„Dar historického vhľadu je jedným z najvzácnejších javov na svete, hoci takmer každý cíti naše tajomné mystické spojenie s mŕtvymi, so zmiznutými. Ponoriť sa do minulosti, žiť nejaký čas v záujme týchto zosnulých je veľkým potešením pre každého... Oživovať minulosť, zobrazovať ju so všetkou ostrosťou a istotou reality je však údelom len málokto. To si vyžaduje viac ako len vedomosti."
1. Anton Losenko "Vladimír a Rogneda", 1770
Zakladateľom ruskej historickej žánrovej maľby sa zvykne nazývať Anton Losenko (1737-1773), umelec, ktorý študoval vo Francúzsku a Taliansku, prvý dôchodca Akadémie umení v Petrohrade. Plátno „Vladimir a Rogneda“ po prvý raz výrazne a stručne predstavilo ruskú antiku. Vďaka dielam Antona Losenka sú výjavy z staroveká ruská história sa začali v akadémii považovať za nemenej legitímne ako zápletky z dávnych a biblických dejín.
„Predstavil som Vladimíra takto: keď po víťazstve a dobytí mesta Polotsk vstúpil do Rognedy a prvýkrát ju videl, prečo sa dá zápletka obrazu nazvať – prvé stretnutie Vladimíra s Rognedou, v ktorom Vladimír je prezentovaný ako víťaz a hrdý Rogneda ako väzeň.Vladimír na Rognede sa oženil proti jej vôli, ale keď sa s ňou oženil, muselo to byť tak, že ju miloval, a preto som ho predstavil ako milenca, ktorý keď videl svoju nevestu zneuctený a zbavený všetkého, musel ju pohladiť a ospravedlniť sa jej.jej, a nie ako iní usudzujú, že ju sám zneuctil a potom sa s ňou oženil, čo sa mi zdá veľmi neprirodzené, ale keby to tak bolo, tak môj obrázok predstavuje čo najskôr ako úplne prvé rande.
Anton Losenko
2. Grigorij Ugrjumov „Zvolenie Michaila Feodoroviča Romanova do kráľovstva 14. marca 1613“ Najneskôr v roku 1800.
Historickí maliari sa často obracali k udalostiam národných dejín, ktoré zohrali významnú úlohu vo vývoji štátu. Patrí medzi ne aj zvolenie Michaila Fedoroviča Romanova na trón v Zemskom Sobore v Kremli, čo znamenalo začiatok novej dynastie. Mladý kráľ je zobrazený ako anjelský mladík, ktorý svoje vyvolenie vníma ako ťažké bremeno, ktoré mu osud uložil. Zdá sa, že gestom sa snaží izolovať od Božej vôle, na čo duchovný zdvihne ruku a ukazuje na neho. Mladý muž sa ani nepozrie na kľačiaceho muža, ktorý mu podáva žezlo a Monomachovu čiapku ležiace na vankúši. Celá scéna je divadelná. Hlavné postavy sú vyvýšené a jasne osvetlené. Ich gestá sú zámerne výrazné. Ľudia, ktorí zapĺňajú katedrálu a naťahujú ruky v prosbe, aby prevzali vysokú hodnosť a ukončili nepokoje v štáte, vyzerajú ako komparzisti, ktorí zdôrazňujú a posilňujú dôležitosť hlavných postáv.
3. Vasilij Sazonov "Dmitrij Donskoy na poli Kulikovo", 1824
© Foto: ru.wikipedia.org Akadémia umení v prvých desaťročiach svojej existencie (koniec 18. – začiatok 19. storočia) venovala veľkú pozornosť ruskej línii v historickej maľbe.
Program pre akademikov, za ktorý Vasilij Kondratievič Sazonov dostal malé strieborné a zlaté medaily (1811), mal názov „Cár Ján Vasilievič dáva vodu, ktorú mu priniesli vojaci v prilbe, jednoduchému bojovníkovi, ktorý sa roztápa od smädu, ktorého on sám nápoje."
Nemenej vlastenecky vyznieval program „Vernosť Bohu a panovníkovi ruských občanov, ktorí po zastrelení v Moskve v roku 1812 išli na smrť s pevným a vznešeným duchom, nesúhlasiac s plnením Napoleonovho príkazu“, za ktorý dostal V. Sazonov v roku 1813 veľkú zlatú medailu a právo na dôchodcovskú cestu do zahraničia, odložené až na rok 1818 kvôli vojenským udalostiam v Európe. Výlet V.K. Sazonova bol úspešný: priniesol kópie z Talianska obrazy od Caravaggia a Tizianom. Za ne a svoje pôvodné dielo „Dmitrij Donskoy na poli Kulikovo“ bol maliarovi v roku 1830 udelený titul akademik.
4. Nikolai Ge „Peter I. vypočúva careviča Alexeja v Peterhofe“, 1871
© Foto: ru.wikipedia.org "Všade a vo všetkom som cítil vplyv a stopu Petrovej reformy. Ten pocit bol taký silný, že som sa mimovoľne začal zaujímať o Petra a pod vplyvom tejto vášne som splodil svoj obraz "Peter I. a Tsarevich Alexej"" .
Nikolai Ge "Teraz je ťažké predstaviť si scénu výsluchu inak ako na Geovom plátne."... Každý, kto videl tieto dve jednoduché, vôbec nie okázalo umiestnené postavy, napísal Saltykov-Shchedrin, bol svedkom jednej z tých úžasných drám, aké nikdy umelec si opäť vyberá pre obraz okamih, keď je už vo vzťahu otca a syna o všetkom rozhodnuté. Peter hľadí na žalostnú, bezvládnu postavu svojho syna. Pohľad Alexejových sklopených očí prezrádza tvrdohlavosť a nádej, že všetko zvráti. Krvavočervený obrus s jasným vzorom padá na zem a navždy oddeľuje otca a syna. Osobná dráma na Geovom obraze je zároveň historickou drámou."
Vladimír Sklyarenko, historik umenia
5. Iľja Repin "Kozáci píšu list tureckému sultánovi", 1880-1891
© Foto: ru.wikipedia.org Podľa legendy list napísal v roku 1676 ataman Ivan Sirko „so všetkým košom Záporožia“ ako odpoveď na sultánovo ultimátum Osmanská ríša Mehmed (Mohamed) IV. Originál listu sa nezachoval, ale v 70. rokoch 19. storočia amatérsky etnograf z Jekaterinoslava Jakova Novitského našiel kópiu vyrobenú v 18. storočí. Dal ju slávnemu historikovi Dmitrijovi Javornickému, ktorý ju kedysi čítal ako kuriozitu svojim hosťom, medzi ktorými bol najmä Iľja Repin. Umelec sa začal zaujímať o dej a v roku 1880 začal prvú sériu náčrtov.
"Pracoval som na celkovej harmónii obrazu. Aká je to práca! Potrebujete každú škvrnu, farbu, líniu - aby ste spoločne vyjadrili všeobecná nálada dej a bol by konzistentný a charakterizoval by každý predmet na obrázku. Musel som veľa obetovať a veľa zmeniť vo farbách aj povahách... Niekedy len pracujem, kým nepadnem... Som veľmi unavený.“
Iľja Repin
6. Vasilij Surikov „Ráno lukostrelecké prevedenie“, 1881
© Foto: ru.wikipedia.org "Dostojevskij povedal, že nie je nič fantastickejšie ako realita. Potvrdzujú to najmä Surikovove obrazy. Jeho poprava lukostrelcov na zamračenom Červenom námestí so zlovestnou siluetou sv. Bazila Blaženého za chrbtom, s úbohými sviečkami mihotavými v rannej hmle, so sprievodom zmrzačených ľudí, motajúcich sa pod hrozivým pohľadom Antikrista cára, brilantne sprostredkúva všetku nadprirodzenú hrôzu začínajúcej Petrovej tragédie.
