Każdy kraj ma swoich bohaterów Sztuka współczesna, których nazwiska są znane, których wystawy gromadzą rzesze fanów i ciekawskich, a których prace trafiają do prywatnych kolekcji.
W tym artykule przedstawimy Ci najpopularniejsze współcześni artyści Japonia.
Keiko Tanabe
Urodzona w Kioto, Keiko jako dziecko zdobyła wiele tytułów. konkursy plastyczne, ale wyższa edukacja w ogóle nie otrzymał w dziedzinie sztuki. Pracował w dziale stosunki międzynarodowe z japońską samorządową organizacją handlową w Tokio, dużą kancelarią prawną w San Francisco i prywatną firmą konsultingową w San Diego, i dużo podróżował. Od 2003 roku rzuciła pracę i po nauczeniu się podstaw malarstwa akwarelowego w San Diego poświęciła się wyłącznie sztuce.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Japoński artysta Ikenaga Yasunari maluje portrety nowoczesne kobiety w starożytności japońska tradycja malowanie pędzlem Menso, pigmentami mineralnymi, sadzą, tuszem i lnem jako podkładem. Jego bohaterkami są kobiety naszych czasów, ale dzięki stylowi Nihongi można odnieść wrażenie, że przybyli do nas z zamierzchłych czasów.
Abe Toshiyukiego
Abe Toshiyuki jest artystą realistą, który technikę akwareli opanował do perfekcji. Abe można nazwać artystą-filozofem: zasadniczo nie rysuje znanych punktów orientacyjnych, preferując subiektywne kompozycje odzwierciedlające stany wewnętrzne osoba je obserwująca.
Hiroko Sakai
Kariera artysty Hiroko Sakai rozpoczęła się na początku lat 90. w mieście Fukuoka. Po ukończeniu Uniwersytetu Seinan Gakuin i szkoła francuska Projektowanie Wnętrz Nihon w zakresie projektowania i wizualizacji założyła „Atelier Yume-Tsumugi Ltd.” i z powodzeniem zarządzał tym studiem przez 5 lat. Wiele jej prac zdobi lobby szpitalne, gabinety Duże korporacje i niektóre budynki komunalne w Japonii. Po przeprowadzce do Stanów Zjednoczonych Hiroko zaczęła malować olejami.
Riusuke Fukahori
Trójwymiarowe prace Ryuusuki Fukahori są jak hologramy. Są gotowe farba akrylowa, nałożonych na kilka warstw i przezroczystą żywicą - wszystko to nie wyklucza tradycyjne metody takie jak renderowanie cieni, zmiękczanie krawędzi, kontrola przezroczystości, pozwalają Ryusukiemu tworzyć rzeźbiarskie obrazy i nadają pracy głębię i realizm.
Natsuki Otani
Natsuki Otani to utalentowana japońska ilustratorka mieszkająca i pracująca w Anglii.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu jako podstawę swojej pracy wybrał motyw win-win - rysuje koty. Jego obrazy są popularne na całym świecie, zwłaszcza w formie puzzli.
Tetsuya Mishima
Większość obrazów współczesnego japońskiego artysty Mishimy wykonana jest techniką olejną. Malowaniem zawodowo zajmuje się od lat 90., ma na swoim koncie kilka wystaw indywidualnych i m.in duża liczba wystawy zbiorowe, zarówno japońskie, jak i zagraniczne.
Malarstwo japońskie jest jednym z najpiękniejszych na świecie.
Malarstwo japońskie jest jednym z najstarszych i najstarszych niesamowite widoki kreatywność. Jak każdy inny, ma swoją długą historię, którą można podzielić na kilka okresów w zależności od technik i cech. Wspólna dla wszystkich okresów jest przyroda, której na obrazach przyznano główne miejsce. Na drugim miejscu pod względem popularności w sztukach wizualnych Japonii są domowe sceny z życia.
Yamato
Yamato(VI-VII w.) - pierwszy okres sztuki japońskiej, który położył podwaliny pod pisanie. Impulsem do rozwoju sztuki były osiągnięcia Chin w dziedzinie religii i pisarstwa. Japonia rzuciła się, by wznieść się na jego poziom, dokonując zmian w swojej strukturze i budując wszystko na podobieństwo Chin. W celu rozwoju malarstwa sprowadzono do Japonii ogromną liczbę dzieł chińskich mistrzów, co zainspirowało Japończyków, którzy odważnie rzucili się do tworzenia podobnych obrazów.
