodia jest tym, co ty i ja możemy zaśpiewać. Nawet jeśli nie pamiętamy wszystkiego w całości, nucimy niektóre motywy, frazy. Przecież w mowie muzycznej, podobnie jak w mowie werbalnej, są zdania i frazy.
Kilka dźwięków tworzy motyw - małą cząstkę melodii. Kilka motywów tworzy frazę, a frazy tworzą zdania. Melodia jest głównym środkiem muzyczna ekspresja. Jest podstawą każdego dzieła, jest duszą dzieła muzycznego.
Życie melodii jest jak życie kwiatu. Kwiat rodzi się z pąka, kwitnie i w końcu więdnie. Życie kwiatu jest krótkie, ale życie melodii jest jeszcze krótsze. Za Krótki czas udaje mu się wyłonić z motywu, „rozkwitu” i końca. W każdej melodii jest "punkt rozkwitu", najwyższy punkt jej rozwoju, największa intensywność uczuć. To się nazywa punkt kulminacyjny. Melodia kończy się kadencją - stałym obrotem.
Kontynuując porównanie z kwiatem, powinniśmy pamiętać, że kwiaty kwitną inny czas dni. Jedni otwierają filiżanki na pierwsze promienie słońca, inni „budzą się” w upalne popołudnie, a jeszcze inni czekają do zmierzchu, by nadać swój zapach chłodowi nocy.
Melodie też „kwitną” w różnych momentach. Niektóre od razu zaczynają od szczytu – punktu kulminacyjnego. W innych kulminacja jest w środku melodii lub blisko jej końca. Uderzający przykład do tego - piosenka E. Krylatowa ” Skrzydlata huśtawka"(słowa Y. Entina) z filmu "Przygody elektroniki". Jej stopniowo rozwijająca się melodia osiąga punkt kulminacyjny, podkreślany dźwięcznymi repetycjami najwyższej nuty.
Łatwo zauważyć, że struktura melodii jest podobna do struktury mowy. Tak jak frazy są tworzone ze słów, tak zdania są tworzone z fraz, tak w melodii małe cząstki ekspresyjne - motywy - są łączone we frazy. Fraza muzyczna z reguły składa się z dwóch lub trzech motywów. Jego czas trwania określany jest na podstawie czasu trwania oddechu wykonawcy śpiewającego lub grającego na instrumencie dętym. (W wykonaniu muzyki na smyczkach, instrumenty klawiszowe wpływ oddechu na długość frazy nie jest zauważalny, ale jest również brany pod uwagę.)
Zwykle jedna fraza jest wykonywana na jednym oddechu (wydechu). Kilka fraz połączonych wspólną linią rozwoju tworzy zdania, a zdania tworzą integralną melodię.
Kulminacja (od łac. culminis – szczyt) znajduje się zwykle w t. 5-6 okresu 8-taktowego lub w t. 12-13 okresu 16-taktowego (czyli w trzeciej ćwiartce okresu) oraz w przypadki te mieszczą się w tzw. punkcie „złotego podziału”. Znaczenie „Złotego Podziału” tkwi w pięknie ścisłych proporcji, proporcjonalności i harmonijnej równowadze części i całości. " złoty podział» dostępne w budynku Ludzkie ciało zarówno w architekturze, jak i malarstwie. Zasadę „złotego podziału” stosował wielki włoski naukowiec i artysta XV - początek XVI wieku Leonardo da Vinci, chociaż doktryna proporcji została z powodzeniem opracowana i wprowadzona w życie w starożytnej Grecji.
Ludowy twórczość muzyczna- niewyczerpana skarbnica cudownych melodii. Najlepsze piosenki narody świata wyróżniają się pięknem i wyrazistością. Oni są różni. Czasami wydaje się, że nie ma i nigdy nie będzie końca śpiewu. Jeden dźwięk przechodzi w drugi, piosenka płynie nieprzerwanym strumieniem. Mówią o takiej melodii: „melodia wielkiego oddechu”. Nazywa się to również kantyleną. Kompozytorzy P. Czajkowski, S. Rachmaninow i inni wyróżniali się umiejętnością tworzenia takich melodii.
Słuchaj rosyjskiego pieśń ludowa„Słowik” w wykonaniu Wielkiego Chóru Dziecięcego. Wolno, śpiewnie płynąca szeroka melodia.
Ale dzieje się odwrotnie. W melodii nie ma przeciągłych dźwięków, jest bliższa prostej rozmowie, wyczuwalne są w niej zwroty ludzkiej mowy. Podobne melodie można znaleźć w eposach. Nie bez powodu ludzie mówią, że eposy wpływają, a wykonawców eposów nazywa się gawędziarzami. Te melodie to tzw recytatyw.
Słowo „recytatyw” pochodzi od łacińskiego recitare, co oznacza – głośne czytanie, recytację. Recytatyw - pół-singiel, pół-talk.