Alexander benoitský umelec, kritik
7. Vasilij Perov “Nikita Pustosvjat. Spor o vieru“, 1881
© Foto: ru.wikipedia.org Vasilij Perov si vybral tému náboženstva schizma XVII storočia, ktorý vznikol v dôsledku cirkevných reforiem patriarchu Nikona. Nikita Pustosvyat (skutočné meno - Dobrynin Nikita Konstantinovič; prezývku "Pustosvyat" dostali priaznivci oficiálnej cirkvi), suzdalský kňaz, jeden z ideológov schizmy. Cirkevný koncil v rokoch 1666–1667 ho odsúdil a odsúdil. V roku 1682 využili schizmatici povstanie lukostrelcov v Moskve a predložili požiadavku, aby sa cirkev vrátila k „starej viere“. V Kremli sa konala „debata o viere“, ktorej hlavným rečníkom bol Nikita Pustosvjat.
V strede je samotný Nikita, vedľa neho je mních Sergius s prosbou, na podlahe je Athanasius, arcibiskup z Kholmogory, na ktorého líce Nikita „vtlačil kríž“. V hlbinách - vodca lukostrelcov, knieža I. A. Khovansky. Princezná Sophia v hneve vstala z trónu, podráždená drzosťou schizmatikov. Na druhý deň Nikitu a jeho priaznivcov sťali na základe obvinenia z podnecovania ľudí.
"Umelec musí byť básnik, snílek a hlavne bdelý robotník... Kto chce byť umelcom, musí sa stať úplným fanatikom - človekom, ktorý žije a živí sa jedným a jediným umením."
Vasilij Perov
8. Konstantin Makovsky "Boyar svadobná hostina v XVII storočí", 1883
© Foto: ru.wikipedia.org „Konstantin Makovsky však zostane ak nie umelecky, tak aspoň historicky dostatočne zaujímavý príklad. V ňom ... sa odrážala vysokospoločenská stránka ruského života a vysokospoločenský vkus 70. a 80. rokov.
Zmätok ruskej verejnej mienky v hodnotení umelecké práce bol najmarkantnejší v tom, že K. Makovský dlho bol všeobecný miláčik.
Zvlášť kuriózne je preňho úprimné a hlučné nadšenie v našej pokrokovej tlači, ktorá za prvotriedne exempláre najnovšieho obrazu vyhlasovala Bojarske hody a Voľbu nevesty.
Alexandre Benois, umelec, kritik
© Foto: ru.wikipedia.org „Raz v Moskve, v roku 1881, jedného večera som počúval nová vec Rimsky-Korsakov "Pomsta". Urobila na mňa nezmazateľný dojem. Tieto zvuky sa ma zmocnili a rozmýšľal som, či je možné do maľby zhmotniť náladu, ktorá sa vo mne vytvorila pod vplyvom tejto hudby. Spomenul som si na cára Ivana.“
"Napísal som - volejmi, trpel som, trápil som sa, znova a znova som opravoval to, čo už bolo napísané, skrýval som to s bolestným sklamaním zo svojich schopností, znova som to extrahoval a znova som pokračoval v útoku. Niekoľko minút som sa cítil vystrašený. Odvrátil som sa od tento obrázok, skryla ho. Ona urobila rovnaký dojem. Ale niečo ma priviedlo k tomuto obrázku a znova som na ňom pracoval."
Iľja Repin
10. Vasilij Surikov "Boyar Morozova", 1887
© Foto: ru.wikipedia.org "Surikov teraz vytvoril takýto obraz, ktorý je podľa môjho názoru prvým zo všetkých našich obrazov o zápletkách ruských dejín. Nad týmto obrazom a za ním je naše umenie, ktoré túto úlohu preberá zobrazovania starej ruskej histórie, ešte neskončila."
Vladimír Stasov, kritik
"... Technická stránka Surikovových obrazov je nielen uspokojivá, ale priam krásna, keďže plne vyjadruje zámery autora, a to v podstate všetky... nedostatky, skôr dokonca výhody, nie nedostatky. To opäť cítiť jeho spojenie s géniom Pre chýbajúcu hĺbku perspektívy v Morozovaya dokázal Surikov zdôrazniť typickú a v tomto prípade symbolickú stiesnenosť moskovských ulíc, trochu provinčný charakter celej scény, ktorý tak obludne kontrastuje s nadšeným výkrikom. Hlavná postava. Tento obraz bol nazvaný, mysliac si, že ho týmto odsúdim, koberec, ale naozaj toto dielo, úžasné svojou harmóniou pestrých a jasných farieb, si zaslúži byť nazvané krásnym kobercom už svojím tónom, už svojou veľmi farebnou hudbou, ktorá vás zavedie do starobylého, stále originálneho a krásneho Ruska“.
Alexandre Benois, umelec, kritik
11. Vasilij Vereščagin "Napoleon na výšinách Borodino", 1897
© Foto: ru.wikipedia.org „Pred Vereščaginom všetko bojové maľby, ktoré bolo možné vidieť len v našich palácoch, na výstavách, v podstate zobrazovali šik prehliadky a manévre... Samotná príroda, ktorá tieto výjavy obklopovala, bola učesaná a vyhladená tak, že to v skutočnosti nemohlo byť ani na najtichšej a najpokojnejšie dni a zároveň všetky takéto maľby a obrazy boli vždy vyhotovené tým sladkým spôsobom, ktorý nám bol prinesený za čias Mikuláša Prvého ...
Všetci boli tak zvyknutí zobrazovať vojnu výlučne vo forme zábavnej, uhladenej a ružovej dovolenky, akejsi zábavy s dobrodružstvami, že nikoho nenapadlo, že v skutočnosti to tak nevyzerá. Tolstoj vo svojom „Sevastopole“ a vo „Vojne a mieri“ zničil tieto ilúzie a Vereščagin potom v maľbe opakoval to, čo Tolstoj urobil v literatúre. Keď ... ruská verejnosť videla obrazy Vereščagina, ktorý zrazu tak jednoducho, cynicky odhalil vojnu a ukázal ju ako špinavú, odpornú, pochmúrnu a kolosálnu darebáctvo, že verejnosť kričala všetkými spôsobmi a začala nenávidieť a milovať takýchto odvážlivec zo všetkých síl.
© Foto: ru.wikipedia.org „Polnoční hostia sa vznášajú. svetlý pruh sa rozprestiera mierne sa zvažujúce pobrežie Fínskeho zálivu. Voda sa zdala byť nasýtená modrou jasnou jarnou oblohou; vietor sa pozdĺž nej vlní a odháňa fádne fialové pruhy a kruhy. Kŕdeľ čajok pristál na vlnách, bezstarostne sa na nich pohupoval a len pod samotným kýlom prednej lode sa blýskalo krídlami - niečo nepoznané, nevídané prebudilo ich pokojný život. Nový potok si razí cestu stojatou vodou, vbieha do stáročného slovanského života, prechádza lesmi a močiarmi, valí sa po šírom poli, dvíha slovanské rody - uvidia vzácnych, neznámych hostí, žasnú nad ich prísne vojenským , podľa ich zámorského zvyku. Veže idú v dlhom rade! Jasné sfarbenie horí na slnku. Boky provy famózne zabalené, vyvrcholené vysokým, štíhlym nosom.
Nicholas Roerich
14. Valentin Serov "Peter I", 1907
© Foto: www.wikipaintings.org Obraz si objednal vydavateľ a kníhkupec Iosif Nikolaevič Knebel na reprodukciu v sérii “ školské obrázky» o ruských dejinách.
"Strašidelne, kŕčovito, ako automat, Peter kráča... Vyzerá ako Božstvo Skaly, skoro ako smrť, vietor mu hučí na spánkoch a tlačí do hrude, do očí. Skúsené, otužilé "kurčatá" z ktoré umyl a posledný nájazd panského sybarizmu, z ktorých urobil netopierích mužov a poslov. Pri pohľade na toto dielo máte pocit, že ... impozantný, strašný boh, záchranca a trestanec, génius s takým gigantickým vnútorná silaže ho musel poslúchať celý svet a dokonca aj živly.