Malowidło w grobowcu Takamatsuzuka
Ten okres składa się z dwóch okresów podrzędnych:
- Kofun- Kropka sztuka japońska zajmując pierwszą połowę Yamato. Nazwa okresu jest tłumaczona jako „okres kurhanów”. W tamtych czasach rzeczywiście duża rola przypisane do kopców, tworząc je wszędzie.
- Asuka- druga część ery Yamato. Okres został nazwany na cześć politycznego centrum kraju, które było aktywne w tych latach. Wiąże się to z pojawieniem się buddyzmu w Japonii, aw przyszłości z aktywnym rozwojem wszystkich obszarów kulturowych.
Nara
Pochodzący z Chin buddyzm aktywnie rozprzestrzeniał się w Japonii, co przyczyniło się do pojawienia się w sztuce wątków religijnych. Japońscy artyści, porwani tym tematem, malowali ściany świątyń, które tworzyły wpływowe osobistości. Do dziś w świątyni Horyu-ji zachowały się malowidła ścienne z tego okresu.
Azuchi-Momoyama
Ten okres jest dokładnym przeciwieństwem swojego poprzednika. Mrok i monochromatyczność znikają z prac, zastępując je żywe kolory oraz użycie złota i srebra w obrazach.
Cyprys. Ekran. Kano Eitoku.
Meiji
W XIX wieku rozpoczął się podział malarstwa japońskiego na style tradycyjne i europejskie, które energicznie ze sobą konkurowały. W tym okresie w Japonii nastąpiły ogromne zmiany polityczne. Wpływ Europy w tamtych latach dotknął prawie każdy zakątek planety, wprowadzając własne cechy do każdego państwa. styl europejski sztuka była aktywnie wspierana przez władze, odrzucające dawne tradycje. Ale wkrótce podniecenie wokół Malarstwo zachodnie szybko opadło i zainteresowanie Sztuka tradycyjna wrócił nagle.
Rozwój malarstwa japońskiego aktualizacja: 15 września 2017 r. przez: Cicha sympatia
język japoński malarstwo klasyczne ma długie i ciekawa historia. Sztuki wizualne Japonii są reprezentowane w różne style i gatunków, z których każdy jest wyjątkowy na swój sposób. Starożytne malowane figurki i motywy geometryczne znalezione na dzwonach z brązu dotaku i odłamkach ceramiki pochodzą z 300 rne.
Buddyjska orientacja sztuki
W Japonii sztuka malowania ścian była dość dobrze rozwinięta, w VI wieku szczególnie popularne były obrazy na temat filozofii buddyzmu. W tym czasie w kraju budowano duże świątynie, a ich ściany były wszędzie ozdobione freskami namalowanymi według wątków buddyjskich mitów i legend. Do tej pory w świątyni Horyuji w pobliżu japońskiego miasta Nara zachowały się starożytne próbki malowideł ściennych. Freski Horyuji przedstawiają sceny z życia Buddy i innych bogów. Styl artystyczny tych fresków jest bardzo zbliżony do koncepcji malarskiej popularnej w Chinach w czasach dynastii Song.
Malowniczy styl dynastii Tang zyskał szczególną popularność w połowie okresu Nara. Freski znalezione w grobowcu Takamatsuzuki pochodzą z tego okresu i datowane są na około VII wiek naszej ery. Technika artystyczna, ukształtowany pod wpływem dynastii Tang, stał się później podstawą gatunku malarstwa kara-e. Gatunek ten zachował swoją popularność aż do pojawienia się pierwszych dzieł w stylu yamato-e. Większość fresków i arcydzieł malarskich należy do pędzla nieznani autorzy, dziś wiele dzieł z tego okresu znajduje się w skarbcu Sesoin.