Szczególnie często kompozytorzy zwracają się do recytatywu w operze, gdzie służy on jako jeden ze środków cecha muzyczna bohaterowie. Na przykład w niespiesznej i majestatycznej melodii recytatywu Susanin wyłania się odważny obraz bohatera opery M. Glinki.
W utwory instrumentalne melodie czasami znacznie różnią się od wokalnych, czyli przeznaczonych do śpiewania. W przypadku instrumentów muzycznych można tworzyć melodie o bardzo szerokim zakresie i dużych skokach. wspaniałe obrazy melodie instrumentalne można znaleźć w utworach fortepianowych wielkich polski kompozytor F. Chopina. W jego nokturnu Es-dur szeroka melodyjność łączy się ze złożonością schematu melodycznego.
Niewyczerpane bogactwo melodyczne muzyka klasyczna. Pieśni F. Schuberta i romanse S. Rachmaninowa, utwory fortepianowe F. Chopina i opery G. Verdiego, kompozycje W. Mozarta, M. Glinki i P. Czajkowskiego oraz wielu innych jasne, ekspresyjne melodie.
Harmonia
To jeden z głównych środków wyrazu. Nadaje muzyce kolorytu, a czasem niesie ze sobą większość ładunku semantycznego i emocjonalnego. Harmonijne akordy tworzą harmonię, pozostawiając wrażenie harmonii, piękna, pełni. A czasem nawet gra duża rola niż melodia. Posłuchaj słynnego Preludium nr 20 F. Chopina. Praktycznie nie ma w nim rozbudowanej melodii. ogólny nastrój tworzy harmonię.
Nazywa się ciąg akordów wraz z melodią Harmonia.
Dzięki harmonii zwiększa się wyrazistość melodii, staje się ona jaśniejsza i bogatsza w brzmienie. Akordy, harmonie i ich następstwa tworzą harmonię, ściśle współgrającą z melodią.
W Polonezie A-dur Chopina potężne „orkiestrowe” brzmienie fortepianu uzyskuje się dzięki polifonicznym akordom towarzyszącym melodii o podniosłym, heroicznym charakterze.
W muzyce jest wiele utworów, które brzmią lekko i z gracją. Na przykład taniec. Akordy w brzmieniu symultanicznym byłyby tu odbierane zbyt ciężko i niezgrabnie. Dlatego przy akompaniamencie tańców na mocnym takcie taktu dolny dźwięk akordu (basu) rozbrzmiewa osobno, a następnie pozostałe jego dźwięki w brzmieniu symultanicznym. Ten rodzaj prezentacji harmonii zastosowany został w Walcu As-dur F. Schuberta, co nadaje muzyce lekkość i elegancję brzmienia.
W utworach o melodyjnym charakterze lirycznym, w celu uzyskania miękkiego, „strunowego” brzmienia harmonii, często stosuje się akordy rozłożone dźwiękami. W Sonacie księżycowej L. Beethovena takie brzmienie akompaniamentu w połączeniu z niespiesznym ruchem smutnej melodii nadaje muzyce gładkość i tworzy nastrój wzniosły i szlachetny.
Możliwości kombinacji akordów, harmonii są nieskończenie różnorodne. Ich nieoczekiwane i nagłe zmiany sprawiają wrażenie czegoś niezwykłego, tajemniczego. Dlatego gdy kompozytorzy piszą muzykę baśniową, harmonia staje się jednym z najważniejszych elementów języka muzycznego. Na przykład cud magiczna przemianałabędzie w czerwone dziewice w operze N. Rimskiego-Korsakowa „Sadko” następuje za pomocą kolorowej zmiany „magicznych” akordów.
Są utwory, w których dominuje harmonia, która decyduje o charakterze i nastroju utworu. Posłuchaj preludium C-dur z pierwszego tomu Well-Tempered Clavier I. Bacha.
W niespiesznej i płynnej zmianie zdekomponowanych akordów, w przemianie napięć i recesji, w miarowym ruchu ku uroczystej kulminacji iw następującym po niej zakończeniu, powstaje dzieło skończone i harmonijne. Jest przepojona nastrojem wzniosłego spokoju. Zaczarowany magiczna gra harmonicznych barw, nie zauważamy, że w tym preludium nie ma melodii. Harmonia w pełni oddaje nastrój spektaklu.
Rytm
Rytm jest organizatorem dźwięków muzycznych w czasie. Rytm oznacza stosunek czasów trwania dźwięków do siebie. Nie może istnieć bez rytmu kompozycja muzyczna jak człowiek nie może żyć bez pracy serca. W marszach, tańcach, utworach szybkich rytm porządkuje, usprawnia ruch, od tego zależy charakter pracy.
Czy utwór muzyczny może być wyrazisty bez melodii i harmonii? Odpowiedź daje nam oryginalna sztuka „Panika” S. Prokofiewa z muzyki do sztuki „Egipskie noce”. Akcja toczy się w legendarnym pałacu Egipska królowa Kleopatra.