Alexandre Benois, umelec, kritik
15. Vasilij Efanov Nezabudnuteľné stretnutie. Vedúci predstavitelia strany a vlády na prezídiu celozväzovej konferencie manželiek obchodných manažérov a inžinierskych a technických pracovníkov ťažkého priemyslu v Kremli, 1936-1937
© Foto: www.school.edu.ru Myšlienku obrázka navrhol Efanovovi ľudový komisár ťažkého priemyslu Grigory Ordzhonikidze, ktorý je na obrázku zobrazený medzi ostatnými vodcami. V tejto práci Efanov po prvýkrát spája populárne v socialistický realizmus prvkov skupinový portrét a historický obraz, komponujúci kompozíciu ako divadelný javiskový vrchol s charakteristickými „inscenovanými“ detailmi – rytmus tlieskajúcich rúk, kvetina, ktorá padala na papiere predsedu, nestabilná naklonená stolička.
názov: Dejiny ruského maliarstva - XVIII storočie.
Rýchly rozvoj Ruska počas Petrovej éry ho čiastočne spája so západnou Európou renesancie. Umenie portrétu sa začalo rýchlo rozvíjať; do polovice storočia sa vďaka všeobecnému vzostupu kultúry ruské výtvarné umenie profesionalizuje. Po Petrovi sa obľúbeným námetom maľby stali zátišia a desudeportes. Klasicizmus sa stal symbolom Kataríny v umení. Rozvíjanie maľovanie histórie a umenie portrétovania prestáva byť elitárske. Na konci storočia dochádza k vzniku každodenného žánru a k oddeleniu krajiny do samostatného smeru.
názov: História ruského maliarstva - prvá polovica XIX storočia.
názov: Dejiny ruského maliarstva – prvá polovica 19. storočia.
Pre výtvarné umenie sú prvé desaťročia 19. storočia začiatkom zlatého veku. Bolo to v tomto čase ruských umelcov dosiahli najvyššiu zručnosť, čo im umožnilo postaviť sa na úroveň najlepších majstrov európskeho umenia. Diela zhromaždené v tomto zväzku odrážajú vzostup klasicizmu, šírenie romantizmu a zrod realizmu vo všetkých aspektoch ruskej maľby.
Stiahnite si a prečítajte Dejiny ruského maliarstva - Prvá polovica 19. storočia - Mayorova N., Skokov G.
názov: Dejiny ruského maliarstva – prelom 19. a 20. storočia.
Zosúladenie síl išlo do zabudnutia umelecký život Rusko v druhej polovici 19. storočia: na jednej strane rutinné umenie Akadémie umení, na druhej Wanderers.
Koncom 19. storočia si mladí umelci začali hľadať vlastné cesty v maľbe. Zároveň sa vytvoril kruh Abramtsevo, ktorý predložil nové úlohy, ktoré neboli súčasťou programu partnerstva. A potom – v roku 1900 – po prvýkrát v ruskom umeleckom živote vzniklo množstvo rôznych združení: všetky vyšli so svojimi programami, manifestami, platformami.
DEJINY RUSKÉHO UMENIA
MAĽOVANIE
História ruského maliarstva je ostro rozdelená do dvoch veľkých období. V prvom období, ktoré trvalo až do 18. storočia, si ruské maliarstvo vždy zachovávalo prísne náboženský charakter a sústreďovalo sa takmer výlučne na ikonopiseckú maľbu, ktorá sa vyznačuje extrémnou umeleckou nevyvinutosťou. V druhom období ruská maľba stráca svoj výlučne náboženský charakter, stáva sa sekulárnou, postupuje vo svojom vývoji vpred a osvojuje si takmer stupeň dokonalosti, ktorý západoeurópske maliarstvo dosiahlo koncom 19. storočia.
História starovekého ruského maliarstva sa začína obdobím prijatia kresťanstva Ruskom, od konca 10. storočia, keď k nám boli prenesené prvé vzorky obrazového umenia z Byzancie. Byzantský charakter malo prevažne umenie na Rusi od 11. storočia do 15. storočia. Maliari ikon, majstri hudobných záležitostí, boli najskôr prisťahovalci z Grécka, nám príbuzní Gréci a Slovania a niekoľko študentov z Rusov. V XI storočí sa stretávame s menom prvého ruského maliara ikon - mnícha Alympiusa z jaskýň, ktorý študoval u gréckych majstrov. Ale vzorky, ktoré priniesli majstri z Byzancie, neboli ani početné, ani nemali vysokú umeleckú hodnotu, pretože samotné byzantské umenie začalo od 11. storočia citeľne upadať. Pri reprodukcii boli tieto vzorky v Ruse stále poškodené a skreslené. Malá populácia Ruska, roztrúsená na obrovských priestranstvách oddelených lesmi a močiarmi, pomaly vnímajúca počiatky politického a náboženského osvietenstva, sa vyznačovala extrémnou chudobou a pomalým estetickým vývojom. Najlepší ľudia boli zaneprázdnení tvrdou prácou pri tvorbe verejný život medzi rozptýlené masy, konvertoval ich na kresťanstvo a, prirodzene, mohol venovať málo času duševnému oddychu a umeniu, keď si život vyžadoval ťažšiu a dôležitejšiu prácu.
Výsledkom bolo, že s prevahou náboženských záujmov sa mohlo objaviť iba náboženské umenie prinesené z Byzancie cirkevné umenie sa mohli šíriť len geograficky, bez zlepšovania a nie vždy zostávajúceho na stupni dokonalosti obrázkov.
Doba kvitnutia byzantské umenie v Rusku to bolo v XI a XII storočí. Kyjevské fresky a mozaiky slúžia ako jeho pamiatky. Potom toto umenie upadá, keď sa vzťahy s Byzanciou sťažia a začne sa éra tatárskych pogromov.
Cirkevné umenie po ruinách Kyjeva nachádza útočisko vo Vladimire, Suzdali, Rostove, Pskove a Novgorode. Novgorod, menej zasiahnutý inváziami, sa teraz stáva umeleckým centrom Ruska, kde sa zachovali nielen základy byzantského štýlu, ale aj pokusy pestovať do určitej miery nezávislé cirkevné umenie. Vzťahy s Nemcami, oživujúce spoločenský život, tu dávajú pohyb v oblasti duševnej, remeselnej a umeleckej. ale západný vplyv, ktorý sa nepochybne odráža v novgorodskom umení, nemohol prehlušiť hlavné byzantské umenie, pretože nebolo systematické a konštantné a keďže výrobky do Novgorodu privážali hosťujúci umelci z miest, ktoré nemali rozvinutý umelecký život.
Umelecké centrá v Kyjeve, Rostove, Suzdale, Vladimire, s ich krátkodobou životnosťou historickú úlohu, nestihol vyvinúť niečo samostatné. Novgorod a Pskov stratili svoju nezávislosť v polovici 16. storočia, presne vtedy, keď sa na základe byzantských tradícií zdalo možné začať s rozvojom vlastného nezávislého umenia. Až do 16. storočia na to Moskva, zamestnaná politickou prácou, nemala čas ani prostriedky umelecký vývoj: najlepšie obrazy v XV a XVI storočia vyrábali v ňom maliari ikon Pskov a Novgorod. Preto Moskva v 16. storočí musela nepokračovať, ale takmer začať umeleckej činnosti v Rusku a umenie v 16. storočí v Moskve nebolo o nič lepšie ako to, čo nachádzame na mozaikách a freskách v Kyjeve, Vladimire a Novgorode.