Rosnący wpływ nowych szkół buddyjskich, takich jak Tendai, wpłynął na szeroką orientację religijną. Dzieła wizualne Japonia w VIII i IX wieku. W X wieku, w którym nastąpił szczególny postęp buddyzm japoński, gatunek raigōzu, pojawiły się „obrazy powitalne”, które przedstawiały przybycie Buddy do zachodniego raju. Wczesne przykłady raigozu z 1053 roku można zobaczyć w świątyni Bedo-in, która jest zachowana w mieście Uji w prefekturze Kioto.
Zmiana stylów
W środku okresu Heian do wymiany chiński styl kara-e to gatunek yamato-e, który na długi czas staje się jednym z najbardziej popularnych i poszukiwanych gatunków malarstwa japońskiego. Nowy styl malarski stosowany głównie w malowaniu ekranów składanych i drzwi przesuwnych. Z czasem yamato-e przeszło na poziome zwoje emakimono. Artyści, którzy pracowali w gatunku emaki, starali się przekazać w swoich pracach całą emocjonalność wybranej fabuły. Zwój Genji monogatari składał się z kilku połączonych ze sobą epizodów, ówcześni artyści używali szybkich pociągnięć i jasnych, wyrazistych kolorów.
E-maki to jeden z najstarszych i najwybitniejszych przykładów malarstwa otoko-e. portrety męskie. Portrety kobiet podświetlony w odrębny gatunek onna-e. W rzeczywistości między tymi gatunkami, a także między mężczyznami i kobietami, istnieją dość znaczące różnice. Styl onna-e jest barwnie przedstawiony w projekcie Tale of Genji, gdzie głównymi tematami rysunków są romantyczne działki, sceny z życia dworskiego. Męski styl otoko-e jest głównie obraz artystyczny bitwy historyczne i inne ważne wydarzenia w życiu imperium.
Klasyczna japońska szkoła artystyczna stała się podatnym gruntem dla rozwoju i promocji idei. Sztuka współczesna Japonia, która wyraźnie pokazuje wpływy popkultury i anime. Jeden z najsłynniejszych japońskich artystów naszych czasów można nazwać Takashi Murakami, którego praca poświęcona jest przedstawianiu scen z japońskie życie okresu powojennego i koncepcji maksymalnej fuzji sztuk pięknych i głównego nurtu.
Od znanych japońskich artystów szkoła klasyczna można nazwać następujące.
Napięty Shubun
Shubun pracował na początku XV wieku, poświęcając wiele czasu na studiowanie dzieł chińskich mistrzów epoki dynastii Song, człowiek ten stał u początków japońskiego fajny gatunek. Shubun jest uważany za twórcę sumi-e, monochromatycznego malarstwa tuszem. Dołożył wielu starań, aby spopularyzować nowy gatunek, czyniąc z niego jeden z wiodących nurtów w malarstwie japońskim. Wielu uczniów Shubuna stało się później znany artysta, w tym Sesshu i założyciel słynnego Szkoła Artystyczna Kano Masanobu. Shubunowi przypisywano wiele krajobrazów, ale jego najsłynniejsze dzieło jest tradycyjnie uważane za Czytanie w bambusowym gaju.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin jest jednym z nich główni artyści w historii malarstwa japońskiego założyciel i jeden z najwybitniejszych przedstawicieli styl artystyczny rimpa. Korin odważnie odszedł w swoich pracach od tradycyjnych stereotypów, tworząc własne własny styl, którego głównymi cechami były małe formy i żywy impresjonizm fabuły. Korin jest znany ze swojej szczególnej umiejętności przedstawiania natury i pracy z abstrakcyjnymi kompozycjami kolorystycznymi. „Czerwony i biały kwiat śliwy” to jedno z najsłynniejszych dzieł Ogaty Korina, znane są także jego obrazy „Chryzantemy”, „Fale Matsushimy” i wiele innych.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku jest założycielem japońskiej szkoły artystycznej Hasegawa. Do wczesny okres Prace Tohaku charakteryzują się wpływami słynnej szkoły malarstwa japońskiego 
Kano, ale z czasem artysta wykształcił swój własny, niepowtarzalny styl. Pod wieloma względami na twórczość Tohaku wpływ miała praca uznanego mistrza Sesshu, Hosegawa uważał się nawet za piątego następcę tego wielkiego mistrza. Otrzymał obraz Hasegawy Tohaku „Sosny”. światowa sława, jego prace „Klon”, „Sosny i rośliny kwitnące" inny.