...Noc. Pałac jest otoczony przez wrogów - wojska Rzymian. Mieszkańcom pałacu grozi niewola lub śmierć. Ogarnięci strachem ludzie wybiegają z odległych komnat pałacu. Pędzą w stronę wyjścia. A oto ostatnie kroki...
Ilustrując ten epizod, kompozytor wykorzystuje ogromną siłę wyrazu rytmu. Oryginalność muzyki polega na tym, że jest tylko wykonywana instrumenty perkusyjne: małe i duże bębny, kotły, tom-tomy. Partia każdego instrumentu ma swój własny wzór rytmiczny. W kulminacyjnym momencie tworzy się skrzep rytmicznej energii o dużej sile i napięciu.
Stopniowo napięcie opada: cichnie tam-tom, potem kotły, werbel, bęben basowy też cichnie… środki muzyczne, Prokofiew stworzył barwną sztukę, rola pierwszoplanowa w którym rytm gra.
Ekspresyjna rola rytmu jest szczególnie wyraźna w słynnym utworze orkiestrowym francuski kompozytor M. Ravel „Bolero”. Niezmienna formuła rytmiczna Taniec hiszpański utrzymany tu przez cały utwór (zapisany w formie 12 wariacji). „Iron Rhythm” trzyma melodyjną melodię jak w imadle i stopniowo zwiększa wielkie napięcie w rozwoju powściągliwego i namiętnego tańca hiszpańskiego. Rytmiczną „formułę” bolerka wykonuje perkusista solo.
Przypomnij sobie to w muzyce denerwować oznacza spójność dźwięków, różniących się wysokością. Te dźwięki są połączone wokół głównego dźwięku - toniki. W muzyka europejska najczęstsze progi – główny oraz mniejszy. Większość utwory, które grasz i o których w pytaniu w naszej księdze są również napisane w tych dwóch trybach. Czy zależność charakteru muzyki od trybu jest silna? Posłuchajmy sztuki G. Sviridova „Wiosna i jesień”.
Kompozytor malował dźwiękami ten sam pejzaż w różnych porach roku. W pierwszej części odtwarzają się lekkie przejrzyste akordy, krucha linia melodyczna wiosenny krajobraz. Słuchając muzyki wyobrażamy sobie delikatne barwy zieleni, która ubrała drzewa, lekkie aromaty kwitnących ogrodów, dzwoniące głosy ptaki. Utwór brzmi w tonacji durowej, optymistycznej, lekkiej.
Ale teraz nastrój się zmienił, tempo zwolniło. Kolory znajomego krajobrazu wyblakły. Wydaje ci się, że widzisz czarne sylwetki nagich drzew przez szarą siatkę deszczu. Z muzyki jakby zniknął światło słoneczne. wiosenne kolory skala majorowa wyszli, zastąpił ich nieletni. W melodii wyraźnie zarysowane zostały intonacje dysonansów-trytonów. Wolne tempo potęgowało ekspresję smutnych akordów mollowych.
Słuchając drugiej części spektaklu łatwo zauważyć, że jest to tylko wariant pierwszej. Ale zmiana trybu sprawia wrażenie, że brzmi nowa sztuka, przeciwny charakterem i nastrojem do pierwszego.
Tempo
Oczywiście dobrze wiesz, że to słowo oznacza szybkość poruszania się. To prawda, że termin ten nie pochodzi od słowa prędkość, ale od słowa czas (łac. tempus). Zarówno charakter, jak i nastrój spektaklu zależą od tempa. Kołysanki nie można grać w szybkim tempie, a galopu w wolnym tempie.
Pamiętajmy o głównym tempa muzyczne. Są one powszechnie określane w języku włoskim.
Largo (largo) - bardzo powoli i szeroko.
Adagio (adagio) - powoli, spokojnie.
Andante(andante) - w tempie spokojnego kroku.
Allegro (allegro) - szybko.
Presto (presto) - bardzo szybko.
Często występują odmiany tych stawek:
Moderato (umiarkowany) - umiarkowanie, powściągliwy.
Allegretto (allegretto) - dość żywy.
Vivace (vivache) - żywy.
Posłuchajcie fragmentu głównego tematu słynnej Fantazji d-moll wielkiego W. Mozarta. Posłuchajcie, jak dobrze dobrana jest miękka, pulsująca faktura akompaniamentu do tej delikatnej, delikatnej melodii.
A poniższy przykład również pochodzi z muzyki W. Mozarta - jego najpopularniejszego finału sonata fortepianowa, znany również jako Marsz Turecki lub Rondo Tureckie. Muzyka zapalająca, zupełnie inna. Tutaj W. Mozart nie jest smutny, nie marzy, ale zaraźliwie się bawi.
Wcześniej tempo w muzyce określano w przybliżeniu, w zależności od nastroju. Ale czasami kompozytorzy chcieli bardzo precyzyjnie wskazać tempo. W początek XIX wieku, niemiecki mechanik I. Melzel specjalnie do tego wynalazł metronom. Wymagana prędkośćłatwe do znalezienia przez metronom.