Ale práve v 16. storočí v dôsledku rozširovania potrieb výrazne vzrástol počet majstrov a ikonopisecká maľba od Grékov a ich priamych žiakov, mníchov a duchovných, prešla do rúk laikov, dedinčanov a mešťanov, a stal sa remeslom. Na ochranu cirkevného umenia pred poškodením dal Stoglav maľovanie ikon pod priamym dohľadom a dohľadom cirkevných autorít, a keďže umenie nenapredovalo ani v Rusku, ani v Byzancii, ani na Athose, namiesto toho predpísal samostatná práca, kopírovanie najlepších starovekých gréckych vzoriek. V 16. storočí, keď umenie v západnej Európe získalo svoje vlastné nezávislé práva, a v dielach Raphaela, Albrechta Durera, Holbeina, Michelangela a iných majstrov, na základe dôkladného štúdia starožitností a prírody, dospelo k vysoký stupeň rozvoj, - umenie v Rusku bolo odstránené z prírody predpisom kopírovania. Zákaz samostatnosti, podriadenie sa kláštornému dozoru – umenie bolo zbavené slobody a nadobudlo čisto cirkevný, bez prímesí svetských prvkov, charakter.
Ruská ikonopisecká maľba získala (s ohľadom na náboženstvo) v nedotknuteľnom zachovávaní kresťanských tradícií, ale veľa stratila vo vzťahu k umeniu. Umelec sa zmenil na kopistu-umelca. Čím viac sa ikonografia stávala súčasťou potrieb ruského ľudu, tým viac sa stávala národnou, čím viac sa veľkosť ikon zmenšovala, tým viac sa približovali k miniatúre. Kolosálne fresky a mozaiky majestátneho byzantského štýlu teraz nahradili zložito maľované ikony malých rozmerov s desiatkami a stovkami malých figúrok. Takéto zmenšenie veľkosti bolo nevyhnutným dôsledkom šírenia kresťanstva v odľahlých oblastiach Ruska. Malé drevené kostolíky, malé komôrky a kaplnky majetných domov, kde radi montovali celý kostolný ikonostas na jednu malú stenu, potrebovali malé ikony. A samotné vzorky, z ktorých ruskí maliari ikon kopírovali, nemohli byť veľké, pretože boli najprv prenesené z Grécka a potom z centier starovekého ruského života na vzdialené periférie.
To všetko prinútilo zmenšiť veľkosť a zvyknúť si na miniatúrne písmo, ktoré sa stalo dominantným v ruskej ikonopise 16. a 17. storočia. Toto miniatúrne písmeno, ktoré skrývalo nedostatky v kresbe, zoskupení a výraze, bolo vhodné pre ruskú ikonopiseckú maľbu, ktorá bola obmedzená na umelecké prostriedky a veľmi vhodná na vizuálne vyjadrenie náboženských predstáv a teologických učení. Takéto mnohostranné ikony ako „Verím“, vysvetľujúce modlitbu v tvárach, nahradili listy pre negramotných, učili sa ako kniha a plne zodpovedali náboženskému smerovaniu potrieb ruského ľudu, ktorý pri absencii takmer akýchkoľvek estetický vývoj, hľadal v ikone nie umelecké potešenie, ale náboženské pozdvihnutie, prínos pre dušu.
Až do 15. storočia bola na Rusi len jedna škola – grécka, čiže Korsun. Podporili ju hosťujúci grécki majstri, ktorí maľovali ikony, avšak technicky len o niečo lepšie ako ich ruskí žiaci. Ruské miniatúry z 15. storočia sa len málo líšia od neskorých gréckych, ale niekedy svedčia o určitej známosti románsky štýl, čo naznačuje západný vplyv. Tento vplyv si našiel cestu cez Novgorod a Litvu a zosilnel od 15. storočia. Od čias pádu Konštantínopolu a rozšírenia západných tlačených kníh s rytinami a polytypmi na Rusi v 16. storočí sa korsunská škola ikonopisu začala meniť. V Novgorode a Pskove sa pod vplyvom Západu vytvára škola trochu odlišná od konzervatívnej školy sv. Sergius z Radoneža, z ktorého pochádzal slávny maliar ikon Andrei Rublev. V 16. storočí z Ustyugu vznikla Stroganovská škola, v ktorej prekvitala miniatúrna maľba, vyznačujúca sa najväčším umením.
Moskva bola schopná vytvoriť svoje vlastné ikonopisecké školy až v 17. storočí. Ako centrum ruskej krajiny verbovala do svojej kráľovskej školy remeselníkov z rôznych miest a kláštorov. Všetky tieto školy, s úplným obmedzením osobnej svojvôle, neboli určené osobný charakter majstrov a náhodou - viac-menej veľká veľkosť ikony, ich viac či menej starostlivé dokončovanie a pod.
Ikona bola určená na modlitbu a podobne ako modlitba by sa nemala meniť osobnou svojvôľou. Preto sa ruské školy ikonopisu nelíšili smerom, ale v remeselných technikách, ktoré maliari ikon poznali pod názvom „poshibov“. Rôzne štýly neporušujú jednotnosť všeobecného byzantského štýlu. Fantázia ruského maliara ikon, ktorý nepoznal ani príbehy, ani romány, ani duchovné drámy, obmedzené prológom a svätým kalendárom, ktorý mal taký silný vplyv na kreativitu. Západný umelec, - držaný po stáročia v určitom okruhu monotónne sa opakujúcich ikonopiseckých zápletiek Biblie a životov svätých. Naši maliari ikon sa s úctivým strachom neodvážili zmeniť obrazy odkázané starovekom a prísne dodržiavali to, čo označujú „originály“, kde boli zhromaždené v starostlivo premyslenom systéme všetky informácie potrebné pre maliara ikon, a to ako technické. a teologické.
Ruský maliar ikon, ktorý sa usiloval výlučne o vyjadrenie náboženských predstáv a vzdal sa reality, nepovažoval za potrebné uchýliť sa k štúdiu prírody. Vychovaný v asketickom smere sa vyhýba nahote, všetkému príliš jemnému, relaxačnému. Neštudovať prírodu, nepoznať ju staroveký svet, ruský maliar ikon nevyužil pomoc sochárstva, ktoré západnému maliarstvu veľmi pomáhalo a v r staroveká Rus. A tie plastické prvky, ktoré vstúpili do našej ikonografie podľa legendy z byzantského umenia, ako napríklad umiestňovanie figúr na monochromatickom pozadí, ako sú basreliéfy, hromadenie obrazov rôznych čias v jednej rovine, prispeli k nedostatočnému rozvoju ruského umenia len k zakorenenie zlého vkusu a chýb. V dôsledku toho všetkého sa ruská ikonopisecká maľba vyznačovala nesprávnou kresbou, nesprávnou perspektívou, nedostatkom farieb a šerosvitom.
Toto nerozvinuté, umelecky hrubé umenie má však cenu a veľký význam v oblasti náboženstva. V dielach ruskej maľby ikon vidíme, aké slabé, neskúsené technické prostriedky umenie sa odvážne snaží dosiahnuť vznešené ciele, vyjadriť množstvo myšlienok.
Pri všetkej nemotornosti mnohých postáv, so zjavnými chybami proti prírode, obrazy dýchajú ozajstnou noblesou charakteru, o ktorej im rozprával maliar ikon, presiaknutý vedomím svätosti ním zobrazených osôb. Títo svätci sú umeleckými ideálmi, v ktorých ruský nard vyjadril svoje predstavy o ľudskej dôstojnosti a ku ktorým sa spolu s modlitbou obracal ako k vzorom a vodcom svojho života. Mužské postavy sú pestrejšie a lepšie vyvinuté ako ženské postavy, ktoré sú menej bežné a monotónne. Z mužských postáv sú najlepšie tváre prísne, senilné alebo zrelé, postavy sú plne vyvinuté, tváre s bradou, s ostrými obrysmi. Menej úspešné postavy sú mládežnícke a detské.