Kano Eitoku (1543-1590)
Styl szkoły Kanō dominował w sztukach pięknych Japonii przez około cztery wieki, a Kanō Eitoku jest prawdopodobnie jednym z najbardziej znanych i wybitni przedstawiciele tę szkołę plastyczną. Eitoku był faworyzowany przez władze, mecenat arystokratów i zamożnych mecenasów nie mógł nie przyczynić się do umocnienia jego szkoły, a popularność tego dzieła niewątpliwie bardzo utalentowany artysta. Ośmiopanelowy przesuwany parawan „Cypress”, namalowany przez Eitoku Kano, to prawdziwe arcydzieło i pierwszorzędny przykład zakres i moc stylu Monoyama. Nie mniej interesujące są inne prace mistrza, takie jak „Ptaki i drzewa czterech pór roku”, „Chińskie lwy”, „Pustelnicy i wróżka” i wiele innych.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai- największy mistrz ukiyo-e (drzeworyt japoński). Otrzymano dzieło Hokusai światowe uznanie, jego sława w innych krajach nie jest porównywalna z popularnością większości azjatyckich artystów, jego twórczość” Wielka fala w Kanagawie” stał się czymś w rodzaju wizytówka Japońskie sztuki piękne na światowej scenie artystycznej. Samemu kreatywny sposób Hokusai posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami, po sześćdziesiątce artysta poświęcił się całkowicie sztuce i właśnie ten okres uważany jest za najbardziej owocny okres w jego twórczości. Prace Hokusai wywarły wpływ na twórczość zachodnich mistrzów impresjonizmu i postimpresjonizmu, w tym na twórczość Renoira, Moneta i van Gogha.
Sztuka i projektowanie
2702
01.02.18 09:02
Dzisiejsza scena artystyczna w Japonii jest bardzo różnorodna i prowokująca: przyglądanie się twórczości mistrzów z tego kraju wschodzące słońce Pomyślisz, że wylądowałeś na innej planecie! Jest domem dla innowatorów, którzy zmienili krajobraz branży w skali globalnej. Przedstawiamy Państwu listę 10 współczesnych japońskich artystów i ich twórczości - od niesamowite stworzenia Takashi Murakami (który dzisiaj obchodzi urodziny) do kolorowego uniwersum Kusama.
Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści
Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyk
Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami jest jednym z najbardziej znanych współczesnych artystów japońskich, tworzącym obrazy, rzeźby na dużą skalę i modę. Styl Murakamiego jest inspirowany mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, który wspiera język japoński tradycje artystyczne i kultury powojennej. Murakami wypromował wielu swoich współczesnych, niektórych z nich poznamy także dzisiaj. „Subkulturowe” prace Takashiego Murakamiego prezentowane są na rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny film My Lonesome Cowboy (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze znanymi na całym świecie markami Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tycho Asima i jej surrealistyczny świat
Członek firmy produkcyjnej Kaikai Kiki i ruchu Superflat (oba założone przez Takashiego Murakamiego), Chiho Ashima jest znana ze swoich fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych popowych stworzeń. Artysta tworzy surrealistyczne sny zamieszkane przez demony, duchy, młode piękności ukazane na tle dziwacznej natury. Jej prace są zwykle wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze, plastiku. W 2006 roku ten nowoczesny japoński artysta brał udział w Art on the Underground w Londynie. Na platformę stworzyła 17 kolejnych łuków - magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dnia w noc, z miejskiego w wiejski. Ten cud rozkwitł na stacji metra Gloucester Road.
Chiharu Shima i Nieskończone nici
Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje nad wielkoskalowymi instalacjami wizualnymi dla określonych punktów orientacyjnych. Urodziła się w Osace, ale obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Głównymi tematami jej prac są zapomnienie i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja z lękiem. Bardzo znane prace Chiharu Shiota – nieprzeniknione sieci czarnej nici, pokrywające różne przedmioty gospodarstwa domowego i osobiste – takie jak stare krzesła, Suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota połączyła ponad 300 podarowanych jej butów i kozaków nitkami czerwonej przędzy i zawiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlin Art Week w 2016 roku i wywołała sensację.