Dynamika
Równie ważna jest dynamika wykonania, czyli siła dźwięku. Z pewnością zwróciłeś uwagę na to, że podczas występu muzycy grają głośno lub cicho. To nie dzieje się dlatego, że muzyk tak chce. Kompozytor wymyślił więc i wskazał, za pomocą jakich dynamicznych odcieni można ujawnić jego pomysł.
Istnieją dwa główne dynamiczne odcienie, które znasz bardzo dobrze: forte - głośno i fortepian - cicho. W muzyce pisane są włoskimi literami: F i R.
Czasami te odcienie są wzmocnione. Na przykład bardzo głośno - FF (fortissimo) lub bardzo cicho - PP (pianissimo). Często podczas pracy siła dźwięku zmienia się więcej niż jeden raz. Przypomnijmy sobie sztukę P. Czajkowskiego „Baba Jaga”. Muzyka zaczyna się ledwo słyszalna, potem jej dźwięczność staje się silniejsza, osiągając bardzo wysoki poziom i stopniowo znów cichnie. Jakby stupa z Babą Jagą pojawiła się z daleka, minęła nas i zniknęła w oddali.
Właśnie tak dynamiczne odcienie może pomóc kompozytorowi w stworzeniu żywego obrazu muzycznego.
Tembr
Tę samą melodię można zagrać na fortepianie, na skrzypcach, na flecie i na gitarze. I możesz śpiewać. I nawet jeśli zagrasz to na wszystkich tych instrumentach w tej samej tonacji, w tym samym tempie, z tymi samymi niuansami i uderzeniami, dźwięk i tak będzie inny. Z czym? Sama kolorystyka dźwięku, jego barwa. Słowo to pochodzi od francuskiego tembru, co oznacza dzwonek, a także etykietę, czyli znak rozpoznawczy.
Tembr- specjalna kolorystyka dźwięku, charakterystyczna dla każdego głosu i instrumentu. Po tym kolorze rozróżniamy różne głosy i narzędzia oddzielnie.
Posłuchaj rosyjskiej pieśni ludowej w wykonaniu chóru Im. Piatnickiego „Chodzę z bocjami”.
Różnorodność śpiewające głosy szczególnie widoczne w operze, gdzie dla każdej postaci kompozytor dobiera barwę głosu, która najlepiej pasuje do jego postaci. W operze N. Rimskiego-Korsakowa Bajka o Caru Sałtanie rola Księżniczki Łabędzia została napisana na sopran, a swatka Babarichy na mezzosopran. Odtwórcą roli carewicza Gwidona jest tenor, a car Saltan – bas.
Rejestr
Wędruj po klawiaturze fortepianu. Posłuchaj, jak najniższe dźwięki różnią się od najwyższych.
Gdy dopiero zaczynałeś zapoznawać się z instrumentem, zapewne słyszałeś, że na dole „niedźwiedź leży w norze”, a powyżej „ptaki śpiewają”. Ale klawisze, które są pośrodku, brzmią najbardziej melodyjnie. Najczęściej są używane w muzyce. I to nie dlatego, że wygodniej jest do nich dotrzeć, a dlatego, że są bogatsze od innych pod względem muzycznej wyrazistości. Ale jeśli potrzebujemy na przykład zobrazować burzę, to jak możemy obejść się bez grzmotów w basie i błyszczących zygzaków błyskawic w rejestrze „ptaków”?
Co to jest rząd klawiszy fortepianu? Szereg dźwięków. Krótko mówiąc - solidny rząd. Rejestr jest więc częścią skali. To prawda, ale nie mówi nam nic o samych rejestrach – o ich naturze, cechach.
Tutaj, na przykład, jest środkowy przypadek. Ten, w którym śpiewamy i mówimy. Nasze ucho jest najlepiej dostrojone do fali „konwersacyjnej”. A poza tym, czy o tym wiesz, czy nie, muzyki słuchamy nie tylko uszami, ale także strunami głosowymi. Kiedy słuchamy melodii, nasze struny głosowe śpiewają ją po cichu, czy nam się to podoba, czy nie. Dlatego, gdy śpiewakowi zachorują więzadła, nie wolno mu nie tylko śpiewać samemu, ale także słuchać innych śpiewaków.
To nasuwa wniosek: ten, kto śpiewa lepiej i czyściej, lepiej słyszy muzykę i czerpie z niej więcej przyjemności. To nie przypadek, że znany już Państwu R. Schumann napisał w swoim „Zasadzie dla młodzi muzycy": "Śpiewaj pilnie w chórze."
Najbardziej znany jest nam rejestr środkowy. A kiedy słuchamy muzyki zapisanej w tym rejestrze, zwracamy uwagę nie na sam rejestr, ale na inne szczegóły: melodię, harmonię i inne detale ekspresyjne.
A dolne i górne rejestry są ostro rozróżnione dzięki swojej szczególnej wyrazistości rejestru. Dolna obudowa przypomina „szkło powiększające”. On tak obrazy muzyczne większy, większy, większy. Potrafi przestraszyć. I powiedz: „Ćśś, to tajemnica”.