Vďaka odvekému vedeniu cirkvi si ruská ikonopisecká maľba posvätne zachovala starodávne kresťanské tradície, vernosť ikonopiseckých typov a túžbu ideálne reprodukovať zápletky bez toho, aby ich zatemňovala zavádzaním zbytočných maličkostí z reality. Prísne tváre nezištných askétov, absencia akejkoľvek nežnosti a pokušenia ženskej krásy plne korešpondujú a prispievajú k pietnej nálade uctievača. Toto je originalita a originalita ruskej maľby.
Ale vernosť typov, jasnosť tradičných námetov a zbožný prejav možno naplno dosiahnuť len vtedy, keď má umelec hlavný prostriedok na vyjadrenie – poznanie prírody. Ruskí maliari ikon ju nepoznali a to bola slabá stránka ruskej maľby ikon.
V polovici 17. storočia si svoje realizovala samotná ruská ikonopisecká maľba slabá stránka a našiel odhodlanú túžbu po zlepšení. Cár Alexej Michajlovič sa neuspokojil s ruskými maliarmi ikon, ale na výzdobu jeho palácových komnát si povolal majstrov zo Západu, vychovaných na úplne iných umeleckých princípoch, ktorí vedeli maľovať krajinky, perspektívy a portréty zo života úplne inak ako ikonou. maľba - obrazový štýl. Najlepší reprezentant ruský ikonomaľba XVII storočia sa kráľovský maliar ikon Simon Ushakov snažil preniesť túto techniku a farbu života, zdokonalenú na Západe, do maľby ikon, aby ju spojil s byzantskou tradíciou.
Tento nový štýl maľby ikon je známy ako Fryazhsky. Prešli do nej školy Stroganov a Carskaja. Ruskí majstri sa chamtivo vrhli na cudzie rytiny, začali ich prerábať vlastným spôsobom a zrejme sa začali zlepšovať v technike a chuti: farba sa stala bohatšou, farebnejšou, štetec bol odvážnejší. Zo školy Ushakov, ktorý okrem ikon navrhol a mytologické predmety, vyšli šikovní rytci, ktorí v početných kópiách začali medzi Rusmi rozširovať nový, elegantnejší štýl. Spolu s duchovnou maľbou - ikonopisnou maľbou sa tak stala svetská maľba, ktorá začala inštalovať elegantnejší vkus prinesený zo Západu, vychovaný štúdiom prírody a starožitností.
Od tejto doby, od koniec XVII storočí sa začína druhé obdobie dejín ruského maliarstva, ktorého záujem sa sústreďuje najmä na formovanie a postupný rozvoj ruského umenia. svetského života. Prvé pevné začiatky vštepovania tohto svetského obrazu položil Peter, ktorý si odhodlane stanovil za úlohu asimilovať západné umenie samotným ruským ľudom prostredníctvom cestovania do zahraničia a prostredníctvom svojej školy.
Ale ani talentovaní Rusi, ktorí študovali v Taliansku a Holandsku, bratia Nikitinovci, Zacharov, Matveev, ani prepustení zahraniční umelci, ani kurz kreslenia a rytia otvorený na Akadémii vied pod vedením Kataríny I. podľa projektu Petra, mohla priniesť dobré ovocie, keďže pôda pre rast nového, svetského umenia nebola pripravená. Spoločnosť, ktorá nemala estetický vývoj, nechápala umelecké potreby, bola cudzia implantovaným európske umenie a obmedzila svoj dopyt na známejší portrét a miniatúru. Užitočnejší boli rytci vzdelaní zo skromných prostriedkov Akadémie vied, ktorí početnými kópiami slávnych obrazov predstavili spoločnosti diela vynikajúceho vkusu, čím prispeli k prebudeniu záujmu o svetské umenie.
Za vlády Alžbety sa túžba po luxuse a pohodlí, podporovaná mimoriadnou nádherou Dvora, rozvinula vo vyšších triedach a dala vzniknúť novým estetickým potrebám.
Podľa módy prinesenej zo Západu začali šľachtici spolu s portrétmi objednávať stropy a obrazy z klasickej mytológie na výzdobu svojich komnát. Kompozície vo francúzskom štýle sa stali obľúbeným a nevyhnutným doplnkom každej oslavy. Pre nedostatok Rusov a niekedy aj pre preferenciu všetkého cudzieho to všetko vykonávali registrovaní cudzinci. Z nich len Giuseppe Valeriani po 14 rokoch činnosti zanechal niekoľko talentovaných ruských študentov, ktorí postúpili za vlády Kataríny II. Zvyšok zostal kolóniou, umelo priliehajúcou k Dvoru a aristokracii, a málo prispel k etablovaniu západného umenia v Rusku.
Rozhodujúci krok k posilneniu tohto umenia bol urobený v roku 1757, kedy podľa projektu I. Šuvalova vznikla samostatná samostatná „tri najušľachtilejšie umenia„Akadémiu umení, kam ich pozval vtedajší zákonodarca v oblasti umenia, Francúzsko, slávnych umelcov, niektorí členovia parížskej akadémie, ktorí položili základ správneho vyučovania umenia.
Dobre umiestnená pod vedením Kokorinova a Losenka, akadémia pod vedením Kataríny II dostala pevnejšie zariadenie. Podľa projektu Betsky založila uzavretú vzdelávaciu školu s cieľom pripravovať umelecky rozvinutých študentov na akadémiu už od raného detstva. Za rovnakým účelom vnuknúť umelcom vkus, akadémia prijala zvyk posielať najlepších študentov do zahraničia na zlepšenie. Je jasné, že táto Akadémia, ktorá mala starostlivo vštepovať a chrániť umenie v Rusku, vytvorené podľa francúzskeho vzoru, oživené nie potrebami spoločnosti, ale túžbou vládnej moci, žila dlho tým, napodobňovanie a nemali národnú pôdu. Umelci, ktorých produkovala, dlho pracovali na objednávku dvora a šľachty. Hlavnými typmi maľby v tejto dobe boli historická a podmienená hrdinská krajinomaľba v štýle Poussins a Claude Lorrain. Ale medzi bezfarebnými imitáciami francúzskych modelov už koncom 18. a začiatkom 19. storočia možno v ruskej maliarskej škole zaznamenať niektoré črty.
Na historických obrazoch Kozlova, Sokolova, Akimova a Ugryumova je pevne zachovaná správna kresba zdedená od Losenka. V krajinách Semyona Shchedrina, Alekseeva, Martynova, Matveeva, prvého slabé pokusy preniesť do obrazu okolitú ruskú realitu, ale v zafarbení bežnej konvenčnosti. Hmatové úsilie o pravdivosť sa nachádza v najlepší maliari portrétov v rovnakom čase - Levitsky, Rokotov, Antropov, Borovikovsky a Kiprensky.
Až do polovice 19. storočia hlavný prúd ruského maliarstva stále pochádzal zo západoeurópskeho zdroja. Tak ako predtým, snažili sa napodobniť buď Francúzov, alebo Talianov a hlavne Bologncov. Takto sa objavili ruskí Poussins, Caracci, Rafaeli, Guido-Reni. Obrazy Egorova, Shebueva, Andreja Ivanova, vyznačujúce sa klasicky prísnou kresbou, antickými formami, hlbokým uvažovaním, majestátnou kompozíciou a dokonca majstrovským prevedením, ukázali, že títo umelci získali dobré formálne vzdelanie a zvládli dominantný štýl. Ale tie isté obrazy ukázali chlad, pritiahnuté za vlasy, nedostatok sviežosti kreativity a nezávislosti. Dôvod týchto nedostatkov spočíval tak v dominantnom štýle, ako aj v organizácii akademického vzdelávania zameraného na formálny rozvoj a napodobňovanie. K tomu sa pridalo osobitné postavenie umenia v ruskej spoločnosti.