Hej Arakawa: wszędzie, nie nigdzie
Ei Arakawa inspiruje się stanami zmian, okresami niestabilności, elementami ryzyka, a jego instalacje często symbolizują tematy przyjaźni i pracy zespołowej. Credo współczesnego japońskiego artysty określa performatywna nieokreśloność „wszędzie, ale nigdzie”. Jego dzieła pojawiają się w nieoczekiwanych miejscach. W 2013 roku prace Arakawy były wystawiane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie współczesnej sztuki japońskiej w Mori Art Museum (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) była wspólny projekt z nowojorską artystką Carissą Rodriguez i uczestniczyła w Whitney Biennale. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występując jako duet o nazwie United Brothers, zaoferowali odwiedzającym Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” korzeniami Fukushimy daikon.
Koki Tanaka: Związek i powtórzenie
W 2015 roku Koki Tanaka otrzymał tytuł Artysty Roku. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektu i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jego instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów przedstawiających obiekty zmieniające przestrzeń w platformę wymiany sztuki. Instalacje Koki Tanaki (nie mylić z aktorem, który jest jego pełnym imiennikiem) ilustrują związek między przedmiotami a czynnościami, takimi jak rejestracja wideo prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (krojenie warzyw nożem, nalewanie piwa do szklanki, otwieranie parasola) . Nic znaczącego się nie dzieje, poza obsesyjnym powtarzaniem i zwracaniem uwagi najmniejsze szczegóły sprawić, by widz docenił przyziemność.
Mariko Mori i opływowe kształty
Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc filmy, zdjęcia, obiekty. Ma minimalistyczną futurystyczną wizję i eleganckie, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w pracach Mori jest zestawienie Zachodnia legenda Z Kultura Zachodu. W 2010 roku Mariko założyła Fundację Fau, edukacyjną, kulturalną organizację non-profit, dla której wyprodukowała serię swoich instalacji artystycznych na cześć sześciu zamieszkałych kontynentów. Ostatnio stała instalacja Fundacji, The Ring: One with Nature, została podniesiona nad malowniczym wodospadem w Resende niedaleko Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: Synteza dźwięku i wideo
Ryoji Ikeda jest artystą nowych mediów i kompozytorem, którego twórczość związana jest głównie z dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od dźwięków sinusoidalnych po szumy wykorzystujące częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego zapierające dech w piersiach instalacje zawierają generowane komputerowo dźwięki, które są wizualnie przekształcane w projekcje wideo lub cyfrowe szablony. Audiowizualne obiekty artystyczne Ikedy wykorzystują skalę, światło, cień, głośność, dźwięki elektroniczne i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów, które oświetlają obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Urządzenie konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kod kreskowy i binarne wzory zer i jedynek.
Tatsuo Miyajima i liczniki LED
Współczesny japoński rzeźbiarz i artysta instalacji, Tatsuo Miyajima, posługuje się w swojej sztuce obwody elektryczne, wideo, komputery i inne gadżety. Główne koncepcje Miyajimy są inspirowane ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego konfiguracji migają w sposób ciągły w powtórzeniach od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, ale unikając ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracy Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Nie tak dawno obiekt Miyajima's Arrow of Time był pokazywany na inauguracyjnej wystawie "Incomplete Thoughts Visible in New York".
Nara Yoshimoto i złe dzieci
Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki dzieci i psów, tematy odzwierciedlające dziecięcą nudę i frustrację oraz dziką niezależność, która jest naturalna dla małych dzieci. Estetyka prac Yoshimoto przypomina tradycyjną ilustracje książkowe, to mieszanka niespokojnego napięcia i miłości artysty do punk rocka. W 2011 roku Asian Society Museum w Nowym Jorku gościło pierwszą indywidualną wystawę Yoshitomo zatytułowaną „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool”, obejmującą 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty. Eksponaty były ściśle związane ze światowymi subkulturami młodzieżowymi, ich wyobcowaniem i protestem .