Tajemniczo, nietypowo zaczyna się sztuka E. Griega „W jaskini króla gór”. Ale przerażający temat budzącego grozę króla Shahriara z suita symfoniczna N. Rimskiego-Korsakowa „Szeherezada”.
Wyższy rejestr, wręcz przeciwnie, zdaje się „zmniejszać” to, co w nim brzmi. W „Albumie dziecięcym” P. Czajkowskiego znajduje się „Marsz drewniani żołnierze". Wszystko w nim jest jak w prawdziwym marszu wojskowym, tyle że małe, „zabawkowe”.
Teraz możemy to powiedzieć zarejestrować- jest to część skali, która ma określoną barwę dźwięku. Istnieją trzy rejestry: górny, środkowy i dolny.
Słuchaliśmy przykładów zapisanych w tym samym rejestrze. Ale taka muzyka jest rzadkością. Często kompozytorzy używają wszystkich rejestrów naraz. Jak na przykład E. Grieg w utwór fortepianowy Nokturn. „Nokturn” oznacza „noc”. W Norwegii, w ojczyźnie E. Griega, latem są takie same białe noce jak w Petersburgu. Muzyka Nokturnu E. Griega jest barwna i malownicza. Zarejestruj grę farbami ważna rola w tym obrazie dźwiękowym.
Prezentacja
W zestawie:
1. Prezentacja - 30 slajdów, psx;
2. Dźwięki muzyki:
Kawaler. Preludium c-moll (klawesyn w języku hiszpańskim) Beethoven. Sonata "Księżycowa", część I - Adagio sostenuto (fragment), mp3;
Glinka. Recytatyw Susanina „Powąchaj prawdę” z opery „Życie dla cara”, mp3;
Grieg. „W Sali Króla Gór” z suity „Peer Gynt” (fragment), mp3;
Grieg. Nokturn z „Suity lirycznej” (fragment), mp3;
Mozarta. Rondo w stylu tureckim (fragment), mp3;
Mozarta. Fantazja d-moll (fragment), mp3;
Prokofiew. „Panika”, z muzyki do spektaklu „Egipskie noce”, mp3;
Węzeł. „Bolero” (fragment), mp3;
Rimskiego-Korsakowa. „Cud przemiany łabędzi w czerwone dziewice” z opery „Sadko”, mp3;
Rimskiego-Korsakowa. Temat Shahriara z suity symfonicznej „Szeherezada”, mp3;
Swiridow. „Wiosna i jesień”, mp3;
Czajkowski. „Baba Jaga” z „ album dla dzieci", mp3;
Czajkowski. "Marsz Drewnianych Żołnierzy" z "Albumu dziecięcego", mp3;
Chopina. Nokturn Es-dur op. 9 nr 2 (fragment), mp3;
Chopina. Polonez A-dur op. 40 nr 1 (fragment), mp3;
Chopina. Preludium c-moll op. 28 nr 20, mp3;
Schuberta. Walc As-dur, mp3;
"Chodzę z bocjami", mp3;
Słowik (w języku hiszpańskim BDH), mp3;
3. Artykuł towarzyszący - podsumowanie lekcji, docx.
ZNACZENIE MUZYKI JAKO RODZAJ SZTUKI
Piękno budzi dobro.
DB Kabalewski
Jak wytłumaczyć ogromną siłę oddziaływania muzyki na świat duchowy człowiek?
Przede wszystkim jego niesamowita umiejętność ukazywania doświadczeń ludzi w różnych momentach życia. Lud się raduje - to przekłada się na uroczyste i radosne dźwięki muzyki; żołnierz śpiewa na kampanii - piosenka nadaje szczególny wesoły nastrój, organizuje krok, matka opłakuje martwy syn Smutne dźwięki pomagają wyrazić smutek. Muzyka towarzyszy człowiekowi przez całe życie.
Dzieła muzyczne odzwierciedlają karty historii. W czasach Wielkiego Wojna Ojczyźniana jeden z najlepsze utwory tamtych czasów - „Święta wojna” A. Aleksandrowa. Zjednoczyła się ludzie radzieccy w ich surowej, nieugiętej determinacji do walki aż do skutku wielkie zwycięstwo. W oblężony Leningrad D. Szostakowicz tworzy słynną VII Symfonię. Potępia największe zło, jakie przynosi faszyzm. „Nie lubię mówić do siebie takich słów, ale to była moja najbardziej inspirująca praca” – wspomina kompozytor. Do niego należą również następujące słowa: „W smutku i radości, w pracy iw spoczynku muzyka jest zawsze z człowiekiem. Weszła w życie tak w pełni i organicznie, że jest brana za coś oczywistego, jak powietrze, którym się oddycha bez zastanowienia, bez zauważenia... O ile uboższy byłby świat, gdyby został pozbawiony pięknego, osobliwego języka, który pomaga ludziom się porozumieć lepszy.