Za Alexandra I. a na začiatku vlády Mikuláša I. iba Dvor a aristokracia podporovali a sponzorovali ruské maliarstvo. Táto podpora a patronát prinútili maliarov prispôsobiť sa vkusu patrónov. Zdobené portréty, chladné obrazy pre kostoly, historické maľby, alegorické nástenné dosky, panenské bojové maľby - to je to, čo ruskí umelci tvorili, usilovne vytvárali svoje chladné, oficiálne a bez vlastného vzhľadu, eklektické obrazy s podmieneným suchým vzorom. Prvé pokusy prelomiť toto suché umenie, oživiť kresbu kopírovaním živej prírody bez memorovaných techník – tieto prvé kroky k samostatnosti – urobili Varnek, Basin, Bruni.
Ale iba talentovanému Karlovi Bryullovovi sa podarilo prelomiť a vdýchnuť život. Svojím kolosálnym, široko maľovaným, veľkolepým obrazom „Posledný deň Pompejí“ okamžite prelomil monotónnu, nudnú monotónnosť, chladný pokoj klasicizmu, vniesol zmysel pre farby a vyvolal pokusy o nezávislú kreativitu. Bryullov vniesol do spoločnosti záujem o umenie, do umenia vitalitu a romantizmus. Jeho akvarely a najmä jeho portréty boli predchodcami realizmu. Realizmus vydláždil cestu aj hlbokému, vážnemu A. Ivanovovi, ktorý dal najviac svojho života, aby vytvoril „Zjavenie Krista ľudu“, aby sa udalosť zhmotnila s možnou realitou, a Sylvester Shchedrin, ktorý vo svojich krajinách opustil konvencie Poussina, a energický nasledovník Shchedrina - Lebedev.
V druhom štvrťrok XIX storočia výrazne vzrástol počet umelcov, výrazne vzrástol záujem o maliarstvo a z úzkej sféry, dvornej a šľachtickej, sa začal v spoločnosti širšie rozširovať. Umelecké výstavy začal priťahovať viac návštevníkov. V spoločnosti sa začali objavovať amatéri, ktorí ochotne kupovali obrazy domácich umelcov a dokonca si z nich robili galérie. Potreba umeleckého vzdelávania sa rozvinula natoľko, že Akadémii začala pomáhať aj samotná spoločnosť. V provinciách vzniklo množstvo súkromných škôl kreslenia a maľovania; umelecká trieda, v Petrohrade - spolok na povzbudzovanie umelcov, ktorý urobil veľa pre podporu umenia a šírenie vzdelanosti a umenia. Krúžok amatérov, ktorý v roku 1833 založil výtvarnú triedu, sa čoskoro rozšíril na Spolok milovníkov umenia, pod ktorým sa v roku 1843 výtvarná trieda zmenila na školu maliarstva a sochárstva (neskôr architektúry), z ktorej vychovalo množstvo nadaných umelcov. Cisár Mikuláš I. aktívne podporoval a sponzoroval ruské maliarstvo. V roku 1825 sa v Ermitáži, sprístupnenej verejnosti, medzi inými školami objavilo oddelenie ruskej maľby, aj keď nie bohaté na počet obrazov, ale Nicholas I. získal pre svoj palác veľa obrazov ruských umelcov. To všetko urýchlilo vznik ruského národného umenia.
Pod hlavným oficiálnym prúdom umenia si dlho razil cestu živý prúd realizmu a národnosti, ktorý sa postupne rozširoval. Vzostup národného ducha, rozvoj sebauvedomenia, ktorý sa začal dobou Alexandra I., zrelosť umenia, oslobodenie sa od napodobňovania, v ktorom vždy prechádza prvé obdobie existencie každého umenia, sa prejavilo v r. skutočnosť, že maliari začali robiť pokusy zobraziť svoju bezprostrednú realitu, priblížiť sa k ľuďom. Hlavným priekopníkom národnosti a realizmu po Orlovskom, ktorý v tomto smere podnikal prvé svižné, no plytké pokusy, nebol bývalý člen Akadémie Benátčanov, ktorý sa na začiatku 19. storočia smelo priklonil k nízkemu druhu tzv. vtedajšej maľbe - k žánru, obrazu roľnícky život. Venetsianov, ktorý sa nesnažil vyjadriť hlboké myšlienky, hľadal krásu okolitú realitu a uspokojil sa s jednoduchým stvárnením prírody. Toto svedomité odovzdávanie prírody bolo nevyhnutné a malo veľký význam, pretože vychovalo schopnosť vidieť a chápať realitu takú, aká je, bez prikrášľovania, a tak pripravilo pôdu pre národno-reálne smerovanie.
Venetsianov mal veľa študentov, ale len málo z nich kráčalo v jeho stopách. Títo druhí, ktorí sa nevyznačovali silným talentom, sa nemohli pohybovať žánrová maľba vpred, najmä v čase, keď hromžil K. Bryullov. Historickí maliari obdobia Bryullova – Basin, Shamshin, Nef, Moller, Flavitsky – boli zaneprázdnení chladnými, okázalými, melodramatickými, majstrovsky maľovanými obrazmi. Sauerweid, Kotzebue, Villewald maľovali panegyrické bojové obrazy. Ale spolu so zdobenými portrétmi sa na výstavách od konca 30. rokov 19. storočia začali objavovať pravdivé portréty Bryullova, Tyranova, Zaryanka; spolu s pohľadmi na Konštantínopol a obrázky z talianskeho života - obrázky z ruského života. Žánre Sternberg, Chernyshev, Sokolov, navrhnuté tak, aby sa chválili víťazstvom nad technickými ťažkosťami, ukázali pochopenie ruského života. Po Fedotovových talentovaných a vtipných žánrových maľbách si v 60. rokoch tento žáner získal pozornosť sám pre seba: Timm, Andr. Popov, Trutovský jednajú s maľbami z premyslenej ruskej reality.To je nový smer v ďalší vývoj prešiel okolo Akadémie, ktorá sa tomuto pohybu vyhýbala. Pevne vytvoril názor, že spojenie medzi umením a životom je rúhanie, že kresba, technika, večné univerzálne ideály sú jedinou úlohou umelca.
S nástupom na trón Alexandra II. sa výrazne rozvinul vznikajúci skutočný národný trend. Prispel k tomu vzostup povedomia verejnosti, úplná sloboda umenia, ktorá už nie je obmedzená vládnym vedením, a zmena v organizácii umeleckého vzdelávania na akadémii. Namiesto študentov betskej školy, ktorá zabíjala nezávislosť, sa akadémia zaplnila mladými ľuďmi z rôznych častí Ruska, ktorí stáli blízko života, presýtení Národná identita, uvedomelejší a umelecky vzdelanejší, samostatnejší.
Nevedeli sa zmieriť s konvenciou klasické programy Akadémia a medzi 13, s Kramskoyom na čele, opustil akadémiu v roku 1863. V roku 1872 vytvorili „združenie putovných výstav“, ktoré sa stalo hlavným centrom ruskej národnej školy. Susedili s ním takmer všetky výrazné talenty 70. a 80. rokov. Výstavy, ktoré každoročne putujú po najvýznamnejších mestách Ruska, prispeli k rozvoju umeleckého vzdelávania a záujmu ruskej spoločnosti.
Rast a rozširovanie umeleckého chápania a potrieb sa odráža vo vzniku mnohých umeleckých spoločností, škôl, množstva súkromných galérií (Treťjakovská galéria) a múzeí nielen v hlavných mestách, ale aj v provinciách, v úvode do školy vzdelanie v kreslení, v zbierke umeleckého kongresu v Moskve v roku 1894.
To všetko v spojení s objavením sa množstva brilantných diel ruských umelcov ukazuje, že umenie sa na ruskej pôde zakorenilo a stalo sa národným. Nová ruština národné umenie sa výrazne líšil tým, že jasne a výrazne odrážal hlavné prúdy ruského spoločenského života. Najzreteľnejšie je to vidieť v oblasti žánru. Po prvej plejáde žánrových maliarov 50. rokov, ktorí zobrazovali veselé výjavy, sa v 60. rokoch objavili žánroví maliari spoločensky tendenčného smerovania.