Yayoi Kusama i przestrzeń, która porasta dziwacznymi formami
Uderzający twórcza biografia Yayoi Kusama trwa siedem dekad. W tym czasie niesamowitej Japonce udało się studiować dziedziny malarstwa, grafiki, kolażu, rzeźby, kina, grawerowania, sztuki środowiskowej, instalacji, a także literatury, mody i projektowania mody. Kusama opracowała bardzo charakterystyczny styl grafiki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje przedstawione w pracach 88-letniej Kusamy (kiedy świat wydaje się pokryty rozległymi dziwaczne formy) jest wynikiem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pomieszczenia z kolorowymi kropkami i „niekończącymi się” lustrami odbijającymi ich nagromadzenia są rozpoznawalne, nie sposób ich pomylić z niczym innym.
Monochromatyczne malarstwo Japonii jest jednym z unikalnych fenomenów sztuki Wschodu. Poświęcono mu wiele prac i opracowań, ale często postrzega się go jako rzecz bardzo warunkową, a czasem nawet dekoracyjną. Tak nie jest.Świat duchowy japońskiego artysty jest bardzo bogaty i dba on nie tyle o komponent estetyczny, ile o duchowy. Sztuka Wschodu jest syntezą tego, co zewnętrzne i wewnętrzne, jawne i ukryte.
W tym poście chciałbym zwrócić uwagę nie na historię malarstwa monochromatycznego, ale na jego istotę. Zostanie to omówione.
Parawan „Sosna” Hasegawa Tohaku, 1593.
To, co widzimy w obrazach monochromatycznych, jest efektem interakcji artysty z sosnową triadą: papier, pędzel, tusz. Dlatego, aby właściwie zrozumieć dzieło, trzeba zrozumieć samego artystę i jego postawę.
„Krajobraz” Sesshu, 1398
Papier niełatwe dla japońskiego mistrza improwizowany materiał, którą podporządkowuje swoim kaprysom, a wręcz przeciwnie, jest „bratem”, dlatego stosunek do niej odpowiednio się rozwinął. Papier jest częścią otaczającej przyrody, którą Japończycy zawsze traktowali z szacunkiem i starali się jej nie podporządkowywać, ale pokojowo z nią współistnieć. Papier to w przeszłości drzewo, które rosło na pewnym obszarze, określony czas, „zobaczyła” coś wokół siebie i zachowuje to wszystko. Tak postrzega materiał japoński artysta. Często mistrzowie przed rozpoczęciem pracy długo patrzyli na czysty arkusz(zamyślił się) i dopiero potem przystąpił do malowania. Nawet dzisiaj współcześni japońscy artyści, którzy uprawiają Nihon-ga (tradycyjne malarstwo japońskie), starannie dobierają papier. Kupują go na zamówienie z papierni. Dla każdego artysty pewna grubość, przepuszczalność wilgoci i faktura (wielu artystów zawiera nawet umowę z właścicielem fabryki, aby nie sprzedawać tego papieru innym artystom) - dlatego każdy obraz postrzegany jest jako coś wyjątkowego i żywego.
„Czytanie w bambusowym gaju” Shubun, 1446.
Mówiąc o znaczeniu tego materiału, warto wspomnieć o takim słynne pomniki Literatura japońska, taka jak „Notatki przy wezgłowiu” Sei Shonagona i „Genji Monogotari” Murasaki Shikibu: zarówno w „Notatkach”, jak i „Genji” można znaleźć sceny, w których dworzanie lub kochankowie wymieniają wiadomości. Papier, na którym spisano te orędzia, miał odpowiednią porę roku, odcień, a sposób pisania tekstu odpowiadał jego fakturze.
„Murasaki Shikibu w świątyni Ishiyama” Kyosen
Szczotka- drugi składnik to kontynuacja ręki mistrza (znowu to jest naturalny materiał). Dlatego też pędzle były wykonywane na zamówienie, ale najczęściej przez samego artystę. Wybrał włosy o wymaganej długości, wybrał rozmiar pędzla i najwygodniejszą rączkę. Mistrz pisze tylko własnym pędzlem i żadnym innym. (Od osobiste doświadczenie: był na kursie mistrzowskim chińskiego artysty Jiang Shiluna, publiczność została poproszona o pokazanie, co potrafią jego uczniowie obecni na kursie mistrzowskim, a każdy z nich, biorąc pędzel mistrza, powiedział, że okaże się, że nie czego oczekiwały, ponieważ szczotka nie jest dla nich, nie są do niej przyzwyczajone i nie wiedzą, jak prawidłowo jej używać).