To kolejna cecha muzyki - jednoczenie ludzi w jednym doświadczeniu. Stanie się środkiem komunikacji między nimi postrzegane jest jako cud, że utwór stworzony przez jedną osobę wywołuje określoną reakcję w duszy drugiej. P. I. Czajkowski powiedział: „Być może nigdy nie schlebiało mu i nie wzruszyło go duma autora za jego życia, tak jak wtedy, gdy L.N. Tołstoj, słuchając Andante mojego kwartetu i siedząc ze mną, wybuchnął płaczem.
Żywe artystyczne dzieła muzyczne, oddziałujące na estetyczną stronę duszy, stają się źródłem i środkiem edukacji. Czy muzyka jest w stanie oddziaływać na wszystkich słuchaczy z taką samą siłą? Oczywiście że nie. I to jest kolejna jego cecha. Każda osoba na swój sposób wykazuje zainteresowanie i pasję do muzyki, preferuje dowolną gatunek muzyczny, ulubiony kompozytor, Praca indywidualna z pewnym doświadczeniem odsłuchowym. Tak jak uczymy się pisać, czytać, liczyć, rysować, tak trzeba nauczyć się rozpoznawać i oceniać muzykę, uważnie słuchać, zauważać dynamiczny rozwój obrazów, zderzenie i walkę przeciwstawnych tematów, dopełnienie. Musimy nauczyć się rozumieć ten „piękny, osobliwy język”. Stopniowo rozwijany gust muzyczny, pojawia się potrzeba nieustannego obcowania z muzyką, doznania artystyczne stają się subtelniejsze i różnorodne.
Inną cechą muzyki, która nas interesuje jest to, że oddziałuje ona na człowieka od pierwszych dni jego życia. Słysząc łagodną melodię kołysanki dziecko koncentruje się, uspokaja. Ale teraz słychać wesoły marsz i wyraz twarzy natychmiast się zmienia twarz dziecka, ruchy ożywają! Wcześnie reakcja emocjonalna pozwala już od pierwszych miesięcy życia wprowadzać dzieci w świat muzyki, wykonywać ją aktywny pomocnik edukacja estetyczna.
Muzyka jako forma sztuki. Oryginalność sztuki muzycznej
Sztuka muzyczna, która bezpośrednio i silnie oddziałuje na człowieka już w pierwszych latach jego życia, zajmuje duże miejsce w jego ogólnej rozwój kulturowy. Muzyka jest bliska emocjonalnej naturze dziecka. Pod wpływem muzyki rozwija się jego percepcja artystyczna, wzbogacają się doświadczenia.
Muzyka - największe źródło przyjemność estetyczna i duchowa. Towarzyszy człowiekowi przez całe życie, wywołuje reakcję emocjonalną, ekscytację, chęć działania. Potrafi zainspirować, rozpalić w człowieku, zaszczepić w nim ducha żywotności i energii, ale może też wprowadzić w stan melancholii, żalu czy cichego smutku. Radosna, wesoła, heroiczna muzyka poprawia nastrój, pobudza, zwiększa wydolność. Spokojny, liryczny - łagodzi stres, koi, likwiduje uciążliwe zmęczenie.
Muzyka to sztuka. Muzyka ma możliwości nieporównywalne z żadnym innym rodzajem sztuki. Ma moc największego wpływu emocjonalnego na osobę.
Sztuka jest szczególnym, artystycznym i figuratywnym odbiciem życia, zewnętrznego i wewnętrznego świata człowieka, jest myśleniem artystycznymi obrazami. Artystyczny obraz- coś, co jest wspólne dla każdego rodzaju sztuki, coś, co odróżnia sztukę od innych form kultura ludzka, a co w szczególności stanowi sztukę muzyczną. Obraz artystyczny jest „rdzeniem”, „sercem” dzieła sztuki.
Zatrzymajmy się krótko nad zagadnieniem specyfiki sztuki muzycznej, podkreślmy jej główne i niepowtarzalne cechy.
Muzyka jest sztuką intonacyjną. Poprzez intonację wyraża ogromne bogactwo treści emocjonalnych i semantycznych, których centrum stanowi człowiek i otaczający go świat.
Jednym ze źródeł powstawania obrazów muzycznych są realne dźwięki natury i mowy ludzkiej – wszystko to, co ludzkie ucho odbiera w otaczającym świecie. „Od czasów starożytnych człowiek starał się odtworzyć w śpiewie lub melodiach instrumentalnych to, co usłyszał wokół siebie: świergot ptaków, grzmot, szum strumienia, brzęczenie obracającego się koła. Główną podstawą sztuki muzycznej była znacząca i zmysłowo ekspresyjna mowa osoby.
Rozwijająca się w procesie komunikacji dźwiękowej muzyka była początkowo nierozerwalnie związana z mową i tańcem. Dostosował się do rytmu ruchów robotniczych, ułatwił je, zjednoczył ludzi wspólnym pragnieniem. Jak malarz naśladuje formy i kolory natury, tak muzyk naśladuje dźwięk - intonacje, barwę, modulację głosu. Jednak istota muzyki nie tkwi w onomatopejach i momentach wizualnych.