Maliarstvo a najmä žáner sa považovali za povolané konať výchovným spôsobom, bojovať, kázať, odsudzovať. najviac hlavný predstaviteľ toto literárny smer v maľbe bol Perov, za ním stáli Pukirev, Korzukhin, Prjanišnikov, Savickij, Zhuravlev, Mjasoedov, Jarošenko, čiastočne M. Klodt. Táto konštelácia nasledovala obviňujúcu literatúru a na vyjadrenie myšlienok sa použila kresba dobre naučená v starej škole. Literárny smer sa prejavil v prevahe myšlienky, obsahu, oslabení čisto obrazových prvkov – plasticity a farebnosti.
Keď vzrušenie pominulo a pocity opadli, obraz začal strácať poučný tón. Tendenčný smer začal ustupovať do úzadia a nastúpila nová generácia žánrových maliarov, v ktorých sa začali veľmi výrazne ozývať malebné plastické inštinkty formy a farby, túžba nesprostredkovať myšlienku, ale sprostredkovať náladu. Takými sú Arkhipov, Baksheev, Bogdanov-Belsky, Kasatkin, Pasternak, Tvorozhnikov a i. Stúpenci tohto trendu sa niekedy snažia o náladu a farebnosť aj na úkor nápadu a kresby.
Na križovatke medzi jednou a druhou generáciou stoja najvýraznejší žánroví maliari: subtílny, všestranný pozorovateľ a živý maliar Volkov. Najnovšia generácia bitevných maliarov - Samokish, Kivshenko, Kovalevsky - sa zaoberá predovšetkým každodennou stránkou vojenského života, jeho typmi.
Náboženská maľba tiež nasledovala rovnakú cestu skutočného žánru a trendu, neskôr prijala národný trend neskôr ako iné typy maľby. Extrémnym vyjadrením literárneho smeru v oblasti náboženskej maľby bol Geov obraz „Posledná večera“.
Za začiatok dejín ruského maliarstva sa považuje éra prijatia kresťanstva - koniec 10. storočia. S ideológiou kresťanstva v Rusku sa rozšírili tradície byzantského výtvarného umenia, ktoré zostanú dominantné až do 15. storočia. Obrazy Musiy (musiy - vyrobené na farbiarskom strome) najskôr vyrábajú hosťujúci majstri z Grécka, ktorí trénujú talentovanú ruskú mládež. Jedným z nich je mních Alympius z jaskýň, prvý ruský maliar ikon.
Prísny dohľad cirkevných autorít, povoľujúci len kopírovanie gréckych predlôh a potláčajúci akékoľvek pokusy o odklon od kánonu, na dlhší čas spomaľuje rozvoj výtvarného umenia. Do 15. storočia existovala len jedna maliarska škola – Korsun (grécka). Ale v 15. storočí sa situácia zmenila v dôsledku rozšírenia európskych, zdobených polytypmi a rytinami. Toto obdobie zahŕňa dielo Andreja Rubleva, predstaviteľa byzantskej školy, autora nástenných malieb moskovskej katedrály Zvestovania, katedrál Trinity-Sergius Lavra atď.
V 17. storočí bola zaostalosť ruskej ikonopiseckej školy zrejmá aj pre cirkevnú vrchnosť. Panovník Alexej Michajlovič pozýva západných majstrov, ktorí sú schopní maľovať zo života, aby maľovali palácové komnaty - takáto zručnosť v domácej škole absolútne chýbala. Simon Ushakov, kráľovský maliar ikon, sa snaží spojiť byzantské a európske techniky a vytvára nový štýl maľby ikon - Fryazhsky.
XVII storočia. Začiatok vývoja svetského maliarstva
Od 17. storočia sa začala rozvíjať Rus a svetská maľba, najmä rozhodne - za vlády Petra Veľkého. V Taliansku a Holandsku, Matveev, Zakharov, bratia Nikitinovci študujú západný štýl písania, na Akadémii vied sú otvorené kurzy rytia a kreslenia.
Móda, túžba po luxuse sa stala dôvodom vysokého dopytu po maľbe za čias Elizabeth Petrovna. Diela zahraničných umelcov sú však žiadané - ruskí maliari zaostávajú v zručnosti.
V roku 1757 bola v Petrohrade založená Akadémia umení s 5 oddeleniami: maliarstvo, sochárstvo a sochárstvo, rytie, medailérstvo (výroba mincí a medailí) a architektúra. Boli do nej prijímaní ľudia všetkých vrstiev a dokonca aj ženy (so súhlasom otca alebo manžela) – taká bola potreba domácich talentov. Vedenie francúzskeho učiteľstva však na dlhú dobu určilo hlavné typy maľby - historickú a hrdinskú krajinu v štýle Poussins a Claude Lorrain, čo spôsobilo monotónnosť a vysokú konvenčnosť obrazov.
Ale vývoj, aj keď pomaly, ide ďalej. V portrétoch najlepších umelcov V tom čase Levickij, Borovikovskij, Rokotov, Kiprensky, pravdovravnosť prírody sa stávala čoraz výraznejšou. D. G. Levitsky sa stáva najmódnejším portrétistom čias Kataríny II. Jeho slávnostné, veľmi pekné diela sú v aristokratickom prostredí veľmi žiadané, charakteristickým príkladom Levického maniera je celovečerný portrét Kataríny II. Orest Kiprensky sa radí medzi najlepších ruských portrétistov. Jeho najlepšie diela sú portrét Thordvalsena, obrazy „Sibyla Tiburtinskaja“, „Dievča s ovocím“ atď.
Ruská maľba zostala veľmi dlho, až do prvej polovice 19. storočia, prevažne imitačná. Maliari kopírovali techniky a námety francúzskych, talianskych (bolonských) majstrov. Dôvodom bolo akademické vzdelanie a svetská požiadavka, ktorá podobne ako cirkevná vrchnosť vštepovala myšlienky napodobňovania.
Prvými umelcami, ktorí urobili krok k nezávislosti a živosti obrazu, boli Basin, Warnek, Bruni. Zásadný zlom od tradície klasicizmu však robí Karl Bryullov, ktorý napísal Posledný deň Pompejí. Bryullovovi sa podarilo v spoločnosti vzbudiť záujem o živé umenie a jeho romantický spôsob písania sa stal predzvesťou ruského realizmu.
XIX storočia. Formovanie národného maliarstva
Druhá polovica 19. storočia je charakteristická neustálym rastom lásky a jednoduchého záujmu o umenie. Existuje veľa výstav. Objavujú sa bohatí fajnšmekri, skupujú plátna a tvoria súkromné galérie. Existujú súkromné školy kreslenia.
V roku 1825 in otvorený prístup Ermitáž organizuje oddelenie ruskej maľby. Rozchod s napodobňujúcim akademizmom je vyjadrený apelom na každodenný a roľnícky život, zápletkami jednoduchej reality. A hoci v obrazoch Venetsianova ide skôr o hľadanie krásy ako, majú veľký význam pre formovanie ruskej realistickej školy.
V roku 1863 skupina umelcov vedená Kramskoyom, odsudzujúca politiku Akadémie umení, opustila jej zloženie a v roku 1872 vytvorili „združenie putovných výstav“, v budúcnosti - centrum národnej ruskej maliarskej školy. . Postupom času sa k nim pridávajú tí najtalentovanejší a najoriginálnejší umelci.
Počas týchto rokov sa objavila Treťjakovská galéria, mnoho múzeí nielen v oboch hlavných mestách, ale aj v provinčné mestá. Dominantný smer sa stáva spoločensky tendenčným, určeným na zobrazovanie, ovplyvňovanie, boj, odsudzovanie a kázanie. Myšlienky literatúry a sociálneho myslenia inšpirovali obrazy Perova, Pukireva, Pryanishnikova, Korzukhina, Savitského, Myasoedova, Klodta.