Szkic tuszem „Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai
atrament jest trzecim ważnym elementem. Tusz do rzęs może być różnego rodzaju: po wyschnięciu może dawać błyszczący lub matowy efekt, można go mieszać ze srebrnymi lub ochrowymi odcieniami, więc odpowiedni dobór tuszu do rzęs również nie jest bez znaczenia.
Yamamoto Baitsu, koniec 18- XIX wiek.
Głównymi tematami malarstwa monochromatycznego są pejzaże. Dlaczego nie mają koloru?
Podwójny ekran „Pines”, Hasegawa Tohaku
Po pierwsze, japońskiego artysty nie interesuje przedmiot sam w sobie, ale jego istota, pewien składnik wspólny dla wszystkich istot żywych i prowadzący do harmonii między człowiekiem a naturą. Dlatego obraz jest zawsze wskazówką, jest skierowany do naszych uczuć, a nie do wzroku. Niedopowiedzenie jest bodźcem do dialogu, a co za tym idzie połączenia. Linie i plamy są ważne na obrazie - tworzą się język artystyczny. To nie jest dowolność mistrza, który tam, gdzie chciał, zostawił tam tłusty ślad, aw innym miejscu wręcz przeciwnie, nie rysował dobrze - na obrazie wszystko ma swoje znaczenie i znaczenie i nie niesie losowa postać.
Po drugie, kolor zawsze niesie ze sobą jakąś emocjonalną konotację i jest inaczej postrzegany. różni ludzie w różnych stanach neutralność emocjonalna pozwala zatem widzowi najwłaściwiej wejść w dialog, ustawić go do percepcji, kontemplacji i myślenia.
Po trzecie, jest to interakcja yin i yang, każdy obraz monochromatyczny jest harmonijny pod względem proporcji atramentu i nietkniętego obszaru papieru.
Dlaczego większość obszar papieru nie jest używany?
„Krajobraz” Syubun, połowa XV wieku.
Po pierwsze, pustka przestrzeni pogrąża widza w obrazie; po drugie, obraz powstaje tak, jakby unosił się na chwilę na powierzchni i zaraz miał zniknąć – jest to związane ze światopoglądem i światopoglądem; po trzecie, tam gdzie nie ma tuszu, na pierwszy plan wysuwa się faktura i odcień papieru (nie zawsze widać to na reprodukcjach, ale w rzeczywistości zawsze jest to interakcja dwóch materiałów – papieru i tuszu).
Sesszu, 1446
Dlaczego krajobraz?
„Kontemplacja wodospadu” Gayami, 1478
Według japońskiego światopoglądu natura jest doskonalsza od człowieka, więc musi się od niej uczyć, chronić ją na wszelkie możliwe sposoby, a nie niszczyć czy podporządkowywać. Dlatego w wielu pejzażach można zobaczyć małe wizerunki ludzi, ale zawsze są one nieistotne, małe w stosunku do samego krajobrazu, lub wizerunki chat, które wpasowują się w przestrzeń wokół nich i nawet nie zawsze są zauważalne – to wszystko są symbole światopogląd.
„Pory roku: jesień i zima” Sesshu. „Krajobraz” Sesshu, 1481
Podsumowując, chcę powiedzieć, że japońskie malarstwo monochromatyczne nie jest przypadkowo rozchlapanym atramentem, nie jest kaprysem wewnętrznego ego artysty - to cały system obrazów i symboli, jest skarbnicą myśli filozoficznej, a co najważniejsze, sposobem komunikacji i harmonizacji siebie i otaczającego świata.
Tu, jak sądzę, znajdują się odpowiedzi na główne pytania, jakie stawia widz w konfrontacji z monochromatycznym malarstwem japońskim. Mam nadzieję, że pomogą ci to jak najlepiej zrozumieć i dostrzec podczas spotkania.