Muzyka, w przeciwieństwie do sztuk przestrzennych (malarstwa, rzeźby itp.), które dysponują środkami obiektywnego przedstawiania rzeczywistości, jest sztuką wyrażania uczuć, emocji, nastrojów, myśli i idei (obraz muzyczny pozbawiony jest bezpośrednich , konkretna widzialność, ale ze swej natury jest dynamiczna i generalnie za pomocą środków dźwiękowych wyraża istotne procesy życiowe).
W związku z tym treścią muzyki jest przede wszystkim strona emocjonalna przeżyć psychicznych człowieka i dopiero poprzez te doświadczenia dokonuje się odbicie obrazów otaczającej rzeczywistości. Muzyka pogłębia te obrazy i jasno ujawnia ich treść.
Siła oddziaływania muzyki na człowieka polega na jej zdolności w pewnych momentach do łączenia ludzi w jeden nastrój, emocje, impuls, do wywoływania uczuć miłości, zabawy, triumfu, dumy, smutku, nienawiści.
Specyfika muzyki, jej siła emocjonalna polega na umiejętności ukazania bogatego świata ludzkich uczuć, które powstały pod wpływem otaczającego życia. psycholog Tepłow mówi o tym: „Muzyka jest przede wszystkim drogą do poznania ogromnego i najbogatszego świata ludzkich uczuć. Pozbawiona treści emocjonalnej muzyka przestaje być sztuką”.
Za pomocą swojego emocjonalnego języka muzyka oddziałuje na uczucia, myślenie, wpływa na światopogląd człowieka, kieruje nim i zmienia. Oddziałując na uczucia i myśli ludzi, muzyka przyczynia się do emocjonalnego poznania otaczającej rzeczywistości oraz pomaga ją przekształcać i zmieniać. Muzyka przenika do najgłębszych zakamarków ludzkiego ducha, budzi czyste, szlachetne uczucia, pozwala zrozumieć losy jednostki i stan świata.
Jednym z głównych środków kreowania obrazu muzycznego jest melodia, uporządkowana rytmicznie, wzbogacona o dynamikę, barwę itp., wsparta towarzyszącymi głosami.
Charakter oddziaływania utworu muzycznego zależy od tego, jak specyficzna jest jego treść. Z tego punktu widzenia wyróżnia się muzykę z tekstem słownym, programową i pozaprogramową muzykę czysto instrumentalną.
Pierwsza obejmuje pieśń, romans, chór, kantatę, oratorium, operę i inne.
Muzyka programowa opatrzona jest programem słownym (często poetyckim), który ujawnia jej treść. Programem może być tytuł, który wskazuje na jakieś zjawisko rzeczywistości, które kompozytor miał na myśli, lub na dzieło literackie, obrazowe lub plastyczne, które go zainspirowało. Przykładem jest cykl fortepianowy P.I. Czajkowskiego „Pory roku”, dzieła małych form i pisane dla dzieci, innych kompozytorów („Klowny” D. Kabalewskiego, „Wiosenny potok” A. Żiwcowa itp.). Autor muzyki, sugerując tytuł, kieruje wyobraźnię słuchacza i wykonawcy w określonym kierunku.
Program i muzyka kompozycji programowej stanowią jedność. Tak jak nie da się oddzielić uczuć człowieka od jego myślenia, skoro uczucia abstrakcyjne nie istnieją, tak nie da się oderwać programu i muzyki, która to wyraża.
Znajomość programu jest warunkiem koniecznym właściwego odbioru utworu muzycznego. „Muzyka (program) umożliwia niezwykle głębokie wniknięcie w treść najrozmaitszych idei, obrazów, wydarzeń, ale tylko pod jednym warunkiem: jeśli sama ta treść jest z góry znana. Z muzyki jako takiej nie można po raz pierwszy poznać treści jakiejkolwiek myśli czy obrazu. Ale kiedy ta treść jest poznana, za pomocą muzyki można ją tak głęboko odczuć, przeżyć, uczynić z niej swoją wewnętrzną własność, jak nie może być inaczej. Na tym polega siła muzyki, na tym polega jej wielkie znaczenie poznawcze.
Nieprogramowane utwory instrumentalne to np. sonata, kwartet, trio, preludium itp. Treść muzyki pozaprogramowej składa się z emocji. Nasycona żywymi intonacjami wyrażającymi pewne ludzkie doświadczenia, odzwierciedla prawdziwe życie, które jest źródłem tych przeżyć, ale odbija się poprzez emocje. Muzyka nieprogramowa wyraża więc wyłącznie treści emocjonalne. Ale treść jest. Określa szczególne możliwości poznawcze sztuki muzycznej. Muzyka nie dostarcza nowej, konkretnej wiedzy faktograficznej, ale może pogłębiać już istniejące, nasycając je emocjonalnie.