Čas na zmenu
Koniec 19. – začiatok 20. storočia je časom revolučných zmien a očakávania obrodenia Ruska. Počas tohto obdobia sa objavili slávni „Bogatyrs“ od Vasnetsova a „Cossacks“ od Repina, „Suvorovov prechod cez Alpy“ od Surikova. Obrazy vyjadrujú vlastenecké myšlienky národnej veľkosti a najvnútornejšiu myšlienku jej obrodenia.
No nielen príťažlivosť k veľkým stránkam histórie je charakteristická pre dobu veľké zmeny. Mladší Tuláki - S. Korovin, S. Ivanov, N. Kasatkin a ďalší - sa obracajú k hluchému životu, vytvárajúc ostro sociálne, revolučné plátna vo svojej pravdivosti.
Pokladnica ruskej maľby:
História Ruského múzea
Človek môže dôkladne poznať expozície Ermitáže, vie sa v nich dokonale orientovať Tretiakovská galéria, môžete byť kedykoľvek pripravení poskytnúť svojim priateľom improvizovanú prehliadku Puškinovho múzea, no stále sa nepovažujte za odborníka na ruské umenie.
A všetko prečo? Pretože bez Ruského múzea v tomto prípade nikde! Dnes si pripomenieme históriu múzea, v ktorom sa nachádza jedno z naj veľké zbierky Ruská maľba vo svete.
Milovník umenia Alexander III
13. apríla 1895 vydal cisár Mikuláš II. dekrét, podľa ktorého malo byť v Petrohrade zriadené „Ruské múzeum pomenované po cisárovi Alexandrovi III.“. A múzeum bolo oficiálne otvorené až 8. marca 1898. Ale myšlienka vytvorenia múzea prišla na myseľ Alexandra III dávno predtým.
V mladom veku budúci cisár Alexander III mal rád umenie a dokonca sám študoval maľbu u profesora Tikhobrazova. O niečo neskôr jeho vášeň zdieľala jeho manželka Maria Fedorovna a obaja pokračovali v štúdiu pod prísnym vedením akademika Bogolyubova.
Dekrét o zriadení Ruského múzea
vydal Mikuláš II
Po prevzatí moci si cisár uvedomil, že nie je možné spojiť vládu a maľbu, a preto opustil svoje umenie. Nestratil však lásku k umeniu a premárnil značné sumy z pokladnice na nákup umeleckých diel, ktoré už neboli umiestnené ani v Gatchine, ani v Zimnom paláci, ani v Aničkovom paláci.
Vtedy sa Alexander rozhodol vytvoriť štátne múzeum, v ktorom by mohli byť uložené obrazy ruských maliarov a ktoré by zodpovedalo prestíži krajiny, zvýšilo vlasteneckú náladu a to všetko. Predpokladá sa, že po prvý raz cisár vyslovil myšlienku po 17. výstave Spolku tulákov v roku 1889, kde získal Repinov obraz „Mikuláš z Myry zachraňuje troch nevinne odsúdených pred smrťou“.
Ilya Repin „Nicholas z Mirlikiy zachráni troch nevinne odsúdených pred smrťou“
Zvláštne postavenie Ruského múzea
Do roku 1895 sa im podarilo vytvoriť projekt na výstavbu budovy Múzea ruského umenia na Akadémii umení a dokonca dokončiť odhad, ale 21. októbra 1894 zomrel Alexander III. a zdalo sa, že múzeum sa nikdy nestane realitou. Ale Nicholas II sa pustil do práce. Rozhodol sa dať Michajlovský palác kúpený do štátnej pokladnice pre potreby múzea.
Inšpirovaný Repinovým obrazom
Alexander III na vytvorenie múzea
Nariadenie o múzeu z roku 1897 zdôraznilo jeho osobitné postavenie. Boli stanovené špeciálne pravidlá pre tvorbu zbierky, napríklad diela súčasných umelcov museli byť najskôr 5 rokov v múzeu na Akadémii umení a až potom podľa výberu manažéra mohli byť umiestnené v ruskom jazyku. múzeum.
Umelecké predmety umiestnené v múzeu tam mali ostať navždy – to znamená, že ich nebolo možné odniesť ani preniesť na iné miesto. Správca bol menovaný najvyšším osobným dekrétom a musí nevyhnutne patriť do cisárskeho domu.
Manažér ruského múzea
mala patriť cisárskemu domu
Michajlovský palác
So svetom na vlásku - zbierka do múzea
Najprv zbierka múzea pozostávala z zozbieral Alexander III obrazy, ktoré boli prenesené z Akadémie umení, Ermitáže, napríklad slávny obraz Karla Bryullova „Posledný deň Pompejí“. Winter, palác Gatchina a Alexander. Časť zbierky bola zakúpená zo súkromných zbierok.
Ako rozhodol Mikuláš II., zbierka sa mala v budúcnosti dopĺňať na náklady pokladnice, ktorá dokonca zaviedla samostatný paragraf pre múzeum, a vďaka prípadným darom.
Bolo ich prekvapivo veľa, veľkosť zbierky sa rýchlo rozrástla a takmer zdvojnásobila oproti pôvodným 1,5 tisícom diel a 5000 exponátom z Múzea kresťanských starožitností. „Farbu národa“ zapísali do múzea prví pracovníci – najvýznamnejší vedci, kritici umenia a historici, napríklad A.P. Benois, P.A. Bryullov, M.P. Botkin, N.N. Punin a ďalší.
Múzejný život v 20. storočí
Vďaka Štátnemu muzeálnemu fondu, ktorý pracoval v prvých rokoch po októbrovej revolúcii, sa zbierka múzea po roku 1917 prudko rozrástla. Veľké medzery v zbierke boli vyplnené, napríklad niektoré trendy v ruskej maľbe neboli nejaký čas v múzeu prezentované a zbierka niektorých bola mimoriadne vzácna.
V roku 1922 bola prvýkrát postavená expozícia múzea podľa vedecko-historického princípu, čím sa múzeum dostalo na kvalitatívne novú úroveň. Samotná budova Michajlovského paláca však na rozšírenú zbierku nestačila a múzeum postupne začalo „dobýjať územie“.
V 30-tych rokoch obývaný dovtedy nájomníkmi Benois Corps Rossiho krídlo v Michajlovskom paláci bolo uvoľnené a presunuté do Ruského múzea a o niečo neskôr sa etnografické oddelenie „vysťahovalo“ z rodičovského hniezda Ruského múzea, ktoré sa stalo Štátnym múzeom etnografie národov ZSSR. V 40. rokoch bola budova Benois a Michajlovský palác dokonca prepojená špeciálnym priechodom.
Benoisovo krídlo na Gribojedovskom kanáli
Kam ísť a čo vidieť?
AT začiatkom XXI storočia, Letná záhrada so zbierkou o mramorové sochy(áno, áno, v letná záhrada teraz existujú len kópie!), ako aj Letný palác Petra I., v ňom umiestnené Kaviarne a čajovne. Dom Petra I. na nábreží Petrovskaja, ktorý tiež patrí k Ruskému múzeu, bol najskôr postavený z guľatiny, no po čase bol obložený kameňom a o niečo neskôr aj tehlovým krytom.
Serov Valentin Alexandrovič.
"Portrét Idy Rubinsteinovej"
Medzi najviac slávnych diel umenia uloženého v Ruskom múzeu, možno menovať ikony Andreja Rubleva a Simona Ušakova, plátna Bryullova „Talianske poludnie“ a „Posledný deň Pompejí“, Aivazovského „Deviata vlna“ a „Vlna“, „Bárg“. Dopravcovia na Volge“ od Repina, „Vityaz na križovatke“ od Vanetsova, „Suvorov prechod cez Alpy“ od Surikova, „Portrét Idy Rubinsteinovej“ a „Únos Európy“ od Serova, „Portrét F.I. Chaliapina“ od Kustodieva.
Ale to je len malá časť z tých krásnych obrazov ruských maliarov, ktoré sú uložené v Ruskom múzeu.