Cechy muzyki jako sztuki według N. Vetluginy:
Możliwość pokazania doświadczeń ludzi w różnych momentach życia. Lud się raduje - to przekłada się na uroczyste i radosne dźwięki muzyki; żołnierz śpiewa w kampanii - piosenka nadaje szczególny wesoły nastrój, organizuje krok; matka opłakuje zmarłego syna - smutne dźwięki pomagają wyrazić żal.
Inną cechą muzyki jest jednoczenie ludzi w jednym doświadczeniu, by stać się środkiem komunikacji między nimi.
Trzecią cechą muzyki, jak mówi D. Szostakowicz, jest „wspaniały język oryginalny”. Łącząc wyrazistą, jasną melodię, harmonię, osobliwy rytm, kompozytor wyraża swój światopogląd, swój stosunek do otoczenia. Wszyscy, którzy je dostrzegają, wzbogacają się o takie dzieła.
Kolejna jej cecha. Każda osoba na swój sposób wykazuje zainteresowanie i pasję do muzyki, preferuje dowolny gatunek muzyczny, ulubionego kompozytora, indywidualną twórczość, mającą określone wrażenia słuchowe.
Kolejną cechą muzyki jest oddziaływanie na człowieka od pierwszych dni jego życia. Słysząc łagodną melodię kołysanki dziecko koncentruje się, uspokaja. Ale wtedy słychać energiczny marsz, a wyraz twarzy dziecka natychmiast się zmienia, ruchy ożywają! Wczesna reakcja emocjonalna umożliwia wprowadzenie dzieci w świat muzyki już od pierwszych miesięcy życia, aby stała się aktywnym pomocnikiem w edukacji estetycznej.
Muzyka to najtrudniejsza ze sztuk. Cechy muzyki jako sztuki odzwierciedlania nie tylko prostych, ale i bardzo złożonych emocji, jako sztuki wyrażania wielopłaszczyznowego stosunku człowieka do świata i do siebie, sprawiają, że treść i język muzyki są dla człowieka zamknięte na wczesnych etapach jego rozwoju. Dziecko należy stopniowo wprowadzać w świat muzyki, aby pomóc mu zrozumieć treść muzycznych obrazów plastycznych, a co za tym idzie dać mu możliwość ich przeżywania.
http://otveti-examen.ru/pedagogika/12-metodika-muzykalnogo-razvitiya.html?showall=1&limitstart
Muzyka nie jest daremna w porównaniu z ludzki głos, mowa ludzka. Podobnie jak mowa, muzyka składa się z nut (liter), motywów (słów), fraz (zdań) i kropek (cały tekst). Jeśli wymawiamy pojedyncze litery lub słowa, nikt nie zrozumie znaczenia tego, co zostało powiedziane, a ponadto nie odczuje charakteru i emocjonalnego zabarwienia przekazywanych informacji.
Również w mowie muzycznej – konieczne jest grupowanie poszczególnych nut we frazy i okresy, stosowanie środków dynamiki (zwiększanie lub zmniejszanie głośności dźwięku) i wydobywania dźwięku (legato, staccato), aby stworzyć spójność, oddać charakter i obraz wypowiedzi. dzieło muzyczne.
Frazowanie jestśrodek wyrazu muzycznego, semantyczny i artystyczny podział utworu muzycznego na frazy i zdania.
Zapewne zauważyłeś, że ten sam utwór jednego wykonawcy może brzmieć nudno i monotonnie, a innego może nabrać jaskrawości barw, emocji i obrazów.
Aby nauczyć się sztuki frazowania, staraj się słuchać więcej muzyki, a nie tylko fortepianowej, i zwracaj uwagę na to, jak wykonawca łączy dźwięki w propozycje muzyczne.
Szczególnie wyraźnie można wyczuć specyfikę frazowania prace wokalne: piosenki i romanse. Wokalista z reguły bierze oddech między frazami semantycznymi. Dlatego ucząc się nowego utworu, spróbuj zaśpiewać melodię, a ułożysz logiczne frazy.
A teraz poćwiczmy sztukę frazowania na przykładzie romansu. Najpierw zaśpiewaj tę melodię, a następnie zagraj ją na pianinie razem ze swoim głosem. Spróbuj połączyć frazy, logicznie łącząc je z tekstem romansu.
W słynnym utwór fortepianowy„Fur Elise” L. van Beethovena bardzo wyraźnie dzieli się na motywy i frazy. W tym przykładzie motywy są oznaczone ligami. Najpierw zagraj każdy motyw, a następnie połącz je w frazy. W tym pasaż muzyczny frazy zbudowane są w 4 taktach (nie liczą się takty, od których rozpoczyna się utwór i wszystkie kolejne frazy).
Pamiętaj, że nie 7 banalnych nut oddaje dźwięk fal czy bicie dzwonów, zabawna impreza lub głęboki smutek, szczera rozmowa lub bitwa wojskowa. Jasność obrazów uzyskuje się za pomocą frazowania, a umiejętność posługiwania się nim wyróżnia profesjonalistę utalentowany muzyk, odzwierciedla to gust artystyczny i twórczej wyobraźni.
